Mis on Ostrovski peamine teene. Igavesti elus A.N. Ostrovski. Kirjaniku isiklik elu

Mis on A.N. Ostrovski? Miks saime I. A. Gontšarovi sõnul alles pärast Ostrovskit öelda, et meil on oma vene rahvusteater? (Vaadake õppetunni epigraafi)

Jah, seal olid "Alaealine", "Häda teravmeelsusest", "Kindralinspektor", olid Turgenevi, A. K. Tolstoi, Suhhovo-Kobylini näidendid, kuid neist jäi väheks! Suurem osa teatrite repertuaarist koosnes tühjadest vodevillidest ja tõlgitud melodraamadest. Aleksander Nikolajevitš Ostrovski tulekuga, kes pühendas kogu oma ande ainult draamale, muutus teatrite repertuaar kvalitatiivselt. Tema üksi kirjutas sama palju näidendeid kui kõik vene klassikud kokku: umbes viiskümmend! Enam kui kolmekümne aasta jooksul said teatrid igal hooajal uue näidendi või isegi kaks! Nüüd oli, mida mängida!

Tekkis uus näitlejakool, uus teatriesteetika, ilmus Ostrovski teater, mis sai kogu vene kultuuri omaks!

Mis määras Ostrovski tähelepanu teatrile? Näitekirjanik ise vastas sellele küsimusele nii: “Dramaatiline luule on rahvale lähedasem kui kõik teised kirjandusharud. Kõik teised teosed on kirjutatud haritud inimestele, draamad ja komöödiad aga kogu rahvale...” Rahvale kirjutamine, teadvuse äratamine, maitse kujundamine on vastutusrikas ülesanne. Ja Ostrovski võttis teda tõsiselt. Kui eeskujulikku teatrit pole, võib tavapublik pidada uudishimu ja tundlikkust ärritavaid operette ja melodraamasid tõeliseks kunstiks.

Niisiis, pangem tähele A. N. Ostrovski peamisi teeneid Vene teatrile.

1) Ostrovski lõi teatrirepertuaari. Ta kirjutas koostöös noorte autoritega 47 originaalnäidendit ja 7 näidendit. Kakskümmend näidendit tõlkis Ostrovski itaalia, inglise ja prantsuse keelest.

2) Vähem oluline pole ka tema dramaturgia žanriline mitmekesisus: need on “stseenid ja pildid” Moskva elust, dramaatilised kroonikad, draamad, komöödiad, kevadmuinasjutt “Lumetüdruk”.

3) Näitekirjanik kujutas oma näidendites erinevaid klasse, tegelasi, ameteid, ta lõi 547 tegelast kuningast kõrtsiteenijani, neile omaste tegelaste, harjumuste ja ainulaadse kõnega.

4) Ostrovski näidendid hõlmavad tohutut ajalooperioodi: 17.–19.

5) Näidendi tegevus toimub maaomanike valdustes, võõrastemajades ja Volga kallastel. Puiesteedel ja maakonnalinnade tänavatel.

6) Ostrovski kangelased - ja see on peamine - on elavad tegelased, kellel on oma omadused, kombed, oma saatus ja sellele kangelasele ainulaadne elav keel.

Esimese etenduse lavaletoomisest on möödunud poolteist sajandit (jaanuar 1853; “Ära pääse oma kelku”) ja dramaturgi nimi püsib teatriplakatitel, etendusi mängitakse paljudel lavadel üle maailma.

Huvi Ostrovski vastu on eriti terav segastel aegadel, mil inimene otsib vastuseid elu kõige olulisematele küsimustele: mis meiega toimub? Miks? millised me oleme? Võib-olla just sellistel aegadel puuduvad inimesel emotsioonid, kired ja elutäiuse tunne. Ja ikkagi on vaja seda, millest Ostrovski kirjutas: "Ja sügav ohe kogu teatrile ja teesklemata soojad pisarad, kuumad kõned, mis voolaksid otse hinge."

Kogu Ostrovski elu on loomingulised otsingud, mis viisid ta ainulaadse, uue teatri loomiseni. See on teater, kus puudub traditsiooniline jaotus lihtrahvale ja haritlastele mõeldud kunstiks ning tegelased – kaupmehed, ametnikud, kosjasobitajad – rändasid lavale otse reaalsusest. Ostrovski teater sai rahvusliku rahu mudeli kehastuseks.

Tema realistlik dramaturgia moodustas – ja moodustab siiani – rahvusteatri repertuaari aluse. Ajastul, mil Ostrovski kirjanduslik ja teatritegevus toimus, seadis selle ülesande elu ise. Teatrilavadel olid endiselt peamiselt välismaised - tõlgitud - näidendid ning kodumaiste näidendite repertuaar ei olnud mitte ainult kasin ning koosnes peamiselt melodraamadest ja vodevillidest, vaid laenati suuresti ka välismaise draama vorme ja karaktereid. Teatrielu "teatri kuvand" kui selline oli vaja täielikult muuta, sellest pidi saama koht, kus inimesed saavad lihtsa ja kättesaadava kunstikeele abil tutvuda elu olulisemate probleemidega.

Suur rahvuslik näitekirjanik võttis selle ülesande enda peale. Selle lahendust ei seostatud mitte ainult repertuaarinäidendite loomisega, vaid ka teatri enda reformiga. " Ostrovski maja«Moskvasse on kombeks helistada Maly teatrisse. See teater avati ammu enne noore näitekirjaniku tulekut, selle laval oli juba lavastatud vene realistliku draama rajaja Gogoli näidendeid, kuid sellest sai ajalukku jäänud Maly teater tänu Ostrovskile, mis on täna olemas. Kuidas see teatri areng edasi läks? Kuidas jõudis meie suur näitekirjanik selle loomiseni?

Ostrovski armastus teatri vastu sai alguse tema nooruses. Ta ei olnud mitte ainult Maly teatri regulaarne, milles Mochalov ja Shchepkin siis särasid, vaid vaatas entusiastlikult ka rahvateatri etendusi koos Petruškaga, mis toimusid Neitsi ja Novinski kloostri rahvapidudel. Nii oli Ostrovski näidendeid looma asudes hästi kursis erinevate teatrivormidega ja suutis igaühest võtta parima.

Moskvas algas uue realistliku teatri ajastu, mida juhtis Ostrovski. 14. jaanuaril 1853 Maly teatris kasuetenduses L.P. Kositskaja, keda kutsuti seelikus Motšaloviks, esietendus Ostrovski komöödia " Ära astu oma saani».

Tegelased - "päris inimesed" - nõudsid, et neid mängitaks täiesti uuel viisil. Ostrovski pööras sellele esmast tähelepanu, töötades otse näitlejatega. Teatavasti oli dramaturg oma näidendite silmapaistev lugeja ja ta ei teinud seda mitte ainult näitlejana, vaid lavastajana, kes püüdis rõhutada tegelaste olemust, kangelaste maneeri ja kõne originaalsust.

Tänu Ostrovski pingutustele paranes Maly teatri trupp märgatavalt, kuid dramaturg ei olnud siiski rahul. "Me tahame kirjutada kogu rahvale," kuulutas Ostrovski. "Maly teatri seinad on rahvusliku kunsti jaoks kitsad." Alates 1869. aastast on Ostrovski saatnud Peterburi keiserlike teatrite direktoraadile märkmeid radikaalsete teatrireformide vajadusest, kuid need jäävad vastuseta. Siis otsustas ta luua erarahvateatri ja sai 1882. aasta veebruaris selleks loa. Tundus, et dramaturg oli juba lähedal oma hellitatud unistuse elluviimisele. Ta hakkas koostama Vene teatri tulevaste aktsionäride nimekirja, töötas välja repertuaari ja tõi välja trupi koosseisu. Kuid valitsuse teatrimonopoli ootamatu kaotamine ja pärast seda uute teatrite avamise ümber alanud kommertsbuum takistas Ostrovskil tööd lõpetada. Pärast riikliku pensioni määramist 1884. aastal leidis ta, et erateatris töötamine on ebamugav ja pöördus oma ettepanekutega uuesti keiserlike teatrite direktoraadi poole. Kogu see veniv lugu mõjus Ostrovskile valusalt. Selline oli elu kibe paradoks: vene draama geeniusel, selle loojal ei olnud teatrit oma näidendite tõsiseks, kvalifitseeritud lavastuseks.

Kuid tänu kõrgel riigivaraministri ametikohal olnud venna Mihhail Nikolajevitši pingutustele suudeti asjal käia. 1884. aasta oktoobris sõitis ta Peterburi, kus talle tehti ettepanek asuda Moskva keiserlike teatrite kunstiliseks juhiks. Lõpuks autori unistus " Äikesetormid" hakkas tõeks saama. Nii võttis kuulus näitekirjanik, kes oli juba üle 60-aastane, endale raske, kuid kõigile nii vajaliku ülesande.

14. detsembril 1885 naasis ta Moskvasse. Teda tervitas kogu Maly teatri trupp. Algas Ostrovski intensiivne teatritegevus. Luuakse repertuaarinõukogu, kutsutakse juurde uusi näitlejaid, koostatakse teatrikooli õppekava ning Ostrovski soovib asutada parimatele näidenditele riiklikud auhinnad. Kuid tema jõud kaob. Tema päevad olid juba loetud: 2. juunil 1886 lahkus meie hulgast suur rahvuslik näitekirjanik, kirglik teatritöötaja ja rahvusteatri looja. Kõiki Vene teatri plaanitud reforme ei jõudnud ta lõpuni läbi viia. Kuid selle alus oli kindlalt rajatud. Tema kaasaegsed hindasid dramaturgi teeneid kõrgelt.

