Itaalia kunstnike maalid 18. Suurepärased Itaalia kunstnikud. Kõrgrenessansi kunstnikud

Itaalia on riik, mis on alati olnud kuulus kunstnike poolest. Kunagi Itaalias elanud suured meistrid ülistasid kunsti kogu maailmas. Võime kindlalt öelda, et kui poleks olnud Itaalia kunstnikke, skulptoreid ja arhitekte, näeks maailm täna hoopis teistsugune välja. Loomulikult peetakse seda Itaalia kunstis kõige märkimisväärsemaks. Itaalia saavutas renessansi või renessansi ajal enneolematu kasvu ja õitsengu. Neil päevil ilmunud andekad kunstnikud, skulptorid, leiutajad, tõelised geeniused on siiani teada igale koolilapsele. Nende kunsti, loovust, ideid ja arenguid peetakse tänapäeval klassikaks, tuumaks, millele maailma kunst ja kultuur on üles ehitatud.

Itaalia renessansi üks kuulsamaid geeniusi on muidugi suur Leonardo da Vinci(1452-1519). Da Vinci oli nii andekas, et saavutas suure edu paljudes valdkondades, sealhulgas kaunites kunstides ja teaduses. Teine kuulus kunstnik, kes on tunnustatud meister, on Sandro Botticelli(1445-1510). Botticelli maalid on tõeline kingitus inimkonnale. Tänapäeval asuvad paljud neist maailma kuulsaimates muuseumides ja on tõeliselt hindamatud. Mitte vähem kuulus kui Leonardo da Vinci ja Botticelli Rafael Santi(1483-1520), kes elas 38 aastat ja suutis selle aja jooksul luua terve kihi vapustavat maali, millest sai üks varajase renessansi silmatorkavaid näiteid. Teine suur Itaalia renessansi geenius kahtlemata on Michelangelo Buonarotti(1475-1564). Lisaks maalimisele tegeles Michelangelo skulptuuri, arhitektuuri ja luulega ning saavutas nendes kunstiliikides suurepäraseid tulemusi. Michelangelo ausammast nimega "Taavet" peetakse ületamatuks meistriteoseks, skulptuurikunsti kõrgeima saavutuse näiteks.

Lisaks ülalmainitud kunstnikele olid renessansiajastu Itaalia suurimad kunstnikud sellised meistrid nagu Antonello da Messina, Giovanni Bellini, Giorgione, Titian, Paolo Veronese, Jacopo Tintoretto, Domenico Fetti, Bernardo Strozzi, Giovanni Battista Tiepolo, Francesco Guardi jt. Kõik need olid suurepärased näited veetlevast Veneetsia maalikoolist. Järgmised kunstnikud kuuluvad Firenze Itaalia maalikooli: Masaccio, Andrea del Verrocchio, Paolo Uccello, Andrea del Castagno, Benozzo Gozzoli, Sandro Botticelli, Fra Angelico, Filippo Lippi, Piero di Cosimo, Leonardo da Vinci, Michelangelo, Fra Bartolommeo, Andrea del Sarto.

Et loetleda kõik renessansiajal, samuti hilisrenessansi ajal ja sajandeid hiljem töötanud kunstnikud, kes said kuulsaks kogu maailmas ja ülistasid maalikunsti, töötasid välja põhiprintsiibid ja seadused, mis on aluseks kõikidele renessansi tüüpidele ja žanridele. kaunid kunstid, võib-olla kulub selle kirjutamiseks mitu köidet, kuid sellest loetelust piisab, et mõista, et suured Itaalia kunstnikud on just see kunst, mida me teame, mida me armastame ja mida hindame igavesti!

Suurte Itaalia kunstnike maalid

Andrea Mantegna – Fresko kaameras degli Sposi

Giorgione – kolm filosoofi

Leonardo da Vinci – Mona Lisa

Riiklik Ermitaaž koos Pavia linnamuuseumidega korraldab üheksateistkümnenda sajandi suurimat itaalia maalikunsti retrospektiivi, mis hõlmab enam kui seitsekümmend teost.

Riiklik Ermitaaž, 19. november 2011 – 22. jaanuar 2012
Talvepalee sõjasaal

Itaalia aasta Venemaal ja Venemaa Itaalias raames avati näitus „Itaalia 19. sajandi maalikunst. Neoklassitsismist sümbolismini”, mille korraldab Riiklik Ermitaaž koos Pavia linnamuuseumidega. Näitus on üle-eelmise sajandi suurim itaalia maalikunsti retrospektiiv ja hõlmab üle seitsmekümne teose, millest pooled pärinevad Pavia linnamuuseumide 19. sajandi pildigalerii kogust. Lisaks on näitusel töid Firenze, Milano, Torino ja Genova moodsa kunsti galeriist. Näituse olulisust on raske üle hinnata, kuna kõnealune periood on vene publikule praktiliselt tundmatu (Ermitaaži kollektsioonis on veidi üle kuuekümne itaalia kunstniku Ottocento maali).

19. sajandi maalikunsti parimaid näiteid kasutades demonstreerib näitus kogu Itaalia kunstnike tööstiilide ja -suundade spektrit: klassitsism, romantism, historitsism, Macchiaioli, sümbolism.

Itaalia klassitsismi põhijooned pandi paika Antonio Canova loomingus. Lombardi kunstnik Andrea Appiani pöördus mütoloogiliste teemade ülevalt idülliliste maalide poole, mida ilmestab maal “Juno, mida on riietanud armud”. Sama iidne üleva harmoonia kaanon on Gaspare Landi maalidel “Pariis” ja “Hebe”. Neoklassitsismi kangelaslikku haru esindab Vincenzo Camuccini populaarne maal “Caesari surm”.

Peamiselt kirjanduses juba kirjeldatud rahvusliku ajaloo episoodide ja kangelaste poole pöördumine on omane enamikule 19. sajandi maalikunstile, alustades romantismiga. Selle suuna peamine kunstnik on Francesco Hayez. Maalil "Otto II leppimine Burgundia ema Adelaide'iga" reprodutseeris ta olulise, kuid vähetuntud sündmuse Itaalia keskaegses ajaloos. Filmis “Veenus mängib tuvidega” kehastas ta kuulsa baleriini Carlotta Chaberti jooni, filmis “Salajas denonsseerimine” näitas ilusat ja julma Veneetsia naist.

Romantilised kunstnikud kujutasid meelsasti silmapaistvaid inimesi, mässulisi kangelasi hiilguse või langemise hetkedel. Näited sellistest teostest: Christiano Banti “Galileo inkvisitsioonikohtu ees”, Lorenzo Delleani “Christopher Columbus tagasipöördumisel Ameerikast (Christopher Columbus kettides)”, Giacomo Trecura “Isand Byron Kreeka rannikul”.

Romantikud taaselustavad huvi maalikunsti “nooremate” žanrite vastu – hoonete interjööride ja linnavaadete kujutamise vastu (plii). Lõuendil “Santa Maria della Salute kirik Veneetsias” katsetab Ippolito Caffi visuaalse taju ja valgusefektidega.

Romantismi otsinguid jätkasid 1860. aastatel Toscana macchiaiolid: Giovanni Fattori, Silvestro Lega, Telemaco Signorini, Giuseppe Abbati, Odorado Borrani, Vincenzo Cabianca. Kunstnikud pakkusid välja stilistilise stiili, asendades traditsioonilise chiaroscuro kontrastse täppide kombinatsiooniga (“macchia”). Uut tehnikat kasutades esitlesid macchiaioli žanristseenid igapäevaelust: Silvestro Lega "Stornello laulmine" ja "Kihlatud ehk pruut ja peigmees", Telemaco Signorini "Kohtumine metsas". Giovanni Fattori maalide “Palmieri vannide rotunda” ja Giuseppe Abbati “Vaade Castiglioncellole” maastik on huvitav, kuna kunstnikud töötasid selle loomisel vabas õhus.

