Публикации раздела Музеи

Судьбы красавиц со знаменитых портретов

М ы знаем их в лицо и любуемся красотой в расцвете молодости. Но как жили эти женщины дальше, после того, как картина была закончена? Иногда их судьба оказывается удивительной. Вспоминаем с Софьей Багдасаровой .

Сарра Фермор

И.Я. Вишняков. Портрет Сарры Элеоноры Фермор. Около 1749–1750. Русский музей

Картина Вишнякова - один из самых прелестных образцов русского рококо и один из самых знаменитых портретов эпохи императрицы Елизаветы Петровны. Особенно эффектен контраст между ребяческой прелестью 10-летней девочки и тем, что она все пытается делать «как взрослая»: принимает правильную позу, держит веер согласно этикету, старательно сохраняет осанку в корсете придворного платья .

Сарра - дочь генерала Виллима Фермора, обрусевшего шотландца на русской службе. Это он взял нам Кёнигсберг и всю Восточную Пруссию, а на гражданской службе после пожара отстроил классицистическую Тверь в том виде, который восхищает нас сейчас. Мать Сарры тоже была из шотландского рода - из Брюсов, причем приходилась племянницей знаменитому Якову Брюсу, «колдуну с Сухаревой башни».

Сарра была выдана замуж по тем временам поздно, в 20 лет, за своего ровесника Якоба Понтуса Стенбока - представителя графской шведской семьи (из нее даже вышла одна шведская королева). Стенбоки к тому времени перебрались в российскую Эстляндию. Супруги жили, скажем прямо, неплохо: достаточно сказать, что это в их дворце в Таллине сейчас размещаются помещения эстонского премьер-министра и зал заседаний правительства. Сарра, по некоторым указаниям, стала матерью девяти детей и скончалась уже при императоре Александре I - то ли в 1805 году, то ли вообще в 1824-м.

Мария Лопухина

В.Л. Боровиковский. Портрет М.И. Лопухиной. 1797. Третьяковская галерея

Боровиковский написал множество портретов русских дворянок, но этот - самый чарующий. В нем все приемы мастера применены так искусно, что мы и не замечаем, каким именно способом нас околдовывают, как создается очарование этой барышни, которой почти сто лет спустя Яков Полонский посвящал стихи («...но красоту ее Боровиковский спас»).

Лопухиной на портрете 18 лет. Ее непринужденность и чуть надменный взгляд кажутся то ли обычной позой для подобного портрета эпохи сентиментализма, то ли признаками меланхолического и поэтического нрава. Но каким на самом деле был ее характер, мы не знаем. При этом Мария, оказывается, была родной сестрой Федора Толстого (Американца), известного своим вызывающим поведением. Удивительно, но если взглянуть на портрет ее брата в молодости (Государственный музей Л.Н. Толстого), то мы увидим ту же вальяжность и расслабленность.

Портрет был заказан ее мужем, Степаном Лопухиным, вскоре после свадьбы. Лопухин был старше Марии на 10 лет и происходил из богатого и знатного рода. Через шесть лет после написания картины девушка умерла - от чахотки. Через 10 лет умер и ее муж. Поскольку они были бездетными, картину унаследовала единственная выжившая дочь Федора Толстого, у которой в 1880-х годах ее и купил Третьяков.

Джованнина Пачини

К.П. Брюллов. Всадница. 1832. Третьяковская галерея

«Всадница» Брюллова - блистательный парадный портрет, в котором роскошно все - и яркость красок, и пышность драпировок, и красота моделей. Русскому академизму есть чем гордиться.

На нем написаны две девочки, носившие фамилию Пачини: старшая Джованнина сидит на лошади, младшая Амацилия смотрит на нее с крыльца. Но имели ли они право на эту фамилию, до сих пор не ясно. Картину Карлу Брюллову - своему многолетнему возлюбленному - заказала их приемная мать, графиня Юлия Самойлова, одна из красивейших женщин России и наследница колоссального состояния Скавронских, Литта и Потемкина. Бросив первого мужа, Самойлова уехала жить в Италию, где в ее салоне бывали и Россини, и Беллини. Своих детей у графини не было, хотя она еще дважды выходила замуж, один раз - за молодого и красивого итальянского певца Пери.