Ja nüüd tundub, et Ostrovski ise, kelle monument on püstitatud tema kodumaise teatri sissepääsu juurde, näib hoolikalt oma põhiloomingut vaatlevat ja oma elava kohalolekuga abistavat neid, kes nüüd kuulsal laval mängivad või tulevad - lihtsalt nagu 150 aastat tagasi - etendustele, kus ikka ja jälle kõlab dramaturgi helge, elav sõna.

I.E. Zaitseva

Uurijad seostavad kriitilise realismi kujunemist vene teatris 19. sajandi keskpaigas mitmekordsete nihketega, mis toimusid sel ajal Venemaal kõigis ühiskonnateadvuse vormides, sealhulgas kunstis.

Ajastu kunstiliste otsingute põhisuuna määras tegelikkuse tundmine kõigis selle sotsiaalsetes vastuoludes. 40. aastate keskel tekkis koolkond, mis väitis kunstiteose peamiseks kriteeriumiks lojaalsust elutõele.

Armastusest teatri vastu ja selle teenimisest sai Aleksander Nikolajevitš Ostrovski (1823-1886) kogu elu kutsumus. Näitekirjanik alustas oma teatritegevust 1848. aasta Euroopa revolutsioonidele järgnenud vägivaldse reaktsiooni perioodil. Seda Nikolause “tumedat seitsmeaastast” valitsusaega kultuurisfääris iseloomustas rangeim tsensuur, kunstist mitte midagi mõistvate bürokraatlike ametnike domineerimine ja keiserlike teatrite monopoli tugevnemine. See teatripoliitika aitas kaasa „tühjade” vodevillide (enamasti tõlgitud), pisarate melodraamade, lojaalsete draamade õitsengule laval, mis vastasid õukonna poolt „soositud” teatrite maitsele. Üks populaarsemaid autoreid oli N.V. Nukunäitleja, "vale-majesteetliku koolkonna esindaja, sisendades publikus imetlust riigi mineviku ja praeguse olukorra vastu" (17. sajandi - 19. sajandi esimese poole vene draama ajalugu. - L., 1982. - lk 24). Muidugi olid kullafondiks, vene teatri klassikaliseks aluseks, D.I. säravad komöödiad. Fonvizina, A.S. Gribojedova, N.V. Gogol, mängib A.S. Puškin. Aga neid oli liiga vähe, nad ei suutnud pakkuda pidevat repertuaari.

Gogoli sõnad: "Jumala pärast, andke meile vene tähemärke, andke meile end, meie kelmid, meie ekstsentrikud! "Lavale, teie naeruks," tajusid kaasaegsed neid vene rahvusliku draama programmina. Ostrovski püüdis seda realiseerida "elunäidendites".

Dramaturg kirjutas nelikümmend seitse originaalteost, tõlkis ukraina keelest G. F. näidendi. Kvitki-Osnovjanenko “Shchira Lyubov” (“Siiras armastus ehk kallis on väärtuslikum kui õnn”) ning tõlkis ka kakskümmend kaks draamateost inglise, prantsuse, hispaania ja itaalia keelest.

Ostrovski sai suurepäraselt hakkama ajalooliselt olulise kunstilise ülesandega - ta viis lõpule vene draama, "terve rahvateatri" loomise. See oli määratud ilmuma just seetõttu, et 40. aastate lõpuks tõi kapitalismi kiire areng kaasa kultuuri demokratiseerumisprotsessi, ühiskonna kultuurikihi kasvu ning sellega seoses tekkis draama jaoks sotsiaalne tellimus alates 2009. aastast. Vene elu (Polyakova E.I. Russian draama ajastu Ostrovski // Russian drama of the ajastu Ostrovski. - M., 1984. - Lk 9). Uus demokraatlik vaataja tõi edu debütant Ostrovskile. Dramaturg uskus, et see uus vaataja, kes alles üritab teatrikunstiga liituda, teeb esimesi samme kultuurilises suunas, teda saab harida, arendada ja kujundada temas vajadus kauni, kõrgkunstilise järele: “ ... me peame temas äratama head instinktid - ja see on kunsti küsimus... Teater haarab võimuka käega värske hinge ja viib ta kuhu tahab. Teatri tegevus on muidugi lühike, see ei järgne vaatajale kõigis tema jälgedes, kuid sellest kolmest-neljast tunnist piisab, kui metsik on tema üle valitseva kõikvõimsa kunsti lummuses - kultuuri sügavad vaod. on juba tema niiskest ajust läbi käinud, juba käivad asjad metsiku inimese kultuuripookimisega" (Ostrovsky A.N. Täielikud kogutud teosed: 16 köites - M., 1951. - T. 10. - Lk 137-138). Nende sõnadega ilmutab Ostrovski end demokraat-kasvatajana. Aja jooksul muutub dramaturgi hariduslootuste utoopiline olemus üha ilmsemaks: kunst ei suutnud "värsket" kaupmeest vaatajat ümber kujundada. Intelligentsi osas ootasid nad kunstilt otsest arenenud ideede propagandat ja seetõttu ei tundunud Ostrovski neile kaasaegne (E.I. Poljakova).

Oma loomingulise tegevuse algusest peale pidas näitekirjanik end otseselt üheks "uue suuna autoriks meie kirjanduses". Tema uuenduslikkus väljendus selles, et tal õnnestus avastada draama uus olemus, mille olemuseks on omaaegsed tõelised sotsiaalsed vastuolud, mis paratamatult tekitavad protesti tegelikkuse enda vastu. Tema teosed põhinesid konfliktidel, mida dramaturg päriselus täheldas, mis andis neile nime "elunäidendid".

Teadlased omistavad A. N. "elunäidete" ilmumise. Ostrovski laval kahe nähtusega: Fonvizini, Krõlovi, Gribojedovi, Gogoli paika pandud vene rahvusliku komöödia traditsioonide võidukäik ja kriitik V.G. teoreetiliselt põhjendatud “loomuliku kooli” põhimõtted. Belinski. Ostrovski teene vene teatrikultuurile on nende kahe nähtuse andekas kombineerimine ja edasiarendamine tema loomingus.

1847. aastaks alustas näitekirjanik ja avaldas osaliselt "Ühe Zamoskvoretski elaniku märkmed". Zamoskvoretšje maailm, kus veetis oma lapsepõlve ja nooruspõlve Aleksandr Nikolajevitš, ja Moskva ärikohus, kus ta täitis sõnalauas vandeadvokaadina, pakkusid rikkalikku materjali, tõeliselt elulugusid ja erilist rahvalikku maitset.

Rebides Zamoskvoretski elust varjatuse loori, sai dramaturg salapärases Zamoskvoretski riigis teerajajaks, paljastades esimest korda avalikkusele selle elanike eluviisi, traditsioonid, kombed ja keele. Ta näitas vene vaatajale Zamoskvoretšje erilist maailma, mida kriitik Dobroljubov määratles kui "tumedat kuningriiki", kus toimivad Domostrojevski seadused, absurdsed eelarvamused, vilistlik rutiin ja alandavad kombed. Tänu dramaturgi andele ilmusid lavale otsekui elust kopeeritud elavad inimesed, kes rääkisid elavas keeles - lihtsas, igapäevases, teatrilaval varem kuuldavas.

14. veebruaril 1847 toimus Moskva ülikooli professori S.P. Ševyrev Ostrovski luges oma esimest näidendit "Perekonnaõnne pilt". Näitekirjaniku kaasaegne, Maly teatri näitleja V.N. Ryzhova, kes kuulas korduvalt oma autori esitust oma teostest, meenutas: "Ma lugesin A.N. Ostrovski on hämmastavalt lihtne, ilma igasuguse teatraalsuse ja afektsioonita, kuid nii südamlik ja liigutav: et... südamed värisesid kaastundest, nördimusest ja rõõmust. Aleksander Nikolajevitš oli eriti edukas naisrollides ja kuigi ta oma häält üldse ei muutnud, oli kangelannade ridades tunda kas puhtalt naiselikku melanhoolia või emaarmastust või tohutut naiselikku andumust... Ja mulle tundus. et kui inimesed tunnevad end ära Ostrovski kangelaste saatuses, kui kunstnikud räägivad neist nii, nagu suur näitekirjanik ise loeb, on inimestel häbi üksteist kahjustada ja solvata, inimlikku õnne hävitada” (Rõžov Rõžova kohta. - M., 1983. - lk 83).

Ühevaatuseline komöödia, mis räägib kaupmees Puzatovi elust, hämmastas kõiki kohalviibijaid igapäevaelu ja kaupmeeste klassi teadmistega, mida autor suurepäraselt demonstreeris. See oli ehtne visand Zamoskvorechye maailma loodusest. Tsensor, kes pidas näidendit kaupmeestele solvavaks, keelas aga selle lavastuse (esietendus toimus alles 1855. aastal).

1849. aastal lõpetas Ostrovski töö komöödiaga “Pankrotis” (“Me oleme oma inimesed”), mis samuti keelati. Hoolimata tsensorite kategooriliselt negatiivsest hinnangust teosele, ei jätnud näitekirjanikuks pürgija alla. Koos oma sõbra, Maly teatri noore näitleja Prov Sadovskiga esitas ta erinevates Moskva majades komöödiat. Seda saatis suur edu ja sellest sai kunstiline sensatsioon. ON. Turgenev rääkis debütandi kohta: "Ta alustas ebatavaliselt," ütles A.F. Pisemsky kirjutas näitekirjanikule: "Teie "Pankrotis" on kaupmehe "Häda teravmeelsusest" või. täpsemalt: kaupmees “Surnud hinged”; JAH. Herzen nimetas komöödiat "viha ja vihkamise karjeks vene moraali vastu".

