See tekkis 18. sajandi lõpus, kuid saavutas suurima õitsengu 1830. aastatel. Alates 1850. aastate algusest hakkas periood langema, kuid selle niidid ulatusid läbi 19. sajandi, andes aluse sellistele liikumistele nagu sümbolism, dekadents ja uusromantism.

Romantismi tekkimine

Liikumise sünnikohaks peetakse Euroopat, eelkõige Inglismaad ja Prantsusmaad, kust on pärit ka selle kunstilise liikumise nimi – “romantism”. Seda seletatakse asjaoluga, et 19. sajandi romantism tekkis Suure Prantsuse revolutsiooni tagajärjel.

Revolutsioon hävitas kogu senise hierarhia ning segas ühiskonna ja ühiskonnakihid. Mees hakkas tundma end üksikuna ning hakkas otsima lohutust hasartmängudest ja muust meelelahutusest. Selle taustal tekkis mõte, et kogu elu on mäng, milles on võitjad ja kaotajad. Iga romantilise teose peategelane on inimene, kes mängib saatusega, saatusega.

Mis on romantism

Romantism on kõik, mis eksisteerib ainult raamatutes: arusaamatud, uskumatud ja fantastilised nähtused, mis on samal ajal seotud isiksuse kinnitamisega selle vaimse ja loomingulise elu kaudu. Peamiselt kulgevad sündmused väljendatud kirgede taustal, kõik kangelased on selgelt demonstreeritud iseloomuga ja sageli mässumeelse vaimuga.

Romantismiajastu kirjanikud rõhutavad, et peamine väärtus elus on inimese isiksus. Iga inimene on omaette maailm, mis on täis hämmastavat ilu. Sealt ammutatakse kogu inspiratsioon ja ülevad tunded ning ilmneb ka kalduvus idealiseerimisele.

Romaanikirjanike arvates on ideaal efemeerne mõiste, kuid sellel on siiski õigus eksisteerida. Ideaal on väljaspool kõike tavalist, seetõttu on peategelane ja tema ideed otseselt vastandatud igapäevastele suhetele ja materiaalsetele asjadele.

Iseloomulikud tunnused

Romantismi jooned peituvad peamistes ideedes ja konfliktides.

Peaaegu iga teose põhiidee on kangelase pidev liikumine füüsilises ruumis. See fakt näib peegeldavat hinge segadust, tema pidevalt kestvaid peegeldusi ja samal ajal – muutusi teda ümbritsevas maailmas.

Nagu paljudel kunstilistel liikumistel, on ka romantismil oma konfliktid. Siin on kogu kontseptsioon üles ehitatud peategelase keerulisele suhtele välismaailmaga. Ta on väga enesekeskne ja mässab samal ajal alatute, labaste, materiaalsete reaalsusobjektide vastu, mis ühel või teisel viisil avaldub tegelase tegudes, mõtetes ja ideedes. Kõige selgemalt väljenduvad selles osas järgmised kirjanduslikud näited romantismi kohta: Childe Harold - peategelane Byroni "Childe Haroldi palverännakust" ja Petšorin - Lermontovi "Meie aja kangelasest".

Kui kõik eelnev kokku võtta, selgub, et iga sellise töö aluseks on lõhe reaalsuse ja idealiseeritud maailma vahel, millel on väga teravad servad.

Romantism Euroopa kirjanduses

19. sajandi Euroopa romantism on tähelepanuväärne selle poolest, et enamikul selle teostest on fantastiline alus. Need on arvukad muinasjutulised legendid, novellid ja lood.

Peamised riigid, kus romantism kui kirjanduslik liikumine väljendus kõige ilmekamalt, on Prantsusmaa, Inglismaa ja Saksamaa.

Sellel kunstinähtusel on mitu etappi:

1. 1801-1815. Romantilise esteetika kujunemise algus.
2. 1815-1830. Liikumise kujunemine ja õitseng, selle suuna põhipostulaatide määratlemine.
3. 1830-1848. Romantism võtab rohkem sotsiaalseid vorme.

Iga ülaltoodud riik andis selle kultuurinähtuse arengusse oma erilise panuse. Prantsusmaal olid romantilised rohkem poliitilise varjundiga, kirjanikud olid uue kodanluse suhtes vaenulikud. See ühiskond hävitas Prantsuse juhtide sõnul indiviidi terviklikkuse, tema ilu ja vaimuvabaduse.

Romantism on inglise legendides eksisteerinud üsna pikka aega, kuid kuni 18. sajandi lõpuni ei paistnud see omaette kirjandusliku liikumisena silma. Ingliskeelsed teosed on erinevalt prantsuse omadest täis gooti, ​​religiooni, rahvusliku folkloori ning talupoegade ja töölisklassi ühiskondade (sealhulgas vaimsete) kultuuri. Lisaks täidavad inglise proosat ja lauluteksti reisimine kaugetele maadele ja võõraste maade avastamine.

Saksamaal kujunes romantism kui kirjanduslik liikumine idealistliku filosoofia mõjul. Vundamendiks olid individuaalsus ja feodalismi poolt rõhutud isikud, samuti universumi kui ühtse elava süsteemi tajumine. Peaaegu iga saksa teos on läbi imbunud mõtisklustest inimese olemasolu ja tema vaimuelu üle.

Euroopa: teoste näited

Järgmisi kirjandusteoseid peetakse kõige tähelepanuväärsemateks Euroopa teosteks romantismi vaimus:

Traktaat “Kristluse geenius”, Chateaubriandi lood “Atala” ja “Rene”;

Germaine de Staeli romaanid “Delfiin”, “Corinna ehk Itaalia”;

Benjamin Constanti romaan "Adolphe";

Musset romaan “Sajandi poja pihtimus”;

Rooma "Saint-Mar", autor Vigny;

Manifest "Eessõna" teosele "Cromwell", Hugo romaan "Notre Dame";

Draama "Henry III ja tema õukond", romaanisari musketäridest, Dumas' "Krahv Monte Cristo" ja "Kuninganna Margot";

George Sandi romaanid “Indiana”, “Rändav õpipoiss”, “Horace”, “Consuelo”;

Stendhali manifest "Racine ja Shakespeare";

Coleridge'i luuletused "Iidne meremees" ja "Christabel";

- Byroni "Ida luuletused" ja "Manfred";

Balzaci kogutud teosed;

Walter Scotti romaan "Ivanhoe";

Muinasjutt “Hüatsint ja roos”, Novalise romaan “Heinrich von Ofterdingen”;

Hoffmanni jutu-, muinasjuttude ja romaanide kogud.

Romantism vene kirjanduses

19. sajandi vene romantism tekkis Lääne-Euroopa kirjanduse otsesel mõjul. Kuid vaatamata sellele olid sellel omad iseloomulikud jooned, mis olid pärit eelmistest perioodidest.

See kunstinähtus Venemaal peegeldas täielikult edumeelsete ja revolutsionääride vaenulikkust valitseva kodanluse, eriti selle eluviisi – ohjeldamatu, ebamoraalse ja julma – vastu. 19. sajandi vene romantism oli mässumeelsete tunnete ja riigi ajaloo pöördepunktide ootuse otsene tagajärg.

Tolleaegses kirjanduses eristatakse kahte suunda: psühholoogiline ja tsiviil. Esimene põhines tunnete ja kogemuste kirjeldamisel ja analüüsil, teine ​​aga kaasaegse ühiskonna vastase võitluse propagandal. Kõigi romaanikirjanike ühine ja peamine idee oli see, et luuletaja või kirjanik pidi käituma vastavalt ideaalidele, mida ta oma teostes kirjeldas.

Venemaa: teoste näited

Kõige silmatorkavamad näited romantismi kohta 19. sajandi vene kirjanduses on:

Žukovski lood “Ondine”, “Chilloni vang”, ballaadid “Metsakuningas”, “Kalur”, “Lenora”;

Puškini teosed “Jevgeni Onegin”, “Padade kuninganna”;

- Gogoli "Öö enne jõule";

- Lermontovi “Meie aja kangelane”.

Romantism Ameerika kirjanduses

Ameerikas sai suund veidi hilisema arengu: selle esialgne etapp ulatub aastatesse 1820-1830, järgnev - 19. sajandi 1840-1860. Mõlemat etappi mõjutasid erakordselt tsiviilrahutused nii Prantsusmaal (mis andis tõuke Ameerika Ühendriikide loomisele) kui ka otseselt Ameerikas endas (vabadussõda Inglismaalt ning sõda Põhja-Lõuna vahel).

Ameerika romantismi kunstilisi liikumisi esindavad kaks tüüpi: abolitsionistlikud, mis propageerisid orjusest vabanemist, ja idasuunalised, mis idealiseeris istandusi.

Selle perioodi Ameerika kirjandus põhineb Euroopast püütud teadmiste ja žanrite ümbermõtestamisel, mis on segatud ainulaadse eluviisi ja elutempoga veel uuel ja väheuuritud kontinendil. Ameerika teosed on rikkalikult maitsestatud rahvuslike intonatsioonide, iseseisvustunde ja vabadusvõitlusega.

Ameerika romantism. Näited teostest

Alhambra sari, Washington Irvingi lood "The Phantom Briggroom", "Rip Van Winkle" ja "The Legend of Sleepy Hollow";

Fenimore Cooperi viimane mohikaanlane;

E. Alan Poe luuletus “Vares”, lood “Ligeia”, “Kuldlutik”, “Usheri maja langemine” jt;

Gortoni romaanid Scarlet Letter ja The House of the Seven Gables;

Melville'i romaanid Typee ja Moby Dick;

Harriet Beecher Stowe'i romaan "Onu Tomi majake";

Longfellow poeetiliselt tõlgitud legendid “Evangeline”, “The Song of Hiawatha”, “The Matchmaking of Miles Standish”;

Whitmani Leaves of Grassi kollektsioon;

Margaret Fulleri essee "Naine üheksateistkümnendal sajandil".

Romantismil kui kirjanduslikul liikumisel oli üsna tugev mõju muusika-, teatrikunstile ja maalikunstile – meenutage vaid tolle aja arvukaid lavastusi ja maale. See juhtus peamiselt liikumise selliste omaduste tõttu nagu kõrge esteetika ja emotsionaalsus, kangelaslikkus ja paatos, rüütellikkus, idealiseerimine ja humanism. Hoolimata asjaolust, et romantismi ajastu oli üsna lühiajaline, ei mõjutanud see kuidagi 19. sajandil kirjutatud raamatute populaarsust järgnevatel aastakümnetel – selle perioodi kirjanduskunstiteoseid armastab ja austab avalikkus siiamaani. päeval.

MAAILMA KUNSTIKULTUUR: Keskkoolide multimeediumikompleksi kontseptsioon, sisu ja morfoloogia. – Peterburi: Asterion, 2004. – 279 lk.