По официальной версии, Джованнина и Амацилия были родными сестрами - дочерьми автора оперы «Последний день Помпеи», композитора Джованни Пачини, друга (и, по слухам, возлюбленного) графини. Она забрала их в свой дом после его смерти. Однако, судя по документам, у Пачини была только одна дочь -младшая из девочек. Кто была старшая? Есть версия, что ее вне брака родила сестра того самого тенора Пери, второго мужа Самойловой. А может, у графини с девочкой была и более тесная родственная связь... Недаром «Всадницу» сначала считали портретом самой графини. Повзрослев, Джованнина вышла замуж за австрийского офицера, капитана гусарского полка Людвига Ашбаха, и уехала с ним в Прагу. Самойлова гарантировала ей большое приданое. Однако, поскольку к старости графиня разорилась (ей пришлось выплачивать третьему мужу, французскому аристократу, огромные алименты), обе «дочери» взыскивали со старухи «матери» обещанные деньги через адвоката. Самойлова скончалась в бедности в Париже, дальнейшая же судьба ее воспитанниц неизвестна.

Елизавета Мартынова

К.А. Сомов. Дама в голубом. 1897–1900. Третьяковская галерея

«Дама в голубом» Сомова - один из символов живописи Серебряного века, по выражению искусствоведа Игоря Грабаря - «Джоконда современности». Как и в картинах Борисова-Мусатова, здесь не только наслаждение красотой, но и любование уходящим очарованием помещичьей России.

Елизавета Мартынова, которая позировала Сомову на портрете, была, видимо, одной из немногочисленных женских симпатий художника. Художник познакомился с ней, дочерью врача, во время учебы в Императорской Академии художеств - она была в числе учеников набора 1890 года, когда женщинам впервые разрешили поступать в это учебное заведение. Удивительно, но произведений самой Мартыновой, кажется, не сохранилось. Однако ее портреты писали не только Сомов, но и Филипп Малявин и Осип Браз. Вместе с ней училась Анна Остроумова-Лебедева, которая в своих мемуарах мимоходом отметила, что, хотя Мартынову писали всегда высокой статной красавицей, на самом деле она была маленького роста. Характер у художницы был эмоциональный, гордый и легкоранимый.

Сомов писал ее несколько раз: в 1893 году акварелью в профиль, через два года - карандашом, а в 1897 году он создал ее небольшой портрет маслом на фоне весеннего пейзажа (Астраханская художественная галерея). Эту же картину он создавал с перерывами три года: из них художник два провел в Париже, а Мартынова для лечения болезни легких на долгое время поселилась в Тироле. Лечение не помогло: примерно через четыре года после окончания полотна она скончалась от чахотки в возрасте около 36 лет. Семьи у нее, видимо, не было

Галина Адеркас

Б.М. Кустодиев. Купчиха за чаем. 1918. Русский музей

Хотя «Купчиха за чаем» Кустодиева написана в послереволюционном 1918 году, для нас она - настоящая иллюстрация той яркой и сытой России, где ярмарки, карусели и «хруст французской булки». Впрочем, Кустодиев после революции своим любимым сюжетам не изменял: для человека, до конца жизни прикованного к инвалидному креслу, это стало формой эскапизма.

Для купчихи в этом портрете-картине позировала Галина Адеркас - натуральная баронесса из рода, ведущего свою историю аж от одного ливонского рыцаря XIII века. Одна из баронесс фон Адеркас даже была воспитательницей Анны Леопольдовны.

В Астрахани Галя Адеркас была соседкой Кустодиевых по дому, с шестого этажа; в студию девушку привела жена художника, приметив колоритную модель. В этот период Адеркас была совсем молода, студентка-первокурсница медицинского факультета. И честно говоря, на набросках ее фигура выглядит гораздо тоньше и не такой внушительной. Изучала она, как говорят, хирургию, но увлечения музыкой увели ее в другую сферу. Обладательница интересного меццо-сопрано, в советские годы Адеркас пела в составе русского хора в Управлении музыкального радиовещания Всесоюзного радиокомитета, участвовала в озвучивании фильмов, но большого успеха не добилась. Вышла замуж она, судя по всему, за некоего Богуславского и, возможно, стала выступать в цирке. В Рукописном отделе Пушкинского Дома даже хранятся рукописные воспоминания за авторством Г.В. Адеркас, озаглавленные «Цирк - это мой мир...». Как сложилась ее судьба в 30-е и 40-е годы - неизвестно.

