Chardin Jean Baptiste Simeon - elulugu, faktid elust, fotod, taustainfo. Jean-Baptiste Simeon Chardin: hubased igapäevastseenid Chardin Malaisia

Jean Baptiste Simeon Chardin (1699-1779) - Prantsuse maalikunstnik, 18. sajandi üks kuulsamaid kunstnikke ja maaliajaloo üks parimaid koloriste, kuulus oma töö poolest natüürmortide ja žanrimaali vallas.

Jean Baptiste Simeon Chardini elulugu

Pierre-Jacques Caze'i ja Noël Coypeli õpilane Chardin sündis ja veetis kogu oma elu Pariisi linnaosas Saint-Germain-des-Prés. Puuduvad tõendid selle kohta, et ta oleks kunagi käinud väljaspool Prantsusmaa pealinna. Aidates Coypelil oma maalidele aksessuaare luua, omandas ta erakordse kunsti igasuguste elutute objektide kujutamiseks ja otsustas pühenduda ainult nende reprodutseerimisele.

Chardini loovus

Ta sai Pariisi avalikkusele varakult tuntuks kui suurepärane vaikelumeister. See juhtus suuresti tänu Pariisi "debütantide näitusele", mis toimus Place Dauphine'is. Nii esitles ta 1728. aastal seal mitmeid maale, sealhulgas natüürmordi “Scat”. Maal avaldas Prantsuse maali- ja skulptuuriakadeemia auliikmele Nicolas de Largilliere'ile nii suurt muljet, et kutsus noort kunstnikku oma töid akadeemia seinte vahele eksponeerima.

Seejärel nõudis maalikunstnik, et Chardin võistleks koha pärast akadeemias. Juba septembris võeti tema kandidatuur vastu ja ta kanti nimekirjadesse kui “lillede, puuviljade ja žanristseenide maalija”.

Omades täiuslikke teadmisi värvisuhetest, tundis Chardin teravalt objektide omavahelist seotust ja nende struktuuri originaalsust.

Diderot imetles oskust, millega kunstnik annab tunda mahlade liikumist vilja koore all. Chardin nägi eseme värvis palju toone ja andis need edasi väikeste tõmmetega. Selle valge värv on kootud sarnastest toonidest. Chardini halle ja pruune toone oli ebatavaliselt palju. Lõuendisse tungivad valguskiired annavad objektile selguse ja definitsiooni.

Žanrimaali maalid, mis eristasid oma naiivset sisu lihtsust, värvide tugevust ja harmooniat, pintsli pehmust ja rikkalikkust veelgi enam kui Chardini varasemad tööd, eristasid ta oma kaasaegsete kunstnike ridadest ja kindlustasid talle ühe silmapaistvad kohad prantsuse maalikunsti ajaloos. 1728. aastal määrati ta Pariisi Kunstiakadeemiasse, 1743. aastal valiti ta selle nõunikuks ja 1750. aastal asus ta selle laekuri ametikohale; lisaks oli ta alates 1765. aastast Roueni Teaduste, Kirjanduse ja Kaunite Kunstide Akadeemia liige.

Erinevate aastate ja erineva žanriga teostes, nagu “Pesuja” (1737), “Oliivipurk” (1760) või “Kunsti atribuudid” (1766), jääb Chardin alati suurepäraseks joonistajaks ja koloristiks, kunstnikuks. “vaikne elu”, poeedi argipäev; tema pilk ja õrn pilk inspireerib kõige tavalisemaid esemeid.

Oma elu viimastel aastatel pöördus Chardin pastelli poole ja lõi mitu suurejoonelist portreed (autoportree, 1775), kus ta näitas oma loomupärast emotsionaalset peenust, aga ka psühholoogilise analüüsi võimet.

Entsüklopedistid tegid palju Chardini kuulsuse levitamiseks, vastandades tema “kodanlikku” kunsti “rahvast äralõigatud” õukonnakunstnikele – rokokoo vaimus erootiliste ja pastoraalsete vinjettide meistritele.

Diderot võrdles oma oskusi nõidusega:

"Oh, Chardin, see pole valge, punane ja must värv, mida te oma paletile hõõrute, vaid objektide olemus; võtad pintsli otsa õhku ja valgust ning kannad lõuendile!”

