Koreograaf Alexander Ekman kaasaegsest balletist ja suhtlusvõrgustikest. Alexander Ekmani koreograafia The Magnificent Seven ja Iler Swan Lake

Rootsi koreograaf Alexander Ekman alustas oma teekonda balletti kümneaastaselt Rootsi Kuningliku Balletikooli õpilasena. Pärast õpingute lõpetamist sai temast Stockholmi Kuningliku Ooperi tantsija, seejärel esines ta kolm aastat Nederlands Dans Theateri trupi koosseisus. Tantsijana töötas ta selliste koreograafidega nagu Nacho Duato. 2005. aasta sai tema loomingulises saatuses pöördepunktiks: Cullbergi balletitrupi tantsijana näitas ta end esmakordselt koreograafina, esitledes Hannoveris rahvusvahelisel koreograafiavõistlusel oma balletitriloogia “Õed” esimest osa – lavastust. “Lina ketravad õed”. Sellel konkursil saavutas ta teise koha ja pälvis ka kriitikute preemia. Sellest ajast peale tantsijakarjääri lõpetanud Ekman pühendus täielikult koreograafi tegevusele.

Koos Cullbergi balletiga teeb ta koostööd Göteborgi Balleti, Flandria Kuningliku Balleti, Norra Rahvusballeti, Reini Balleti, Berni Balleti ja paljude teiste ettevõtetega. Kuigi ta alustas oma karjääri klassikalise tantsijana, eelistas ta koreograafina moderntantsu selle vabadusega, mida ei piiranud mingid reeglid ega väljakujunenud traditsioonid. Just selles stiilis tundis koreograaf võimalust saavutada peaeesmärk, mille ta seda või teist lavastust luues alati endale seab - "vaatajale midagi öelda", "muuta inimestes midagi, isegi tunnete pilti". .” Peamine küsimus, mille koreograaf endale enne mis tahes lavastusega tööle asumist esitab, on "Miks seda vaja on?" Just selline lähenemine on Ekmani sõnul kunstis kohane, mitte kuulsuseiha. "Ma eelistaksin töötada tantsijaga, kes on vähem andekas, kuid töönäljas, kui näljase staariga," ütleb Ekman.

"Balletimeister" (nii nimetab oma tööd Alexander Ekman) loob koreograaf, püüdes avalikkuse "tunnete pilti muuta", alati midagi ootamatut - isegi mõne lavastuse muusika on tema kirjutatud. Ekmani lavastused on alati ebatavalised ja tõmbavad seetõttu kogu maailma tähelepanu - näiteks balletti “Cacti” esitleti kaheksateistkümnel laval. Eriti ootamatu lahendusena tundub muusika kasutamine - ja selle põhjal ehitatakse üles vaimukas lavastus, mis kehastab veidi iroonilist vaadet moderntantsule. Tema esimene mitmevaatuseline ballett "Ekmani triptühhon – lõbustusõpe" sai vähem kuulsust.

Kuid kuigi Ekman on teinud valiku moderntantsu kasuks, ei tähenda see, et ta pilku üldse klassikaliste traditsioonide poole ei pööraks. Nii, olles saanud 2010. aastal pakkumise luua lavastus Rootsi Kuninglikule Balletile, esitles ta 2012. aastal balletti “Tüll”, mis on omamoodi “peegeldus” klassikalise balleti teemadel.

Kuid isegi kui Alexander Ekman pöördub mineviku populaarsete meistriteoste poole, annab ta neile põhimõtteliselt uue tõlgenduse - see on "Luikede järv", uuenduslik tõlgendus "Luikede järvest", mille koreograaf esitas 2014. aastal. Norra Balletil oli raske, sest tantsiti... vee peal, koreograaf lõi lavale veega täites tõelise “järve”, milleks kulus üle tuhande liitri vett (koreograafi sõnul see idee tuli tema juurde, kui ta vannitoas oli). Kuid see polnud lavastuse ainus originaalsus: koreograaf keeldub süžeed esitamast, peategelasteks pole prints Siegfried ja Odette, vaid Vaatleja ja kaks Luike – Valge ja Must, mille kokkupõrge saab etenduse kulminatsiooniks. . Lavastus sisaldab puhttantsuliste liigutuste kõrval ka motiive, mis sobiksid iluuisutamises või isegi tsirkuseetenduses.

