Romantismi ajastul oli muusikal kunstisüsteemis ülitähtis koht. Seda seletatakse selle spetsiifilisusega, mis võimaldab teil emotsionaalseid kogemusi kõige täielikumalt kajastada, kasutades kogu väljendusvahendite arsenali.

Romantism muusikas ilmneb 19. sajandil F. Schuberti, E. Hoffmanni, N. Paganini, K.M. Weber, G. Rossini. Veidi hiljem kajastus see stiil F. Mendelssohni, F. Chopini, R. Schumanni, F. Liszti, G. Verdi ja teiste heliloojate loomingus.

Romantism tekkis Euroopas 19. sajandi alguses. Sellest sai omamoodi vastandumine klassitsismile. Romantism võimaldas kuulajal tungida legendide, laulude ja juttude maagilisse maailma. Selle suuna juhtprintsiibiks on vastandus (unenäod ja igapäevaelu, ideaalmaailm ja argipäev), mille loob helilooja loominguline kujutlusvõime. See stiil oli loominguliste inimeste seas populaarne kuni 19. sajandi neljakümnendate aastateni.

Romantism muusikas peegeldab tänapäeva inimese probleeme, konflikti välismaailmaga ja üksindust. Need teemad muutuvad heliloojate loomingu keskseks. Olles andekas ja teistest erinev, tunneb inimene pidevalt teiste arusaamatust. Tema anne saab tema üksinduse põhjuseks. Seetõttu on romantiliste heliloojate lemmikkangelasteks poeedid, muusikud ja kunstnikud (R. Schumann “Poeedi armastus”; Berlioz - “Fantastilise sümfoonia” alapealkiri “Episood kunstniku elust” jne. ).

Inimese sisemiste kogemuste maailma edasi andes on romantismil muusikas üsna sageli autobiograafia, siiruse ja lüürilisuse varjund. Armastuse ja kire teemasid kasutatakse laialdaselt. Näiteks kuulus helilooja R. Schumann pühendas palju klaveripalasid oma armastatule Clara Wieckile.

Loodusteema on ka romantikute loomingus üsna tavaline. Tihti vastandavad heliloojad selle inimese meeleseisundile, värvides seda ebakõlaliste varjunditega.

Fantaasiateemast sai romantikute jaoks tõeline avastus. Nad tegelevad aktiivselt muinasjutu- ja fantaasiategelaste loomisega ning nende kujundite edastamisega läbi erinevate muusikakeele elementide (Mozarti “Võluflööt” – Öökuninganna).

Sageli pöördub romantism muusikas ka rahvakunsti poole. Heliloojad kasutavad oma teostes mitmesuguseid rahvalikke elemente (rütme, intonatsioone, iidseid mooduseid), mis on võetud lauludest ja ballaadidest. See võimaldab muusikapalade sisu oluliselt rikastada.

Uute kujundite ja teemade kasutamine tingis sobivate vormide otsimise, mistõttu romantilistes teostes ilmnevad kõne intonatsioonid, loomulikud režiimid, erinevate tonaalsuste kontrastid, sooloosad (hääled).

Romantism muusikas kehastas kunstide sünteesi ideed. Selle näiteks on Schumanni, Berliozi, Liszti ja teiste heliloojate programmilised teosed (sümfoonia “Harold Itaalias”, poeem “Prelüüdid”, tsükkel “Rännakuaastad” jne).

Vene romantism kajastus elavalt M. Glinka, N. Rimski-Korsakovi, A. Borodini, C. Cui, M. Balakirevi, P. Tšaikovski jt loomingus.

A. Dargomõžski annab oma teostes edasi mitmetahulisi psühholoogilisi kujundeid (“Merineitsi”, romansid). Ooperis “Ivan Susanin” maalib M. Glinka pilte tavaliste vene inimeste elust. Kuulsa “Mighty Handful” heliloojate teoseid peetakse õigustatult tipuks. Nad kasutavad väljendusvahendeid ja iseloomulikke intonatsioone, mis on omased vene rahvalauludele, igapäevamuusikale ja kõnekeelele.

Järgnevalt pöördusid sellesse stiili ka A. Skrjabin (prelüüd “Unenäod”, luuletus “Leegile”) ja S. Rahmaninov (uuringud-pildid, ooper “Aleko”, kantaat “Kevad”).

Essee akadeemilises distsipliinis "Kulturoloogia"

teemal: "Romantism muusikas".

Plaan

1. Sissejuhatus.

2. Romantismi ajastu iseloomulikud jooned muusikas.

3. Romantilise muusika geograafia.

5. Järeldus.

6. Kasutatud kirjanduse loetelu.

1. Sissejuhatus.

Romantism on 19. sajandi uus kunstisuund. See asendas klassitsismi ja selle märgid hakkasid ilmnema juba 18. sajandi lõpus. Romantismi sünnimaa on Saksamaa, kuid see levis kiiresti ja tungis ka teistesse Euroopa riikidesse, aga ka Venemaale ja Ameerikasse. Mõiste “romantism” ilmus kirjanduses esmakordselt tänu saksa kirjaniku Novalise (1772–1801) tööle. Selle tõi muusikasse E.T. A. Hoffmann (1776 - 1882). Romantism arenes võitluses ja samal ajal tihedas koostoimes oma eelkäijate – klassitsismi ja sentimentalismiga. See sai alguse just nende kirjanduslike liikumiste sügavusest. Klassikakirjanikud olid veendunud, et oma kodanikukohust saavad täita vaid need, kes seda selgelt mõistavad, kes suudavad ohjeldada oma kirgi – isiklikke huve ja püüdlusi. Kuid nad uskusid, et see oli vaid üksikute "üllaste" inimeste, peamiselt aadlike, osa. Nad pidid olema valmis ennastsalgavalt, ohvrimeelselt teenima oma isamaad. Kodanikukohustus seisneb nende arvates ennekõike üllas aus ja vooruses.

Romantikud püüdsid romantiseerida kõike enda ümber, kõiki elunähtusi. Nad võtsid üle mõned põhimõtted eelmisest klassitsismiajastust, kuid romantismi põhiolemus on protest valgustusajastu põhimõtete vastu, pettumus neis. Romantismi esindajad ei suutnud leppida mõistuse, ratsionalismi, loogika ja praktilisuse kultusega. Nende jaoks olid olulised inimese hing ja individuaalsus, tema tunded.

