Igat liiki jazz. Jazzi arengulugu. Päritolu ja stiilid. Praegune sünnikoht

DŽÄSSI ARENGU AJALUGU

Jazz

Vaevalt, et keegi julgeb seletada, mis on jazz, sest seda ei teinud isegi džässi ajaloo suurmees Louis Armstrong, kes ütles, et sellest tuleb lihtsalt aru saada ja kõik. Tõepoolest, jazz, selle ajalugu, päritolu, modifikatsioonid ja harud on liiga mitmekesised ja mitmetahulised, et anda lihtsat kõikehõlmavat määratlust. Kuid on hetki, mis selgitavad selle muusikalise suuna olemust.

Džäss tekkis mitme muusikakultuuri ja rahvusliku traditsiooni kombinatsioonina. Esialgu saabus see lapsekingades Aafrika maadest ning arenenud lääne muusika ja selle liikumiste (blues, reg-time) mõjul ning Aafrika muusikalise folkloori kombineerimisel nendega oli tulemuseks stiil, mis ei ole sellesse surnud. päev - jazz.

Džäss elab rütmis, ebaühtluses, ristumiskohtades ning klahvide ja helikõrguste mittevastavuses. Kogu muusika on üles ehitatud vastandumisele ja vastuolulisusele, kuid ühes muusikapalas saab see kõik harmooniliselt kokku ning hämmastab oma meloodia ja erilise atraktiivsusega.

Esimesed džässimehed lõid harvade eranditega džässorkestri traditsiooni, kus on improvisatsioonid kõla, kiiruse või tempoga, võimalik on laiendada pillide ja esinejate hulka ning kaasata sümfoonilisi traditsioone. Paljud džässimehed on oma kunstiga panustanud džässansamblimängukunsti traditsiooni kujunemisse.

Pärast särava interpreedi, kes elas kogu oma elu džässirütmis ja on siiani legendiks jäänud Louis Armstrongi ilmumist nägi džässi esitamise kunst uusi ja ebatavalisi horisonte: vokaal- või instrumentaalne sooloesitus saab kogu maailma keskmeks. esitus, muutes täielikult džässi ideed.

Ja siin saabki võimalikuks seletada veel üht džässistiili tunnust: see on virtuoosse jazzmehe ainulaadne individuaalne esitus, see on tema esitus ning tema ja kuulajate muusikanauding hetkel. Ja džässi igavese nooruse võtmeks on improvisatsioon. Jazzil on vaim, kuid sellel pole luustikku, mis seda kõike toetaks. Sa võid vahetada saksofoni klaveri vastu või panna tooli maha ja võtta mikrofoni ning kui see ei tööta, siis minna tagasi trompeti juurde ja proovida mängida midagi, mida Armstrong ja Bechet ei mänginud.

Jazz ei ole ainult teatud tüüpi muusikaline esitus, see on ka ainulaadne, rõõmsameelne ajastu.

Päritolu

Jazzi sünnikoha küsimus on üldteada – see on Ameerika, aga kust see alguse saab?

Jazz ilmub ainulaadse fusioonina. Ja selle üheks komponendiks, mis tagas selle päritolu, peetakse Aafrika päritolu. Aafrika asunikud tõid endaga kaasa oma kultuuri, mis kujunes välja tugeva Euroopa ja Ameerika mõju taustal.

Kogukond ja selle reeglid (käitumisnormid, traditsioonid) on tulijatel veres, kuigi side esivanematega on tegelikult katkenud. Ja muusikast kui algse kultuuri lahutamatust ilmingust sai üks Aafrika põliskultuuri ja uue elu ühenduslülidest teisel kontinendil.

Aafrika-ameeriklaste vokaalmuusikast, mis on maitsestatud rütmi ja tantsu, keha plastilisuse ja plaksutamisega, on kasvanud uus muusikaline subkultuur. Aafrika muusika on täiesti erinev Euroopa sämplitest, sellel pole pillide galaktikat, selles on suures osas säilinud rituaalsus ja side kommetega.

Päritolu / Jazzi ajalugu

See orjamuusika murdis lõpuks totalitaarsed režiimid, kus valitsesid klassikalised orkestrid, alludes täielikult dirigendikepi tahtele. Ajaloo ja Ameerika kultuuriprofessori Penny Van Escheni uuringute kohaselt püüdis USA välisministeerium kasutada džässi ideoloogilise relvana NSV Liidu ja Nõukogude mõju laienemise vastu kolmanda maailma riikidesse. Jazzi päritolu on seotud bluusiga.

Džäss tekkis 19. sajandi lõpul Aafrika rütmide ja euroopaliku harmoonia sulamina, kuid selle päritolu tuleks otsida Aafrikast orjade sissetoomise hetkest Uue Maailma territooriumile. Toodud orjad ei olnud pärit samast perest ega mõistnud tavaliselt teineteistki. Konsolideerimise vajadus viis paljude kultuuride ühendamiseni ja selle tulemusena ühtse afroameeriklaste kultuuri (sh muusikalise) loomiseni. Aafrika muusikakultuuri ja Euroopa (mis ka Uues Maailmas tegid läbi tõsised muutused) segunemise protsessid toimusid alates 18. sajandist ja viisid 19. sajandil “proto-jazzi” tekkeni, seejärel aga džässi tekkeni üldtunnustatud maailmas. meel.

Improvisatsioonil on tõelises jazzis põhiroll. Lisaks eristavad džässi sünkoop (rõhk nõrkadel taktidel ja ootamatutel aktsentidel) ja eriline draiv. Viimased kaks komponenti tekivad ragtime’is ja kanduvad seejärel üle orkestrite (bändide) mängimisse, mille järel ilmub sõna “jazz”, mis on kirjutatud algul “Jass”, seejärel “Jasz” ja alles alates 1918. aastast on see omandanud. selle kaasaegne välimus. Lisaks eristatakse paljusid džässi stiile eriline esitustehnika: “swinging” või swing. Jazzi häll oli Ameerika lõunaosa ja eelkõige New Orleans. 26. veebruaril 1917 salvestasid firma Victor New Yorgi stuudios viis New Orleansi valget muusikut esimese jazziplaadi. Selle tõsiasja olulisust on raske üle hinnata: enne selle plaadi ilmumist jäi jazz marginaalseks nähtuseks, muusikaliseks folklooriks ja pärast seda jahmatas mõne nädalaga kogu Ameerika. Salvestus kuulus legendaarsele "Original Dixieland Jazz Bandile".

Päritolu / Jazzi sünd

Selle muusikalise liikumise päritolu tuleks otsida Aafrika ja Euroopa kultuuride segust. Kummalisel kombel sai jazz alguse Christopher Columbusest endast. Muidugi polnud suur rändur ja avastaja esimene džässiesineja. Ameerika avamisega Euroopale tähistas Columbus Aafrika ja Euroopa muusikatraditsioonide läbitungimise suurt algust.

Ameerika mandril uurides vedasid eurooplased siia suure hulga mustanahalisi vaenlasi, kelle arv 1700 võrra ületas sadu tuhandeid. Aafrika läänerannikult veeti orje üle Atlandi ookeani.

Eurooplased ei osanud isegi arvata, et koos orjadega viisid nad Ameerikasse Aafrika muusikakultuuri, mida iseloomustas vapustav muusikarütm. Aafrikas on muusika juba ammusest ajast olnud erinevate rituaalide asendamatu osa. Muusikaline rütm mängis siin suurt rolli.

Euroopa kultuur tõi džässi sisse harmoonia, molli- ja duurstandardid, meloodia, aga ka soolomeloodiaprintsiibi.

Jazzis laulmine

Džässlaulu ei saa võrdsustada laulmisega selle sõna üldises tähenduses. Algselt ei olnud džässis soolohäält, oli ainult instrument ja alles pärast seda, kui Louis Armstrongi (tähendab tema hilisemat loomingut) esitused, sai vokaal džässimeeste “tööriistakomplekti”. Aga jällegi - jazzvokaal ja see on midagi muud.

Džässvokaalil peavad olema teatud eripärad, see tähendab esineja häält. Arvestades džässi aluseid - improvisatsiooni, reeglite puudumist, tuleb mõista, et sama kehtib ka esineja hääle kohta: võime laiendada "tavalise" loo ulatust, mängida häälega, improviseerida lihtsalt, omada head ulatust. . Esineja peab kinni pidama džässi esitusstiilist: fraseerimine ja “rünnak”.

"Scat singing" - see termin ilmus ajal, mil laval oli Louis Armstrong, kes nii laulis kui ka mängis: tema hääle tekitatud helid olid väga sarnased tema trompeti helidele. Jazzvokaal hakkab muutuma ja muutub keerulisemaks veidi hiljem, kui bop-stiil moodi tuleb. Saabub aeg "bop" sketiks" ja "jazzi esimene leedi" - Ella Fitzgerald - saab staariks.

Kui džässi ja bluusi seos pole nii tugev, siis vokaali seos on ilmsem. Bluusi helide väljatõmbamise võimalused (kõritöö, vilistav hingamine ja sosin, falsett jne) võtsid džässitraditsioonid hea meelega omaks.

Jazzi ajaloos oma laulmisega kuulsaks saanud vokalistide nimed: loomulikult on asutaja Louis Armstrong, järgneb Bing Crosby, järgnes tema, hüüdnimega "hääl", Frank Sinatra, Nat King Cole. Naised andsid oma panuse ja märkimisväärse panuse: Bessie Smith, kes sai hüüdnime "Bluusi keisrinna", millele järgnesid Billie Holliday, Ella Fitzgeraldi ja ainulaadse laulja Sarah Voeni nimed.

DŽÄSSI ALG JA SELLE STIILID.

Sissejuhatus

Kord küsis reporter intervjuu ajal Ameerika kuulsaima jazziajakirja "Down Beat" peatoimetajalt, mida levitatakse 124 riigis: "Mis on jazz?" "Te pole kunagi näinud meest, kes nii kiiresti nii lihtsa küsimuse peale teolt vahele jääb!" ütles see toimetaja hiljem. Seevastu mõni teine ​​džässifiguur võiks samale küsimusele vastata, rääkides sinuga sellest muusikast kaks tundi või rohkem, ilma midagi konkreetselt selgitamata, kuna tegelikkuses pole ikka veel täpset, kokkuvõtlikku ja siis Samal ajal on aeg. sõna täielikuks ja objektiivseks määratluseks ning mõiste "džäss".

Kuid King Oliveri ja Miles Davise, Benny Goodmani ja Modern Jazz Quarteti, Stan Kentoni ja John Coltrane'i, Charlie Parkeri ja Dave Brubecki muusika vahel on tohutu erinevus. Paljud džässi komponendid ja pidev areng 100 aasta jooksul on viinud selleni, et isegi eilset täpsete omaduste kogumit ei saa täna täielikult rakendada ja homsed sõnastused võivad olla diametraalselt vastupidised (näiteks dixielandi ja bebopi puhul swing big bänd ja kombineeritud jazz-rock).

Jazzi määratlemise raskused peituvad ka... Asi on selles, et nad püüavad seda probleemi alati otsekohe lahendada ja räägivad palju džässist väheste tulemustega. Ilmselgelt saaks selle kaudselt lahendada, määratledes kõik need omadused, mis seda muusikalist maailma ühiskonnas ümbritsevad, ja siis on kergem aru saada, mis on kesksel kohal. Veelgi enam, küsimus "Mis on jazz?" asendatakse tekstiga "Mida sa mõtled džässi all?" Ja siin avastame, et sellel sõnal on erinevate inimeste jaoks väga erinev tähendus. Iga inimene täidab selle leksikaalse neologismi teatud tähendusega oma äranägemise järgi.

