Художник: Леонардо да Винчи


Холст, темпера.
Размер: 42 × 33 см

Краткая история создания

Описание и анализ

В Эрмитаже хранятся две работы Леонардо с изображением Богоматери – «Мадонна Литта» и «Мадонна Бенуа». Некоторые художественные критики и искусствоведы склонны полагать, что эти две знаменитые картины тесно связаны между собой. На эту тему существует несколько мнений. Согласно одной из теорий, автором которой является старший научный сотрудник Эрмитажа Михаил Аникин, «мадонна Бенуа» иллюстрирует божественную природу Иисуса Христа, в то время как «Мадонна Лита» должна рассматриваться как отображение человеческой сущности Христа. Эта парность двух шедевров является иллюстрацией к утверждению христианской церкви о том, что в Христе соединены Божественное и человеческое начала. В качестве подтверждения этой версии можно рассматривать отсутствие нимбов, символизирующих божественное начало, вокруг голов Марии и младенца в «Мадонне Литта», в то время как они присутствуют в «Мадонне Бенуа». Данная интерпретация взаимосвязи двух картин могла бы являться также безусловным доказательством авторства Леонардо, поскольку в принадлежности его кисти «Мадонны Бенуа» искусствоведы не сомневаются.

Отдельного упоминания заслуживает пейзаж, которому Леонардо всегда отводит в своих произведениях особую роль. И при сопоставлении двух картин он также может рассматриваться как подтверждение их парности. Если в «Мадонне Бенуа» зритель наслаждается кристальной чистотой и ясностью неба, то в «Мадонне Литта» художник изобразил горный пейзаж, символизирующий красоту земного мира.

Предлагаемая теория о взаимосвязи двух знаменитых картин Леонардо не снискала единодушного признания, однако в любом случае она интересна тем, что позволяет совершенно по-новому взглянуть на давно ставшие известными великие произведения искусства.

Описание картины «Мадонна с младенцем» Леонардо да Винчи

Художник: Леонардо да Винчи
Название картины: «Мадонна Литта»
Картина написана: 1490-1491 г.
Холст, темпера.
Размер: 42 × 33 см

Эта картина Леонардо да Винчи относится к числу произведений, с появлением которых ознаменовался новый этап в искусстве ренессанса – утверждение стиля Высокого Возрождения. Изображённая на полотне прекрасная женщина, кормящая младенца, является олицетворением материнской любви как величайшей человеческой ценности. Картина названа по фамилии своего прежнего владельца - герцога Антуанна Литта.

Краткая история создания

Вокруг одного из самых прекрасных изображений Богоматери с Младенцем до сих пор не утихают споры, главной темой которых является авторство Леонардо. Некоторые искусствоведы склонны считать её плодом работы учеников маэстро (за исключением лица Богоматери, принадлежность которого кисти Леонардо мало кто решается отрицать). Дата создания картины также доподлинно неизвестна. Согласно официальной версии её принято относить к миланскому периоду жизни Да Винчи. Однако существуют мнения и о более поздних датировках, относящихся к периоду проживания Леонардо в Риме.

Описание и анализ

Картина «Мадонна с младенцем» относится к прославленным шедеврам эрмитажного собрания, вызывающим неизменный восторг и благоговение зрителей. Композиция картины уравновешенна и лаконична. Фигуры Марии и младенца Христа моделированы при помощи тончайшей светотени. В проёмах симметрично расположенных окон взгляду зрителя открывается горный пейзаж, как бы напоминая о гармонии всего мироздания. Так называемая Мадонна Литта изображена мастером задумчивой и серьёзной женщиной. У неё излюбленный художником тип красоты – высокий, чистый лоб, несколько удлинённый нос, рот с едва приподнятыми уголками губ (знаменитая «леонардовская улыбка») и чуть рыжеватые волосы. Этот образ является воплощением идеально прекрасной женщины. При этом он не является бесстрастным. Однако все чувства, переживаемые изображённой на картине женщиной, глубоко спрятаны художником, чтобы не нарушать ясную гармоничность её облика. Они слегка проявляются лишь в выражении затаённой грусти и в скользящей таинственной полуулыбке. Изображенный младенец тоже выглядит грустным и не по возрасту серьёзным. Златокудрый малыш рассеянно смотрит на зрителя, придерживая правой рукой грудь матери. В его левой руке изображена птичка-щегол – символ христианской души. Фигура мадонны изображена таким образом, что её контуры чётко вырисовываются на фоне стены. Освещение женского силуэта вопреки обычной логике идет не из окон, расположенных симметрично сзади, а откуда-то спереди и слева, мягко моделируя лица и тела.