Kunstniku tööd

• Madame Chardin
• Keeda kaalika koorimine
• Pesunaised
• Kaardiloss
• Palve enne lõunat
• Tüdruk loeb kirja
• Kunsti atribuudid
• Natüürmort kalkuniga
• Natüürmort puuviljadega
• Natüürmort
• Vasest veepaak
• Töökas ema

Selle kunstniku panust maailma kunsti varakambrisse pole veel täielikult hinnatud. Pärast sajandeid kestnud unustuse pärast surma tunnistati tema tööd realismi suurimaks saavutuseks. Tema natüürmordid ja žanrimaalid kaunistavad maailma suurimate muuseumide näitusi. Tema tehnikat ja kirjutamisstiili uuritakse kunstiakadeemiates üle maailma. Rohkem kui midagi muud armastas ta puuvilju maalida...

Chardini lapsepõlvest ja varasest elust on teada väga vähe. Kõik tema elulood algavad hetkest, mil meister oli juba 30-aastane. Usaldusväärselt on teada, et kunstnik sündis laudsepa perre. Samuti pole teada, kus Chardin kunstihariduse omandas, tõenäoliselt oli tema kool Noël Coypeli töökoda, kus meister töötas assistendina. Samuti on usaldusväärselt teada, et Chardin ei lahkunud kogu oma elu jooksul piiridest.

Tunnustatud meistri töökojas töötav noor Chardin täitis ülesandeid, mis olid seotud aksessuaaride ja omaniku maalide detailide kujutamisega. Töö erakordne täpsus ja täpsus, vastutustundlik suhtumine - kõik need omadused viisid selleni, et Coypeli maalide detailid nägid üha sagedamini välja paremad kui kogu töö. Chardini omanik, saades aru, et õpipoisist on kasvanud tõeline meister, kutsub oma töötajat annetama mõned oma tööd "debütantide" näitusele, mis peeti Pariisis Place Dauphine'il.

Näitusel jäi silma Chardini töid. Mulje oli nii tugev, et paljud olid kindlad, et vaatavad 17. sajandi Hollandi meistrite loomingut. Üks akadeemia auliikmetest tegi meistriks pürgijale pakkumise eksponeerida oma töid mainekama näitusesaali seinte vahel. Mõni aasta hiljem sai Chardini abilisest, teekonnast, assistentist Prantsuse Akadeemia liige, kes salvestati sõnastusega "viljade ja igapäevaste stseenide kujutaja".

Kogu oma loomingulise elu jooksul maalis kunstnik "kolmanda mõisa" elu. Minnes vastu moele, mis nägi ette galantsest stiilist kinnipidamist, sisutühja, kuid elegantse interjööri kaunistamiseks ja elavdamiseks mõeldud kunsti, määras meister end igavesele eksklusiivsusele ja eraldatusele. Ta sai Hollandi barokkstiilis natüürmortide tellimusi. Ja tema žanriteoseid hindasid ainult kõige läbinägelikumad kaasaegsed (Diderot imetles tema maale ja prantsuse entsüklopedistid rääkisid oma väljaannetes entusiastlikult tema loomingust). Kaasmaalased unustasid peremehe kohe pärast tema surma. Siis toimus revolutsioon, romantismi tõus, siis kattis suurepärane ampiirstiil 18. sajandi realistide loomingut.

Alles 19. sajandi teisel poolel, mil maalikunsti areng lähenes realismile, sai Chardini loomingust eeskujuks ja kõrgeimaks juhiseks lääne kultuurimeistritele. Meistri tööd tekitavad tänapäevalgi imetlust mitte ainult kunstigurmaanides, vaid ka kõige kogenematumates vaatajates.

Vähesed kunstnikud mäletavad, et ta armastas kõike enda ümber nii palju kui Jean Baptiste Siméon Chardin. Tema kirglik austaja, prantsuse filosoof Denis Diderot, rääkis selle maalikunstniku oskustest:

"Oh, Chardin, see pole valge, punane ja must värv, mida te oma paletile hõõrute, vaid objektide olemus; võtad pintsli otsa õhku ja valgust ning kannad lõuendile!”

Nad ütlevad, et Chardin ei lahkunud kunagi Pariisist. Ta sündis 1699. aastal Saint-Germain-des-Prés' kvartalis ja elas siin kuni oma surmani.