Romantismi originaalsus seisneb ka selles, et nad ei pürginud kunsti selgele jagunemisele tüüpideks ja žanriteks. Neile avaldas muljet kunstide sünteesi idee ja nad viisid selle edukalt ellu. Romantism kuulub ühte kõige huvitavama ja viljakama kultuuriajastu hulka.

2. Romantismi ajastu iseloomulikud jooned muusikas.

Romantism valitses muusikakultuuris enam kui sada aastat (1800 - 1910). Just selles kunstis osutus ta pikamaksaliseks, kirjanduses ja maalikunstis sai ta vastu vaid viiskümmend aastat. Seda ei saa nimetada õnnetuseks. Romantikute arusaama järgi on muusika kõige vaimsem kunst ja sellel on suurim vabadus. Romantismiajastu muusika üks olulisemaid omadusi on selle süntees teiste kunstiliikidega. Pealegi polnud romantikud rangete ja selgete žanrieralduste pooldajad.

Ka esteetilised kategooriad olid segamini. Tragöödia eksisteeris kergesti koos komöödiaga; inetu ilusaga; igapäevane koos ülevaga. Sellised kontrastid ei tundunud ebaveenvad ega ebaloomulikud. Kõige olulisem kunstiline seade - romantiline iroonia - võimaldas ühendada kokkusobimatu. Tänu temale tekkis romantismile omane eriline pilt maailmast.

Hoolimata kalduvusest žanre segada, oli paljudel neist loomulikult õigus iseseisvale eksisteerimisele ja neil õnnestus sel perioodil oluliselt areneda; Tekkisid ka spetsiifilised žanrid. Esiteks on see romantilise muusikalise poeemi ja ballaadi žanr (erksaim esindaja on F. Schubert); laulud; klaveri miniatuurid.

Eraldi tuleb mainida klaveri miniatuuri. Selle eesmärk oli anda edasi mõni pilt, mis avaldas autorile muljet või tema meeleolu. Klaveri miniatuuril võiks olla žanriline täpsustus: valss, laul, sõnadeta laul, mazurka, nokturn. Heliloojad pöördusid sageli programmmuusika poole ja ühendasid oma teosed tsükliteks.

Romantismi ajastule on iseloomulik R. Schumanni kuulus klaveritsükkel “Karneval”, mis peegeldab romantismi esteetika vaba olemust. "Karneval" sisaldab kakskümmend üks numbrit. Need on üksteist asendavad visandid, mis erinevad üksteisest meeleolu, piltide, portreede poolest, kuid paljusid neist ühendab üks süžee. Helilooja maalib väljamõeldud puhkuse, kuhu kutsutakse maskides külalisi. Nende hulgas on tavalised karnevalitegelased - arglik Pierrot, vallatu Arlequin, Columbine ja Pantalone üksteise kallal nurisevad (see kõik on muusikaliste vahenditega suurepäraselt edasi antud).

“Karneval” on täis väga originaalset kontseptsiooni. Helilooja ise nimetas oma tsüklit "miniatuursed stseenid 4 noodil", kuna kogu meloodia on üles ehitatud neile. Helilooja võttis neli nooti erinevates järjestustes ja kombinatsioonides ning selle tulemusena moodustasid need iga teose aluseks oleva teema sarnase.

Kompositsiooni seisukohalt näitab Carnival kõrgeimat kompositsioonioskust. Kõiki tsükli laule eristab täiuslik viimistlus, sära ja virtuoossus. Üldiselt on kogu tsükkel näide harmoonilisest kombinatsioonist ja terviklikkusest.

Kui rääkida kavamuusikast lähemalt, siis siin võib esile tuua sellise tunnuse nagu seotus teiste žanritega: kirjanduse, maalikunstiga. Essee vorm muutub süžeest sõltuvaks. Sellega seoses kerkivad esile sümfoonilised poeemid, üheosalised kontserdid ja sonaadid; mitmeosalised sümfooniad. Nii arenes romantismi ajastul nii vokaalkammermuusika kui instrumentaalne kammermuusika.

Eriliseks muutus sel perioodil ka ooper. Ta hakkab tõmbuma sümfoonia poole; teksti ja muusika vahel on tihe ja õigustatud seos; Lavaline tegevus oli nendega võrdselt oluline.

Romantikutel olid lemmikteemad. Süžeed lähtusid enamasti üksinduse ja armastuse teemast, sest romantismi esteetika keskmes oli uhke ja üksildane inimene, kelle hinges möllasid tugevad kired. Romantiline kangelane on alati vastandunud ühiskonnale, kogu maailmale. Seetõttu on üsna loogiline, et romantismi perioodil pöördusid autorid sellise kangelase kuvandile lähedaste teemade poole: surmateema, tee ja eksirännakuteema, looduse teema. Romantilistes teostes pühendati palju ruumi igavasse materiaalsesse maailma tungivatele fantaasiaelementidele.

Romantismi ajastul tegutsenud heliloojatel oli oma muusikaline keel. Suurt tähelepanu pöörati meloodiale, sõna tähenduse rõhutamisele ja kunstilisele väljendusvõimele (viimane märkus kehtib ka saate kohta).

Harmoonia muutus märgatavalt ja rikastus. Harmoonia kaudu anti edasi kirgi, langust, meeleolude kontrasti, pinget ja teoste fantastilist algust. Seega on meloodia, tekstuur ja harmoonia tähtsuselt võrdsed.

Niisiis võib romantismiajastu muusika põhijooni nimetada kunstide ja žanrite sünteesiks; eriline väljendusrikkus ja tihe seos meloodia, saate ja harmoonia vahel; kontrastsus; fantastiline; suurenenud emotsionaalsus ja väljendusoskus.

3. Romantilise muusika geograafia.

Romantism hõlmas üsna laia valdkonda: Euroopast ja Venemaalt Ameerikani ning kõikjal toimus selle arendamine spetsiaalselt. Euroopas oli selle perioodi muusikakunstil mõnes riigis nii kultuurilist ühisosa kui ka erinevusi. Näiteks Austria ja Saksamaa muusika arenes ligikaudu samas suunas. Nende maade muusikalist romantilisust mõjutas Viini muusikakool, mis demonstreeris võimsalt oma kirjandust. Ühine keel viis nad ka kokku. Saksa-Austria romantikat eristasid mitte ainult eri žanrite arenenud teosed, vaid ka aktiivne valgustus. Saksa ja Austria romantismi määravaks jooneks on laululisus.