5.4. Romantismi ajastu

5.4.1. üldised omadused

Romantism on ideoloogiline ja kunstiline liikumine 18. sajandi lõpu – 19. sajandi 1. poole Euroopa kultuuris. See on kodanlike revolutsioonide, poliitiliste ja majanduslike murrangute ajastu Euroopas, mida iseloomustab kriitilisus tänapäeva tegelikkuse ja samal ajal 18. sajandi mineviku sotsiaalsete ja poliitiliste põhimõtete suhtes, mille ta tagasi lükkas. (valgustusajastu). Romantismist kui maailmavaate eriliigist on saanud üks keerulisemaid ja sisemiselt vastuolulisemaid nähtusi kultuuriloos. Pettumus valgustusajastu ideaalides ja 1789. aasta Prantsuse kodanliku revolutsiooni tulemustes määras ette pessimistliku vaate ühiskonna arengule; “maailmakurbuse” mentaliteet ühendati romantismiga harmooniaihalusega maailmakorras. Valgustusajastu ratsionalismi ja mehhanismi tõrjudes jätsid romantikud siiski alles eelmise ajastu põhimõisted: “loomulik inimene”, nägemus loodusest kui suurest heast printsiibist, õigluse ja võrdsuse iha.

Kunstikultuuris määras vabaduse, universaalse rahu ja sotsiaalse heaolu lootuste kokkuvarisemine selle perioodi peamise motiivi, mis oli romantismi esteetika jaoks põhilise tähtsusega - "illusioonide kokkuvarisemine". Teine oluline kunstilise tegevuse motiiv, mille tekitab ebakõla ideaali ja tegelikkuse vahel, võimetus ideaale saavutada, on „kaks maailma”, s.t. põgeneda reaalsusest müstika illusoorsesse maailma, idealiseeritud antiikajast või Euroopa jaoks kaugetesse, eksootilistesse riikidesse. Nii oli romantikute seas maailma harmoonia häiritud. Maailm lagunes üksteisele vastandlikeks kategooriateks: maise elu ja igavene elu, jumal ja kurat, kangelane ja rahvahulk, olevik ja kauge minevik, ilus ja kole, ideaal ja igapäevaelu.

Seoses uue maailmapildiga romantismiajastul muutus järk-järgult arusaam indiviidist ning indiviidi ja ühiskonna tähtsuse suhetest kultuurile. Erinevalt klassitsist, mis rõhutas loomulikku sarnasus kõik inimesed, st. üldsuse prioriteet, romantism asetas esikohale indiviidi teistsugusus. Siit ka arusaam romantilisest isiksusest kui üksikust, valesti mõistetud, mässumeelsest (aktiivselt või passiivselt) kõigi ja kõige vastu, täis uhkust, esitades väljakutse Jumalale, ühiskonnale ja rahvahulgale.

Kunstikultuuris muutus romantism reaktsiooniks klassitsismi ratsionalistlikule esteetikale. Siiski ei saa öelda, et romantism kunstis klassitsismiga saavutatu täielikult ümber lükkaks: romantism jätab klassitsismi stilistilised alused, mõeldes ümber kunstivormide keele, aga ka kunsti ideoloogilise suunitluse. Vaatamata klassitsismi ja romantismi vaadete näilisele "polaarsusele" inimesele ja tema kohale maailmas, on 18. sajandi lõpu – 19. sajandi alguse isiksuse idee. hõlmab valgustusajastu inimese ratsionalistliku ideaali kombinatsiooni kõige privaatse, subjektiivse kohustusliku taandamisega üldiseks, transpersonaalseks ja teatud romantiliseks "paatinaks". See idee sai kõige eredama väljenduse lüürikas - kõige subjektiivsemas kirjanduses, millest sai kunsti romantiliste suundumuste väljendaja.

Romantism kui kunstistiil ilmus kõigepealt kirjanduses ja seejärel teistes kunstivormides. Isegi mõiste “romantism” pärines kirjandusest ja tuletati epiteedist “romantik” (esmakordselt võttis Novalis kasutusele kirjandusliku terminina). Kuni 18. sajandini see epiteet viitas romaani keeles kirjutatud kirjandusteoste mõningatele tunnustele, eelkõige meelelahutusele, paljudele seiklustele ja sündmustele. 18. sajandi lõpus. “Romantilist” hakati mõistma laiemalt: mitte ainult seiklusliku, meelelahutusliku, vaid ka iidse, originaalse rahvaliku, kauge, naiivse, fantastilise, vaimselt üleva, kummitusliku, aga ka hämmastava, hirmutavana. Seetõttu idealiseerisid romantikud sageli minevikku ja püüdsid müütidele ja piiblilugudele uut elu sisse puhuda. Väljamõeldis muutub kontrastiks tegelikkusele.

Lisaks kirjandusele (eriti lüürikale) oli teine ​​kunstiliik, milles romantilised tendentsid täielikult kehastusid, muusika. Sentimentalismis juurdunud individualism saavutas romantismiajastul enneolematud mõõtmed. Selle tulemusena on järsult tõusnud indiviidi, kunstniku-looja staatus. Isiklik saatus, isiklik draama omandas universaalse resonantsi, seetõttu said romantismi ajastul eriti populaarseks pihtimuslike motiividega teosed. Muusika kõigis selle ilmingutes on "hinge tunnistamine". Pole juhus, et I. I. Sollertinsky nimetas seda muusikat "helivaks autobiograafiaks", "omamoodi sümfooniliseks, vokaallauluks, klaveripäevikuks".

Erinevalt 18. sajandi lõpus ilmunud kirjandusromantismist avaldus muusikaline romantism alles 19. sajandi teisel kümnendil. On märkimisväärne, et mõiste “romantiline muusika” kuulub kirjanikule ja heliloojale E.T.A. Hoffmannile, kelle looming sümboliseeris romantilise esteetika jaoks väga olulist kirjanduse ja muusika ühendust. Kui renessansiajal oli kunsti põhiliik maalikunst ja valgustusajastu põhiideed kajastusid teatris, siis romantiline esteetika seadis esikohale kirjanduse ja muusika. Pealegi ei jõudnud romantikud ise üksmeelele, milline neist kunstiliikidest on kunstide "hierarhias" kõrgemal kohal ning kirjanduse ja muusika liidu idee pani sellise "sünteetiliseks". ” žanrid nagu ooper, kavamuusika, romantika esikohal -laul. Romantismi ideedele vähem vastuvõtliku instrumentaalmuusika vallas kujunes tähtsaimaks klaveri miniatuur, mis on võimeline looma kiire visandi meeleolust, maastikust või iseloomulikust pildist. Maalikunstis võib peamiseks romantiliseks žanriks pidada portreed, milles peaasjalik oli eredate tegelaste tuvastamine, hingeelu pinge, inimlike tunnete põgus liikumine, aga ka autoportree, mida polnud peaaegu kunagi. nähtud 18. sajandil. Paljud romantilisele maalikunstile omased jooned jätkusid hilisemates stilistilistes liikumistes, näiteks müstika ja kompleksne allegorism - aastal sümboolika, suurenenud emotsionaalsus ja impulsiivsus – sisse ekspressionism.

Iseloomustades Lääne-Euroopa romantismi, jagas Ivanov-Razumnik selle kolmeks: saksa, inglise ja prantsuse keeleks, iseloomustades neid vastavalt kui loogilist ehk mõtteromantismi, eetilist ehk tahteromantismi ja esteetilist ehk tunderomantismi.

Saksamaa Tol ajal oli see killustunud riik, millel ei olnud võimalust aktiivselt osaleda ida koloniseerimises, tal ei olnud piisavalt ressursse sõdu pidada Euroopas ilma kellegi abita. Kuid just Saksamaal saavad kuju paljud filosoofilised koolkonnad ja õpetused – see ei ole võimeline aktiivseks ja otsustavaks tegutsemiseks, kuid sellel on võimas ideoloogiline potentsiaal. Saksa romantismi iseloomustavad melanhoolia, mõtisklus ja müstilis-panteistlikud meeleolud. Saksa romantism pöördub oma rahva müütide, legendide, traditsioonide ja juttude poole, mis kajastub selle perioodi kirjanduses, muusikas ja maalikunstis. E.T.A.Hoffmann kirjutab muinasjutte, kasutades paljusid saksa folkloori motiive, ka tema ooper “Ondine” viitab rahvalegendidele. R. Wagneri looming on peaaegu täielikult juurdunud saksa mütoloogias, kangelaseepostes (Lohengrin, Parsifal, Nibelungi sõrmus jt) ja tema maa legendaarses minevikus (Lendav hollandlane, Tannhäuser jt). Ka K.M Weber (ooper “Vaba tulistaja”) pöördub oma rahva traditsioonide poole.

19. sajandi alguseks. Austria oli tohutu impeerium, kuhu kuulusid Ungari, Tšehhi Vabariik, Põhja-Itaalia ja Kagu-Baieri, nii et selle rahvuslik koosseis oli mitmekesine: tšehhid ja ungarlased, slovakid ja horvaadid, rumeenlased ja ukrainlased, poolakad ja itaallased, austerlased ja sakslased ise moodustasid ühe kolmandik elanikkonnast. Kõigi nende rahvaste traditsioonid, kombed, folkloor ja kunstiline looming mõjutasid Austria kultuuri eripärade kujunemist. Kõiki neid rahvaid ühendas aga Habsburgide dünastia. Erinevalt Saksamaast, kus arenenud rahvuskultuuriga rahvastel ei olnud ühtset riiki ja seetõttu püüti luua rahvusriiki oma kultuuri säilimise tagatiseks, elasid Austria impeeriumi rahvad ühtse riigi raamistikus, mis kujunes ammu enne tööstusrevolutsiooni dünastilise põhimõtte järgi ega samastunud ühegi tema võimu all oleva rahvaga. Kuna saksa keel oli valitseva dünastia liikmete emakeel, pidasid nad seda riigi ametlikuks keeleks ja eelistatuimaks rahvastevahelise suhtluse vahendiks selle elanike seas. Võib-olla seetõttu olid paljud Saksamaa kunstikultuurile omased jooned iseloomulikud ka Austriale. Näiteks suhtumine loodusesse kui pelgupaika tsivilisatsiooni hädade eest, lohutusse, rahutu inimese tervendamisesse peegeldub ilmekalt F. Schuberti teostes (näiteks vokaaltsükkel “Kaunis Milleri naine”), mille töös on inimese emotsionaalsed kogemused tihedalt seotud looduspiltidega.