Seda sõna kasutavad kaks kategooriat inimesi. Mõned inimesed armastavad jazzi, teised aga ei ole sellest huvitatud. Enamik džässisõpru kasutab seda sõna väga laialt, kuid keegi neist ei suuda kindlaks teha, kus jazz algab ja lõpeb, sest igaühel on selles küsimuses oma arvamus. Nad võivad leida üksteisega ühise keele, kuid igaüks on detailidesse laskumata veendunud, et tal on õigus ja teab, mis on jazz. Isegi professionaalsed muusikud ise, kes elavad jazzi ja esitavad seda regulaarselt, annavad sellele muusikale väga erinevaid ja ebamääraseid määratlusi.

Tõlgenduste lõputu mitmekesisus ei anna meile mingit võimalust jõuda ühele ja vaieldamatule järeldusele selle kohta, mis on džäss puhtmuusikalisest vaatenurgast. Siin on aga võimalik teistsugune lähenemine, mille 50. aastate teisel poolel pakkus välja maailmakuulus muusikateadlane, New Yorgi džässiuuringute instituudi president ja direktor Marshall Stearns (1908-1966), kes nautis maailmas alati piiritut austust. kõigi Vana ja Uue Maailma maade jazziringkonnad. Oma suurepärases õpikus "Džässi ajalugu", mis ilmus esmakordselt 1956. aastal, määratles ta seda muusikat puhtajaloolisest vaatenurgast.

Stearns kirjutas: "Esiteks, kõikjal, kus kuulete džässi, on seda alati palju lihtsam ära tunda kui sõnadega kirjeldada. Kuid esimese ligikaudsusena võime džässi määratleda kui poolimprovisatsioonilist muusikat, mis tekkis 300 tulemusel. aastatepikkune segamine Põhja-Ameerika pinnal kahe suure muusikatraditsiooni – Lääne-Euroopa ja Lääne-Aafrika – ehk valgete ja mustade kultuuri tegelik kokkusulamine... Ja kuigi muusikaliselt mängis siin domineerivat rolli euroopalik traditsioon, siis need rütmilised omadused, mis tegid. džässi selline iseloomulik, ebatavaline ja kergesti äratuntav muusika kahtlemata juhib "selle päritolu on Aafrikast. Seetõttu on selle muusika põhikomponentideks euroopalik harmoonia, euro-aafrikalik meloodia ja Aafrika rütm."

Miks aga tekkis džäss Põhja-Ameerikast, mitte Lõuna- või Kesk-Ameerikast, kus oli ka piisavalt valgeid ja mustanahalisi? Jazzi sünnimaalt rääkides nimetatakse ju Ameerikat alati selle hälliks, kuid tavaliselt peetakse silmas USA moodsat territooriumi. Fakt on see, et kui Ameerika mandri põhjapool oli ajalooliselt asustatud peamiselt protestantidega (inglased ja prantslased), kelle hulgas oli palju religioosseid misjonäre, kes püüdsid mustanahalisi kristlikku usku pöörata, siis Ameerika mandri lõuna- ja keskosas. sellel tohutul kontinendil olid ülekaalus katoliiklased (hispaanlased) ja portugallased, kes vaatasid mustanahalisi orje lihtsalt kui veoloomi, hoolimata nende hinge päästmisest. Seetõttu ei saanud toimuda märkimisväärset ja piisavalt sügavat rasside ja kultuuride läbitungimist, mis omakorda avaldas otsest mõju Aafrika orjade põlismuusika säilivusastmele, peamiselt nende rütmide alal. Tänaseni eksisteerivad Lõuna- ja Kesk-Ameerika riikides paganlikud kultused, salajasi rituaale ja lokkavaid karnevale peetakse afro-kuuba (või Ladina-Ameerika) rütmide saatel. Pole üllatav, et just selles rütmis on Uue Maailma lõunaosa juba meie ajal märgatavalt mõjutanud kogu maailma levimuusikat, samas kui põhjaosa on panustanud kaasaegse muusikakunsti varakambrisse midagi muud, sest näiteks spirituaalid ja bluus.

Järelikult jätkab Stearns, ajaloolises aspektis on jazz süntees, mis on saadud originaalis kuuest fundamentaalsest allikast. Need sisaldavad:

1. Lääne-Aafrika rütmid;

2. Töölaulud (töölaulud, põlluhüüded);

3. Neegri vaimulikud laulud (vaimulikud);

4. Neegri ilmalikud laulud (bluus);

5. Möödunud sajandite Ameerika rahvamuusika;

6. Minstrelite ja tänavapuhkpilliorkestrite muusika.

1. Jazzi päritolu

Esimesed valgete inimeste kindlused Guinea lahes Lääne-Aafrika rannikul kerkisid juba aastal 1482. Täpselt 10 aastat hiljem leidis aset märkimisväärne sündmus – Ameerika avastamine Kolumbuse poolt. 1620. aastal ilmusid Ameerika Ühendriikide kaasaegsele territooriumile esimesed mustanahalised orjad, keda veeti mugavalt laevaga üle Atlandi ookeani Lääne-Aafrikast. Järgmise saja aasta jooksul kasvas nende arv seal saja tuhandeni ja 1790. aastaks kasvas see arv 10 korda.

Kui öelda “Aafrika rütm”, siis tuleb muidugi meeles pidada, et Lääne-Aafrika mustanahalised ei mänginud kunagi “džässi” kui sellist – me räägime lihtsalt rütmist kui nende olemasolu lahutamatust osast nende kodumaal, kus see oli. mida esindab rituaalne "trummikoor" oma keeruliste polürütmidega ja palju muud. Kuid orjad ei saanud Uude Maailma kaasa võtta ühtegi muusikainstrumenti ja algul keelati Ameerikas isegi isetehtud trumme valmistamine, mille näiteid võis näha alles palju hiljem etnograafiamuuseumides. Lisaks ei sünni mitte ükski nahavärvi valmis rütmitaju, kõik on seotud traditsioonidega, st. põlvkondade ja keskkonna järjepidevuses, seetõttu säilitati ja edastati neegrite kombeid ja rituaale kogu USA-s eranditult suuliselt ja mälust põlvest põlve afroameerika mustanahalistele. Nagu Dizzy Gillespie ütles: "Ma arvan, et Jumal ei saa anda kellelegi rohkem kui teistele, kui nad satuvad samas keskkonnas. Võite võtta iga inimese ja kui paned ta samasse keskkonda, siis tema elutee kindlasti läheb. olema meie omadega sarnane."

Džäss tekkis Ameerika Ühendriikides ühelt poolt Euroopa rahvaste ümberasustatud muusikakultuuride arvukate elementide ja teiselt poolt Aafrika folkloori elementide sünteesi tulemusena. Nendel kultuuridel olid põhimõtteliselt erinevad omadused. Aafrika muusika on olemuselt improvisatsiooniline, seda iseloomustab tugevalt väljendunud polürütmi, polümeetria ja lineaarsusega kollektiivne muusikategemise vorm. Olulisim funktsioon selles on rütmiline algus, rütmiline polüfoonia, millest tuleneb ristrütmi efekt. Meloodilist ja veelgi enam harmoonilist põhimõtet arendatakse Aafrika muusikaloomes palju vähemal määral kui Euroopa muusikas. Aafriklaste muusikal on praktilisem tähendus kui eurooplastele. Sageli seostatakse seda töötegevusega, rituaalidega, sealhulgas jumalateenistusega. Erinevate kunstiliikide sünkretism mõjutab musitseerimise olemust – see ei toimi iseseisvalt, vaid koos tantsu, plastilise kunsti, palve ja retsiteerimisega. Aafriklaste erutatud olekus on nende intonatsioon palju vabam kui standardsesse skaalasse aheldatud eurooplastel. Aafrika muusikas on küsimus-vastus laulmise vorm (kõne ja vastus) laialt arenenud.

Euroopa muusika andis omalt poolt oma rikkaliku panuse tulevasse sünteesi: juhtiva häälega meloodiakonstruktsioonid, modaalsed duur-moll standardid, harmoonilised võimalused ja palju muud. Üldiselt põrkas Aafrika emotsionaalsus, intuitiivne printsiip suhteliselt kokku Euroopa ratsionalismiga, mis väljendus eriti protestantismi muusikapoliitikas.

2. "Kolmas vool"

Mõiste "kolmas vool" võttis kasutusele kriitik John Wilson. Ta tõi välja alternatiivse, täpsemalt öeldes variandid esimese ja teise suundumuse sünteesiks, s.o. akadeemiline muusika ja jazz. See suundumus kujunes välja 50ndatel ja ei ole seotud konkreetse stiiliga. Erinevate muusikute eksperimentaalsed teosed jäädvustasid sümfoonilist jazzi, jazzroki ja avangardi liikumisi.

Džäss kui 20. sajandi üks omapärasemaid muusikakunsti liike hakkas tasapisi vallutama kogu maailma ja omandas lõpuks rahvusvahelise iseloomu. See juhtus peamiselt seetõttu, et selle heliloojad ja esitajad pöördusid oma loomingus sageli teiste maade ja rahvaste muusika poole - India, Lõuna-Ameerika, Araabia ja loomulikult oma folkloori poole. Oma žanri arengus uusi suundi otsivate džässmeeste tähtsaimaks inspiratsiooniallikaks olid ka Euroopa klassikalise muusika parimad näited ja selle mitmed populaarsemad sordid.

Klassikaliste heliloojate ajaloolised kokkupuuted džässiga on üldtuntud ning siin võiks näiteks tuua kümneid kuulsaid nimesid (Dvorak, Stravinsky, Debussy, Ravel, Milhaud, Honegger, Kshenek, aga ka Copland, Gershwin ja Bernstein), kuid katseid juhtis soov tuua akadeemilisse muusikasse ainult teatud jazzi elemente. Seevastu on palju eksperimentaalset tööd huvitatud jazzmeestest, kes püüdsid rakendada teatud sümfoonilise arengu põhimõtteid ja kasutada oma džässipartituurides klassikalise muusika algupäraseid põhimõtteid.

Erinevatel aastakümnetel viisid sellised katsed mõnikord isegi uute, kui mitte stiilide, siis igal juhul iseseisvate harude tekkeni džässi ajaloo sugupuus - näiteks 20ndatel oli see "sümfooniline jazz" ( Paul Whiteman, kes tahtis "jazzist daami teha"), 40ndatel "progressiivne" (Stan Kenton) ja 60ndatel "kolmas liikumine".

“Kolmandat osa” mainitakse džässiajaloos konkreetselt, sest siis tulid selle juurde džässimehed, mitte klassikud. Tegemist oli modernse jazzi eksperimentaalse suunaga, mille esindajad püüdsid luua mahukaid teoseid segaorkestritele, hõlmates nii akadeemilisi interpreete kui ka jazzimprovisaatoreid.

“Kolmanda osa” kompositsioone iseloomustab Euroopa kompositsioonitehnikate orgaanilisem sulandumine jazzitraditsioonidega. Selle suuna silmapaistvamad esindajad USA-s olid muusikud ja heliloojad Gunther Schuller, John Lewis (Modern Jazz Quarteti juht), Gary McFarland, Jimmy Giuffre jt.

Näiteks on teada Duke Ellingtoni ühisesinemised (ja salvestused) La Scala ja Londoni sümfooniaorkestritega. Selle kombinatsiooniga tekivad uued harmoonilised ja instrumentaalsed varjundid, tulemuseks on nii-öelda kaasaegne “intellektuaalne muusika”. Sellel on klassikaline lähenemine teemale, kuid see jääb oma tuumaks väga džässilikuks. Neid kahte komponenti on täiesti võimalik ühte tüüpi muusikasse sünteesida, mis on lähedane nii džässile (improvisatsioonivabadus, svingimeel, uute tämbrite värskus) kui ka “tõsiste” kompositsioonide tehnikale (tehnikad valdkonnast 12). -tooniline muusika, polüfoonia, polütonaalsus, polürütm, üldine temaatiline evolutsioon jne).