Romantism Poolas on vokaalsuse ja instrumentaalsuse kombinatsioon – Poola rahvamuusika iseloomulik tunnus. Seega on F. Chopini intonatsioonides üsna selgelt kuulda Poola rahvamuusika eepilise žanri - Poola duuma - kaja. Seda žanri oma arengu küpsel perioodil iseloomustab aeglane eepiline, sageli leinava tooniga koor. Ja järgnevad dramaatiliselt intensiivsed episoodid, mis vahelduvad algkoori meloodia tagasitulekuga. Pole kahtlust, et Chopini ballaadide ja sarnaste teoste prototüübiks olid lääneslaavi duumad. Seega on poola romantismi aluseks rahvakunst.

Itaalia romantism on ooperikunsti enneolematu õitseng; Bel Canto õhkutõus. Nii sai Itaalia ooper selles suunas kogu maailmas liidriks. Ka Prantsusmaal omandab ooper ühe juhtivatest tähendustest. Suur au selle eest kuulub G. Berliozil (1803 - 1869), kes oli sellise huvitava nähtuse nagu koomilise ooperi looja, mis peegeldas otseselt selle riigi rahvuslikku eripära.

Venemaal arenes romantism välja dekabristide, Suure Prantsuse revolutsiooni ja 1812. aasta Napoleoni sõja ideede mõjul, see tähendab, et seda seostati ülemaailmsete ühiskondlike sündmustega. Kodanikuks olemise ja kodumaa teenimise põhimõtted kandusid üle muusikakunsti, milles oli selgelt kuulda rahvusteadvuse ideed. Seega ühendasid kõigi maade muusikalist romantilisust ühised jooned: iha kõrge vaimsuse järele, unistused ilust ja inimese sensuaalse sfääri peegeldus.

4. Romantismiajastu suured heliloojad ja muusikud.

Romantism andis muusikakultuurile palju suurepäraseid heliloojaid: F. Liszt (1811 - 1886, Ungari), R. Schumann (1810 - 1856, Saksamaa), F. Schubert (1797 - 1828, Austria), K. Weber (1786 - 1826, Saksamaa) ), R. Wagner (1813 - 1883, Saksamaa), J. Bizet (1838 - 1875, Prantsusmaa), N. Paganini (1782 - 1840, Itaalia), E. Grieg (1843 - 1907, Norra), G. Verdi ( 1813 - 1901, Itaalia), F. Chopin (1810 - 1849), L. van Beethoven (loovuse viimane etapp, Saksamaa) jne. Iseloomustame lühidalt mõne neist loomingut.

Franz Liszt, nagu W.A. Mozart oli noor virtuoos ja pani Euroopa juba varakult endast rääkima, esinedes avalikkuse ees pianistina. Tema anne heliloojana avaldus sama varakult. Seejärel ühendas F. Liszt turnee ja heliloomingu. Ta tegi ka sümfoonilise muusika transkriptsioone klaverile ja teda võib õigusega pidada suureks pedagoogiks.

F. Liszti originaalteoseid iseloomustab virtuoossus ja sügavus, väljendusrikkus ja meeletus. Need on tema kuulsad tsüklilised teosed: “Rännakute aastad”, “Transtsendentaalse esituse etüüdid”, “Suured etüüdid pärast Paganini kapriise”, “Ungari rapsoodiad”. F. Liszt andis tohutu panuse Ungari muusikakultuuri populariseerimisse ja arengusse.

Franz Schubertit peetakse esimeseks romantismiajastu heliloojaks, kes on kuulunud suurte heliloojate hulka. Tema muusika on puhas, rõõmus, poeetiline ja samal ajal kurb, külm ja meeleheidet tekitav. Romantikutele omaselt on F. Schuberti muusika kontrastne, kuid hämmastab oma vabaduse ja kergusega, meloodiate iluga.

F. Schubert kirjutas tohutul hulgal laule, mis on tõelised meistriteosed. See kehtib eriti teoste kohta, mis on kirjutatud V.I. Goethe (“Metsakuningas”, “Gretchen ketrusrattas”) ja paljud teised.

Helilooja töötas ka muudes žanrites: ooperites, kammervokaal- ja instrumentaalteostes. Ja ometi seostub F. Schuberti nimi ennekõike tema laulude ja erinevate tsüklitega: “Ilus Milleri naine”, “Talvepuhkus”, “Luigelaul”.

Prantsuse helilooja Georges Bizet astus maailma kultuuriajalukku ületamatu ooperi Carmen autorina. Juba kümneaastaselt sai temast Pariisi konservatooriumi üliõpilane. Oma loomingulise karjääri alguses proovis noor helilooja end erinevates žanrites, kuid ooperist sai tema tõeline kirg. Lisaks Carmenile kirjutas ta selliseid oopereid nagu "Pärlipüüdjad", "Perthi kaunitar" ja "Jamile". Samuti paistab silma tema kirjutatud muusika A. Daudeti samanimelisele draamale “Arlesian”. J. Bizet’d peetakse õigusega Prantsusmaa silmapaistvaks heliloojaks.

Edvard Grieg on Norra kuulsaim helilooja, üks selle riigi sümboleid. Tema muusika on omanäoline ja originaalne nähtus, mis näitab selle helilooja loomingulise mõtlemise ainulaadset individuaalsust. E. Griegi teosed, sealhulgas “Klaverikontsert”, romansid, “Lüürilised palad”, “Teine viiulisonaat” ja loomulikult “Peer Gynt” – muusika G. Ibseni näidendile – on saanud mitte omanduseks. ainult Norra, aga ka maailmamuusika .

Üks romantismi kehastusi on itaalia viiuldaja ja helilooja Niccolo Paganini. Tema kunsti kõige täpsemad määratlused on heledus, sära, meeletus, mäss. Ta kirjutas virtuoosseid ja kirglikke teoseid, mis on tänaseni kuulsate viiuldajate repertuaaris. Räägime esimesest ja teisest viiulikontserdist, “24 Capricci”, “Veneetsia karnevalist” ja “Igiliikumist”. Lisaks oli N. Paganini suurepärane improvisaator ning tegi ooperifragmentidest arranžeeringuid ja variatsioone sooloviiulile. Ta oli inspiratsiooniks paljudele romantismiajastu tegelastele.