Erinevalt Saksamaast, Inglismaa Sel ajal oli see arenenud riik, millel olid rikkalikud poliitilised ja majanduslikud traditsioonid ning valitsemisvorm, millele kogu Euroopa vaatas alt, pidades seda kõige edukamaks (parlamentaarne monarhia). Kuid nagu kunstiajalugu näitab, ei loonud romantilise perioodi Inglismaa huvitavat muusikat ning romantismi saavutused tõlgiti kahte kunstiliiki: kirjandusse ja maalikunsti. Inglise romantismi põhiteemad olid mõtisklused romantilise isiksuse, oma aja kangelase üle, aga ka sellest, millised moraalsed omadused sellel kangelasel olema peaksid (näiteks J. G. Byroni teostes “Childe Harold”, “Don Juan” ja “Endymion” J. Keats). Inglise romantilises maalikunstis domineeris maastik “loodusinimese” vaimse puhtuse ja suurte võimaluste peegeldusena (näiteks J. Constable’i maastikud).

prantsuse keel Romantism peegeldas ilmekalt 1789. aasta sündmusi, s.o. Suur Prantsuse revolutsioon. Seetõttu on kõigist romantismi piirkondlikest variantidest prantsuse keel kõige tõhusam ja aktiivsem, emotsionaalselt rikkaim. Ta on andnud palju nimesid erinevates kunstiliikides. Nii oli kirjanduses üks silmapaistvamaid romantikuid, kes sõnastas esimesena prantsuse romantismi põhiomadused (eessõna draamale “Cromwell”), V. Hugo, teine ​​A. de Musset, kes kuulus pihtimusliku loo poolest. teos "Sajandi poja pihtimus". Muusikas sai G. Berliozist suur uuendaja, üks esimesi, kes selle žanri lõi kava sümfoonia(“Fantastiline sümfoonia”) ja reformis muusika väljendusvahendeid. Prantsuse kunstnikud reformivad ka kunstilisi ja ekspressiivseid vahendeid: nad dünamiseerivad kompositsiooni, kombineerides vorme kiire liikumisega, kasutavad heledaid, rikkalikke värve, mis põhinevad valguse ja varju kontrastidel, soojadel ja külmadel toonidel.

Ameerika Romantism ei andnud mitmel põhjusel ainsatki pilti. Sügavate rahvuslike juurte puudumine, geograafiline kaugus Euroopa riikidest, uuel kontinendil loodud kultuuri mosaiiklikkus, aga ka mure Euroopast iseseisvumise pärast määrasid Ameerika romantismi tee ette. Esiteks on see katse leida oma kultuuri juured aborigeenide - indiaanlaste - kultuuri sügavustest. Seetõttu pöörduvad paljud kunstnikud, eriti kirjandus, indiaanlaste elu, nende kuvandi idealiseerimise poole (F. Cooper, G. Longfellow). Teisi huvitab selle viljaka maa loodus, mis tähendab, et maastikust saab üks levinumaid romantilisi žanre.

Teatavasti erines vene romantism oluliselt Lääne-Euroopa omast. Venemaa 18.–19. sajandi vahetus. oma majandusarengus ei olnud ta veel Euroopale “järele jõudnud”, ei olnud kogenud selle kodanlikku revolutsiooni, seega ka saksa, prantsuse ja inglise keelele omast “maailmakurbuse”, “taganemise” idealiseeritud keskaega seotud traagikat ja lootusetust. romantism, olid vene kultuurile võõrad. Rääkides Lääne-Euroopa traditsioonidest vene romantismis, märgime, et 18. sajandi lõpu Euroopale iseloomulikud tunded muutusid Venemaal aktuaalseks seoses kahe Venemaa ajaloosündmusega - 1812. aasta Isamaasõja ja dekabristide ülestõusuga. Isamaasõda aitas kaasa rahvusliku eneseteadvuse kasvule ja dekabristide ülestõus oli omamoodi lahendus Lääne-Euroopaga sarnasele revolutsioonilisele olukorrale. Seetõttu oli 19. sajandi teisel kümnendil õitsenud varavene romantism erinevalt lääneeuroopalikust “optimistlikum, aktiivsem, ründavam” (G. Gukovski). Vene kultuur elas läbi revolutsioonilise tõusu kõigis kultuurivaldkondades. Veel üks oluline erinevus Lääne-Euroopa ja Vene romantismi vahel oli see, et Euroopas oli peamiseks sotsiaalseks jõuks kolmas seisus, Venemaal aga aadlikud – seepärast nimetatakse vene romantilisust sageli ka “aadlikuks”. Tõepoolest, kõige olulisemad nähtused vene kultuuri vallas 19. sajandi esimesel poolel. toimus aadli seas. Isegi võitlust pärisorjuse kaotamise eest pidasid peamiselt aadlikud.

Sel ajal tugevnes Venemaa avalikkuse teadvuses kultuuriline vastandus Peterburi ja Moskva vahel. Meenutagem seda 18. sajandil. Moskva vastandas reaktsioonilise klassitsistliku Peterburi tolleaegsele arenenud sentimentalismile. 19. sajandi alguses. Just Moskvas ilmusid esimesed romantismi võrsed. Patriarhaalsem Moskva pöördus peamiselt romantismi passiivse suuna poole, mille põhiidee oli taandumine idealismi, Peterburi kultuur aga peegeldas selle aktiivset revolutsioonilis-hariduslikku, kollektiivset algust. Puškini Peterburi kultuur jäi sisuliselt orienteeritud Lääne-Euroopa valgustusajastu saavutustele, s.o. mõningatele spekulatiivsetele maksiimidele ühiskonna ümberkujundamise kohta, samas kui Moskva sentimentalism kasvas romantismiks, asetades esikohale loomingulise isiksuse.

Romantismist sai viimane üleeuroopaline stiil kunstis. Kuid lisaks üldistele omadustele tuleb märkida, et iga riik lõi oma ainulaadse, originaalse romantilise maitse. Selle põhjuseks on asjaolu, et rahvusliku eneseteadvuse kiire kasvu algatanud romantismi raames luuakse tohutul hulgal rahvuslikke kunstikoole, millest igaühel on oma unikaalsed ideed, õppeained, lemmikžanrid, samuti eriline rahvuslik stiil.

Romantism kaunites kunstides põhines suuresti filosoofide ja kirjanike ideedel. Maalis, nagu ka teistes kunstiliikides, köitis romantikuid kõik ebatavaline, tundmatu, olgu selleks siis kauged riigid oma eksootiliste kommete ja kostüümidega (Delacroix), müstiliste visioonide maailm (Blake, Friedrich, prerafaeliidid) ja maagilised unenäod (Runge) või sünged alateadvuse sügavused (Goya, Fusli). Paljude kunstnike inspiratsiooniallikaks oli mineviku kunstipärand: Vana-Ida, keskaeg ja protorenessanss (natsareetid, prerafaeliidid).

Vastupidiselt klassitsismile, mis ülendas mõistuse selget jõudu, laulsid romantikud kirglikke, tormilisi tundeid, mis haarasid inimese täielikult. Uutele suundumustele reageerisid kõige varem portreed ja maastikud, millest said romantilise maali lemmikžanrid.

Hiilgeaeg portree žanr oli seotud romantikute huviga inimese ereda individuaalsuse, vaimse maailma ilu ja rikkuse vastu. Inimvaimu elu domineerib romantilises portrees huvist füüsilise ilu, kujundi sensuaalse plastilisuse vastu.

Romantilises portrees (Delacroix, Géricault, Runge, Goya) avaldub alati iga inimese kordumatus, antakse edasi dünaamika, siseelu intensiivne löök ja mässumeelne kirg.

Murtud hinge traagika huvitab ka romantikuid: nende teoste kangelasteks on sageli vaimuhaiged inimesed (Gericault “Hasartmängusõltuvuses kannatav hullumeelne naine”, “Lastevaras”, “Hullumees, kes kujutleb end komandör”).

Maastik romantikud pidasid seda universumi hinge kehastuseks; loodus, nagu inimese hing, ilmneb dünaamikas, pidevas muutlikkuses. Klassitsismile omased korrastatud ja õilistunud maastikud asendusid romantiliste kangelaste tunnete segadusele vastavate spontaanse, mässulise, jõulise, pidevalt muutuva looduse kujunditega. Romantikud armastasid eriti kirjutada torme, äikest, vulkaanipurskeid, maavärinaid, laevaõnnetusi, mis võisid vaatajale tugeva emotsionaalse mõju avaldada (Gericault, Friedrich, Turner).

Romantismile omane öö poetiseerimine - kummaline, ebareaalne maailm, mis elab oma seaduste järgi - viis "ööžanri" õitsenguni, mis sai romantilises maalikunstis lemmikuks, eriti saksa kunstnike seas.

Üks esimesi riike, mille kaunites kunstides romantism arenes, oliSaksamaa .

Loomingulisus avaldas märgatavat mõju romantilise maastiku žanri kujunemiseleCaspar David Friedrich (1774-1840). Tema kunstipärandis domineerivad maastikud, mis kujutavad mäetippe, metsi, merd, mererannikut, aga ka vanade katedraalide varemeid, mahajäetud kloostreid, kloostreid (“Rist mägedes”, “Katedraal”, “Klooster tamme vahel puud”). Tavaliselt sisaldavad need pidevat kurbust, mis tuleneb teadmisest inimese traagilisest kaotusest maailmas.

Kunstnik armastas neid loodusseisundeid, mis kõige rohkem vastavad tema romantilisele tajule: varahommik, õhtune päikeseloojang, kuutõus (“Kaks mõtisklemas kuud”, “Kloostri kalmistu”, “Vikerkaarega maastik”, “Kuutõus mere kohal”, “ Kriidikaljud“ Rügeni saarel“, „Purjekal“, „Öine sadam“).

Tema teoste pidevad tegelased on üksildased unistajad, kes on sukeldunud looduse mõtisklusesse. Vaadates tohututesse kaugustesse ja lõpututesse kõrgustesse, saavad nad tuttavaks universumi igaveste saladustega ja kantakse edasi kaunisse unistuste maailma. Friedrich annab seda imelist maailma edasi maagiliselt särava valguse abil- kiirgav päike või salapärane kuu.

Friedrichi looming äratas tema kaasaegsete, sealhulgas I, imetlust. W. Goethe ja W. A. Žukovski, tänu kellele omandas Venemaa paljud tema maalid.

Maalikunstnik, graafik, luuletaja ja kunstiteoreetikPhilip Otto Runge (1777-1810), pühendus peamiselt portreežanrile. Ta poetiseeris oma töödes tavaliste inimeste, sageli ka oma lähedaste kujundeid (“Meie kolmekesi” - autoportree pruudi ja vennaga, pole säilinud; “Huelsenbecki perekonna lapsed”, “Kunstniku portree vanemad”, “Autoportree”). Runge sügav religioossus väljendus sellistes maalides nagu "Kristus Tiberiase järve kaldal" ja "Puhka Egiptuse lennul" (lõpetamata). Kunstnik võttis oma mõtted kunstist kokku teoreetilises traktaadis “Värvisfäär”.

Kunstnike loomingulise tegevusega on seotud soov taaselustada Saksa kunstis usulisi ja moraalseid aluseid Naatsareti kool (F. Overbeck, von Karlsfeld,L. Vogel, I. Gottinger, J. Sutter,P. von Cornelius). Omamoodi usuvennaskonda (“Püha Luuka liit”) ühinenud “natsareetid” elasid Roomas kloostrikogukonna eeskujul ja maalisid religioossetel teemadel maale. Nad pidasid oma loominguliste otsingute eeskujuks Itaalia ja Saksa maalikunsti.XIV - XVsajandil (Perugino, varajane Raphael, A. Durer, H. Holbein noorem, L.Cranach). Maalil “Religiooni võidukäik kunstis” jäljendab Overbeck otseselt Raphaeli “Ateena kooli” ja Cornelius filmis “Apokalüpsise ratsanikud” Dureri samanimelist graveeringut.