Chardini maalioskus viis ta Noël Coypeli töökotta, kus ta tegi kõikvõimalikke väikeseid kunstitöid: aitas meistril kujutada lõuenditel detaile, aksessuaare ja tausta. Kuid see aitas Chardinil õppida pisiasju märkama ja paljusid erinevaid objekte joonistama. Seetõttu pole üllatav, et teda köitis natüürmordi žanr.

Chardin algas köögiviljade, puuviljade, puuviljade ja mitmesuguste majapidamistarvete piltidega. Ja ta tegi seda nii osavalt, et mõnda tema tööd peeti ekslikult väljapaistvate Hollandi natüürmordimeistrite maalidega. Kuid see ei meelitanud noort kunstnikku ja ta jätkas oma oskuste täiendamist.

Kuulsus tuli Chardinile 1728. aastal pärast Pariisis Place Dauphine'is toimunud debütantide näitust. Ta esitles oma maaliseeriat, mille hulgas oli ka natüürmort “Scat”. Laua kohal rippuv süvamere elaniku detailne korjus on nii muljetavaldav, et on tunda roogitud kala lõhna. Ja see on natüürmortide maalija talendi tipp.

Prantsuse Maaliakadeemia auliige ja Nicolas de Largilliere ei saanud maalist mööda minna. Hiljem sai tema soovitusel ka Chardin akadeemia liikmeks.

Kunstnik ei piirdunud natüürmortiga. Talle meeldis vaikne elu ja tavaliste inimeste elu, mistõttu jõudis ta järk-järgult igapäevase žanri juurde. Neid töid eristas lihtne ja hubane sisu, kuid neis oli siiski säilinud iha natüürmordi pisidetailide ja aksessuaaride järele. Maalides kolmanda mõisa igapäevaelu pehmetes, ekspressiivsetes värvides ja realistlikult, aitas Chardin enese teadmata kaasa uue kunstivoolu tekkimisele.

Et jäädvustada tõeline hetk elus - Chardin püüdis seda ülesannet oma töös täita. Tema üks kuulsamaid maale “Palve enne õhtusööki” ei ole küll erksavärviline, kuid kiirgab samas headust ja rahu.

See kujutab tolleaegset levinud süžeed: ema istub oma mänguhimulised tütred laua taha ja hoolitseb, et roosapõsksed tüdrukud loeksid palvet. Süžee toimub väikeses ruumis. Selle kaunistuse järgi saame aru, et tegemist on keskmise sissetulekuga perega. Valged värvid rõhutavad perekonna vaimset puhtust ja tüdrukute süütust. Ja pehmed pruunid toonid lisavad sellele väikesele Pariisi kodule soojust.

Maalil “Kerruga poiss” näitas Chardin oma noorusliku iseloomu elavust. Poiss vaatas oma igavatest õpikutest üles, et vurruga mängida – sellest räägivad pildil olevad detailid. Lapse nägu on täis elavat huvi toimuva vastu ning valgusemäng ja tema elav näoilme annavad lõuendile spontaansuse ja tõepärasuse.

Oma töö hilisemas etapis näitas Chardin end hämmastava portreemaalijana. Tema kangelaste näod näevad peaaegu alati välja väärikad ja rahumeelsed. Chardin teadis, kuidas seda enesekindlust ja rahulikkust publikule edasi anda. Ja see oli väga väärtuslik, sest just rahu ja stabiilsus Prantsusmaa elanikel 18. sajandi lõpus puudus.

Kunstnik ise oli elav näide harmoonilisest eksistentsist ümbritsevaga, mis kajastub selgelt tema autoportrees. Sellel näeme: pearätiga meest, kes vaatab rahulikult läbi oma näpunäide vaatajale otsa. Tema pilgus on paljude aastate jooksul omandatud tarkust.

Vaatamisi: 4439

Jean-Baptiste-Simeon Chardin(1679-1779), üks 18. sajandi suurimaid kunstnikke, sündis Pariisis käsitöölise peres. Tema loomingu varase perioodi kohta pole säilinud peaaegu mingeid andmeid. On teada, et 1724. aastal astus ta St. Luke. Aastal 1728 võeti ta vastu kuninglikku maali- ja skulptuuriakadeemiasse väga ebatavalisel viisil -

Kaks tema noorte kunstnike näitusel näidatud tööd pälvisid akadeemia liikmete äramärkimise ja seni tundmatu meister kutsuti sellega liituma. Chardinist saab akadeemia liige "loomade, puuviljade ja lillede" klassis - selle ajastu žanrite hierarhias madalaim.