2015. aastal kandideeris “Luikede järv” Benois de la Dance’i auhinnale ja Alexander Ekman poleks tema ise, kui ta poleks nominentide kontserdil publikut üllatanud. Hoolimata asjaolust, et ta polnud pikka aega tantsijana esinenud, astus koreograaf ise lavale ja esitas humoorika numbri "Millest ma Bolshoi Teatris mõtlen", mille ta spetsiaalselt selle kontserdi jaoks välja mõtles. Lakooniline number ei köitnud publikut mitte virtuoossusega, vaid mitmekülgsete emotsioonidega - rõõm, ebakindlus, hirm, õnn - ja loomulikult oli tunda ka koreograafi loomingut: Ekman valas lavale klaasi vett. 2016. aastal kandideeris sellele auhinnale veel üks koreograafi looming "Suveöö unenägu".

Aleksander Ekmani loomingul on palju nägusid. Mitte ainult balletiga selle traditsioonilises kehastuses, vaid loob koreograaf balletitantsijate osalusel installatsioone Rootsi Kaasaegse Kunsti Muuseumi jaoks. Alates 2011. aastast on koreograaf õpetanud New Yorgi Juilliardi koolis.

Kõik õigused kaitstud. Kopeerimine on keelatud.

Opera Garnier’s toimus Pariisi hooaja intrigeerivaim sündmus - helilooja Mikael Karlssoni balleti “Näitus” maailmaesiettekanne, mille lavastas ja lavastas üks nõutumaid noori koreograafe Alexander Ekman. Rootsi loomingulise duo jaoks on see esimene kogemus Pariisi ooperiballetiga töötamisel. Räägib Maria Sidelnikova.

33-aastase Alexander Ekmani debüüt Pariisi ooperis on Aurélie Duponti üks peamisi trumpe tema esimesel hooajal balleti kunstilise juhina. Koreograafi edu Rootsis ja Skandinaavia naaberriikides osutus sedavõrd nakkavaks, et täna on tema järele suur nõudlus nii Euroopas kui ka Austraalias ning isegi Moskva Stanislavski Muusikateater etendas hiljuti tema 2012. aasta näidendi “Tüll” Venemaa esietendust (vt. “Kommersant” 28. novembril). Dupont meelitas Ekmani täieõiguslikule kahevaatuselisele esilinastusele, pakkudes carte blanche’i, 36 noort artisti, Opera Garnieri ajaloolist lava ja kadestamisväärset aega kavas – detsembri pühade seanssi.

Kunstilised ja eriti ärilised riskid on Ekmani puhul aga väikesed. Vaatamata noorusele jõudis rootslane töötada maailma parimates truppides nii tantsija kui ka koreograafina: Rootsi Kuninglikus Balletis, Kullbergi balletis ja NDT II-s. Ja ta sai käpuli teha kvaliteetseid sünteetilisi etendusi, milles nagu põnevas hüpertekstis on palju tsitaate ja viiteid – mitte ainult balletipärandile, vaid ka kaasaegse kunsti, moe, kino paralleelmaailmadele, tsirkus ja isegi sotsiaalvõrgustikud. Ekman vürtsitab seda kõike uue sajandi “uue siirusega” ja käitub nii, nagu oleks tema mureks vaataja tuju tõsta, et ta etenduselt lahkuks, kui mitte justkui kohtumiselt hea psühhoterapeudi juurde, siis nagu hea pidu. Kohalikud konservatiivsed balletomaanid ütlesid oma otsuse selle “IKEA” suhtumise kohta auväärsesse balletikunsti juba ammu enne esietendust, mis aga üldist elevust kuidagi ei mõjutanud.