Sümbolismi tendentsid väljenduvad selgelt Giorgio Kinerka triptühhonis “Inimese mõistatus”: kunstnik väldib tegelaste selget iseloomustamist, eelistades lummada vaatajat esoteeriliste sümbolite ja üldise magnetilise atmosfääriga.

19. sajandi viimastel kümnenditel katsetasid Euroopa kunstnikud uusi väljendusvahendeid. Itaalias arendab Angelo Morbelli eraldi löökide tehnikat (divisionism), mille näiteks on sotsiaalteemaline maal “For 80 centesimo!” Giuseppe Pelizza da Volpedo oli ka divisjonist, kes kehastas filmis “Ringtants” sümboolselt kõrghumanismi ideaale.

Näitus “Itaalia 19. sajandi maalikunst. Neoklassitsismist sümboolikasse” on vastus 2011. aasta märtsis Castello Visconteos avatud suurele näitusele „Leonardeschi Foppast Giampetrinoni: maalid Ermitaažist ja Pavia linnamuuseumidest”, kuhu kuulus kakskümmend kaks maali Ermitaaži kollektsioonist.

Näituse kuraator on Riikliku Ermitaaži poolt Lääne-Euroopa kaunite kunstide osakonna teadur Natalja Borisovna Demina ja Pavia linnamuuseumide poolt Pavia linnamuuseumide direktor Suzanna Zatti.

Näituse avamiseks anti välja teaduslik kataloog vene ja itaalia keeles (kirjastus Skira, Milano - Genf), mille artiklid on Milano ülikooli professori Fernando Mazzocchi, Pavia linnamuuseumide kuraatori Francesca Porreco ja Susanna Zatti.

Tähelepanu! Kõik saidil olevad materjalid ja saidil olev oksjonitulemuste andmebaas, sealhulgas illustreeritud viiteteave oksjonil müüdud teoste kohta, on mõeldud kasutamiseks eranditult kooskõlas artikliga. Vene Föderatsiooni tsiviilseadustiku artikkel 1274. Kasutamine ärilistel eesmärkidel või Vene Föderatsiooni tsiviilseadustikuga kehtestatud eeskirjade rikkumisega ei ole lubatud. sait ei vastuta kolmandate isikute esitatud materjalide sisu eest. Kolmandate isikute õiguste rikkumise korral jätab saidi administratsioon volitatud asutuse taotlusel õiguse need saidilt ja andmebaasist eemaldada.

• 31.01.2020 Selle oksjoni iga partii alghind ei sõltu selle hinnangust ja on täpselt 100 dollarit
• 30.01.2020 Marron on oma kollektsiooni kogunud enam kui 20 aastat; see koosneb 850 kunstiteosest, mille väärtus on esialgselt 450 miljonit dollarit
• 30.01.2020 Getty muuseumis asuva skulptuuri staatus muudeti 2019. aasta detsembris "tundmatu kunstniku teoseks".
• 29.01.2020 Kursus tuli ära jätta pärast kaebusi, et see keskendub liigselt Euroopa "valgele kunstiajaloole" ja meeskunstnike uurimisele.
• 29.01.2020 Salvador Dali loomingu kõige terviklikuma retrospektiivi korraldajad pakuvad publikule kunstniku kakssada tööd ja rikkalikku haridusprogrammi

• 31.01.2020 Kogutulu ulatus peaaegu 2,5 miljoni rublani. Ostjad - Moskvast Magadani
• 24.01.2020 Üle 50% kataloogipartiidest läks haamri alla, ostjad Permist Minski
• 23.01.2020 Kataloogis on kolmkümmend partiid: üksteist maali, viisteist lehte originaal- ja üks trükigraafika, üks segatehnikas töö, üks portselantaldrik ja üks fotoalbum
• 20.01.2020 2020. aasta esimese kaunite kunstide ja DPI oksjoni kataloog koosnes 547 osast - maalid ja graafika, klaas, portselan, keraamika, hõbe, email, ehted jne.
• 17.01.2020 Uutesse kätesse läks pisut vähem kui pooled kataloogis olevatest partiidest. Ostjate hulgas on Moskva, Odintsovo, Minsk ja Perm

• 31.01.2020 Vestlusobjekti ajaloos võib miski tunduda naiivne, samas kui mõni muu võib turuosaliste praktikas rakendust leida. Üks on kindel: igal erialal peaksid iga eduka inimese teadmised põhinema tema eelkäijate õnnestumistel ja vigadel.
• 03.12.2019 "Vene nädala" kolme põhitehingu võtmenumbrid ja natuke sellest, kuidas meie prognoosid täitusid
• 03.12.2019 Sel aastal toimus salong uues kohas, Gostiny Dvoris ja kuu aega hiljem kui tavaliselt
• 28.11.2019 Kunstniku ateljee külastus on sündmus, mis võib potentsiaalselt muuta nii stuudio omaniku kui ka tema külalise elu. Mitte päris ärikohtumine, aga kindlasti mitte tavaline sõbralik külaskäik. Mõne lihtsa reegli järgimine aitab teil selles olukorras probleeme vältida.
• 26.11.2019 Neljandat korda avaldame akadeemik I. E. Grabari nimelise Ülevenemaalise Teadusliku Uurimise Keskuse ettepanekul valeeksperdiarvamuse, mille on väidetavalt välja andnud keskuse eksperdid. Ole ettevaatlik!
• 17.12.2019 19. detsembril muuseumi peahoones Petrovkas, 25 avatav näitus on katse heita värske pilk muuseumi ulatuslikule vene kunsti kogule: projekti kuraatoriteks on 20 tuntud tegelast erinevatelt erialadelt.
• 12.12.2019 6. aprillil 2020 möödub 500 aastat renessansiaja ühe suurima kunstniku surmast. Järgmise aasta suursündmuste eel avab Berliini kunstigalerii Raphael Santi madonnade näituse

Renessanss (Renessanss). Itaalia. XV-XVI sajandil. Varane kapitalism. Riiki juhivad rikkad pankurid. Nad on huvitatud kunstist ja teadusest.

Rikkad ja võimsad koondavad enda ümber andekad ja targad. Luuletajad, filosoofid, kunstnikud ja skulptorid vestlevad iga päev oma patroonidega. Mingil hetkel tundus, et inimesi valitsevad targad, nagu Platon tahtis.

Meenutasime vanu roomlasi ja kreeklasi. Samuti ehitasid nad üles vabade kodanike ühiskonna, kus põhiväärtus on inimesed (orje muidugi mitte arvestada).

Renessanss ei ole lihtsalt iidsete tsivilisatsioonide kunsti kopeerimine. See on segu. Mütoloogia ja kristlus. Looduse realistlikkus ja kujundite siirus. Ilu füüsiline ja vaimne.

See oli lihtsalt välk. Kõrgrenessansi periood on umbes 30 aastat! 1490. aastatest kuni 1527. aastani Leonardo loovuse hiilgeaegade algusest. Enne Rooma röövimist.

Ideaalse maailma miraaž kustus kiiresti. Itaalia osutus liiga hapraks. Varsti orjastas ta teise diktaatori poolt.

Need 30 aastat määrasid aga Euroopa maalikunsti põhijooned 500 aastaks! Kuni .

Kujutise realistlikkus. Antropotsentrism (kui maailma keskpunkt on Inimene). Lineaarne perspektiiv. Õlivärvid. Portree. Maastik…

Uskumatult töötas selle 30 aasta jooksul mitu säravat meistrit korraga. Muul ajal sünnivad nad kord 1000 aasta jooksul.

Leonardo, Michelangelo, Raphael ja Tizian on renessansiajastu titaanid. Kuid me ei saa jätta mainimata nende kahte eelkäijat: Giotto ja Masaccio. Ilma milleta poleks renessansi.

1. Giotto (1267-1337)

Paolo Uccello. Giotto da Bondogni. Fragment maalist "Firenze renessansi viis meistrit". 16. sajandi algus. .

