Vana-Kreeka skulptuur klassikalisest ajastust. Vana-Kreeka skulptuuri tunnused Vana-Kreeka kunst. Vana-Kreeka skulptuurid: nimed hellenistlikul ajastul

Reeglina raiuti tolleaegsed kujud paekivist või kivist, seejärel kaeti värviga ja kaunistati kaunite vääriskividega, kullast, pronksist või hõbedast. Kui kujukesed olid väikesed, olid need valmistatud terrakotast, puidust või pronksist.

Vana-Kreeka skulptuur

Vana-Kreeka skulptuur koges oma eksisteerimise esimestel sajanditel üsna tõsist Egiptuse kunsti mõju. Peaaegu kõik Vana-Kreeka skulptuuriteosed kujutasid poolalasti mehi, kelle käed rippusid. Mõne aja pärast hakkasid kreeka skulptuurid veidi katsetama riietuse, pooside ja näole individuaalseid jooni.

Klassikalisel perioodil saavutas skulptuur oma kõrgused. Meistrid on õppinud mitte ainult kujudele loomulikke poose andma, vaid isegi kujutama emotsioone, mida inimene väidetavalt kogeb. See võib olla läbimõeldus, eraldatus, rõõm või tõsidus, aga ka lõbusus.

Sel perioodil sai moes kujutada müütilisi kangelasi ja jumalaid, aga ka reaalseid inimesi, kes pidasid vastutusrikkaid positsioone – riigimehi, kindraleid, teadlasi, sportlasi või lihtsalt rikkaid, kes soovisid end sajandeid jäädvustada.

Sel ajal pöörati palju tähelepanu alasti kehale, kuna tol ajal ja selles piirkonnas eksisteerinud hea ja kurja kontseptsioon tõlgendas välist ilu inimese vaimse täiuslikkuse peegeldusena.

Skulptuuri arengu määrasid reeglina ühiskonna vajadused, aga ka esteetilised nõudmised, mis sel ajal eksisteeris. Lihtsalt vaadake tolleaegseid kujusid ja saate aru, kui värvikas ja elujõuline oli tolleaegne kunst.

Suur skulptor Myron lõi kuju, millel oli kujutava kunsti arengule tohutu mõju. See on kuulus kettaheitja kuju – kettaheitja. Mees on tabatud hetkel, kui tema käsi on veidi tagasi visatud, selles on raske ketas, mille ta on valmis kaugusesse viskama.

Skulptor suutis sportlase jäädvustada väga kulminatsioonihetkel, mis ennustab järgmist, kui mürsk paiskub kõrgele õhku ja sportlane sirgub. Selles skulptuuris õppis Myron liikumist.

Oli muul ajal populaarne meister – Polykleitos, mis kehtestas aeglasel sammul ja puhkamisel inimfiguuri tasakaalu. Skulptor püüab skulptuuri luues leida ideaalselt õiged proportsioonid, millele inimkeha ehitada. Lõppkokkuvõttes loodi kuvand, millest sai teatud norm ja pealegi eeskuju, mida järgida.

Oma teoste loomise käigus arvutas Polycletus matemaatiliselt välja kõigi kehaosade parameetrid, aga ka nende omavahelised suhted. Mõõtühikuks oli inimpikkus, kus pea oli seitsmendik, käed ja nägu kümnendik ning jalad kuuendik.

Polykleitos kehastas oma sportlase ideaali odaga noormehe kujus. Pilt ühendab väga harmooniliselt nii ideaalse füüsilise ilu kui ka vaimsuse. Skulptor väljendas selles kompositsioonis väga selgelt tolle ajastu ideaali - tervet, mitmekülgset ja terviklikku isiksust.

Kaheteistkümnemeetrise Athena kuju lõi Phidias. Lisaks lõi ta Olümpias asuva templi jaoks jumal Zeusi kolossaalse kuju.

Meister Skopase kunst hingab impulssi ja kirge, võitlust ja ärevust, aga ka sügavaid sündmusi. Selle skulptori parim kunstiteos on Maenadi kuju. Samal ajal töötas Praxiteles, kes laulis oma loomingus nii elurõõmu kui ka inimkeha väga sensuaalset ilu.

Lissip lõi umbes 1500 pronkskuju, mille hulgas on lihtsalt kolossaalsed jumalakujutised. Lisaks on rühmitusi, mis näitavad kõiki Heraklese tööd. Mütoloogiliste kujundite kõrval kujutasid meistri skulptuurid ka tolleaegseid sündmusi, mis hiljem ajalukku läksid.

Vana-Kreeka kultuuripärandi meistriteoste hulgas on sellel eriline koht. Kreeka kujudes kehastatakse ja ülistatakse visuaalsete vahenditega inimese ideaal, inimkeha ilu. Vana-Kreeka skulptuure ei erista aga mitte ainult joonte graatsilisus ja sujuvus – nende autorite oskused on nii suured, et isegi külmas kivis suutsid nad edasi anda kogu inimlike emotsioonide spektri ning anda figuuridele erilise sügava tähenduse, kui neile elu sisse puhuda ja igaühele anda see arusaamatu mõistatus, mis siiski köidab ega jäta vaatajat ükskõikseks.

Nagu teisedki kultuurid, koges Vana-Kreeka oma arengu erinevaid perioode, millest igaüks tõi kaasa teatud muudatused kõigi tüüpide, sealhulgas skulptuuri, kujunemisprotsessis. Seetõttu on võimalik jälgida seda tüüpi kunsti kujunemise etappe, kirjeldades lühidalt Vana-Kreeka Vana-Kreeka skulptuuri tunnuseid selle ajaloolise arengu erinevatel perioodidel.
ARHAILINE AEG (VIII-VI saj. eKr).

Selle perioodi skulptuure iseloomustab figuuride endi teatav primitiivsus, mis tuleneb asjaolust, et neis kehastatud kujutised olid liiga üldistatud ega erinenud mitmekesisuses (noormeeste figuurideks nimetati kuros, tüdrukute figuure koraks ). Tuntuimaks skulptuuriks mitmekümnest, mis tänaseni säilinud, peetakse Apolloni kuju varjudest, mis on valmistatud marmorist (Apollo ise ilmub meie ette noore mehena, käed maas, sõrmed rusikasse ja silmad pärani. avatud ja tema nägu peegeldub tolle aja tüüpilises skulptuuriarhailises naeratuses). Tüdrukute ja naiste kujutisi eristasid pikad riided ja lainelised juuksed, kuid kõige enam köitis neid joonte sujuvus ja elegants - naiseliku graatsia kehastus.

KLASSIKALINE PERIOOD (V-IV sajand eKr).
Selle perioodi skulptorite üheks silmapaistvaks tegelaseks võib nimetada Rhegia Pythagorast (480–450). Just tema andis oma loomingule elu ja muutis selle realistlikumaks, kuigi mõnda tema tööd peeti uuenduslikuks ja liiga julgeks (näiteks kuju nimega Boy Takeing out a Splinter). Tema erakordne anne ja vaimu elavus võimaldasid tal uurida harmoonia tähendust algebraliste arvutusmeetodite abil, mida ta viis läbi enda rajatud filosoofilise ja matemaatilise koolkonna põhjal. Selliseid meetodeid kasutades uuris Pythagoras erinevat laadi harmooniaid: muusikalist harmooniat, inimkeha harmooniat või arhitektuurset struktuuri. Pythagorase koolkond eksisteeris arvuprintsiibil, mida peeti kogu maailma aluseks.

Lisaks Pythagorasele andis klassikaline periood maailmakultuurile sellised silmapaistvad meistrid nagu Myron, Polykleitos ja Phidias, kelle loomingut ühendas üks põhimõte: ideaalse keha ja selles sisalduva võrdselt kauni hinge harmoonilise kombinatsiooni kuvamine. Just see põhimõte pani aluse tolleaegsete skulptuuride loomisele.
Myroni töödel oli suur mõju Ateena 5. sajandi hariduskunstile (piisab, kui mainida tema kuulsat pronksist kettaheitjat).

Polykleitose looming kehastas tema oskust tasakaalustada ühel jalal püsti tõstetud käega mehe kuju (näiteks noore odakandja Doryphorose kuju). Polykleitos püüdis oma töödes ühendada ideaalsed füüsilised omadused ilu ja vaimsusega. See soov inspireeris teda kirjutama ja avaldama oma traktaati "Kaanon", mis pole kahjuks tänaseni säilinud. Phidiast võib õigustatult nimetada suureks 5. sajandi skulptuuri loojaks, sest ta suutis suurepäraselt valdada pronksivalu kunsti. 13 Phidiase valatud skulptuurifiguuri kaunistasid Apollo Delfi templit. Tema tööde hulka kuulub ka Parthenonis asuv kahekümnemeetrine Neitsi Ateena kuju, mis on valmistatud puhtast kullast ja elevandiluust (seda kujude valmistamise tehnikat nimetatakse krüsoelevantiiniks). Tõeline kuulsus sai Phidias pärast seda, kui ta lõi Olümpia templi jaoks Zeusi kuju (selle kõrgus oli 13 meetrit).

HELLENISMI AEG. (IV-I sajand eKr).
Sellel Vana-Kreeka riigi arenguperioodil oli skulptuuri põhieesmärk endiselt arhitektuursete ehitiste kaunistamine, kuigi see peegeldas valitsuse halduses toimuvaid muutusi. Lisaks on skulptuuris kui ühes juhtivas kunstivormis esile kerkinud palju koolkondi ja suundi.
Skopasest sai selle perioodi skulptorite seas märkimisväärne tegelane. Tema oskust kehastas hellenistlik Samothrace Nike kuju, mis sai sellise nime Rhodeesia laevastiku võidu mälestuseks 306. aastal eKr ja mis paigaldati pjedestaalile, mis oma disainilt meenutas laeva vööri. Selle ajastu skulptorite loomingu näideteks said klassikalised pildid.

Hellenismi skulptuuris on selgelt näha nn gigantomaania (soov kehastada ihaldatud kujutist tohutu suurusega kujusse): selle ilmekaks näiteks on kullatud pronksist jumal Heliose kuju, mis kerkis 32 meetrit Rhodose sadama sissepääsu juures. Lysippose õpilane Jänes töötas selle skulptuuri kallal väsimatult kaksteist aastat. See kunstiteos võttis õigusega maailmaimede nimekirjas auväärse koha. Pärast Vana-Kreeka hõivamist Rooma vallutajate poolt viidi paljud kunstiteosed (sh mitmeköitelised keiserlike raamatukogude kogud, maalikunsti ja skulptuuri meistriteosed) väljapoole selle piire, lisaks viidi paljud teadus- ja haridusvaldkonna esindajad. tabatud. Nii põimiti Vana-Rooma kultuuri sisse kreeka kultuuri elemendid, mis mõjutasid oluliselt selle edasist arengut.

Muidugi tegid Vana-Kreeka erinevad arenguperioodid seda tüüpi kujutava kunsti kujunemisprotsessi omad kohandused,

Vana-Kreeka skulptuuri klassika

Vana-Kreeka skulptuur klassikalisest perioodist

Rääkides iidsete tsivilisatsioonide kunstist, mäletame ja uurime ennekõike Vana-Kreeka kunsti ja eriti selle skulptuuri. Tõesti, selles väikeses ilusas riigis on see kunstivorm tõusnud nii kõrgele, et tänapäevani peetakse seda standardiks kogu maailmas. Vana-Kreeka skulptuuride uurimine võimaldab meil paremini mõista kreeklaste maailmapilti, nende filosoofiat, ideaale ja püüdlusi. Skulptuuris, nagu ei kusagil mujal, avaldub suhtumine inimesesse, kes Vana-Kreekas oli kõigi asjade mõõdupuu. Just skulptuur annab meile võimaluse hinnata iidsete kreeklaste religioosseid, filosoofilisi ja esteetilisi ideid. Kõik see võimaldab meil paremini mõista selle tsivilisatsiooni tõusu, arengu ja languse põhjuseid.