Основным смыслом произведения, как и в прежних работах мастера, остается человечность, уважение к подлинным глубоким чувствам. Мать кормит своего ребенка грудью, устремив на него задумчивый, полный нежности взгляд. Младенец, переполняемый здоровой жизненной энергией, вертится у неё на руках, перебирая ножками. Он похож на мать своей смуглостью и золотистым цветом волос. Женщина любуется малышом, погрузившись в свои мысли, сосредоточив на нем всю силу своих чувств. В изображении мадонны и младенца художником достигнута исключительная выразительность.

Однако если проанализировать, каким образом Леонардо добивается этой выразительности, то можно убедиться, что маэстро использует довольно обобщённые и лаконичные способы изображения. Лицо мадонны повернуто в профиль. Зритель видит только один глаз, при этом зрачок его не вырисован. Губы также нельзя назвать явно улыбающимися, на улыбку намекает только тень в углу рта. В то же время сам наклон головы, тени, скользящие по лицу, слегка угадывающийся взгляд создают то неповторимое ощущение одухотворенности, которое Леонардо так любил и умел изображать. Завершая этап длительных исканий в искусстве Возрождения, художник на основе точного воплощения видимого создаёт наполненный поэзией образ, в котором отброшено все случайное и мелкое и оставлены те черты, которые создают возвышенное и волнующее представление о человеке. Таким образом, мастер сводит воедино разрозненные усилия своих предшественников и современников и, значительно опережая их, поднимает итальянское искусство на новый уровень.

Санкт-Петербург.

Мадонна Литта. Любящая мать держит своё дитя. Который сосет грудь. Дева Мария красива. Младенец поразительно похож на мать. Серьёзным взглядом он смотрит на нас.

Картина небольшая, всего 42 x 33 см. Но она поражает своей монументальностью. Маленькое пространство картины вмещает в себя что-то очень важное. Чувство, что присутствуешь при событии, которое не подвластно времени.

Эта картина отличается не только величественностью. Но и своими деталями.

Обратили ли вы внимание, что младенец держит птичку в руке? Что вырезы для кормления на платье Мадонны были зашиты. И в спешке один из них был распорот? Заметили ли вы, как необычно освещаются герои? И почему Леонардо не проработал всех деталей картины?

Леонардо да Винчи. Тайная вечеря. 1495-1498 гг. Монастырь Санта-Мария-делле-Грация, Милан

Здесь мы тоже видим голубой горный пейзаж. Свет падает на фигуры Христа и апостолов также откуда-то слева. Как будто из окон трапезной монастыря, в которой находится роспись. Леонардо создал такую иллюзию, чтобы фреска гармонично вписывалась в пространство.

Возможно, того же эффекта он добивался и в “Мадонне Литта”. С учётом помещения, в котором она должна была висеть.

2. Леонардо НЕ проработал все детали картины

Обратите внимание, как тщательно проработаны лица героев на картине. При этом плащ Мадонны написан грубее. Вспомните, как тщательно прорисовывали каждую складку . Не удивительно, что возникли домыслы.

Якобы Леонардо в очередной раз не хватило терпения завершить работу. Еще до сих пор популярна версия, что ему помогал кто-то из учеников. Лица написал Леонардо. А вот все остальное, худшего качества, написал другой человек.

Я уверена, что работа принадлежит полностью кисти Леонардо. Просто он в очередной раз “забежал вперёд”.

Сделав разную степень проработки, он раставил акценты. Чтобы зрение зрителя “выхватывало” из пространства картины самое главное. Лица Мадонны и младенца.