Rääkides silmapaistva poola helilooja Fryderyk Chopini (1810 - 1849) muusikast, tasub esiteks öelda, et see on "Poola rahva hing", mis leidis mitmekülgse väljenduse Chopini kunstis. Tema muusika sisaldab lehekülgi eepilist suursugusust ja kangelaslikku tõusu. Chopini muusika traagilistes episoodides on kuulda julge südame kurbust. Chopini kunst on isamaalise kunstniku, humanistliku kunstniku sügavalt rahvalik kunst, mis on inspireeritud selle ajastu edumeelsetest ideaalidest, milles ta pidi elama ja looma.

Chopini heliloojakarjäär sai alguse poola argitantsude (masurka, polonees, valss) kompositsioonist. Ta pöördus ka nokturnide poole. Tema “Ballaad g-moll”, “Scherzo h-moll” ja “Etüüd c-moll” osutusid klaverimuusika jaoks revolutsiooniliseks. F. Chopini etüüdid ja prelüüdid (koos F. Liszti etüüdidega) on romantismiajastu klaveritehnika tipp.

Romantism juurdus Venemaa pinnal väga hästi. Uus maailmavaade leidis vastukaja intelligentsi meeltes ja hinges. Tema kontseptsioon vastupanust kogu maailma haaranud kurjusele osutus vene kunstile ja kirjandusele väga lähedaseks.

Üks romantismi ilminguid oli vene romantiline proosa. Tekkinud 19. sajandi esimesel poolel, muutus see ise ainulaadseks nähtuseks. Esitatakse mitte ainult suurte vene kirjanike, vaid ka teise järgu autorite nimedega. Mõned nende autorite teosed näitavad selgelt fantaasiasugulust, ebatavalist ja sürrealistlikku atmosfääri, maagilist süžee keerdkäiku ja kummalisi tegelasi. Nendes töödes on tunda Hoffmanni jälge, kuid murdunud läbi vene tegelikkuse. Nagu Saksamaal, oli selle perioodi vene muusika tihedalt seotud kirjandusega. Seda võib näha V.F. töö näitel. Odojevski (1804 - 1869), kes saavutas edu mõlemal alal.

Üldiselt tekitas romantiline ajastu silmapaistvate heliloojate galaktika. Need on P. I. Tšaikovski (1840 - 1893), A. A. Aljabjev (1787 - 1851), A. P. Borodin (1833 - 1887), M. I. Glinka (1804 - 1857), A. S. Dargomõžski (1813 - 1869), M.P. Mussorgski (1839 - 1881), M. A. Balakirev (1837 - 1910), N. A. Rimski-Korsakov (1844 - 1908), A. N. Skrjabin (1872 - 1915), Ts.A. Cui (1835 - 1915), S.V. Rahmaninov (1873 - 1943). Loomulikult olid enamik loetletud heliloojatest ainult romantikud. Nad andsid tohutu panuse realismi arengusse vene kultuuris, kuid nende töö teatud perioodid langesid romantismi lavale.

Vene idee väljendajaks muusikas oli M.I. Glinka. Tema ilmumine vene muusikakultuuri sundis seda valima teist teed. Oma töös õnnestus tal ühendada Euroopa ja Venemaa rahvuslikud traditsioonid. M.I. loovuse romantiline periood Glinka omad on kaunid romansid, mis on täidetud harmoonia, lüürilisuse ja kirega, vormilt ja sisult täiuslikud.

Lisaks heliloojate tegevusele mängisid sel perioodil suurt rolli loomingulised ühendused. Üldiselt oli see Venemaa jaoks suurte ja oluliste muutuste aeg, sealhulgas muusikaelus. Toimub teaduse ja kirjanduse areng, mis kannab endas vene kunsti. Selle parimad esindajad hakkavad mõistma kunsti suurt sotsiaalset jõudu. Nii haaravad ajastud suundumused ka muusikat, suureneb kirjanduse mõju sellele ja sellest tulenevalt ka nende koosmõju. Selle suhete ulatus teiste kunstiliikidega laieneb, tekivad mitmesugused muusikalised kogukonnad: Dargomõžski ring, Rubinsteini ring, Beljajevi ring ja lõpuks Balakirevi muusikaline kogukond, mida nimetatakse "Vägevaks peotäieks".

Väljendi “Vägev peotäis” võttis kasutusele kriitik V.V. Stasov (1824 - 1906). See oksümorooniline väljend sai hiljem populaarseks ja seda korrati nii lugupidavas kui ka iroonilises kontekstis, viidates M.A. ümber koondunud muusikutele. Balakireva.

Esiteks püüti äratada huvi vene rahvakunsti vastu. Pidades suurt tähtsust muusika rahvuslikule omapärale, uskusid nad õigustatult, et seda on võimalik saavutada vaid siis, kui helilooja pöördub rahvalaulu päritolu poole. Igaüks, kes on kasvatatud ainult salongikompositsioonide, ka parimate kompositsioonide järgi, ei suuda luua midagi väärt. Siiani uskusid Balakirevi ringi liikmed, et professionaalne muusika, välja arvatud harvad erandid (m. I. Glinka, 1804 - 1857), on rahvakunstist kaugel. “Kutškistide” arusaama kohaselt on helilooja kohustatud end rahvamuusika vaimuga läbi imbuma. Seega on vene romantism vene rahvuskunst.

5. Järeldus.

Uus, romantiline maailmavaade 18. - 19. sajandi vahetuse Euroopa kunstis. Romantismis külgneb argimaailm fantastilise maailmaga, kuhu jookseb dramaatiline kangelane, lootes argielust põgeneda. Romantikud uskusid, et kunst on üks; Eriti lähedased on luule ja muusika. Muusika suudab "ümber jutustada" poeedi mõtteid, maalida kujutlust kirjanduslikust kangelasest ja luule hämmastab üsna sageli oma musikaalsusega. Uue kunsti suundumus kajastus ka suurte romantiliste heliloojate loomingus.