Pariisi käsitöölise puusepa poega koolitasid ta akadeemilised maalikunstnikud, kuid murdis väga kiiresti nende töömeetodit - teiste meistrite eeskujude ja oma kujutlusvõime järgi. Ta vastandas seda meetodit loodusest lähtuvale tööle ja selle tähelepanelikule uurimisele – põhimõttele, millele ta jäi truuks kogu elu. 1728. aastal äratas Chardin tähelepanu kahe natüürmortiga (“ Skat" ja "Buffet" , Pariis, Louvre), eksponeeriti Dauphine'i väljakul vabas õhus, kus kord aastas said noored kunstnikud oma maale näidata. Edu, mis langes tema osaks, võimaldas tal oma tööd Akadeemiale esitleda. Siin said tema natüürmordid üksmeelse tunnustuse ja Chardin valiti akadeemikute ridadesse.

1731. aastal osales Chardin Van Loo juhtimisel Fontainebleau lossi Francis I galerii freskode restaureerimisel, mis pani aluse kuulsale Fontainebleau koolkonnale. Alustades natüürmortidega, pöördus pärast 1733. aastat ka žanristseenide poole. Kaasaegsed nägid teda kujutlusvõimetu kunstnikuna, kes, olles kord üles ehitanud teatud kompositsioonistruktuuri, pöördus selle juurde mitu korda tagasi. 1740. aastal kingiti Chardin Versailles's kuningas Louis XV-le ja kinkis talle kaks oma maali.

50-60ndatel sai Chardinist populaarne kunstnik, kelle natüürmordid ja žanristseenid olid nõutud ja hästi müüdud, kuid selle perioodi lõpupoole toimus tema elus pöördepunkt. Pärast ajastu maitse- ja moemuutusi kaob avalikkus tema teoste vastu huvi. Tema isiklikus elus on draamat. Ainuke poeg Pierre-Jean, väga andekas ja paljutõotav noor kunstnik, kes sai Kuninglikus Akadeemias Grand Prix’, sooritab 1767. aastal Veneetsias enesetapu.

Unustuse periood kestab 19. sajandi keskpaigani, mil kriitikud ja kollektsionäärid taasavastavad Chardini maalid. Siis muutub see ilmseks

et ta oli natüürmordi parim meister ja mitte ainult oma aja kohta ning tema žanristseenid on täis poeesiat, lüürikat ja elutõde. Samas ilmneb tema maalitehnika täiuslik kvaliteet, mille ta saavutas aeglase, valusa, hoolika töö ja ümbertegemise käigus. Kunstnik ise paljastas oma suure oskuse saladuse, öeldes kord: "Me kasutame värve, aga maalime tunnetega."

Natüürmort oli Chardini lemmikžanr. See žanr tuli moodi 18. sajandil hollandlaste mõjul, kelle kirg kajas kirjanduses esile kerkinud iha lihtsuse ja loomulikkuse järele. Kuid oma natüürmortides ei lähtunud prantsuse meistrid tavaliselt Hollandi kunsti realistlikest alustest. vaid selle dekoratiivsetest elementidest. Chardin vastandas seda dekoratiivset natüürmorti oma lihtsate, tagasihoidlike maalidega, millel puudusid igasugused efektid. Op maalitud savikannud, pudelid, klaasid, lihtsad köögiriistad, mida ümbritsevad puu- ja juurviljad ning mõnikord ka kalad või tapetud ulukad. Kuid nendes lihtsates esemetes avastas ta hämmastava hulga värvilisi toone, mis väljendasid erakordse jõuga asjade materiaalseid omadusi.