Kolmandasse osasse andis olulise panuse Dave Brubeck oma teostega jazzkvartetile ja sümfooniaorkestrile. Sümfooniaorkestri ja jazzansambli või isegi orkestri ühendamise traditsiooni jätkavad Wynton Marsalis ja tema Lincoln Centeri orkester.

3. Moodne bluus. Swingijärgse ajastu bigbändid

Ajalooliselt tungis bluus järk-järgult suurtesse tööstuskeskustesse ja saavutas seal kiiresti populaarsuse. See pani paika afroameeriklaste muusikast päritud iseloomulikud jooned ning määratles selgelt 12taktilise vormi (kui kõige tüüpilisema) ning määras bluusiskaala põhjal harmoonilise saate. 50ndate ja 60ndate kuulsamate jazzbluusi esinejate seas. seal olid Jimmy Rushing (1903-1972) ja Joe Williams (1918-1999).

40ndate lõpus ja 50ndate alguses tekkis uus sort - "rütm ja bluus" - see oli klassikalise bluusi urbanistlik modifikatsioon, mis sai laialt levinud USA suurimate linnade mustades piirkondades. Kasutades bluusi põhilisi meloodilis-harmoonilisi vahendeid, eristub “r&b” instrumentaalsaadete oluline suurenemine, ekspressiivne esitusmaneeri, kiiremad tempod, selgelt piiritletud rütm ja energiline biit, mis saavutatakse vahelduva massiivsena. ja hoogsad löögid 1. ja 3. taktil kuiva ja järsu aktsendiga 2. ja 4. taktil. Esitust iseloomustab raugematu emotsionaalne pinge, vali heli, rõhutavad "bluusi noodid", vokalisti sagedased üleminekud falsetile, heli maksimaalne intensiivsus (rõhk, "draiv") ja see on üles ehitatud lühikeste "riffide" antifoonile. laulja ja saatja.

Kuni 40ndate lõpuni. "R&B" "live" helis ja plaatidel (nn. "rassiplaatide" sarjas) oli tuntud peamiselt ainult suurte tööstuslinnade mustanahalistele elanikele. Selle suundumuse lemmikud olid neil aastatel saksofonistid Louis Jordan ja Earl Bostic, kitarristid "T-Bone" Walker ja Muddy Waters, pianistid Jay McShann ja mõnevõrra hiljem Ray Charles ja vokalist Big Joe Turner.

50ndate alguses tekkis aga huvi selle rütmilise muusika vastu ka valgete seas. Tasapisi tekkis valgete noorte seas kasvav nõudlus R&B näidendite järele ning selle poole pöördusid mitmed muusikud ning neist said neil aastatel aktiivsed R&B propageerijad, mis seejärel muutis levimuusikas pöörde ja viis rokenrolli tekkeni. Kui valge kitarrist Bill Haley lindistas oma bändiga 12. aprillil 1954 kuulsa rütmi- ja bluusinumbri "Rock Around the Clock", on selle ilmumiskuupäeva sellest ajast peale peetud "rokenrolli" sünnipäevaks ja teemaks endaks. hümn.

Nendel aastatel esines valge diskor Alan Freed (1922-1965) Clevelandi raadiojaamas ja hakkas regulaarselt eetrisse andma "rhythm and blues" artistide salvestisi ning nüüd võib öelda, et Freed vastutab peaaegu ainuisikuliselt muutes kogu Ameerika levimuusika kurssi. Just tema tõi mustad rütmi- ja bluusikirjanikud ja artistid rassilise eesriide tagant välja ning tutvustas neid laiale valgete teismeliste publikule. Inspiratsioonihoos nimetas ta neid salvestisi "rokenrolliks" ja populariseeris seda terminit noorte seas üle maailma.

See "r&b" kohandatud versioon taandus kolmele põhiakordile, mõnele lihtsale elektrikitarri "rifile" ja raskele monotoonsele rütmile, millel on tugevad aktsendid 2. ja 4. taktidel (st "off-beat"). "Rock and roll" harmoonia põhines aga endiselt 12 taktilisel bluusiskeemil, nii et selle peamine eelis seisnes selles, et see kehtestas bluusi põhikontseptsiooni valgete ameeriklaste ja pärast neid eurooplaste massilises muusikalises teadvuses. tohutu potentsiaal rütmi, meloodia ja harmoonia arendamiseks. Blues mitte ainult ei taaselustanud levimuusikat tervikuna, vaid muutis ka oma senist "valge" euroopalikku suunitlust ning avas ukse laiale uuenduste ja laenude voogudele teiste maailma piirkondade muusikakultuuridest, näiteks Ladina-Ameerika muusikast.

Teise maailmasõja järgsed rasked majandusolud ning muutused avalikkuse ja mänedžeride huvides mõjutasid radikaalselt paljusid svingiajastu bigbände. Enamik neist on jäädavalt kadunud. 50ndate alguses algas aga žanri taaselustamine. Raskustega, kuid taastati Benny Goodmani, Count Basie ja veidi hiljem ka Duke Ellingtoni orkestrid. Avalikkus tahtis taas kuulata sõjaeelseid hitte. Vaatamata koosseisude olulisele uuenemisele ja noorte muusikute tulekule taastasid juhid kuulajate soove täites vana repertuaari. Nendest kolmest kiigeajastu sambast oli muutuste teel ainult Duke Ellington. See puudutas tema sõja-aastatel alguse saanud sviidivormi laialdast kasutamist. Tema repertuaari ilmusid mastaapsed programmilise sisuga süidid. Märkimisväärne etapp oli "Vaimuliku muusika kontserdid" (1965-66) loomine orkestrile, koorile, solistidele ja tantsijale. Jätkusid vibrafonist Lionel Hamptoni bigbändi energilised etteasted, mis keskendusid eelkõige oma liidri musikaalsusele ja sarmile.

Järk-järgult muutusid mõned orkestrid väljakujunenud traditsioone toetavateks mälestusmoodustisteks. Sellisena võime nimetada 1944. aastal surnud Glenn Milleri orkestrit, Count Basie Orchestrat, mis eksisteerib sama nime all pärast juhi surma 1984. aastal Mercer Ellingtoni (Duke'i poja) juhtimisel, ja seejärel tema orkestrit. pojapoeg Paul Mercer Ellington, Duke Ellingtoni orkester (surn. . 1974).

Progressiivsed orkestrid kaotasid järk-järgult eksperimenteerimisvaimu ja omandasid suhteliselt standardse repertuaari. Woody Hermani ja Stan Kentoni orkestrid, olles loonud huvitavaid soliste, andsid teatepulga edasi noorematele kolleegidele. Nende hulgas tuleb ära märkida bände, kes lõid uue kõla, mis põhines eredatel arranžeeringutel, polüstilistikal ja vaskpillide, eelkõige trompeti kõla uuel kasutusel. Sellised orkestriheli edenemiskeskused olid 60ndatel trompetistide bändid Maynard Fergusson ja Don Ellis. Järjepidev liikumine valitud suunas toimus grupi ühe asutaja Gil Evansi loomingulises laboris. Tema enda esinemised, salvestused Miles Davisega 50ndate ja 60ndate vahetusel ning edasised katsetused modaalse muusika ja džässroki elementidega 70ndatel olid džässiajaloo oluline individuaalne suund.

70ndatel andis bändiliikumisele võimsa tõuke New Yorgi jazzimaastiku noortest ja väga tugevatest muusikutest koostatud orkester, mille olid kokku pannud kunagine Basie bändi liige trompetist Thad Jones ja trummar Mel Lewis. orkester Stan Kenton. Kümmekond aastat peeti seda bändi parimaks tänu suurepärastele kaasaegsetele arranžeeringutele ja kõrgele instrumentalistide tasemele. Orkester läks Jonesi Taani kolimise tõttu laiali, kuid Mel Louis püüdis seda koostöös trombonisti ja arranžeerija Bob Brookmyeriga pikka aega toetada. 80ndatel hõivas maailma hierarhia esikoha bänd, mille lõi Jaapani pianist ja arranžeerija Toshiko Akiyoshi koos abikaasa, saksofonist Lew Tabakiniga. See orkester on ebatavaline selle poolest, et selle on loonud naine, see esitab peamiselt tema teoseid, kuid järgib jätkuvalt Ameerika orkestritraditsioone. 1985. aastal saadeti orkester laiali ja Akiyoshi organiseeris uue bändi nimega "Toshiko Akiyoshi New York Jazz Orchestra".

90ndatel bigbändi žanr ei kuivanud, vaid võib-olla tugevnes. Samal ajal on laienenud orkestri stilistika ring. Konservatiivset tiiba esindab memoriaalorkestrite kõrval Lincoln Centeri orkester, mida juhib ametlikult üks enim soositud jazzmuusikuid, andekas trompetist ja helilooja Wynton Marsalis. See orkester püüab järgida Duke Ellingtoni joont suure vormi ja programmilise iseloomuga teoste loomisel. Mitmekesisem on Charles Minguse (The Mingus Big Band) nime kandva väga tugeva ja moodsama orkestri looming. See bänd meelitab ligi loominguliselt mõtlevaid muusikuid. Radikaalsemaid ideid tunnistavad erinevad "töötoad", mis on oma olemuselt ajutised, ja mitmekesised avangardsemaid ideid tunnistavad bändid. Selliste orkestrite hulka kuuluvad Sam Riversi, George Gruntzi ja paljude Euroopa konglomeraatide ansamblid.

4. Kõvaplaat. Funky

Vastupidiselt laheda stiili viimistlemisele ja jahedusele, progressiivse ratsionaalsusele Ameerika Ühendriikide idarannikul jätkasid 50ndate alguse noored muusikud näiliselt kurnatud bebop stiili arendamist. Olulist rolli selles suundumuses mängis 50ndatele omane afroameeriklaste eneseteadvuse kasv. Uuesti keskenduti Aafrika-Ameerika truuks jäämisele. Samas säilisid kõik bebopi saavutused, kuid neile lisandus palju cooli arendusi nii harmoonia kui ka rütmistruktuuride vallas. Uue põlvkonna muusikutel oli reeglina hea muusikaline haridus. See trend, mida nimetatakse "hardbopiks", osutus väga arvukaks. Sinna kuulusid trompetistid Miles Davis, Fats Navarro, Clifford Brown, Donald Byrd, pianistid Thelonious Monk, Horace Silver, trummar Art Blakey, saksofonistid Sonny Rollins, Hank Mobley (Hank Mobley), Cannonball Adderley, kontrabassist Paul Chambers ja paljud teised.

Uue stiili arendamiseks osutus oluliseks veel üks tehniline uuendus: kauamängivate plaatide ilmumine. Võimalik oli salvestada pikki soolosid. Muusikute jaoks on see muutunud ahvatluseks ja raskeks proovikiviks, sest mitte igaüks ei suuda pikka aega täielikult ja lühidalt sõna võtta. Trompetid olid esimesed, kes neid eeliseid ära kasutasid, muutes Dizzy Gillespie stiili rahulikumaks, kuid sügavamaks. Kõige mõjukamad olid Fats Navarro ja Clifford Brown (mõlemale anti liiga lühike elutee). Need muusikud ei pööranud põhitähelepanu mitte virtuoossetele kiiretele lõikudele ülemises registris, vaid läbimõeldud ja loogilistele meloodialiinidele.

Muusikaline keerukus, mille saavutas näiteks Art Blakey, kes kasutas keerulisi rütmistruktuure, ei toonud kaasa džässi, emotsionaalse vaimsuse kadumist. Sama kehtib uute vormide kohta Horace Silveri improvisatsioonides või polürütmilistes figuratsioonides Sonny Rollinsi soolodes. Muusika sai teravuse, teravuse ja uue swingi mõõtme. Erilist rolli hardbopi arengus mängis Art Blakey, kes lõi 1955. aastal ansambli Jazz Messengers. See kompositsioon mängis kooli rolli, kus tuvastati ja õitses selle suuna arvukate esindajate talent. Nende hulka kuuluvad pianistid Bobby Timmons ja Horace Silver, saksofonistid Benny Golson, Hank Mobley, trompetistid Lee Morgan, Kenny Dorham, Wynton Marsalis ja paljud teised. "Jazz Messengers" eksisteerib ühel või teisel kujul siiani, olles oma liidri (1993) ära elanud.

