Aleksander Ekmani Luikede järv. Alexander Ekmani esietendus Pariisi ooperis. — Nii et teater on teile ikkagi tähtsam kui ballett?

Opera Garnier’s toimus Pariisi hooaja intrigeerivaim sündmus - helilooja Mikael Karlssoni balleti “Näitus” maailmaesiettekanne, mille lavastas ja lavastas üks nõutumaid noori koreograafe Alexander Ekman. Rootsi loomingulise duo jaoks on see esimene kogemus Pariisi ooperiballetiga töötamisel. Räägib Maria Sidelnikova.

33-aastase Alexander Ekmani debüüt Pariisi ooperis on Aurélie Duponti üks peamisi trumpe tema esimesel hooajal balleti kunstilise juhina. Koreograafi edu Rootsis ja Skandinaavia naaberriikides osutus sedavõrd nakkavaks, et täna on tema järele suur nõudlus nii Euroopas kui ka Austraalias ning isegi Moskva Stanislavski Muusikateater etendas hiljuti tema 2012. aasta näidendi “Tüll” Venemaa esietendust (vt. “Kommersant” 28. novembril). Dupont meelitas Ekmani täieõiguslikule kahevaatuselisele esilinastusele, pakkudes carte blanche’i, 36 noort artisti, Opera Garnieri ajaloolist lava ja kadestamisväärset aega kavas – detsembri pühade seanssi.

Kunstilised ja eriti ärilised riskid on Ekmani puhul aga väikesed. Vaatamata noorusele jõudis rootslane töötada maailma parimates truppides nii tantsija kui ka koreograafina: Rootsi Kuninglikus Balletis, Kullbergi balletis ja NDT II-s. Ja ta sai käpuli teha kvaliteetseid sünteetilisi etendusi, milles nagu põnevas hüpertekstis on palju tsitaate ja viiteid – mitte ainult balletipärandile, vaid ka kaasaegse kunsti, moe, kino paralleelmaailmadele, tsirkus ja isegi sotsiaalvõrgustikud. Ekman vürtsitab seda kõike uue sajandi “uue siirusega” ja käitub nii, nagu oleks tema mureks vaataja tuju tõsta, et ta etenduselt lahkuks, kui mitte justkui kohtumiselt hea psühhoterapeudi juurde, siis nagu hea pidu. Kohalikud konservatiivsed balletomaanid ütlesid oma otsuse selle “IKEA” suhtumise kohta auväärsesse balletikunsti juba ammu enne esietendust, mis aga üldist elevust kuidagi ei mõjutanud.

Ekman alustab oma “Mängu” lõpust. Kinnisel teatrikardinal jooksevad tiitrid kõigi esietendusega seotud isikute nimedega (lõpuks selleks aega ei jää) ning saksofonistide kvartett – tänavamuusikud – mängib midagi meeliülendavat. Kogu esimene vaatus lendab lihtsal noodil mööda: noored hipsterid hullavad lumivalgel laval ohjeldamatult (ainsad dekoratsioonid on puit ja suured kuubikud, mis kas hõljuvad õhus või kukuvad lavale; orkester istub just seal - laval) tagasi sisseehitatud rõdule). Nad mängivad peitust ja sildivad, teesklevad astronautide ja kuningannadena, ehitavad püramiide, hüppavad batuutidel, kärutavad lava ümber, suudlevad ja naeravad. Selles rühmas on konventsionaalne juht (Simon Le Borgne) ja nimeline õpetaja, kes püüab tulutult ulakaid inimesi ohjeldada. Teises vaatuses saavad täiskasvanud lapsed silmapilgutavateks ametnikeks, mängulised seelikud ja lühikesed püksid asenduvad äriülikondadega, kuubikud muutuvad tolmuseks tööruumideks, roheline puu närbub trotslikult, maailm muutub halliks. Selles õhuvabas ruumis, kui suitsu üldse on, siis ainult kontori suitsuruumis. Nad mängisid, siis jäid pooleli, aga asjata, räägib koreograaf. Täiesti tuimaks jäänutele ütleb ta igaks juhuks välja oma põhiidee, lisades teise vaatuse keskele “mängumanifesti” imerohuks kõigi kaasaegse ühiskonna hädade vastu ja finaalis gospel-laulja. Sellest laulab arendavalt ka Calesta Day.