Vennaskonna liikmed pidasid kunstniku peamisteks voorusteks vaimset puhtust ja siirast usku, arvates, et „ainult Piibel tegi Rafaelist geeniuse”. Elades üksildast elu mahajäetud kloostri kongides, tõstsid nad oma kunstiteenistuse vaimse teenistuse kategooriasse.

“Natsareetid” tõmbusid monumentaalsete suurvormide poole ja püüdsid äsja taaselustatud freskotehnika abil kehastada kõrgeid ideaale. Mõned maalid on neil koos valminud.

1820. ja 30. aastatel hajusid vennaskonna liikmed üle Saksamaa, saades juhtivatele kohtadele erinevates kunstiakadeemiates. Ainult Overbeck elas Itaalias kuni oma surmani, muutmata oma kunstilisi põhimõtteid. Ajaloolises maalikunstis säilitati pikka aega "natsareetide" parimaid traditsioone. Nende ideoloogilised ja moraalsed otsingud mõjutasid inglise prerafaeliite, aga ka selliste meistrite nagu Schwind ja Spitzweg tööd.

Moritz Schwind (1804-1871), sünnilt austerlane, töötas Münchenis. Molbertiteostes kujutab ta peamiselt muistsete Saksa provintsilinnade ilmet ja eluolu koos elanikega. Seda tehti suure luule ja lüürikaga, armastusega oma tegelaste vastu.

Carl Spitzweg (1808-1885) - Müncheni maalikunstnik, graafik, geniaalne joonistaja, karikaturist, samuti mitte ilma sentimentaalsuseta, vaid suurepärase huumoriga, räägib linnaelust (“Vaene luuletaja”, “Hommikukohv”).

Schwindi ja Spitzwegi seostatakse tavaliselt liikumisega Saksa kultuuris, mida tuntakse biidermeieri nime all.biidermeier - see on ajastu üks populaarsemaid stiile (peamiselt igapäevaelus, aga ka kunstis) . Ta tõstis esiplaanile linnakodanikud, keskmise mehe tänavalt. Biidermeiermaali keskseks teemaks oli inimese igapäevaelu, mis voolab lahutamatus ühenduses oma kodu ja perega. Biidermeieri huvi mitte mineviku, vaid oleviku, mitte suure, vaid väikese vastu aitas kaasa maalikunsti realistliku tendentsi kujunemisele.

Prantsuse romantiline koolkond

Kõige järjekindlam romantismi koolkond maalikunstis kujunes välja Prantsusmaal. See tekkis vastusena klassitsismile, mis oli taandunud külmaks, ratsionaalseks akadeemilisuseks ja tõi esile sellised suured meistrid, kes määrasid Prantsuse koolkonna domineeriva mõju läbi 19. sajandi.

Prantsuse romantilised kunstnikud kaldusid teemade poole, mis olid täis draamat ja paatost, sisemist pinget, mis pole kaugeltki "tuim igapäevaelust". Neid kehastades reformisid nad pildilisi ja väljendusvahendeid:

Nimega on seotud romantismi esimesed hiilgavad õnnestumised prantsuse maalikunstisTheodora Gericault (1791-1824), kes suutis enne teisi väljendada puhtromantilist konfliktitunnet maailmas. Juba tema esimestes töödes on näha tema soovi näidata meie aja dramaatilisi sündmusi. Näiteks maalid “Rünnakul minev vintpüssi ohvitser” ja “Haavatud kirassier” peegeldasid Napoleoni ajastu romantikat.

Gericault maal “Medusa parv”, mis oli pühendatud hiljutisele sündmusele tänapäeva elus - reisilaeva hukkumisele laevafirma süül, oli tohutu resonants. . Gericault lõi hiiglasliku lõuendi 7x5 m, millel ta kujutas hetke, mil surma äärel olevad inimesed nägid silmapiiril päästelaeva. Äärmiselt pinget rõhutavad karm, sünge värvilahendus ja diagonaalne kompositsioon. Sellest maalist sai kaasaegse Gericault Prantsusmaa sümbol, mis nagu laevahuku eest põgenevad inimesed koges nii lootust kui ka meeleheidet.

Kunstnik leidis oma viimase suure maali "Epsom Races" teema Inglismaalt. Sellel on kujutatud linnuna lendlevaid hobuseid (teismelisena suurepäraseks ratsanikuks saanud Gericault' lemmikkuju). Kiiruse muljet suurendab teatud tehnika: hobused ja džokid on maalitud väga hoolikalt ning taust on lai.

Pärast Gericault' surma (ta suri traagiliselt, oma jõu ja ande tipus) sai tema noorest sõbrast prantsuse romantikute tunnustatud juht.Eugene Delacroix (1798-1863). Delacroix oli igakülgselt andekas, tal oli muusikaline ja kirjanduslik anne. Tema päevikud ja artiklid kunstnikest on ajastu huvitavaimad dokumendid. Tema teoreetilised uurimused värviseaduste kohta avaldasid tohutut mõju tulevastele impressionistidele ja eriti V. Van Goghile.

Delacroix' esimene maal, mis talle kuulsust tõi, oli "Dante ja Virgilius" ("Dante paat"), mis põhineb "Jumaliku komöödia" süžeel. Ta hämmastas oma kaasaegseid oma kirgliku paatose ja sünge värvingu jõuga.

Kunstniku loovuse tipp oli "Vabadus barrikaadidel" ("Freedom Leading the People"). Tegeliku fakti autentsus (pilt loodi 1830. aasta juulirevolutsiooni kõrgajal Prantsusmaal) sulandub siin romantilise unistuse vabadusest ja piltide sümboolikaga. Kaunis noor naine saab revolutsioonilise Prantsusmaa sümboliks.

Varasem maal “Mass Chiosel”, mis oli pühendatud Kreeka rahva võitlusele Türgi võimu vastu, oli samuti vastus tänapäeva sündmustele. .

Pärast Maroko külastamist avastas Delacroix Araabia Ida eksootilise maailma, millele ta pühendas palju maale ja visandeid. Filmis "Alžeeria naised" ilmus moslemihaaremi maailm esimest korda Euroopa publiku ette.

Samuti lõi kunstnik portreeseeria loomingulise intelligentsi esindajatest, kellest paljud olid tema sõbrad (N. Paganini, F. Chopini, G. Berliozi jt portreed).

Oma loomingu hilisemal perioodil keskendus Delacroix ajaloolistele teemadele, töötades monumentalistina (maalid Senati saadikutekojas) ja graafikuna (illustratsioonid Shakespeare'i, Goethe, Byroni teostele).

Maastikužanriga seostuvad romantismiajastu inglise maalikunstnike nimed - R. Benington, J. Constable, W. Turner. Selles vallas avasid nad tõeliselt uue lehekülje: nende sünnipärane olemus leidis nende töös nii laia ja armastava peegelduse, mida ükski teine ​​riik tol ajal ei teadnud.

John Constable (1776-1837) oli üks esimesi Euroopa maastikuajaloos, kes kirjutas visandeid täielikult elust, pöördudes looduse vahetu vaatluse poole. Tema maalid on oma motiividelt lihtsad: külad, talud, kirikud, jõe- või mererannariba: "Hay Wagon", Dethami org, "Salisbury katedraal piiskopi aiast". Konstaabli tööd andsid Prantsusmaal tõuke realistliku maastiku kujunemisele.

William Turner (1775-1851) – meremaalija . Teda köitis tormine meri, hoovihmad, äikesetormid, üleujutused, tornaadod: “Laeva “Brave” viimane reis, “Äike üle Piazzetta”. Julged koloristlikud uurimistööd ja haruldased valgusefektid muudavad tema maalid mõnikord säravateks fantasmagoorilisteks vaatemängudeks: „Londoni parlamendi tulekahju”, „Blizzard. Aurik lahkub sadamast ja saadab madalasse vette sattudes hädasignaale. .

Turnerile kuulub esimene maal rööbastel sõitvast auruvedurist – industrialiseerimise sümbolist. Filmis "Vihm, aur ja kiirus" kihutab auruvedur mööda Thamesi läbi uduse vihmaudu. Kõik materiaalsed objektid näivad sulanduvat miraažipildiks, mis annab suurepäraselt edasi kiiruse tunnet.

Turneri ainulaadne valgus- ja värviefektide uurimus eeldas suuresti prantsuse impressionistide kunstnike avastusi.

1848. aastal tekkis Inglismaalprerafaeliitide vennaskond (ladina keelest prae - “enne” ja Raphael), mis ühendas kunstnikke, kes ei aktsepteerinud oma kaasaegset ühiskonda ja akadeemilise koolkonna kunsti. Nad nägid oma ideaali keskaja ja vararenessansi kunstis (sellest ka nimi). Vennaskonna peamised liikmed onWilliam Holman Hunt, John Everett Millais, Dante Gabriel Rossetti. Oma varajastes töödes kasutasid need kunstnikud allkirjade asemel lühendit RV .

Armastus antiikaja vastu oli sarnane prerafaeliitide romantikutega. Nad pöördusid piibellike teemade poole (W. H. Hunti "Maailma valgus" ja "Truudusetu karjane"; D. G. Rossetti "Maarja lapsepõlv" ja "Maarja kuulutamine", stseenid keskaja ajaloost ja näidendid W. Shakespeare (Millais "Ophelia").

Selleks, et maalida inimfiguure ja esemeid nende loomulikus suuruses, suurendasid prerafaeliidid oma lõuendi suurust ja tegid elust maastikuvisandeid. Nende maalide tegelastel olid prototüübid päris inimeste seas. Näiteks kujutas D. G. Rossetti peaaegu kõigis oma teostes oma armastatut Elizabeth Siddalit, jäädes keskaegse rüütli kombel oma armastatule truuks ka pärast tema enneaegset surma (“Sinine siidikleit”, 1866).

Prerafaeliitide ideoloog oliJohn Ruskin (1819-1900) - inglise kirjanik, kunstikriitik ja kunstiteoreetik, kuulsa raamatusarja “Modern Artists” autor.

Prerafaeliitide looming mõjutas märkimisväärselt paljusid kunstnikke ja kujunes sümboolika esilekutsujaks kirjanduses (W. Pater, O. Wilde) ja kaunites kunstides (O. Beardsley, G. Moreau jt).

Hüüdnimi "naatsaretid" võis tuleneda Galileas asuva Naatsareti linna nimest, kus Jeesus Kristus sündis. Teise versiooni kohaselt tekkis see analoogia põhjal naatsaretlaste iidse juudi usukogukonna nimega. Samuti on võimalik, et grupi nimi tulenes keskajal levinud ja A. Düreri autoportree järgi tuntud traditsioonilisest "alla nazarena" soengu nimetusest: taastati keskelt poolitatud pikkade juuste kandmise viis. Overbecki poolt.