После Леонардо к этому эффекту придёт . Иногда он оставлял часть работы незавершённой. “Картина закончена, как только художник осуществил в ней своё намерение”, говорил мастер.

Рембрандт. Портрет Яна Сикса. 1654 г. Коллекция Сикса, Амстердам. Wikimedia.commons.org

Посмотрите на неожиданный для 17 века импрессионизм Рембрандта. Одежда заказчика написана толстыми, быстрыми мазками. Для Голландии, которая славилась тщательностью в деталях, это было слишком революционно. Рембрандта не понимали.

А представьте, насколько был непонятым Леонардо. Который прибегал к таким эффектам на полтора столетия раньше. Может быть зря многие его работы считаются незавершёнными? Может они были задуманы такими?

3. Прототип Мадонны Литта был создан за 13 столетий до Леонардо

Был ли Леонардо первым в изображении Мадонны, кормящей грудью? На самом деле подобный образ встречается ещё на раннехристианских фресках. В Римских катакомбах.

До официального признания христианства верующие вынуждены были скрывать свою религию. Были вырыты подземные помещения. В них хоронили христианских мучеников и первых Римских Пап. Там же проходили богослужения. А стены подземелья покрывались фресками на библейские сюжеты.

У меня нет сомнений, что Леонардо был в этих катакомбах. Их вновь открыли при его жизни.

Неизвестный мастер. Мадонна с младенцем. Катакомбы святой Присцилы, Рим

Дева Мария на одной из стен катакомб очень похожа на Мадонну Литту. Много совпадений. То, как мать держит ребёнка. Как ребёнок сосет грудь и смотрит в сторону зрителей. Даже наклон головы Мадонны такой же.

А рядом стоит святой Иоанн Креститель и указывает пальцем на звезду. Его жест похож на жест со знаменитой картины Леонардо “Иоанн Креститель”. Если обе картины поставить рядом, то как раз получается роспись из Римских катакомб.

4. Разорванные стежки на груди Мадонны, как символ милосердия

Самая необычная деталь картины. На которую редко кто обращает внимание. На платье Мадонны – два выреза для кормления грудью. Они были аккуратно зашиты. Что видно по разрезу на левой груди.

Однако стежки на правой груди разорваны. Что бы это значило? Не может же мать каждый раз после кормления зашивать вырезы. А перед кормлением их разрывать. Напрашивается только один вывод.

Мадонна планировала отлучить ребёнка от груди. Поэтому вырезы за ненадобностью были зашиты. Однако она не устояла перед плачем ребёнка. Который просил маминого молока. В спешке стежки были разорваны. И дитя припало к груди.

Зачем же Леонардо добавляет такую деталь? Почему бы не изобразить обычный процесс кормления. Без предшествующей маленькой драмы?

Примерно с 1300 года знатные дамы прекратили кормить детей грудью. Нанимая кормилиц. А кто победнее обходился коровьим молоком. Так как в моду вошли “неиспользованные”, упругие груди.

Поэтому не случайно в 14 веке старшие современники Леонардо начали изображать образ Мадонны Млекопитательницы. Сами вскормленные в лучшем случае молоком кормилицы, они идеализировали образ кормящей родной матери.

Амброджио Лоренцетти. Мадонна Млекопитательница. 14 век. Национальная Пинакотека в Сиене, Италия

Леонардо скорее всего мать кормила грудью. Ведь она была девушкой из низшего сословия, крестьянкой.

Но он пережил другую травму. В 3 года он был разлучен с матерью. Знатный отец пожелал видеть своего незаконнорождённого сына рядом с собой.

Несомненно, эта детская травма повлияла на Леонардо. Поэтому он с таким трепетом изображает образ матери. Матери милосердной и любящей.

5. Щеглёнок. Иллюзия улыбки. Отсутствие нимбов.

Немало и других необычных деталей в “Мадонне Литта”. в руке младенца. Эта птичка символизирует христианскую душу.

Вам кажется, что Мадонна улыбается? На самом деле нет. Это иллюзия за счёт тени в уголке губ.

Леонардо да Винчи. Мадонна Литта (фрагмент). 1490-1491 гг. Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург

А ещё обратите внимание, что над Мадонной и младенцем нет нимбов. Если заказчики не настаивали на их изображении, то Леонардо предпочитал писать святых без них.