Красота женского тела была и остается желанным объектом для изображения художниками всех времен и народов.

Больше всего живописной обнаженки подарила нам, конечно же, эпоха Возрождения, когда бурно воспевалось великолепие нагих тел по античным канонам. Однако и мастера более позднего времени ничуть не уступают в умелом представлении женского образа. Сменились техники, места, на фоне которых изображали дев, да и сами музы со временем начали приобретать другие черты. Но изображение женской натуры по-прежнему является особенной темой, будоражащей сознание всех поклонников природной красоты.

Сандро Ботичелли

«Рождение Венеры» 1482-1486

Питер Пауль Рубенс

Рубенс был великолепным портретистом, писал пейзажи и картины на религиозные темы, основал стиль барокко, но широкая общественность лучше всего знает Рубенса по изображениям обнаженных женщин и мужчин мягко говоря не астенического телосложения.

«Союз земли и воды», 1618

«Три грации», 1639

Франсиско Гойя

«Маха обнаженная», примерно 1800

Не все знают, что Маха - это вовсе не имя, а название для испанских простонародных горожанок 18-19 века.

Маха, образ которой сложился в Андалузии, со временем стала восприниматься как квинтэссенция испанки. Из-за романтизма, живописности, сильного национального акцента и бурной страсти.

Эжен Делакруа

«Свобода, ведущая народ», 1830

Делакруа создал картину по мотивам июльской революции 1830 года, положившей конец режиму Реставрации монархии Бурбонов. В письме брату 12 октября 1830 года Делакруа пишет: «Если я не сражался за Родину, то я хотя бы буду для неё писать».

Обнаженная грудь на картине не просто так. Она символизирует самоотверженность французских людей того времени, которые с «голой грудью» шли на врага.

Жюль Жозеф Лефевр

Лефевр был французским салонным художником, специализировавшимся на изображении прекрасных девушек. Именно благодаря изображению женской красоты он занял весьма видное место как изящный, хотя и несколько манерный рисовальщик.

«Мария Магдалина в гроте», 1836

У картины «Мария Магдалина в гроте» своя особенная история. После выставки 1876 г. ее купил Александр Дюма-сын. После его смерти она была отправлена в Петербург на выставку в 1896 г. Николай II приобрел ее для Зимнего дворца и сейчас «Марию Магдалину» можно увидеть среди сокровищ Эрмитажа.

Эдуар Мане

На Парижском салоне 1865 года картина стала причиной одного из самых больших скандалов в истории искусства. Современники не смогли увидеть объёмности изображённой фигуры и считали композицию картины грубой и плоской. Мане обвинили в аморальности и вульгарности. Картина собирала сотни людей, пришедших на выставку лишь для того, чтобы обругать картину и плюнуть на неё. В итоге картину перевесили в самый дальний зал Салона на такую высоту, что её было почти не видно. Какие люди были нервные в те времена.

Пьер-Огюст Ренуар

Ренуар известен в первую очередь как мастер светского портрета, не лишённого сентиментальности; он первым из импрессионистов снискал успех у состоятельных парижан. Обнаженная натура была одним из любимых жанров Ренуара.

«Обнаженная в солнечном свете», 1876

Впервые показанная на Второй выставке импрессионистов в 1876 году, где получила очень резкие отзывы критиков: «Внушите господину Ренуару, что женское тело - это не нагромождение разлагающейся плоти с зелеными и фиолетовыми пятнами, которые свидетельствуют о том, что труп уже гниет полным ходом!»

«Большие купальщицы», 1887

А эта картина ознаменовала переход Ренуара от чистого импрессионизма в сторону классицизма и энгризма. «Большие купальщицы» выполнена более четкими линиями, более холодными цветами, и при написании этой картины Ренуар впервые использовал эскизы и наброски.

