در مورد اینکه هنر چیست اطلاع چندانی وجود ندارد. فرار به سوی خود، یا هنر چیست. بیان خود و درک مخاطب

هنر پرسیدن سوال یکی از مهارت های اساسی هم برای مطالعه و هم برای فعالیت حرفه ای است. پیشرفت در تسلط بر مطالب را می توان بر اساس سؤالاتی که شخص می پرسد ارزیابی کرد. بسیاری از حرفه ها بر اساس توانایی پرسیدن سؤالات درست، یعنی سؤالاتی که برای جمع آوری اطلاعات مؤثر هستند، ساخته شده اند. به پزشکان، مدیران، معلمان، وکلا، روانشناسان به طور ویژه آموزش داده می شود که سؤال کنند. سؤالاتی که شخص در صورت کمبود اطلاعات می پرسد، سطح درک مسئله و توانایی سؤال کننده در فرضیه سازی را نشان می دهد. توانایی پرسیدن سوال به حل مشکلات فکری کمک می کند و به بهبود درک متقابل بین افراد کمک می کند.

یک فرد مدرن نه تنها از شخص دیگری، بلکه از موتورهای جستجو در اینترنت نیز سؤال می کند. توانایی برجسته کردن کلمات کلیدی که "موتور جستجو" به آنها پیوندهای معناداری ارائه می دهد بر اساس همان هنر پرسیدن سوال است - فقط به جای پرسیدن یک سوال، کلمات کلیدی را از پاسخ مورد نظر می پرسید.

کارهای زیر را امتحان کنید (می توانید یکی از سه گزینه را انتخاب کنید، اما بهتر است همه آنها را کامل کنید).

تمرین 1.تصور کنید که در حال تدریس ادبیات خارجی هستید و می خواهید بفهمید که دانش آموزان شما تا چه اندازه بر تراژدی "هملت" اثر دبلیو شکسپیر تسلط دارند. چه 10 سوالی را برای تعیین عمق دانش دانش آموزان خود می پرسید؟ سوالات را یادداشت کنید.

وظیفه 2.تصور کنید که یک مدیر هستید و یکی از زیردستان شما در انجام یک کار مهم دیر می کند. برای درک علت حادثه و تعیین مجازات عادلانه، 5 تا 6 سوال مطرح کنید. به این فکر کنید که می توانید از آنها بخواهید.

وظیفه 3.تصور کنید که شما یک منتقد هنری هستید. شما فیلم های جشنواره را انتخاب می کنید. وظیفه شما انتخاب 3 فیلم از 5 فیلم ارسال شده به مسابقه است. برای کسانی که قبلاً این فیلم‌ها را دیده‌اند، ۳ تا ۴ سؤال مطرح کنید که به شما کمک می‌کند قبل از تماشا انتخاب کنید.

از چه سؤالاتی استفاده کردید - با پایان باز، یعنی. نیاز به پاسخ دقیق (مثلاً "آخرین باری که از این مورد استفاده کردید کی بود؟") یا پاسخ های بسته که می توان با "بله" یا "خیر" پاسخ داد ("آیا مدت زیادی است که به دنبال این چیز هستید؟" ؟»). توجه داشته باشید که یک سوال باز به طرف مقابل فرصت بهتری برای صحبت می دهد و به شما فرصت بیشتری برای کسب اطلاعات بیشتر می دهد. مشکل دیگر سؤالات بسته این است که تصور سؤال کننده در مورد آنچه که مدت ها پیش، دور، خوب است، می تواند به طور قابل توجهی با ایده پاسخ دهنده متفاوت باشد (این گونه است که سوء تفاهم ایجاد می شود). برای شما "خیلی پیش" یک هفته پیش است، اما برای دیگران دیروز است. سعی کنید سوالاتی که در لیست شما بسته شده اند را دوباره چارچوب بندی کنید تا باز شوند.

محققان 5 نوع سوال را شناسایی می کنند.

I. سؤالات واقعی (یا سؤالات دانش)

چنین سؤالاتی با هدف کشف حقایق و ویژگی هایی است که مشاهده آنها آسان است. پاسخ به سوالات واقعی اغلب می تواند درست یا نادرست قضاوت شود. اگرچه سؤالات واقعی معمولاً ساده هستند، شما همچنین باید بدانید که چگونه آنها را بپرسید.