Он был гуманистом. Возвеличивающим человека. И в святых ему также была интересна больше их человеческая, нежели божественная сторона.

Проверьте свои знания, пройдя

Мама и новорожденный ребенок - один из самых популярных сюжетов в искусстве.

Ему уделяли особое внимание как популярные и всем известные художники (Леонардо да Винчи и Рафаэль Санти), так и мало знакомые широкой публике (Бартоломео Мурильо, ди Марковальдо и другие).

Дева Мария ди Марковальдо

Коппо ди Марковальдо считается основоположником сиенской школы изобразительного искусства. Его судьба достаточно интересна, поскольку в середине XIII в. он участвовал в одном из сражении на стороне флорентийских приверженцев Папы, по результатам которого художник был захвачен в плен. Но поскольку он был очень талантливым, то смог "купить" себе свободу, нарисовав очень красивый и достаточно реалистичный образ мадонны с младенцем, который затем передали Сиенской церкви. Данная мадонна получила название "Мадонна дель Бордоне".

Эта картина представляет зрителю Деву Марию, сидящую на троне, слегка приподнявшую одну ногу, чтобы младенцу было более кофмортно сидеть у нее на руках. Она трогательно держит его за ножку, а он тянется к ней рукой. У них уже есть какое-то заметное взаимодействие, чего не наблюдалось на более ранних картинах.

Голову Девы окружает еле видимый нимб. Стоит отметить невероятно выразительные глаза этой мадонны. Она смотрит на зрителя, будто заглядывая в его душу. Одежда ее представляет собой простую черную накидку, но для большей шикарности художник прорисовал драпировки золотым цветом. По сторонам, слева и справа, находятся ангелы, изображенные во весь рост (это традиция Флоренции). Обычно их рисовали одинаковыми, но эти, если присмотреться, не полностью идентичны друг другу: отличия - в их лицах.

От менее известных перейдем к более популярным и рассмотрим подробнее самые яркие картины на эту тематику.

"Мадонна Литта" Леонардо да Винчи

Одна из самых на которых изображена мадонна с младенцем - это картина "Мадонна Литта" ярчайшего Леонардо да Винчи. Сейчас ее можно увидеть среди шедевров, хранящихся в Эрмитаже.

Главное лицо на этом полотне - молодая женщина, которая держит на руках малыша и кормит его грудью. Как и во всех она выделяется более по сравнению с фоном, где зритель может наблюдать окна в форме арок, сквозь которые виднеется яркое голубое небо с пушистыми белыми облаками. Стоит отметить, что мадонна с младенцем прорисована очень четко, ее черты как будто выделены, как бы нарисованы под вспышкой фотоаппарата, по сравнению с несколько размазанным фоном - это также отличительные черты портретов той эпохи.

Мама с нежностью смотрит на ребенка. Некоторым кажется, что она слегка улыбается (популярная для картин художника "улыбка Леонардо"), на самом же деле, мадонна задумчива. Ребенок смотрит на зрителя, держа в одной из ручек птицу - маленького щегла.

Щегол на картине "Мадонна Литта"

Существуют различные версии того, почему птенец изображен на этой картине.

Птица как символ будущих страданий Христа, где красная головка щегла обозначает кровь, пролитую Сыном Божьим. По легенде, когда Христа вели на Голгофу, на него слетел щегол, вытащил из брови Иисуса колючку, и на него капнула кровь.

Щегленок, символизирующий душу, которая после смерти отлетает: это обозначение идет еще из античного язычества, но сохраняется и в христианской семиотике.

Апокрифическое евангелие от Фомы рассказывает немного другую историю: Иисус оживил умершего щегленка, просто взяв его в руки, поэтому и изображают на многих картинах этого птенца вместе с младенцем.

Мадонны Рафаэля Санти

Но есть и другая, не менее знаменитая мадонна с младенцем. Рафаэль Санти был тем, кто ее написал. Вернее сказать, у него достаточно много картин с таким сюжетом: это и всем известная и хранящаяся в Эрмитаже "Мадонна Конестабиле", и необыкновенная "Мадонна с вуалью", на которой изображены не только мать и ребенок, но и все Святое семейство.