Kuid siiski väljendab Aleksander Ekman end kõige veenvamalt koreograafilises keeles ja visuaalsetes kujundites, mis on tema jaoks lahutamatud. Niisiis on esimese vaatuse lastemängudes täiesti lapsemeelne stseen lihavärvi toppides ja bokserites amatsoonidega ning sarvedega kiivrid peas. Ekman valib suurepäraselt oma välimusele vastavad liigutused, vaheldumisi teravaid kombinatsioone pointe kingadel ja röövellikke, jäiseid pas de chas’sid, millel on kaks painutatud jalga, mis kordavad sarve joont. Ta armastab suurejoonelist pilti mitte vähem kui Pina Bauschile. Sakslanna oma filmis "Kevadriitus" puistas lavaplangu mullaga, muutes selle osaks maastikest, ja Ekman kattis Stockholmi ooperi heinaga ("Suveöö unenägu"), uputas Norra ooperi tonnidesse vette. (“Luikede järv”) ning Opera Garnier laval vallandas sadade plastkuulide rahe, luues orkestriauku pallibasseini. Noored teevad entusiastlikku nägu, puristid pahurat nägu. Veelgi enam, erinevalt Norra trikist veega, millest Ekman kunagi välja ujuda ei saanud, saab “Mängus” rohelisest rahest esimese vaatuse võimas haripunkt. See näeb välja nagu troopiline paduvihm, mis tõotab taassündi: rütm, mida pallid kukudes löövad, kõlab nagu pulss ja kehad on nii nakatavalt kerged ja vabad, et tahaks seda päevaks nimetada. Sest pärast vaheaega muutub see bassein rabaks: seal, kus artistid äsja sukeldusid ja muretult laperdasid, on nüüd lootusetult ummikus - pääsu pole. Iga liigutus nõuab neilt sellist pingutust, nagu oleks plastpallid tõesti raskustega asendatud. Ekman paneb täiskasvanud elu stressi tantsijate kehadesse - "lülitab" nende küünarnukid välja, paneb "kaks õlga ja kaks puusa", teeb rauast selga, väänab mehaaniliselt torsosid etteantud poosides etteantud suundades. Tundub, et kordab esimese vaatuse rõõmsat klassikalist pas de deux (üks vähestest sooloepisoodidest - rootslane tunneb end rahvastseenides tõesti vabamalt), kuid samad piirjooned, hoiakud ja arabeski toed on surnud ja formaalsed - elu pole. neis.

Ekmani kompleksi “Mäng” tõmbab sind etenduse edenedes: sul on lihtsalt aega kompositsioonimõistatusi lahendada, ilma et sind segaks stsenograafilised kommid, mida ta pidevalt publikule loobib. Kuid sellest koreograafile ei piisa. Mängige nii – pärast eesriide langemist tulevad artistid taas lava ette, et lasta saali kolm hiiglaslikku palli. Riietatud esilinastuspublik tõstis need üles, loopis mööda ridu ja viskas mõnuga Chagalli laelambi ette. Tundub, et isegi kioskitest snoobivad žürii igatsevad vahel mitte just kõige intellektuaalsemaid mänge.

Kavad on nimetatud koreograafide järgi. Pärast esimest - "Lifar. Kilian. Forsythe" - näitas tantsukvartetti: "Balanchine. Taylor. Garnier. Ekman." Kokku on seitse nime ja seitse balletti. Püsiva prantslase, Pariisi ooperi eks-étoile’i ideid on lihtne lugeda. Iler ei kiirusta talle usaldatud meeskonda mööda ajalooliselt väljakujunenud mitmevaatuseliste süžeede teed juhtima, ta eelistab eri stiilis ühevaatuse serpentiini (plaanis on veel kaks sarnase formaadiga saadet). Lähiminevikus ligi kolmekümne noore artisti lahkumist kogenud trupp on rekordkiirusel taastunud ja oma esiettekandes oopuses vääriline välja näeb. Eriti märgatav on edasiminek, kui arvestada, et Iler “kutsutud” artistidele veel teatriväravaid ei ava ja kasvatab usinalt oma meeskonda.