Muusikalisel romantismil olid oma kangelased, omad teemad, omad esteetilised põhimõtted ja kunstikeel. Tema eesmärk oli vaba vorm, mida ei piiranud žanri- ega tüübipiirid. Muusikaline romantism eksisteeris väga pikka aega ja tõi rikkalikke vilju.

Tema kriisihetk on aga kätte jõudnud. See juhtus ajal, mil kahekümnenda sajandi lähenemine oma omapäraste tendentsidega hakkas hävitama romantismi ideaale. Ja kuigi see asendus lõpuks modernismiga, ei vajunud romantism igavikku ning selle traditsioonid elasid edasi uue sajandi kunstis ja isegi meie kaasajal.

6. Kasutatud kirjanduse loetelu.

1. Belousova S.S. Romantism. - M.: Rosman, 2004. - 115 lk.

2. Galatskaja V.S. Saksa helilooja Robert Schumann/W.S. Galatskaja. - M.: Teadmised, 1956. - 33 lk.

3. Gordeeva E.M. Võimas kamp/E.M. Gordeeva. - M.: Muusika. - 270 s.

4. Solovtsov A.A. Fryderyk Chopin. Elu ja kunst. - Riiklik Muusikakirjastus/A.A. Solovtsov. - Moskva, 1960. - 504 lk.

Lühike muusika ajalugu. Henley Dareni kõige täielikum ja kokkuvõtlikum teatmeteos

Hilisromantikud

Hilisromantikud

Paljud selle perioodi heliloojad jätkasid muusika kirjutamist 20. sajandil. Nendest räägime aga siin ja mitte järgmises peatükis põhjusel, et romantismi vaim oli nende muusikas tugev.

Peab märkima, et osal neist säilisid tihedad sidemed ja isegi sõprussuhted alajaotistes “Vararomantikud” ja “Natsionalistid” nimetatud heliloojatega.

Lisaks tuleb meeles pidada, et sel perioodil töötas erinevates Euroopa riikides nii palju suurejoonelisi heliloojaid, et nende jagamine mis tahes põhimõtte järgi on täiesti tinglik. Kui erinevas klassikalisele ja barokiajale pühendatud kirjanduses on mainitud ligikaudu samu ajaraame, siis romantikaperioodi defineeritakse kõikjal erinevalt. Tundub, et piir romantismiperioodi lõpu ja 20. sajandi alguse vahel on muusikas väga hägune.

19. sajandi Itaalia juhtiv helilooja oli kahtlemata Giuseppe Verdi. See paksude vuntside ja kulmudega mees, kes vaatas meile sädelevate silmadega otsa, seisis terve pea võrra pikem kui kõik teised ooperiheliloojad.

Kõik Verdi teosed on sõna otseses mõttes täidetud eredate, meeldejäävate meloodiatega. Kokku kirjutas ta kakskümmend kuus ooperit, millest enamik on tänapäeval regulaarselt lavastatud. Nende hulgas on kõigi aegade kuulsaimad ja silmapaistvamad ooperiteosed.

Verdi muusikat hinnati helilooja eluajal kõrgelt. Esilinastusel Hades publik jagas nii pika aplausi, et artistidel tuli kummardada lausa kolmkümmend kaks korda.

Verdi oli rikas mees, kuid raha ei suutnud päästa helilooja mõlemat naist ega kahte last varasest surmast, mistõttu oli tema elus ka traagilisi hetki. Oma varanduse pärandas ta Milanos tema juhtimisel ehitatud vanade muusikute varjupaika. Verdi ise pidas oma suurimaks saavutuseks varjupaiga loomist, mitte muusikat.

Vaatamata sellele, et Verdi nimi seostub eelkõige ooperiga, ei saa temast rääkides mainimata jätta Reekviem, mida peetakse üheks parimaks koorimuusika näiteks. See on täis draamat ja selles ilmnevad mõned ooperi tunnused.

Meie järgmist heliloojat ei saa nimetada kõige võluvamaks inimeseks. Üldiselt on see kõige skandaalsem ja vastuolulisem tegelane kõigist meie raamatus mainitutest. Kui peaksime koostama nimekirja ainult isiksuseomaduste põhjal, siis Richard Wagner Ma poleks kunagi sellesse sattunud. Meie juhindume aga eranditult muusikalistest kriteeriumidest ja klassikalise muusika ajalugu pole mõeldav ilma selle inimeseta.

Wagneri talent on vaieldamatu. Tema sulest pärinesid kogu romantismiperioodi olulisemad ja muljetavaldavamad muusikateosed – eriti ooper. Samas kirjeldatakse teda kui antisemiiti, rassisti, bürokraatiat, ülimat petturit ja isegi varast, kes ei kõhkle kõike vajalikku võtmast ning on kahetsuseta ebaviisakas. Wagneril oli liialdatud enesehinnang ja ta uskus, et tema geenius tõstis ta kõigist teistest inimestest kõrgemale.

Wagnerit mäletatakse tema ooperite poolest. See helilooja viis saksa ooperi täiesti uuele tasemele ja kuigi ta sündis Verdiga samal ajal, erines tema muusika tolleaegsest itaalia teosest vägagi.

Üks Wagneri uuendusi oli see, et igale peategelasele anti oma muusikaline teema, mis kordus iga kord, kui ta hakkas laval olulist rolli mängima.

Tänapäeval tundub see iseenesestmõistetav, kuid toona tekitas see idee tõelise revolutsiooni.

Wagneri suurim saavutus oli tsükkel Nibelungi sõrmus, koosneb neljast ooperist: Reini kuld, Valküüria, Siegfried Ja Jumalate surm. Tavaliselt esitatakse neid neljal järjestikusel õhtul ja need kestavad kokku umbes viisteist tundi. Ainuüksi neist ooperitest piisaks oma helilooja ülistamiseks. Vaatamata kogu Wagneri kui isiksuse ebamäärasusele, tuleb tunnistada, et tegemist oli silmapaistva heliloojaga.

Wagneri ooperite eripäraks on nende pikkus. Tema viimane ooper Parsifal kestab üle nelja tunni.

Dirigent David Randolph ütles kord tema kohta:

"See on selline ooper, mis algab kell kuus ja kui kolm tundi hiljem oma käekella vaatate, selgub, et see näitab 6:20."