Ekman alustab oma “Mängu” lõpust. Kinnisel teatrikardinal jooksevad tiitrid kõigi esietendusega seotud isikute nimedega (lõpuks selleks aega ei jää) ning saksofonistide kvartett – tänavamuusikud – mängib midagi meeliülendavat. Kogu esimene vaatus lendab lihtsal noodil mööda: noored hipsterid hullavad lumivalgel laval ohjeldamatult (ainsad dekoratsioonid on puit ja suured kuubikud, mis kas hõljuvad õhus või kukuvad lavale; orkester istub just seal - laval) tagasi sisseehitatud rõdule). Nad mängivad peitust ja sildivad, teesklevad astronautide ja kuningannadena, ehitavad püramiide, hüppavad batuutidel, kärutavad lava ümber, suudlevad ja naeravad. Selles rühmas on konventsionaalne juht (Simon Le Borgne) ja nimeline õpetaja, kes püüab tulutult ulakaid inimesi ohjeldada. Teises vaatuses saavad täiskasvanud lapsed silmapilgutavateks ametnikeks, mängulised seelikud ja lühikesed püksid asenduvad äriülikondadega, kuubikud muutuvad tolmuseks tööruumideks, roheline puu närbub trotslikult, maailm muutub halliks. Selles õhuvabas ruumis, kui suitsu üldse on, siis ainult kontori suitsuruumis. Nad mängisid, siis jäid pooleli, aga asjata, räägib koreograaf. Täiesti tuimaks jäänutele ütleb ta igaks juhuks välja oma põhiidee, lisades teise vaatuse keskele “mängumanifesti” imerohuks kõigi kaasaegse ühiskonna hädade vastu ja finaalis gospel-laulja. Sellest laulab arendavalt ka Calesta Day.

Kuid siiski väljendab Aleksander Ekman end kõige veenvamalt koreograafilises keeles ja visuaalsetes kujundites, mis on tema jaoks lahutamatud. Niisiis on esimese vaatuse lastemängudes täiesti lapsemeelne stseen lihavärvi toppides ja bokserites amatsoonidega ning sarvedega kiivrid peas. Oma välimuse järgi valib Ekman suurepäraselt liigutusi, vaheldumisi teravaid kombinatsioone pointe kingadel ja röövellikke, jäiseid kahe painutatud jalaga pas de chas'e, korrates sarve joont. Ta armastab suurejoonelist pilti mitte vähem kui Pina Bauschile. Sakslanna oma filmis "Kevadriitus" puistas lavaplangu mullaga, muutes selle osaks maastikest ja Ekman kattis Stockholmi ooperi heinaga ("Suveöö unenägu"), uputas Norra ooperi tonnidesse vette. (“Luikede järv”) ning Opera Garnier laval vallandas sadade plastkuulide rahe, luues orkestriauku pallibasseini. Noored teevad entusiastlikku nägu, puristid pahurat. Veelgi enam, erinevalt Norra trikist veega, millest Ekman kunagi välja ujuda ei saanud, saab “Mängus” rohelisest rahest esimese vaatuse võimas haripunkt. See näeb välja nagu troopiline paduvihm, mis tõotab taassündi: rütm, mida pallid kukudes löövad, kõlab nagu pulss ja kehad on nii nakatavalt kerged ja vabad, et tahaks seda päevaks nimetada. Sest pärast vaheaega muutub see bassein rabaks: seal, kus artistid äsja sukeldusid ja muretult laperdasid, on nüüd lootusetult ummikus - pääsu pole. Iga liigutus nõuab neilt sellist pingutust, nagu oleks plastpallid tõesti raskustega asendatud. Ekman paneb täiskasvanud elu stressi tantsijate kehadesse - "lülitab" nende küünarnukid välja, paneb "kaks õlga ja kaks puusa", teeb rauast selga, väänab mehaaniliselt torsosid etteantud poosides etteantud suundades. Tundub, et kordab esimese vaatuse rõõmsat klassikalist pas de deux (üks vähestest sooloepisoodidest - rootslane tunneb end rahvastseenides tõesti vabamalt), kuid samad piirjooned, hoiakud ja arabeski toed on surnud ja formaalsed - elu pole. neis.