Владислав Подковинский

«Женский оргазм», 1894

Из названия понятно, что в своей работе изобразил польский художник Владислав Подковинский... Выставка картины началась с грандиозного скандала и продолжалась в течение 36 дней. Не выдержав давления, на 37 день Подковинский пришел с ножом и изрезал все полотно. Художник умер от туберкулеза в 29 лет. После его смерти картину было решено восстановить.

Адольф-Вильям Бугро

Джон Кольер

Диапазон тем картин английского живописца Кольера весьма широк. Однако наибольшую популярность он приобрел из-за использования в истинно романтической традиции образов красивых женщин из легенд, мифов, литературы и истории в качестве основной темы для своих картин.

«Леди Годива» была написана по сюжету легенды. Изображенная на картине обнаженная красавица (леди Годива) умоляла своего могущественного и властного мужа (графа Леофрика) снизить в его владениях налоги для бедных. На что тот предложил почти проигрышное пари. Он пообещал уменьшить налоги в том случае, если его леди проедет через селение Ковентри обнаженной на коне, что жена и сделала.

Герберт Джеймс Дрейпер

«Одиссей и сирены», 1909

Давид Штеренберг

«Обнаженная», 1908

Густав Климт

Все детали, относящиеся к мифологическому сюжету, удалены из картины, оставлена лишь сцена оплодотворения золотым дождем, в который превратился Зевс. Выбор позы и искаженная перспектива придают телу Данаи необычайную сексуальность.

Ни в одной другой работе художник не доводил женскую сексуальность до такой гипертрофированности - это самопоглощенное вожделение.

Герберт Джеймс Дрейпер

Герберт Джеймс Дрейпер являлся художником, известным работами на историческую и мифологическую темы. Хотя Дрейпер получил признание в течение жизни, сейчас его работы несправедливо забыты и их редко можно встретить на аукционах.

«Гора Туманов», 1912

«Гора туманов» является одним из самых мощных, чувственных и чарующих из всех изображений художника. Представленные нагие девушки красивы как нимфы Уотерхауса, хотя в отличие от его роковых женщин заманивают мужчин к их гибели.

Борис Кустодиев

Живописная пластика, акцент на артистизме модели и яркая характеристика внешности - вот основные черты творчества Бориса Кустодиева.

«Русская Венера» 1925-1926

«Русская Венера» изображает пышнотелую бабу в бане, но в отличие от богини, обнаженную девушку окружает не морская пена, а клубы пара русской бани. Радужные пузыри на деревянной лавке подтверждают, что перед нами именно Венера. Богиня ведь родилась из пены Средиземного моря! А здесь, в России, - из пены банной...

Амедео Модильяни

Модильяни по праву считается певцом красоты обнажённого женского тела. Он одним из первых начал изображать ню более реалистично в эмоциональном плане. Именно это обстоятельство в своё время привело к молниеносному закрытию его первой персональной выставки в Париже. Картины Модильяни, выполненные в жанре ню, считаются жемчужиной его творческого наследия.

«Сидящая обнажённая», 1916

Эгон Шиле

Живопись и графика Эгона Шиле - нервная, изощренная, драматичная и очень сексуальная. Находясь под сильным влиянием психоанализа Зигмунда Фрейда, Шиле в своем творчестве давал волю собственным комплексам и сомнениям, и многие его произведения носили откровенно сексуальный характер. Это послужило даже причиной тюремного заключения художника за «создание аморальных рисунков».

«Обнаженная на коленях», 1917

«Лежащая женщина», 1917

Андерс Цорн

Шведский живописец и график, который особое внимание уделял индивидуальности обнаженной модели, своеобразии её мимики, жестов, выражения лица, которые остро схвачены в его работах.

«В гребной лодке Вернера», 1917

«Размышления», 1889

Зинаида Серебрякова

Зинаида Евгеньевна Серебрякова одна из первых русских женщин, вошедших в историю живописи. Живописными средствами художница представляла образ чистого женского тела. У ее моделей не было спортивного телосложения, в них нет жесткости, резкости, а лишь плавное созвучие с окружающей средой.

В «Бане» Серебрякова изобразила обнаженных женщин без прикрас, черты идеализации появились в ее творчестве позже.