Biidermeier(saksa keeles “vapper Meyer”, vilist) on saksa luuletaja Ludwig Eichrodti luulekogu väljamõeldud tegelase perekonnanimi. Eichrodt lõi paroodia reaalsest inimesest – Samuel Friedrich Sauterist, vanast õpetajast, kes kirjutas naiivset luulet. Eichrodt rõhutas oma karikatuuris biidermeieri mõtlemise filistilist primitiivsust, millest sai ajastu omamoodi paroodia sümbol. mustade, pruunide ja rohekate värvide laiaulatuslikud jooned annavad edasi tormi raevu. Vaataja pilk näib olevat keerise keskel, laev näib olevat lainete ja tuule mänguasi.

Romantism kui maaliliik kujunes Lääne-Euroopas 18. sajandi lõpul. Romantism saavutas enamiku Lääne-Euroopa riikide kunstis oma hiilgeajad 20.–30. 19. sajand.

Termin "romantism" ise pärineb sõnast "romaan" (17. sajandil olid romaanid kirjandusteosed, mis ei kirjutatud mitte ladina keeles, vaid sellest tuletatud keeltes - prantsuse, inglise jne). Hiljem hakati kõike arusaamatut ja salapärast romantiliseks nimetama.

Kultuurinähtusena kujunes romantism Suure Prantsuse Revolutsiooni tulemuste genereeritud erilisest maailmavaatest. Valgustusajastu ideaalides pettunud, harmoonia ja terviklikkuse poole püüdlevad romantikud lõid uusi esteetilisi ideaale ja kunstiväärtusi. Nende peamiseks tähelepanuobjektiks olid silmapaistvad tegelased kõigi oma kogemuste ja vabadusihaga. Romantiliste teoste kangelane on erakordne inimene, kes saatuse tahtel satub rasketesse eluoludesse.

Kuigi romantism tekkis protestina klassitsismi kunsti vastu, oli see paljuski lähedane viimasele. Romantikud olid osalt sellised klassitsismi esindajad nagu N. Poussin, C. Lorrain, J. O. D. Ingr.

Romantikud tõid maalikunsti sisse ainulaadseid rahvuslikke jooni, st midagi, millest klassitsistide kunstis puudus.
Prantsuse romantismi suurim esindaja oli T. Gericault.

Theodore Gericault

Theodore Gericault, suur prantsuse maalikunstnik, skulptor ja graafik, sündis 1791. aastal Rouenis jõukas peres. Tema anne kunstnikuna avaldus üsna varakult. Sageli istus Gericault koolitundides käimise asemel tallis ja joonistas hobuseid. Juba siis püüdis ta mitte ainult loomade väliseid tunnuseid paberile kanda, vaid ka anda edasi nende olemust ja iseloomu.

Pärast lütseumi lõpetamist 1808. aastal sai Gericault’st tollase kuulsa maalimeistri Carl Vernet’ õpilane, kes oli kuulus oma oskuse poolest lõuendil hobuseid kujutada. Noorele kunstnikule Verneti stiil aga ei meeldinud. Varsti lahkub ta töökojast ja läheb õppima teise, mitte vähem andeka maalikunstniku kui Vernet, P. N. Guerini juurde. Olles õppinud kahe kuulsa kunstniku juures, ei jätkanud Gericault oma maalikunsti traditsioone. Tema tõelisteks õpetajateks tuleks suure tõenäosusega pidada J. A. Grosi ja J. L. Davidit.

Gericault’ varased teosed eristuvad selle poolest, et need on võimalikult elulähedased. Sellised maalid on ebatavaliselt ekspressiivsed ja pateetilised. Need näitavad autori entusiastlikku meeleolu teda ümbritseva maailma hindamisel. Näiteks on 1812. aastal loodud maal pealkirjaga "Imperial Horse Chasseurs rünnaku ajal". Seda maali nägid esmakordselt Pariisi salongi külastajad. Nad võtsid noore kunstniku töö vastu imetlusega, hinnates noore meistri annet.

Teos loodi sel Prantsuse ajaloo perioodil, mil Napoleon oli oma hiilguse haripunktis. Tema kaasaegsed jumaldasid teda kui suurt keisrit, kellel õnnestus vallutada suurem osa Euroopast. Just sellises meeleolus, Napoleoni armee võitude mulje all, pilt maaliti. Lõuendil on kujutatud sõdurit, kes galopeerib hobuse seljas, et rünnata. Tema nägu väljendab otsusekindlust, julgust ja kartmatust surma ees. Kogu kompositsioon
ebatavaliselt dünaamiline ja emotsionaalne. Vaatajal tekib tunne, et temast endast saab lõuendil kujutatud sündmuste tõeline osaline.

Vapra sõduri kuju esineb Gericault teostes rohkem kui üks kord. Selliste piltide hulgas pakuvad erilist huvi aastatel 1812–1814 loodud maalide “Karabinjeeride ohvitser”, “Kirjeohvitser enne rünnakut”, “Karabinjeeride portree”, “Haavatud kirassier” kangelased. Viimane töö on tähelepanuväärne selle poolest, et seda esitleti järgmisel, samal aastal Salongis toimunud näitusel. Kuid see pole kompositsiooni peamine eelis. Veelgi olulisem on see, et see näitas kunstniku loomingulises stiilis toimunud muutusi. Kui tema esimestel lõuenditel peegeldusid siirad isamaalised tunded, siis 1814. aastast pärinevates töödes annab paatos kangelaste kujutamisel teed draamale.

Sellist kunstniku meeleolu muutust seostati taas tollal Prantsusmaal toimunud sündmustega. 1812. aastal sai Napoleon Venemaal lüüa ja seetõttu omandas ta, kes oli kunagi hiilgav kangelane, oma kaasaegsete seas ebaõnnestunud väejuhi ja üleoleva uhke mehe kuulsuse. Gericault kehastab ideaalset pettumust maalil “Haavatud kürassier”. Lõuendil on kujutatud haavatud sõdalast, kes üritab kiiresti lahinguväljalt lahkuda. Ta toetub mõõgale – relvale, mida ta võib-olla vaid mõni minut tagasi hoidis kõrgele õhku tõstes.

Just Géricault' rahulolematus Napoleoni poliitikaga tingis tema asumise Louis XVIII teenistusse, kes astus Prantsusmaa troonile aastal 1814. Pessimistlikud tunded olid seotud ka sellega, et pärast Napoleoni teistkordset võimuhaaramist Prantsusmaal (saja päeva periood) noor kunstnik lahkus koos Bourbonsiga oma kodumaalt. Kuid isegi siin oli ta pettunud. Noormees ei saanud rahulikult pealt vaadata, kuidas kuningas hävitas kõik Napoleoni valitsusajal saavutatu. Lisaks tugevnes Louis XVIII ajal feodaal-katoliiklik reaktsioon, riik veeres üha kiiremini tagasi, pöördudes tagasi vana riigistruktuuri juurde. Noor, edumeelne inimene ei suutnud sellega leppida. Varsti lahkub noormees, olles kaotanud usu oma ideaaldesse, Louis XVIII juhitud armeest ning võtab uuesti pintslid ja värvid. Neid aastaid ei saa nimetada kunstniku loomingus helgeteks ega millekski tähelepanuväärseks.

1816. aastal läks Gericault reisile Itaaliasse. Olles käinud Roomas ja Firenzes ning uurinud kuulsate meistrite meistriteoseid, tekkis kunstnikul huvi monumentaalmaali vastu. Tema tähelepanu köidavad eriti Michelangelo freskod, mis kaunistasid Sixtuse kabelit. Sel ajal lõi Gericault teoseid, mille ulatus ja majesteetlikkus meenutasid paljuski kõrgrenessansi maalikunstnike maale. Nende hulgas on kõige huvitavamad "Nümfi röövimine kentauri poolt" ja "Mees, kes kukutas härja".

Samad vanameistrite maneerijooned on nähtavad ka maalil “Vabade hobuste jooks Roomas”, mis on kirjutatud umbes 1817. aastal ja mis kujutab ratsutajate võistlusi ühel Roomas toimuval karnevalil. Selle kompositsiooni eripära on see, et kunstnik koostas selle varem tehtud loodusjoonistustest. Pealegi erineb visandite olemus märgatavalt kogu teose stiilist. Kui esimesed on stseenid, mis kirjeldavad roomlaste - kunstniku kaasaegsete - elu, siis üldine kompositsioon sisaldab pilte julgetest iidsetest kangelastest, mis tekivad justkui iidsetest narratiividest. Selles järgib Gericault J. L. Davidi teed, kes, et anda pildile kangelaslikku paatost, riietas oma kangelased iidsetesse vormidesse.

Varsti pärast selle maali maalimist naasis Gericault Prantsusmaale, kus temast sai maalikunstnik Horace Vernet' ümber moodustatud opositsiooniringi liige. Pariisi saabudes tundis kunstnik erilist huvi graafika vastu. 1818. aastal lõi ta hulga sõjateemalisi litograafiaid, millest olulisim oli "Tagasitulek Venemaalt". Litograafial on kujutatud lüüa saanud Prantsuse armee sõdureid ekslemas üle lumise välja. Invaliidide ja sõjast väsinud inimeste figuurid on kujutatud elutruult ja tõetruult. Kompositsioonis puudub paatos ega kangelaslik paatos, mis oli iseloomulik Gericault’ varastele teostele. Kunstnik püüab kajastada asjade tegelikku seisu, kõiki katastroofe, mida nende komandöri hüljatud prantsuse sõdurid pidid võõral maal üle elama.

Teoses “Tagasitulek Venemaalt” kõlas esmakordselt inimese võitlus surmaga. Kuid siin ei väljendu see motiiv veel nii selgelt kui Gericault’ hilisemates töödes. Selliste maalide näide on maal nimega "Medusa parv". See maaliti 1819. aastal ja eksponeeriti samal aastal Pariisi salongis. Lõuendil on kujutatud inimesi, kes võitlevad märatsevate veeelementidega. Kunstnik ei näita mitte ainult nende kannatusi ja piinu, vaid ka nende soovi väljuda võitluses surmaga iga hinna eest võitjana.

Kompositsiooni süžee dikteerib sündmus, mis leidis aset 1816. aasta suvel ja erutas kogu Prantsusmaad. Tollane kuulus fregatt “Medusa” tabas riffi ja uppus Aafrika rannikul. Laeval viibinud 149 inimesest pääses põgenema vaid 15, kelle hulgas olid ka kirurg Savigny ja insener Correar. Koju jõudes andsid nad välja väikese raamatu, mis rääkis oma seiklustest ja õnnelikust pääsemisest. Just nendest mälestustest said prantslased teada, et õnnetus juhtus kogenematu laevakapteni süül, kes sattus pardale tänu õilsa sõbra patroonile.

Gericault’ loodud pildid on ebatavaliselt dünaamilised, paindlikud ja ekspressiivsed, milleni kunstnik jõudis pika ja vaevarikka tööga. Et kohutavaid sündmusi lõuendil tõepäraselt kujutada, anda edasi merel hukkuvate inimeste tundeid, kohtub kunstnik tragöödia pealtnägijatega, uurib pikka aega ühes Pariisi haiglas ravil olevate kurnatud patsientide nägusid. samuti meremehed, kellel õnnestus pärast laevaõnnetusi põgeneda. Sel ajal lõi maalikunstnik suure hulga portreetöid.