Vana-Kreeka tsivilisatsiooni areng jaguneb mitmeks etapiks - ajastuks. Kõigepealt räägin lühidalt arhailisest ajastust, kuna see eelnes klassikalisele ajastule ja "andis tooni" skulptuuris.

Arhailine periood on Vana-Kreeka skulptuuri kujunemise algus. See ajastu jagunes ka varaseks arhailiseks (650 - 580 eKr), kõrgeks (580 - 530 eKr) ja hiliseks (530 - 480 eKr). Skulptuur oli ideaalse inimese kehastus. Ta ülendas tema ilu, tema füüsilist täiuslikkust. Varaseid üksikuid skulptuure esindavad kaks põhitüüpi: alasti noormehe kujutis - kouros ja tüdruku kuju, kes on riietatud pikka liibuvasse chitoni - kora.

Selle ajastu skulptuur oli väga sarnane Egiptuse skulptuuridega. Ja see pole üllatav: Egiptuse kultuuri ja teiste Vana-Ida riikide kultuuridega tutvudes laenasid kreeklased palju ja muudel juhtudel avastasid nendega sarnasusi. Skulptuuris täheldati teatud kaanoneid, nii et need olid väga geomeetrilised ja staatilised: inimene astub sammu edasi, tema õlad on sirgu ja käed on mööda keha alla lastud, huulil mängib alati rumal naeratus. Lisaks maaliti skulptuurid: kuldsed juuksed, sinised silmad, roosad põsed.

Klassikaajastu alguses on need kaanonid veel kehtivad, kuid hiljem hakkab autor staatikast eemalduma, skulptuur omandab iseloomu, sageli tuleb ette sündmus, tegevus.

Klassikaline skulptuur on Vana-Kreeka kultuuri arengu teine ​​ajastu. Samuti jaguneb see etappideks: varaklassika ehk range stiil (490 - 450 eKr), kõrge (450 - 420 eKr), rikkalik stiil (420 - 390 eKr .), hilisklassika (390 - ca 320 eKr).

Varaklassika ajastul toimub teatud elu ümbermõtestamine. Skulptuur omandab kangelasliku iseloomu. Kunst vabaneb arhailisel ajastul teda kammitsenud jäigast raamistikust, see on erinevate koolkondade ja suundade uute, intensiivsete arenduste otsimise ning eriilmeliste teoste loomise aeg. Kahte tüüpi figuurid – kurosu ja kore – asenduvad palju suuremate sortidega; skulptuurid püüavad edasi anda inimkeha keerulist liikumist.

Kõik see toimub pärslastega peetava sõja taustal ja just see sõda muutis nii vanakreeka mõtlemist. Kultuurikeskused nihutati ja on nüüd Ateena, Peloponnesose põhjaosa ja Kreeka lääneosa linnad. Selleks ajaks oli Kreeka saavutanud majandusliku, poliitilise ja kultuurilise kasvu kõrgeima punkti. Ateena võttis Kreeka linnade liidus juhtiva koha. Kreeka ühiskond oli demokraatlik, üles ehitatud võrdse tegevuse põhimõtetele. Kõik Ateenas elavad mehed, välja arvatud orjad, olid võrdsed kodanikud. Ja neil kõigil oli hääleõigus ja nad võisid olla valitud igasse riigiametisse. Kreeklased olid loodusega kooskõlas ega surunud maha oma loomulikke soove. Kõik, mida kreeklased tegid, oli rahva omand. Kujud seisid templites ja väljakutel, paleestrites ja mererannas. Neid esines templite frontoonidel ja kaunistustes. Nagu arhailisel ajastul, olid skulptuurid maalitud.

Kahjuks on Kreeka skulptuur meieni jõudnud peamiselt rusudesse. Kuigi Plutarchose sõnul oli Ateenas kujusid rohkem kui elavaid inimesi. Paljud kujud on meieni jõudnud Rooma koopiates. Kuid need on kreeka originaalidega võrreldes üsna toored.

Varaklassika üks kuulsamaid skulptoreid on Pythagoras Rhegium. Tema teoseid on meieni jõudnud vähesed ja tema teoseid teatakse vaid iidsete autorite mainimisest. Pythagoras sai kuulsaks inimese veenide, veenide ja juuste realistliku kujutamisega. Tema skulptuuridest on säilinud mitu Rooma koopiat: “Poiss kildu välja võtmas”, “Hüatsint” jt. Lisaks on talle omistatud Delfist leitud kuulus pronkskuju “Vankrimees”. Rhegiumi Pythagoras lõi mitu pronkskuju olümpia- ja Delfi mängude võitnud sportlastele. Ja talle kuuluvad Apollo kujud – Python Slayer, Rape of Europa, Eteocles, Polyneices ja Wounded Philoctetes.

On teada, et Rhegiumi Pythagoras oli Myroni kaasaegne ja rivaal. See on teine ​​kuulus tolle aja skulptor. Ja ta sai kuulsaks kui suurim realist ja anatoomiatundja. Kuid kõigest sellest hoolimata ei osanud Myron oma teoste nägudele elu ja väljendust anda. Myron lõi sportlaste kujusid - võistluste võitjaid, reprodutseeris kuulsaid kangelasi, jumalaid ja loomi ning kujutas eriti hiilgavalt raskeid poose, mis nägid välja väga realistlikud.

Tema sellise skulptuuri parim näide on maailmakuulus “Discobolus”. Muistsed kirjanikud mainivad ka kuulsat Marsyase ja Athena skulptuuri. See kuulus skulptuurirühm on meieni jõudnud mitmes eksemplaris. Lisaks inimestele kujutas Myron ka loomi, eriti kuulus on tema pilt “Lehmadest”.

Myron töötas peamiselt pronksis, tema teosed pole säilinud ja on teada antiikautorite tunnistustest ja Rooma koopiatest. Ta oli ka toreutika meister – valmistas reljeefsete kujutistega metalltopse.

Teine selle perioodi kuulus skulptor on Kalamis. Ta lõi marmorist, pronksist ja krüselefantiinist kujusid ning kujutas peamiselt jumalaid, naiskangelaskujusid ja hobuseid. Kalamise kunsti saab hinnata Tanagra jaoks tehtud jäära kandva Hermese kuju hilisemast ajast meieni jõudnud koopia järgi. Jumala kuju ise on teostatud arhailises stiilis, sellele stiilile omase poosi liikumatuse ja jäsemete paigutuse sümmeetriaga; kuid Hermese kantud jäära eristab juba teatud elujõud.

Lisaks kuuluvad Olümpias asuva Zeusi templi frontoonid ja metoobid Vana-Kreeka varaklassika skulptuuri monumentide hulka. Teine märkimisväärne varajase klassiku teos on nn Ludovisi troon. See on kolmetahuline marmoraltar, mis kujutab Aphrodite sündi, altari külgedel on hetaerad ja pruudid, mis sümboliseerivad erinevaid armastuse hüpostaase või jumalanna teenimise kujundeid.

Kõrgklassikat esindavad Phidiase ja Polykleitose nimed. Selle lühiajaline õitseaeg on seotud tööga Ateena akropoli kallal, see tähendab Parthenoni skulptuuride kaunistamisega. Vana-Kreeka skulptuuri tipp oli ilmselt Phidiase Athena Parthenose ja Olümpose Zeusi kujud.

Phidias on üks parimaid klassikalise stiili esindajaid ja tema olulisuse kohta piisab, kui öelda, et teda peetakse Euroopa kunsti rajajaks. Tema juhitud Pööningu skulptuurikool oli kõrge klassika kunstis juhtival kohal.

Phidiasel olid teadmised optika saavutustest. Tema rivaalitsemisest Alcamenesega on säilinud lugu: mõlemale telliti Ateena kujud, mis pidi püstitama kõrgetele sammastele. Phidias tegi oma kuju vastavalt samba kõrgusele – maa peal tundus see kole ja ebaproportsionaalne. Jumalanna kael oli väga pikk. Kui mõlemad kujud püstitati kõrgetele postamentidele, sai Phidiase õigsus ilmseks. Nad märgivad Phidiase tohutut oskust riiete tõlgendamisel, milles ta ületab nii Myroni kui ka Polycletos.

Enamik tema teoseid pole säilinud, nende üle saame otsustada vaid antiikautorite kirjelduste ja koopiate põhjal. Sellegipoolest oli tema kuulsus kolossaalne. Ja neid oli nii palju, et seda, mis üle jäi, oli juba palju. Phidiase kuulsaimad teosed - Zeus ja Athena Parthenos on valmistatud krüsoelefantiini tehnikas - kullast ja elevandiluust.

Zeusi kuju kõrgus koos postamendiga oli erinevatel andmetel 12–17 meetrit. Zeusi silmad olid täiskasvanu rusika suurused. Zeusi kehaosa katnud keeb, vasakus käes kotkaga skepter, paremal jumalanna Nike kuju ja pärg tema peas on valmistatud kullast. Zeus istub troonil, trooni jalgadel on kujutatud nelja tantsivat Niket. Samuti olid kujutatud: kentaurid, lapiidid, Theseuse ja Heraklese vägiteod, freskod, mis kujutavad kreeklaste lahingut amatsoonidega.

Athena Parthenon oli nagu Zeusi kujugi tohutu ja valmistatud krüsoelephantiini tehnikas. Ainult jumalanna, erinevalt oma isast, ei istunud troonil, vaid seisis täies kõrguses. “Athena ise on elevandiluust ja kullast... Kuju kujutab teda täispikkuses tuunikas kuni jalatallani, rinnal on elevandiluust Meduusa pea, käes on kujutis Nike, umbes neli küünart ja teises käes - oda. Tema jalge ees lebab kilp ja oda lähedal on madu; see madu on ilmselt Erichthonius. (Hellase kirjeldus, XXIV, 7).

Jumalanna kiivril oli kolm harja: keskmine sfinksiga, külgmised griffiinidega. Nagu Plinius vanem kirjutab, toimus kilbi välisküljel lahing amatsoonidega, siseküljel jumalate ja hiiglaste võitlus ning Athena sandaalidel kentauromahia kujutis. Alus oli kaunistatud Pandora looga. Jumalanna tuunika, kilp, sandaalid, kiiver ja ehted on kõik kullast.

Marmorist koopiatel toetab jumalanna kätt Nike'iga sammas; selle üle, kas see oli originaalis olemas, on palju vaidlusi. Nika tundub tilluke, tegelikkuses oli tema pikkus 2 meetrit.

Athena Promachos on kolossaalne kujutis jumalanna Athenast, kes vehib oda Ateena akropolil. Püstitatud pärslaste üle saavutatud võitude mälestuseks. Selle kõrgus ulatus 18,5 meetrini ja kõrgus kõigi ümbritsevate hoonete kohal, paistdes kaugelt üle linna. Kahjuks ei säilinud see pronksist jumalanna tänapäevani. Ja me teame sellest ainult kroonikaallikatest.

Athena Lemnia - jumalanna Athena pronkskuju, mille on loonud Phidias, on meile teada ka koopiatest. See on pronkskuju, mis kujutab odale toetuvat jumalannat. See sai nime Lemnose saare järgi, mille elanike jaoks see tehti.

Haavatud Amazonas, ausammas, mis saavutas kuulsal Efesose Artemise templi skulptuurivõistlusel teise koha. Lisaks ülaltoodud skulptuuridele omistatakse Phidiasele stiililise sarnasuse alusel ka teisi: Demeteri kuju, Kore kuju, reljeef Eleusisest, Anadumen (noormees, kes seob sidet ümber pea), Hermes Ludovisi Tiberi Apollo, Kasseli Apollo.

Hoolimata Phidiase andest, õigemini jumalikust andest, polnud tema suhted Ateena elanikega sugugi soojad. Nagu Plutarchos kirjutab oma Periklese elus, oli Phidias Periklese (Ateena poliitik, kuulus kõnemees ja komandör) peamine nõunik ja abi.