«Лежащая обнаженная», портрет Неведомской, 1935

В позднем творчестве Серебряковой все больше возрастала тема произведений с изображением обнаженных моделей, и Серебрякова осталась верна жанру «ню». В «Лежащей обнаженной» она чувствует, что эта тема ей удается, и обращается к ней постоянно.

«Спящая натурщица», 1941

Игорь Эммануилович Грабарь

Игорь Эммануилович Грабарь один из самых известных художников в истории русской культуры XX века. Одной из самых известных его работ является портрет «Флоры».

Александр Михайлович Герасимов

Еще один известный русский художник, который, в отличие от предыдущего, занимался изображением грубоватой и упрощенной эротики.

«Деревенская баня», 1938

На тему «Деревенской бани» художник писал множество этюдов «для себя» на протяжении многих лет. В картине несколько обнаженных женских тел, связанных сложной структурной композицией. Каждая фигура - это образ, индивидуальный характер.

Аркадий Александрович Пластов

Аркадий Пластов - «певец советского крестьянства». Особое внимание в своих работах он уделял патриотическому труду женщин в годы Великой Отечественной Войны. Красочный образ и простоту художник запечатлел в в картине «Трактористки»

«Трактористки», 1943

По своей переменчивости мода проигрывает только погоде, хотя это вопрос спорный. Более того, меняется мода не только на одежду, стили или аксессуары, но и на женскую красоту. Признанная красавица одной эпохи, через полвека может считаться дурнушкой (но мы-то с вами знаем, что некрасивых женщин не бывает). Во все времена на капризы мод очень чутко реагировали художник, поскольку всегда стремились изображать самых красивых женщин своей эпохи.

Древняя Греция и Рим

К сожалению, о женских идеалах Античности приходится судить по фрескам и скульптурам, полноценных живописных произведений не сохранилось. В Древней Греции эталоном женской красоты считались богиня Афродита, дама пышных форм с длинными густыми рыжими волосами. Именно такой она изображена на картине Сандро Боттичелли «Рождение Венеры», правда созданной уже в 1485 году. В Древнем Риме больше всего ценили красоту женского лица, а пышность форм была на втором месте. Например, с таким прицелом создана картина «Прозерпина» (1874) Данте Россетти.

Средневековье

В Средние века за воспевание женской красоты можно было отправится на костер, поэтому каких-то художественных свидетельств не осталось. Демонстрировать женскую фигуру строжайше запрещалось. Одежда должна была полностью скрывать тело, а волосы прятали под головные уборы. Эталоном женской красоты были святые женщины, которые отдавали себя служению Богу.

Эпоха возрождения

Эпоха Возрождения носит такое название благодаря возрождению интереса к идеалам Античности, в том числе и в вопросах женской красоты. Широкие бедра, пышнотелость, удлиненное лицо, здоровый румянец - так должна была выглядеть первая красавица 15-16 веков. Именно такими изображены женщины на картинах Сандро Боттичелли, Рафаэля Санти и Микеланджело. Идеалом красоты эпохи Ренессанса можно назвать итальянку Симонетту Веспуччи, которая изображена на нескольких картинах Боттичелли «Весна» (1478), «Рождение Венеры» (1485), «Портрет молодой женщины» (1485). В эпоху Возрождения в моде был высокий лоб, и чтобы добиться такого эффекта модницы выбривали брови и линию роста волос. Это хорошо заметно на знаменитой картине «Мона Лиза» Леонардо Да Винчи.

Эпоха барокко

В конце 16 - начале 17 веков идеалом женской красоты были белокожие женщины (загар считался уделом крестьянок) с маленькой грудью, крошечной ножкой, бледным лицом, но с пышными бедрами. К тому же, любая аристократка должна была иметь высокую сложную прическу. Эти модные тенденции хорошо заметны на портрете фаворитки Людовика XIV мадам де Монтеспан (1670) работы Пьера Миньяра. Именно к этому периоду относится знаменитая работа Яна Вермеера «Женщина с жемчужной сережкой» (1665).