Näidendi avaldas 1850. aastal ajakiri “Moskvitjanin”, kuid tsensuurikomitee keelas taas selle valmistamise ning tsaar Nikolai I kirjutas oma käega: “Täiesti õiglane, trükiti asjata, mängida on keelatud...” Autor kuulus ebausaldusväärsete hulka ning tema vastu algatati kriminaalasi ja kehtestati järelevalve, ta „tagati teenistusest” ärikohtus.

Aastal 1850 sai Ostrovskist ajakirja Moskvitjanina “noore toimetuse” töötaja. Ta toimetab, kirjutab artikleid, loob veel viis näidendit, kuid kõiki tabab sama saatus kui eelmisi.

Esimene lavastuseks lubatud näidend oli melodraama “Ära pääse oma saani”, mis esietendus 14. jaanuaril 1853 Maly teatri laval näitlejanna L. P. Nikulina-Kositskaja kasuetendusel, kes hämmastas publikut oma saagiga. tema näitlejatöö läbitungimine. See päev on Ostrovski näidendite lavaajaloo alguspunkt. Näitekirjaniku kaasaegne, üks "Moskvitjanini" "noore toimetuse" liikmetest, kunstnik I. F. Gorbunov, kes osales komöödia esimesel etendusel, väitis, et sellega algas Moskva laval uus ajastu: ". ..Eesriie tõusis ja lavalt kostis helisid uued sõnad, uus keel, varem laval kuulmatu, elavaid inimesi..." (Gorbunov I.V. Katkendeid mälestustest // A.N. Ostrovski kaasaegsete mälestustes. - M., 1966. - Lk 49). Esinemine, mille pakkus suurepäraselt esinev koosseis, õnnestus võidukalt.

Oma loomingulise tegevuse algusest peale liigitasid tema kaasaegsed Ostrovskit igapäevaseks näitekirjanikuks. Kunstnik ise mõistis elu kui korda, rahu, traditsiooniga pühitsetud, harjumuse jõuga kaitstud. Just Ostrovski puudutas esmakordselt selliseid teemasid, kujundeid, „igapäevaseid kihte, mida enne teda peeti kunstilise kujutamise vääriliseks. Meistri anne võimaldas tal selles traditsioonis, selles järjekorras näha vältimatuid vastuolusid, mis õõnestavad ja hävitavad nende puutumatust, ning paljastada igapäevased vastuolud sotsiaalsetena. Ta mõistis sügavalt inertsi jõudu, igapäevaelu tuimust: „Ega ma asjata nimetasin seda jõudu Zamoskvoretskajaks: seal, Moskva jõe taga, on tema kuningriik, seal on tema troon. Ta ajab mehe kivimajja ja lukustab tema järel raudvärava; ta riietab inimese puuvillasesse rüüsse, paneb väravale risti, et kaitsta kurja vaimu, ja laseb koertel õue hulkuda, et kurja inimesi kaitsta. ... Ta on petis, ta teeskleb alati pereõnne ja kogenematu inimene ei tunne teda varsti ära ja võib-olla kadestab teda. Ta on reetur: ta peibutab ja peibutab inimest, aga äkki koputab ta nii kõvasti, et tal pole aega isegi risti teha” (Ostrovsky A.N. Täielikud kogutud teosed: 16 köites - M., 1952. - Vol. 13. - lk 43).

Elutõele truuks jäämise põhimõtet järgides murrab ta lukke ja polte, avab “pimeda kuningriigi” luugid ja aknad, et näidata oma kangelasi koduses elus, perekonnas, kus nad on loomulikud, kus nad on. paljastavad end kõige täielikumalt: "See on koht, kus inimene - siis tuntakse see ära!

Dramaturgi järgmine näidend “Vaesus pole pahe” (1854) tõi ootamatult esiplaanile peategelase, joodik Ljubim Tortsovi, andes talle inimlikkuse ja aatelisuse, tekitades tuliseid poleemikaid nii teatrikeskkonnas kui ka ajakirjanduse lehekülgedel. . Seda etendust näinud kaasaegse kaasaegse memuaaridest loeme:

“- Laiem tee - Armastus Tortsov tuleb! - hüüatas meiega koos istunud vene kirjanduse õpetaja etenduse lõpus mantlit selga pannes.

Mida sa sellega mõtled? - küsis õpilane. – Ma ei näe Lyubim Tortsovis ideaali. Joomine pole ideaalne.

Ma näen tõde! – vastas õpetaja teravalt. - Jah, söör, tõde. Tee laiemaks! Tõde on kõndimine üle lava. Me armastame Tortsovit – me tõesti armastame! See on lavamaastike lõpp, Nukunäitleja lõpp: kehastunud tõde ilmus lavale” (Gorbunov I.V. Katkendeid A.N. Ostrovski mälestustest kaasaegsete mälestustes. - M.. 1966. - Lk 55 - 56) .

Kuulus kriitik Ap. Grigorjev kuulutas teatris entusiastlikult välja "uue sõna" - rahvuse kohta, rääkides artikliga, mille ta nimetas: "Teed laiemalt - me armastame Tortsovit, tuleb!" Etenduse vastased vaidlesid kriitikale teravalt vastu. Nii põrkasid vaidlustes ja aruteludes kokku uus ja vana teatriesteetika.

Ostrovski jätkab oma stiili lihvimist, segades žanre ja nende piire. Pärides oma suurte eelkäijate traditsioone, rikastab ta draamat koomiliste episoodidega ning toob komöödiasse sisse dramaatilised stseenid, täites need elulise autentsusega, kasutades ära kogu vene rahvakeele ilu ja koloristilist mitmekesisust.

1856. aastal kasutas Ostrovski komöödias “Kellegi teise peol, pohmell” mõistet “türann”, selgitades selle olemust ühe tegelase huulte kaudu: “Türanniks – seda nimetatakse, kui inimene seda ei tee. ära kuula kedagi, sa vähemalt lõbustad teda vaiaga peas, aga ta on kõik sinu oma. Ta trampib jalaga ja ütleb: kes ma olen? Siin peaksid kõik kodus oma jalge ees pikali lamama, muidu on häda käes...” See näidend toob välja türannia kui sotsiaalse nähtuse tunnused. Kuid see nähtus muutus elu edenedes järk-järgult iganenuks. Inimeste teadvust söövitava türannia teemat võib näha paljudes tema näidendites.

Enneolematu edu tabas näidendit “Äikesetorm”, mis paistis silma oma sotsiaalse teravuse ja türannia hukkamõistmise paatosega. Selle esietendus toimus kahes teatris – Moskva Maly ja Peterburi Aleksandrinski teatris.

Publik nägi “Äikest” esimest korda 16. novembril 1859 Maly teatri näitleja S. V. Vasiljevi etendusel. Teatriajaloolased usuvad, et näidendi teke ja võidukäik on seotud L. P. Nikulina-Kositskaja nimega, kellele Katerina roll kirjutati. Selle pildi loomisel lähtus Ostrovski andeka näitlejanna (endise pärisorja) individuaalsusest, kes rõõmustas teda oma teadmistega rahvakõnest, elust ja traditsioonidest. Etenduse hingestatus, naishinge sügav mõistmine ja näidendi traagika võimaldasid peaosa esitajal tõusta näitlejalavakunsti kõrgustesse. Tema Katerina, tugev, kirglik, puhas ja poeetiline, mässades elava inimhinge vastu suunatud vägivalla vastu, sai tema kaasaegsete jaoks tõeliseks "valguskiireks".

Näitekirjanik kavandas "Äikesetormi" komöödiana ja nimetas seda siis draamaks. Dobroljubov nägi selles näidendis, et "selles on türannia ja hääletuse vastastikused suhted viidud kõige traagilisemate tagajärgedeni" (Dobrolyubov N.A. Valguskiir pimedas kuningriigis // Valitud kirjanduskriitilisi artikleid. - K., 1976. - lk 178). Kaasaegne kirjanduskriitika liigitab oma žanri sotsiaalseks tragöödiaks. Kunstikriitik B.V. Alpers peab teost vene rahvusteatri romantiliseks tragöödiaks, rääkides sotsiaalsest ja moraalsest puhastusest, katarsisest, mille „Äikesetorm” nagu tõelist tragöödiat saali toob (Alpers B.V. Theatrical essays. M., 1981. - T 1. – Lk 505).

Selles lootusetuses, selles dikikhide ja kabanovide "elu krüptis" on elav, kadumatu - Katerina vaimne rikkus. Tema esteetilist olemust iseloomustavad religioossus, poeetiline loodustunnetus ja ilumeel.

Nagu teadlane V.V. Osnovin täpselt märkis, püüab ta palves, teenides ja ümbritseva maailma ilu tajudes rakendada oma vaimseid jõude. Ja selle rakenduse kõrgeim punkt on tema jaoks armastus. Kogu Katerina avaldub armastuses. Ta mässab türannia vastu, olles relvastatud vaid ühe asjaga – teadvusega õigusest armastusele. Olles avastanud armastuse, teadnud tahet, vabadust, tahab ta elada. Tema jaoks elamine tähendab olla sina ise. Kuid Kalinovi kuningriigis on see võimatu. On ainult üks väljapääs - surm. Selles on vabadust.

Sellist tegelast pole Vene lava kunagi tundnud. Kunstikriitikud selgitavad sellega draama ja selle esimeste lavastuste tohutut avalikku vastukaja Maly ja Aleksandrinski teatrites.