XIV sajand. Protorenessanss. Selle peategelane on Giotto. See on meister, kes ainuisikuliselt muutis kunstis revolutsiooni. 200 aastat enne kõrgrenessansi. Kui teda poleks olnud, oleks vaevalt saabunud ajastu, mille üle inimkond nii uhke on.

Enne Giottot olid seal ikoonid ja freskod. Need loodi vastavalt Bütsantsi kaanonitele. Nägude asemel näod. Lamedad figuurid. Proportsioonide mittejärgimine. Maastiku asemel on kuldne taust. Nagu näiteks sellel ikoonil.

Guido da Siena. Magi jumaldamine. 1275-1280 Altenburg, Lindenau muuseum, Saksamaa.

Ja äkki ilmuvad Giotto freskod. Neil on mahukad figuurid. Õilsate inimeste näod. Vanad ja noored. Kurb. Leinav. üllatunud. Erinevad.

Giotto freskod Scrovegni kirikus Padovas (1302-1305). Vasakul: Kristuse itk. Keskel: Juuda suudlus (fragment). Paremal: Püha Anna (Ema Maarja) kuulutus, fragment.

Giotto põhitöö on tema freskode tsükkel Scrovegni kabelis Padovas. Kui see kirik koguduseliikmetele avanes, voolas sellesse rahvahulgad. Nad polnud kunagi midagi sellist näinud.

Lõppude lõpuks tegi Giotto midagi enneolematut. Ta tõlkis piiblilugusid lihtsasse, arusaadavasse keelde. Ja need on muutunud tavainimestele palju kättesaadavamaks.

Giotto. Magi jumaldamine. 1303-1305 Fresko Scrovegni kabelis Padovas, Itaalias.

Just see on iseloomulik paljudele renessansiajastu meistritele. Lakoonilised pildid. Tegelaste elavad emotsioonid. Realism.

Lisateavet meistri freskode kohta leiate artiklist.

Giottot imetleti. Kuid tema uuendust ei arendatud edasi. Rahvusvahelise gootika mood tuli Itaaliasse.

Alles 100 aasta pärast ilmub Giotto vääriline järeltulija.

2. Masaccio (1401–1428)

Masaccio. Autoportree (fragment freskost “Püha Peeter kantslil”). 1425-1427 Brancacci kabel Santa Maria del Carmine kirikus, Firenzes, Itaalias.

15. sajandi algus. Nn vararenessanss. Veel üks uuendaja on sündmuskohale sisenemas.

Masaccio oli esimene kunstnik, kes kasutas lineaarset perspektiivi. Selle kujundas tema sõber, arhitekt Brunelleschi. Nüüd on kujutatud maailm muutunud sarnaseks tegelikule. Mänguasjaarhitektuur on minevik.

Masaccio. Püha Peetrus ravib oma varjuga. 1425-1427 Brancacci kabel Santa Maria del Carmine kirikus, Firenzes, Itaalias.

Ta võttis omaks Giotto realismi. Erinevalt oma eelkäijast tundis ta aga anatoomiat juba hästi.

Plokklike tegelaste asemel on Giotto kaunilt inimesi üles ehitanud. Täpselt nagu vanad kreeklased.

Masaccio. Neofüütide ristimine. 1426-1427 Brancacci kabel, Santa Maria del Carmine kirik Firenzes, Itaalias.
Masaccio. Paradiisist väljasaatmine. 1426-1427 Fresko Brancacci kabelis, Santa Maria del Carmine kirik, Firenze, Itaalia.

Masaccio elas lühikest elu. Ta suri, nagu ta isa, ootamatult. 27-aastaselt.

Tal oli aga palju järgijaid. Järgmiste põlvkondade meistrid läksid Brancacci kabelisse tema freskode järgi õppima.

Seega võtsid Masaccio uuendused kasutusele kõik kõrgrenessansi suured kunstnikud.

3. Leonardo da Vinci (1452-1519)

Leonardo da Vinci. Autoportree. 1512 Kuninglik Raamatukogu Torinos, Itaalias.

Leonardo da Vinci on üks renessansiajastu titaane. Tal oli maalikunsti arengule tohutu mõju.

Just da Vinci tõstis ise kunstniku staatust. Tänu temale pole selle elukutse esindajad enam lihtsalt käsitöölised. Need on vaimu loojad ja aristokraadid.

Leonardo tegi läbimurde eelkõige portreepildis.

Ta uskus, et miski ei tohiks põhipildilt tähelepanu kõrvale juhtida. Pilk ei tohiks eksida ühelt detaililt teisele. Nii ilmusid tema kuulsad portreed. Lakooniline. Harmooniline.

Leonardo da Vinci. Daam hermeliiniga. 1489-1490 Czertoryski muuseum, Krakov.

Leonardo peamine uuendus seisneb selles, et ta leidis viisi, kuidas pilte... elavaks muuta.

Enne teda nägid portreede tegelased välja nagu mannekeenid. Jooned olid selged. Kõik detailid on hoolikalt joonistatud. Maalitud joonistus ei saanud kuidagi elus olla.

Leonardo leiutas sfumato meetodi. Ta varjutas jooned. Tegi ülemineku valguselt varjule väga pehmeks. Tema tegelased näivad olevat kaetud vaevumärgatava uduga. Tegelased ärkasid ellu.

. 1503-1519 Louvre, Pariis.

Sfumato lisatakse kõigi tuleviku suurte artistide aktiivsesse sõnavarasse.

Sageli on arvamus, et Leonardo on muidugi geenius, kuid ei teadnud, kuidas midagi lõpule viia. Ja ma ei jõudnud sageli maalid lõpuni. Ja paljud tema projektid jäid paberile (muide, 24 köites). Ja üldiselt visati ta kas meditsiini või muusikasse. Omal ajal huvitas mind isegi serveerimiskunst.

Mõelge siiski ise. 19 maali – ja ta on kõigi aegade suurim kunstnik. Ja keegi ei jõua oma suuruse poolest isegi lähedale, ometi maalis ta oma elu jooksul 6000 lõuendit. On selge, kellel on suurem efektiivsus.

Meistri kuulsaima maali kohta loe artiklist.

4. Michelangelo (1475–1564)

Daniele da Volterra. Michelangelo (fragment). 1544 Metropolitani kunstimuuseum, New York.

Michelangelo pidas end skulptoriks. Kuid ta oli universaalne meister. Nagu tema teised renessansiaegsed kolleegid. Seetõttu pole ka tema pildipärand vähem suurejooneline.

Ta on äratuntav eelkõige füüsiliselt arenenud karakterite järgi. Ta kujutas täiuslikku meest, kelle puhul füüsiline ilu tähendab vaimset ilu.

Seetõttu on kõik tema kangelased nii lihaselised ja vastupidavad. Isegi naised ja vanad inimesed.

Michelangelo. Fragmendid freskost "Viimne kohtuotsus" Sixtuse kabelis, Vatikanis.

Michelangelo maalis tegelase sageli alasti. Ja siis lisas ta riided peale. Et keha oleks võimalikult vormitud.

Ta maalis üksi Sixtuse kabeli lae. Kuigi neid on mitusada numbrit! Ta ei lubanud kellelgi isegi värvi hõõruda. Jah, ta oli ebaseltskondlik. Tal oli karm ja tülitsev iseloom. Aga kõige rohkem oli ta rahulolematu... iseendaga.

Michelangelo. Fragment freskost “Aadama loomine”. 1511 Sixtuse kabel, Vatikan.

Michelangelo elas pika elu. Elas üle renessansi allakäigu. Tema jaoks oli see isiklik tragöödia. Tema hilisemad teosed on täis kurbust ja kurbust.

Üldiselt on Michelangelo loominguline tee ainulaadne. Tema varased teosed tähistavad inimkangelast. Vaba ja julge. Vana-Kreeka parimate traditsioonide järgi. Mis ta nimi on David?