Ekmani kompleksi “Mäng” tõmbab sind etenduse edenedes: sul on lihtsalt aega kompositsioonimõistatuste lahendamiseks, ilma et sind segaks stsenograafilised kommid, mida ta pidevalt publikule loobib. Kuid sellest koreograafile ei piisa. Mängige nii – pärast eesriide langemist tulevad artistid taas lava ette, et lasta saali kolm hiiglaslikku palli. Riietatud esilinastuspublik tõstis need üles, loopis mööda ridu ja viskas mõnuga Chagalli laelambi ette. Tundub, et isegi kioskitest snoobivad žürii igatsevad vahel mitte just kõige intellektuaalsemaid mänge.

Sul on harukordne anne süžeeta koomiliste ballettide lavastamiseks: näiteks Tulles pole naljakas mitte tegelased ja nende suhted, vaid just klassikaliste liikumiste kombinatsioonid ja nende teostuse iseärasused. Kas teie arvates on klassikaline ballett aegunud?

Ma armastan klassikalist balletti, see on suurepärane. Ja ometi on see lihtsalt tants, see peaks olema lõbus, seal peaks olema mäng. Ma ei moonuta klassikalisi liigutusi, vaid näitan neid veidi teise nurga alt - see osutub nii kergeks absurdiks. Ja eriti näitlejate poolt võib tekkida arusaamatusi: justkui draamas töötamine pole neile kuigi tuttav. Ma ütlen neile alati: "Ärge olge koomik. Mitte sina ei peaks olema naljakas, vaid olukord.

Nii et teater on teile ikkagi tähtsam kui ballett?

Teater on ruum, kus kaks tuhat inimest saavad tunda end üksteisega seotuna, kogeda samu tundeid ja seejärel nende üle arutleda: „Kas sa nägid seda? Lahe, ah? Selline inimlik ühtsus on teatris kõige ilusam.

"Tüll", Stanislavski ja Nemirovitš-Dantšenko muusikateater, 2017

Tood oma ballettidele sisse kõne – read, monoloogid, dialoogid. Kas arvate, et publik ei mõista teie kava ilma sõnadeta?

Ma arvan, et nii on lihtsalt lõbusam. Mulle meeldib esitada üllatusi, üllatusi ja hämmastada publikut. Pea kõnet minu erialaks.

Arvustuses nimetasin teie “Tülli” 21. sajandi irooniliseks klassikontserdiks. See esitleb esiteks balletitrupi hierarhiat ja teiseks kõiki klassikalise väljaõppe sektsioone, välja arvatud barre.

Ma ei tea, millegipärast ei kavatsenud ma balletikunsti üle ironiseerida. Lavastasin just Pariisi ooperis näidendi “Mäng” ja seal töötades kasvas minu austus balleti vastu imetluseks. Selles trupis viibides näed, kuidas artistid end kannavad, kuidas étoile siseneb saali - kuningliku kandega, sellise kuningliku enesetundega - tekivad täiesti vapustavad assotsiatsioonid. Klassisüsteem, kuninglik õukond, Louis Päike – seda see on. Pariisi ooperis saate kohe kindlaks teha, kes on étoile, kes on solist, kes on valgusti – selle järgi, kuidas nad ennast hoiavad, kuidas nad liiguvad, kuidas nad teiste inimestega suhtlevad. Kõik see peegeldab nende positsiooni ühiskonnas, staatust. Ja sain aru, et see on primaarne – nii toimib loodus ise. Näiteks sisened kanakuudisse ja näed kohe peakuke – ta on täitsa ilus. Võib-olla ainult Prantsusmaal ja Venemaal võib seda absolutismi varju näha teatrites. Nendes maades hinnatakse balletti, see on rahvuslik uhkus ja seetõttu, mulle tundub, on prantsuse ja vene kultuuride vahel sügav side.