Hämmastava peensusega annab kunstnik edasi poleeritud vase sära ( "Vaksepaak" , 1730ndad), virsikute matt pind ( "Korv virsikuid" . 1768), brioche rikkalik rikkus ( "Magustoit" , 1763, kõik - Pariis, Louvre). Nende väikeste maalide kompositsioonid alluvad rangele loogikale. Laitmatu rütmitajuga korraldab Chardin oma lõuendite klassikaliselt tasakaalustatud ja harmoonilise struktuuri ( "Natüürmort kunstiatribuutidega" (eelvaade) , 1760. aastad, Moskva, A. S. Puškini nimeline riiklik kaunite kunstide muuseum). Esemete läbimõeldud vahekord erilise terviklikkusega paljastab neile iseloomulikud jooned, vormi väljendusrikkuse, värviilu, mille keerukaimad varjundid jäädvustab kunstnik väikeste aupaklike tõmmetega. Need tekitavad esemete pinnal valgusmängu tunde, kombineerides neid sellega

keskkond. Neid Chardini maali eeliseid hindas kohe Diderot, kes pidas teda "Salongi esimeseks koloristiks ja võib-olla üheks esimeseks värvimiseks maalikunstis". "...See, kuidas õhk nende objektide ümber liigub," hüüab Diderot, "see mõistab värvide ja reflekside harmooniat."

Chardini žanrimaalid on sama originaalsed ja täiuslikud. Need on pühendatud lihtsate stseenide kujutamisele Prantsuse kolmanda riigi igapäevaelust - väikekodanlusest ja töörahvast. Chardin ise tuli sellest keskkonnast ja katkestas sellega sidemed alles oma päevade lõpuni. Esimest korda 18. sajandi kunstis sattusid sellised igapäevased motiivid kunstniku tähelepanu keskmesse. Chardini žanrimaalide teemadel puudub draama ega narratiiv. Enamasti on see pilt rahulikust, rahulikust kodusest elust: ema lastega loeb enne tagasihoidlikku sööki palvet ( "Palve enne lõunat" , 1744, Riiklik Ermitaaž); pesunaine peseb pesu ja laps istub vanni lähedal, puhub seebimulle ( "Pesupesu" , Osariigi Ermitaaž), poiss, kes usinalt kaardimajakest voltis ( "Kaardimajake" , Pariis, Louvre) - need on meistri maalide tüüpilised teemad. Nende loomulikkus ja lihtsus vastanduvad silmatorkavalt Boucheri žanristseenide maneerilisuse ja mõjuga. Chardini teostes puuduvad täielikult kirjanduslikud ja didaktilised kalduvused, samuti sentimentaalsus,

omane enamiku tema kaasaegsete sarnastele maalidele. Kuid nii nagu Chardin avastas oma natüürmortides lihtsate köögitarvete ilu, suutis ta tagasihoidlikes igapäevastes kodustes stseenides avastada terve üleva ja puhta inimliku tunnete maailma, mis tema maalidel omandab tõelise poeesia ja moraalse tähenduse. Lüüriline hingestatus ("Nad kasutavad värve, aga kirjutavad tundega," ütles Chardin) on neis ühendatud teostuse kunstilisuse ja stiilielegantsusega, mis on omane kogu tolleaegsele kunstile. Nagu natüürmordid, on ka Chardini žanrimaalid maalitud pehmelt ja üldiselt ning nende heleduseta värvingud on üles ehitatud rafineeritud toonide peeneimatele harmooniatele.

18. sajandi prantsuse kunstis oli Chardin ka üks realistliku portree loojaid. Tema selle žanri teosed on õukonnakunstnike portreesid eristavad dekoratiivsed efektid ja uhkeldavad poosid täiesti võõrad. Need on koostiselt lihtsad, värvilt vaoshoitud. Välistades igasuguse idealiseerimise, oma omadustelt tõene ja täpne, rõhutab Chardin samal ajal alati oma modellide moraalset väärikust. Kunstniku näiliselt vähenõudlike teoste keskmes on valgustusajastule nii omane inimese väärtuse kinnitamine. Chardini parimate portreede hulgas on tema autoportreed ja naise portree, mis on tehtud pastellvärvides (1770. aastad, Pariis, Louvre).

Chardini realistlik kunst sai kohe kõrgetasemelise kunstikriitika poolehoiu. Ent sajandi teisel poolel, mil kunstist pidi saama, nagu Diderot ütles, "moraalikool, vaikne kõneleja, kes õpetab meid vooruste ja ülevate tegude osas", ei rahuldanud Chardini tööd enam uut kriitikat. austab. Nüüd hakkasid eriti edu saavutama need kunstnikud, kelle loomingus ilmnesid didaktilised jooned.

kaardimajake

Kaardimajake. Umbes 1736-1737. Rahvusgalerii, London

Chardin kujutab poissi, oma lauameistrist sõbra Lenoiri poega, kes ehitab lauale mängukaartidest maja. Laud, millele laps toetub, on kompositsioonis kesksel kohal ja võimaldab kunstnikul tuua maali ruumi kaunilt maalitud natüürmorti. See algab ootamatult ja algselt poolavatud sahtliga esiplaanil.