Tenorsaksofonist Sonny Rollinsil on hard bop -muusikute galaktikas eriline koht. Tema stiil koosnes Parkeri joontest ja Coleman Hawkinsi laiast toonist ning tema uuenduslikkust seostati tema temperamendi ja spontaansusega improvisaatorina. Seda iseloomustab eriline vabadus harmoonilise materjali kasutamisel. 50. aastate keskel äratas Rollins tähelepanu oma fraseeringu iseärasustega, mis kujutavad endast suurepäraseid polürütmilisi figuure, mis rebivad laiali teemast lähtuva harmoonilise materjali. Tema meloodilistes improvisatsioonides ilmneb kõla karmus ja muusikaline sarkasm.

Osa "hardbopi" perioodil ilmunud muusikast neelas loomulikult bluusi, mida kasutati aeglases või keskmises tempos, erilise väljendusega, tugeval taktil. Seda stiili nimetatakse "funkyks". Sõna on släng ja tähendab terava, terava lõhna või maitse intensiivistavat määratlust. Jazzis on see sünonüüm maalähedase, “päris” muusikaga. Selle haru välimus pole juhuslik. 50ndatel hakkas džäss džässi vanast neegri olemusest eemalduma ja märgatav oli jazzi idioomi nõrgenemine. Üha raskem oli kindlaks teha, millist muusikat tuleks tajuda jazzina. Džässmuusikud katsetasid erinevate rahvaste folklooriga, neid köitis impressionism ja atonalism ning nad hakkasid tegelema antiikmuusikaga. Mitte igaüks ei pidanud neid protsesse piisavalt veenvateks. Paljud muusikud pöördusid traditsioonilise bluusi ja religioosse laulu kõlaga tugevalt maitsestatud kompositsioonide poole. Algselt oli religioossel elemendil pigem dekoratiivne kui funktsionaalne eesmärk. Mõnikord mängisid puuvillapõldude vanamoodsad karjed sissejuhatuse rolli üsna traditsioonilistele bebop-kujudele. Sonny Rollinsil on selle stiili märke, kuid selle suurima väljenduse võib leida pianist Horace Silveris, kes lõi funky bluusi. Tema muusika siirust tugevdasid religioossed motiivid, mis muusikut juhtisid.

Funky stiilist kasvas välja Charles Minguse kuju - kontrabassist, helilooja ja bändijuht, muusik, kes ei mahtunud teatud stiili raamidesse. Mingus seadis endale ülesandeks kutsuda kuulajas esile väga spetsiifilised emotsionaalsed aistingud. Samal ajal jaotus koormus heliloomingu enda ja muusikute vahel, kes pidid improviseerima, kogedes just neid emotsioone. Mingust võib kergesti liigitada väheste jazziheliloojate hulka. Ta pidas end Duke Ellingtoni järgijaks ja pöördus sama Aafrika-Ameerika kultuuri, religioossuse, müstika valdkonna poole – valdkond, mis nõudis funky stiilitehnikate kasutamist..

5. Vaba jazz

60ndate alguses oli džässistiilide järgmine arendusring suuresti tingitud mustanahaliste muusikute rassilise eneseteadvuse tugevnemisest. Tollaste noorte seas väljendus see protsess väga radikaalsetes vormides, sealhulgas jazzis, mis on alati olnud afroameeriklaste kultuuri väljundiks. Muusikas avaldus see taas soovis loobuda euroopalikust komponendist ja naasta džässi algallikate juurde. Uues jazzis pöördusid mustanahalised muusikud mittekristlike religioonide, eelkõige budismi ja hinduismi poole. Teisalt iseloomustab seda aega protestilainete tekkimine, sotsiaalne ebastabiilsus, olenemata nahavärvist (hipiliikumine, anarhism, kirg ida müstika vastu). Sel ajal ilmunud “free jazz” tegi järsu pöörde džässi kogu peamiselt arenguteelt, peavoolust. Vaimsete ja esteetiliste elamuste täiuse kombinatsioon põhimõtteliselt uudse lähenemisega muusikalise materjali korraldusele eraldas popkunsti sfäärist täielikult uue jazzi. See oli bopperite poolt käivitatud protsessi järsk kiirendus.

Dixieland ja svingistilistid lõid meloodilisi improvisatsioone, bebop, cool ja hardbop muusikud järgisid oma soolodes akordi struktuure. Free jazz oli radikaalne kõrvalekalle varasematest stiilidest, kuna selles stiilis ei ole solist kohustatud järgima etteantud suunda ega ehitama vormi vastavalt teadaolevatele kaanonitele, ta võib minna igas ettearvamatus suunas. Esialgu oli free jazzi liidrite peamine püüdlus hävitav orientatsioon rütmi, struktuuri, harmoonia ja meloodia suhtes. Peamine oli nende jaoks äärmine väljendusrikkus, vaimne alastus ja ekstaas. Uute jazzmuusikute Cecil Taylori, Ornette Colemani, Don Cherry, John Coltrane'i, Archie Sheppi, Albert Ayleri esimesed katsetused ei katkestanud sidemeid peavoolu normidega. Esimesed tasuta jazzi salvestised meeldisid endiselt harmoonilistele mustritele. Kuid järk-järgult jõuab see protsess traditsiooni murdmise äärmuslikku punkti. Kui Ornette Coleman free jazzi täielikult New Yorgi publikule tutvustas (hoolimata sellest, et Cecil Taylor oli varem ja üsna hästi tuntud), jõudsid paljud bebop-muusikud ja jazzigurmaanid järeldusele, et seda muusikat ei saa pidada mitte ainult jazziks, vaid tegelikult ka muusika. Nii said endistest radikaalidest vähem kui 15 aastaga konservatiivid.

Üks esimesi kaanonite hävitajaid oli Cecil Taylor, kes oli täisealiseks saades väga koolitatud muusik. Ta on lõpetanud konservatooriumi, tundis hästi džässi ja mõtles heliloojamuusika põhimõtete rakendamisele improvisatsiooniprotsessis. 1956. aastaks õnnestus tal koos saksofonisti Steve Lacyga välja anda plaat, mis sisaldas ideid uuest jazzist. Varakult surnud pianist ja helilooja Herbie Nichols järgis ligikaudu sama teed, lähtudes suures osas Thelonious Monkist. Vaatamata tavapäraste võrdluspunktideta muusika tajumise raskustele sai Cecil Taylor kuulsaks kujuks juba 1958. aastal, millele aitasid kaasa tema esinemised klubis Five Spot.

Erinevalt Taylorist oli teisel free jazzi asutajal Ornette Colemanil laialdased esinemiskogemused ja samal ajal ei mänginud ta kunagi "õigesti". Võib-olla sai Colemanist seda mõistmata primitivismi meister. See omakorda andis talle aluse lihtsaks üleminekuks ebastandardsele muusikale, mille ta saavutas koos taskutrompetit mänginud trompetisti Don Cherryga. Muusikutel vedas, nende vastu hakkasid huvi tundma muusikaringkonnas mõjukad kontrabassist Red Mitchell ja pianist John Lewis. 1959. aastal andsid muusikud välja albumi "Something Else!!" ja kihlus Five Spotiga. Uue jazzi verstapostiks oli Ornette Colemani duubelmeeskond "Free Jazz" 1960. aastal.

Free jazz ristub sageli teiste avangardsete liikumistega, mis võivad näiteks kasutada oma vormimist ja rütmiliste struktuuride järjestust. Alates selle loomisest on free jazz jäänud väheste inimeste pärusmaaks ja seda leidub tavaliselt maa all, kuid see on tänapäevast peavoolu suuresti mõjutanud. Vaatamata täielikule eitamisele on free jazzil välja kujunenud teatav normatiivsus, mis võimaldab seda eristada teistest uutest jazzisuundadest. Need kokkulepped on seotud teose üldise kava, muusikute suhtluse, rütmilise toega ja loomulikult emotsionaalse tasandiga. Tuleb märkida, et free jazzis on taas esile kerkinud vana kollektiivse improvisatsiooni vorm. Vaba džässi tunnuseks on saanud “avatud vormiga” töötamine, mis ei ole seotud kindlate struktuuridega. Selline lähenemine on hakanud ilmnema ka muusikute seas, kes pole puhtalt free jazz – nagu näiteks Keith Jarretti spontaansed improvisatsioonid tema soolokontsertidel.

"Uue džässi" tagasilükkamine Euroopa muusikanormidest tõi kaasa tohutu huvi mitte-Euroopa, peamiselt ida kultuuride vastu. John Coltrane tegeles väga tõsiselt India muusikaga, Don Cherry - indoneesia ja hiina, Farrow Sanders - araabia muusikaga. Pealegi pole see orientatsioon pealiskaudne, dekoratiivne, vaid väga sügav, sooviga mõista ja endasse haarata mitte ainult vastava muusika, vaid ka selle esteetilise ja vaimse keskkonna kogu iseloomu.

Free jazzi idioomid said sageli polüstilistilise muusika lahutamatuks osaks. Selle lähenemise üks silmatorkavamaid ilminguid on Chicago mustanahaliste muusikute grupi looming, kes alustas esinemist 60ndatel Creative Muusikute Edendamise Assotsiatsiooni (AACM) egiidi all. Hiljem lõid need muusikud (Lester Bowie, Joseph Jarman, Rascoe Mitchell, Malachi Favors, Don Moye) "Chicago Art Ensemble", mis jutlustas erinevaid stiile alates Aafrika rituaalidest ja gospelmuusikast kuni free jazzini. Sama protsessi teine ​​külg avaldub klarnetisti ja saksofonisti Anthony Braxtoni loomingus, kes on tihedalt seotud Chicago Art Ensemble’iga. Tema muusika on ühtaegu vaba ja intellektuaalne. Braxton kasutab mõnikord oma kompositsioonides matemaatilisi põhimõtteid, näiteks rühmateooriat, kuid see ei vähenda tema muusika emotsionaalset mõju. Vaidlused sedalaadi muusika võimalikkuse üle ei vaibu tänaseni. Nii nimetab Ameerika džässistablitsioni ametlik autoriteet Wynton Marsalis Braxtonit põlglikult „heaks maletajaks“, samal ajal on Marsalis Ameerika džässiajakirjanike liidu küsitlustes Braxtoni järel järgmine. jazziheliloojad.

Tuleb märkida, et 70. aastate alguseks hakkas huvi free jazzi vastu haarama Euroopas loovalt mõtlevaid muusikuid, kes sageli ühendasid selle “vabaduse” põhimõtteid 20. sajandi Euroopa muusikapraktika arengutega – atonaalsuse, seriaalitehnikaga. , aleatoorika, sonoristika jne. Teisest küljest olid mõned vabadžässi liidrid eemaldumas äärmuslikust radikalismist ja 80ndatel liikumas mingi kompromissilise, ehkki originaalse muusikaversiooni poole. Nende hulgas on Ornette Coleman projektiga “Prime Time”, Archie Shepp ja teised.