Esietenduse esimene etendus oli George Balanchine’i “Serenaad”, mida stanislavlased polnud varem tantsinud. See romantiline eleegia Tšaikovski muusikale alustab suure koreograafi Ameerika perioodi, kes avas 1934. aasta alguses Uues Maailmas balletikooli. Oma esimestele õpilastele, kes polnud veel täielikult omandanud tantsu grammatikat, kuid unistasid klassikast, lavastas Balanchine “Serenaadi”, mis oli hingelt venepärane. Kristall, eeterlik, kaalutu. Muzteatri artistid viivad etendust läbi samamoodi nagu esmaesinejad. Tundub, nagu puudutaksid nad ettevaatlikult habrast aaret - neil puudub ka sisemine liikuvus, mida koreograaf nõudis, kuid on selge soov mõista midagi uut. Poeetilise loomingu alistumine ja aupaklikkus on aga eelistatum kui rõõmsameelsus ja julgus, millega oma oskustes kindlad trupid serenaadi tantsivad. Naiskorpus de ballett - oopuse peategelane - ärkab unetu öö unenägudes ellu, kui ta juba enne koitu taandub. Süžeevabas meeleolukompositsioonis näevad suurepärased välja Erika Mikirticheva, Oksana Kardash, Natalja Somova, nagu ka oma nimetutest kangelannadest unistanud “vürstid” Ivan Mihhalev ja Sergei Manuilov.

Ülejäänud kolm esietenduvat lavastust on moskvalastele võõrad. "Halo" on modernistliku koreograafi Paul Taylori päikeseline elujaatav žest, mis arutleb liikumise olemuse üle. Dünaamiline, suurejooneline tants on pidevas transformatsioonis, meenutades iseseisvat tegelast, rikkudes tavapäraseid poose ja hüppeid, käed on vahel põimitud nagu oksad, kord visatud püsti nagu spordivahenditelt hüppavad võimlejad. Pool sajandit tagasi uuenduslikuna tajutud koreograafiat päästab pealehakkamine ja huumor, välkkiire ümberlülitumine tõsistelt maksiimidelt iroonilistele eskapaadidele. Valgetesse kleitidesse riietatud paljajalu Natalja Somova, Anastasia Pershenkova ja Jelena Solomjanko demonstreerivad kompositsiooni graatsiliste kontrastide maitset. Aeglase liikumise – teatri uhkuse ja silmapaistva esietenduse – eest vastutab Georgi Smilevski, kes oskab tuua soolosse dramaatilist pinget, stiili ja pidulikku ilu. Dmitri Sobolevski on virtuoos, kartmatu ja emotsionaalne. Üllataval kombel võtab Händeli tseremoniaalne muusika kergesti vastu Taylori fantaasiate poolt, kes rullub laval lahti tõelise tantsumaratoni. Mõlemaid Ameerika koreograafia stiile taasloovaid etendusi saadab teatri sümfooniaorkester andeka maestro Anton Grishanini juhatusel.