Ja kuidas te Pariisi kukkedega koostööd tegite? Kas tulite jõusaali valmis kombinatsioonidega või improviseerisite? Või olid artistid sunnitud improviseerima?

Igal viisil. Mul on alati selge ettekujutus, mida ma tahan luua, kuid spetsiifika ilmneb teel. Aga kui teil on saalis 40 inimest, ei saa te neid sundida ootama, kuni saate konkreetse kombinatsiooni välja. Muidu nad vaatavad sind nii – nad ütlevad, et see on kõik, milleks sa võimeline oled? - et kohe kaovad fantaasia riismed. Pariisi ooperis oli mul viiest-kuuest tantsijast koosnev rühm, nendega töötasime materjali läbi - ja ma kandsin valmis joonise balleti korpusesse. Tegelikult, kui lavastate balletti, ei tea kunagi, mis lõpuks juhtub – teid kummitab teadmatuse õudus. Protsess on põnevalt huvitav, kuid väga kurnav. Pärast Pariisi otsustasin aja maha võtta.

"Mäng", Pariisi rahvusooper, 2017

Pooleks aastaks. Või aastaks. Olen terve elu lavastanud väga intensiivselt: 12 aastaga - 45 balletti. See oli pidev võidujooks, lõpuks tundus mulle, et teen ühe lõputu lavastuse. Mind vedas edu – me kõik oleme karjäärile orienteeritud. Võtsin barjääri barjääri järel, Pariisi ooper oli mu eesmärk, teekonna tipp. Ja nii ta võetigi. Minu elu balleti esimene vaatus on tehtud. Nüüd on vaheaeg.

Olete endale balletist puhkust andnud varemgi: teie installatsioone esitleti Stockholmi Kaasaegse Kunsti Muuseumis.

Noh, kriitik on erinev. Mõned on isegi toredad.

Need, kes sind armastavad. Näiteks Moskva: me kiidame alati teie esinemisi, jumaldame “Kaktusi” ja mäletame, kui suurepäraselt tantsisite Benois de la danse’i Bolshoi kontserdil enda monotüki “Millest ma Bolshoi Teatris mõtlen” saatel. Siis kandideerisite Luikede järvele, kuid nad ei andnud teile auhinda ega näidanud etendust: nad ei tahtnud valada 6000 liitrit vett Suurele lavale. Mis ajendas teid Oslos Vene peaballetti lavastama ja kuidas see prototüübiga võrreldes on?

Pole võimalik. Algul oli mõte lavale palju vett valada. Siis mõtlesime: milline ballett on seotud veega? Muidugi Luikede järv. Ja nüüd ma ei tea, kas oli tark oma etendust nii nimetada, kuna sellel pole mingit seost balletiga Luikede järv.

Luikede järv, Norra Rahvusooper ja Ballett, 2014

“Luikede järve” tegite koos kuulsa Rootsi disaineri Hendrik Vibskoviga. Muide, ta tahtis ka lapsena tantsida – ja võitis isegi hiphopi esitamise eest auhinna.

Jah? Ei teadnud. Hendrik on suurepärane, ma igatsen teda väga. Tema ja mina langeme loominguliselt täiesti kokku – tundub, et oleme mõlemad ühes suunas painutatud, otsustades luua midagi nii hullu. Talle meeldib ka lõbutseda, ta teab, kuidas näitleda, tema moeetendused on nagu esinemised. Pariisis tegime temaga moeetenduse “Luikede järve” näol: täitsime basseini veega, ladusime sellele poodiumi, modellid kõndisid nagu vee peal ja nende vahel liikusid meie etenduse kostüümides tantsijad. .

Ja kas postitate kõik oma mängud Instagrami? Oled sotsiaalvõrgustikes väga aktiivne.