6. Fusiooni arendamine: jazz-rock. Fusioon ECM. Maailma jazz

Algne "džässroki" määratlus oli kõige selgem: kombinatsioon jazzimprovisatsioonist rokkmuusika energia ja rütmidega. Kuni 1967. aastani eksisteerisid jazzi ja roki maailm peaaegu eraldi. Kuid selleks ajaks muutub rokk loomingulisemaks ja keerulisemaks, psühhedeelne rokk ja soulmuusika. Samal ajal hakkas nii mõnelgi džässmuusikul puhas hardbop ära väsima, kuid rasket avangardmuusikat nad mängida ei tahtnud. Selle tulemusena hakkasid kaks erinevat idioomi mõtteid vahetama ja jõud ühendama. Alates 1967. aastast hakkasid kitarrist Larry Coryell, vibrafonist Gary Burton ja 1969. aastal trummar Billy Cobham koos grupiga "Dreams", milles mängis Brecker Brothers, omandama uusi stiilialasid. 60. aastate lõpuks oli Miles Davisel vajalik potentsiaal džässrokile üleminekuks. Ta oli üks modaaljazzi loojaid, mille põhjal 8/8 rütmi ja elektroonilisi instrumente kasutades astub Miles uue sammu, salvestades albumid "Bitches Brew", "In a Silent Way". Koos temaga oli sel ajal särav muusikute galaktika, kellest paljud said hiljem selle liikumise põhifiguurideks - John McLaughlin, Joe Zawinul, Herbie Hancock. Davisele iseloomulik askeetlikkus, lühidus ja filosoofiline mõtisklus osutusid uues stiilis õigeks. 1970. aastate alguseks oli džässrokil loomingulise džässistiilina omaette identiteet, kuigi paljud jazzipuristid seda pilkasid. Uue suuna põhirühmad olid “Return To Forever”, “Weather Report”, “The Mahavishnu Orchestra” ja erinevad Miles Davise ansamblid. Nad mängisid kvaliteetset jazz-rocki, mis ühendas tohutu hulga tehnikaid nii jazzist kui ka rokist.

Fusioon

Jazz-rocki huvitavamaid kompositsioone iseloomustab improvisatsioon, kombineerituna kompositsioonilahendustega, rokkmuusika harmooniliste ja rütmiliste põhimõtete kasutamine, ida meloodia ja rütmi aktiivne kehastus ning elektrooniliste helivahendite jõuline kasutuselevõtt. töötlemine ja süntees muusikaks. Selles stiilis on laienenud modaalpõhimõtete rakendusala ja laienenud erinevate režiimide, sealhulgas eksootiliste režiimide valik. 70ndatel sai jazz-rock uskumatult populaarseks, sellega liitusid aktiivsemad muusikud. Jazz-rocki, mis on rohkem arenenud erinevate muusikaliste vahendite sünteesi seisukohalt, nimetatakse “fusiooniks” (fusioon, sulandumine). Lisaimpulss “fusioonile” oli järjekordne (mitte esimene džässi ajaloos) kummardus Euroopa akadeemilise muusika poole. Tegelikult jätkab fusioon selles etapis 50ndate “kolmanda liikumise” joont.

Erinevate kultuurimõjude koosmõju peegeldub isegi kõige huvitavamate ansamblite koosseisus. Tüüpiline näide on Weather Report, mida juhtisid algul amerikaniseerunud Austria klahvpillimängija Joseph Zawinul ja Ameerika saksofonist Wayne Shorter, kes kõik läbisid eri aegadel Miles Davise kooli. Ansambel tõi kokku muusikud Brasiiliast, Tšehhoslovakkiast ja Peruust. Seejärel hakkasid Zawinuliga koostööd tegema instrumentalistid ja vokalistid peaaegu kogu maailmast. "Weather Reporti" järglases, projektis "Syndicat" ulatub muusikute geograafia Tuvast Lõuna-Ameerikani.

Paraku omandab džässrokk aja jooksul suuresti kommertsmuusika jooni, teisalt hülgab rokk ise mitmed 1970. aastate keskel tehtud loomingulised avastused. Paljudel juhtudel saab fusionist tegelikult kombinatsioon džässist tavapärase popmuusika ning kerge rütmi ja bluusiga; crossover. Fusion-muusika ambitsioonid muusikalise sügavuse ja jõu suurendamise osas jäävad täitmata, kuigi harvadel juhtudel otsingud jätkuvad, näiteks sellistes rühmades nagu Tribal Tech ja Chick Corea ansamblid.

Elektriline jazz

Elektrooniliste helimuundurite ja süntesaatorite kasutamine on osutunud ülimalt atraktiivseks muusikute jaoks, kes on eelkõige roki- või kommertsmuusika piirimail. Tegelikkuses on elektrimuusika üldise massi hulgas mahlakaid näiteid suhteliselt vähe. Näiteks Joe Zawinul saavutas ilmateate projektis väga tõhusa etniliste ja tonaalsete elementide sulandumise. Herbie Hancockist sai pikka aega mitte niivõrd avalikkuse kui muusikute iidol, kes kasutas 70ndatel ja 80ndatel süntesaatoreid, arvukaid klahvpille ja erinevaid elektroonilisi trikke. 90ndatel liikus see muusikavaldkond üha enam mitte-jazzi sfääri. Seda soodustavad arvutimuusika loomise laiendatud võimalused, mis teatud eeliste ja võimalustega kaotavad sideme peamise jazzikvaliteediga - improvisatsiooniga.

Alates 70ndate algusest oli džässistiilide kogukonnas omaette nišš Saksa ettevõte ECM (Edition of Contemporary Music), millest sai järk-järgult muusikute ühenduse keskus, kes ei tunnistanud mitte niivõrd kiindumust afroameeriklasse. džässi päritolu, vaid pigem oskus lahendada väga erinevaid kunstilisi ülesandeid, piirdumata teatud stiiliga, kuid kooskõlas loomingulise improvisatsiooniprotsessiga. Aja jooksul kujunes sellegipoolest välja ettevõtte teatav isiksus, mis viis selle sildi kunstnike eraldumiseni mastaapseks ja selgelt määratletud stiililiseks suunaks. Leibeli asutaja Manfred Eicheri keskendumine erinevate džässi idioomide, maailma folkloori ja uue akadeemilise muusika ühendamisele ühtseks impressionistlikuks kõlaks võimaldas nende vahenditega nõuda sügavust ja eluväärtuste filosoofilist mõistmist.

Ettevõtte peamine salvestusstuudio, mis asub Oslos, on selgelt korrelatsioonis domineeriva rolliga Skandinaavia muusikute kataloogis. Esiteks on need norralased Jan Garbarek, Terje Rypdal, Arild Andersen, Nils Petter Molvaer, Jon Christensen. ECM-i geograafia hõlmab aga kogu maailma. Siin on eurooplased John Surman, Dave Holland, Eberhard Weber, Rainer Bruninghaus, Tomasz Stanko, Mihhail Alperin ja mitte-Euroopa kultuuride esindajad Egberto Gismonti, Zakir Hussain, Flora Purim, Trilok Gurtu, Nana Vasconcelos, Hariprasad Chaurasia, Anouar ja paljud teised . Ameerika leegion pole vähem esinduslik - Keith Jarrett, Jack DeJohnette, Don Cherry, Charles Lloyd, Ralph Towner, Redman Dewey, Bill Frisell, John Abercrombie (John Abercrombie), Leo Smith. Ettevõtte väljaannete esialgne revolutsiooniline impulss muutus aja jooksul meditatiivseks ja irduvaks avatud vormide kõlaks koos hoolikalt lihvitud kõlakihtidega. Loomulikult ületas Eicher nähtamatu piiri, mis eraldas arvukad katsed ühendada džässi ja akadeemilist Euroopa muusikat. See ei ole enam kolmas vool, vaid lihtsalt vool, mis voolab sujuvalt ECM-i “Uuesse sarja” koos akadeemilise muusikaga, hingelt džässiväljaannetele väga lähedal. Leibeli poliitika suund massikultuuri piiridest väljapoole viis aga sedalaadi muusika populaarsuse kasvuni, mida võib vaadelda omamoodi paradoksina. Mõned peavoolu pooldajad eitavad selle suuna muusikute valitud teed; džäss kui maailmakultuur areneb aga nendest vastuväidetest hoolimata ja annab väga muljetavaldavaid tulemusi.

Maailma jazz

"Maailma jazz" (World Jazz) - vene keeles kummalise kõlaga termin, viitab Kolmanda Maailma muusika ehk "Maailma muusika" sulandumisele jazziga. Selle väga hargnenud suuna võib jagada mitmeks tüübiks.

Etniline muusika, mis sisaldab džässimprovisatsioone, nt ladina jazz. Sel juhul on mõnikord improviseeritud ainult soolo. Saade ja helilooming on sisuliselt samad, mis etnilises muusikas endas;

Jazz, mis hõlmas mitte-lääne muusika piiratud aspekte. Näitena võib tuua Dizzy Gillespie vanad "A Night in Tunisia" salvestused ning mõne Keith Jarretti kvarteti ja kvinteti plaadi muusika, mis ilmus 1970. aastatel plaadifirma Impulse! alt, kasutades veidi muudetud Lähis-Ida instrumente ja sarnaseid harmoonilisi tehnikaid. See hõlmab mõnda Sun Ra muusikat 50ndatest kuni 90ndateni, mis sisaldab Aafrika rütme, mõnda Yusef Lateefi salvestust, kasutades traditsioonilisi islami instrumente ja tehnikaid;

Uued muusikastiilid, mis tekivad tänu orgaanilistele viisidele, kuidas ühendada jazzimprovisatsioon olemasoleva etnilise traditsiooni originaalsete ideede ja instrumentide, harmooniate, kompositsioonitehnikate ja rütmidega. Tulemus osutub originaalseks ja peegeldab selgelt rahvuse olulisi aspekte. Selle lähenemisviisi näiteid on palju ja need hõlmavad ansambleid Don Cherry, Codona ja Nu; osa John McLaughlini muusikast 70ndatest kuni 90ndateni, mis põhineb India traditsioonidel; osa 70ndate Don Ellise muusikast, kes laenas ideid India ja Bulgaaria muusikast; Andy Narelli looming 90ndatel, kes segas Trinidadi muusikat ja instrumente džässi- ja funkimprovisatsioonidega.

See pole esimene kord, kui “World Fusion Jazz” seda teed džässi ajaloos järgib ja see suund ise ei kehti ainult Ameerika jazzi kohta. Näiteks polüneesia muusika segati 20. sajandi alguses lääne popstiilidega ja selle kõla tekkis mõnelt varasemalt jazzmuusikult. Kariibi mere tantsurütmid muutusid Ameerika populaarkultuuri oluliseks osaks kogu 20. sajandi jooksul ja kuna džässmuusikud improviseerisid sageli popmuusika teemadel, segati neid peaaegu pidevalt. Django Reinhardt ühendas 30ndatel Prantsusmaal mustlasmuusika traditsioonid, prantsuse impressionismi ja jazzimprovisatsiooni. Piirialadel tegutsevate muusikute nimekirjas võib olla sadu ja tuhandeid nimesid. Nende hulgas on näiteks selliseid erinevaid inimesi nagu Al DiMeola, rühmitus "Dead Can Dance", Joe Zawinul, grupp "Shakti", Lakshminarayana Shankar, Paul Winter, Trilok Gurtu ja paljud teised.