Pärast Tšaikovskit ja Händelit – akordionistide Christian Pache’i ja Gerard Baratoni heliriba ja duett, “saavad” prantsuse koreograafi Jacques Garnier’ 12-minutilist miniatuuri “Onis”. Maurice Pache’i muusika saatel etendust harjutas Pariisi ooperi balletitrupi endine juht ja Laurent Hilaire’i mõttekaaslane Brigitte Lefebvre. Tema koos Jacques Garnieriga asutatud “Vaikuseteatris” toimus katsesarjas kaasaegse koreograafiaga “Onise” esimene etendus nelikümmend aastat tagasi. Koreograaf pühendas selle oma vennale ja esitas ise. Hiljem töötas ta teose ümber kolmele solistile, kelle tants meenutab praegusel esitlusel hapukat koduveini, tabades kergelt pead. Poisid, keda ühendab kui mitte sugulusside, siis tugev sõprus, rõõmsalt ja ilma igasuguse virisemiseta sellest, kuidas nad üles kasvasid, armusid, abiellusid, imetasid lapsi, töötasid ja lõbutsesid. Prantsusmaa väikeses provintsis Onises toimub lihtne tegevus, mida saadab tavaliselt külapühadel kõlavate "harmonistide" pretensioonitu kitkumine. Jevgeni Žukov, Georgi Smilevski juunior, Innokenty Juldašev on nooruslikult spontaansed ja entusiastlikult esitavad, tegelikult lausa folkloorihõnguga maitsestatud popnumber.

Rootslane Alexander Ekman on tuntud naljamehe ja veidruste meistrina. Benois de la Danse festivalil soovis ta oma “Luikede järve” eest paigaldada Vene peamise teatri lavale kuue tuhande liitri veega basseini ja panna sinna tantsukunstnikud. Talle keelduti ja ta improviseeris veeklaasiga naljaka soolo, nimetades seda "Millest ma Bolshoi teatris mõtlen". Tema “Kaktus” on meelde jäänud ka ekstsentriliste leidude hajutamisega.

Ekman lahkab Tulles mitte tantsu, vaid teatrielu ennast. Näitab oma higistavat alakülge, rituaalset alust ja irvitab esinejate ambitsioonide ja klišeede üle. Mustas riietuses ülevaataja Anastasia Peršenkova, võnkuva kõnnakuga puäntkingadel, millest tema trupijuht kangelaslikult ei lasku, näeb välja nagu flirtiv modellidiiva. Näitlejad keskenduvad naiivse pantomiimi rumaluste harjutamisele, korrates harjutuse igavaid samme ikka ja jälle. Väsinud balletikorpus langeb meeleheitesse – kurnatud tantsijad kaotavad sünkroonsuse, kummardavad, trampivad jalgu ja laksutavad tugevalt laval. Kuidas saab uskuda, et nad libisesid hiljuti näpuotsaga.

Ja Ekman ei lakka hämmastamast oma eklektilisusega, tuues lavale kas paari “Päikesekuninga” Louis XIV õukonnaballetist või uudishimulikke kaameratega turiste. Lava haaranud massihulluse taustal “hüppab” orkestriauk üles-alla, ekraanipildid tundmatutest silmadest ja nägudest muutuvad ning tõlkeliin tormab galopeerivas tempos. Mikael Karlssoni löödud tantsurütmidest, krõbinast ja mürast, pointe-kingade klõbinast ja plaksutusest, proovisaali partituurist ja balletikorpuse luigesammu harjutavatest müradest mõjub peadpööritav partituur. Liigsus kahjustab humoorika süžee harmooniat, maitse kannatab. Hea, et artistid ei eksi selles massilises koreograafilises melus. Kõik peesitavad mängulise mängu elemendis, naljatades rõõmsalt ja armastavalt telgitaguse pöörase maailma üle. “Tülli” parim stseen on groteskne tsirkus pas de deux. Klouniriietesse riietatud Oksana Kardash ja Dmitri Sobolevski lõbutsevad oma trikkidega, ümbritsetuna fouettede ja piruettide arvu kokku lugevatest kolleegidest. Täpselt nagu Valeri Todorovski filmis “Bolshoi”.

Alati eksperimenteerimisele avatud muusikateater uurib hõlpsalt maailma koreograafia võõraid ruume. Eesmärk - näidata, kuidas tants arenes ning kuidas muutusid professionaalsed ja vaatajate eelistused - on saavutatud. Etendused on samuti järjestatud ranges kronoloogias: 1935 - "Serenade", 1962 - "Halo", 1979 - "Onis", 2012 - "Tüll". Kokku - peaaegu kaheksa aastakümmet. Pilt osutub huvitavaks: Balanchine'i klassikalisest meistriteosest Paul Taylori keeruka modernismi ja Jacques Garnieri rahvaliku stilisatsiooni kaudu - Alexander Ekmani kaoseni.