Непосредственно картину с названием "Мадонна с младенцем" Рафаэль написал в 1503 г. Женщина на ней более утонченная и, несомненно, более юная, чем у да Винчи. Очевидно, что связь между матерью и ребенком более выражена. Они смотрят друг на друга с трогательной любовью и легкой задумчивостью, мама поддерживает малыша за спинку рукой. Это уже не та тревожная Дева, которую можно наблюдать на ранних картинах художника.

Вместе они читают книгу "Часослов" - символ авторитета церкви - в которой записаны тексты молитв, псалмов, церковных служб (ранее, кстати, именно по этой книге учились читать). По некоторым данным, "Часослов" открыт на той странице, которая соответствует девяти часам, а это время, когда Иисус был распят на кресте.

На фоне нарисован дымчатый пейзаж с церквушкей и деревьями. Кстати, этот пейзаж также можно назвать отличительной характеристикой произведений Санти на тему матери и ребенка. Почти на каждой картине Рафаэля присутствует достаточно подробно прорисованный пейзажный фон.

Нет смысла, определять, чья картина лучше: да Винчи или Рафаэля. Мадонна с младенцем у каждого из них смотрится оригинально и неповторимо.

Не только изобразительное искусство интересовала тема матери и ребенка, поэтому стоит рассмотреть и то, как она отражалась в других видах.

Мадонна с младенцем в скульптуре

Внимание любого ценителя искусства привлекает скульптура "Мадонна с младенцем", автором которой является известный мастер Микеланджело.

Этот шедевр по замыслу заказчиков должен был находится на высоте около девяти метров, таким образом, зрители смотрели бы на него снизу вверх, как на божество. Кстати, именно по этой причине взоры матери и ребенка направлены вниз.

Имеются сведения, что кардинал Пикколомини (первый заказчик) был недоволен эскизами, в первую очередь из-за того, что Иисус был нагим, поэтому их договор с Микеланджело был разорван. А скульптура, в конечно итоге, нашла своего владельца. Им стал де Мускрон - торговец из города Брюгге. Затем он передал ее церкви Богоматери, где она была помещена в темную нишу, прекрасно контрастировавшую с мраморно-белым цветом самой скульптуры.

На данный момент, дабы защитить власти города разместили его за пуленепробиваемым стеклом.

"Мадонна Дони" Микеланджело

Помимо того, что Микеланджело был отличным скульптором, он также являлся и замечательным художником. Хотя и не считал это каким-то достижением и совсем не гордился своим талантом.

Образы, нарисованные им, поражают зрителя невероятной пластичностью, кажется, что даже при рисовании он "лепит" фигуры, наделяя их объемом. Кроме того, на картине изображено все Святое семейство, что являлось редкостью для картин такого плана. Конечно, в полном смысле слова, Микеланджело - скульптор, а не художник. "Мадонна с младенцем" однако же является просто шедевром.

Итак, подведем итоги. Если говорить о самой известной картине, изображающей Деву Марию, то это шедевр Леонардо да Винчи "Мадонна с младенцем". Если же человек интересуется другими видами искусства, то самой яркой и запоминающейся, несомненно, является работа Микеланджело.

Считается, что сохранилось около 15 картин, написанных Леонардо да Винчи (помимо фресок и рисунков). Пять из них хранятся в Лувре, по одной в Уффици (Флоренция), Старой пинакотеке (Мюнхен), Музее Чарторыйских (Краков), Лондонской и Вашингтонской национальных галереях, а также в других, менее известных музеях. Впрочем, некоторые ученые утверждают, что картин на самом деле больше, но споры по поводу атрибуции работ Леонардо — занятие бесконечное. В любом случае Россия держит после Франции твердое второе место. Заглянем в Эрмитаж и вспомним историю двух наших Леонардо .

«МАДОННА ЛИТТА»

Картин с изображением Девы Марии написано так много, что самым известным принято давать прозвища. Нередко к ним пристает имя одного из прошлых владельцев, как и случилось с «Мадонной Литта».