Sügavat tähendust täidab ka mäslev meri, mis justkui üritaks habrast puuparve koos inimestega alla neelata. See pilt on ebatavaliselt väljendusrikas ja dünaamiline. Nii nagu inimfiguuridki, kopeeriti see elust: kunstnik tegi mitu visandit, mis kujutasid merd tormi ajal. Monumentaalse kompositsiooni kallal töötades pöördus Gericault korduvalt varem koostatud visandite poole, et elementide olemust täielikult kajastada. Seetõttu jätab pilt vaatajale tohutu mulje, veendes teda toimuva realistlikkuses ja tõepärasuses.

"Medusa parv" esitleb Géricault'd kui tähelepanuväärset kompositsioonimeistrit. Kunstnik mõtles pikka aega, kuidas pildil olevaid figuure paigutada, et autori kavatsust kõige täielikumalt väljendada. Teel tehti mitmeid muudatusi. Maalile eelnenud visandid viitavad sellele, et algselt soovis Géricault kujutada parvel olevate inimeste omavahelist võitlust, kuid hiljem loobus sellisest sündmuse tõlgendamisest. Lõplikus versioonis kujutab lõuend hetke, mil juba meeleheitel inimesed näevad silmapiiril Arguse laeva ja sirutavad selle poole käed. Maali viimane täiendus oli lõuendi alla, paremale küljele paigutatud inimfiguur. Just tema oli kompositsiooni viimane lihv, mis pärast seda omandas sügavalt traagilise iseloomu. Tähelepanuväärne on, et see muudatus tehti siis, kui maal oli juba Salongis väljas.

Géricault’ maal meenutab oma monumentaalsuse ja kõrgendatud emotsionaalsusega paljuski kõrgrenessansi meistrite loomingut (enamasti Michelangelo “Viimne kohtuotsus”), kellega kunstnik kohtus Itaalia-reisil.

Maal “Medusa parv”, millest sai prantsuse maalikunsti meistriteos, saavutas tohutu edu opositsiooniringkondades, kes nägid selles revolutsiooniliste ideaalide peegeldust. Samadel põhjustel ei võetud teost Prantsusmaa kõrgeima aadli ja kaunite kunstide ametlike esindajate hulka. Seetõttu ei ostnud riik maali toona autorilt.

Pettunud kodumaal oma loomingule osaks saanud vastuvõtus, läheb Gericault Inglismaale, kus esitleb brittidele oma lemmikteost. Londonis võtsid kunstigurmaanid kuulsa maali suure rõõmuga vastu.

Gericault saab lähedaseks inglise kunstnikele, kes köidavad teda oskusega kujutada reaalsust siiralt ja tõetruult. Géricault pühendab Inglismaa pealinna elule ja igapäevaelule rea litograafiaid, millest kõige huvitavamad on teosed "Suur inglise süit" (1821) ja "Vana kerjus suremas pagariäri uksel" ( 1821). Viimases kujutas kunstnik Londoni trampi, kelle kujutis peegeldas muljeid, mille maalikunstnik sai linna töölisklassi linnaosa inimeste elu uurides.

Samas tsüklis olid sellised litograafiad nagu “Flandria sepp” ja “Adelphini dokitehase väravates”, mis toovad vaataja ette pildi tavainimeste elust Londonis. Nendes töödes on huvitavad hobuste kujutised, rasked ja rasked. Need erinevad märgatavalt nendest graatsilistest ja graatsilistest loomadest, kelle on maalinud teised kunstnikud - Gericault kaasaegsed.

Inglismaa pealinnas viibides lõi Gericault mitte ainult litograafiaid, vaid ka maale. Selle perioodi üks silmapaistvamaid töid oli 1821. aastal loodud lõuend “Racing at Epsom”. Maalil kujutab kunstnik täiskiirusel jooksvaid hobuseid, kelle jalad ei puuduta üldse maad. Meister kasutab seda kavalat tehnikat (foto tõestas, et hobuste säärane jalgade asend joostes on võimatu; see on kunstniku ettekujutus), et anda kompositsioonile dünaamilisust, luua vaatajas mulje hobuste välkkiirest liikumisest. hobused. Seda tunnet suurendab inimfiguuride plastilisuse (asendid, žestid) täpne esitus, aga ka erksate ja rikkalike värvikombinatsioonide kasutamine (punane, lahe, valged hobused; rikkalik sinine, tumepunane, valge-sinine ja kuldne -kollased džokijakid).

Hobuste võidusõidu teema, mis oma erilise väljendusviisiga oli pikka aega kunstniku tähelepanu köitnud, kordus Gericault' teostes pärast töö lõpetamist "The Epsom Races".

1822. aastaks lahkus kunstnik Inglismaalt ja naasis kodumaale Prantsusmaale. Siin loob ta suuri lõuendeid, mis sarnanevad renessansiajastu meistrite töödega. Nende hulgas on “Neegrikaubandus”, “Hispaania inkvisitsioonivangla uste avamine”. Need maalid jäid pooleli – surm takistas Gericault’ tööd lõpetamast.

Erilist huvi pakuvad portreed, mille kunstiajaloolaste looming ulatub ajavahemikku 1822–1823. Erilist tähelepanu väärib nende maalimise ajalugu. Fakt on see, et need portreed tellis kunstniku sõber, kes töötas ühes Pariisi kliinikus psühhiaatrina. Need pidid saama omamoodi illustratsioonideks, mis demonstreerisid erinevaid inimeste vaimuhaigusi. Nii said maalitud portreed “Pöörane vana naine”, “Hullumees”, “Hullumees kujutlemas end komandöriks”. Maalimeistri jaoks oli oluline mitte niivõrd haiguse väliste tunnuste ja sümptomite näitamine, kuivõrd haige inimese sisemise, vaimse seisundi edasiandmine. Lõuenditel kerkivad vaataja ette traagilised kujundid inimestest, kelle silmad on täis valu ja kurbust.

Gericault’ portreede seas on erilisel kohal praegu Roueni muuseumi kogus olev mustanahalise mehe portree. Vaatajale vaatab lõuendilt vastu sihikindel ja tahtejõuline mees, kes on valmis tema vastu vaenulike jõududega lõpuni võitlema. Pilt on ebatavaliselt särav, emotsionaalne ja väljendusrikas. Sellel pildil olev mees on väga sarnane nende tahtejõuliste kangelastega, keda Géricault näitas varem suurtes kompositsioonides (näiteks lõuendil “Medusa parv”).

Gericault polnud mitte ainult maalimeister, vaid ka suurepärane skulptor. Tema teosed selles kunstivormis 19. sajandi alguses esindasid esimesi romantiliste skulptuuride näiteid. Selliste teoste hulgas pakub erilist huvi ebatavaliselt ekspressiivne kompositsioon “Nümf ja satyr”. Liikumisse tardunud pildid annavad täpselt edasi inimkeha plastilisust.

Theodore Gericault suri traagiliselt 1824. aastal Pariisis hobuse seljast kukkudes. Tema varajane surm oli üllatus kõigile kuulsa kunstniku kaasaegsetele.

Gericault’ looming tähistas maalikunsti arengus uut etappi mitte ainult Prantsusmaal, vaid ka maailmakunstis – romantismi perioodi. Oma töödes ületab meister klassitsistlike traditsioonide mõju. Tema tööd on ebatavaliselt värvikad ja peegeldavad loodusmaailma mitmekesisust. Tuues kompositsioonile inimfiguure, püüab kunstnik paljastada inimese sisemised kogemused ja emotsioonid võimalikult täielikult ja selgelt.

Pärast Gericault' surma võttis tema romantilise kunsti traditsioonid üle kunstniku noorem kaasaegne E. Delacroix.

Eugene Delacroix

Ferdinand Victor Eugene Delacroix, kuulus prantsuse kunstnik ja graafik, Gericault loomingus väljakujunenud romantismi traditsioonide jätkaja, sündis 1798. aastal. Ilma Keiserlikus Lütseumis haridusteed omandamata astus Delacroix 1815. aastal kuulsa meistri juurde koolitusele. Guerin. Noore maalikunstniku kunstilised meetodid ei vastanud aga õpetaja nõudmistele, nii et seitse aastat hiljem lahkus noormees ta juurest.

Guerini juures õppides pühendas Delacroix palju aega Taaveti ja renessansiajastu maalimeistrite loomingu uurimisele. Ta peab antiikaja kultuuri, mille traditsioone järgis Taavet, maailmakunsti arengu põhialuseks. Seetõttu olid Delacroix’ esteetilisteks ideaalideks Vana-Kreeka luuletajate ja mõtlejate teosed, eriti kõrgelt hindas kunstnik Homerose, Horatiuse ja Marcus Aureliuse teoseid.

Delacroix' esimesed tööd olid lõpetamata lõuendid, kus noor maalikunstnik püüdis kajastada kreeklaste võitlust türklastega. Kunstnikul nappis aga ekspressiivse maali loomiseks oskusi ja kogemusi.

1822. aastal eksponeeris Delacroix Pariisi salongis oma tööd pealkirjaga "Dante ja Virgil". See ebatavaliselt emotsionaalne ja erksavärviline lõuend meenutab paljuski Gericault' teost "Medusa parv".

Kaks aastat hiljem esitleti salongis publiku ette teist Delacroix' maali "Massamr Chiose linnas". Just siin kehastus kunstniku kauaaegne plaan näidata kreeklaste võitlust türklastega. Pildi üldine kompositsioon koosneb mitmest osast, mis moodustavad eraldi paigutatud inimrühmad, millest igaühel on oma dramaatiline konflikt. Üldiselt jätab teos sügava traagika mulje. Pingetunnet ja dünaamilisust suurendab tegelaste figuure moodustavate sujuvate ja teravate joonte kombinatsioon, mis toob kaasa kunstniku kujutatava isiku proportsioonide muutumise. Ent just tänu sellele omandab pilt realistliku iseloomu ja elutruu veenvuse.

Delacroix’ loomemeetod, mis on täielikult väljendatud „Massamõrvas Chioses”, on kaugel klassitsistlikust stiilist, mis tollal Prantsusmaa ametlikes ringkondades ja kaunite kunstide esindajate seas aktsepteeriti. Seetõttu pälvis noore kunstniku maal Salongis karmi kriitikat.

Ebaõnnestumisest hoolimata jääb maalikunstnik oma ideaalile truuks. Aastal 1827 ilmus veel üks teos, mis oli pühendatud Kreeka rahva iseseisvusvõitluse teemale - "Kreeka Missolonghi varemetel". Siin lõuendil kujutatud sihikindla ja uhke kreeklanna kuju kehastab vallutamata Kreekat.