Viimastel eluaastatel on need traagilised pildid. Tahtlikult jämedalt tahutud kivi. Justkui vaataksime monumente 20. sajandi fašismi ohvritele. Vaata tema Pietàt.

Michelangelo skulptuurid Firenze Kaunite Kunstide Akadeemias. Vasakul: David. 1504 Paremal: Palestrina Pietà. 1555

Kuidas on see võimalik? Üks kunstnik ühes elus läbis kõik kunstietapid renessansist kuni 20. sajandini. Mida peaksid tegema järgmised põlvkonnad? Mine oma teed. Mõistes, et latt on seatud väga kõrgele.

5. Raffael (1483–1520)

. 1506 Uffizi galerii, Firenze, Itaalia.

Raphaelit ei unustatud kunagi. Tema geniaalsust tunnustati alati: nii elu jooksul kui ka pärast surma.

Tema tegelased on varustatud sensuaalse, lüürilise iluga. Just teda peetakse õigustatult kõige ilusamateks naisepiltideks, mis eales loodud. Väline ilu peegeldab ka kangelannade vaimset ilu. Nende leebus. Nende ohverdus.

Raphael. . 1513 Old Masters Gallery, Dresden, Saksamaa.

Fjodor Dostojevski ütles kuulsad sõnad "Ilu päästab maailma". See oli tema lemmikmaal.

Sensuaalsed pildid pole aga Raphaeli ainus tugevaim külg. Ta mõtles oma maalide kompositsioonid väga hoolikalt läbi. Ta oli maalikunstis ületamatu arhitekt. Pealegi leidis ta alati kõige lihtsama ja harmoonilisema lahenduse ruumi korraldamisel. Tundub, et teisiti ei saagi.

Raphael. Ateena kool. 1509-1511 Fresko Vatikanis Apostliku Palee Stanzas.

Raphael elas vaid 37 aastat. Ta suri ootamatult. Külmetusest ja arstiveast. Kuid tema pärandit on raske üle hinnata. Paljud kunstnikud jumaldasid seda meistrit. Ja nad paljundasid tema sensuaalseid pilte tuhandetel oma lõuenditel.

Tizian oli ületamatu kolorist. Samuti katsetas ta palju kompositsiooniga. Üldiselt oli ta julge uuendaja.

Kõik armastasid teda tema ande sellise sära pärast. Seda nimetatakse "maalijate kuningaks ja kuningate maalijaks".

Titianist rääkides tahan panna iga lause järele hüüumärgi. Lõppude lõpuks tõi tema maalikunsti dünaamika. Pathos. entusiasm. Hele värv. Värvide sära.

Tizian. Maarja taevaminek. 1515-1518 Santa Maria Gloriosi dei Frari kirik, Veneetsia.

Elu lõpupoole arendas ta välja ebatavalise kirjutamistehnika. Löögid on kiired ja paksud. Värvi kandsin peale kas pintsliga või näppudega. See muudab pildid veelgi elavamaks ja hingavamaks. Ja süžeed on veelgi dünaamilisemad ja dramaatilisemad.

Tizian. Tarkvin ja Lucretia. 1571 Fitzwilliami muuseum, Cambridge, Inglismaa.

Kas see tuletab teile midagi meelde? Loomulikult on see tehnoloogia. Ja 19. sajandi kunstnike tehnika: barbisonlased ja. Tizian, nagu Michelangelo, läbiks ühe elu jooksul 500 aastat maalikunsti. Sellepärast on ta geenius.

Lugege artiklist meistri kuulsa meistriteose kohta.

Renessansikunstnikud on suurte teadmiste omanikud. Sellise pärandi jätmiseks oli palju õppida. Ajaloo, astroloogia, füüsika ja nii edasi vallas.

Seetõttu paneb iga pilt neist mõtlema. Miks seda kujutatakse? Mis on siin krüpteeritud sõnum?

Nad ei eksinud peaaegu kunagi. Sest nad mõtlesid oma tulevase töö põhjalikult läbi. Kasutasime kõiki oma teadmisi.

Nad olid rohkem kui kunstnikud. Nad olid filosoofid. Nad selgitasid meile maailma maalimise kaudu.

Seetõttu on need meile alati sügavalt huvitavad.

Kokkupuutel

ITAALIA MAAL

Itaalias, kus katoliiklik reaktsioon 17. sajandil lõplikult võidutses, kujunes barokkkunst välja väga varakult, õitses ja muutus domineerivaks liikumiseks.

Tolleaegset maali iseloomustasid suurejoonelised dekoratiivsed kompositsioonid, pidulikud portreed, mis kujutasid uhke kehahoiakuga uhkeid aadlikke ja daame, uppumas luksuslikesse riietesse ja ehetesse.

Joone asemel eelistati maalilist laiku, massi ning valguse ja varju kontraste, mille abil tekkis vorm. Barokk rikkus ruumi plaanideks jagamise põhimõtteid, otsese lineaarse perspektiivi põhimõtteid sügavuse suurendamiseks, lõpmatusse mineku illusiooni.

Barokkmaali päritolu Itaalias on seotud vendade Carracci loominguga, kes asutasid Itaalias ühe esimese kunstikooli - “Õiget teed käijate akadeemia” (1585), nn Bologna Akadeemiat. töötuba, kus algajaid meistreid koolitati spetsiaalse programmi järgi.

Annibale Carracci (1560-1609) oli kolmest Carracci vennast andekaim. Tema loomingus on selgelt näha Bologna Akadeemia põhimõtted, mis seadsid oma peamiseks ülesandeks monumentaalkunsti ja renessansi traditsioonide taaselustamise selle hiilgeajal, mida Carracci kaasaegsed austasid kui saavutamatu täiuslikkuse ja omamoodi kunstilise “absoluudi” näidet. . Seetõttu tajub Carracci oma suurte eelkäijate meistriteoseid pigem allikana, millest saab ammutada renessansiajastu titaanide leitud esteetilisi lahendusi, mitte aga lähtepunktina enda loomingulistele otsingutele. Plastiliselt ilus, ideaal pole tema jaoks tõelise “kõrgeim aste”, vaid ainult kohustuslik kunstiline norm - kunst vastandub seega reaalsusele, milles meister ei leia uut fundamentaalset ideaali. Sellest ka tema kujundite ja pildiliste lahenduste konventsionaalsus ja abstraktsus.

Samas osutusid vendade Carracci kunst ja Bolognese akadeemilisus ülimalt sobivaks ametliku ideoloogia teenistusse seadmiseks, mitte ilmaasjata ei leidnud nende looming kiiresti tunnustust ka kõrgeimas (riigi ja katoliku) sfääris. .

Annibale Carracci suurim töö monumentaalmaali vallas on Rooma Palazzo Farnese galerii maalimine jumalate elust jutustavate freskodega – stseenide põhjal Vana-Rooma poeedi Ovidiuse (1597-1604) "Metamorfoosidest". , tehtud koos oma venna ja abilistega).

Maal koosneb üksikutest tahvelarvutitest, mis graviteerivad keskse suure kompositsiooni poole, mis kujutab "Bacchuse ja Ariadne triumfi", mis toob pildilisesse ansamblisse dünaamika elemendi. Nende paneelide vahele paigutatud alasti meesfiguurid jäljendavad skulptuuri, olles samal ajal maalide peategelased. Tulemuseks oli muljetavaldav mastaapne teos, mis oli välimuselt suurejooneline, kuid mida ei ühendanud ükski oluline idee, ilma milleta poleks renessansiaegsed monumentaalansamblid mõeldavad. Tulevikus on need Carracci kehastatud põhimõtted – iha dünaamilise kompositsiooni, illusionistliku efekti ja eneseküllase dekoratiivsuse järele – iseloomulikud kogu 17. sajandi monumentaalmaalile.