Картина, написанная в 1490-х годах, долгие века оставалась в Италии. С 1813 года она находилась в собственности миланской семьи Литта, представители которой весьма хорошо знали, насколько богата Россия. Именно из этого рода происходил мальтийский рыцарь граф Джулио Ренато Литта, который был в большом фаворе у Павла I и, выйдя из ордена, женился на племянн ице Потемкина, став миллионером. К картине Леонардо он, впрочем, отношения не имеет. Четверть века спустя после его смерти, в 1864 году, герцог Антонио Литта обратился в Эрмитаж , совсем недавно ставший публичным музеем , с предложением купить несколько картин из фамильного собрания.

Анджело Бронзино. Состязание Аполлона и Марсия. 1531-1532 годы. Государственный Эрмитаж

Антонио Литта так хотел угодить русским, что прислал перечень из 44 предлагаемых на продажу работ и попросил представителя музея приехать в Милан, чтобы посмотреть галерею. Директор Эрмитажа Степан Гедеонов отправился в Италию и выбрал четыре картины, заплатив за них 100 тысяч франков. Помимо Леонардо, музей приобрел «Состязание Аполлона и Марсия» Бронзино, «Венеру, кормящую Амура» Лавинии Фонтана и «Молящуюся Мадонну» Сассоферрато.

В Россию картина да Винчи прибыла в очень плохом состоянии, ее пришлось не только чистить, но и сразу переложить с доски на холст. Так в Эрмитаже появился первый « леонардо » .

Кстати, вот и пример споров по поводу атрибуции: создал Леонардо «Мадонну Литта» сам или с помощником? Кто был этим соавтором — его ученик Больтраффио? А может, Больтраффио написал ее целиком, по наброску Леонардо?
Окончательно этот вопрос до сих пор не разрешен, и «Мадонна Литта» считается немного сомнительной.

У Леонардо да Винчи было множество учеников и последователей — их называют «леонардески». Порой они истолковывали наследие мастера весьма странно. Так появился тип обнаженной «Моны Лизы». В Эрмитаже есть одна из таких картин работы неизвестного автора — «Донна нуда» («Обнаженная женщина»). Она появилась в Зимнем еще при Екатерине Великой: в 1779 году императрица приобрела ее в составе коллекции Ричарда Уолпола. Кроме нее, в Эрмитаже также находится большая коллекция других леонардесков, включая копию одетой «Моны Лизы».

«МАДОННА БЕНУА»

Эта картина, написанная в 1478-1480 годах, также получила прозвание в честь своего владельца. Причем она вполне могла бы называться «Мадонной Сапожникова», но «Бенуа», конечно, звучит красивее. Эрмитаж приобрел ее у жены архитектора Леонтия Николаевича Бенуа (брата знаменитого Александра ) — Марии Александровны Бенуа. Она была урожденной Сапожниковой (и, кстати, приходилась дальней родственницей художнице Марии Башкирцевой , чем гордилась).

Прежде картиной владел ее отец, астраханский купец-миллионер Александр Александрович Сапожников, а до него — дед Александр Петрович (внук Семена Сапожникова, за участие в пугачевском бунте повешенного в селе Малыковка одним молодым поручиком по имени Гаврила Державин). В семье рассказывали, будто бы «Мадонну» Сапожниковым продали бродячие музыканты-итальянцы, которых неведомо как занесло в Астрахань.

Василий Тропинин. Портрет А.П. Сапожникова (деда). 1826; портрет А.А. Сапожникова (отца), 1856.

Но на самом деле Сапожников-дед приобрел ее в 1824 году за 1400 рублей на аукционе после смерти сенатора, президента Берг-коллегии и директора Горного училища Алексея Корсакова (который, видимо, привез ее из Италии в 1790-х).
Удивительно — когда после смерти Корсакова его коллекцию, где были Тициан, Рубенс, Рембрандт и другие авторы, выставили на аукцион, Эрмитаж купил несколько работ (в частности, Милле, Миньяра), но этой скромной «Мадонной» пренебрег.

Став владельцем картины после смерти Корсакова, Сапожников занялся реставрацией картины, по его просьбе ее сразу перевели с доски на холст.