Elu Anton Bruckner Heliloojana on see õppetund, kuidas mitte alla anda ja omaette nõuda. Ta harjutas kaksteist tundi päevas, pühendas kogu oma aja tööle (ta oli organist) ja õppis iseseisvalt palju muusikast, omandades kirjavahetuse teel komponeerimise kunsti üsna küpses eas – kolmekümne seitsme aastaselt.

Tänapäeval meenuvad kõige sagedamini Bruckneri sümfooniad, millest ta kirjutas kokku üheksa. Aeg-ajalt valdasid teda kahtlused oma väärtuses muusikuna, kuid tunnustust saavutas ta siiski, ehkki elu lõpupoole. Pärast selle sooritamist Sümfooniad nr 1 kriitikud kiitsid lõpuks heliloojat, kes oli selleks ajaks juba nelikümmend neli aastat vana.

Johannes Brahms mitte üks neist heliloojatest, kes on sündinud nii-öelda hõbepulk käes. Tema sünnihetkeks oli perekond kaotanud endise rikkuse ja tuli vaevu ots otsaga kokku. Teismelisena teenis ta elatist oma kodulinna Hamburgi bordellides mängides. Selleks ajaks, kui Brahms täiskasvanuks sai, oli ta kahtlemata tutvunud elu vähem atraktiivsete külgedega.

Brahmsi muusikat edendas tema sõber Robert Schumann. Pärast Schumanni surma sai Brahms Clara Schumanniga lähedaseks ja lõpuks isegi armus temasse. Pole täpselt teada, milline suhe neil oli, kuigi tema suhetes teiste naistega mängisid ilmselt teatud rolli tunded tema vastu – ta ei andnud oma südant ühelegi neist.

Brahms oli üsna ohjeldamatu ja ärrituv inimene, kuid tema sõbrad väitsid, et temas on õrnust, kuigi ta ei näidanud seda alati ümbritsevatele. Ühel päeval peolt koju naastes ütles ta:

"Kui ma kedagi seal ei solvanud, siis palun neilt andestust."

Brahms poleks võitnud kõige moekama ja elegantseima riietusega helilooja konkurssi. Ta vihkas uute riiete ostmist ja kandis sageli samu kottis, lapitud pükse, mis olid peaaegu alati tema jaoks liiga lühikesed. Ühe esinemise ajal kukkusid tal püksid peaaegu ära. Teine kord pidi ta lipsu ära võtma ja vöö asemel kandma.

Brahmsi muusikastiili mõjutasid suuresti Haydn, Mozart ja Beethoven ning mõned muusikaajaloolased väidavad isegi, et ta kirjutas klassitsismi vaimus, selleks ajaks moest väljas. Samas on tal ka mitmeid uusi ideid. Eriti suutis ta arendada väikeseid muusikalisi lõike ja korrata neid kogu teose jooksul – seda, mida heliloojad nimetavad "korduvaks motiiviks".

Brahms ei kirjutanud oopereid, kuid proovis end peaaegu kõigis teistes klassikalise muusika žanrites. Seetõttu võib teda nimetada üheks suurimaks meie raamatus mainitud heliloojaks, tõeliseks klassikalise muusika hiiglaseks. Ta ise ütles oma töö kohta nii:

"Seda pole raske koostada, kuid üllatavalt raske on laua alla lisamärkmeid visata."

Max Bruch sündis vaid viis aastat pärast Brahmsi ja viimane oleks ta kindlasti varjutanud, kui mitte üks teos, Viiulikontsert nr 1.

Bruch ise tunnistas seda tõsiasja, kinnitades paljude heliloojate jaoks ebatavalise tagasihoidlikkusega:

"Viiekümne aasta pärast nimetatakse Brahmsi üheks kõigi aegade suurimaks heliloojaks ja mind mäletatakse g-moll viiulikontserdi kirjutajana."

Ja tal oli õigus. Tõsi, Bruchil endal on, mida meenutada! Ta komponeeris palju muid teoseid – kokku umbes kakssada – eriti palju kirjutas ta palju teoseid kooridele ja oopereid, mida tänapäeval harva lavale tuuakse. Tema muusika on meloodiline, kuid midagi eriti uut ta selle arengusse ei panustanud. Temaga võrreldes tunduvad paljud teised tolleaegsed heliloojad tõeliste uuendajatena.

1880. aastal määrati Bruch Liverpooli Kuningliku Filharmooniaühingu dirigendiks, kuid kolm aastat hiljem naasis ta Berliini. Orkestrimuusikud polnud temaga rahul.

Meie raamatu lehekülgedel oleme juba kohanud mitmeid muusikalisi imelapsi ja Camille Saint – Sans ei ole nende hulgas sugugi kõige väiksem. Kaheaastaselt valis Saint-Saens juba klaveril meloodiaid ning ta õppis korraga muusikat lugema ja kirjutama. Kolmeaastaselt mängis ta omaloomingulisi näidendeid. Kümneaastaselt esitas ta kaunilt Mozarti ja Beethoveni. Samal ajal hakkas teda tõsiselt huvitama entomoloogia (liblikad ja putukad) ning seejärel teised teadused, sealhulgas geoloogia, astronoomia ja filosoofia. Tundus, et nii andekas laps lihtsalt ei suuda piirduda vaid ühe asjaga.

Pärast õpingute lõpetamist Pariisi konservatooriumis töötas Saint-Saens aastaid organistina. Vanemaks saades hakkas ta mõjutama Prantsusmaa muusikaelu ja just tänu temale hakati sagedamini esitama selliste heliloojate nagu J. S. Bachi, Mozarti, Händeli ja Glucki muusikat.

Saint-Saensi kuulsaim teos on loomade karneval, mille esitamise helilooja oma eluajal keelas. Ta oli mures, et muusikakriitikud, olles seda teost kuulnud, peavad seda liiga kergemeelseks. Lõppude lõpuks on naljakas, kui orkester laval kujutab lõvi, kanad kukega, kilpkonni, elevanti, känguru, akvaariumi kalade, lindude, eesli ja luikega.

Saint-Saens kirjutas mõned oma teised teosed mitte nii levinud pillide kombinatsioonidele, sealhulgas kuulsatele "Oreli" Sümfoonia nr 3, kuuldud filmis “Beebi”.