Annibale Carracci soovib täita renessansiajastu kunstist võetud motiivid elava ja kaasaegse sisuga. Ta kutsub üles uurima loodust, loometegevuse algperioodil pöördub ta isegi žanrimaali poole. Kuid meistri seisukohast on loodus ise liiga karm ja ebatäiuslik, nii et lõuendil peaks see paistma juba ümberkujundatud, klassikalise kunsti normide kohaselt õilistunud. Seetõttu said konkreetsed elumotiivid kompositsioonis eksisteerida vaid eraldiseisva stseeni elavdamiseks mõeldud fragmendina. Näiteks maalil “Oasööja” (1580. aastad) on tunda kunstniku iroonilist suhtumist toimuvasse: ta rõhutab ahnelt ube sööva talupoja vaimset primitiivsust; figuuride ja esemete kujutisi on teadlikult lihtsustatud. Teised noore maalikunstniku žanrimaalid on samas vaimus: “Lihunikupood”, “Autoportree isaga”, “Jaht” (kõik 1580. aastatest) - adj., joon. 1.

Paljud Annibale Carracci maalid on religioossete teemadega. Kuid vormide külm täiuslikkus jätab neis vähe ruumi tunnete avaldumiseks. Vaid harvadel juhtudel loob kunstnik teistsuguseid teoseid. See on Kristuse itk (umbes 1605). Piibel räägib, kuidas Kristuse pühad kummardajad tulid tema haua juurde kummardama, kuid leidsid selle tühjana. Sarkofaagi serval istuvalt inglilt said nad teada tema imelisest ülestõusmisest ning olid sellest imest õnnelikud ja šokeeritud. Kuid iidse teksti kujundlikkus ja emotsioon ei leia Carracci puhul erilist vastukaja; ta suutis vaid vastandada ingli heledaid, voogavaid riideid naiste massiivsetele ja staatilistele figuuridele. Pildi värvimine on samuti üsna tavaline, kuid samas eristub see tugevuse ja intensiivsusega.

Erilise rühma moodustavad tema mütoloogiliste teemade tööd, mis peegeldasid tema kirge Veneetsia koolkonna meistrite vastu. Neil maalidel, ülistades armurõõmu, alasti naisekeha ilu, paljastab Annibale end imelise koloristi, elava ja poeetilise kunstnikuna.

Annibale Carracci parimate tööde hulgas on tema maastikutööd. Carracci ja tema õpilased lõid 16. sajandi Veneetsia maastiku traditsioonidele tuginedes nn klassikalise ehk kangelasliku maastiku tüübi. Kunstnik muutis loodust ka kunstlikult ülevas vaimus, kuid ilma välise paatoseta. Tema töödest sai alguse üks selle ajastu viljakamaid maastikumaali arengusuundi (“Lend Egiptusesse”, ca 1603), mis leidis seejärel oma jätku ja arengu järgmiste põlvkondade meistrite loomingus, aastal. eriti Poussin.

Michelangelo Caravaggio (1573-1610). Selle perioodi märkimisväärseim Itaalia maalikunstnik oli Michelangelo Caravaggio, keda võib pidada üheks 17. sajandi suurimaks meistriks.

Kunstniku nimi tuleneb selle Põhja-Itaalia linna nimest, kus ta sündis. Alates üheteistkümnendast eluaastast töötas ta juba ühe Milano maalikunstniku õpipoisina ja lahkus 1590. aastal Rooma, millest 17. sajandi lõpuks oli saanud kogu Euroopa kunstikeskus. Just siin saavutas Caravaggio oma märkimisväärseima edu ja kuulsuse.

Erinevalt enamikust oma kaasaegsetest, kes tajusid vaid enam-vähem tuttavat esteetiliste väärtuste kogumit, suutis Caravaggio loobuda mineviku traditsioonidest ja luua oma, sügavalt individuaalse stiili. See oli osaliselt tingitud tema negatiivsest reaktsioonist tolleaegsetele kunstiklišeedele.

Kuna ta ei kuulunud kunagi mõnda kindlasse kunstikoolkonda, vastandas ta oma varastes töödes modelli individuaalset ekspressiivsust, lihtsaid argiseid motiive kujundi idealiseerimisele ning manerismi- ja akadeemilisuse kunstile omase süžee allegoorilise tõlgendusega (“Väike haige Bacchus ”, “Noormees puuviljakorviga”, mõlemad - 1593).

Kuigi esmapilgul võib tunduda, et ta lahkus renessansi kunstikaanonitest, pealegi kukutas need ümber, oli tegelikult tema realistliku kunsti paatos nende sisemine jätk, mis pani aluse 17. sajandi realismile. Seda tõendavad selgelt tema enda ütlused. „Iga pilt, olenemata sellest, mida sellel on kujutatud ja keda see maaliti,” väitis Caravaggio, „ei ole hea, kui kõik selle osad ei ole teostatud elust; Sellele mentorile ei saa midagi eelistada. See Caravaggio avaldus oma iseloomuliku otsekohesuse ja kategoorilisusega kehastab kogu tema kunsti programmi.

Kunstnik andis suure panuse argižanri arengusse (“Rounders”, 1596; “Poiss, keda hammustas sisalik”, 1594). Enamiku Caravaggio teoste kangelased on inimesed rahva seast. Ta leidis need tänava kirjust rahvamassist, odavatest kõrtsidest ja lärmakatest linnaväljakutest ning tõi nad oma ateljeesse modellideks, eelistades just seda töömeetodit iidsete kujude uurimisele – sellest annab tunnistust kunstniku esimene biograaf. D. Bellori. Tema lemmiktegelased on sõdurid, kaardimängijad, ennustajad, muusikud (“Ennustaja”, “Luudimängija” (mõlemad 1596); “Muusikud”, 1593) - adj., joon. 2. Just nemad “asuvad” Caravaggio žanrimaalidele, kus ta ei kinnita mitte ainult õigust eksisteerida, vaid ka privaatse argimotiivi kunstilist tähendust. Kui tema varastes töödes oli Caravaggio maal kogu oma plastilisuse ja sisulise veenvuse juures veel mõnevõrra konarlik, siis hiljem saab ta sellest puudusest lahti. Kunstniku küpseteks töödeks on erakordse dramaturgilise jõuga monumentaalsed lõuendid (“Apostel Matteuse kutsumine” ja “Apostel Matteuse märtrisurm” (mõlemad 1599-1600); “Haudamine”, “Maarja surm” (mõlemad ca 1605). -1606 )). Need teosed, kuigi stiililt lähedased tema varajastele žanristseenidele, on juba täidetud erilise sisemise draamaga.

Caravaggio maalistiil sel perioodil põhines võimsatel valguse ja varju kontrastidel, žestide ekspressiivsel lihtsusel, volüümide energilisel skulptuuril, värviküllusel – emotsionaalset pinget tekitavatel tehnikatel, mis rõhutavad tunnete teravat mõjutamist. Tavaliselt kujutab kunstnik mitut figuuri, mis on võetud lähivaates, vaatajale lähedal ja maalitud kogu plastilisuse, materiaalsuse ja nähtava autentsusega. Tema töödes hakkavad suurt rolli mängima keskkond, igapäevane interjöör ja natüürmort. Nii näitab meister näiteks maalil “Matteuse kutsumine” üleva ja vaimse tekkimist “madala” argipäeva maailma.