Орест Кипренский. Портрет А. Корсакова. 1808. Руский музей.

Русская общественность узнала об этой картине в 1908 году, когда придворный архитектор Леонтий Бенуа выставил работу из коллекции своего тестя, а главный хранитель Эрмитажа Эрнст Липгарт подтвердил руку мастера. Это произошло на «Выставке западноевропейского искусства из собраний коллекционеров и антикваров С.-Петербурга», открывшейся 1 декабря 1908 года в залах Императорского общества поощрения художеств.

В 1912 году супруги Бенуа решили продать полотно, картину отправили за рубеж, где эксперты осмотрели ее и подтвердили подлинность. Лондонский антиквар Дювин предложил 500 тысяч франков (около 200 тысяч рублей), однако в России началась кампания за покупку работы государством. Директор Эрмитажа граф Дмитрий Толстой обратился к Николаю II. Супруги Бенуа тоже хотели, чтобы «Мадонна» осталась в России, и в итоге уступили ее Эрмитажу в 1914 году за 150 тысяч рублей, которые выплачивались в рассрочку.

Входит в «высшую лигу» мировых музейных сокровищниц. В его коллекции - три миллиона экспонатов, а великолепное собрание, начатое еще Екатериной Великой, пополняется по сей день. Предлагаем короткий тур по Эрмитажу - и 10 картин, которые обязательно нужно посмотреть.

Леонардо да Винчи. Мадонна с Младенцем (Мадонна Бенуа)

Италия, 1478–1480 годы

Второе название происходит по фамилии владельцев картины. При каких обстоятельствах произведение великого Леонардо попало в Россию, до сих пор неизвестно. Существует легенда, что семейство Бенуа купило ее у бродячего цирка. Шедевр достался Марии Сапожниковой (после замужества - Бенуа) в наследство от отца. В 1914 году Эрмитаж приобрел у нее эту картину. Правда, после революции, в тяжелые 1920–30-е годы, правительство СССР чуть не продало ее министру финансов США, страстному коллекционеру Эндрю Меллону. Искусствоведам, выступавшим против этой продажи, повезло: сделка сорвалась.

Рафаэль. Мадонна с Младенцем (Мадонна Конестабиле)

Италия, около 1504 года

«Мадонна с Младенцем» - одно из ранних произведений Рафаэля. Александр II приобрел эту картину в Италии у графа Конестабиле для любимой жены Марии Александровны. В 1870 году этот подарок обошелся императору в 310 тысяч франков. Продажа работы Рафаэля возмутила местную общественность, однако у итальянского правительства не было средств, чтобы выкупить картину у владельца. Собственность императрицы сразу же была выставлена в здании Эрмитажа.

Тициан. Даная

Италия, около 1554 года

Полотно Тициана Екатерина II приобрела в 1772 году. Картина написана по мотивам мифа, в котором царю Акрисию предсказали, что он умрет от руки собственного внука, и чтобы избежать этого, он заточил свою дочь Данаю в темницу. Однако находчивый бог Зевс все же проник к ней в виде золотистого проливного дождя, после чего Даная родила сына Персея.

Екатерина II была просвещенным монархом, обладала прекрасным вкусом и отлично понимала, что именно надо приобретать для своей коллекции. В Эрмитаже есть еще несколько картин с подобным сюжетом. Например, «Даная» Фервилта и «Даная» Рембрандта.

Эль Греко (Доменикос Теотокопулос). Апостолы Петр и Павел

Испания, между 1587–1592 годом

Картину подарил музею в 1911 году Петр Дурново. За несколько лет до этого Дурново показывал ее на выставке императорского общества поощрения художеств. Тогда об Эль Греко, которого считали весьма посредственным художником, заговорили как о гении. В этом полотне живописец, который всегда был далек от европейского академизма, оказался особенно близок византийской иконописной традиции. Он постарался передать духовный мир и характеры апостолов. Павел (в красном) напорист, решителен и уверен в себе, а Петр, напротив, - сомневающийся и колеблющийся… Считается, что в образе Павла Эль Греко запечатлел самого себя. Но исследователи об этом до сих пор спорят.