Foto kuulutuse juures: Svetlana Avvakum

Opera Garnier’s toimus Pariisi hooaja intrigeerivaim sündmus - helilooja Mikael Karlssoni balleti “Näitus” maailmaesiettekanne, mille lavastas ja lavastas üks nõutumaid noori koreograafe Alexander Ekman. Rootsi loomingulise duo jaoks on see esimene kogemus Pariisi ooperiballetiga töötamisel. Räägib Maria Sidelnikova.

33-aastase Alexander Ekmani debüüt Pariisi ooperis on Aurélie Duponti üks peamisi trumpe tema esimesel hooajal balleti kunstilise juhina. Koreograafi edu Rootsis ja Skandinaavia naaberriikides osutus sedavõrd nakkavaks, et täna on tema järele suur nõudlus nii Euroopas kui ka Austraalias ning isegi Moskva Stanislavski Muusikateater etendas hiljuti tema 2012. aasta näidendi “Tüll” Venemaa esietendust (vt. “Kommersant” 28. novembril). Dupont meelitas Ekmani täieõiguslikule kahevaatuselisele esilinastusele, pakkudes carte blanche’i, 36 noort artisti, Opera Garnieri ajaloolist lava ja kadestamisväärset aega kavas – detsembri pühade seanssi.

Kunstilised ja eriti ärilised riskid on Ekmani puhul aga väikesed. Vaatamata noorusele jõudis rootslane töötada maailma parimates truppides nii tantsija kui ka koreograafina: Rootsi Kuninglikus Balletis, Kullbergi balletis ja NDT II-s. Ja ta sai käpuli teha kvaliteetseid sünteetilisi etendusi, milles nagu põnevas hüpertekstis on palju tsitaate ja viiteid – mitte ainult balletipärandile, vaid ka kaasaegse kunsti, moe, kino paralleelmaailmadele, tsirkus ja isegi sotsiaalvõrgustikud. Ekman vürtsitab seda kõike uue sajandi “uue siirusega” ja käitub nii, nagu oleks tema mureks vaataja tuju tõsta, et ta etenduselt lahkuks, kui mitte justkui kohtumiselt hea psühhoterapeudi juurde, siis nagu hea pidu. Kohalikud konservatiivsed balletomaanid ütlesid oma otsuse selle “IKEA” suhtumise kohta auväärsesse balletikunsti juba ammu enne esietendust, mis aga üldist elevust kuidagi ei mõjutanud.

Ekman alustab oma “Mängu” lõpust. Kinnisel teatrikardinal jooksevad tiitrid kõigi esietendusega seotud isikute nimedega (lõpuks selleks aega ei jää) ning saksofonistide kvartett – tänavamuusikud – mängib midagi meeliülendavat. Kogu esimene vaatus lendab lihtsal noodil mööda: noored hipsterid hullavad lumivalgel laval ohjeldamatult (ainsad dekoratsioonid on puit ja suured kuubikud, mis kas hõljuvad õhus või kukuvad lavale; orkester istub just seal - laval) tagasi sisseehitatud rõdule). Nad mängivad peitust ja sildivad, teesklevad astronautide ja kuningannadena, ehitavad püramiide, hüppavad batuutidel, kärutavad lava ümber, suudlevad ja naeravad. Selles rühmas on konventsionaalne juht (Simon Le Borgne) ja nimeline õpetaja, kes püüab tulutult ulakaid inimesi ohjeldada. Teises vaatuses saavad täiskasvanud lapsed silmapilgutavateks ametnikeks, mängulised seelikud ja lühikesed püksid asenduvad äriülikondadega, kuubikud muutuvad tolmuseks tööruumideks, roheline puu närbub trotslikult, maailm muutub halliks. Selles õhuvabas ruumis, kui suitsu üldse on, siis ainult kontori suitsuruumis. Nad mängisid, siis jäid pooleli, aga asjata, räägib koreograaf. Täiesti tuimaks jäänutele ütleb ta igaks juhuks välja oma põhiidee, lisades teise vaatuse keskele “mängumanifesti” imerohuks kõigi kaasaegse ühiskonna hädade vastu ja finaalis gospel-laulja. Sellest laulab arendavalt ka Calesta Day.