Teose süžee põhineb evangeeliumi jutul sellest, kuidas Kristus kutsus tölner Matteuse, kõigi poolt põlatud tölneri, oma jüngriks ja järgijaks. Tegelasi on kujutatud ebamugavas tühjas ruumis laua taga istumas ning tegelased on esitletud elusuuruses, riietatuna moodsatesse kostüümidesse. Kristus ja apostel Peetrus ootamatult ruumi sisenevad kutsuvad kokkutulnutes esile mitmesuguseid reaktsioone – hämmastusest ettevaatlikkuseni. Ülevalt pimedasse ruumi sisenev valgusvoog korrastab toimuva rütmiliselt, tuues esile ja ühendades selle põhielemendid (Matteuse nägu, Kristuse käsi ja profiil). Pimedusest figuure kiskudes ning eredat valgust ja sügavat varju teravalt kõrvutades annab maalija sisemise pinge ja dramaatilise põnevuse tunde. Stseenis domineerivad tunnete ja inimlike kirgede elemendid. Emotsionaalse atmosfääri loomiseks kasutab Caravaggio meisterlikult rikkalikku värvi. Kahjuks ei mõistnud Caravaggio karmi realismi paljud tema kaasaegsed, "kõrge kunsti" pooldajad. Lõppude lõpuks jäi ta isegi mütoloogiliste ja religioossete teemade teemalisi teoseid luues (tuntuim neist on "Puhka Egiptusesse lennul", 1597) alati truuks oma igapäevase maalikunsti realistlikele põhimõtetele, seega isegi kõige traditsioonilisema piiblipildiga. katsealused said traditsioonilisest täiesti erineva intiimpsühholoogilise tõlgenduse. Ja pöördumine looduse poole, mille ta tegi oma teoste kujutamise otseseks objektiks, ja selle tõlgenduse tõepärasus põhjustas kunstniku vastu palju vaimulike ja ametnike rünnakuid.

Sellegipoolest ei leidunud 17. sajandi kunstnike seas võib-olla mitte ühtegi märkimisväärset inimest, kes poleks ühel või teisel viisil kogenud Caravaggio kunsti võimsat mõju. Tõsi, enamik meistri järgijaid, keda kutsuti karavaggistideks, kopeeris usinalt ainult tema väliseid võtteid ja eelkõige tema kuulsat kontrastset chiaroscurot, maali intensiivsust ja materiaalsust.

Peter Paul Rubens, Diego Velazquez, Jusepe de Ribera, Rembrandt van Rijn, Georges de La Tour ja paljud teised kuulsad artistid läbisid karavaggismi vaimustuse etapi. Realismi edasist arengut 17. sajandil on võimatu ette kujutada ilma revolutsioonita, mille Michelangelo Caravaggio Euroopa maalikunstis tegi.

Alessandro Magnasco (1667-1749). Tema loomingut seostatakse romantilise liikumisega Itaalia kunstis 17. sajandil.

Tulevane kunstnik sündis Genovas. Ta õppis kõigepealt oma isa juures, seejärel pärast tema surma Milanos ühe kohaliku meistri juures, kes õpetas talle Veneetsia maalikunsti tehnilisi võtteid ja õpetas talle portreekunsti. Seejärel töötas Magnasco aastaid Milanos, Genovas, Firenzes ja alles oma langusaastatel, 1735. aastal, naasis ta lõpuks oma kodulinna.

See andekas, kuid äärmiselt vastuoluline kunstnik oli varustatud äärmiselt särava isiksusega. Magnasco looming trotsib igasugust klassifikatsiooni: kord sügavalt religioosne, kord jumalateotus; oma töödes näitas ta end kas tavalise dekoraatorina või väriseva hingega maalijana. Tema kunst on läbi imbunud kõrgendatud emotsionaalsusest, müstika ja ülenduse piiril.

Kunstniku varajaste Milanos viibimise ajal valminud tööde olemuse määrasid Genova maalikoolkonna traditsioonid, mis kaldusid pastoraali poole. Kuid juba sellised tema teosed nagu mitmed “Bacchanalia”, “Banditis’ Rest” (kõik 1710. aastatest) – mis kujutavad rahutuid inimfiguure majesteetlike iidsete varemete taustal – kannavad hoopis teistsugust emotsionaalset laengut kui tema eelkäijate rahulikud pastoraalid. Need on tehtud tumedates värvides, hakkivate, dünaamiliste löökidega, mis näitavad maailma tajumist dramaatilises aspektis (lisa, joon. 3).

Kunstniku tähelepanu köidab kõik ebatavaline - inkvisitsioonitribunalide stseenid, piinamine, mida ta võis jälgida Milanos Hispaania võimu all ("Piinakamber"), jutlus sünagoogis ("Synagogue", 1710. aastate lõpp-1720), nomaad elumustlased (“Mustlasöök”) jne.

Magnasco lemmikteemadeks on erinevad episoodid kloostrielust (“Munka matused”, “Nunnade söömaaeg”, mõlemad 1720. aastatest), erakute ja alkeemikute kongid, hoonete varemed ja öised maastikud mustlaste, kerjuste, hulkuvate muusikute kujudega. , jne. Üsna reaalne, tema teoste tegelased - bandiidid, kalurid, erakud, mustlased, koomikud, sõdurid, pesunaised (Maastik pesunaistega, 1720. aastad) - tegutsevad fantastilises keskkonnas. Neid on kujutatud süngete varemete, mäsleva mere, metsiku metsa ja karmide kurude taustal. Magnasco maalib nende figuurid liialdatult piklikeks, justkui väänlevateks ja pidevas pidevas liikumises; nende piklikud kumerad siluetid on allutatud pintslilöögi närvilisele rütmile. Maalid on läbi imbunud traagilisest inimlikust tähtsusetusest looduse pimedate jõudude ja sotsiaalse reaalsuse karmusega silmitsi seistes.

Sama häiriv dünaamika eristab tema rõhutatud subjektiivsuse ja emotsionaalsusega maastikuvisandeid, mis suruvad tagaplaanile reaalsete looduspiltide ülekande (“Meremaastik”, 1730. aastad; “Mäemaastik”, 1720. aastad). Mõnes meistri hilisemas töös on märgata itaallase Salvatore Rosa maastike ja prantsuse maneristi Jacques Callot’ gravüüride mõju. See reaalsuse raskesti eristatav tahk ja veider maailm, mille on loonud kunstniku kujutlusvõime, kes tundis teravalt kõiki ümbritseva reaalsuse traagilisi ja rõõmsaid sündmusi, mis tema ümber toimub, on tema töödes alati olemas, andes neile iseloomu. kas tähendamissõnast või igapäevasest stseenist.

Magnasco ekspressiivne maalistiil aimas mõnes mõttes 18. sajandi kunstnike loomingulisi otsinguid. Ta maalib ladusate, kiirete löökidega, kasutades rahutut chiaroscurot, tekitades rahutuid valgusefekte, mis annab tema maalidele sihiliku visandilisuse, kohati isegi dekoratiivsuse. Samal ajal puudub tema tööde koloriit värvikas mitmevärviline, tavaliselt piirdub meister sünge hallikaspruuni või roheka paletiga, kuigi omal moel üsna rafineeritud ja viimistletud. Eluajal tunnustatud ja järeltulijate poolt unustatud kunstnik saavutas populaarsuse alles 20. sajandi alguses, mil temas peeti impressionismi ja isegi ekspressionismi eelkäijat.

Giuseppe Maria Crespi (1665-1747), kes on pärit Bolognast, alustas maalijakarjääri, kopeerides usinalt kuulsate meistrite, sealhulgas kaasmaalaste vendade Carracci maale ja freskosid. Hiljem reisis ta mööda Põhja-Itaaliat, tutvudes kõrgrenessansi meistrite, peamiselt veneetsia (Tizian ja Veronese) loominguga.

18. sajandi alguseks. Crespi on juba üsna kuulus, eriti oma altaripiltide poolest. Kuid tema loomingu algperioodi põhiteos on Bolognas asuva Palazzo krahv Pepoli (1691-1692) monumentaalmaal lambivarjudest, mille mütoloogilised tegelased (jumalad, kangelased, nümfid) näevad tema tõlgenduses välja äärmiselt maised, animeeritud. ja veenev, erinevalt baroki traditsioonilistest abstraktsetest kujunditest.