"Kuna ta oli Periklese sõber ja nautis temaga suurt autoriteeti, oli tal palju isiklikke vaenlasi ja kadedaid inimesi. Nad veensid ühte Phidiase abilist Menoni Phidiast hukka mõistma ja teda varguses süüdistama. Phidiast koormas kadedus oma teoste hiilguse vastu... Kui tema juhtumit Rahvakogus arutati, polnud varguse kohta mingeid tõendeid. Kuid Phidias saadeti vangi ja suri seal haigusesse.

Polykleitos vanem on Vana-Kreeka skulptor ja kunstiteoreetik, Phidiase kaasaegne. Erinevalt Phidiasest polnud see nii mastaapne. Tema skulptuuril on aga teatud iseloom: Polykleitos armastas kujutada sportlasi puhkeseisundis ja oli spetsialiseerunud sportlaste, olümpiavõitjate kujutamisele. Tema oli esimene, kes mõtles figuuride poseerimisele nii, et need toetuksid ainult ühe jala alumisele osale. Polykleitos teadis, kuidas näidata inimkeha tasakaalus - tema inimfiguur puhkeolekus või aeglases tempos tundub liikuv ja elav. Selle näiteks on kuulus Polykleitose kuju “Doriphoros” (odamees). Just selles teoses kehastuvad Polykleitose ideed inimkeha ideaalsetest proportsioonidest, mis on üksteisega arvuliselt proportsioonis. Usuti, et kuju loodi Pythagoreanismi sätete alusel, seetõttu kutsuti iidsetel aegadel Doryphoruse kuju sageli "Polykleitose kaanoniks". Selle kuju vorme korratakse enamikus skulptori ja tema koolkonna töödes. Kaugus lõuast pea võrani on Polykleitose kujudel üks seitsmendik, samas kui kaugus silmadest lõuani on üks kuueteistkümnendik ja näo kõrgus on kümnendik kogu figuurist. Polykleitos on kindlalt seotud Pythagorase traditsiooniga. “Polykleitose kaanon” on skulptori teoreetiline traktaat, mille on loonud Polykleitos, et teised kunstnikud saaksid seda kasutada. Tõepoolest, Polykleitose kaanon avaldas Euroopa kultuurile suurt mõju, hoolimata sellest, et teoreetilistest töödest on säilinud vaid kaks fragmenti, teave selle kohta on katkendlik ja matemaatilist alust pole veel lõplikult välja toodud.

Lisaks odamehele on tuntud ka skulptori töid: “Diadumen” (“Noormees sidumas sidet”), “Haavatud amatsoon”, kolossaalne Hera kuju Argoses. See valmistati krüsoelevantiini tehnikas ja seda peeti pandaanina Phidiase Olümpia Zeusi jaoks, "Discophoros" ("Noormees, kes hoiab ketast"). Kahjuks on need skulptuurid säilinud vaid Vana-Rooma koopiates.

“Rikkaliku stiili” etapis teame selliste skulptorite nimesid nagu Alkamen, Agorakrit, Callimachus jne.

Alkamenes, Kreeka skulptor, üliõpilane, rivaal ja Phidiase järglane. Alkamenest peeti Phidiase võrdseks ja pärast viimase surma sai temast Ateena juhtiv skulptor. Tema Hermest hermi kujul (Hermese peaga kroonitud sammas) tuntakse paljudes koopiates. Lähedal, Athena Nike templi lähedal, oli Hecate kuju, mis kujutas kolme seljaga ühendatud kuju. Ateena akropolilt leiti ka Alkamenile kuuluv rühmitus - Procne, kes tõstis noa oma poja Itise kohale, kes otsis päästmist oma riiete voltides. Akropoli nõlval asuvas pühakojas asus Alkamenile kuuluv istuv Dionysose kuju. Alkamen lõi agoraal asuva templi jaoks ka Arese kuju ning Hephaistose ja Athena templi jaoks Hephaistose kuju.

Alkamenes alistas Agoracritose Aphrodite kuju loomise võistlusel. Veelgi kuulsam on aga Akropolise põhjajalamil istuv "Aphrodite aedades". Teda on kujutatud paljudel punakujulistel pööninguvaasidel, mida ümbritsevad Eros, Peyto ja teised armastuse poolt pakutava õnne kehastused. Pea, mida iidsed kopeerijad sageli kordasid, nimega "Sappho", kopeeriti sellelt kujult. Alkameni viimane teos on kolossaalne reljeef Heraklese ja Ateenaga. Alkamenid surid tõenäoliselt varsti pärast seda.

Agorakritos oli ka Phidiase õpilane ja, nagu öeldakse, tema lemmik. Ta, nagu Alkamen, osales Parthenoni friisi loomisel. Agorakritose kaks kuulsaimat teost on jumalanna Nemesise kultuskuju (mille Athena tegi ümber pärast duelli Alcamenesega), annetatud Ramnose templile, ja Ateena jumalateema kuju (mõnikord omistatud Pheidiasele) . Antiikautorite mainitud teostest kuulusid Agorakritosele kahtlemata vaid Zeus-Hadese ja Athena kujud Coroneas. Tema töödest on säilinud vaid osa Nemesise kolossaalse kuju peast ja killud selle kuju alust kaunistanud reljeefidest. Pausaniase sõnul kujutas alus noort Helenat (Nemesise tütart) koos teda põetava Leda, tema abikaasa Menelaose ja teiste Helena ja Menelaose sugulastega.

Hilisklassikalise skulptuuri üldise iseloomu määras realistlike tendentside areng.

Scopas on selle perioodi üks suurimaid skulptoreid. Skopas, säilitades kõrgklassika monumentaalkunsti traditsioone, küllastab oma teosed dramaatilisusega, paljastab inimese keerulised tunded ja kogemused. Skopase kangelased kehastavad jätkuvalt tugevate ja vaprate inimeste täiuslikke omadusi. Skopas toob aga skulptuurikunsti sisse kannatuste ja sisemise lagunemise teemad. Need on haavatud sõdalaste pildid Tegeas asuva Athena Aley templi frontoonidelt. Chiaroscuro plastilisus, terav rahutu mäng rõhutab toimuva dramaatilisust.

Skopas eelistas töötada marmoris, peaaegu loobudes kõrgklassika meistrite poolt eelistatud materjalist - pronksist. Marmor võimaldas edasi anda peent valguse ja varju mängu ning erinevaid tekstuurikontraste. Tema Maenad (Bacchae), mis on säilinud väikeses, kahjustatud antiikses koopias, kehastab vägivaldsest kirehoost haaratud mehe kuvandit. Maenadi tants on kiire, pea on tagasi visatud, juuksed langevad raske lainega õlgadele. Tema kitioni kõverate voltide liikumine rõhutab keha kiiret impulssi.

Skopase pildid on kas sügavalt mõtlikud, nagu noormees Ilissa jõe hauakivilt, või särtsakad ja kirglikud.

Halikarnassuse mausoleumi friis, mis kujutab kreeklaste ja amatsoonide vahelist lahingut, on säilinud originaalis.

Skopase kunsti mõju Kreeka plastilise kunsti edasisele arengule oli tohutu ja seda saab võrrelda ainult tema kaasaegse Praxitelese kunsti mõjuga.

Oma loomingus pöördub Praxiteles piltide poole, mis on läbi imbunud selge ja puhta harmoonia, rahuliku läbimõeldumise ja rahuliku mõtiskluse vaimust. Praxiteles ja Scopas täiendavad üksteist, paljastades inimese erinevaid seisundeid ja tundeid, tema sisemaailma.

Harmooniliselt arenenud kauneid kangelasi kujutades avab Praxiteles ka seoseid kõrgklassika kunstiga, kuid tema kujutised kaotavad hiilgeaegade teoste kangelaslikkuse ja monumentaalse suursugususe, kuid omandavad lüüriliselt viimistletuma ja mõtisklevama iseloomu.

Praxitelese meisterlikkus avaldub kõige paremini marmorirühmas “Hermes Dionysosega”. Figuuri graatsiline kumerus, noore saleda keha lõdvestunud puhkepoos, Hermese kaunis vaimne nägu on edasi antud suurepäraselt.

Praxiteles lõi uue naiseliku iluideaali, kehastades seda Aphrodite kujundis, keda on kujutatud hetkel, mil ta on riietest seljast võtnud vette astumas. Kuigi skulptuur oli mõeldud kultuslikel eesmärkidel, vabanes kauni alasti jumalanna kujutis pühalikust majesteetlikkusest. "Cniduse Aphrodite" tekitas järgnevatel aegadel palju kordusi, kuid ükski neist ei saanud võrrelda originaaliga.

“Apollo Sauroctoni” skulptuur kujutab endast graatsilist teismelist poissi, kes sihib mööda puutüve jooksvat sisalikku. Praxiteles mõtleb ümber mütoloogilisi kujundeid, neis ilmnevad igapäevaelu tunnused ja žanri elemendid.

Kui Scopase ja Praxitelese kunstis on veel käegakatsutavad seosed kõrge klassikalise kunsti põhimõtetega, siis 4. sajandi viimase kolmandiku kunstikultuuris. eKr e., need sidemed nõrgenevad üha enam.

Makedoonia omandas iidse maailma ühiskondlik-poliitilises elus suure tähtsuse. Nii nagu sõda pärslastega muutis ja mõtles ümber 5. sajandi alguses Kreeka kultuuri. eKr e. Pärast Aleksander Suure võidukaid kampaaniaid ja Kreeka linnriikide vallutamist ning seejärel Makedoonia riigi osaks saanud Aasia tohutuid alasid algas antiikühiskonna arengus uus etapp - hellenismi periood. Üleminekuperiood hilisklassikast hellenistlikule perioodile eristub oma eripärade poolest.

Lysippos on hilisklassika viimane suurmeister. Tema looming areneb 40-30ndatel. V sajand eKr e., Aleksander Suure valitsusajal. Lysippose kunstis, nagu ka tema suurte eelkäijate loomingus, lahendati inimkogemuste paljastamise ülesanne. Ta hakkas tutvustama selgemalt väljendatud vanuse ja ameti tunnuseid. Lysippose loomingus on uus huvi inimesele iseloomuliku ekspressiivse vastu, aga ka skulptuuri visuaalsete võimaluste avardumine.

Lysippos kehastas oma arusaama inimesest pärast võistlust liiva kraapiva noormehe skulptuuris - "Apoxiomenes", keda ta ei kujutanud mitte pingutuse hetkes, vaid väsinud olekus. Sportlase saledat figuuri näidatakse keerulises pöördes, mis sunnib vaatajat ümber skulptuuri kõndima. Liikumine toimub ruumis vabalt. Nägu väljendab väsimust, sügaval asetsevad varjulised silmad vaatavad kaugusesse.

Lysippos annab oskuslikult edasi ülemineku puhkeolekust tegevusele ja vastupidi. See on pilt, kus Hermes puhkab.

Lysippose looming oli portreekujunduse arengu seisukohalt väga oluline. Tema loodud portreed Aleksander Suurest näitavad sügavat huvi kangelase vaimse maailma paljastamise vastu. Kõige tähelepanuväärsem on Aleksandri marmorist pea, mis annab edasi tema keerulist, vastuolulist olemust.

Lysippose kunst hõivab piiritsooni klassikalise ja hellenistliku ajastu vahetusel. See on endiselt truu klassikalistele kontseptsioonidele, kuid õõnestab neid juba seestpoolt, luues aluse üleminekuks millelegi muule, pingevabamale ja proosalisemale. Selles mõttes on rusikavõitleja pea indikatiivne, kuuludes mitte Lysipposele, vaid võib-olla tema vennale Lysistratusele, kes oli samuti skulptor ja, nagu nad ütlesid, oli esimene, kes kasutas modelli näost võetud maske. portreed (mis oli Vana-Egiptuses laialt levinud, kuid kreeka kunstile täiesti võõras). Võimalik, et maski kasutades valmistati ka rusikavõitleja pea; see on kaugel kaanonist, kaugel füüsilise täiuslikkuse ideaalsetest ideedest, mida hellenid sportlase kujundis kehastasid. See rusikavõitluse võitja pole sugugi nagu pooljumal, vaid lihtsalt meelelahutaja jõude liikuva rahvahulga jaoks. Tema nägu on kare, nina on lapik, kõrvad on paistes. Seda tüüpi "naturalistlikud" kujundid said hiljem hellenismis tavaliseks; veelgi inetuma rusikavõitleja voolis Atika skulptor Apollonius juba 1. sajandil eKr. e.