سؤالات واقعی با هدف شناسایی ویژگی های زیر است:

• چه کسی (نویسنده، چه کسی می تواند دخالت کند، چه کسی این کار را انجام داده است، و غیره)
• چه زمانی (چند وقت، فرکانس چیست، چند وقت پیش بود، چند وقت پیش، چه زمانی می تواند اتفاق بیفتد...)
• کجا (از کجا دور است، چگونه می توان به آنجا رسید...)
• چگونه (چگونه اتفاق افتاد، چگونه ممکن است اتفاق بیفتد، چه ویژگی هایی باید داشته باشید...)

برای کار 1، یک مثال از یک سوال واقعی می تواند این باشد: "نام نمایشنامه شکسپیر در مورد شاهزاده دانمارک چیست؟" سؤالاتی کمتر ابتدایی هستند که بر خطوط داستان تأثیر می گذارند: «چه زمانی و در چه شرایطی پولونیوس کشته شد؟ این قتل چه عواقبی داشت؟ برای تکلیف 2، چنین سؤالاتی به این صورت است: "وقتی متوجه شدید که نمی توانید آن را به موقع انجام دهید، برای کمک به چه کسی مراجعه کردید؟"، "چقدر در انجام کار دیر کردید؟"، "به چه معنی بود که باید انجام دهید؟" حل تکلیف؟»، «تأخیر در انجام کار چه عواقبی دارد؟ برای کار 3، سؤالات واقعی این خواهد بود: «کارگردان فیلم کیست؟»، «فیلمسازان چه تجربه ای از شرکت در مسابقات و جشنواره ها دارند؟»، «فیلم چقدر پول در گیشه جمع آوری کرد؟ ”

شمارش کنید که چند سوال واقعی در لیست شما وجود دارد و نسبت این سوالات در کدام وظیفه بیشتر است. سؤالات واقعی برای موقعیت پیشنهادی در کار 2 بسیار مهم هستند - برای درک موقعیت، ابتدا باید تاریخچه موضوع و سپس عواقب آن چه اتفاق افتاده است را دریابید. برای وضعیت کار 1، مسائل واقعی کمترین اهمیت را دارند - جنبه واقعی کار شناخته شده است و علاقه چندانی ندارد. وضعیت در وظیفه 3 فرض می کند که سؤالات واقعی مبنای تصمیم گیری را تشکیل می دهند و باید با سؤالات دیگری تکمیل شوند.

II. مسائل همگرا

این سوالات پاسخ روشنی ندارند و نیاز به تفکر زیادی دارند. نه موقعیت و نه متن سرنخ مستقیمی به دست نمی دهند. اغلب این سوالات به صورت "چرا..."، "دلایل چیست..."، "چرا..." (فرد برای چه اهدافی عمل کرده است؟ دلایل آن چه بوده است؟ چرا این اتفاق نمی افتد؟).

یک سؤال همگرا، درک و مطالب واقعی شخص را به هم مرتبط می کند، این اولین مرحله از تفسیر موقعیت یا متنی است که در مورد آن سؤالات پرسیده می شود.

به عنوان مثال، برای "هملت" چنین سؤالاتی می تواند باشد: "دلایل اصلی دیوانگی اوفلیا چیست، چه چیزی او را به خودکشی سوق داد؟"، "چه چیزی کینه توزی هملت را توضیح می دهد، چه چیزی او را وادار می کند مادر و عمویش را مورد آزار و اذیت قرار دهد؟" برای کار 2، چنین سؤالاتی می تواند اینگونه باشد: "چرا درخواست کمک کردید (یا نخواستید)؟"، "برای تکمیل کار به چه چیزی نیاز داشتید؟" برای کار 3، چنین سوالاتی اینگونه خواهد بود: "مزایای این فیلم نسبت به فیلم های دیگر چیست؟"، "بهترین راه برای سکانس بندی فیلم ها در برنامه جشنواره چیست؟"

فهرست سوالات خود را مرور کنید—چند تا از آنها با هدف یافتن دلیل و توضیح دادن هستند؟

III. سوالات متفاوت

جوهر چنین سؤالی شرطی کردن وضعیت است: "چه اتفاقی خواهد افتاد اگر ...". یک سوال واگرا به پاسخ دهنده اجازه می دهد تا بفهمد که یک جایگزین وجود دارد. توانایی پرسیدن چنین سؤالاتی برای بسیاری از متخصصان مهم است: تصمیم گیری در مورد درمان، مجازات یا پاداش باید لزوماً بر اساس ارزیابی پیامدهای تصمیم باشد. اگر هدف یک سؤال همگرا توضیح دادن آنچه قبلاً رخ داده است باشد، سؤال واگرا با هدف پیش بینی آینده است.