Pärast “Äikesetormi” esilinastust tekkis selle ümber diskussioon. Autorile heideti ette ebamoraalsust, nad väitsid, et tema näidend pole draama, vaid satiir. Kuid arenenud vene kirjanikud hindasid "Äikesetormi" kõrgelt: N. A. Dobrolyubov nimetas seda "Ostrovski kõige otsustavamaks teoseks", I. A. Gontšarov väitis, et "sellist teost... meie kirjanduses polnud", I. S. Turgenev arvas, et see on kahtlemata "kõige enam". hämmastav, suurepärane teos võimsalt Vene talendilt, kes on ennast täielikult valdanud.

Ostrovski pälvis näidendi “Äikesetorm” eest akadeemilise preemia. 1863. aastal valiti temast esimene näitekirjanik vene kirjanduse ajaloos Teaduste Akadeemia korrespondentliikmeks.

Vene teatrikunsti ajalugu sisaldab palju unustamatuid lehekülgi, mis on pühendatud silmapaistvate näitlejate esituses "Äikesetormi" piltide lavalisele tõlgendamisele. Üks Maly teatri valgustitest, näitleja G. N. Fedotova, kes mängis 1863. aastal Katerina rolli, mängis teda kolmkümmend aastat, muutes selle pildi tema loovuse tipuks. Näitlejanna mõistis järk-järgult oma kangelanna mitmemõõtmelist karakterit, valis välja erilised kunstilised väljendusvahendid - igapäevased detailid, žestid, kõnnak ja kõnemaneerid. Katerina hämmastas teda venekeelse kõne “muusikaga”. Omapärase vanavene etiketi tundmisest sündis haruldane iseloomu autentsus. Fedotova andis oma segadust ja meeleheidet edasi temperamendi ja kirega. Rolli tõlgenduse määras haletsus "pimeda kuningriigi" ohvri vastu. Selle näitlejanna esituses protestiteema puudus.

Katerina traagilise kuvandi lahendamise uusi jooni kehastas veelgi M. N. Ermolova (1873) esitus, mis tõi esile Katerina aktiivse protesti. Tragöödiat mängides andis Ermolova oma kangelannale “paindumatu tahte, julguse ja vaimse maksimalismi” (B.V. Alpers). Tema kirgliku ja vabadust armastava loomuse jaoks oli armastus Borisi vastu teadmine täielikust vabadusest. Selle vabaduse kaotamine tähendas surma. Etenduse loominguliseks apoteoosiks olid kaks viimast vaatust, milles Ermolova esitus šokeeris traagilise intensiivsusega. See Katerina jäi oma kaasaegsete meelest katkematuks, vallutamata.

Katerina pilt, mille lõi rafineeritud-murtud draama näitleja E. Roštšina-Insarova Meyerholdi 1916. aasta etenduses Aleksandrinski teatris, ilmus publiku ette hoopis teises tõlgenduses. B.V. Alpers nimetas teda "sajandi lõpu Katerinaks", kellel "ei olnud enam jõudu ega soovi võidelda". Selles, kuidas ta Borisile otsa vaatas, elas "mitte armastus, mitte kirg... vaid viimane hüvastijätt eluga". Kriitik jõuab järeldusele, et Katerina Roštšina kuvand on lahutamatu tormieelsest õhkkonnast, milles vana maailm elas enne 1916. aasta vahetust. Katerina Roštšina – tema looming ja ohver – oli määratud koos temaga surema.

Lavastaja ebatraditsioonilise näidendi tõlgenduse kohta ütles kunstikriitik K.L. Rudnitski kirjutas: "Vältides igapäevast autentsust, keeldudes otsesest "pimeda kuningriigi" kujutamisest, muutes proosalise ja metsiku Kalinovi omamoodi muinasjutuliseks Kiteži linnaks, rebis Meyerhold kogu "Äikesetormi" dramaatilise olukorra. Vene elu konkreetsed ajaloolised asjaolud 19. sajandi keskpaigas. Kuid samal ajal paljastas ta selle olukorra olulisuse 20. sajandi alguse jaoks. Poetiseerituna omandas see universaalsuse tähenduse. Konkreetse tumeda kaupmeheriigi ja tumeda eluviisi asemel ilmus tumedate vaimsete jõudude jõud” (Rudnitski K.L. Režissöör Meyerhold. – M., 1969. – Lk 191).

Selles ootamatus lavastajaidees kõlas Katerina kuvand uuena. "Katerina oli omaette... ei suutnud kellelegi täielikult avaneda, ei saanud kellelegi aru, polnud kellelegi vajalik. Ta liikus etenduses läbi täielikus ja tardunud üksinduses. Rudnitski võrdles Katerina Roštšinat Bloki naisega, "kes astus Aleksandrinski lavale, "nii ükskõikne ja särav, nagu oleks ta andnud vabalt käe langemise inglile". Lahtiolekus, hukatuses, surmavalmiduses oli tema kadestamisväärne vabadus” (Ibid. – lk 192).

Maly teatri kunstnik S.V. Tihhoni rolli esmaesineja Vassiljev lõi traagilise pildi "umbisikulisest" mehest, mille hävitas "tumeda kuningriik". "Teda oli hirmus vaadata," kirjutas kaasaegne, "kui ta surelikku piina läbi elades ema käest põgenes. Mitte niivõrd sõnadega, vaid žestide ja näoilmetega kakles ta emaga ja anus, et ta laseks. Tema viimane hüüe: "Ema! Sa rikkusid ta ära!" – oli kohutav; see vapustas ja jäi siis vaatajat pikaks ajaks kummitama” (Imperial Theatresi aastaraamat. Hooaeg 1895/1986. Lisa, raamat 3. – lk 8).

Kaasaegsed jätsid palju mälestusi Aleksandrinski teatri näitleja A. E. Martõnovi Tihhoni rolli esitamisest, pidades seda rolli silmapaistva näitleja loomingu tipuks, kes kehastas andekalt näitekirjaniku esteetikat Peterburi laval. . Näitleja triumf oli viimane vaatus, mida ta ei mänginud, vaid elas läbi läbitungivalt liigutavalt, siiralt. Saanud teada, et Katerina lahkus kodust, tormas ta oma naist otsima ja nuttis vaikselt, naastes ilma millegita, desarmeerides publiku sügava armastuse ja haletsusega Katerina vastu. Tihhoni viimased sõnad panid publiku nägema temas uue mehe sündi, kes on võimeline oma väärikust kaitsma.

Metsiku rolli mänginud näitleja P. M. Sadovsky hämmastas lavastuses publikut oma hämmastava süüdistamisjõuga, andes talle ohjeldamatu tuju ja inimliku metsikuse, mis domineeris despootliku jõuga kogu Kalinovi üle. See oli helge ja märkimisväärne panus kaupmeeste türannia piltide lavagaleriisse. Näitleja elu jooksul lõi näitekirjanik kolmkümmend kaks näidendit ja paljud tegelased on kirjutatud spetsiaalselt Prov Sadovskile. Tuleb märkida, et olles dramaturgi lähedane sõber, kaaslane, mõttekaaslane ja tema uuendusliku draama särav edendaja, lõi näitleja A. N. Ostrovski näidendites enam kui kolmkümmend erinevat rolli, avaldades oma kaasaegsetele muljet. "Uus karmi lihtsuse tõde."

Näitekirjaniku nõuandel Maly teatris debüteerinud A. N. Ostrovski õpilane O. O. Sadovskaja mängis oma lemmikautori näidendites nelikümmend rolli. "Äikesetormis" mängis näitlejanna Varvara, Feklushi ja Kabanikha rolli. Nii näitekirjaniku enda kui ka Sadovskaja jaoks oli näidendi peamiseks väljendusvahendiks sõna, mida ta, nagu lavapausigi, suurepäraselt valdas. Kriitikute sõnul andis vaikimise (pausi) ja kõne kombinatsioon, ainulaadne näo väljendusrikkus aluse pildi arengule.

On teada, et näidenditega töötades kirjutas Ostrovski rolle spetsiaalselt Maly teatri kunstnikele. Nii kirjutas ta Varvara rolli filmis "Äike" näitlejanna Varvara Borozdinale, nimetades seda kangelannat tema järgi, sest ta kohtles noort andekat näitlejannat "mitte ainult sõbralikult, sügava inimliku kaastundega, vaid hindas väga ka tema annet, ta oli ärritunud, et tollases Maly teatri repertuaaris ei olnud tema jaoks piisavalt huvitavaid rolle” (Rõžov Rõžovast. - M., 1983. - Lk 18). See fakt räägib Ostrovskist kui tundlikust, hoolivast inimesest ja kunstnikust, kes muretseb andekate näitlejate ja teatri saatuse pärast.

“Äikesetormi” lavavormi defineeris piltlikult lavastajana V.I. Nemirovitš-Dantšenko: "Esitus ei tohiks olla suurejooneline, vaid lihtne, nagu laul. Vene laul kannab alati sügavat ja lihtsat tunnet... Et tõusta näidendi lavale, on vaja olla ülimalt sügav ja lihtne” (Moskva Kunstiteatri aastaraamat. - M.. 1045. - Lk 276 - 278).