Kuid siiski väljendab Aleksander Ekman end kõige veenvamalt koreograafilises keeles ja visuaalsetes kujundites, mis on tema jaoks lahutamatud. Niisiis on esimese vaatuse lastemängudes täiesti lapsemeelne stseen lihavärvi toppides ja bokserites amatsoonidega ning sarvedega kiivrid peas. Ekman valib suurepäraselt oma välimusele vastavad liigutused, vaheldumisi teravaid kombinatsioone pointe kingadel ja röövellikke, jäiseid pas de chas’sid, millel on kaks painutatud jalga, mis kordavad sarve joont. Ta armastab suurejoonelist pilti mitte vähem kui Pina Bauschile. Sakslanna oma filmis "Kevadriitus" puistas lavaplangu mullaga, muutes selle osaks maastikest, ja Ekman kattis Stockholmi ooperi heinaga ("Suveöö unenägu"), uputas Norra ooperi tonnidesse vette. (“Luikede järv”) ning Opera Garnier laval vallandas sadade plastkuulide rahe, luues orkestriauku pallibasseini. Noored teevad entusiastlikku nägu, puristid pahurat nägu. Veelgi enam, erinevalt Norra trikist veega, millest Ekman kunagi välja ujuda ei saanud, saab “Mängus” rohelisest rahest esimese vaatuse võimas haripunkt. See näeb välja nagu troopiline paduvihm, mis tõotab taassündi: rütm, mida pallid kukudes löövad, kõlab nagu pulss ja kehad on nii nakatavalt kerged ja vabad, et tahaks seda päevaks nimetada. Sest pärast vaheaega muutub see bassein rabaks: seal, kus artistid äsja sukeldusid ja muretult laperdasid, on nüüd lootusetult ummikus - pääsu pole. Iga liigutus nõuab neilt sellist pingutust, nagu oleks plastpallid tõesti raskustega asendatud. Ekman paneb täiskasvanud elu stressi tantsijate kehadesse - "lülitab" nende küünarnukid välja, paneb "kaks õlga ja kaks puusa", teeb rauast selga, väänab mehaaniliselt torsosid etteantud poosides etteantud suundades. Tundub, et kordab esimese vaatuse rõõmsat klassikalist pas de deux (üks vähestest sooloepisoodidest - rootslane tunneb end rahvastseenides tõesti vabamalt), kuid samad piirjooned, hoiakud ja arabeski toed on surnud ja formaalsed - elu pole. neis.

Ekmani kompleksi “Mäng” tõmbab sind etenduse edenedes: sul on lihtsalt aega kompositsioonimõistatusi lahendada, ilma et sind segaks stsenograafilised kommid, mida ta pidevalt publikule loobib. Kuid sellest koreograafile ei piisa. Mängige nii – pärast eesriide langemist tulevad artistid taas lava ette, et lasta saali kolm hiiglaslikku palli. Riietatud esilinastuspublik tõstis need üles, loopis mööda ridu ja viskas mõnuga Chagalli laelambi ette. Tundub, et isegi kioskitest snoobivad žürii igatsevad vahel mitte just kõige intellektuaalsemaid mänge.

Laurent Hilaire korraldab taas ühevaatuseliste ballettide õhtut, jällegi peaksid MAMT-sse minema 20. sajandi koreograafia tudengid. Kahel reisil on nüüd võimalik katta seitset koreograafi – esmalt Lifar, Kilian ja Forsyth () ning seejärel Balanchine, Taylor, Garnier ja Ekman (esilinastus 25. novembril). Vastavalt "Serenade" (1935), "Halo" (1962), "Onis" (1979) ja "Tüll" (2012). Neoklassikaline, Ameerika kaasaegne, prantsuse eskapism neoklassikast ja Ekmanist.