Maalil on ühendatud kaks žanrit - stseen igapäevaelust ja natüürmort. Kompositsioon on üles ehitatud äärmiselt lakooniliselt ja lihtsalt. Kunstnik kujutab igapäevaseid esemeid sellise tähelepanu ja armastusega, et tundub, et tema peamine ülesanne on näidata vaatajale, kui kaunid need oma lihtsuses on. Kuid tegelikult on selle lastemängu tagasihoidliku episoodi taga sügavam

tähenduses. Sisuliselt on meie ees moraaliallegooria, mis sümboliseerib inimliku ettevõtmise mõttetust, mille surm hävitab sama kergesti kui laps oma kaardimajakese vaid käeliigutuse või hingetõmbega.

Küll aga teema tõlgendus vanitas siin erineb see, mis oli omane 17. sajandi maalikunstile, mille vastu oli eriline kirg. Kui eelmise sajandi kunstnikud pöördusid selliste motiivide poole nagu pealuu või kalmistu ja rõhutasid eriti dramaatilist algust, siis nüüd on igavene küsimus inimelu mõtte, selle kaduvuse ja nõrkuse kohta muutunud lihtsaks sündmuseks, millel puudub traagiline paatos. . Kuid see ei muutnud seda vähem teravaks.

Kompositsiooni, milles pole midagi üleliigset, ülesehitamise rangusele vastab peaaegu ühevärviline, väliste efektideta värv. Kuid jäädes peaaegu eranditult pruuni-ookri värvilahendusse, küllastab kunstnik lõuendi erinevate tooninüansside ootamatu pildirikkusega ja sooja, kergelt punaka valgusega, mida värvid kiirgavad.

Koos House of Cardsiga kasutab Chardin veel üht sedalaadi süžeed, et luua sellel teemal moraalne allegooria vanitas – "mull" . Ja siin muutub laste lõbususe motiiv inimelu kaduvuse ja hapruse sümboliks. Kunstnik kujutab poissi, kes kummardub üle aknalaua ja puhub tänavale seebimulle. Paremal ulatab neid vaatama naljaka mütsiga beebi. Laste kõrval on kujutatud kaunist natüürmorti.

Autoportree 1771. aasta Salongis eksponeeriti pastellitehnikas valmistatud pastelltehnikas teost koos kahe teise teosega. Selleks ajaks oli teada, et meistri tervis on halvenenud ja ta ei ole enam töövõimeline. Küll aga tekitasid sensatsiooni need asjad, mida Chardin sellel näitusel näitas – tõelised meistriteosed teostuse kvaliteedi poolest. Autoportree on kirjutatud halli-sinise tooniga paberile, mis annab täiendavaid väga rikkalikke koloristlikke efekte.

"Autoportree", 1775

Autoportree rohelise visiiriga, 1775, Louvre

Chardin Jean-Baptiste Simeon, prantsuse maalikunstnik (1699-1779). Kuulus natüürmortide ja argistseenide meister, üks uue portreekontseptsiooni loojaid Euroopa valgustusajastu maalikunstis. Õppis P.Zh. Kaza, N.N. Kuapel ja J.B. Vanloo, töötas Pariisis. Chardini varaseid töid iseloomustas dekoratiivne efektsus ja süžeeline meelelahutuslikkus, kuid 1730. aastateks kujunes Chardinil välja oma stiil, mida eristas üllas vaoshoitus, selgus ja stiililihtsus.

Autoportree visiiriga,
1775, Louvre'i muuseum, Pariis

Tüdruk reketi ja süstikuga
1740, Uffizi galerii, Firenze

Madame Chardin, 1775,
Louvre'i muuseum, Pariis

Kunstnik Chardini žanriteosed on läbi imbunud peenest lüürikast, "kolmanda seisuse" inimeste väärikuse pealetükkimatust kinnitusest ("Kaupleja", 1739, Louvre, Pariis, "Palve enne õhtusööki", 1744, Riikliku Ermitaaži muuseum , Peterburi); laste kujutisi ("Poiss ülaosaga", 1738, Louvre, Pariis) ja täiskasvanute portreesid (naise portree, pastell, 1775, Louvre, Pariis) iseloomustab eluline spontaansus ja atmosfääri siirus.