Kuid mitte ükski lavastaja pole veel suutnud selle näidendi mõistatust täielikult lahti harutada. “Äikesetormi” kompositsioonilahenduses ühendas dramaturg traagilise ja koomilise, eepilise ja lüürilise. Lavastus on nii mitmemõõtmeline ja mitmetahuline, et selles õige tonaalsuse leidmine on uskumatult keeruline. Seni pole sellest näidendist leitud võtit “tunnete olemuse” (G. A. Tovstonogovi järgi). Ilmselt on sellega seletatav tõsiasi, et Vene teatri ajaloos pole veel ilmunud “harmooniliselt terviklikku” dramaturgi näidendi põhjal valminud etendust, millest saaks tõeline kunstisündmus.

Aga kui asjakohane, kui julge võib Ostrovski tänapäeval kõlada. Piisab, kui meenutada etendusi “Lihtsusest piisab igale targale” M. A. Zahharovi lavastatud Lenkomis või G.A. “Hundid ja lambad”. Tovstonogovi nimelises Bolshoi Draamateatris. M. Gorki. Jääb vaid loota, et ilmub lavastaja, kes "osutab Vene teatrile suurimat teenust "Äikesetormi" müsteeriumi lahtimõtestamisel.

Pärast "Äikesetormi" hiilgavat edu kirjutas Ostrovski viis uut näidendit. 1861. aastal tühistati lõpuks tsensuurikeeld tema hiilgava vaimusünnituse – komöödia “Meie inimesed – olgem nummerdatud” – pealt. Ainuüksi Moskvas ja Peterburis anti 1561. aastal kaheksakümmend viis etendust dramaturgi näidendite põhjal. Kirjanik on viimase kahe aastakümne jooksul väga intensiivselt töötanud.

Näitekirjaniku loomingupalett on mitmekesine, tema tähelepanu objektid on: “pimeda kuningriigi” türannia kui sotsiaalse nähtuse paljastamine; aadli vaimne vaesumine, bürokraatliku aparaadi troonilt kukutamine: uute sotsiaalsete jõudude esilekerkimine; naise saatus olemasoleva süsteemi järgi; tärkav ärimehe tüüp - "uus elumeister"; talent ja ühiskond ja palju muud.

A. N. Ostrovski loomingulisuse süüdistav ja satiiriline joon ("Lihtsusest piisab igale targale", "Soe süda", "Hundid ja Jäär" jne) muudab tema näidendid sarnaseks M. E. Saltõkov-Štšedrini ja A. V. Suhhovo satiiriga. Kobylina. Sotsiaalpsühholoogiline liin (“Viimane ohver”, “Kaasavara”, “Talendid ja austajad”, “Süüta süüdi” jne) - lähendab meid Turgenevi teatrile ja ennetab Tšehhovi teatrit. Huvi Venemaa ajaloo vastu toob kaasa rea ​​ajaloolisi kroonikaid ja kirg slaavi mütoloogia vastu - poeetilises "kevadmuinasjutus" - "Lumetüdruk", millest sai N. A. Rimski-Korsakovi ja P. I. Tšaikovski inspiratsiooniallikas.

Dramaturgi väga oluline kunstistiililine joon oli soov luua üldistatud kujundeid, ühendades neis sotsiaalselt tüüpilise ja individuaalse. Olles alles algaja kirjanik, rääkis Ostrovski oma komöödiast “Meie inimesed – meid nummerdatakse”: “Tahtsin, et avalikkus tembeldaks pahe Podhaljuzini nimega samamoodi nagu Garpogon, Tartuffe, Nedorosl. , Khlestakov ja teised” (Ostrovski A. N. Terviklikud kogutud teosed: 16 köites - M., 1953. - T. 14. - lk 16). Unistus sai reaalsuseks: rohkem kui ühest tema pildist sai leibkonna nimi.

80ndatel, dramaturgi töö viimasel perioodil, kirjutas kriitika tema talendi erosioonist. Ostrovski loomingu tõelise tähenduse võttis kokku I. A. Gontšarov, kes kirjutas oma kirjandusliku tegevuse 35. aastapäeva päeval: "Teie üksi lõpetasite hoone, mille vundamendile Fonvizin, Gribojedov, Gogol nurgakivid panid. Aga alles pärast teid saame meie, venelased, uhkusega öelda: meil on oma vene rahvusteater. Seda tuleks õigusega nimetada Ostrovski teatriks” (Goncharov I.A. Kogutud teosed: 8 köites - M., 1955. - T. 8. - Lk 491 - 492).

Vene kultuuriloos ei esine Ostrovski aga mitte ainult vene rahvusteatri loojana, vaid ka kunstiteoreetikuna, kes visandas uusi viise vene teatriesteetika arendamiseks.

1865. aastal sai Ostrovskist üks kirjaniku V.F. osalusel kunstiringi korraldamise algatajaid. Odojevski, muusik N. G. Rubinstein, võitluskaaslane ja sõber, näitleja P. M. Sadovski. See oli esimene vene teatritöötajate loominguline ühendus, mis asendas teatrikooli.

Kirjaniku avastatud uut tüüpi draama tekitas vajaduse realistliku näitlemiskooli järele, mis vastaks "elunäidendite" põhimõtetele. “Selleks, et vaataja jääks rahule,” kirjutas ta, “on vaja, et tema ees ei oleks lavastus, vaid elu, et tekiks täielik illusioon, et ta unustaks, et ta on teatris. Seetõttu on vajalik, et ka näitlejad lavastust esitades oskaksid elu ette kujutada, et nad teaksid, kuidas laval elada” (A. N. Ostrovski, Täielik teoste kogu: 16 köites - M.. 1952. - T. 12. - lk 151).

Näitlejate jaoks vaieldamatu autoriteet, dramaturg leiab, et lavastaja peaks olema ka õpetaja, kes töötab koos näitlejaga rolli kallal. “Esietendust” aktsepteerimata räägib ta “ansambli” loomisest, mis on võimatu ilma lavastajatahte, kunstilise distsipliini ja traditsioonideta, mis aitavad kaasa lavalise esituse ühetaolisusele.

Näidendeid lugedes ja näitlemist õpetades toob Ostrovski esile näidendi autori osalemise probleemi lavastaja loometöös. Autor aitab näitlejatel mõista näidendi ja selle tegelaste olemust ning leida õiget tooni.

Etenduskunsti klišeedega võideldes suhtub ta “amatörismi” negatiivselt: amatööri jaoks pole teater tõsine asi, vaid ainult lõbu.

Näitleja on alati jäänud etenduse hingeks, dramaturgi jaoks “tõelise lavakunsti” meistriks. Pidades silmas näitlejakooli, kus pannakse paika professionaalne alus, omistab Ostrovski edasise professionaalse arengu protsessis juhtiva rolli teatrilavale, millel "moodustuvad tõelised, terviklikud kunstnikud".

1874. aastal lõi Ostrovski teatrikriitiku ja tõlkija V.I. Rodislavski osalusel Vene Draamakirjanike Seltsi. Korduvalt välismaal viibinud Ostrovski huvitas teatri areng Euroopa riikides. Kogunenud muljed ja välismaiste kogemuste analüüs aitasid dramaturgi hinnangul kodumaisele teatrisfäärile. Ta töötab mitmete märkmete ja artiklite kallal, milles ta kirjeldab põhjalikult Vene draama ja teatri toonast seisu, jõudes järeldusele, et pealinna keiserlik teater ei suuda täita Vene rahvusteatri kõrget missiooni. Ta näeb väljapääsu Moskvas avalikult kättesaadava ja demokraatliku uue lavakultuuri teatri loomises.

Vahetult enne oma surma juhtis Ostrovski Moskva keiserlike teatrite repertuaariosakonda. Eakas näitekirjanik asub innukalt asja kallale, kuid tal ei õnnestu kaua töötada - kuus kuud hiljem ta suri.

Ostrovski teater on kriitiku tabava määratluse järgi “eetiline teater”, mille moraalne laeng annab usku ellu. Tema kunst on ehtne, suur ja seetõttu vajalik.

Kinnitamaks Ostrovski kunsti ja modernsuse vahelist seost, tahaks lõpetuseks meenutada üht silmapaistvamat lavatõlgendust komöödiast “Hundid ja lambad”, mille lavale toonud 20. sajandi silmapaistev lavastaja Georgi Aleksandrovitš Tovstonogov. Leningradi Bolshoi Draamateater. M. Gorki, läbi viidud 80. aastatel.

G. A. Tovstonogovi etendus kujunes võiduks, kui teatril õnnestub ühendada kool, puhkus, vaatemäng ja meelelahutus. Režissööri huvitas mittesekkumise ja kaasaelamise psühholoogia. „Kust „hundid” tulevad, mis nende aktiviseerumisele kaasa aitab? Lynjajevite ükskõiksus. Dramaturg nägi, kuidas kiskjate mastaap põlvest põlve kasvas,” kirjutas lavastaja. Teatril oli seda vaja teha, „et etenduses oleks näha nähtuse enda tänapäeva mastaapi, et saja aasta taguste „huntide” naiivne intriig paneks mõtlema tänapäevases maailmas laialt levinud maffiale. maailm” (Tovstonogov G. A. Lava peegel. Raamat 2. - L. , 1984. – Lk 72). See on teema asjakohasus.

Hingematvalt roosas vestis, “võluva” ümmarguse kõhu, vapustavate kõrvetiste ja vuntsidega isandlik, kurnatud, kuninglikult laisk, jõude liikuv “kass” - Mihhaila Borisõtš Lynyajev O. V. Basilašvili esituses pani publiku naerma. Lõnjajevi mõtte põnevat sünniprotsessi jälgiv auditoorium näis aimavat selle liikumise suunda. Ja põhiprobleem, mille ümber Lynjajevi mõte intensiivselt töötas, taandus ühele asjale: kuidas magada tund või kaks. Selline Lynjajev oli selle kaasamõtlemise näidendi keskne kuju. Tovstonogov andis “Huntidele ja lammastele” žanri puhtuse - laval oli komöödiat, satiiri, laval valitses naer. Tõepoolest, paljudes selle Ostrovski näidendi põhjal tehtud professionaalselt “kvaliteetsetes” etendustes oli naer haruldane külaline. BDT etendus “tervendas” naeruga, tõi südametunnistuse, pani inimesi tundma, jäädes samas silma- ja hingerõõmu “peoks”.