Suhtlusvõrgustikud on loomingulisele inimesele väga mugav asi. Saan esitleda oma valmis töid, saan näidata, millega praegu tegelen – see on nagu portfoolio. Instagram nõuab erilist keelt ja ma arvan, et minu lavastused, millel on palju visuaalseid efekte, sobivad Instagrami jaoks hästi. Aga mulle ei meeldi, kui inimesed laadivad veebis üles fotosid, nagu "näe, ma istun siin nii-ja-naga". Reaalsust tuleb elada, mitte näidata. Võrgustikud on moodustanud uue suhtlusvormi ja sellest on tekkinud uus sõltuvus – inimesed on unustanud, kuidas omavahel rääkida, kuid nad vaatavad pidevalt oma telefoni: kui palju meeldimisi mul seal on?

Teil on palju: Instagramis rohkem kui kolmkümmend tuhat jälgijat - kaks korda rohkem kui näiteks kuulsa NDT peamised koreograafid Paul Lightfoot ja Sol Leon.

Ma tahan veelgi rohkem. Aga töö lehel. Kustutan oma isikliku, sest sellega teen sama, mis kõik teised: hei, vaadake, kui tore mul on.

Tuleme tagasi reaalsusesse: kas teile pakuti siin Moskvas lavastust? Või vähemalt mõne juba valmis asja ülekandmine?

Tahaks siin midagi teha. Aga mul on vaheaeg. Kuigi ausalt öeldes tõmbab mind proovisaal.

Kavad on nimetatud koreograafide järgi. Pärast esimest - "Lifar. Kilian. Forsythe" - näitas tantsukvartetti: "Balanchine. Taylor. Garnier. Ekman." Kokku on seitse nime ja seitse balletti. Püsiva prantslase, Pariisi ooperi eks-étoile’i ideid on lihtne lugeda. Iler ei kiirusta talle usaldatud meeskonda mööda ajalooliselt väljakujunenud mitmevaatuseliste süžeede teed juhtima, eelistab eri stiilis ühevaatuse serpentiini (plaanis on veel kaks sarnase formaadiga saadet). Lähiminevikus ligi kolmekümne noore artisti lahkumist kogenud trupp on rekordkiirusel taastunud ja oma esiettekandes oopuses vääriline välja näeb. Eriti märgatav on edasiminek, kui arvestada, et Iler “kutsutud” artistidele veel teatriväravaid ei ava ja kasvatab usinalt oma meeskonda.

Esietenduse esimene etendus oli George Balanchine’i “Serenaad”, mida stanislavlased polnud varem tantsinud. See romantiline eleegia Tšaikovski muusikale alustab suure koreograafi Ameerika perioodi, kes avas 1934. aasta alguses Uues Maailmas balletikooli. Oma esimestele õpilastele, kes polnud veel täielikult omandanud tantsu grammatikat, kuid unistasid klassikast, lavastas Balanchine “Serenaadi”, mis oli hingelt venepärane. Kristall, eeterlik, kaalutu. Muzteatri artistid viivad etendust läbi samamoodi nagu esmaesinejad. Tundub, nagu puudutaksid nad ettevaatlikult habrast aaret - neil puudub ka sisemine liikuvus, mida koreograaf nõudis, kuid on selge soov mõista midagi uut. Poeetilise loomingu alistumine ja aupaklikkus on aga eelistatum kui rõõmsameelsus ja julgus, millega oma oskustes kindlad trupid serenaadi tantsivad. Naiskorpus de ballett - oopuse peategelane - ärkab unetu öö unenägudes ellu, kui ta juba enne koitu taandub. Süžeevabas meeleolukompositsioonis näevad suurepärased välja Erika Mikirtitševa, Oksana Kardash, Natalja Somova ning oma nimetutest kangelannadest unistanud “vürstid” Ivan Mihhalev ja Sergei Manuilov.