Särav natüürmortimeister Chardin lõi kompositsioone tagasihoidliku esemekomplektiga, konstruktsiooni ranguse ja läbimõeldusega, pildilise tekstuuri materiaalsuse ja pehmusega, luues tunde asjade maailma ja inimelu vahel orgaanilisest ühendusest. Sellised on näiteks maalid - “Tiru ja kann”, umbes 1760-1763, Louvre, Pariis; "Natüürmort kunstiatribuutidega", 1766, Ermitaaž, Peterburi. Chardini maale iseloomustab hõbehallide ja pruunikate toonide ühtsus, reflekside rohkus ja peened varjundid, mis harmoniseerivad üleminekuid valgusest varju.

Palve enne lõunat
1740. aastad, Louvre'i muuseum

noor joonistaja,
1737, Louvre'i muuseum

Noor õpetaja
1730. aastad, Louvre'i muuseum

Prantsuse kunstis 18. sajandi teisel poolel arenes jõuliselt demokraatlik suund ja selle olulisim kunstnik oli Chardin. Koos nende uute kunstikangelastega ilmusid maalikunstis pildid inimest ümbritsevatest lihtsatest igapäevastest asjadest: majapidamistarbed - köök ja lauanõud; toiduvarud - ulukiliha, juur- ja puuviljad; samuti esemed, mida kasutavad intellektuaalse ja kunstilise tööga inimesed – arhitektid, kunstnikud, muusikud, teadlased.

Natüürmort oli Chardini lemmikžanr. Oma loominguga kehtestas kunstnik selle prantsuse kunstis iseseisva maaliliigina. Tavaliselt on Chardini natüürmortide esemete kogum väike, kuid kunstnik mõtleb nende kombinatsiooni ja paigutuse sügavuti läbi, paljastades peenelt seose neid kasutava inimesega. “Natüürmort kunstiatribuutidega” on teatud määral “autobiograafiline”: pikal laual on kujutatud kunstniku loominguga seotud asju. See on kipsist valatud jumal Merkuuri pea, mitu raamatut, graveeringutega leherullid, joonestuslaud ja kraadiklaas. Nende paigutus on pingevaba ja vaba, kuid selles on range muster ja harmoonia. Märkides Chardini värvikinki, kirjutas Diderot: „Oh, Chardin! Sa ei hõõru valget, punast ja musta värvi oma paletile: võtad pintsli otsas oleva aine, õhu ja valguse ning asetad selle lõuendile. Natüürmort on maalitud heledates, heledates toonides, millel on silmatorkav tunnetus kõige peenematest värvivarjunditest. Heledal taustal paistev valge Merkuuri pea juhatab sisse pühaliku noodi, tõstab esemete maailma argipäevast kõrgemale, andes sellele uhke ja üleva kõla.

Sümboolse täpsusega mööduva “suure sajandi” viimasel aastal sündinud Chardin alustas oma karjääri õpipoisina, kes maalis jahistseenides tarvikuid. Kuid ammu enne oma surma, mis tuli talle kaheksakümneaastaselt, saavutas Chardin kunstniku-filosoofina üleüldise austuse – 18. sajandi maalikunstnike seas mõeldamatu. Chardini postuumne kuulsus ületas tema eluaegse kuulsuse. 19. sajandil oli natüürmort, mis tänu temale sai esmaseks žanriks, jätkuvalt loovuse vorm, mis oli täis sügavat mõtlemist, vastupidiselt oma tavapärasele eesmärgile - jääda lihtsalt maaliks kui selliseks. Chardini natüürmordid tulevad kohe meelde, kui vaatame Cezanne’i suuri natüürmorte, mis on tema maalitud – märkimisväärne kokkusattumus – ka lahkuva sajandi viimasel aastal, 1899. aastal. Need natüürmordid panid võtmepositsiooni 20. sajandi kunsti põhisuunas – illusioonide, igasuguse illusoorsuse kui sellise ületamiseks. Alles pärast seda võib Chardini kunstis sisalduva potentsiaali mõju ammendatuks lugeda.