Эпоха рококо

Если на картине женщина больше похожа на фарфоровую куколку, окружена веерами, зонтиками, муфтами и перчатками, то можно смело утверждать, что речь идет об эпохе рококо. В начале 18 века в моду входит «легкая анорексия»: женская красота становится хрупкой, с узкими бедрами, маленькой грудью, впалыми щеками. Есть свидетельства, что для получения эффекта «впалых щек» некоторые дамы удаляли боковые зубы, оставляя только передние - красота требует жертв. Каноны красоты эпохи рококо прекрасно иллюстрируют портреты Франсуа Буше, например «Портрет маркизы де Помпадур» (1756).

Эпоха романтизма

Только во второй половине 19 века естественный румянец, здоровая свежесть и округлость форм вновь становятся стандартами женской красоты. А самой притягательной частью женского тела становятся округлые плечи, оголять которые было просто необходимо для любой красавицы. Именно такие женщины встречаются на картинах Адольфа Бугро, таких женщин изображали первые импрессионисты («Рождение Венеры» Бугро, «Большие купальщицы» Ренуар, «Голубые танцовщицы» Дега).

Начало ХХ века

«Русская Венера», «Купчиха за чаем», «Девушка на Волге» Бориса Кустодиева прекрасно иллюстрируют каноны красоты начала 20-го века. Все, чем восхищался романтизм в женщине, стало еще более пышным и весомым. 20-40 годы ХХ века

Середина ХХ века

Идеалом женской красоты середины прошлого века становится Мэрилин Монро. Невысокая блондинка, без каких-либо перегибов в сторону худобы или пышнотелости. Ее образ охотно использовал в своих работах основатель поп-арта Энди Уорхол.
Говорить о дальнейшем развитии идеалов женской красоты, тем более в их связи с живописью, пока не стоит. Нужно только отметить, что история развивается по кругу, и в моду снова входят худоба и болезненность.

Картины известных художников хранят секреты людей, изображенных на них. Мы предлагаем вам прогуляться по виртуальной картинной галерее и изучить истории женщин с картин. Эти истории могут быть романтическими, мистическими или просто забавными.

Это произведение искусства - одно из самых знаменитых полотен живописца - впервые было представлено на суд зрителей в Италии, где благосклонно принялось критиками. Карл Брюллов был первым художником России, прославившемся в чопорной Европе. Долгое время предполагалось, что эта картина - портрет молодой графини Юлии Самойловой, которую художник очень любил и часто изображал на своих полотнах. К примеру, в картине «Последний день Помпеи» сразу три персонажа обладают чертами лица Юлии Самойловой. Однако при сравнении картины «Всадница» с портретами графини, которые Брюллов писал позже, становится ясно, что на картине не Юлия Самойлова. Но кто же? В одной из своих картин Карл Брюллов изобразил графиню Самойлову со своей воспитанницей Джованниной, в другой картине он нарисовал ту же графиню с приемной дочерью Амацилией. Исследователи творчества Брюллова пришли к выводу, что на картине изображены именно эти девочки, которых воспитывала графиня. Но картины известных художников обычно несут в себе какую-то загадку. Чтобы разгадать загадку из этой картины, нужно присмотреться к собачке в ошейнике, которую художник изобразил возле маленькой девочки. На ошейнике написана фамилия ее владелицы - Самойлова.

Вроде бы то, как создавалась картина «Аленушка» уже давно известно всем. Полагается, что Васнецов в образе печальной героини русских былин изобразил девушку, с которой судьба его свела в деревне Ахтырка. Говоря об этом полотне, многие приводят цитату самого Васнецова, где он признается, что образ Аленушки уже давно поселился в его голове, но окончательный вариант портрета сформировался, когда в деревне Ахтырка он познакомился с простой девушкой. Но так ли это? В одной из записок художника можно прочесть истинную историю написания картины. Васнецов признается, что, хоть у него уже и был эскиз картины, написанной с этой простой девушки, но это не натурно-жанровая вещь. Художника на самом деле вдохновляли глаза Веруши Мамонтовой. Он признавался, что глаза именно этой девушки мерещатся ему повсюду и поселились в его душе. Кто такая Веруша Мамонтова? Безусловно, ее образ знаком любителям живописи, ведь именно она нарисована на картине Серова «Девочка с персиками». Теперь, зная откровения художника, в Аленушке можно легко найти черты лица Веруши Мамонтовой.