Караваджо. Юноша с лютней

Италия, 1595–1596 годы

Караваджо - известный мастер барокко, перевернувший своим «погребным» светом сознание нескольких поколений европейских художников. В России хранится лишь одна его работа, которую художник написал еще в юные годы. Для картин Караваджо характерна некая драма, есть она и в «Лютнисте». В нотной тетради, изображенной на столе, записана популярная в то время мелодия мадригала Якова Аркадельта «Вы знаете, что я вас люблю». А треснувшая лютня в руках юноши - символ несчастной любви. Полотно приобрел Александр I в 1808 году.

Питер Пауль Рубенс. Портрет камеристки инфанты Изабеллы

Фландрия, середина 1620-х годов

Несмотря на название, считается, что это портрет дочери художника - Клары Серены, умершей в 12 лет. Картина создана уже после смерти девушки. Художник тонко выписал и пушистые волосы, и нежную кожу лица, и задумчивый взор, от которого невозможно отвести глаза. Перед зрителем возникает одухотворенный и поэтический образ.

Картину в коллекцию Эрмитажа приобрела Екатерина II в 1772 году.

Рембрандт ван Рейн. Возвращение блудного сына

Голландия, около 1668 года

Одну из самых известных и узнаваемых картин Рембрандта Екатерина II купила в 1766 году. Евангельская притча о блудном сыне волновала художника на протяжении всей его жизни: первые рисунки и офорты на этот сюжет он создал еще в 1630–40-е годы, а за написание картины взялся в 1660-е. Полотно Рембрандта стало вдохновением и для других творческих личностей. Композитор-авангардист Бенджамин Бриттен под впечатлением от этой работы написал оперу. А режиссер Андрей Тарковский процитировал «Возвращение блудного сына» в одной из заключительных сцен «Соляриса» .

Эдгар Дега. Площадь Согласия (Виконт Лепик с дочерьми, переходящий площадь Согласия)

Франция, 1875 год

Картина «Площадь Согласия» была перевезена в Россию после Второй мировой войны из Берлина - там она хранилась в частном собрании. Полотно интересно тем, что, с одной стороны, это портрет, а с другой - типичная для импрессионистов жанровая зарисовка из жизни города. Дега изобразил своего близкого друга, аристократа Людовика Лепика, вместе с двумя дочерьми. Многофигурный портрет до сих пор хранит в себе немало загадок. Неизвестно, когда и при каких обстоятельствах картина была создана. Искусствоведы предполагают, что работа была написана в 1876 году и не на заказ. Другой подобной картины ни до, ни после художник не писал. Нуждаясь в деньгах, он продал все же полотно графу Лепику, и до конца XIX века о нем не знали. После падения Берлина в 1945 году шедевр в числе других «трофейных» произведений был отправлен в Советский Союз и оказался в Эрмитаже.

Анри Матисс. Танец

Франция, 1909–1910 годы

Картина была создана по заказу Сергея Щукина, известного русского коллекционера французской живописи XIX - начала XX века. Композиция написана на тему золотого века человечества, и потому на ней изображены не конкретные люди, а символические образы. Матисс вдохновлялся народными плясками , которые, как известно, хранят в себе ритуальность языческого действа. Неистовство древних вакханалий Матисс воплотил в сочетании чистых цветов - красного, синего и зеленого. Как символов Человека, Неба и Земли. Картина была передана в Эрмитаж из московского собрания Государственного музея нового западного искусства в 1948 году.

Василий Кандинский. Композиция VI

Германия, 1913 год

В Эрмитаже есть целый зал, посвященный творчеству Василия Кандинского . «Композиция VI» была создана в Мюнхене в мае 1913 года - за год до начала Первой мировой войны. Динамичная яркая картина написана свободными и размашистыми мазками. Первоначально Кандинский хотел назвать ее «Потоп»: в основу абстрактного полотна лег библейский сюжет. Однако позже художник отказался от этой идеи, чтобы название работы не мешало зрительскому восприятию. Полотно поступило в музей из Государственного музея нового западного искусства в 1948 году.

В материале использованы иллюстрации с официального сайта