Jean-Baptiste Simeon Chardini maal "Noor õpetaja".
Pildi süžee on lihtne: noor tüdruk õpetab last lugema. Väga tõetruult, otsekohesuse ja spontaansusega maalitud pilt annab edasi mõlemat kuju ühendavat lahutamatut emotsionaalset sidet. Tausta käsitletakse üldiselt, ilma eriliste detailideta; tihedalt ja ühtlaselt paigutatud löögid loovad mulje sügavusest ja stabiilsusest. See on vaikne, lõputu aja tunnetusega maal, mis sarnaneb Johannes Vermeeri loominguga. Vaid võtme kujutis ühes lauasahtlis häirib maagilist rahu ja rahu õhkkonda. Chardin oli 18. sajandi Prantsusmaa juhtiv žanrimaali ja natüürmordi meister. Tema lihtsaid, ebasentimentaalseid kompositsioone eristab tunnetuse sügavus, rahulik, läbimõeldud värvilahendus annab tunnistust teravast jälgimisest ja vormimõistmisest. Meie sajandil on Chardini looming taas populaarsust kogunud tänu vormide tõlgendamise peaaegu abstraktsele iseloomule. Paljud peavad teda oma aja suurimaks žanrimaali meistriks. Chardini žanripiltide sari, mis on pühendatud naiste raske töö teemale, ja teine ​​paralleelne sari, mis räägib meelelahutuses veedetud elust, olgu selleks siis aadliperedest pärit teismelised või nende vanaemad, on üks ja seesama reaalsus, mis paljastati aastal. erinevad vormid. Näiteks Chardini maalil “Kaupleja” naaseb turult naine, kes on koormatud rohkem kui peaks, ning peatub hetkeks, et elutoa ja köögi vahelises koridoris puhata, olles veidi mõtlik ja mõtlik. kurb; koos temaga teeme justkui pausi ja ootame rahulikult ning selle minuti jooksul on meil aega mõelda, mida me lõpuks vaatame. Selle pildi vastu kaastundest läbi imbutuna tuleme lähemale ja vaatame pilti. Meie ees on teraline värvikiht ja see sametine värv on ühtaegu nii tõeline eluaine kui ka omamoodi valguse süttimine, mis ümbritseb pehmelt kogu kujutatud keskkonna. Värv on kõikehõlmav ja kõik. Ukseavast avaneb veel üks ruum - köök ja seal näeme ruumiliste üleminekute jahedas hallis mosaiigis toatüdrukut oma erilise käitumise ja saleda kehahoiakuga, vasest joogiveevaati ja siis teist seina. Meie ees on nii ruum ise kui ka teatud ruumiliste tsoonide skeem; värv, toimides maali materiaalse kandjana, leiab end taas vahendaja rollis kunstivahendite ja elu enda vahel.

Ja seitsmekümne kuue eluaastal oli Chardini enesetunne ja oma käsitöö nii rõõmsameelne kui ka tagasihoidlik; tema oskus jäi muutumatuks, kuid samal ajal näis see varju olevat. Cezanne'i avaldus (dateeritud 27. juunil 1904) vabadusest, millega Chardin kasutas lennukit nina kujutamiseks, ei pruugi olla kohe arusaadav, kuid see paljastab hästi nende kahe meistri loominguliste hoiakute läheduse. Võib vastu vaielda, et läheneme Chardinile kui kaasaegsele kunstnikule, kuid tsiteerigem tema kaasaegset, filosoofi Denis Diderot’d, kes kirjeldas maali „Brioche” (Magustoit): „See on mees, kes on tõesti maalikunstnik; ta on tõeline kolorist.... Selline maagia on üle mõistuse. Pinnal on näha arvukalt värvikihte, üksteise peal ja nende ruumiline efekt tuleb sügavusest..."
Nii sügav kunstiprotsesside mõistmine, nagu Diderot demonstreerib, on iseenesest ainulaadne. Ta tabas stiili kurnatuse hetke, mil viimane võttis vale suuna ja kaotas väljenduse selguse. Diderot mõistis ka teravalt, et Chardini positsioon "looduse ja kunsti vahel", vaatamata selle populaarsusele kunstiringkondades, ei olnud veel hinnatud kõigis selle võimalustes. Diderot nägi ette, et Chardini loomingu tõeliselt filosoofiline tähendus ootab veel avastamist: selle sügavaimad väärtused kuuluvad maalikunsti tulevikku.