7. Pop - jazz : funk, acid jazz, crossover, smooth jazz

Funk

Modern funk viitab 70ndate ja 80ndate populaarsetele džässi stiilidele, kus saatjad mängivad musta pop-souli ja funk muusika stiilis, samas kui ulatuslikud sooloimprovisatsioonid on loovamad ja džässilikumad. Selle asemel, et kasutada tänapäevaste jazzsaksofonistide (Charlie Parker, Lee Konitz, John Coltrane, Ornette Coleman) mitmekesist kuhjunud džässiidioomide repertuaari, kasutab enamik selle stiili saksofoniste oma lihtsaid fraase, mis koosnevad bluusihüüdest ja oigamisest. Nad tuginevad saksofonisoolodest üle kantud traditsioonile, mille on teinud näiteks King Curtis koos Coastersiga, Junior Walker koos Motowni vokaalgruppidega, David Sanborn Sanborn) koos Paul Butterfieldi "Blues Bandiga". Selle žanri silmapaistev tegelane on Grover Washington, Jr., kes mängis sageli Hank Crawfordi stiilis soolosid funk-laadse saatega. Nii esineb ta oma kuulsaimatel salvestistel, kuigi Washington on võimeline mängima muusikat ka teistes jazzi stiilides. The Jazz Crusadersi liikmed Felder Wilton ja Joe Sample saavutasid laialdase populaarsuse, muutes 70ndatel oluliselt oma repertuaari ja eemaldades ansambli nimest sõna "jazz". Suur osa Michael Breckeri, Tom Scotti ja nende õpilaste muusikast kasutab seda lähenemist, kuigi nad võiksid sama lihtsalt mängida John Coltrane'i või Joe Hendersoni stiilides. Ka "Najee", Richard Elliott ja nende kaasaegsed töötavad stiilis "modern funk". Aastatel 1971–1992 juhtis Miles Davis ansambleid, mis esitasid keerukaid stiilivariante, kuigi tema rühmade saksofoniste mõjutas John Coltrane ja tema kitarristid näitasid kaasaegset jazzilikku meelsust koos Jimi Hendrixi mõjuga. Suure osa kaasaegsest funkist võib liigitada ka "crossover" alla.

Acid jazz

Paljud peavad selle suuna rajajaks Miles Davise hilisemaid kompositsioone. Mõiste "acid jazz" on omistatud ühele kerge džässmuusika tüübile, peamiselt tantsužanrile, mida ühendab asjaolu, et seda mängivad osaliselt "elavad" muusikud ja ülejäänu on võetud kas sämpli kujul või helide vorm, mille tootmiseks kasutatakse plaate, enamasti vanu, vinüül neljakümne viit, mis on toodetud diskoteekidele. Muusikaline tulemus võib olla mis tahes stiilis, kuid muudetud kõlaga. Nendel eesmärkidel on eelistatavamad radikaalsed "punk jazz", "soul", "fusion". Acid jazzil on ka radikaalsem avangardi tiib – näiteks on Briti kitarristi Derek Bailey looming. Acid jazzi eristab diskoversioonist muusikute “elava” mängu märkimisväärne panus. Ilmselt on sellel suunal tulevikku, mis võimaldab areneda.

Сrossover

Seoses rokkmuusika aktiivsuse järkjärgulise langusega (kunstilisest vaatenurgast), alates 70ndate algusest, koos rokimaailma ideevoolu vähenemisega, fusioonmuusika (jazzimprovisatsiooni kombinatsioon rokirütmidega). ) muutus sirgjoonelisemaks. Samal ajal hakkasid paljud mõistma, et elektrijazz võib muutuda kommertslikumaks, produtsendid ja osa muusikuid hakkasid selliseid stiilikombinatsioone otsima müügi suurendamiseks. Nad lõid tõesti edukalt džässitüübi, mis oli tavakuulajale paremini kättesaadav. Viimase kahe aastakümne jooksul on tekkinud palju erinevaid kombinatsioone, mille edendajatele ja publitsistidele meeldib kasutada väljendit "Modern Jazz", millega kirjeldatakse džässi "sulamist" popi, rütmi ja bluusi ning "maailmamuusika" elementidega. Sõna "ristmik" kirjeldab aga asja olemust täpsemalt. Crossover ja fusion saavutasid oma eesmärgi suurendada džässi publikut, eriti nende seas, kellel oli kõrini teistest stiilidest. Mõnel juhul väärib see muusika tähelepanu, kuigi enamasti on džässisisaldus selles nullini viidud. Stiilile, mis on sisuliselt popmuusika, milles on veidi improvisatsiooni ja mis viib muusika džässi piiridest kaugemale, sobib mõiste "instrumentaalpop" teistest paremini. Crossover-stiili näited ulatuvad Al Jarreau ja George Bensoni vokaalsalvestustest Kenny G, Spyro Gyra ja Rippingtonini. Selles kõiges on tunda jazzi mõju, kuid sellegipoolest sobib see muusika popkunsti valdkonda, mida esindavad Gerald Albright, David Benoit, Michael Brecker, Randy Brecker, "The Crusaders", George Duke, saksofonist Bill Evans. , Dave Grusin, Quincy Jones, Earl Klugh, Hubert Laws, Chuck Mangione Mangione), Lee Ritenour, Joe Sample, Tom Scott, Grover Washington Jr.

Sujuv

"Smooth jazz" on fusion-stiili produkt, mis rõhutab muusika pehmet, sujuvat poolt. Üldiselt toetub sile jazz improvisatsiooni asemel pigem rütmidele ja meloodilistele joontele. See kasutab süntesaatorite helikihte, funk-rütme, funk-bassi, kitarri ja trompeti elastseid ridu, alt- või sopransaksofoni. Muusika ei ole tserebraalne nagu hardbop, kuid see pole ka ülemäära energiline nagu funky või soul jazz. Sujuvad jazzikompositsioonid tunduvad lihtsustatud, pealiskaudsed ja lihvitud, kusjuures üldine heli on olulisem kui üksikud osad. Tüüpilised sileda stiili esindajad on George Benson, Kenny G, Fourplay, David Sanborn, Spyro Gyra, The Yellowjackets, Russ Freeman.

Džäss on muusikakunsti liik, mis tekkis Aafrika ja Euroopa kultuuride sünteesi tulemusena afroameerika folkloori osalusel. Aafrika muusikast laenati rütm ja improvisatsioon ning Euroopa muusikast harmoonia.

Üldinfo moodustise tekkeloo kohta

Jazzi ajalugu sai alguse 1910. aastast USA-s. See levis kiiresti üle kogu maailma. Kahekümnendal sajandil tegi see muusikasuund läbi mitmeid muutusi. Kui rääkida lühidalt džässi ajaloost, siis tuleb märkida, et kujunemisprotsessi läbisid mitmed arenguetapid. Kahekümnenda sajandi 30-40ndatel mõjutasid teda suuresti swingi ja bebopi liikumine. Pärast 1950. aastat hakati džässi nägema muusikažanrina, mis hõlmas kõiki stiile, mille kaudu see oli arenenud.

Praegu on džäss võtnud koha kõrgkunsti vallas. Seda peetakse üsna prestiižseks, mõjutades maailma muusikakultuuri arengut.

Jazzi ajalugu

See trend tekkis USA-s mitme muusikakultuuri ühinemise tulemusena. Džässi päritolu ajalugu algab Põhja-Ameerikast, millest suurema osa elasid inglise ja prantsuse protestandid. Religioossed misjonärid püüdsid mustanahalisi oma usku pöörata, hoolitsedes nende hinge päästmise eest.

Kultuuride sünteesi tulemuseks on spirituaalide ja bluusi teke.

Aafrika muusikat iseloomustavad improvisatsioon, polürütm, polümeetria ja lineaarsus. Rütmiline põhimõte mängib siin suurt rolli. Meloodia ja harmoonia tähendus ei ole nii oluline. Seda seletatakse sellega, et aafriklaste seas on muusikal praktiline tähendus. See käib töö ja rituaalidega kaasas. Aafrika muusika ei ole iseseisev ja on seotud liikumise, tantsu ja retsiteerimisega. Selle intonatsioon on üsna vaba, kuna see sõltub esinejate emotsionaalsest seisundist.

Euroopa muusikast, mis oli ratsionaalsem, rikastus džäss duur-moll modaalsüsteemi, meloodiastruktuuride ja harmooniaga.

Kultuuride ühendamise protsess algas XVIII sajandil ja viis džässi tekkeni 20. sajandil.

New Orleansi kooli periood

Jazzi ajaloos peetakse esimeseks instrumentaalstiiliks alguse (Louisiana). See muusika ilmus esmakordselt tänavapuhkpilliorkestrite esituses, mis tol ajal olid väga populaarsed. Storyville, linna piirkond, mis on spetsiaalselt ette nähtud meelelahutuskohtadeks, oli selles sadamalinnas džässi tekkimise ajaloos väga oluline. Just siin, neegri-prantsuse päritolu kreoolmuusikute seas sündis jazz. Nad tundsid kerget klassikalist muusikat, olid haritud, valdasid euroopalikke mängutehnikaid, mängisid euroopalikke pille ja lugesid muusikat. Nende kõrge esinemistase ja Euroopa traditsioonide järgi kasvatus rikastas varast jazzi elementidega, mis ei allunud Aafrika mõjudele.

Klaver oli ka Storyville'i asutustes levinud instrument. Siin kõlas enamasti improvisatsioon ja pilli kasutati pigem löökpillina.

Varase New Orleansi stiili näide on Buddy Boldeni (korneti) bänd, mis eksisteeris aastatel 1895-1907. Selle orkestri muusika põhines polüfoonilise struktuuri kollektiivsel improvisatsioonil. Alguses oli New Orleansi džässiloomingu rütm marsilaadne, kuna bändide päritolu pärines sõjaväebändidest. Aja jooksul eemaldati puhkpilliorkestrite standardkoosseisust sekundaarsed instrumendid. Sellised ansamblid korraldasid sageli konkursse. Nendest võtsid osa ka “valged” meeskonnad, mis eristusid tehnilise mängu poolest, kuid olid vähem emotsionaalsed.

Oli suur hulk orkestreid, kes mängisid marsse, bluusi, ragtime’i jne.

Koos mustanahaliste orkestritega tekkisid ka valgetest muusikutest koosnevad orkestrid. Alguses esitasid nad sama muusikat, kuid kandsid nime “Dixieland”. Hiljem kasutati nendes kompositsioonides rohkem Euroopa tehnoloogia elemente, nende heliloome stiil muutus.

Aurulaevade orkestrid

Jazzi päritolu ajaloos mängisid rolli New Orleansi orkestrid, kes töötasid Mississippi jõel sõitvatel aurulaevadel. Lõbusõidulaevadel sõitnud reisijate jaoks oli üks atraktiivsemaid meelelahutusi selliste orkestrite esinemine. Nad esitasid meelelahutuslikku tantsumuusikat. Esinejatele oli kohustuslikuks nõudeks muusikalise kirjaoskuse tundmine ja oskus poognalt noote lugeda. Seetõttu olid need kompositsioonid üsna kõrgel professionaalsel tasemel. Sellises orkestris alustas oma karjääri džässpianist Lil Hardin, kellest sai hiljem Louis Armstrongi naine.

Jaamades, kus laevad peatusid, korraldasid orkestrid kohalikele elanikele kontserte.

Mõned ansamblid jäid linnadesse Mississippi ja Missouri jõgede ääres või neist kaugel. Üks neist linnadest oli Chicago, kus mustanahalised tundsid end mugavamalt kui Lõuna-Ameerikas.

Bigbänd

20. sajandi 20. aastate alguses kerkis džässmuusika ajalukku bigbändivorm, mis püsis aktuaalne kuni 40. aastate lõpuni. Selliste orkestrite esinejad mängisid õpitud partiisid. Orkestreeriti rikkalike džässiharmooniate eredat kõla, mida esitasid vaskpuhkpill ja kuulsamad jazzorkestrid olid Glenn Milleri, Benny Goodmani, Count Basie ja Jimmy Lunsfordi orkestrid. Nad salvestasid ehedaid svingimeloodiate hitte, millest sai laias kuulajaskonnas kirg swingi vastu. Tollal peetud “bändide lahingutel” ajasid suurbändide improviseerivad solistid publiku hüsteeriasse.

Pärast 1950. aastaid, kui bigbändide populaarsus langes, jätkasid kuulsad orkestrid tuuritamist ja lindistamist mitu aastakümmet. Nende esitatav muusika muutus, olles mõjutatud uutest suundadest. Tänapäeval on bigbänd jazzihariduse standard.