See, mis varem oli heitnud varju hellenistliku maailmapildi helgele struktuurile, saabus 4. sajandi lõpus eKr. e.: demokraatliku polise lagunemine ja surm. See sai alguse Makedoonia, Kreeka põhjapoolse piirkonna esilekerkimisest ja kõigi Kreeka riikide tegelikust hõivamisest Makedoonia kuninga Philip II poolt.

Aleksander Suur maitses nooruses kreeka kõrgeima kultuuri vilju. Tema õpetaja oli suur filosoof Aristoteles ning õukonnakunstnikud Lysippos ja Apelles. See ei takistanud teda, olles vallutanud Pärsia riigi ja võtnud endale Egiptuse vaaraode trooni, kuulutamast end jumalaks ja nõudmast talle jumaliku au andmist ka Kreekas. Idamaade tavadega harjumata kreeklased naersid ja ütlesid: "Noh, kui Aleksander tahab olla jumal, siis las ta olla" - ja tunnistasid ta ametlikult Zeusi pojaks. Kuid Kreeka demokraatia, millel selle kultuur kasvas, suri Aleksandri ajal ja seda ei taastatud pärast tema surma. Äsja tekkinud riik ei olnud enam kreeka, vaid kreeka-ida riik. Kätte on jõudnud hellenismi ajastu – ühinemine Kreeka ja Ida kultuuride monarhia egiidi all.

Hellenite kultuur ja kunst on alati pälvinud inimeste tähelepanu, kelle jaoks need olid juba ajalugu. Keskajal, renessansiajal ja uusaja sajanditel nägid kunstnikud iidsete kreeklaste kunstis imelist eeskuju, ammendamatut tunnete, mõtete ja inspiratsiooni allikat. Inimene püüdis kogu aeg oma iseloomuliku uudishimulikkusega tungida Vana-Kreeka kunsti täiuslikkuse saladusse, püüdes mõistuse ja tundega mõista Kreeka monumentide olemust.

"Sa pead liikuma Homerose ajastusse, saama tema kaasaegseks, elama koos kangelaste ja karjakuningatega, et neid hästi mõista. Siis Achilleus, kes laulab kangelastest lüüral ja ise küpsetab jäärasid, kes märatseb surnud Hektori üle, ja tema isa Priam, kes pakub nii heldelt nii õhtusööki kui ka ööbimist oma põõsas, ei tundu meile fantastiline kuju, liialdatud kujutlusvõime, vaid tõeline poeg, suurte kangelaslike sajandite täiuslik esindaja, kui tahe ja inimkonna jõud arenes kogu vabadusega... Siis on maailm, mis eksisteeris kolm tuhat aastat, surnud ja meile igas mõttes võõras."

Pärast Trooja sõjas nõrgenenud ahhaia hõimude vallutamist dooriate poolt järgneb Vana-Kreeka kunsti ajaloos Homerose periood (XI-VIII sajand eKr), mida iseloomustavad patriarhaalne elu, väikeste talude killustatus ja kultuuride primitiivsus. kultuur, mis hakkas kujunema. Sellest ajast pole arhitektuurimälestisi peaaegu üldse alles, kuna kasutatud materjalideks oli peamiselt puit ja põletamata, vaid päikesekuivatatud toortellis. Arhitektuurist selle tekkeloost võivad aimu anda vaid halvasti säilinud vundamendijäänused, joonistused vaasidel, terrakotast matuseurnid, mis on võrreldavad majade ja templitega, ning mõned Homerose luuleread:

"Sõber, me oleme kindlasti jõudnud Odysseuse hiilgavasse koju,

Seda saab hõlpsasti ära tunda kõigi teiste majade seas:

Pikk tubade rida, avar, lai ja puhtalt asfalteeritud

Sisehoov, mis on ümbritsetud laudade, kahekordsete väravatega

Tugeva lukuga ei tuleks kellelgi pähe vägisi neisse sisse murda.»

Sel ajastul loodi ka haruldasi, lihtsa kujuga ja väikese suurusega skulptuure. Eriti laialt levis anumate kaunistamine, mida vanad kreeklased ei käsitlenud ainult igapäevaelus vajalike esemetena. Erinevates, mõnikord veidrates keraamilistes vormides, lihtne, kuid ilmekas.

Enne 9. sajandit eKr tekkinud vaaside vormides ja kujundustes. e., ilmnes neid loonud inimeste tunnete väljendamise lihtsus. Anumad olid tavaliselt kaetud kaunistustega lihtsate kujundite kujul: ringid, kolmnurgad, ruudud, rombid. Aja jooksul muutusid anumate mustrid keerukamaks ja nende kuju muutus mitmekesisemaks. 9. sajandi lõpus - 8. sajandi alguses eKr. e. ilmusid vaasid, mille pind oli täielikult kaunistustega täidetud. Müncheni tarbekunstimuuseumi amfora keha on jagatud õhukesteks vöödeks - friisiks, mis on maalitud geomeetriliste kujunditega, nagu anuma peal lebav pits. Muistne kunstnik otsustas selle amfora pinnal näidata lisaks mustritele ka loomi ja linde, mille jaoks ta eraldas spetsiaalsed friisid, millest üks paiknes kurgu ülaosas, teine ​​keha alguses ja kolmas. põhja lähedal. Erinevate rahvaste kunsti arengu algfaasidele omane kordusprintsiip esineb kreeklastel ka keraamilistel maalidel, siinne vaasimaalija kasutas kordamist eelkõige loomade ja lindude kujutamisel. Kuid isegi lihtsate kompositsioonide puhul on erinevused märgatavad kurgus, kehas ja põhjas. Korolla juures on hirved rahulikud; nad karjatavad rahumeeli, näksides rohtu. Keha kohas, kus käed hakkavad tõusma ja anuma kuju järsult muutub, näidatakse loomi erinevalt - justkui ärevuses pöörasid nad pea tagasi ja tõusid üles. Laeva kontuurjoone sujuva rütmi häirimine kajastub metskitse kujutises.

Dipüloni amfora pärineb 8. sajandist ja oli Ateena kalmistul hauakivi. Selle monumentaalsed vormid on ilmekad; Keha on lai ja massiivne ning kõrge kõri tõuseb uhkelt. See ei tundu vähem majesteetlik kui sihvakas templisammas või võimsa sportlase kuju. Kogu selle pind on jagatud friisideks, millest igaühel on oma muster, sageli korduva erinevat tüüpi looklemisega. Loomade kujutamine friisidel järgib siin sama põhimõtet nagu Müncheni amforal. Kõige laiemas kohas on lahkunuga hüvastijätmise stseen. Lahkunust paremal ja vasakul on leinajad, kelle käed on pea kohal. Hauakividena toiminud vaasidel olevate joonistuste kurbus on äärmiselt vaoshoitud. Siin esitatud tunded tunduvad karmid, lähedased neile, mida koges Odysseus, kui ta kuulas põnevat lugu Penelopest, kes nuttis ja ei olnud teda veel ära tundnud:

«Aga nagu sarved või raud, seisid silmad liikumatult

Sajandeid. Ja ta ei lasknud pisaraid välja, olles ettevaatlik!”

10.-8.sajandi maalide lakoonilisuses kujunesid välja omadused, mis hiljem arenesid välja kreeka kunsti plastiliselt rikkalikes vormides. See ajastu oli Kreeka kunstnike koolkond: geomeetrilises stiilis jooniste range selguse taga on arhailiste ja klassikaliste kujutiste vaoshoitud harmoonia.

Geomeetriline stiil väljendas nende inimeste esteetilisi tundeid, kes alustasid oma teekonda tsivilisatsiooni tippu ja lõid seejärel monumente, mis varjutasid Egiptuse püramiidide ja Babüloni paleede hiilguse. Helenite tolleaegne sihikindlus ja sisemine rahulikkus leidsid vastukaja maalide äärmises lakoonilisuses, millel on väänamatu rütm, selgus ja joonte teravus. Kujutiste konventsionaalsus ja vormide lihtsus ei tulene mitte keerukusest, vaid soovist väljendada graafilise märgiga reaalse maailma mõne väga spetsiifilise objekti üldkontseptsiooni. Selle kujutise põhimõtte piirang seisneb kujutise spetsiifiliste, individuaalsete tunnuste puudumises. Selle väärtus seisneb selles, et varajases arengustaadiumis inimene hakkab juurutama süsteemi ja korra elementi maailma, mis tundub veel arusaamatu ja kaootiline. Geomeetria skemaatilised kujutised küllastuvad tulevikus suureneva konkreetsusega, kuid Kreeka kunstnikud ei kaota selles kunstis saavutatud üldistuspõhimõtet. Sellega seoses on Homerose perioodi maalid esimesed sammud iidse kunstilise mõtlemise arengus.

Pööningukunst, mida esindavad Dipüloonia vaasid, ühendab õnnelikult vorme, mis on sajandite jooksul välja töötatud Kreeka erinevates piirkondades - saartel, dooria keskustes, Boiootias. Atikas luuakse kõnekate ja elavate maalidega eriti kauneid anumaid. Argoses on kompositsioonid ülimalt lakoonilised, Boiootias ekspressiivsed, Egeuse mere saartel aga elegantsed. Kuid kõiki kunstikoole, mille originaalsus ilmnes juba Homerose perioodil ja eriti pööningul, iseloomustavad ühised omadused - huvi suurenemine inimpildi vastu, soov vormide harmoonilise vastavuse järele ja kompositsiooni selgus. .

Geomeetrilise stiili skulptuuril pole vähem originaalsust kui vaasimaal. Väikesed plastist kaunistused kaunistasid keraamikat, kui savist või pronksist loomakujukesed kinnitati anumakaante külge ja toimisid sangadena. Oli ka anumatega mitteseotud kultusliku iseloomuga kujukesi, mis olid pühendatud jumalustele, paigutatud templitesse või mõeldud haudadele. Enamasti olid need küpsetatud savist valmistatud kujukesed, millel olid ainult väljajoonistatud näojooned ja jäsemed. Vaid aeg-ajalt võtsid skulptorid ette keerukaid ülesandeid ja lahendasid neid oma stiili üsna originaalsete meetoditega. Enamasti on geomeetrilised kujukesed ette nähtud profiilis vaatlemiseks ja need näevad välja tasased, sarnaselt vaasil olevatele kujutistele. Siluett on neis suure tähtsusega, alles hiljem hakkab meistri huvi mahu vastu tärkama. Kunstniku plastilise maailmamõistmise elemendid on vaid välja toodud.

Geomeetrilise stiili skulptuuris on sellised jutustava iseloomuga teosed veel haruldased, nagu näiteks New Yorgi Metropolitani muuseumis hoitav kentauri ja mehe pronkskujutis, mis on mõeldud kõrvalt vaatamiseks. Kuid juba siin on selgelt näha, mis hiljem kreeka arhailisuses ilmneb - mehefiguuri alastiolek, puusade ja õlgade rõhutatud lihased.