Иногда картины известных художников удивляют тем, откуда взялся подобный сюжет, иногда источники вдохновения бывают неожиданными. Это можно сказать об истории написания полотна «Неравный брак». Один аристократ из Москвы решил записать мемуары, где рассказывал обо всех своих родственниках, в том числе и о своем дяде Сергее Варенцове. В 1862 году этот дядя, будучи молодым человеком, вдруг влюбился в миленькую дочь купца Рыбникова - Софию. И влюбился так сильно, что даже посватался, но ему отказали. Расчетливый отец девушки не захотел отдавать дочку замуж за юного и легкомысленного повесу, а предпочел отдать ее руку престарелому и не бедному купцу Корзинкину (интересно, что «престарелому» жениху тогда было 38 лет). По злому стечению обстоятельств молодому Варенцову пришлось исполнять роль шафера на этой свадьбе. Художник Василий Пукирев настолько проникся этой историей и терзаниями любящего сердца, что создал это полотно. Благодаря этой картине Василий Пукирев получил звание профессора, а также хорошие деньги: полотно сразу купил коллекционер живописи Борисовский, а уже у него его перекупил Третьяков. Правда, полотно Пукиреву пришлось немного переделать, потому что Варенцов на этой картине узнал в шафере себя. Художник так точно изобразил Варенцова в своем произведении, что благодаря популярности картины его несчастливую любовь стала обсуждать вся Москва. В итоге Пукиреву пришлось переписать лицо шафера и теперь, глядя на картину, публика видит на заднем плане изображение лица самого Пукирева.

Картина «Портрет М. И. Лопухиной» работы Владимира Боровиковского

Эта картина создавалась в 1797 году и являет собой романтический женский образ. Уже не один век она восхищает взоры публики, а знатоки живописи считают ее одой сентиментализму. Картины известных художников часто сопровождаются мистическими небылицами. Такая небылица связана и с этой картиной. Изображение 18-летней красавицы - первая в истории России картина, овеянная мистицизмом. Девушка, изображенная на портрете, была дочкой графа Ивана Толстого. В год написания портрета она обвенчалась со Степаном Лопухиным, служившим в администрации Павла I. Сразу после венчания муж заказал Боровиковскому портрет своей любимой жены. Брак продлился недолго, потому что спустя 3 года после венчания юная княгиня скончалась от болезни - чахотки. Картину с портретом дочери безутешный отец выкупил у зятя и повесил у себя в доме. Нужно сказать, что граф Толстой был магистром масонской ложи и увлекался мистикой. Пошли слухи о том, что граф с помощью магии смог вызвать дух своей умершей дочки и вдохнуть его в картину Боровиковского. Бытует небылица - любая девушка, взглянувшая на портрет, обязательно умрет. Даже приводились «очень достоверные факты», что портрет погубил не менее десятка молодых девушек. К счастью для потомков, Третьяков не верил в мистику и спустя столетие купил картину, которую теперь миллионы зрителей могут увидеть в галерее его имени.

Картины известных художников отличает то, что в своих произведениях они воспевают женский идеал. Даже изображая Мадонну, художники всех времен без зазрения совести писали портреты своих возлюбленных, многие из которых были женщинами не самого знатного происхождения. Например, исследователи творчества Рафаэля рассказывают, что художник повстречал на одной из улиц Рима дочку бедного пекаря - Форнарину. Художник влюбился в нее. Рафаэль, который тогда уже был широко известен и занимал высокую ступень на социальной лестнице, купил девушку у ее отца и снял для нее роскошный дом. Художник действительно считал ее идеалом красоты и прожил с ней до самой своей смерти целых 12 лет. Но говорят, что сама красавица не отличалась верностью своему благодетелю и наставляла ему рога как с учениками художника, так и с теми, кто заказывал картины. После смерти Рафаэля из-за репутации этой женщины папа Римский даже не захотел отпеть его, потому что Форнарина стояла рядом. Несмотря на все это именно лик Форнарины мы видим на картине «Сикстинская мадонна». Рафаэль также наделил ее лицом многих других Мадонн, написанных его рукой.