Laval oli kõike, millest Ostrovski unistas: elutõde, hiilgav partnerlus, suurepäraselt koordineeritud seltskond; ainulaadses näitlejakoosseisus olid kõik staarid, igaühel oli oma meloodia, kuid see kõik oli allutatud ühisele plaanile - Lõnjajevi, Lynjavštšina paljastamine 20. sajandi ohtliku sotsiaalse nähtusena.

Täna, juba 21. sajandist, võime kindlalt öelda: Ostrovski on meie kaasaegne.

L-ra: Vene kirjandus Ukraina koolides. – 2002. – nr 5. – Lk 40-45.

Märksõnad: Aleksander Ostrovski, Aleksandr Ostrovski loomingu tunnused, Aleksandr Ostrovski loomingu kriitika, kriitika, allalaadimise kriitika, tasuta allalaadimine, abstraktne, 19. sajandi vene kirjandus, 19. sajandi näitekirjanikud

Ostrovski draama kaasavara psühholoogiline

Ostrovski teened vene draamale ja vene teatrile on tohutud. Ligi nelikümmend aastat kestnud loomingulise tegevuse eest A.N. Ostrovski lõi rikkaliku repertuaari: umbes viiskümmend originaalnäidendit, mitu koostöös kirjutatud näidendit. Ta tegeles ka teiste autorite näidendite tõlkimise ja kohandamisega. Omal ajal dramaturgi loomingulise karjääri 35. aastapäeva puhul tervitades I.A. Gontšarov kirjutas: „Tõite kirjandusele kingituseks terve raamatukogu kunstiteoseid, lõite lava jaoks oma erilise maailma. Teie üksi lõpetasite hoone, mille aluse panid Fonvizin, Gribojedov, Gogol. Aga alles pärast teid saame meie, venelased, uhkusega öelda: “Meil on oma vene rahvusteater. Seda tuleks õigustatult nimetada "Ostrovski teatriks" Žuravlev A.I., Nekrasov V.N. Teater A.N. Ostrovski. - M.: Kunst, 1986, lk. 8..

Vene klassikalise draama parimaid traditsioone jätkanud Ostrovski talent, mis kinnitas sotsiaalsete tegelaste ja moraalide dramaatilisust, sügavat ja laiaulatuslikku üldistust, mõjutas otsustavalt kogu edasist progressiivse vene draama arengut. Suuremal või vähemal määral õppisid temalt ja tulid temalt nii L. Tolstoi kui ka Tšehhov. Just selle vene psühholoogilise dramaturgia liiniga, mida Ostrovski nii suurejooneliselt esindas, on seotud ka Gorki dramaturgia. Kaasaegsed autorid õpivad ja jätkavad Ostrovski dramaatiliste oskuste uurimist pikka aega.

Oleks õiglane märkida, et juba enne Ostrovskit olid progressiivsel vene draamal suurepärased näidendid. Meenutagem Fonvizini “Peakest”, Gribojedovi “Häda vaimukust”, Puškini “Boriss Godunov”, Gogoli “Kindralinspektor” ja Lermontovi “Maskeraadi”. Kõik need näidendid võivad rikastada ja kaunistada, nagu Belinsky õigesti kirjutas, mis tahes Lääne-Euroopa riigi kirjandust.

Kuid neid näidendeid oli liiga vähe. Ja nad ei määranud teatrirepertuaari seisu. Piltlikult öeldes tõusid nad massidraama tasemest kõrgemale kui üksikud haruldased mäed lõputul kõrbetasandikul. Valdav osa tolleaegset teatrilava täitnud näidenditest olid tühjade, kergemeelsete vodevillide ja õudustest ja kuritegudest kootud südantsoojendavate melodraamade tõlked. Nii vodevillid kui ka melodraamad, mis olid kohutavalt kaugel tegelikust elust, eriti tõelisest vene tegelikkusest, ei olnud isegi selle varju.

Psühholoogilise realismi kiire areng, mida täheldame 19. sajandi teisel poolel, avaldus ka draamas. Huvi inimisiksuse vastu kõigis selle seisundites sundis kirjanikke otsima oma väljendusvahendeid. Draamas oli peamiseks selliseks vahendiks tegelaste keele stilistiline individualiseerimine ja juhtroll selle meetodi väljatöötamisel kuulus Ostrovskile.

Lisaks püüdis Ostrovski minna psühholoogias kaugemale, pakkudes oma tegelastele autori plaani raames maksimaalset võimalikku vabadust - sellise eksperimendi tulemuseks oli Katerina pilt filmis “Äikesetorm”. Aleksander Nikolajevitš Ostrovski pidas oma kirjandusliku teekonna alguseks 1847. aastat, kui ta luges professori ja kirjaniku SP majas suure eduga näidendit “Perekonnapilt”. Ševyreva. Tema järgmine näidend "Meie inimesed – olgem nummerdatud!" (algne pealkiri “Pankrotis”) tegi tema nime tuntuks kogu Venemaa lugemisel. Alates 50ndate algusest. ta teeb aktiivselt koostööd ajaloolase M.P. Pogodin “Moskvitjanin” ja peagi koos A.A. Grigorjev, L.A. Moodustasime koos teistega “Moskvitjanini” “noore toimetuskolleegiumi”, mis püüdis ajakirjast kujundada uue ühiskondliku mõttesuuna organ, mis on lähedane slavofiilsusele ja pochvenismile. Ajakiri propageeris realistlikku kunsti, huvi rahvaelu ja folkloori vastu, Venemaa ajalugu, eriti ebasoodsate klasside ajalugu.

Ostrovski jõudis kirjandusse rahvuslikult omanäolise teatristiili loojana, mis põhines poeetikas folklooritraditsioonil. See osutus võimalikuks, sest ta alustas vene rahva patriarhaalsete kihtide kujutamisega, kes säilitasid Petriini-eelse, peaaegu euroopatamata perekondliku, argise ja kultuurilise elulaadi. Tegemist oli ikkagi “eelisikulise” keskkonnaga, mille kujutamiseks sai võimalikult laialdaselt kasutada rahvaluule poeetikat selle äärmise üldsõnalisuse, stabiilsete, kuulajatele ja vaatajatele otsekui kohe äratuntavate tüüpidega ning isegi korduva põhilisega. süžee olukord - armastajate võitlus oma õnne pärast. Selle põhjal loodi Ostrovski tüüpi rahvapsühholoogiline komöödia.Vene kirjandus 19.-20.sajand / Koost. B.S. Bugrov, M.M. Golubkov. - M.: Aspect Press, 2000, lk. 202..

Oluline on mõista, mis määras psühholoogilise draama olemasolu Aleksander Nikolajevitš Ostrovski loomingus. Ennekõike meie mõistes sellega, et ta lõi oma teosed esialgu teatri jaoks, lavaliseks teostuseks. Etendus oli Ostrovski jaoks näidendi avaldamise kõige täielikum vorm. Alles lavaesinemise ajal saab autori dramaatiline fiktsioon täielikult viimistletud vormi ja tekitab täpselt sellise psühholoogilise mõju, mille autor on oma eesmärgiks seadnud. Kotikov P.B. Vaataja hääl – kaasaegne. (F.A. Koni A.N. Ostrovskist)//Kirjandus koolis. - 1998. - nr 3. - lk 18-22..

Lisaks oli teatripublik Ostrovski ajastul demokraatlikum, oma sotsiaalselt ja hariduslikult „kirjum” kui lugejad. Ostrovski õiglase arvamuse kohaselt on ilukirjanduse tajumiseks vaja teatud haridustaset ja harjumust tõsiselt lugeda. Teatrisse saab vaataja minna lihtsalt meelelahutuseks ning teatri ja dramaturgi ülesanne on muuta etendus nii naudinguks kui ka moraalseks õppetunniks. Teisisõnu peaks teatrietendusel olema vaatajale maksimaalne psühholoogiline mõju.

Keskendumine draama lavalisele eksistentsile määrab ka autori erilise tähelepanu iga tegelase psühholoogilistele omadustele: nii pea- kui ka kõrvaltegelasele.

Looduskirjelduse psühholoogilisus määras stseeni tulevase maastiku.

A.N. Ostrovski omistas iga oma teose pealkirjale olulise rolli, keskendudes ka edasisele lavastusele, mis üldiselt ei olnud tüüpiline vene realismiajastu kirjandusele. Fakt on see, et vaataja tajub näidendit korraga, ta ei saa nagu lugejagi peatuda ja mõelda ega naasta algusesse. Seetõttu peab autor ta kohe psühholoogiliselt häälestama seda või seda tüüpi vaatemängule, mida ta kohe nägema hakkab. Teatavasti algab näidendi tekst plakatiga, see tähendab pealkirjaga, žanri määratlusega ja lühidalt kirjeldatud tegelaste loendiga. Juba plakat rääkis seega vaatajale sisust ja sellest, kuidas see lõpeb, ning sageli ka autori positsioonist: kellele autor sümpatiseerib, kuidas ta dramaatilise tegevuse tulemust hindab. Traditsioonilised žanrid olid selles mõttes kõige määratletud ja selgemad. Komöödia tähendab, et tegelaste jaoks, kellele autor ja vaataja sümpatiseerivad, lõpeb kõik hästi (selle heaolu tähendus võib muidugi olla väga erinev, mõnikord vastuolus avalikkuse arusaamaga) Zhuravleva A.I. Näidendid A.N. Ostrovski teatrilaval//Kirjandus koolis. - 1998. - nr 5. - lk 12-16..