8. sajandi teisel poolel eKr. e. geomeetrilises stiilis ilmuvad tunnused, mis viitavad selle rangete reeglite tagasilükkamisele. Tekib soov näidata inimese, looma, erinevate objektide kuju mitte skemaatiliselt, vaid elavamalt. Seda võib vaadelda kui maalide ja skulptuuride tavadest kõrvalekaldumise algust. Järk-järgult liiguvad Kreeka meistrid täisverelisemate, eluliselt konkreetsete kujundite juurde. Juba geomeetrilise stiili allakäigu ajal olid ilmnemas esimesed märgid protsessist, mis geomeetrilises stiilis varajase antiigi vormide konventsionaalsusest viiks maailma taasesitamise ülima konkreetsuseni hilisaja monumentides. antiikajast. Küpsemate inimlike ideede tekkimisega maailmast ilmneb vajadus mitte skemaatilise, vaid üksikasjaliku pildi järele, mis viib geomeetrilise stiili kriisi ja uute vormide tekkimiseni 7. sajandi arhailise perioodi monumentides. 6. sajandil eKr. e.

Plastiliste mahtude massiivsust arhailises skulptuuris pehmendavad tavaliselt dekoratiivsed detailid ja koloriit. Medusa juuste lokid, tema madude keerdud, punutised, koletise rinnale laskuvad sõrmused on kõik ornamentaalselt kujundatud. Medusat vöötavad maod moodustavad keeruka ja keeruka mustri. Röövellikud, kuid mitte hirmutavad pantrid, kelle nahka katsid erksavärvilised ringid, puudutavad selg katust ja neid tajutakse selle toeks. Siin, nagu ka teistes arhailiste frontoonide kompositsioonides, on märgata skulptuuri tugevat allutamist arhitektuurile, nurgategelased on tavaliselt väiksemad kui kesksed. Eelistatakse sümmeetriat, rõhuasetusega frontooni harja all paikneval keskmisel figuuril. Säilinud on Ateena akropolil arhailisel ajal seisnud templite frontoonikompositsioonid. Üheks vanemaks peetakse Heraklese kujutist, kes võidab Lernae hüdra. Herakles, kes võitleb merekoletise Tritoniga, on näidatud teisel Akropolise templis - Hekatompedonis - kummardamas ja surumas vaenlase maapinnale. Sellele templile on omistatud ka tritopaatori kuju, hea deemoni kolme inimese torsoga. Deemoni rahulikel, kutsuvatel nägudel on hästi säilinud värvus, juuksed peas ja habe on sinised, silmad rohelised, kõrvad, huuled ja põsed punased. Paksud värvikihid varjasid lubjakivi karedust (poorsust).

Kreeka kunsti põhiteema on ennekõike inimene, keda kujutatakse jumala, kangelase, sportlasena. Juba arhailise perioodi alguses toimus 7. sajandi lõpul eKr inimese kujutamisel põgus gigantismipuhang. e. Fazosel, Naxosel, Delosel. Arhailistes skulptuurimonumentides suureneb plastilisus, asendades geomeetrilistele kujutistele omase skemaatilise. See tunnus ilmneb Teebast pärit Apollo pronkskujukeses, kus on märgata õlgade ümarus, puusad ja juuste vaoshoitud ornamentika.

7. sajandi keskel eKr. e. skulptorid pöörduvad marmori poole, mis on inimkeha kujutamiseks sobivaim materjal, pealt kergelt läbipaistev, kohati valge, kohati kreemjas kauni paatinaga, tekitades kehalise reaalsuse tunde. Käsitöölised hakkavad eemalduma tavadest, mis värvilise lubjakivi kasutamisel tugevnesid.

Üks esimesi marmorkujusid, mis leiti kreeklaste suurest usukeskusest Delos, Artemise kuju, on täis tohutut mõjujõudu. Pilt on lihtne ja samal ajal monumentaalne ja pühalik. Sümmeetria ilmneb kõiges: juuksed jagunevad vasakule ja paremale neljaks lokireaks, käed surutakse tihedalt keha külge. Ülima vormilakoonilisusega saavutab meister mulje jumaluse rahulikust autoriteedist.

Soov näidata skulptuuris ilusat, täiuslikku inimest, kes võitis võistluse või hukkus vapralt võitluses oma kodulinna eest või jumaluse jõu ja iluga, viis 7. sajandi lõpus marmori ilmumiseni. alasti noormeeste skulptuurid - kouros. Kleobist ja Bitonit esindab Argose Polymedes lihaseliste ja tugevate, enesekindlatena. Skulptorid hakkavad kujundit kujutama liikumas ja noormehed astuvad vasaku jalaga ette.

Arhailistel meistritel on soov edasi anda tunnete liikumist, naeratust inimese või jumaluse näol. Naiivne, arhailine naeratus puudutab Hera jooni, kelle suur paekivist raiutud pea leiti Olümpiast. Meister näitas oma huulte kõverust, võib-olla seetõttu, et kõrget kuju alt vaadates tundusid nende piirjooned ranged.

Hilisarhailised meistrid pöörduvad keeruliste plastiliste ülesannete poole, püüdes näidata inimest tegutsemas – hobuse seljas galopeerimisel või looma altari ette toomisel.

Moschophoruse marmorkujul on kujutatud kreeklast, kelle õlgadel on kuulekalt lamavas vasikas. Ateenlase nägu valgustab rõõmusära. Näib, et ta ei ohverda vasikat, vaid pühendab jumalusele oma kõige kallimad tunded.

Kunstnikud 7.-6. sajandil eKr e. kasutatud erinevaid materjale. Nad lõid oma kompositsioonid savimetoopidele, puitlaudadele (ohvri stseen Sikyonist), väikestele jumalatele pühendatud savitahvlitele (Ateena), maalitud savisarkofaagide seintele (Clazomenae), lubjakivi- ja marmorist hauakividele (Stele of Lysias, stele Sounionist). ). Kuid selliseid monumente, kus maaliti tasasele pinnale, pole säilinud kuigi palju ja paremini säilisid joonised põletatud vaaside kerapindadel, mis aitasid kaasa värvi vastupidavusele.

8. sajandi lõpus eKr. e. Kreeka ühiskonnas kujunesid välja uued maitsed ja huvid. Lihtsustatud, tavapärased geomeetrilised kujutised ei paku enam rahuldust; 7. sajandi eKr kunstnike joonistustes vaasidel. e. hakkas ohtralt juurutama taimemotiive ja süžeestseene. Väike-Aasia ida lähedus väljendus dekoratiivsetes ja värvikates kompositsioonides, mis sundis nime andma 7. sajandi eKr vaasimaali stiilile. e. orientaliseeriv ehk vaip. Kunstiliselt täiuslikke anumaid valmistati Kreetal, Delose, Melose, Rhodose saartel ja Väike-Aasia linnades. 7. sajandil ja 6. sajandi alguses oli vaaside tootmise suur keskus Korintose linn ja 6. sajandil Ateena.

7. sajandil muutusid vaaside kujud mitmekesisemaks, kuid märgata oli tendentsi ümaratele kontuuridele. Samasugune köiterikkuse kasv toimus skulptuuris ja arhitektuuris. Õhukesed puittoed andsid teed täidlasele kivisambale entasiidiga. Keerulisemaks muutus ka 7. sajandi vaaside kavandite pealekandmise tehnika ning kunstniku palett rikastus. Lisaks mustale lakile kasutati detailide tähistamiseks valget värvi, eri tooni lillat ja kriimustust.

Apollo koos muusade ja Artemisega, mida on kujutatud Meliuse anumal, pole kujutatud nii skemaatiliselt kui geomeetrilistes kompositsioonides. Selle aja maalidel on märgata meistrite imetlust maailma erksate värvide vastu. Joonistused on nii dekoratiivsed ja kaunistusterohked, nagu tolle perioodi Homerose hümnid, mis on täidetud rabavate epiteetidega. Mehelikkust on neis vähem kui geomeetrilistes stseenides, kuid lüüriline printsiip on tugevam. Selle aja vaasil olevate kompositsioonide olemus on kooskõlas Sappho luulega.

Palmettide, ringide, ruutude, looklevate, spiraalsete kõõlustega mustrite graatsilisuses ilmneb stiliseeritud looduse aroom, mis on läbinud dekoraatori - vaasimaalija tunde. Ornamentaalsus, mis on selle perioodi jooniste eripära, tungib kujundlikesse kujunditesse ja neelab neid, lahustades need oma motiivide meloodilistes rütmides. Inimeste ja loomade kontuurid on ornamentaalsed ning kujundite ja esemete vahelised ruumid on hoolikalt mustritega täidetud.

Maaling saare laevadel lebab nagu värviline vaip. Mahlase ja lihava Odose kannu – oinochoi – pind on jagatud friisideks – triipudeks, millel on korrapäraselt väljaulatuvad loomad. Eriti sageli on Odose vaasid kujutatud üksteise järel karjatavaid või rahulikult jalutavaid loomi ja linde, mõnikord tõelisi, kuid sageli fantastilisi - sfinkse, kaunite dünaamiliste elastsete kontuuride joontega sireene.

1.1 Skulptuur Vana-Kreekas. Selle väljatöötamise eeldused

Kõigi iidsete tsivilisatsioonide kaunite kunstide hulgas on Vana-Kreeka kunst, eriti selle skulptuur, väga erilisel kohal. Kreeklased hindasid ennekõike elavat keha, mis on võimeline täitma kõiki lihaseid. Riiete puudumine ei šokeerinud kedagi. Nad suhtusid kõigesse liiga lihtsalt, et midagi häbeneda. Ja samal ajal ei kaotanud sellest muidugi kasinus.

1.2 Arhailine Kreeka skulptuur

Arhailine periood on Vana-Kreeka skulptuuri kujunemise periood. Skulptori soov edasi anda ideaalse inimkeha ilu, mis avaldus täielikult hilisema ajastu töödes, on juba mõistetav, kuid kiviploki kujust oli kunstnikul siiski liiga raske eemalduda ning selle perioodi näitajad on alati staatilised.

Arhailise ajastu Vana-Kreeka skulptuuri esimesed mälestised on määratud geomeetrilise stiiliga (8. sajand). Need on visandlikud kujukesed, mis on leitud Ateenast, Olümpiast , Boiootias. Vana-Kreeka skulptuuri arhailine ajastu langeb 7. - 6. sajandile. (varaarhailine - umbes 650 - 580 eKr; kõrge - 580-530; hilja - 530 - 500/480). Monumentaalskulptuuri algus Kreekas pärineb 7. sajandi keskpaigast. eKr e. ja seda iseloomustab orienteerumine stiilid, millest olulisim oli Daedali stiil, mis on seotud poolmüütilise skulptori Daedalose nimega . "Daedalia" skulptuuri ringis on Delose Artemise kuju ja Kreeta naiskuju, mis on talletatud Louvre'is ("Auxerre'i daam"). 7. sajandi keskpaik eKr e. Ka esimesed kouroosed pärinevad ajast . Samast ajast pärineb ka esimene skulptuurne templikaunistus. - reljeefid ja kujud Priniast Kreeta saarelt. Seejärel täidab skulptuurne kaunistus väljad, mis on templis esile tõstetud just selle kujundusega - frontoonidega ja metoobid V Dooria tempel, pidev friis (zophorus) - joonia keeles. Vana-Kreeka skulptuuri varaseimad frontoonikompositsioonid pärinevad Ateena akropolilt ja Artemise templist Kerkyra saarel (Korful). Matuse-, pühitsemis- ja kultuskujusid esindavad arhailisuses kouro ja kora tüübid . Arhailised reljeefid kaunistavad kujude aluseid, templite frontone ja metoope (hiljem asendab frontoonides reljeefide koha ümarskulptuur), hauakivid . Arhailise ümarskulptuuri kuulsate monumentide hulgas on Hera pea, mis leiti tema Olympia templi lähedalt, Kleobise kuju. ja Beaton alates Delphi, Moschophorus (“Sõnnikandja”) Ateena Akropolist, Samose Herast , kujud Didymast, Nikka Arherma jt. Viimasel kujul on nn põlvitava jooksu arhailine kujundus, mida kasutatakse lendava või jooksva figuuri kujutamiseks. Arhailises skulptuuris võetakse kasutusele ka terve rida konventsioone - näiteks nn arhailine naeratus arhailiste skulptuuride nägudel.