Ülejäänud kolm esietenduvat lavastust on moskvalastele võõrad. "Halo" on modernistliku koreograafi Paul Taylori päikeseline elujaatav žest, mis arutleb liikumise olemuse üle. Dünaamiline, suurejooneline tants on pidevas transformatsioonis, meenutades iseseisvat tegelast, rikkudes tavalisi poose ja hüppeid, käed on vahel põimitud nagu oksad, vahel visatud püsti nagu spordivahenditelt hüppavad võimlejad. Pool sajandit tagasi uuenduslikuna tajutud koreograafiat päästab pealehakkamine ja huumor, välkkiire ümberlülitumine tõsistelt maksiimidelt iroonilistele eskapaadidele. Valgetesse kleitidesse riietatud paljajalu Natalja Somova, Anastasia Pershenkova ja Jelena Solomjanko demonstreerivad kompositsiooni graatsiliste kontrastide maitset. Aeglase liikumise – teatri uhkuse ja silmapaistva esietenduse – eest vastutab Georgi Smilevski, kes oskab tuua soolosse dramaatilist pinget, stiili ja pidulikku ilu. Dmitri Sobolevski on virtuoos, kartmatu ja emotsionaalne. Üllataval kombel võtab Händeli tseremoniaalne muusika kergesti vastu Taylori fantaasiate poolt, kes rullub laval lahti tõelise tantsumaratoni. Mõlemaid Ameerika koreograafia stiile taasloovaid etendusi saadab teatri sümfooniaorkester andeka maestro Anton Grishanini juhatusel.

Peale Tšaikovski ja Händeli kõlab heliriba ning akordionistide Christian Pache’i ja Gerard Baratoni duett, mis “saadab” prantsuse koreograafi Jacques Garnier’ 12-minutilist miniatuuri “Onis”. Maurice Pache’i muusika saatel etendust harjutas Pariisi ooperi balletitrupi endine juht ja Laurent Hilaire’i mõttekaaslane Brigitte Lefebvre. Tema koos Jacques Garnieriga asutatud “Vaikuseteatris” toimus katsesarjas kaasaegse koreograafiaga “Onise” esimene etendus nelikümmend aastat tagasi. Koreograaf pühendas selle oma vennale ja esitas ise. Hiljem töötas ta teose ümber kolmele solistile, kelle tants meenutab praegusel esitlusel hapukat koduveini, tabades kergelt pead. Poisid, keda ühendab kui mitte sugulusside, siis tugev sõprus, rõõmsalt ja ilma igasuguse virisemiseta sellest, kuidas nad üles kasvasid, armusid, abiellusid, imetasid lapsi, töötasid ja lõbutsesid. Prantsusmaa väikeses provintsis Onises toimub lihtne tegevus, mida saadab tavaliselt külapühadel kõlavate "harmonistide" pretensioonitu kitkumine. Jevgeni Žukov, Georgi Smilevski juunior, Innokenty Juldašev on nooruslikult spontaansed ja entusiastlikult esitavad, tegelikult lausa folkloorihõnguga maitsestatud popnumber.

Rootslane Alexander Ekman on tuntud naljamehe ja veidruste meistrina. Benois de la Danse festivalil soovis ta oma “Luikede järve” eest paigaldada Vene peamise teatri lavale kuue tuhande liitri veega basseini ja panna sinna tantsukunstnikud. Talle keelduti ja ta improviseeris veeklaasiga naljaka soolo, nimetades seda "Millest ma Bolshoi teatris mõtlen". Tema “Cactus” on meelde jäänud ka ekstsentriliste leidude hajuvuse poolest.

Ekman lahkab Tulles mitte tantsu, vaid teatrielu ennast. Näitab oma higist alaosa, rituaalset alust ja irvitab esinejate ambitsioonide ja klišeede üle. Mustas riietuses ülevaataja Anastasia Pershenkova, võnkuva kõnnakuga puäntkingadel, millest tema trupijuht kangelaslikult ei lasku, näeb välja nagu flirtiv modellidiiva. Näitlejad keskenduvad naiivse pantomiimi rumaluste harjutamisele, korrates harjutuse igavaid samme ikka ja jälle. Väsinud balletikorpus langeb meeleheitesse – kurnatud tantsijad kaotavad sünkroonsuse, kummardavad, trampivad jalgu ja laksutavad tugevalt laval. Kuidas saab uskuda, et nad libisesid hiljuti näpuotsaga.