Chicago jazz

1917. aastal astub USA I maailmasõtta. Sellega seoses kuulutati see strateegilise tähtsusega linnaks. Kõik meelelahutusasutused, kus töötas suur hulk muusikuid, suleti. Töötuks jäädes rändasid nad massiliselt põhja, Chicagosse. Sel perioodil on kohal kõik parimad muusikud nii New Orleansist kui ka teistest linnadest. Üks silmapaistvamaid esinejaid oli New Orleansis tuntuks saanud Joe Oliver. Chicago perioodil kuulusid tema bändi kuulsad muusikud: Louis Armstrong (teine ​​kornet), Johnny Dodds (klarnet), tema vend “Babby” Dodds (trummid) ja Chicago noor ja haritud pianist Lil Hardin. See orkester mängis improvisatsioonilist täistekstuurilist New Orleansi jazzi.

Jazzi arengulugu analüüsides tuleb märkida, et Chicago perioodil orkestrite kõla stilistiliselt muutus. Mõned tööriistad vahetatakse välja. Statsionaarseks muutuv esinemine võib lubada kasutada kohustuslikuks liikmeks muutunud bände. Vaskpuhkpilli asemel kasutatakse kontrabassi, bandžo asemel kitarri ja korneti asemel trompetit. Muutused toimuvad ka trummirühmas. Nüüd mängib trummar trummikomplektil, kus tema võimalused avarduvad.

Samal ajal hakati saksofoni kasutama orkestrites.

Chicago jazzi ajalugu täieneb uute muusikaliselt haritud noorte esinejate nimedega, kes oskavad lugeda ja arranžeerida. Need muusikud (enamasti valged) ei tundnud tõelist New Orleansi jazzi kõla, kuid nad õppisid seda Chicagosse rännanud mustanahalistelt esinejatelt. Muusikaline noorus jäljendas neid, kuid kuna see alati ei õnnestunud, tekkis uus stiil.

Sel perioodil saavutas Louis Armstrongi oskus oma haripunkti, näidates eeskuju Chicago jazzile ja tsementeerides kõrgeima klassi solisti rolli.

Chicagos sünnib bluus uuesti, tuues välja uusi artiste.

Seal on džässi ja popi suland, nii et esiplaanile hakkavad ilmuma vokalistid. Nad loovad jazzi saatel oma orkestriloomingut.

Chicago perioodi iseloomustab uue stiili loomine, milles laulavad jazzinstrumentalistid. Louis Armstrong on üks selle stiili esindajatest.

Kiik

Jazzi loomise ajaloos on mõistet “swing” (inglise keelest tõlgitud “swinging”) kasutatud kahes tähenduses. Esiteks on swing selles muusikas väljendusvahend. Seda iseloomustab ebastabiilne rütmiline pulsatsioon, mis loob illusiooni kiirendatud tempost. Sellega seoses tundub, et muusikal on suur sisemine energia. Esinejaid ja kuulajaid ühendab ühine psühhofüüsiline seisund. See efekt saavutatakse rütmiliste, fraseerimis-, artikulatsiooni- ja tämbritehnikate kasutamisega. Iga džässmuusik püüab arendada oma originaalset viisi muusikat “svingida”. Sama kehtib ka ansamblite ja orkestrite kohta.

Teiseks on see üks orkestridžässi stiile, mis ilmusid 20. sajandi 20ndate lõpus.

Swing-stiili iseloomulik tunnus on sooloimprovisatsioon üsna keerulise saate taustal. Selles stiilis võiksid töötada muusikud, kellel on hea tehnika, harmoonia tundmine ja muusikalise arendustehnika valdamine. Selliseks musitseerimiseks pakuti suuri orkestreid või bigbände, mis said populaarseks 30ndatel. Orkestri standardkoosseisu kuulus traditsiooniliselt 10-20 muusikut. Nendest - 3 kuni 5 trompetit, sama arv tromboone, saksofonirühm, kuhu kuulus klarnet, samuti rütmisektsioon, mis koosnes klaverist, keelbassist, kitarrist ja löökpillidest.

Bop

Kahekümnenda sajandi 40. aastate keskel tekkis uus džässistiil, mille tekkimine tähistas kaasaegse jazzi ajaloo algust. See stiil tekkis kontrastina swingile. Tal oli väga kiire tempo, mida tutvustasid Dizzy Gillespie ja Charlie Parker. Seda tehti kindla eesmärgiga – piirata esinejate ringi ainult professionaalidega.

Muusikud kasutasid täiesti uusi rütmimustreid ja meloodiapöördeid. Harmooniline keel on muutunud keerulisemaks. Rütmiline alus bassitrummilt (hoos) liikus taldrikutele. Muusikas on igasugune tantsulisus täiesti kadunud.

Džässistiilide ajaloos lahkus bebop esimesena levimuusika sfäärist eksperimentaalse loovuse suunas, selle “puhtal” kujul kunsti sfääri. See juhtus selle stiili esindajate huvi tõttu akadeemilisuse vastu.

Bopperid eristusid šokeeriva välimuse ja käitumise poolest, rõhutades seeläbi nende individuaalsust.

Bebop-muusikat esitasid väikesed ansamblid. Esiplaanil on solist oma individuaalse stiili, virtuoosse tehnika, loova mõtlemise ja vaba improvisatsiooni valdamisega.

Võrreldes swingiga oli see suund kõrgelt kunstilisem ja intellektuaalsem, kuid vähem levinud. See oli kommertsvastane. Sellest hoolimata hakkas bebop kiiresti levima ja sellel oli oma lai kuulajaskond.

Jazzi territoorium

Jazzi ajaloos on vaja märkida muusikute ja kuulajate pidevat huvi üle maailma, olenemata sellest, millises riigis nad elavad. Seda seletatakse asjaoluga, et sellised džässiesinejad nagu Dizzy Gillespie, Dave Brubeck, Duke Ellington ja paljud teised ehitasid oma kompositsioonid üles erinevate muusikakultuuride sünteesile. See fakt viitab sellele, et jazz on muusika, mida mõistetakse kogu maailmas.

Tänapäeval on jazzi ajalool oma jätk, kuna selle muusika arengupotentsiaal on üsna suur.

Jazzmuusika NSV Liidus ja Venemaal

Kuna NSV Liidus peeti džässi kodanliku kultuuri ilminguks, langes see kriitika alla ja võimude poolt keelati.

Kuid 1. oktoobrit 1922 tähistas NSV Liidu esimese professionaalse jazzorkestri kontsert. See orkester esitas moekaid Charlestoni ja Foxtroti tantse.

Vene džässi ajalukku kuuluvad andekate muusikute nimed: pianist ja helilooja, aga ka esimese džässorkestri juht Aleksandr Tsfasman, laulja Leonid Utesov ja trompetist Y. Skomorovski.

Pärast 50ndaid alustasid oma aktiivset loomingulist tegevust paljud suured ja väikesed džässansamblid, sealhulgas Oleg Lundstremi jazzorkester, mis on säilinud tänapäevani.

Praegu toimub igal aastal Moskvas džässifestival, millel osalevad maailmakuulsad jazzbändid ja sooloesinejad.

Jazz on muusika, mis on täis kirge ja leidlikkust, muusika, mis ei tunne piire ega piiranguid. Sellise nimekirja koostamine on uskumatult keeruline. Seda nimekirja on kirjutatud, ümber kirjutatud ja siis veel mõned ümber kirjutatud. Kümme on liiga piirav arv sellise muusikažanri jaoks nagu džäss. Kuid olenemata kogusest võib see muusika hingata elu ja energiat, äratada teid talveunest. Mis võiks olla parem kui julge, väsimatu, soojendav jazz!

1. Louis Armstrong

1901 - 1971

Trompetist Louis Armstrongi austatakse oma elava stiili, leidlikkuse, virtuoossuse, muusikalise väljendusrikkuse ja dünaamilise showmanuse poolest. Tuntud oma käriseva hääle ja üle viie aastakümne kestva karjääri poolest. Armstrongi mõju muusikale on hindamatu. Louis Armstrongi peetakse üldiselt kõigi aegade suurimaks jazzmuusikuks.

Louis Armstrong koos Velma Middletoni ja tema All Starsiga – Saint Louis Blues

2. Duke Ellington

1899 - 1974

Duke Ellington on pianist ja helilooja, kes on juhtinud džässorkestrit ligi 50 aastat. Ellington kasutas oma bändi muusikalise laborina oma eksperimentide jaoks, kus ta demonstreeris bändiliikmete andeid, kellest paljud jäid tema juurde kauaks. Ellington on uskumatult andekas ja viljakas muusik. Oma viiekümneaastase karjääri jooksul kirjutas ta tuhandeid kompositsioone, sealhulgas partituure filmidele ja muusikalidele, aga ka paljusid kuulsaid standardeid, nagu "Cotton Tail" ja "It Don't Mean a Thing".

Duke Ellington ja John Coltrane – sentimentaalses meeleolus

3. Miles Davis

1926 - 1991

Miles Davis on üks 20. sajandi mõjukamaid muusikuid. Davis on koos oma bändidega olnud keskne kuju džässmuusikas alates 1940. aastate keskpaigast, sealhulgas bebop, cool jazz, hard bop, modaaljazz ja jazz fusion. Davis on väsimatult nihutanud kunstilise väljenduse piire, mille tulemusel peetakse teda sageli üheks kõige uuenduslikumaks ja lugupeetumaks artistiks muusikaajaloos.

Miles Davise kvintett – see pole kunagi minu meelest tulnud

4. Charlie Parker

1920 - 1955

Virtuoosne saksofonist Charlie Parker oli mõjukas džässisolist ja juhtfiguur bebopi – džässivormi, mida iseloomustavad kiired tempod, virtuoosne tehnika ja improvisatsioon – arendamisel. Parker ühendab oma keerulistes meloodialiinides jazzi teiste muusikažanridega, sealhulgas bluusi, ladina ja klassikalise muusikaga. Parker oli biitniku subkultuuri ikooniline kuju, kuid ta ületas oma põlvkonna ja temast sai kompromissitu ja intelligentse muusiku kehastus.

Charlie Parker – Blues Alice'ile

5. Nat King Cole

1919 - 1965

Siidise baritoni poolest tuntud Nat King Cole tõi Ameerika populaarsesse muusikasse džässi tunde. Cole oli üks esimesi afroameeriklasi, kes juhtis telesaadet, mida külastasid sellised jazzartistid nagu Ella Fitzgerald ja Eartha Kitt. Fenomenaalne pianist ja osav improvisaator Cole oli üks esimesi džässiesinejaid, kellest sai popikoon.

Nat King Cole – sügislehed

6. John Coltrane

1926 - 1967

Vaatamata oma suhteliselt lühikesele karjäärile (esmakordselt saatis ta 29-aastaselt 1955. aastal, ametlikult alustas soolokarjääri 33-aastaselt 1960. aastal ja suri 40-aastaselt 1967. aastal) on saksofonist John Coltrane jazzi kõige olulisem ja vastuolulisem tegelane. Vaatamata lühikesele karjäärile võimaldas Coltrane'i kuulsus tal ohtralt salvestada ja paljud tema salvestused ilmusid postuumselt. Coltrane muutis oma karjääri jooksul oma stiili radikaalselt, kuid tal on endiselt tugev järgija nii oma varase traditsioonilise kui ka eksperimentaalsema kõla osas. Ja keegi peaaegu religioosse andumusega ei kahtle tema olulisuses muusikaajaloos.

John Coltrane – Minu lemmikasjad

7. Thelonious Monk

1917 - 1982

Thelonious Monk on ainulaadse improvisatsioonistiiliga muusik, Duke Ellingtoni järel äratuntuim jazzartist. Tema stiili iseloomustasid energilised, lööklikud jooned, mis olid segatud teravate, dramaatiliste vaikustega. Esinemiste ajal, kui ülejäänud muusikud mängisid, tõusis Thelonious klaviatuurilt ja tantsis mitu minutit. Olles loonud jazziklassikud “Round Midnight” ja “Straight, No Chaser”, lõpetas Monk oma päevad suhteliselt hämaruses, kuid tema mõju kaasaegsele jazzile on märgatav ka tänapäeval.