Arhailise ajastu skulptuuris domineerivad sihvakate alasti noorte ja drapeeritud noorte tüdrukute kujud - kourod ja korad. Ei lapsepõlv ega vanadus pälvinud siis kunstnike tähelepanu, sest alles küpses nooruses on elujõud täies õitsengus ja tasakaalus. Varajane Kreeka kunst loob mehe ja naise kujundeid nende ideaalsel kujul. Sel ajastul avardus vaimne silmaring ebatavaliselt; inimene tundus, et seisab silmitsi universumiga ja tahtis mõista selle harmooniat, selle terviklikkuse saladust. Üksikasjad jäid välja, ideed universumi spetsiifilise “mehhanismi” kohta olid kõige fantastilisemad, kuid terviku paatos, universaalse seotuse teadvus – see oligi arhailise Kreeka* filosoofia, luule ja kunsti tugevus. Nii nagu tollal veel luulele lähedane filosoofia aimas kavalalt üldisi arenguprintsiipe ja luule – inimlike kirgede olemus – lõi kujutav kunst üldistatud inimliku ilme. Vaatame kourosid või, nagu neid mõnikord nimetatakse, "arhailiseks Apolloks". Polegi nii oluline, kas kunstnik kavatses tõesti kujutada Apollonit või kangelast või sportlast, mees on noor, alasti ja tema puhas alastus ei vaja häbiväärseid katteid. Ta seisab alati sirgelt, tema keha on läbi imbunud valmisolekust liikuda. Kere struktuur on näidatud ja rõhutatud ülima selgusega; Kohe on näha, et pikad lihaselised jalad võivad põlvedest kõverduda ja joosta, kõhulihased võivad pingestuda, rindkere sügaval hingamisel paisuda. Nägu ei väljenda mingit konkreetset kogemust ega individuaalseid iseloomuomadusi, vaid selles on peidus erinevate kogemuste võimalused. Ja tavapärane “naeratus” – veidi ülespoole tõstetud suunurgad – on vaid naeratuse võimalus, vihje sellele näiliselt vastloodud inimesele omasest olemisrõõmust.

Kourose kujud loodi peamiselt piirkondades, kus domineeris dooria stiil, see tähendab Mandri-Kreeka territooriumil; naiskujud - kora - peamiselt Väike-Aasias ja saarelinnades, Joonia stiilis keskustes. 6. sajandil eKr ehitatud arhailise Ateena Akropoli väljakaevamistel leiti kaunid naisfiguurid. e., kui Pisistratus seal valitses ja pärslastega peetud sõja ajal hävis. Kakskümmend viis sajandit maeti marmorist koorikud "Pärsia prügi" alla; Lõpuks viidi nad sealt välja, pooleldi katki, kuid kaotamata oma erakordset võlu. Võib-olla esitasid mõned neist Pisistratuse poolt Ateenasse kutsutud joonia meistrid; nende kunst mõjutas pööningu plastilisust, mis ühendab nüüd dooria karmuse tunnused joonia graatsilisusega. Ateena Akropoli kooretes väljendub naiselikkuse ideaal selle ürgses puhtuses. Naeratus on särav, pilk usaldav ja justkui rõõmsalt hämmastunud maailma vaatemängust, figuur on karmilt kaetud peplose - looriga või heleda rüüga - kitioniga (arhailisel ajastul naisfiguurid, erinevalt meessoost, polnud veel alasti kujutatud), juuksed voolavad üle õlgade lokkis. Need korad seisid pjedestaalidel Athena templi ees, hoides käes õuna või lille.

Arhailised skulptuurid (nagu ka klassikalised) ei olnud nii monotoonselt valged, kui me neid praegu ette kujutame. Paljudel on veel maalimisjälgi. Marmorist tüdrukute juuksed olid kuldsed, põsed roosad ja silmad sinised. Hellase pilvitu taeva taustal pidanuks see kõik tänu vormide ja siluettide selgusele, rahulikkusele ja konstruktiivsusele välja nägema väga pidulik, kuid samas range. Ei olnud liigset lillelisust ega kirevust. Ilu ratsionaalsete aluste otsimine, mõõdul ja arvul põhinev harmoonia on kreeklaste esteetikas väga oluline punkt. Pythagorase filosoofid püüdsid mõista loomulikke arvulisi seoseid muusikalistes harmooniates ja taevakehade paigutuses, uskudes, et muusikaline harmoonia vastab asjade olemusele, kosmilisele korrale, "sfääride harmooniale". Kunstnikud otsisid matemaatiliselt kontrollitud inimkeha ja arhitektuuri “keha” proportsioone, mille poolest erines varane Kreeka kunst põhimõtteliselt Kreeta-Mükeene kunstist, mis oli võõras igasugusele matemaatikale.

Väga elav žanristseen: Nii pandi arhailisel ajastul paika Vana-Kreeka skulptuuri alused, selle arengusuunad ja võimalused. Juba siis olid vanade kreeklaste skulptuuri peamised eesmärgid, esteetilised ideaalid ja püüdlused selged. Hilisematel perioodidel need ideaalid ja iidsete skulptorite oskused arenesid ja paranesid.

1.3 Klassikaline kreeka skulptuur

Vana-Kreeka skulptuuri klassikaline periood langeb V-IV sajandisse eKr. (varaklassika ehk “range stiil” – 500/490 – 460/450 eKr; kõrge – 450 – 430/420 eKr; “rikas stiil” – 420 – 400/390 eKr; hilisklassika – 400/390 - OKEI. 320 eKr e.). Kahe ajastu – arhailise ja klassikalise – vahetusel seisab Aegina saarel asuva Athena Aphaia templi skulptuurne dekoor . Läänefrontooni skulptuurid pärinevad templi rajamisest (510 - 500 eKr eKr), teise ida skulptuurid, mis asendavad varasemaid, - varaklassikalise ajani (490 - 480 eKr). Vana-Kreeka varaklassikute skulptuuri keskne monument on Olümpia Zeusi templi frontoonid ja metoobid (umbes 468 - 456 eKr e.). Veel üks märkimisväärne varajase klassiku teos - niinimetatud "Ludovisi troon", kaunistatud reljeefidega. Sellest ajast on säilinud ka hulk pronksist originaale - "Delphic Charioteer", Poseidoni kuju Cape Artemisiumist, pronks Riace'st . Varase klassika suurimad skulptorid - Pythagoras Regian, Kalamid ja Miron . Me hindame kuulsate Kreeka skulptorite töid peamiselt kirjanduslike tõendite ja nende teoste hilisemate koopiate põhjal. Kõrget klassitsismi esindavad Phidiase ja Polykleitose nimed . Selle lühiajaline õitseaeg on seotud tööga Ateena akropoli kallal, see tähendab Parthenoni skulptuurse kaunistusega (Säilinud frontoonid, metoobid ja zophoros, 447 - 432 eKr). Vana-Kreeka skulptuuri tipp oli ilmselt krüsoelevantiin Athena Parthenose kujud ja Olümpose Zeus Phidiase poolt (mõlemad pole säilinud). “Rikkalik stiil” on iseloomulik Callimachuse, Alcamenese, Agorakrit ja teised 5. sajandi skulptorid. eKr eKr. Selle iseloomulikud mälestised on Ateena Akropoli väikese Nike Apterose templi balustraadi reljeefid (umbes 410 eKr) ja mitmed matusesaalid, millest kuulsaim on Hegeso stele . Vana-Kreeka hilisklassikute skulptuuri olulisemad tööd - Asclepiuse templi kaunistamine Epidauruses (umbes 400 - 375 eKr), Athena Aley tempel Tegeas (umbes 370–350 eKr), Artemise tempel Efesoses (umbes 355–330 eKr) ja mausoleum Halicarnassos (umbes 350 eKr), mille skulptuurse kaunistuse kallal töötasid Scopas, Briaxides, Timothy ja Leohar . Viimasele omistatakse ka Apollo Belvedere kujud ja Diana Versailles'st . Samuti on hulk pronksist originaale 4. sajandist. eKr e. Hilise klassika suurimad skulptorid - Praxiteles, Scopas ja Lysippos, paljuski aimates järgnevat hellenismi ajastut.

Kreeka skulptuur säilis osaliselt rusude ja kildudena. Suurem osa kujudest on meile teada Rooma koopiatest, mida tehti küll rohkesti, kuid mis ei andnud edasi originaalide ilu. Rooma kopeerijad karestasid ja kuivatasid neid ning pronksesemeid marmoriks muutes moonutasid neid kohmakate tugedega. Suured Athena, Aphrodite, Hermese, Satyri figuurid, mida me praegu Ermitaaži saalides näeme, on vaid Kreeka meistriteoste kahvatud kordused. Kõnnid neist peaaegu ükskõikselt mööda ja jääd järsku mõne katkise ninaga, vigastatud silmaga pea ees seisma: see on kreeka originaal! Ja sellest killust õhkas ühtäkki hämmastav elujõud; Marmor ise on teistsugune kui Rooma kujudel - mitte surmvalge, vaid kollakas, läbipaistev, helendav (kreeklased hõõrusid seda ka vahaga, mis andis marmorile sooja tooni). Nii õrnad on valguse ja varju sulavad üleminekud, nii üllas on näo pehme skulptuur, et tahes-tahtmata meenuvad kreeka poeetide naudingud: need skulptuurid tõesti hingavad, nad on tõesti elus*. Sajandi esimese poole skulptuuris, mil peeti sõdu pärslastega, valitses julge, range stiil. Seejärel loodi türanitsiidide kujukerühm: küps abikaasa ja noormees, kes seisavad kõrvuti, teevad hoogsa liigutuse edasi, noorem tõstab mõõga, vanem varjutab teda mantliga. See on monument ajaloolistele isikutele - Harmodiusele ja Aristogeitonile, kes tappis mitu aastakümmet varem Ateena türanni Hipparchose - Kreeka kunsti esimene poliitiline monument. Ühtlasi väljendab see Kreeka-Pärsia sõdade ajal lahvatanud kangelaslikku vastupanu ja vabadusarmastust. "Nad ei ole surelike orjad, nad ei allu kellelegi," ütlevad ateenlased Aischylose tragöödias "Pärslased". Lahingud, kokkupõrked, kangelaste vägiteod... Varajase klassika kunst on täis neid sõjakaid teemasid. Aeginas asuva Ateena templi frontoonidel - kreeklaste võitlus troojalastega. Olümpia Zeusi templi läänepoolsel frontoonil on lapitide võitlus kentauridega, metoopidel on kõik kaksteist Heraklese tööd. Teine lemmik motiivikomplekt on võimlemisvõistlused; neil kaugetel aegadel oli füüsiline vorm ja kehaliigutuste meisterlikkus lahingute tulemuse määravaks, nii et sportlikud mängud polnud kaugeltki ainult meelelahutus. Käsivõitluse, ratsutamisvõistluste, jooksuvõistluste ja kettaheite teemad õpetasid skulptoreid inimkeha dünaamiliselt kujutama. Figuuride arhailine jäikus sai ületatud. Nüüd nad tegutsevad, liiguvad; ilmuvad keerulised poosid, julged nurgad ja laiad žestid. Säravaim uuendaja oli pööningu skulptor Myron. Myroni peamine ülesanne oli väljendada liikumist võimalikult täielikult ja võimsalt. Metall ei võimalda teha nii täpset ja peent tööd nagu marmor ja võib-olla seetõttu pöörduski ta liikumisrütmi leidmise poole. Tasakaal, esinduslik "eetos", on säilinud range stiiliga klassikalises skulptuuris. Figuuride liikumine ei ole ebaühtlane, üleliia põnevil ega ka liiga kiire. Isegi võitluse, jooksmise ja kukkumise dünaamilistes motiivides ei kao “olümpiarahu”, tervikliku plastilisuse ja enesesulgumise tunne.