Saint-Saensi muusika mõjutas teiste prantsuse heliloojate loomingut, sealhulgas Gabriel Fore. See noormees päris organisti ametikoha Pariisi Püha Magdaleena kirikus, mida varem oli hõivanud Saint-Saens.

Ja kuigi Fauré annet ei saa võrrelda tema õpetaja annetega, oli ta suurepärane pianist.

Faure polnud rikas mees ja töötas seetõttu kõvasti, mängis orelit, juhatas koori ja andis tunde. Ta kirjutas vabal ajal, mida oli väga vähe, kuid vaatamata sellele jõudis ta avaldada rohkem kui kakssada viiskümmend oma teost. Mõne neist koostamine võttis väga kaua aega: näiteks töötamine Reekviem kestis üle kahekümne aasta.

1905. aastal sai Faurést Pariisi konservatooriumi direktor ehk inimene, kellest sõltus suuresti tollase prantsuse muusika areng. Viisteist aastat hiljem läks Fauré pensionile. Elu lõpus kannatas ta kuulmislanguse all.

Tänapäeval austatakse Faurét väljaspool Prantsusmaad, kuigi seal hinnatakse teda kõige rohkem.

Inglise muusika austajatele on sellise kuju ilmumine nagu Edward Elgar, See pidi tunduma tõelise imena. Paljud muusikaajaloolased nimetavad teda barokiajal töötanud Henry Purcelli järel esimeseks märkimisväärseks inglise heliloojaks, kuigi me mainisime veidi varem ka Arthur Sullivani.

Elgar armastas väga Inglismaad, eriti oma kodumaist Worcestershire'i, kus ta veetis suurema osa oma elust, leides inspiratsiooni Malverni mägede põldudelt.

Lapsena ümbritses teda kõikjal muusika: isa omas kohalikku muusikapoodi ja õpetas väikest Elgarit erinevatel muusikariistadel mängima. Kaheteistkümneaastaselt asendas poiss juba jumalateenistustel organisti.

Pärast advokaadibüroos töötamist otsustas Elgar pühenduda rahalisest seisukohast palju vähem usaldusväärsele ametile. Mõnda aega töötas ta osalise tööajaga, andes viiuli- ja klaveritunde, mängis kohalikes orkestrites ja isegi juhatas veidi.

Tasapisi kasvas Elgari kuulsus heliloojana, kuigi tal oli raskusi oma sünnimaakonnast väljapoole jõudmisega. Toinud talle kuulsust Variatsioonid algsele teemale, mis on nüüd paremini tuntud kui Enigma variatsioonid.

Nüüd tajutakse Elgari muusikat väga ingliskeelsena ja seda kuulatakse suurte riiklike ürituste ajal. Esimeste helide peale Tšellokontsert kohe ilmuvad inglise maakohad. Nimrod alates Variatsioonid mängitakse sageli ametlikel tseremooniatel ja Pidulik ja tseremoniaalne marss nr 1, tuntud kui Lootuse ja hiilguse maa, esines ballidel kogu Ühendkuningriigis.

Elgar oli pereinimene ja armastas rahulikku, korralikku elu. Sellest hoolimata jättis ta ajalukku oma jälje. Seda paksude põõsaste vuntsidega heliloojat võib kahekümnekilose noodi pealt kohe märgata. Ilmselgelt tundsid pangatähtede disainerid, et selliseid näokarvu on väga raske võltsida.

Itaalias oli Giuseppe Verdi järglane ooperikunstis Giacomo Puccini, peetakse selle kunstiliigi üheks tunnustatud meistriks maailmas.

Puccini perekond oli pikka aega tegelenud kirikumuusikaga, kuid kui Giacomo esimest korda ooperit kuulis Aida Verdi, ta mõistis, et see on tema kutsumus.

Pärast Milanos õppimist komponeeris Puccini ooperi Manon Lescaut, mis tõi talle esimese suure edu 1893. aastal. Pärast seda järgnes üks edukas lavastus teisele: Böömimaa aastal 1896, Igatsus aastal 1900 ja Madame Butterfly aastal 1904.

Kokku lõi Puccini kaksteist ooperit, millest viimane oli Turandot. Ta suri seda teost lõpetamata ja teose lõpetas teine ​​helilooja. Ooperi esietendusel peatas dirigent Arturo Toscanini orkestri täpselt seal, kus Puccini. Ta pöördus publiku poole ja ütles:

Puccini surmaga lõppes itaalia ooperi õitseaeg. Meie raamatus ei mainita enam itaalia ooperiheliloojaid. Aga kes teab, mida tulevik meile toob?

Elus Gustav Mahler oli rohkem tuntud dirigendina kui heliloojana. Ta juhatas talvel ja suvel eelistas reeglina kirjutada.

Väidetavalt leidis Mahler lapsena vanaema maja pööningult klaveri. Neli aastat hiljem, kümneaastaselt, andis ta oma esimese esinemise.

Mahler õppis Viini konservatooriumis, kus ta alustas muusika loomisega. 1897. aastal sai temast Viini Riigiooperi direktor ja saavutas järgmise kümne aasta jooksul sellel alal märkimisväärse kuulsuse.

Ta ise hakkas kirjutama kolme ooperit, kuid ei lõpetanud neid kunagi. Meie ajal on ta tuntud eelkõige sümfooniate heliloojana. Selles žanris kuulub talle üks tõelisi hitte - Sümfoonia nr 8, Selle esitamisega on seotud üle tuhande muusiku ja laulja.

Pärast Mahleri ​​surma läks tema muusika umbes viiekümneks aastaks moest välja, kuid 20. sajandi teisel poolel saavutas taas populaarsuse, eriti Suurbritannias ja USA-s.

Richard Strauss sündis Saksamaal ega kuulunud Viini Straussi dünastiasse. Vaatamata sellele, et see helilooja elas peaaegu kogu 20. sajandi esimese poole, peetakse teda endiselt saksa muusikalise romantismi esindajaks.

Richard Straussi ülemaailmset populaarsust kannatas mõnevõrra asjaolu, et ta otsustas pärast 1939. aastat Saksamaale jääda ning pärast Teist maailmasõda süüdistati teda isegi koostöös natsidega.