Aga kui lavastuses kujutatud elu muutus keerulisemaks, muutus selget žanrimääratlust anda järjest keerulisemaks. Ja sageli keeldudes nimest "komöödia", nimetab Ostrovski seda žanri "stseenid" või "pildid". “Stseenid” - see žanr ilmus Ostrovskis tema nooruses. Siis seostati seda “loomuliku koolkonna” poeetikaga ja oli midagi dramatiseeritud essee sarnast, kujutades süžees iseloomulikke tüüpe, mis on omaette episood, pilt tegelaste elust. 1860. ja 1870. aastate “stseenides” ja “piltides” näeme midagi muud. Siin on meil täielikult välja töötatud süžee, dramaatilise tegevuse järjekindel lahtirullumine, mis viib lõpptulemuseni, mis ammendab dramaatilise konflikti täielikult. Piiri “stseenide” ja komöödia vahel pole sel perioodil alati lihtne kindlaks teha. Võib-olla saame välja tuua kaks põhjust, miks Ostrovski keeldus traditsioonilisest žanrimääratlusest. Mõnel juhul näib näitekirjanikule, et näidendis käsitletav naljakas juhtum ei ole piisavalt tüüpiline ja “suuremõõtmeline” sügavaks üldistamiseks ja olulisteks moraalseteks järeldusteks – ja just nii mõistis Ostrovski komöödia olemust (näiteks “See pole veel kõik Maslenitsa kassi jaoks”). Muudel juhtudel oli kangelaste elus liiga palju kurba ja rasket, kuigi lõpp osutus edukaks (A.I. Zhuravleva “Kuristik”, “Hiline armastus”). Näidendid A.N. Ostrovski teatrilaval//Kirjandus koolis. - 1998. - nr 5. - lk 12-16..

1860.-1870. aastate näidendites toimus draama järkjärguline kuhjumine ja draamažanrile selle sõna kitsas tähenduses vajaliku kangelase kujunemine. Sellel kangelasel peab ennekõike olema arenenud isiklik teadvus. Kuni ta ei tunne sisemiselt, vaimselt keskkonnale vastandlikkust, ei eralda end sellest üldse, võib ta esile kutsuda kaastunnet, kuid ei saa veel draama kangelaseks, mis nõuab kangelase aktiivset ja tõhusat võitlust asjaolud. Isikliku moraalse väärikuse ja inimese klassivälise väärtuse kujunemine vaeste töötajate ja linnamasside silmis äratab Ostrovski suurt huvi. Reformist tingitud individuaalsustunde tõus, mis on haaranud küllaltki laia Venemaa elanikkonnakihte, annab ainest ja annab aluse draamale. Tema ereda koomilise andega Ostrovski kunstimaailmas lahendatakse sageli dramaatilise iseloomuga konflikt dramaatilises struktuuris. “Tõde on hea, aga õnn on parem” osutub sõna otseses mõttes draama lävel seisvaks komöödiaks: järgmine “suur näidend”, millest eespool tsiteeritud kirjas juttu on, on “Kaasavara”. Olles algselt välja mõelnud “stseene”, millele ta erilist tähtsust ei omistanud, tundis Ostrovski oma töö käigus tegelaste ja konfliktide tähtsust. Ja ma arvan, et mõte on siin eelkõige kangelases – Platon Zybkinis.

Ostrovski noorpõlvesõber, suurepärane luuletaja ja kriitik A. A. Grigorjev nägi Tšatskis Ostrovski “üht suurimat inspiratsiooni”. Ta nimetas Chatskit ka "ainsaks kangelaskujuks meie kirjanduses" (1862). Esmapilgul võib kriitiku märkus üllatada: Gribojedov ja Ostrovski kujutasid väga erinevaid maailmu. Sügavamal tasandil ilmneb aga Grigorjevi otsuse tingimusteta õigsus.

Griboedov lõi vene draamas "kõrge kangelase" tüübi, st kangelase, kes otsekohese, autorile lüüriliselt lähedase sõna kaudu paljastab tõe, hindab näidendis toimuvaid sündmusi ja mõjutab nende kulgu. Ta oli isiklik kangelane, kellel oli iseseisvus ja kes seisis oludele vastu. Sellega seoses mõjutas Gribojedovi avastus kogu 19. sajandi vene kirjanduse ja loomulikult Ostrovski edasist käekäiku.

Keskendumine laiale vaatajale, tema tajudes ja muljetes vahetu, määras Ostrovski dramaturgia väljendunud originaalsuse. Ta oli veendunud, et draamade ja tragöödiate avalik publik vajab "sügavat ohkamist kogu teatris, nad vajasid teesklemata sooje pisaraid, tuliseid kõnesid, mis voolavad otse hinge."

Nende nõuete valguses kirjutas näitekirjanik suure ideoloogilise ja emotsionaalse intensiivsusega, koomilisi või dramaatilisi näidendeid, mis "kütkestavad hinge, pannes unustama aja ja koha". Näidendeid luues lähtus Ostrovski peamiselt rahvadraama traditsioonidest, tugeva draama ja suure komöödia nõuetest. "Vene autorid tahavad kätt proovida," kuulutas ta, "värske publiku ees, kelle närvid ei ole eriti painduvad, mis nõuab tugevat draamat, suurepärast komöödiat, mis põhjustab avameelset, valju naeru, tuliseid, siiraid tundeid, elavaid ja tugevaid karaktereid. .”

Kuulus teatrikriitik F.A. Oma erapooletuse ja julguse poolest kuulus Kony hindas kohe Ostrovski teoste kõrget kvaliteeti. Dramaatilise teose üheks plussiks pidas Koni sisu lihtsust ja seda kunstipäraseks tõstetud lihtsust nägi ta Ostrovski komöödiates nägude kujutamises. Koni kirjutas eriti näidendi “Moskvalased” kohta: “Näitekirjanik pani mind armuma enda loodud tegelastesse. pani mind Rusakovi, Borodkini ja Dunjasse, vaatamata neile iseloomulikule välisele kohmakusele, armuma, sest ta suutis paljastada nende sisemise inimliku külje, mis ei saanud mõjutada publiku inimlikkust.“ Koni A.F. Näidendile “Moskvalased” // Vene lava repertuaar ja panteon. - 1853. - nr 4. - Lk 34//Vt. Kotikova P.B. Vaataja hääl – kaasaegne. (F.A. Koni A.N. Ostrovskist)//Kirjandus koolis. - 1998. - nr 3. - lk 18-22..

Samuti A.F. Koni märkis tõsiasja, et enne Ostrovskit ei ole vene komöödias isegi kontrastid (psühholoogilised) lubatud: kõik näod on samas plokis - eranditult kõik on kaabakad ja lollid. Mis on vene rahvus? // Vene lava repertuaar ja panteon. - 1853. - nr 4. - Lk 3//Vt. Kotikova P.B. Vaataja hääl – kaasaegne. (F.A. Koni A.N. Ostrovskist)//Kirjandus koolis. - 1998. - nr 3. - lk 18-22..

Seega võib öelda, et juba Ostrovski ajal märkisid kriitikud tema dramaatilistes teostes peene psühholoogia olemasolu, mis võis mõjutada publiku ettekujutust näidendi tegelastest.

Tuleb märkida, et Ostrovski ei piirdunud oma komöödiates ja draamades satiirilise süüdistaja rolliga. Ta kujutas elavalt ja kaastundlikult ühiskondlik-poliitilise ja perekondlik-kodumaise despotismi ohvreid, töölisi, tõearmastajaid, pedagooge, sooja südamega protestante türannia ja vägivalla vastu. Need tema kangelased olid autokraatia pimedas kuningriigis "valguskiired", kuulutades õigluse Lakshin V.Ya vältimatut võitu. Ostrovski teater. - M.: Kunst, 1985, lk. 28..

Karistades võimulolijaid, “rõhujaid”, türanne kohutava kohtuotsusega, tundes kaasa ebasoodsas olukorras olevatele, joonistades jäljendamist väärivaid kangelasi, muutis Ostrovski draama ja teatri sotsiaalse moraali kooliks.

Näitekirjanik ei teinud oma näidendite positiivsetest kangelastest mitte ainult töö- ja progressiinimesi, rahva tõe ja tarkuse kandjaid, vaid kirjutas ka rahva nimel ja rahva heaks. Ostrovski kujutas oma näidendites eluproosat, tavalisi inimesi igapäevastes oludes. Kuid ta tõstis selle eluproosa tohutu üldistuse kunstitüüpide raamidesse.