Athena, mille ta valmistas Plataea tellimusel ja mis läks sellele linnale väga kalliks maksma, tugevdas noore skulptori kuulsust. Talle tehti ülesandeks luua Akropoli patrooni Athena kolossaalne kuju. See ulatus 60 jala kõrgusele ja oli kõrgem kui kõik ümbritsevad hooned; Kaugelt, merelt, säras see nagu kuldne täht ja valitses kogu linna üle. See ei olnud akroliit (komposiit), nagu Platae oma, vaid oli täielikult valatud pronksist. Teine Akropoli kuju, Athena Neitsi, mis oli valmistatud Parthenoni jaoks, oli valmistatud kullast ja elevandiluust. Ateenat kujutati lahinguülikonnas, kandes kuldset kiivrit, mille külgedel oli kõrge reljeefne sfinks ja raisakotkad. Ühes käes hoidis ta oda, teises võitu. Tema jalge ees keerdus madu – Akropolise valvur. Seda kuju peetakse Phidiase parimaks kinnituseks pärast tema Zeusi. See oli lugematute koopiate originaal. Kuid kõigi Phidiase teoste täiuslikkuse kõrgpunktiks peetakse tema Olümpia Zeusi. See oli tema elu suurim töö: kreeklased ise andsid talle palmi. Ta jättis oma kaasaegsetele vastupandamatu mulje.

Troonil kujutati Zeusi. Ühes käes hoidis ta skeptrit, teises - võidu kujutist. Keha oli elevandiluust, juuksed olid kullast, rüü kullast ja emailitud. Troonile kuulusid eebenipuu, luud ja vääriskivid. Jalgadevahelised seinad maalis Phidiase nõbu Panen; troonijalam oli skulptuuri ime. Kreeklaste imetlus elava keha ilu ja targa ehituse vastu oli nii suur, et nad mõtlesid sellest esteetiliselt vaid kujukujulises terviklikkuses ja terviklikkuses, võimaldades hinnata kehahoiaku majesteetlikkust ja kehaliigutuste harmooniat. Kuid siiski ei seisnenud ekspressiivsus mitte niivõrd näoilmetes, kuivõrd kehaliigutustes. Vaadates Parthenoni salapäraselt rahulikku Moirat, kiiret, mängulist Nike'i, kes oma sandaalid lahti harutas, unustame peaaegu, et neil on peast maha murtud – nende figuuride plastilisus on nii kõnekas.

Tõepoolest, Kreeka kujude kehad on ebatavaliselt vaimsed. Prantsuse skulptor Rodin ütles ühe neist: "See peata nooruslik torso naeratab valgusele ja kevadele rõõmsamalt, kui silmad ja huuled suudaksid." Liigutused ja asendid on enamikul juhtudel lihtsad, loomulikud ja ei pruugi olla seotud millegi ülevaga. Kreeka kujude pead on reeglina umbisikulised, see tähendab vähe individualiseeritud, taandatud mõnele üldtüübi variatsioonile, kuid sellel üldtüübil on kõrge vaimne võimekus. Kreeka näotüübis võidutseb idee "inimesest" selle ideaalses versioonis. Nägu jaguneb kolmeks võrdse pikkusega osaks: otsmik, nina ja alumine osa. Korrektne, õrn ovaalne. Nina sirgjoon jätkab otsmiku joont ja moodustab risti nina algusest kõrva avanemiseni tõmmatud joonega (sirge näonurk). Üsna sügavalt asetsevate silmade piklik osa. Väike suu, täis kumerad huuled, ülahuul on õhem kui alumine ja ilusa sileda lõikega nagu amori vibu. Lõug on suur ja ümar. Lainelised juuksed sobivad pehmelt ja tihedalt peaga, häirimata kolju ümara kuju nähtavust. See klassikaline ilu võib tunduda monotoonne, kuid väljendades ekspressiivset "vaimu loomulikku välimust", on see varieeruv ja on võimeline kehastama iidse ideaali erinevat tüüpi. Natuke rohkem energiat huultel, väljaulatuvas lõuas – meie ees on range neitsi Athena. Põskede kontuurides on rohkem pehmust, huuled veidi poolavatud, silmakoopad varjutatud - meie ees on Aphrodite sensuaalne nägu. Näoovaal on ruudule lähemal, kael on paksem, huuled on suuremad - see on juba noore sportlase kuvand. Kuid aluseks jääb samaks rangelt proportsionaalne klassikaline välimus.

Pärast sõda… Seisukuju iseloomulik poos muutub. Arhailisel ajastul seisid kujud täiesti sirgelt, frontaalselt. Küps klassika elavdab ja elavdab neid tasakaalustatud, sujuvate liigutustega, säilitades tasakaalu ja stabiilsuse. Ja Praxitelese – puhkava Satyri, Apollo Sauroctoni – kujud toetuvad laisa armuga sammastele, ilma nendeta peaksid nad kukkuma. Reie ühel küljel on väga tugevalt kaardus ja õlg on reie suunas madalalt langetatud - Rodin võrdleb seda kehaasendit suupilliga, kui lõõts on ühelt poolt kokku surutud ja teiselt poolt laiali lükatud. Tasakaaluks on vaja välist tuge. See on unistav puhkeasend. Praxiteles järgib Polykleitose traditsioone, kasutab enda leitud liigutuste motiive, kuid arendab neid nii, et neist kumab läbi erinev sisemine sisu. “Haavatud amatsoon” Polykletai toetub samuti poolsambale, kuid oleks võinud ka ilma selleta seista, tema tugev, energiline, isegi haava all kannatav keha seisab kindlalt maas. Praxitelese Apollot nool ei taba, ta ise sihib mööda puutüve jooksvat sisalikku – tegevus, mis eeldaks justkui tahtejõulist meelekindlust, ometi on tema keha ebastabiilne, nagu kõikuv vars. Ja see pole juhuslik detail, mitte skulptori kapriis, vaid omamoodi uus kaanon, milles väljendub muutunud maailmavaade. Kuid 4. sajandi eKr skulptuuris ei muutunud ainult liigutuste ja pooside olemus. e. Praxitelese jaoks muutub tema lemmikteemade ring teistsuguseks; ta eemaldub kangelaslikest teemadest "Aphrodite ja Erose valgusmaailma". Ta kujundas kuulsa Knidose Aphrodite kuju. Praxitelesele ja tema ringi kunstnikele ei meeldinud kujutada sportlaste lihaselisi torsosid, neid köitis naisekeha õrn ilu koos volüümide pehme vooluga. Nad eelistasid seda tüüpi noorust, mida eristab "esimene noorus ja naiselik ilu". Praxiteles oli kuulus oma erilise modelleerimispehmuse ja materjali töötlemise oskuse poolest, oskuse poolest külmas marmoris edasi anda elava keha soojust2.

Ainsaks säilinud Praxitelese originaaliks peetakse Olümpiast leitud marmorkuju “Hermes Dionysosega”. Alasti Hermes, toetudes puutüvele, kuhu tema kuub on hooletult visatud, hoiab ühel kõverdatud käel väikest Dionysost, teisel aga viinamarjakobarat, mille poole laps sirutab (viinamarju hoidev käsi on kadunud). Kogu maalilise marmoritöötlemise võlu peitub selles kujus, eriti Hermese peas: valguse ja varju üleminekud, kõige peenem “sfumato” (udu), mille saavutas palju sajandeid hiljem Leonardo da Vinci maalikunstis. Kõik teised meistri tööd on teada vaid iidsete autorite mainimiste ja hilisemate koopiate põhjal. Kuid Praxitelese kunsti vaim püsib 4. sajandil eKr. e., ja mis kõige parem, on seda tunda mitte Rooma koopiates, vaid väikeses kreeka plastis, Tanagra savist kujukestes. Neid toodeti sajandi lõpus suurtes kogustes, see oli omamoodi masstootmine, mille põhikeskus oli Tanagras. (Väga head kollektsiooni neist hoitakse Leningradi Ermitaažis.) Mõned kujukesed reprodutseerivad kuulsaid suuri kujusid, teised annavad lihtsalt erinevaid vabavariatsioone drapeeritud naisekujust. Nende kujundite elav arm, unistav, mõtlik, mänguline, on Praxitelese kunsti kaja.

1.4 Hellenistliku Kreeka skulptuur

"Hellenismi" mõiste sisaldab kaudset viidet hellenistliku printsiibi võidule. Isegi hellenistliku maailma kaugemates piirkondades, Baktrias ja Parthias (praegune Kesk-Aasia), ilmuvad ainulaadselt muudetud iidsed kunstivormid. Kuid Egiptust on raske ära tunda, selle uus linn Aleksandria on juba tõeline iidse kultuuri valgustatud keskus, kus õitsevad Pythagorase ja Platoni täppisteadused, humanitaarteadused ja filosoofilised koolkonnad. Hellenistlik Aleksandria andis maailmale suure matemaatiku ja füüsiku Archimedese, geomeetri Eukleidese, Samose Aristarchose, kes kaheksateist sajandit enne Kopernikut tõestas, et Maa tiirleb ümber Päikese. Kuulsa Aleksandria raamatukogu kapid, mis olid tähistatud kreeka tähtedega alfast oomegani, sisaldasid sadu tuhandeid rulle – "teoseid, mis on säranud kõigis teadmiste harudes". Seal seisis suurejooneline Farose tuletorn, mida peetakse üheks seitsmest maailmaimest; seal loodi Museyon, muusade palee – kõigi tulevaste muuseumide prototüüp. Võrreldes selle rikka ja küllusliku sadamalinnaga, Ptolemaiose Egiptuse pealinna, Kreeka suurlinna linnaga, näis isegi Ateena ilmselt tagasihoidlik. Kuid need tagasihoidlikud väikesed linnad olid peamised allikad nendele kultuuriväärtustele, mida Aleksandrias säilitati ja austati, nende traditsioonide järgimist, mida jätkati. Kui hellenistlik teadus võlgnes palju Vana-Ida pärandile, siis plastiline kunst säilitas valdavalt kreekaliku iseloomu.

Põhilised kujunemispõhimõtted tulid kreeka klassikast, sisu muutus teistsuguseks. Avaliku ja eraelu vahel oli otsustav piir. Hellenistlikes monarhiates kehtestati ühe jumalusega võrdsustatud valitseja kultus, mis sarnanes iidse ida despotismiga. Kuid sarnasus on suhteline: "eramees", keda poliitilised tormid ei mõjuta või on mõjutatud vaid veidi, pole sugugi nii isikupäratu kui iidsetes idaosariikides. Tal on oma elu: ta on kaupmees, ta on ettevõtja, ta on ametnik, ta on teadlane. Lisaks on ta sageli päritolult kreeklane – peale Aleksandri vallutusi algas kreeklaste massiline ränne itta – kreeka kultuuri poolt välja toodud inimväärikuse mõisted pole talle võõrad. Isegi kui ta võimu- ja valitsusasjadest eemaldub, nõuab ja leiab tema isoleeritud privaatmaailm kunstilist väljendust, mille aluseks on Kreeka hilisklassika traditsioonid, mis on ümbertöödeldud suurema intiimsuse ja žanri vaimus. Ja “riigi” kunstis, ametlikus kunstis, suurtes avalikes hoonetes ja monumentides töödeldakse samu traditsioone, vastupidi, pompoossuse poole.