Crespi töötas erinevates žanrites. Ta maalis mütoloogilistel, religioossetel ja igapäevastel teemadel, lõi portreesid ja natüürmorte ning tõi igasse nendesse traditsioonilistesse žanritesse uue ja siira nägemuse kaasaegsest maailmast. Kunstniku pühendumus loodusele ja ümbritseva reaalsuse täpne kujutamine sattus lepitamatusse vastuollu Bolognese akadeemilisuse mandunud traditsioonidega, mis selleks ajaks oli muutunud kunsti arengu piduriks. Seetõttu jookseb punase niidina läbi kogu tema loomingu pidev võitlus akadeemilise maalikunsti tavade vastu realistliku kunsti võidu nimel.

1700. aastate alguses. Crespi liigub mütoloogilistelt stseenidelt talupojaelu stseenide kujutamise juurde, käsitledes neid esmalt pastoraalsuse vaimus ja seejärel andes neile igapäevase maalikunsti üha veenvama iseloomu. Ühena esimestest 18. sajandi meistrite seas hakkas ta kujutama tavaliste inimeste elu - pesunaisi, nõudepesijaid, kokkasid, aga ka episoode talupojaelust.

Soov anda oma maalidele suurem autentsus sunnib teda pöörduma Caravaggio “matuse” valgustehnika poole – osa interjööri pimedast ruumist teravalt valgustama, tänu millele omandavad figuurid plastilise selguse. Narratiivi lihtsust ja siirust täiendab rahvapäraste esemete toomine interjööri kujutamisse, mis on Crespi poolt alati suure pildioskusega maalitud (“Stseen keldris”; “Talupere”).

Tolleaegse argimaali kõrgeimaks saavutuseks olid tema rahvarohkeid rahvastseene kujutavad lõuendid “Poggio a Caiano laat” (u. 1708) ja “Laat” (u. 1709).

Need näitasid kunstniku huvi Jacques Callot’ graafika vastu, aga ka tema lähedast tutvust 17. sajandi Hollandi žanrimaalimeistrite loominguga. Kuid Crespi talupoegade piltidel puudub Callot’ iroonia ja ta ei ole nii osav keskkonda iseloomustama kui Hollandi žanrimaalijad. Esiplaanil olevad figuurid ja objektid on joonistatud üksikasjalikumalt kui teised – see meenutab Magnasco stiili. Genua maalikunstniku bravuurikalt teostatud looming sisaldab aga alati fantaasia elementi. Crespi püüdles üksikasjaliku ja täpse loo värvikast ja rõõmsast stseenist. Jaotades selgelt valgust ja varju, annab ta oma kujudele elulise spetsiifilisuse, ületades järk-järgult pastoraalse žanri traditsioone.

Küpse meistri märkimisväärseim töö oli seitsmest maalist koosnev sari “Seitse sakramenti” (1710. aastad) – 18. sajandi alguse barokkmaali kõrgeim saavutus (lisa, joon. 4). Tegemist on hingelt täiesti uute teostega, mis tähistasid kõrvalekaldumist religioossete stseenide traditsioonilisest abstraktsest tõlgendamisest.

Kõik maalid (“Pihtimus”, “Ristimine”, “Abielu”, “Armulaud”, “Preesterlus”, “Kinnitamine”, “Unction”) on maalitud Rembrandti soojas punakaspruunis tonaalsuses. Karmi valgustuse kasutamine lisab sakramentide jutustusele teatud emotsionaalse noodi. Kunstniku värvipalett on pigem monokroomne, kuid samas üllatavalt rikas erinevatest toonidest ja värvitoonidest, mida ühendab pehme, kohati justkui seest helendav chiaroscuro. See annab kõikidele kujutatavatele episoodidele hõngu toimuva salapärase intiimsuse hõngu ja rõhutab samas Crespi plaani, kes püüab jutustada iga tolle aja inimese jaoks kõige olulisematest eksistentsi etappidest, mis esitatakse stseenidena. tegelikkusest, omandades omamoodi tähendamissõna iseloomu. Pealegi ei erista seda lugu mitte barokile iseloomulik didaktika, vaid ilmalik ülesehitus.

Peaaegu kõik, mis meister pärast seda kirjutas, annab pildi tema ande järkjärgulisest hääbumisest. Üha enam kasutab ta oma maalidel tuttavaid klišeesid, kompositsiooniskeeme ja akadeemilisi poose, mida varem vältis. Pole üllatav, et varsti pärast tema surma unustati Crespi looming kiiresti.

Särava ja originaalse meistrina avastati ta alles kahekümnendal sajandil. Kuid oma kvaliteedi, sügavuse ja emotsionaalse rikkuse poolest on 17. sajandi kunsti lõpetav Crespi maal oma parimates ilmingutes teisel kohal ehk vaid Caravaggio järel, kelle loominguga sai alguse selle ajastu Itaalia kunst nii hiilgavalt ja uuenduslikult. .

See tekst on sissejuhatav fragment. Raamatust Purustatud elu ehk Oberoni võlusarv autor Katajev Valentin Petrovitš

Maaliv emme ostis mulle midagi albumilaadset, mis läks lahti nagu suupill, siksakkidena; selle väga paksudele papist lehtedele trükiti värviga palju pilte juhuslikult hajutatud erinevatest majapidamistarvetest: lamp, vihmavari, portfell,

Raamatust Tamerlane autor Roux Jean-Paul

Maal Alates sellest, et Shahrukh ja tema poeg filantroop Bai Shungkur (surn. 1434) lõid Herati raamatuakadeemia, on selge, et 15. sajandi alguses ilmus elegantse kalligraafilise käekirjaga kirjutatud raamat kaunilt. köidetud ja miniatuuridega illustreeritud, kasutati

Raamatust Kolyma märkmikud autor Šalamov Varlam

Portree maalimine on egovaidlus, vaidlus, mitte kaebus, vaid dialoog. Kahe erineva tõe lahing, pintslite ja joonte lahing. Oja, kus riimid on värvid, kus iga maljavin on Chopin, kus kirg, avalikustamist kartmata, hävitas kellegi vangistuse. Võrreldes iga maastikuga, kus on pihtimus

Raamatust Mõtisklusi kirjutamisest. Minu elu ja ajastu autor Henry Miller

Raamatust Minu elu ja minu ajastu autor Henry Miller

Maalimine Oluline on omandada oskuse põhitõed ja vanemas eas koguda julgust ja maalida seda, mida lapsed joonistavad, mitte teadmistega koormatud. Minu kirjeldus värvimisprotsessi kohta ütleb, et otsite midagi. Ma arvan, et igasugune loominguline töö on midagi sellist. Muusikas

Renoiri raamatust autor Bonafou Pascal

Seitsmes peatükk CHATOU SÕUDURID, ITAALIA MAAL Tema sõbrad suhtusid Salongis näitusel olnud Renoiri alandlikult ega pidanud teda "reeturiks". Fakt on see, et Cezanne ja Sisley olid ka "renegaadid", kuna nad otsustasid neljandal "sõltumatute kunstnike" näitusel mitte osaleda.