Thelonious Monk - "ümmargune kesköö

8. Oscar Peterson

1925 - 2007

Oscar Peterson on uuendusmeelne muusik, kes on esitanud kõike alates klassikalisest oodist Bachile kuni ühe esimestest jazzballettidest. Peterson avas ühe esimese džässikooli Kanadas. Tema "Hümnist vabadusele" sai kodanikuõiguste liikumise hümn. Oscar Peterson oli oma põlvkonna üks andekamaid ja tähtsamaid jazzpianiste.

Oscar Peterson – C Jam Blues

9. Billie Holiday

1915 - 1959

Billie Holiday on džässi üks tähtsamaid tegelasi, kuigi ta pole kunagi oma muusikat kirjutanud. Holiday muutis "Embraceable You", "I'll Be Seeing You" ja "I Cover the Waterfront" kuulsateks jazzistandarditeks ning tema esitust "Strange Fruit" peetakse Ameerika muusikaajaloo üheks parimaks. Kuigi tema elu oli täis tragöödiat, demonstreeris Holiday improvisatsioonigeenius koos tema hapra, pisut käriseva häälega enneolematut emotsionaalsuse sügavust, millele pole võrreldav teistel jazzlauljatel.

Billie Holiday – kummaline puuvili

10. Uimane Gillespie

1917 - 1993

Trompetist Dizzy Gillespie on bebopi uuendaja ja improvisatsioonimeister, samuti afro-kuuba ja ladina jazzi pioneer. Gillespie on teinud koostööd erinevate muusikutega Lõuna-Ameerikast ja Kariibi mere piirkonnast. Tal oli sügav kirg traditsioonilise Aafrika muusika vastu. Kõik see võimaldas tal tuua kaasaegsetesse jazzitõlgendustesse enneolematuid uuendusi. Kogu oma pika karjääri jooksul tuuritas Gillespie väsimatult ja võlus publikut oma bareti, sarvedega prillide, pundunud põskede, muretu suhtumise ja uskumatu muusikaga.

Dizzy Gillespie feat. Charlie Parker – öö Tuneesias

11. Dave Brubeck

1920 – 2012

Dave Brubeck on helilooja ja pianist, jazzi edendaja, kodanikuõiguste aktivist ja muusikateadlane. Ühest akordist äratuntav ikonoklastiline interpreet, žanripiire nihutav rahutu helilooja, kes ehitab silda muusika mineviku ja tuleviku vahele. Brubeck tegi koostööd Louis Armstrongi ja paljude teiste kuulsate jazzmuusikutega ning mõjutas ka avangardpianisti Cecil Taylorit ja saksofonist Anthony Braxtonit.

Dave Brubeck – Võtke viis

12. Benny Goodman

1909 – 1986

Benny Goodman on džässmuusik, rohkem tuntud kui "Swingi kuningas". Temast sai valgete noorte seas džässi populariseerija. Tema ilmumine tähistas ühe ajastu algust. Goodman oli vastuoluline tegelane. Ta püüdles järeleandmatult tipptaseme poole ja see kajastus tema lähenemises muusikale. Goodman oli midagi enamat kui lihtsalt virtuoosne esineja – ta oli loominguline klarnetist ja bebopi ajastule eelnenud jazziajastu uuendaja.

Benny Goodman – laula laula laulda

13. Charles Mingus

1922 – 1979

Charles Mingus on mõjukas jazzkontrabassist, helilooja ja džässbändi juht. Minguse muusika on segu kuumast ja hingestavast hard bopist, gospelist, klassikalisest muusikast ja free jazzist. Minguse ambitsioonikas muusika ja ähvardav temperament tõid talle hüüdnime "The Angry Man of Jazz". Kui ta oleks lihtsalt keelpillimängija, teaksid tema nime tänapäeval vähesed. Tõenäoliselt oli ta kõigi aegade suurim kontrabassist, kellel olid alati näpud džässi metsiku väljendusjõu pulsil.

Charles Mingus – Moanin"

14. Herbie Hancock

1940 –

Herbie Hancock on alati üks auväärsemaid ja vastuolulisemaid muusikuid jazzis – nagu ka tema tööandja/mentor Miles Davis. Erinevalt Davisest, kes liikus järjekindlalt edasi ega vaadanud kunagi tagasi, liigub Hancock peaaegu elektroonilise ja akustilise jazzi ning isegi r"n"b vahel. Hoolimata oma elektroonilistest katsetustest, jätkub Hancocki armastus klaveri vastu vaibumatult ning tema klaverimängustiil areneb üha keerukamateks ja keerukamateks vormideks.

Herbie Hancock – Cantelope Island

15. Wynton Marsalis

1961 –

Kuulsaim jazzmuusik aastast 1980. 80ndate alguses sai Wynton Marsalist ilmutus, kuna noor ja väga andekas muusik otsustas elatist teenida akustilise jazzi, mitte funki või R"n"B-ga. Alates 1970. aastatest oli džässis tohutult puudus uutest trompetistidest, kuid Marsalise ootamatu kuulsus äratas uut huvi jazzmuusika vastu.

Wynton Marsalis – Rustiques (E. Bozza)

Džäss kui muusikakunsti vorm tekkis Ameerika Ühendriikides 19.–20. sajandi vahetusel, hõlmates Euroopa asunike muusikatraditsioone ja Aafrika folkloori meloodiamustreid.

Iseloomulik improvisatsioon, meloodiline polürütm ja ekspressiivne esitus said eelmise sajandi esimestel kümnenditel New Orleansi esimeste jazzansamblite (jazz-bändide) tunnuseks.

Aja jooksul läbis džäss arengu- ja kujunemisperioode, muutes oma rütmimustrit ja stiililist suunda: improvisatsioonilisest ragtime’i stiilist kuni tantsulise orkestraalse swingi ja rahulikult pehme bluusini.

Ajavahemikul 1920. aastate algusest kuni 1940. aastateni tõusid esile džässorkestrid (bigbändid), mis koosnesid mitmest saksofonide, tromboonide, trompetite ja rütmisektsiooni orkestriosast. Bigbändi populaarsuse tipphetk saabus 1930. aastate keskel. Tantsupõrandatel ja raadios kõlas muusikat Duke Ellingtoni, Count Basie ja Benny Goodmani jazzorkestrite esituses.

Rikkalik orkestrikõla, eredad intonatsioonid ja suurepäraste solistide Coleman Hawkinsi, Teddy Wilsoni, Benny Carteri jt improvisatsioon – lõi äratuntava ja ainulaadse bigbändi kõla, mis on džässmuusika klassika.

40-50ndatel. möödunud sajandist on saabunud aeg kaasaegse jazzi jaoks; selline jazzi stiilid, nagu raevukas bebop, lüüriline cool jazz, pehme lääneranniku jazz, rütmiline hard bop, soulful soul jazz on vallutanud jazzmuusikasõprade südamed.

1960. aastate keskel tekkis uus jazzi suund - jazz-rock, omapärane kombinatsioon rokkmuusikale omasest energiast ja jazzimprovisatsioonist. Asutajad jazz stiilis- Miles Davist, Larry Coryelli, Billy Cobhamit peetakse rokiks. 70ndatel sai jazz-rock ülipopulaarseks. Rokkmuusika rütmilise mustri ja harmoonia kasutamine, traditsioonilise idamaise meloodia ja bluusi harmoonia varjundid, elektripillide ja süntesaatorite kasutamine – aja jooksul tõi kaasa termini jazz fusion tekke, rõhutades oma nimega mitme muusikali kombinatsiooni. traditsioonid ja mõjud.

70-80ndatel omandas džässmuusika, säilitades rõhuasetuse meloodiale ja improvisatsioonile, popmuusika, funk, rhythm and blues (R&B) ja crossover-džässi jooni, laiendades oluliselt kuulajaskonda ja muutudes äriliselt edukaks.

Selgust, meloodiat ja heli ilu rõhutavat kaasaegset jazzmuusikat iseloomustatakse tavaliselt sujuva jazzi või kaasaegse jazzina. Kitarri ja basskitarri, saksofoni ja trompeti, klahvpillide rütmilised ja meloodilised liinid süntesaatorite ja sämplite kõlaraamis loovad luksusliku, kergesti äratuntava värvika sileda jazzi kõla.

Vaatamata sellele, et smooth jazz ja contemporary jazz on mõlemad sarnase muusikastiiliga, on need siiski erinevad jazzi stiilid. Reeglina öeldakse, et smooth jazz on “taustamuusika”, kaasaegne jazz aga individuaalsem jazz stiilis ja nõuab kuulaja tähelepanelikkust. Smaili jazzi edasine areng tõi kaasa lüürilise tekke kaasaegse jazzi suunad– täiskasvanute kaasaegne ja rütmilisem linnajazz R&B, funki, hip-hopi varjunditega.

Lisaks on esilekerkiv trend sujuva jazzi ja elektroonilise kõla ühendamisel kaasa toonud selliste populaarsete trendide esilekerkimise moodsas muusikas nagu nu jazz, aga ka lounge, chill ja lo-fi.

Jazz on muusika suund, mida iseloomustab rütmilisuse ja meloodia kombinatsioon. Jazzi omaette joon on improvisatsioon. Muusikaline suund saavutas oma populaarsuse tänu oma ebatavalisele kõlale ja mitme täiesti erineva kultuuri kombinatsioonile.

Jazzi ajalugu sai alguse 20. sajandi alguses USA-s. Traditsiooniline jazz tekkis New Orleansis. Seejärel hakkasid paljudes teistes linnades tekkima uued jazzi liigid. Vaatamata erinevate stiilide helide mitmekesisusele on džässmuusika iseloomulike tunnuste tõttu kohe eristatav teisest žanrist.

Improvisatsioon

Muusikaline improvisatsioon on džässi üks põhijooni, mis on olemas kõigis selle variatsioonides. Esinejad loovad muusikat spontaanselt, kunagi ette mõtlemata ega proove tegemata. Jazzi mängimine ja improviseerimine nõuab selles muusikategemise valdkonnas kogemusi ja oskusi. Lisaks peab jazzimängija meeles pidama rütmi ja tonaalsust. Vähetähtis pole ka grupi muusikute omavaheline suhe, sest valmiva meloodia õnnestumine sõltub üksteise meeleolu mõistmisest.

Improvisatsioon jazzis võimaldab luua iga kord midagi uut. Muusika kõla sõltub ainult muusiku inspiratsioonist mängimise hetkel.

Ei saa öelda, et kui etenduses pole improvisatsiooni, siis see pole enam jazz. Seda tüüpi muusikategemine oli päritud Aafrika rahvastelt. Kuna aafriklastel polnud nootidest ja proovist kontseptsiooni, anti muusika üksteisele edasi ainult selle meloodia ja teema päheõppimise teel. Ja iga uus muusik võiks juba sama muusikat uutmoodi mängida.

Rütm ja meloodia

Jazz-stiili teine ​​oluline tunnus on rütm. Muusikutel on võimalus spontaanselt heli luua, kuna pidev pulseerimine tekitab elavuse, mängu ja põnevuse efekti. Rütm piirab ka improvisatsiooni, nõudes helide tekitamist vastavalt etteantud rütmile.

Nagu improvisatsioon, tuli rütm jazzi Aafrika kultuuridest. Kuid just see omadus on muusikalise liikumise põhiomadus. Esimesed free jazz artistid hülgasid rütmi täielikult, et olla täiesti vabad muusikat looma. Seetõttu ei tunnustatud jazzi uut suunda pikka aega. Rütmi annavad löökpillid.

Jazz pärandas Euroopa kultuurist muusika meloodia. Just rütmi ja improvisatsiooni kombinatsioon harmoonilise ja pehme muusikaga annab jazzile ebatavalise kõla.