Strauss oli suurepärane dirigent, tänu millele sai ta suurepäraselt aru, kuidas konkreetne instrument orkestris kõlama peab. Ta rakendas neid teadmisi sageli praktikas. Ta andis ka erinevaid nõuandeid teistele heliloojatele, näiteks:

"Ära kunagi vaata tromboone, vaid julgustad neid."

“Ära higista esinemise ajal; Ainult kuulajad peaksid end kuumaks tundma.

Tänapäeval mäletatakse Straussi eelkõige seoses tema loominguga Nõnda rääkis Zarathustra, sissejuhatus, mida Stanley Kubrick kasutas oma filmis 2001: Kosmoseodüsseia. Kuid ta kirjutas ka mõned parimad Saksa ooperid, nende hulgas - Der Rosenkavalier, Salome Ja Ariadne Naxosel. Aasta enne surma komponeeris ta ka väga ilusat Neli viimast laulu häälele ja orkestrile. Üldiselt polnud need Straussi viimased laulud, kuid neist sai omamoodi tema loomingulise tegevuse finaal.

Siiani on selles raamatus mainitud heliloojate seas olnud vaid üks Skandinaavia esindaja - Edvard Grieg. Nüüd aga transporditakse meid jälle sellesse karmi ja külma piirkonda – seekord Soome, kus ma sündisin Jean Sibelius, suur muusikaline geenius.

Sibeliuse muusika neelas tema kodumaa müüte ja legende. Tema suurim töö Soome, peetakse Soome rahvusliku vaimu kehastuseks, nagu ka Suurbritannias tunnustatakse Elgari teoseid rahvusliku aardena. Pealegi oli Sibelius, nagu ka Mahler, tõeline sümfooniameister.

Mis puutub helilooja teistesse kirgedesse, siis igapäevaelus armastas ta liigselt joomist ja suitsetamist, nii et neljakümneaastaselt haigestus ta kurguvähki. Tihti nappis tal ka raha ning riik andis talle pensioni, et ta saaks jätkata muusika kirjutamist ilma oma majandusliku heaolu pärast muretsemata. Ent rohkem kui kakskümmend aastat enne oma surma lõpetas Sibelius üldse millegi komponeerimise. Ta elas ülejäänud elu suhteliselt üksinduses. Eriti karm suhtus ta nendesse, kes tema muusika arvustuste eest raha said:

"Ära pööra tähelepanu sellele, mida kriitikud ütlevad. Siiani pole ühelegi kriitikule ausammast kingitud.»

Ka viimane meie romantismiajastu heliloojate nimistus elas peaaegu 20. sajandi keskpaigani, kuigi kirjutas enamiku oma kuulsamatest teostest 1900. aastatel. Ja ometi peetakse teda romantikuks ja meile tundub, et ta on kogu grupi kõige romantilisem helilooja.

Sergei Vassiljevitš Rahmaninov sündis aadliperekonda, mis oli selleks ajaks juba üsna kulunud. Ta tundis muusika vastu huvi juba varases lapsepõlves ning vanemad saatsid ta õppima esmalt Peterburi ja seejärel Moskvasse.

Rahmaninov oli hämmastavalt andekas pianist ja ta osutus ka suurepäraseks heliloojaks.

Minu oma Klaverikontsert nr 1 ta kirjutas üheksateistkümneselt. Ta leidis aega oma esimese ooperi jaoks, Aleko.

Kuid see suurepärane muusik ei olnud reeglina eluga eriti rahul. Paljudel fotodel näeme vihast, kulmu kortsutavat meest. Teine vene helilooja Igor Stravinski märkis kord:

"Rahmaninovi surematu olemus oli tema süngus. Ta oli kuue ja poole jala pikkune korrus...ta oli hirmus mees.

Kui noor Rahmaninov Tšaikovski eest mängis, oli ta nii rõõmus, et andis oma hindele A nelja plussiga – kõrgeima hinde kogu Moskva konservatooriumi ajaloos. Peagi rääkis kogu linn noorest talendist.

Sellest hoolimata jäi saatus muusiku vastu pikka aega ebasõbralikuks.

Kriitikud suhtusid sellesse väga karmilt Sümfooniad nr 1, mille esilinastus lõppes ebaõnnestumisega. See põhjustas Rahmaninovile raskeid emotsionaalseid kogemusi, ta kaotas usu oma võimetesse ega saanud üldse midagi komponeerida.

Lõpuks aitas tal kriisist välja tulla vaid kogenud psühhiaatri Nikolai Dahli abi. 1901. aastaks valmis Rahmaninovil klaverikontsert, millega ta oli palju aastaid vaeva näinud ja mille pühendas dr Dahlile. Seekord tervitas publik helilooja loomingut vaimustusega. Sellest ajast Klaverikontsert nr 2 on saanud armastatud klassikaks erinevate muusikakollektiivide esituses üle maailma.

Rahmaninov hakkas tuuritama Euroopas ja USA-s. Venemaale naastes dirigeeris ja komponeeris.

Pärast 1917. aasta revolutsiooni käis Rahmaninov koos perega Skandinaavias kontsertidel. Ta ei naasnud kunagi koju. Selle asemel kolis ta Šveitsi, kus ostis Luzerni järve kaldalt maja. Ta armastas alati veekogusid ja nüüd, kui temast oli saanud üsna rikas mees, sai ta endale lubada kaldal lõõgastuda ja avanevat maastikku imetleda.

Rahmaninov oli suurepärane dirigent ja andis neile, kes soovisid sellel alal silma paista, alati järgmisi nõuandeid:

«Hea dirigent peab olema hea autojuht. Mõlemad nõuavad samu omadusi: keskendumist, katkematut intensiivset tähelepanu ja meele kohalolekut. Dirigendil on vaja ainult natuke muusikat tunda...”

1935. aastal otsustas Rahmaninov asuda elama USA-sse. Alguses elas ta New Yorgis ja kolis seejärel Los Angelesse. Seal hakkas ta ehitama endale uut maja, mis oli täiesti identne sellega, mille ta Moskvasse jättis.

Turchin V S

Kolm romantika alajaotust Meie raamatut lehitsedes märkate, et see on kõigist selle peatükkidest suurim, kusjuures mainitud on vähemalt kolmkümmend seitse heliloojat. Paljud neist elasid ja töötasid samaaegselt erinevates riikides. Seetõttu oleme jaganud selle peatüki kolmeks osaks: „Varajane