1827. aastal teostas Delacroix kaks teost, mis peegeldasid meistri loomingulisi otsinguid kunstilise väljenduse vahendite ja meetodite vallas. Need on maalid “Sardanapaluse surm” ja “Marino Faliero”. Esimeses neist antakse olukorra traagikat edasi inimfiguuride liikumises. Staatiline ja rahulik on siin vaid Sardanapaluse enda pilt. Kompositsioonis “Marino Faliero” on dünaamiline vaid peategelase kuju. Ülejäänud kangelased näisid olevat õudusest tardunud, mõeldes sellele, mis juhtuma hakkab.

20ndatel XIX sajandil Delacroix'l valmis hulk teoseid, mille süžeed olid võetud kuulsatest kirjandusteostest. 1825. aastal külastas kunstnik William Shakespeare'i kodumaad Inglismaad. Samal aastal valmis selle teekonna ja kuulsa näitekirjaniku Delacroix’ tragöödia mõjul litograafia “Macbeth”. Ajavahemikul 1827–1828 lõi ta litograafia "Faust", mis oli pühendatud Goethe samanimelisele teosele.

Seoses 1830. aastal Prantsusmaal aset leidnud sündmustega maalis Delacroix maali "Vabadus juhib rahvast". Revolutsioonilist Prantsusmaad esitletakse noore, tugeva naise, jõulise, otsustusvõimelise ja sõltumatu, julgelt rahvahulka juhtiva naise kujundis, milles paistavad silma töölise, õpilase, haavatud sõduri, Pariisi gameni figuurid (pilt, mis eeldas Gavroche, kes ilmus hiljem V. Hugo filmis Les Miserables ).

See töö erines märgatavalt teiste kunstnike samalaadsetest töödest, keda huvitas ainult selle või teise sündmuse tõene edasiandmine. Delacroix’ loodud maale iseloomustas kõrge kangelaslik paatos. Siinsed pildid on prantslaste vabaduse ja iseseisvuse üldistatud sümbolid.

Kodanliku kuninga Louis Philippe'i võimuletulekuga ei leidnud Delacroix' jutlustatud kangelaslikkus ja ülevad tunded tänapäeva elus kohta. 1831. aastal võttis kunstnik ette reisi Aafrika riikidesse. Ta külastas Tangerit, Meknesi, Orani ja Alžiirit. Samal ajal külastab Delacroix Hispaaniat. Ida elu võlub kunstnikku sõna otseses mõttes oma kiire vooluga. Ta loob visandeid, jooniseid ja erinevaid akvarellitöid.

Pärast Maroko külastamist maalis Delacroix idale pühendatud lõuendid. Maalid, millel kunstnik näitab hobuste võidusõite või mauride ratsanike lahinguid, on ebatavaliselt dünaamilised ja ekspressiivsed. Võrdluseks, 1834. aastal loodud kompositsioon “Alžeeria naised oma kambrites” tundub rahulik ja staatiline. Selles puudub kunstniku varasematele töödele omane kiire dünaamilisus ja pinge. Delacroix esineb siin värvimeistrina. Maalikunstniku kasutatud värvilahendus peegeldab täielikult paleti eredat mitmekesisust, mida vaataja seostab idamaade värvidega.

Umbes 1841. aastal maalitud lõuendit “Juudi pulmad Marokos” iseloomustab sama aeglus ja korrapärasus. Tänu kunstniku poolt rahvusliku interjööri ainulaadsele ilmele luuakse siin salapärane idamaine atmosfäär. Kompositsioon tundub üllatavalt dünaamiline: maalikunstnik näitab, kuidas inimesed liiguvad trepist üles ja sisenevad ruumi. Tuppa sisenev valgus muudab pildi realistlikuks ja veenvaks.

Idamaised motiivid olid Delacroix' töödes veel pikka aega olemas. Nii oli 1847. aastal Salongis korraldatud näitusel tema esitletud kuuest tööst viis pühendatud ida elule ja elulaadile.

30-40ndatel. 19. sajandil ilmusid Delacroix’ loomingusse uued teemad. Sel ajal loob meister ajalooteemalisi teoseid. Nende hulgas väärivad erilist tähelepanu maalid “Mirabeau protest mõisate laialisaatmise vastu” ja “Boissy d’Anglas”. Viimase eskiis, mida näidati 1831. aastal Salongis, on ilmekas näide rahvaülestõusu teemalistest kompositsioonidest.

Maalid “Poitiers’ lahing” (1830) ja “Taibourgi lahing” (1837) on pühendatud rahva kuvandile. Lahingu dünaamikat, inimeste liikumist, nende raevu, viha ja kannatusi näidatakse siin täie realistlikkusega. Kunstnik püüab anda edasi inimese emotsioone ja kirgi, keda valdab soov iga hinna eest võita. Just inimeste figuurid on sündmuse dramaatilisuse edasiandmisel peamised.

Väga sageli on Delacroix’ teostes võitja ja võidetu teravalt vastandatud. See on eriti selgelt näha 1840. aastal maalitud lõuendil “Konstantinoopoli vallutamine ristisõdijate poolt”. Esiplaanil on grupp inimesi, keda valdab lein. Nende taga on veetlev, lummav maastik. Siia on paigutatud ka võidukate ratsanike figuurid, kelle ähvardavad siluetid on kontrastiks esiplaanil olevate leinavate figuuridega.

Konstantinoopoli vallutamine ristisõdijate poolt esitleb Delacroixit kui tähelepanuväärset koloristi. Erksad ja küllastunud värvid aga ei võimenda traagilist printsiipi, mille väljendajateks on vaataja lähedal paiknevad leinad kujundid. Vastupidi, rikkalik palett loob võitjate auks korraldatud puhkuse tunde.

Vähem värvikas pole ka samal 1840. aastal loodud kompositsioon “Trajan’s Justice”. Kunstniku kaasaegsed tunnistasid selle maali üheks parimaks kunstniku maalide seas. Eriti huvitav on asjaolu, et töö käigus katsetab meister värvivaldkonnas. Isegi tema varjud võtavad mitmesuguseid toone. Kõik kompositsiooni värvid vastavad täpselt loodusele. Töö teostamisele eelnesid maalija pikad vaatlused varjundite muutumisest looduses. Kunstnik pani need oma päevikusse kirja. Seejärel kinnitasid teadlased ülestähenduste järgi, et Delacroixi avastused tonaalsuse vallas olid täielikult kooskõlas tol ajal sündinud värviõpetusega, mille rajajaks oli E. Chevreuil. Lisaks võrdleb kunstnik oma avastusi Veneetsia koolkonna kasutatud paletiga, mis oli tema jaoks maalioskuse näide.

Delacroix' maalide seas on portreedel eriline koht. Meister pöördus selle žanri poole harva. Ta maalis ainult neid inimesi, kellega ta oli pikka aega tuttav ja kelle vaimne areng toimus kunstniku silme all. Seetõttu on portreede kujutised väga ilmekad ja sügavad. Need on Chopini ja Georges Sandi portreed. Kuulsale kirjanikule pühendatud lõuendil (1834) on kujutatud üllast ja tahtejõulist naist, kes rõõmustab oma kaasaegseid. Neli aastat hiljem, 1838. aastal maalitud Chopini portree esitab poeetilise ja vaimse kujundi suurest heliloojast.

Huvitav ja ebatavaliselt ekspressiivne portree kuulsast viiuldajast ja heliloojast Paganinist, mille Delacroix maalis umbes 1831. Paganini muusikastiil sarnanes paljuski kunstniku maalimismeetodiga. Paganini loomingut iseloomustab sama väljendus ja intensiivne emotsionaalsus, mis olid omased maalija töödele.

Maastikud hõivavad Delacroix’ loomingus väikese koha. Ometi osutusid need 19. sajandi teisel poolel prantsuse maalikunsti arengule väga tähendusrikkaks. Delacroix' maastikke iseloomustab soov anda täpselt edasi valgust ja looduse tabamatut elu. Selle ilmekateks näideteks on lõuendid “Taevas”, kus dünaamika tunnetatakse tänu taevas hõljuvatele lumivalgetele pilvedele, ja “Dieppe’i kaldalt nähtav meri” (1854), milles maalikunstnik annab meisterlikult edasi. kergete purjelaevade liuglemine merepinnal.

1833. aastal sai kunstnik Prantsuse kuningalt käsu maalida Bourboni palee saal. Töö monumentaalteose loomisel kestis neli aastat. Tellimuse täitmisel lähtus maalikunstnik eelkõige sellest, et pildid oleksid ülimalt lihtsad ja ülevaatlikud, vaatajale arusaadavad.
Delacroix' viimane töö oli Pühade Inglite kabeli maal Saint-Sulpice'i kirikus Pariisis. See teostati ajavahemikul 1849–1861. Kasutades erksaid rikkalikke värve (roosa, eresinine, lilla, asetatud tuhasinisele ja kollakaspruunile taustale), loob kunstnik kompositsioonides rõõmsa meeleolu, tekitades tunde. vaatajas entusiastlik rõõmustamine. Maalile “Iliodori templist väljasaatmine” omalaadse taustana lisatud maastik suurendab visuaalselt kompositsiooni ja kabeli ruumide avarust. Teisalt, justkui püüdes rõhutada suletud ruumi, toob Delacroix kompositsiooni sisse trepi ja balustraadi. Selle taha paigutatud inimeste figuurid tunduvad peaaegu tasased siluetid.

Eugene Delacroix suri 1863. aastal Pariisis.

Delacroix oli 19. sajandi esimese poole maalikunstnikest kõige haritum. Paljud tema maalide teemad on võetud kuulsate sulemeistrite kirjandusteostest. Huvitav fakt on see, et enamasti maalis kunstnik oma tegelasi ilma modelli kasutamata. Ta püüdis sama õpetada oma järgijatele. Delacroix’ sõnul on maalimine midagi keerukamat kui joonte primitiivne kopeerimine. Kunstnik uskus, et kunst seisneb ennekõike võimes väljendada meistri meeleolu ja loomingulisi kavatsusi.

Delacroix on mitmete teoreetiliste tööde autor, mis on pühendatud kunstniku värvide, meetodi ja stiili küsimustele. Need tööd olid majakaks järgmiste põlvkondade maalikunstnikele kompositsioonide loomiseks kasutatavate kunstiliste vahendite otsimisel.

19. sajandi algus oli Venemaal kultuurilise ja vaimse tõusu aeg. Kui majanduslikus ja sotsiaalpoliitilises arengus jäi Venemaa arenenud Euroopa riikidest maha, siis kultuurisaavutustes mitte ainult ei astunud ta nendega sammu, vaid oli sageli ka ees. Vene kultuuri areng 19. sajandi esimesel poolel põhines eelmise aja transformatsioonidel. Kapitalistlike suhete elementide tungimine majandusse on suurendanud vajadust kirjaoskajate ja haritud inimeste järele. Linnadest said suured kultuurikeskused.

Ühiskondlikesse protsessidesse tõmmati uusi ühiskonnakihte. Kultuur arenes välja vene rahva üha suureneva rahvusliku eneseteadvuse taustal ja oli sellega seoses selgelt rahvusliku iseloomuga. Tal oli märkimisväärne mõju kirjandusele, teatrile, muusikale ja kaunitele kunstidele. 1812. aasta Isamaasõda, mis kiirendas enneolematul määral vene rahva rahvusliku eneseteadvuse kasvu ja selle kinnistamist. Toimus teiste Venemaa rahvaste vene rahvaga lähenemine.