Muusikaliteatri trupp tantsib Balanchine’i esimest korda ning Taylorit ja Ekmani pole Venemaal kunagi lavastatud. Teatri kunstilise juhi hinnangul tuleks anda solistidele võimalus end väljendada, corps de balletile aga töötada.

« Tahtsin anda noortele võimaluse end väljendada. Me ei kutsu väljastpoolt artiste – see on minu põhimõte. Usun, et trupis on vapustavad solistid, kes töötavad suure isuga ja ilmutavad end uues repertuaaris täiesti ootamatult.(Onise kohta)

…Suurepärane koreograafia, imeline muusika, kakskümmend naist – miks keelduda sellisest võimalusest? Lisaks saab kahte näitlejatööd ette valmistades hõivata enamiku trupi naistest.("Serenaadist")" intervjuust Kommersandile.

Balanchine lõi Serenaadi oma Ameerika balletikooli täiskasvanud õpilastele. " Ma lihtsalt õpetasin oma õpilasi ja tegin balleti, kus pole näha, kui halvasti nad tantsivad" Ta eitas nii balleti romantilisi tõlgendusi kui ka varjatud süžeed ning ütles, et võttis aluseks oma kooli õppetunni - kui keegi hilineb, siis kukub. Oli vaja hõivata 17 õpilast, nii et joonistus osutus asümmeetriliseks, pidevalt muutuvaks, põimuvaks - sageli hoiavad tüdrukud käest ja põimuvad. Madala valguse hüpped, kriipsud, sinised poolläbipaistvad chopins, mida tantsijad meelega kätega puudutavad - kõik on õhuline ja vahukommi. Kui mitte arvestada üht neljast Tšaikovski serenaadi “Vene-teemalise finaali” osast, kus tantsijad hakkavad peaaegu tantsima, aga siis looritab rahvatants klassika.

Pärast Balanchine’i neoklassitsismi töötas Martha Grahami trupis Paul Taylori modernism, kes, kuigi ta tantsis koos esimesega filmis “Episodes”, on kontrastiks. “Halo” Guendali muusikale on lihtsalt tänapäevaste liigutuste õpik: siin on V-kujulised käed ja varvas ning džässi ettevalmistav asend ja puusalt kuues pass. Klassikast on siin ka midagi alles, aga kõik tantsivad paljajalu. Selline antiik näeb pigem välja nagu midagi muuseumis, kuid Venemaa avalikkus oli sellest isegi liiga vaimustuses.

Täpselt nagu omal ajal akadeemilisuse ja süžee eest põgenenud Jacques Garnieri “Onis”, keskendudes tantsule endale ja inimkehale. Kaks akordionisti on lavanurgas, kolm tantsijat on pikali. Nad sirutavad, kõiguvad, tõusevad püsti ja alustavad keerutamistantsu, trampides ja laksutades. Siin on nii folkloor kui ka Alvin Ailey, kelle tehnikat Garnier USA-s õppis (nagu ka Cunninghami tehnikat). 1972. aastal lahkus ta koos Brigitte Lefebvre’iga Pariisi ooperist ja lõi Vaikuseteatri, kus mitte ainult ei eksperimenteerinud, vaid viis läbi ka õppetegevust ning võttis Prantsusmaal ühena esimestest repertuaari Ameerika koreograafide teosed. Nüüd tuli Lefevre Moskvasse Garnieri koreograafiat proovima, mis ilmselgelt meeldis vene tantsijatele ja Lefevre ise avastas tänu neile isegi uusi nüansse selles koreograafias.

Õhtu peaesitluseks oli aga rootslase Alexander Ekmani ballett “Tüll”. 2010. aastal kutsus Rootsi Kuninglik Ballett ta lavastust lavale. Ekman lähenes sellele asjale filosoofiliselt ja irooniaga (nagu ka oma muu loomingu puhul). “Tüll” on mõtisklus teemal “Mis on klassikaline ballett”. Lapse uudishimuga esitab ta küsimusi: mis on ballett, kust see tuli, milleks seda vaja on ja miks see nii atraktiivne on.