Raamatust Matisse autor Escolier Raymond

KOHTUOTSUS JA MAAL Tundub, et miski ei takistanud klassikalise hariduse saanud Henri Matisse’il isa plaane ellu viimast ning isa soovis, et temast saaks advokaat. Olles 1887. aasta oktoobris Pariisis kergesti sooritanud eksami, mis võimaldas tal sellele pühenduda

Raamatust Churchill ilma valedeta. Miks nad teda vihkavad? autor Bailey Boris

Churchill ja maalikunst 1969. aastal ütles Clementine Martin Gilbertile, kõige põhjapanevama Churchilli biograafia autorile kaheksas köites (kaks esimest köidet kirjutas Churchilli poeg Randolph): „Ebaõnnestumine Dardanellides kummitas Winstonit kogu tema elu. Pärast lahkumist

Raamatust 20. sajandi suurmehed autor Vulf Vitali Jakovlevitš

Maalimine

Raamatust Päevikulehed. 2. köide autor Roerich Nikolai Konstantinovitš

Maalimine Kõigepealt tõmbasid mind värvid. See algas õliga. Esimesed maalid olid maalitud väga paksult. Keegi ei arvanud, et terava noaga saab suurepäraselt lõigata ja saada tiheda emailpinna. Seetõttu tuli “The Elders Converge” välja nii konarlik ja isegi terav. Keegi sisse

Rahmaninovi raamatust autor Fedjakin Sergei Romanovitš

5. Maal ja muusika “Surnute saar” on üks Rahmaninovi süngemaid teoseid. Ja kõige täiuslikum. Ta hakkab seda kirjutama 1908. aastal. Ta lõpetas 1909. aasta alguses. Kunagi aimas ta lõpetamata kvarteti aeglases osas sellise muusika võimalikkust. pikk,

Juni raamatust. Päikese üksindus autor Savitskaja Svetlana

Maalimine ja graafika Joonistama õppimiseks tuleb kõigepealt õppida nägema. Maalida oskab igaüks, kopeerida saab nii fotoaparaat kui mobiiltelefon, aga nagu maalimisel arvatakse, on “kunstniku nägu” raske saavutada. Juna jättis oma jälje maalimisse. Tema maalid

Raamatust 17. sajandi kunstiajalugu autor Khammatova V.V.

HISPAANIA MAALIMINE Hispaania kunst, nagu kogu Hispaania kultuur tervikuna, eristus oma märkimisväärse originaalsusega, mis seisnes selles, et renessanss selles riigis, olles vaevu jõudnud kõrge õitsengu faasi, astus koheselt langus ja kriis, mis olid

Autori raamatust

FLANDIA MAALIMINE Flaami kunsti võib mõnes mõttes nimetada ainulaadseks nähtuseks. Kunagi varem ajaloos pole nii väike riik, mis oli ka nii sõltuvas positsioonis, loonud omaette nii originaalset ja märkimisväärset riiki.

Autori raamatust

MADALMAA MAALIMINE Hollandi revolutsioon muutis Hollandi K. Marxi sõnade kohaselt „seitseteistkümnenda sajandi eeskujulikuks kapitalistlikuks riigiks”. Riikliku iseseisvuse vallutamine, feodaaljäänuste hävitamine, tootmisjõudude ja kaubanduse kiire areng

Autori raamatust

PRANTSUSMAA MAALIMINE Prantsusmaal oli 17. sajandil kunstilise loovuse vallas Euroopa juhtivate riikide seas eriline koht. Euroopa maalikunsti rahvuslike koolkondade tööjaotuses žanri-, temaatiliste, vaimsete ja vormiliste probleemide lahendamisel on Prantsusmaa osakaal.

Mõiste "renessanss" (renessanss) tähistab ajavahemikku 14. kuni 16. sajandini. Ajaloodokumendid näitavad, et kuni selle ajani oli Euroopa sukeldunud religioossesse obskurantismi ja teadmatusse, mis ei võimaldanud kunstil areneda. Kuid aeg on kätte jõudnud, seltsielu hakkas tasapisi elavnema, mis andis tõuke teaduse ja kultuuri arengule, algas protorenessansi ajastu. Itaalia renessansiajastu kunstnikud paljastati maailmale.

14. sajandi Itaalias ilmusid uuenduslikud maalikunstnikud, kes hakkasid otsima uusi loometehnikaid (Giotto di Bondone, Cimabue, Niccolò Pisano, Arnolfo di Cambio, Simone Martine). Nende töödest sai maailmakunsti titaanide tulevase sünni kuulutaja. Tuntuim neist maalimeistritest on ehk Giotto, keda võib nimetada tõeliseks itaalia maalikunsti reformijaks. Tema kuulsaim maal on "Juudase suudlus".

Itaalia vararenessansi kunstnikud

Giottole järgnesid sellised maalikunstnikud nagu Sandro Botticelli, Masaccio, Donatello, Filippo Brunelleschi, Filippo Lippi, Giovani Bellini, Luca Signoreli, Andrea Mantegna, Carlo Crivelli. Kõik nad näitasid maailmale kauneid maale, mida saab näha paljudes kaasaegsetes muuseumides. Kõik nad on suured vararenessansi Itaalia kunstnikud ja igaühe loomingust võime rääkida väga pikalt. Kuid selle artikli raames käsitleme üksikasjalikumalt ainult seda, kelle nimi on kõige laiemalt tuntud - ületamatu Sandro Botticelli.

Siin on tema kuulsamate maalide pealkirjad: “Veenuse sünd”, “Kevad”, “Simonetta Vespucci portree”, “Giuliano Medici portree”, “Veenus ja Marss”, “Madonna Magnificat”. See meister elas ja töötas Firenzes aastatel 1446–1510. Botticelli oli Medici perekonna õukonnakunstnik, see on põhjus, miks tema loominguline pärand on täis mitte ainult religioossete teemade maale (tema teostes oli neid palju teos), aga ka palju näiteid ilmalikust maalikunstist.

Kõrgrenessansi kunstnikud

Kõrgrenessansi ajastu - 15. sajandi lõpp ja 16. sajandi algus - oli aeg, mil sellised Itaalia kunstnikud nagu Leonardo da Vinci, Raphael, Michelangelo, Tizian, Giorgione lõid oma meistriteoseid... Millised nimed, millised geeniused!

Eriti muljetavaldav on suure kolmainsuse – Michelangelo, Raphael ja da Vinci – pärand. Nende maale hoitakse maailma parimates muuseumides, nende loominguline pärand pakub rõõmu ja aukartust. Tõenäoliselt pole tsiviliseeritud kaasaegses maailmas sellist inimest, kes ei teaks, milline on suure Leonardo "Leedi Lisa Giocondo portree", Raphaeli "Sikstuse Madonna" või kaunis Taaveti marmorist kuju, mis on loodud tema kätega. meeletu Michelangelo, näeb välja.

Itaalia hilisrenessansi maali- ja skulptuurimeistrid

Hilisem renessanss (16. sajandi keskpaik) andis maailmale palju imelisi maalikunstnikke ja skulptoreid. Siin on nende nimed ja lühike nimekiri kuulsamatest teostest: Benvenuto Cellini (Perseuse kuju Gorgon Medusa peaga), Paolo Veronese (maalid "Veenuse triumf", "Ariadne ja Bacchus", "Marss ja Veenus" " jne), Tintoretto (maalid "Kristus Pilatuse ees, "Püha Markuse ime" jt), Andrea Palladio arhitekt (Villa "Rotunda"), Parmigianino ("Madonna ja laps kätes"), Jacopo Pontormo ("Lõngakorviga daami portree"). Ja kuigi kõik need Itaalia kunstnikud töötasid renessansi languse ajal, arvati nende tööd maailma kunsti kullafondi.

Renessansist sai ainulaadne ja jäljendamatu periood inimkonna elus. Nüüdsest ei suuda keegi kunagi lahti harutada nende suurte itaallaste meisterlikkuse saladusi või vähemalt jõuda lähemale nende arusaamale maailma ilust ja harmooniast ning oskusest täiuslikkust värvide abil lõuendile üle kanda. .

Pärast renessansi lõppu andis päikeseline Itaalia inimkonnale andekaid kunstimeistreid. Ei saa mainimata jätta ka selliste kuulsate loojate nimesid nagu vennad Caracci - Agostino ja Annibale (16. sajandi lõpp), Caravaggio (17. sajand) või 17. sajandil Itaalias elanud Nicolas Poussin.

Ja tänapäeval ei vaibu loominguline elu Apenniini poolsaarel, samas ei küüni Itaalia kaasaegsed kunstnikud veel sellisele oskuste ja kuulsuse tasemele, mis oli nende säravatel eelkäijatel. Aga kes teab, võib-olla ootab meid taas renessanss ja siis saab Itaalia näidata maailmale uusi kunstititaane.