19. sajandi algust nimetatakse õigustatult vene maalikunsti kuldajaks. Just siis jõudsid vene kunstnikud oskuste tasemeni, mis seadis nende teosed Euroopa kunsti parimate näidetega võrdsele tasemele.

Kolm nime paljastavad 19. sajandi vene maalikunsti - Kiprensky , Tropiniin , Venetsianov. Igaühel on erinev päritolu: ebaseaduslik maaomanik, pärisorja ja kaupmehe järeltulija. Igaühel on oma loominguline püüdlus - romantiline, realist ja "külalüürik".

Hoolimata oma varasest kirest ajaloolise maali vastu on Kiprensky tuntud eelkõige silmapaistva portreemaalijana. Võime öelda, et 19. sajandi alguses. temast sai esimene vene portreemaalija. 18. sajandil kuulsaks saanud vanameistrid ei suutnud temaga enam võistelda: Rokotov suri 1808. aastal, temast 14 aastat ellu jäänud Levitski ei maalinud enam silmahaiguse tõttu ja Borovikovski, kes ei elanud mitut. kuud enne dekabristide ülestõusu töötas väga vähe.

Kiprenskil oli õnn saada oma aja kunstikroonik. “Ajalugu nägudes” võib pidada tema portreeks, millel on kujutatud paljusid ajaloosündmustes osalejaid, mille kaasaegne ta oli: 1812. aasta sõja kangelasi, dekabristide liikumise esindajaid. Kasuks tuli ka pliiatsijoonistamise tehnika, mille õpetamisele Kunstiakadeemias tõsist tähelepanu pöörati. Kiprensky lõi sisuliselt uue žanri - pildiportree.

Kiprenski lõi palju portreesid vene kultuuritegelastest ja loomulikult on neist kuulsaim Puškin. See oli kirjutatud tellimuse alusel Delviga, poeedi lütseumisõber, aastal 1827. Kaasaegsed märkisid portree hämmastavat sarnasust originaaliga. Kunstnik vabastas luuletaja kuvandi igapäevastest joontest, mis on omased samal aastal maalitud Tropinini Puškini portreele. Kunstnik jäädvustas Aleksander Sergejevitši inspiratsioonihetkel, kui teda külastas poeetiline muusa.

Surm tabas kunstnikku tema teisel Itaalia-reisil. Viimastel aastatel on kuulsa maalikunstniku jaoks palju valesti läinud. Algas loominguline madalseis. Vahetult enne surma varjutas tema elu traagiline sündmus: kaasaegsete sõnul süüdistati kunstnikku mõrvas valesti ja ta kartis majast lahkuda. Isegi abiellumine oma itaallasest õpilasega ei muutnud tema viimaseid elupäevi heledamaks.

Võõral maal hukkunud vene maalikunstnikku leinasid vähesed. Nende väheste seas, kes mõistsid tõeliselt, millise meistrite vene kultuur oli kaotanud, oli kunstnik Aleksandr Ivanov, kes viibis sel ajal Itaalias. Neil kurbadel päevadel kirjutas ta: Kiprensky "tegi esimesena vene nime Euroopas tuntuks".

Tropinin sisenes vene kunsti ajalukku silmapaistva portreemaalijana. Ta ütles: "Inimese portree on maalitud tema lähedaste, teda armastavate inimeste mälestuseks." Kaasaegsete andmetel maalis Tropinin umbes 3000 portreed. Kas see nii on, on raske öelda. Üks kunstnikku käsitlevatest raamatutest sisaldab nimekirja 212 täpselt tuvastatud isikust, keda Tropinin kujutas. Tal on ka palju teoseid pealkirjaga “Tundmatu naise portree”. Tropininile poseerisid riigiväärikad, aadlikud, sõdalased, ärimehed, alaealised ametnikud, pärisorjad, haritlased ja vene kultuuritegelased. Nende hulgas: ajaloolane Karamzin, kirjanik Zagoskin, kunstikriitik Odojevski, maalijad Brjullov ja Aivazovski, skulptor Vitali, arhitekt Gilardi, helilooja Aljabjev, näitlejad Štšepkin ja Mo-chalov, näitekirjanik Suhhovo-Kobylin.

Üks Tropinini parimaid töid on tema poja portree. Peab ütlema, et üks 19. sajandi vene kunsti “avastusi”. seal oli lapse portree. Keskajal peeti last väikeseks täiskasvanuks, kes polnud veel suureks saanud. Lapsed olid isegi riietatud riietesse, mis ei erinenud täiskasvanutest: 18. sajandi keskel. tüdrukud kandsid kitsaid korsette ja laiu klappidega seelikuid. Alles 19. sajandi alguses. nad nägid lapses last. Kunstnikud olid esimeste seas, kes seda tegid. Tropinini portrees on palju lihtsust ja loomulikkust. Poiss ei poseeri. Millegi vastu huvi tundes pöördus ta hetkeks ümber: suu oli kergelt lahti, silmad särasid. Lapse välimus on üllatavalt võluv ja poeetiline. Kuldsed sasitud juuksed, avatud, lapselikult lihav nägu, intelligentsete silmade elav pilk. On tunda, kui armastusega maalis kunstnik oma poja portree.

Tropinin maalis autoportreesid kaks korda. Hilisemal, aastast 1846, on kunstnik 70-aastane. Ta kujutas end paleti ja pintslitega käes, toetudes mashtabelile – spetsiaalsele pulgale, mida maalikunstnikud kasutavad. Tema selja taga on majesteetlik Kremli panoraam. Nooruses oli Tropininil kangelaslik jõud ja hea tuju. Autoportree järgi otsustades säilitas ta kehatugevuse ka kõrges eas. Prillidega ümar nägu kiirgab head olemust. Kunstnik suri 10 aastat hiljem, kuid tema pilt jäi järeltulijate mällu - suurepärane, lahke mees, kes rikastas oma andega vene kunsti.

Venetsianov avastas vene maalikunstis talupojateema. Ta oli esimene vene kunstnikest, kes näitas oma lõuenditel oma sünnipärase looduse ilu. Kunstiakadeemia maastikužanri ei soosinud. See oli tähtsuselt eelviimasel kohal, jättes maha veelgi põlastusväärsema – majapidamise. Vaid vähesed meistrid maalisid loodust, eelistades Itaalia või väljamõeldud maastikke.

Paljudes Venetsianovi töödes on loodus ja inimene lahutamatud. Nad on maa ja selle kingitustega sama tihedalt seotud kui talupoeg. Kunstnik lõi oma kuulsamad teosed - "Heinategu", "Põllumaal", "Suvel" - 20ndatel. See oli tema loovuse tipp. Mitte keegi vene kunstis ei suutnud näidata talupojaelu ja talupoegade loomingut nii armastusega ja nii poeetiliselt kui Venetsianov. Maalil "Küntud põllul. Kevad" äestab naine põldu. See raske ja kurnav töö näeb Venetsianovi lõuendil ülev: elegantses sundressis ja kokoshnikus talunaine. Oma kauni näo ja painduva figuuriga meenutab ta iidset jumalannat. Kahe kuuleka hobuse valjadest juhituna ei kõnni ta, vaid näib hõljuvat üle põllu. Elu ümberringi voolab rahulikult, mõõdetult, rahulikult. Haruldased puud haljendavad, üle taeva hõljuvad valged pilved, lõputu näib põld, mille serval istub beebi ja ootab oma ema.

Maal “Lõikusuvel” näib jätkavat eelmist. Saak on küps, põllud on kuldset kõrret täis - käes on saagikoristuse aeg. Esiplaanil, sirp kõrvale pannes, imetab taluperenaine oma last. Taevas, põld ja sellel töötavad inimesed on kunstniku jaoks lahutamatud. Kuid ikkagi on tema tähelepanu põhiobjektiks alati inimene.

Venetsianov lõi terve galerii talupoegade portreedest. See oli vene maalikunsti jaoks uus. 18. sajandil rahvast pärit inimesed ja eriti pärisorjad pakkusid kunstnikele vähe huvi. Kunstiajaloolaste sõnul oli Venetsianov esimene vene maalikunsti ajaloos, kes "püüdis ja taasloos täpselt vene rahvatüübi". “Nõidajad”, “Rukkililledega tüdruk”, “Tüdruk vasikaga”, “Magav karjane” - kaunid pildid talupoegadest, mille on jäädvustanud Venetsianov. Talupoegade laste portreed olid kunstniku loomingus erilisel kohal. Kui hea on "Zakharka" - suurte silmadega, ninaga, suurte huultega poiss, kirves õlal! Tundub, et Zakharka kehastab energilist talupojaloomust, kes on lapsepõlvest tööga harjunud.

Aleksei Gavrilovitš jättis endast hea mälestuse mitte ainult kunstnikuna, vaid ka silmapaistva õpetajana. Ühel Peterburi-visiidil võttis ta õpilaseks ühe algaja kunstniku, siis teise, kolmanda... Nii tekkiski terve kunstikool, mis läks kunstiajalukku Venetsianovski nime all. Veerand sajandi jooksul astus sealt läbi umbes 70 andekat noormeest. Venetsianov püüdis pärisorjuste kunstnikke vangistusest lunastada ja oli väga mures, kui see ebaõnnestus. Tema õpilastest andekaim Grigori Soroka ei saanud kunagi oma maaomanikult vabadust. Ta elas pärisorjuse kaotamiseni, kuid endise omaniku kõikvõimsusest ajendatuna sooritas ta enesetapu.

Paljud Venetsianovi õpilased elasid tema majas täieliku toetusega. Nad õppisid tundma Veneetsia maalikunsti saladusi: perspektiiviseaduste kindlat järgimist, hoolikat tähelepanu loodusele. Tema õpilaste hulgas oli palju andekaid meistreid, kes jätsid vene kunstile märgatava jälje: Grigori Soroka, Aleksei Tyranov, Aleksander Aleksejev, Nikifor Krylov. "Venetsianovtsy" - nad kutsusid armastavalt tema lemmikloomi.

Seega võib väita, et 19. sajandi esimesel kolmandikul toimus Venemaa kultuurilises arengus kiire tõus ja seda aega nimetatakse vene maalikunsti kuldajaks.

Vene kunstnikud on saavutanud oskuste taseme, mis seab nende tööd Euroopa kunsti parimate näidetega võrdsele tasemele.

Inimeste kangelastegude ülistamine, idee nende vaimsest ärkamisest, feodaalse Venemaa hädade paljastamine – need on 19. sajandi kaunite kunstide põhiteemad.

Portreepildis tulevad eriti esile romantismi jooned - inimisiksuse iseseisvus, individuaalsus, vabadus tunnete väljendamiseks.

Vene kultuuritegelastest loodi palju portreesid, sealhulgas lasteportreesid. Moekohale tuleb talupojateema, maastik, mis näitas meie põlise looduse ilu.