Ostrovski

Lapsepõlv ja noorus, staažiaastad, tegevused

Aleksander Nikolajevitš Ostrovski sündis 31. märtsil (12. aprillil) 1823 Moskvas Malaja Ordynkal. Tema isa Nikolai Fedorovitš oli preestri poeg, ta ise lõpetas Kostroma seminari, seejärel Moskva Vaimuliku Akadeemia, kuid hakkas tegutsema juristina, tegeledes omandi- ja äriasjadega; tõusis tiitlinõunikuks ja sai 1839. aastal aadli. Tema ema Ljubov Ivanovna Savvina, sekstoni tütar, suri, kui Aleksander oli vaid kaheksa-aastane. Peres oli neli last. Pere elas jõukalt ja suurt tähelepanu pöörati koduhariduse saanud laste haridusele. Viis aastat pärast ema surma abiellus tema isa paruness Emilia Andreevna von Tessiniga, venestunud Rootsi aadliku tütrega. Lastel vedas kasuemaga: ta ümbritses neid hoolega ja jätkas nende koolitamist. Aleksander sattus lapsepõlves lugemissõltuvusse, saab kodus hea hariduse, oskab kreeka, ladina, prantsuse, saksa, hiljem inglise, itaalia ja hispaania keelt. Kui Aleksander oli kolmeteistkümneaastane, abiellus tema isa teist korda venestunud Rootsi paruni tütrega, kes ei olnud eriti seotud oma mehe esimesest abielust pärit laste kasvatamisega. Tema tulekuga muutub märgatavalt majapidamise elukorraldus, ametlik elu kujundatakse õilsalt ümber, keskkond muutub, majas kõlavad uued kõned. Selleks ajaks oli tulevane näitekirjanik peaaegu kogu oma isa raamatukogu uuesti läbi lugenud. Ostrovski veetis oma lapsepõlve ja osa oma noorusest Zamoskvoretšje kesklinnas. Tänu isa suurele raamatukogule tutvus ta varakult vene kirjandusega ja tundis kalduvust kirjutamise poole, kuid isa tahtis temast juristi teha. 1835. aastal astus Ostrovski 1. Moskva gümnaasiumi, misjärel 1840. aastal sai temast Moskva ülikooli õigusteaduskonna üliõpilane, kuid ta ei jõudnud kursust lõpetada, kuna tal tekkis tüli ühe õpetajaga (õppis 1843. aastani) . Oma isa soovil astus Ostrovski kohtusse kirjatundjana ja töötas Moskva kohtutes kuni 1851. aastani; Tema esimene palk oli 4 rubla kuus, mõne aja pärast tõusis see 15 rublani.

Ülikooliaastad

Aastatel 1835-1840 – Ostrovski õpib Moskva I Gümnaasiumis. 1840. aastal astus ta pärast keskkooli lõpetamist Moskva ülikooli õigusteaduskonda. Ülikoolis oli õigustudeng Ostrovskil õnn kuulata selliste ajaloo, õiguse ja kirjanduse ekspertide loenguid nagu T.N. Granovski, N.I. Krylov, M.P. Pogodin. Siin avastab tulevane “Minini” ja “Voevoda” autor esimest korda Venemaa kroonikate rikkusi, keel ilmub tema ette ajaloolises perspektiivis. Kuid 1843. aastal lahkus Ostrovski ülikoolist, tahtmata eksamit uuesti sooritada. Samal ajal astus ta Moskva kohusetundliku kohtu kantseleisse ja töötas hiljem kaubanduskohtus (1845-1851). See kogemus mängis Ostrovski loomingus olulist rolli. Teine ülikool on Maly teater. Olles juba keskkoolipõlves lavast sõltuvusse sattunud, sai Ostrovskist Venemaa vanima teatri püsikunde.

Esimesed näidendid

1847 - "Moskva linna infolehes" avaldab Ostrovski tulevase komöödia "Meie inimesed - meid nummerdatakse" esimese mustandi pealkirjaga "Maksejõuetu võlgnik", seejärel komöödia "Perekonnaõnne pilt" (hiljem "Perekonnapilt" ") ja proosaessee "Zamoskvoretski elaniku märkmed" .. Ostrovski kirjandusliku kuulsuse tõi talle komöödia "Meie inimesed – olgem nummerdatud!" (algne pealkiri - "Pankrotis"), ilmus 1850. aastal. Näidend äratas heakskiitvaid vastuseid N. V. Gogolilt ja I. A. Gontšarovilt. Oma klassi pärast solvunud mõjukad Moskva kaupmehed kaebasid “bossile”; selle tulemusel keelati komöödia tootmine ning autor vabastati Nikolai I isiklikul korraldusel teenistusest ja pandi politsei järelevalve alla. Järelevalve lõpetati pärast Aleksander II liitumist ja näidendit lubati lavastada alles aastal. 1861. Pärast komöödiat "Meie inimesed – olgem nummerdatud" annab Ostrovski igal aastal välja ühe, vahel ka kaks-kolm näidendit, kirjutades seega 47 erinevas žanris näidendit – tragöödiast draamaepisoodideni. Lisaks on siin ka teiste näitekirjanikega koos kirjutatud näidendeid - S.A. Gedeonov, N.Ya. Solovjov, P.M. Nevežhin, samuti üle 20 tõlkenäidendi (C. Goldoni, N. Macchiaveli, M. Cervantes, Terence jt).

Tööaastad kohtus

1843. aastal asus Aleksander Nikolajevitš Ostrovski oma isa palvel Moskva südametunnistusekohtu ametnikuna teenistusse. 1845. aastal siirdus ta Moskva kaubanduskohtusse. Ostrovski teenis Moskva kohtutes kuni 1851. aastani. Ostrovski pidas kohtus teenimist kohustuseks. Kuid ta täitis selle kohusetundlikult. Seejärel aitasid teda päevakajaliste teoste loomisel suuresti tema kogemused kohtunikutöös. Sealt võttis Ostrovski oma näidendite jaoks palju ideid. Isa õiguspraktika ja ligi kaheksa-aastane kohtuteenistus andis tulevasele näitekirjanikule näidenditeks rikkalikku materjali.

viimased eluaastad

Elu lõpus saavutas Ostrovski lõpuks materiaalse rikkuse (ta sai eluaegset pensioni 3 tuhat rubla) ja asus 1884. aastal Moskva teatrite repertuaariosakonna juhataja kohale (näitekirjanik unistas teenida teatrit kogu oma elu). elu). Kuid tema tervis oli õõnestatud, jõud oli otsas.

Ostrovski mitte ainult ei õpetanud, vaid ka õppis. Ostrovski arvukad katsed antiik-, inglise, hispaania, itaalia ja prantsuse näitekirjanduse tõlkimise vallas ei andnud mitte ainult tunnistust tema suurepärasest tundmisest kõigi aegade ja rahvaste draamakirjandusega, vaid pidasid neid ka tema loomingu uurijate poolt omalaadseks. draamaoskuste koolist, mida Ostrovski õppis kogu oma elu (ta alustas 1850. aastal Shakespeare'i komöödia "Kirja taltsutamine" tõlkega).

Surm leidis ta Shakespeare'i tragöödiat "Antony ja Cleopatra" tõlkimas 2. (14.) juunil 1886 Kostroma oblastis Shchelykovo mõisast päriliku haiguse – stenokardia tõttu. Ta läks hauale, tegemata kõike, mida ta oleks võinud teha, kuid ta tegi erakordselt palju. Pärast kirjaniku surma asutas Moskva duuma Moskvas A. N. nimelise lugemissaali. Ostrovski. 27. mail 1929 avati Moskvas Teatralnaja väljakul Maly teatri ees, kus lavastati tema näidendeid, Ostrovski monument (skulptor N. A. Andrejev, arhitekt I. P. Maškov). A.N. Ostrovski on loetletud Venemaa Divo rekordite raamatus kui "kõige viljakam näitekirjanik" (1993).

Ostrovski - Vene rahvusteatri looja

Aleksander Nikolajevitš Ostrovskit peetakse vene draamateatri rajajaks. Olles töötanud Vene laval peaaegu nelikümmend aastat, lõi Ostrovski terve repertuaari - viiskümmend neli näidendit. Lisaks kirjutas ta arvukalt Cervantese, Shakespeare'i ja Goldoni tõlkeid. I.A. Gontšarov kirjutas A.N. Ostrovski: "Tõite kirjandusele kingituseks terve raamatukogu kunstiteoseid, lõite lava jaoks oma erilise maailma. Üksi tegite valmis hoone, mille vundamendile panid nurgakivid Fonvizin, Gribojedov, Gogol. Aga ainult pärast teid võime meie, venelased uhkusega öelda: "Meil on oma vene rahvusteater." Ausalt öeldes peaks seda nimetama: "Ostrovski teater." Ostrovski pühendab suure osa oma energiast ühiskondlikule tegevusele: ta korraldab kunsti ring, “Draamakirjanike kokkutulek” koostab Gribojedovi nimelise preemia reglemendi, töötab erateatri ja teatrikoolide loomiseks.See viis loomulikult selleni, et 1885. aastal määrati dramaturg teatri repertuaariosakonna juhatajaks. Maly teater, andes talle 5800 rubla ja aasta enne seda sai kirjaniku vend tema eest 3000 rubla aastas pensioni.Ta rahunes veidi maha: jumal tänatud, et tal ei oleks pere pärast peavalu, aga ei tundnud erilist rõõmu Ja isegi siis oli tal elada jäänud vaid üks aasta. Selle aasta jooksul töötab ta palju praktiliselt teatris, kirjutab, tõlgib ning plaanib avada draamakursused. Ühele infarktile järgneb aga teine ​​ja siis palavik; ja tema ees on närviline šokk tulekahjust tema armastatud Shchelykovis; ja jälle - lämbumishoog... kõigest sellest masendunud Aleksander Nikolajevitš otsustab 28. mail Moskvast Štšelõkovosse minna: lõppude lõpuks loodus, värske õhk, rahu. Ja Maly teater läks Varssavisse, viies seal kaheksa oma etendust, samas kui teised teatrid on endiselt suletud - see on hooajaväline; saate natuke puhata.