Ja Ekman ei lakka hämmastamast oma eklektilisusega, tuues lavale kas paari “Päikesekuninga” Louis XIV õukonnaballetist või uudishimulikke kaameratega turiste. Lava haaranud massihulluse taustal “hüppab” orkestriauk üles-alla, ekraanipildid tundmatutest silmadest ja nägudest muutuvad ning tõlkeliin tormab galopeerivas tempos. Mikael Karlssoni löödud tantsurütmidest, krõbinast ja mürast, pointe-kingade klõbinast ja plaksutusest, proovisaali partituurist ja balletikorpuse luigesammu harjutavatest müradest mõjub peadpööritav partituur. Liigsus kahjustab humoorika süžee harmooniat, maitse kannatab. On hea, et artistid ei eksi selles massilises koreograafilises melus. Kõik peesitavad mängulise mängu elemendis, naljatades rõõmsalt ja armastavalt telgitaguse pöörase maailma üle. “Tülli” parim stseen on groteskne tsirkus pas de deux. Klouniriietesse riietatud Oksana Kardash ja Dmitri Sobolevski lõbutsevad oma trikkidega, ümbritsetuna fouettide ja piruettide arvu kokku lugevatest kolleegidest. Täpselt nagu Valeri Todorovski filmis “Bolšoi”.

Alati eksperimenteerimisele avatud muusikateater uurib hõlpsalt maailma koreograafia võõraid ruume. Eesmärk - näidata, kuidas tants arenes ning kuidas muutusid professionaalsed ja vaatajate eelistused - on saavutatud. Etendused on samuti järjestatud ranges kronoloogias: 1935 - "Serenade", 1962 - "Halo", 1979 - "Onis", 2012 - "Tüll". Kokku - peaaegu kaheksa aastakümmet. Pilt osutub huvitavaks: Balanchine'i klassikalisest meistriteosest Paul Taylori keeruka modernismi ja Jacques Garnieri rahvaliku stilisatsiooni kaudu - Alexander Ekmani kaoseni.

Foto kuulutuse juures: Svetlana Avvakum

Aleksander Ekman. Foto – Juri Martjanov / Kommersant

Koreograaf Alexander Ekman kaasaegsest balletist ja suhtlusvõrgustikest.

Stanislavski ja Nemirovitš-Dantšenko muusikaliteatri repertuaari jõudis 34-aastase rootslase, oma põlvkonna viljakama, nõutuima ja andekama koreograafi Aleksander Ekmani esimene ballett Venemaal “Tüll” koreografeerinud juba 45 balletti üle maailma, viimane neist Pariisi ooperis.

— Sul on haruldane anne süžeeta koomiliste ballettide lavastamiseks: näiteks Tulles pole naljakad mitte tegelased ja nende suhted, vaid just klassikaliste liigutuste kombinatsioonid ja nende teostuse iseärasused. Kas teie arvates on klassikaline ballett aegunud?

— Ma jumaldan klassikalist balletti, see on suurepärane. Ja ometi on see lihtsalt tants, see peaks olema lõbus, seal peaks olema mäng. Ma ei moonuta klassikalisi liigutusi, vaid näitan neid veidi teise nurga alt - see osutub nii lihtsaks absurdiks. Ja eriti näitlejate poolt võib tekkida arusaamatusi: justkui draamas töötamine pole neile kuigi tuttav. Ma ütlen neile alati: "Ärge olge koomik. Mitte sina ei peaks olema naljakas, vaid olukord.

— Nii et teater on teile ikkagi tähtsam kui ballett?

— Teater on ruum, kus kaks tuhat inimest saavad tunda end üksteisega seotuna, kogeda samu tundeid ja siis nende üle arutleda: „Kas sa nägid seda? Lahe, ah? Selline inimlik ühtsus on teatris kõige ilusam.

— Tood oma ballettidele kõne sisse – read, monoloogid, dialoogid. Kas arvate, et publik ei mõista teie kava ilma sõnadeta?

"Ma arvan, et nii on lõbusam." Mulle meeldib esitada üllatusi, üllatusi ja hämmastada publikut. Pea kõnet minu erialaks.