“Mulle meeldib balleti tutu, see paistab igas suunas välja, "ballett on lihtsalt tsirkus"- ütlevad tundmatud inimesed kohe alguses, samal ajal kui tantsijad laval end soojendavad. Ekman näib uurivat “balleti” mõistet luubiga, nii nagu laval videoprojektsioonis libiseb kaamera objektiiv üle balleti tuti - kaadris on vaid ruudustik, lähedalt paistab kõik teistmoodi.

Mis on siis ballett?

See on drill, lugedes - laval teevad baleriinid sünkroniseeritud harjutusi, kõlaritest kostab nende pointe kingade valju plärinat ja räsitud hingamist.

Need on viis positsiooni, muutmata – turistid ilmuvad lavale kaameratega, justkui muuseumis klõpsivad tantsijad.

See on armastus ja vihkamine – baleriinid räägivad laval oma unistustest ja hirmudest, valust ja eufooriast – “ Ma armastan ja vihkan oma pointe kingi”.

See on tsirkus – arlekiinidest kostüümides paar (baleriinil on suled peas nagu hobustel) teeb keerulisi trikke teiste tantsijate hõikele ja karjumisele.

See on võim vaataja üle – ameerika helilooja Michael Carlsson tegi “Luigist” agressiivsete biitidega elektroonilise töötluse, külmaverelise suursugususega tantsijad esitavad katkendeid balleti sümbolist balletist ja vaataja on naelutatud. betoonplaat selle võimsa esteetika poolest.

“Tüll” on balleti kerge ettevalmistus, irooniline ja armastusega, just siis antakse sõnaõigus vaikivale kunstile, mis arutleb, triigib ennast, ent kuulutab enesekindlalt oma suurust.

Tekst: Nina Kudjakova

Aleksander Ekman. Foto – Juri Martjanov / Kommersant

Koreograaf Alexander Ekman kaasaegsest balletist ja suhtlusvõrgustikest.

Stanislavski ja Nemirovitš-Dantšenko muusikaliteatri repertuaari jõudis 34-aastase rootslase, oma põlvkonna viljakama, nõutuima ja andekama koreograafi Aleksander Ekmani esimene ballett Venemaal “Tüll” koreografeerinud juba 45 balletti üle maailma, viimane neist Pariisi ooperis.

— Sul on haruldane anne süžeeta koomiliste ballettide lavastamiseks: näiteks Tulles pole naljakad mitte tegelased ja nende suhted, vaid just klassikaliste liigutuste kombinatsioonid ja nende teostuse iseärasused. Kas teie arvates on klassikaline ballett aegunud?

— Ma jumaldan klassikalist balletti, see on suurepärane. Ja ometi on see lihtsalt tants, see peaks olema lõbus, seal peaks olema mäng. Ma ei moonuta klassikalisi liigutusi, vaid näitan neid veidi teise nurga alt - see osutub nii lihtsaks absurdiks. Ja eriti näitlejate poolt võib tekkida arusaamatusi: justkui draamas töötamine pole neile kuigi tuttav. Ma ütlen neile alati: "Ärge olge koomik. Mitte sina ei peaks olema naljakas, vaid olukord.

— Nii et teater on teile ikkagi tähtsam kui ballett?

— Teater on ruum, kus kaks tuhat inimest saavad tunda end üksteisega seotuna, kogeda samu tundeid ja siis nende üle arutleda: „Kas sa nägid seda? Lahe, ah? Selline inimlik ühtsus on teatris kõige ilusam.

— Tood oma ballettidele kõne sisse – read, monoloogid, dialoogid. Kas arvate, et publik ei mõista teie kava ilma sõnadeta?

"Ma arvan, et nii on lõbusam." Mulle meeldib esitada üllatusi, üllatusi ja hämmastada publikut. Pea kõnet minu erialaks.