Pompsus ja intiimsus on vastandlikud omadused; Hellenistlik kunst on täis kontraste – hiiglaslik ja miniatuurne, tseremoniaalne ja igapäevane, allegooriline ja loomulik. Maailm on muutunud keerulisemaks ja esteetilised vajadused mitmekesisemaks. Peamine suundumus on kõrvalekaldumine üldistatud inimtüübilt inimese kui konkreetse, individuaalse olendi mõistmisele ja sellest tulenevalt suurenev tähelepanu tema psühholoogiale, huvi sündmuste vastu ning uus valvsus rahvuslike, ealiste, sotsiaalsete ja muude märkide suhtes. iseloom. Kuid kuna see kõik väljendus klassikutelt päritud keeles, mis endale selliseid ülesandeid ei seadnud, on hellenismiajastu uuenduslikes teostes tunda teatavat ebaorgaanilisust, need ei saavuta oma suurte eelkäijate terviklikkust ja harmooniat. Kangelaskuju “Diadochi” portreepea ei sobi kokku tema alasti torsoga, mis kordab klassikalist sportlase tüüpi. Mitmefiguurilise skulptuurirühma “Farnese Bull” dramaatilisusele räägib vastu figuuride “klassikaline” esinduslikkus, nende poosid ja liigutused on liiga kaunid ja sujuvad, et uskuda oma kogemuste tõepärasusse. Arvukates pargi- ja kammerskulptuurides on Praxitelese traditsioonid taandatud: Erosest, "suurest ja võimsast jumalast", saab vallatu, mänguhimuline Amor; Apollo - flirtivasse ja naiselikku Apollosse; žanri tugevdamine ei too neile kasu. Ja kuulsatel hellenistlikel provianti kandvate vanade naiste, purjus vanaproua, lõtv kehaga vana kalamehe kujudel puudub kujundliku üldistuse jõud; kunst valdab neid uusi tüüpe väliselt, sügavustesse tungimata – klassikaline pärand ju ei andnud neile võtit. Aphrodite kuju, mida traditsiooniliselt nimetatakse Venus de Milo'ks, leiti 1820. aastal Melose saarelt ja saavutas kohe ülemaailmse kuulsuse kui Kreeka kunsti täiuslik looming. Seda kõrget hinnangut ei kõigutanud paljud hilisemad Kreeka originaalide avastused – Aphrodite de Milo on nende hulgas erilisel kohal. Ilmselt hukati 2. sajandil eKr. e. (skulptor Agesanderi või Aleksandri poolt, nagu ütleb pooleldi kustutatud kiri alusel), meenutab see vähe tänapäevaste armastusjumalannat kujutavate kujudega. Hellenistlikud afrodiidid pöördusid enamasti tagasi Praxitelese Cniduse Aphrodite tüübi juurde, muutes ta sensuaalselt võrgutavaks, isegi kergelt armsaks; selline on näiteks kuulus meditsiini Aphrodite. Milo Aphrodite, vaid poolalasti, puusadeni mõlkunud, on karm ja ülevalt rahulik. Ta isikustab mitte niivõrd naise ilu ideaali, kuivõrd mehe ideaali üldises ja kõrgeimas mõttes. Vene kirjanik Gleb Uspenski leidis õnnestunud väljendi: "sirgutud mehe" ideaal. Kuju oli hästi säilinud, kuid selle käed murtud. Nende käte tegemiste kohta on palju spekuleeritud: kas jumalanna hoidis õuna? või peegel? või hoidis ta oma hommikumantli alläärt käes? Veenvat rekonstrueerimist pole leitud, tegelikult pole selleks vajadust. Milo Aphrodite "käetustusest" on aja jooksul saanud justkui tema atribuut; see ei sega tema ilu vähimalgi määral ja isegi suurendab muljet tema figuuri majesteetlikkusest. Ja kuna ainsatki tervet kreeka kuju pole säilinud, ilmub Aphrodite just selles osaliselt kahjustatud olekus meie ette “marmorist mõistatusena”, mille antiikajast meile andis, kauge Hellase sümbolina.

Teine imeline hellenismi monument (neist, mis on meieni jõudnud ja kui paljud on kadunud!) on Zeusi altar Pergamonis. Pergamoni koolkond kaldus teistest enam paatose ja draama poole, jätkates Skopase traditsioone. Selle kunstnikud ei kasutanud alati mütoloogilisi teemasid, nagu see oli klassikalisel ajastul. Pergamoni akropoli väljakul olid skulptuurirühmad, mis põlistasid ehtsat ajaloolist sündmust - võitu "barbarite" - Gallia hõimude üle, kes piirasid Pergamoni kuningriiki. Need rühmitused on täis väljendusrikkust ja dünaamikat ning paistavad silma ka selle poolest, et kunstnikud avaldavad austust võidetutele, näidates neid nii vapraid kui ka kannatusi. Need kujutavad Gallia, kes tapab oma naise ja iseenda, et vältida vangistust ja orjust; kujutavad surmavalt haavatud Galliat, kes lamab maas, pea alla vajunud. Tema näost ja figuurist on kohe näha, et ta on "barbar", välismaalane, kuid sureb kangelaslikku surma ja seda näidatakse. Kreeklased ei langenud oma kunstis oma vastaseid alandada; See eetilise humanismi tunnus tuleb eriti selgelt esile, kui vastaseid – galle – kujutatakse realistlikult. Pärast Aleksandri kampaaniaid muutus üldiselt palju suhtumises välismaalastesse. Nagu Plutarchos kirjutab, nägi Aleksander end universumi lepitajana, kes "pannes kõik jooma... samast sõpruse tassist ja segas kokku elud, kombed, abielud ja eluvormid". Moraal ja eluvormid, aga ka religiooni vormid hakkasid tõesti segunema hellenismiajastul, kuid sõprus ei valitsenud ja rahu ei saabunud, tülid ja sõda ei lõppenud. Pergamoni sõjad galliadega on vaid üks episoodidest. Kui võit gallide üle lõpuks saavutati, püstitati tema auks Zeusi altar, mis valmis aastal 180 eKr. e. Seekord ilmnes pikaajaline sõda “barbarite” hiiglaslikuna - võitlusena Olümpia jumalate ja hiiglaste vahel. Iidse müüdi järgi mässasid hiiglased - kaugel läänes elanud hiiglased, Gaia (Maa) ja Uraani (Taevas) pojad - olümplaste vastu, kuid said pärast ägedat lahingut neilt lüüa ja maeti vulkaanide alla. emakese maa sügavad sisikonnad, kust nad end vulkaanipursete ja maavärinatega meenutavad. Altari alust ümbritses suurejooneline, umbes 120 meetri pikkune kõrgreljeeftehnikas valmistatud marmorfriis. Selle ehitise jäänused kaevati välja 1870. aastatel; Tänu restauraatorite vaevarikkale tööle õnnestus ühendada tuhandeid fragmente ja saada üsna terviklik pilt friisi üldkoostisest. Vägevad kehad on kuhjatud, põimunud, nagu maokera, lüüa saanud hiiglasi piinavad karvas lõvid, koerad hammustavad hambaid, hobused tallavad jalge all, kuid hiiglased võitlevad ägedalt, nende juht Porfüürion ei tagane. äike Zeus. Hiiglaste ema Gaia anub oma poegi säästa, kuid nad ei kuula teda. Lahing on kohutav. Kehade pinges nurkades, nende titaanlikus jõus ja traagilises paatoses on Michelangelost midagi ettenägelikku. Kuigi lahingud ja võitlused olid iidsetel reljeefidel sagedane teema, alustades arhailisest, ei kujutatud neid kunagi nii nagu Pergamoni altaril – nii väriseva kataklüsmi tundega, võitlus elu ja surma peale, kus kõik kosmilised jõud, kõik deemonid. osaleda maa ja taevas. Kompositsiooni struktuur on muutunud, see on kaotanud klassikalise selguse ning muutunud keerisevaks ja segaseks. Meenutagem Skopase figuure Halicarnassuse mausoleumi reljeefil. Nad asuvad kogu oma dünaamilisusega samal ruumitasandil, neid eraldavad rütmilised intervallid, igal kujundil on teatav iseseisvus, massid ja ruum on tasakaalus. Pergamoni friisil on teisiti – siin võitlejatel on kitsas, mass on ruumi alla surunud ja kõik figuurid on nii läbi põimunud, et moodustavad tormise kehade segaduse. Ja kehad on endiselt klassikaliselt kaunid, "vahel säravad, mõnikord ähvardavad, elavad, surnud, võidukad, surevad kujud", nagu ütles nende kohta I. S. Turgenev*. Olümplased on ilusad ja ka nende vaenlased. Vaimu harmoonia aga kõigub. Kannatusest moonutatud näod, sügavad varjud silmakoobastes, ussilaadsed juuksed... Olümplased võidutsevad endiselt maa-aluste elementide jõudude üle, kuid see võit ei kesta kaua - elementaarprintsiibid ähvardavad õhku lasta harmoonilise, harmooniline maailm. Nii nagu kreeka arhailist kunsti ei tohiks hinnata ainult klassika esimesteks kuulutajateks, nii Hellenistlikku kunsti kui tervikut ei saa pidada klassika hiliseks kajaks, alahinnates põhimõtteliselt uusi asju, mida see endaga kaasa tõi. See uus asi oli seotud nii kunsti silmaringi avardumisega kui ka uudishimuliku huviga inimese isiksuse ja selle konkreetsete, tegelike elutingimuste vastu. Sellest tulenevalt ennekõike kõrgklassikale peaaegu tundmatu portree, individuaalportree ja hilisklassika areng oli alles selle käsitlustel. Hellenistlikud kunstnikud, tehes isegi ammu surnud inimeste portreesid, andsid neile psühholoogilise tõlgenduse ja püüdsid paljastada nii välise kui ka sisemise välimuse ainulaadsust. Mitte kaasaegsed, vaid järeltulijad jätsid meile Sokratese, Aristotelese, Euripidese, Demosthenese ja isegi legendaarse Homerose, inspireeritud pimeda jutuvestja näo. Tundmatu vana filosoofi portree on hämmastav oma realismi ja väljenduse poolest - ilmselt leppimatu kirglik poleemik, kelle teravate näojoontega kortsus näol pole klassikalise tüübiga midagi ühist. Varem peeti seda Seneca portreeks, kuid kuulus stoik elas hiljem, kui see pronksbüst skulptuuriti.

Esmakordselt saab plastilise kirurgia objektiks laps, kellel on kõik lapsepõlve anatoomilised iseärasused ja kogu talle omane võlu. Kui kujutati väikseid lapsi, siis klassikalisel ajastul oli see pigem miniatuurne täiskasvanu. Isegi Praxitelese rühmas "Hermes Dionysosega" sarnaneb Dionysos oma anatoomia ja proportsioonide poolest vähe beebiga. Tundub, et alles nüüd on nad märganud, et laps on täiesti eriline olend, mänguhimuline ja kaval, oma eriliste harjumustega; märkasid ja olid temast nii vaimustuses, et armastusjumal Eros ise hakati kujutama lapsena, tähistades sajandeid väljakujunenud traditsiooni algust. Hellenistlike skulptorite lihavad lokkis lapsed on hõivatud kõikvõimalike trikkidega: delfiiniga ratsutamine, lindudega jamamine, isegi madude kägistamine (see on beebi Herakles). Eriti populaarne oli hanega võitleva poisi kuju. Selliseid kujusid paigutati parkidesse, kaunistati purskkaevu, paigutati ravijumala Asclepiuse pühamutesse ja mõnikord kasutati neid hauakivide jaoks.

Järeldus

Uurisime Vana-Kreeka skulptuuri kogu selle arenguperioodi vältel. Nägime kogu selle kujunemise, õitsemise ja allakäigu protsessi – kogu üleminekut rangetelt, staatiliselt ja idealiseeritud arhailiselt vormidelt klassikalise skulptuuri tasakaalustatud harmoonia kaudu hellenistlike kujude dramaatilisele psühhologismile. Vana-Kreeka skulptuuri peeti paljude sajandite jooksul õigustatult mudeliks, ideaaliks, kaanoniks ja nüüd ei lakka seda tunnustamast maailma klassika meistriteoseks. Midagi sellist pole saavutatud enne ega pärast. Kogu kaasaegset skulptuuri võib ühel või teisel määral pidada Vana-Kreeka traditsioonide jätkuks. Vana-Kreeka skulptuur läbis oma arengus keerulise tee, valmistades ette pinnase skulptuuri arenguks järgnevatel ajastutel erinevates riikides. Hilisematel aegadel rikastati Vana-Kreeka skulptuuri traditsioone uute arengute ja saavutustega, samas kui iidsed kaanonid olid vajalik vundament, aluseks plastilise kunsti arengule kõigil järgnevatel ajastutel.