برای مثال، تحلیل هملت می تواند شامل سؤالات زیر باشد: «اگر پدر هملت نمی مرد، رابطه بین هملت و افلیا چگونه توسعه می یافت؟»، «اگر هملت زنده می ماند و مجرمانش را مجازات می کرد، چه اتفاقی برای هملت می افتاد. ؟" برای موقعیت دوم، می توانید سؤالاتی بپرسید: "چه چیزی می تواند به شما کمک کند تا کار را به موقع انجام دهید؟"، "اگر از فلان ابزار استفاده می کنید، چه تاثیری بر وضعیت خواهد داشت؟" برای وضعیت سوم، سؤالاتی وجود دارد: «قرار گرفتن این فیلم در برنامه جشنواره چه تأثیری بر محبوبیت جشنواره خواهد داشت؟»، «چه کسی باید فیلم را ارائه دهد تا مورد توجه مخاطب قرار گیرد؟»، «چه چیزی خواهد بود». اگر این فیلم در برنامه قرار نگیرد، پاسخگوی مردم باشد؟

فهرست سؤالات خود را به دقت مطالعه کنید - آیا می توان سؤالات "قوی" را که برای حل مشکل مهم هستند و "ضعیف" آنهایی که می توانند از لیست حذف شوند را شناسایی کرد. یک سوال "قوی" درک موقعیت را می دهد، اغلب یک سوال جایگزین است: "چه کسی می تواند این کار را انجام دهد، به شرط اینکه ..."، "چه زمانی ممکن است این اتفاق بیفتد، اگر ..."، "کجا می تواند این اتفاق بیفتد .. ." و غیره. هر دو موقعیت 2 و موقعیت 3 نیاز به سوالات فرصت دارند. چنین سؤالاتی برای موقعیت 1 کاملاً صحیح نیستند، زیرا در چارچوب یک اثر هنری، استدلال در حالت شرطی دشوار است.

IV. سوال ارزشیابی (سوال قضاوت و مقایسه)

این سوالات درک موقعیت و نگرش یک فرد را نسبت به یک رویداد، کتاب، فیلم و غیره به هم مرتبط می کند. پاسخ به چنین سؤالی، قضاوت های متعادل و توانایی اجتناب از طبقه بندی را نشان می دهد. یک سؤال قضاوتی فرض می کند که پاسخ دهنده اطلاعاتی دارد که فراتر از موقعیت است، نسبت به موضوع گفتگو بی تفاوت نیست و ابهام موضوع مورد بحث را درک می کند.

هنگامی که نیاز به ارزیابی درک خود از یک واقعیت تاریخی یا یک اثر هنری دارید، سؤالات ارزیابی و مقایسه ضروری هستند. در موقعیت 1، سؤالات زیر امکان پذیر است: "مرگ افلیا و ژولیت را مقایسه کنید، شباهت ها و تفاوت های بین این قهرمان های شکسپیر چیست"، "هملت شبیه چه قهرمان های ادبی دیگری است"، "نمایشنامه "هملت چگونه است" با دیگر نمایشنامه های شکسپیر متفاوت است. برای موقعیت 2، چنین سؤالاتی می تواند اینگونه باشد: "شما مسئول چه چیزی هستید و دیگران مسئول چه چیزی هستند؟"، "اعمال خود را ارزیابی کنید: کجا تصمیم درست و کجا تصمیم اشتباه گرفته اید؟" برای موقعیت سوم، سؤال ارزیابی ممکن است به عنوان مثال، مقایسه فیلم های مختلف بر اساس دلایل مختلف باشد.

سؤالات مربوط به قضاوت و مقایسه در هر سه وظیفه پیشنهادی مطلوب است - مهم است که این سؤالات برای اثبات یک دیدگاه مفید باشند.

V. سوال ترکیبی (سوال پیچیده که پاسخ آن می تواند بسیار طولانی باشد)

در واقع، سؤالات یک نوع به آرامی به سؤالات نوع دیگر تبدیل می شوند. بنابراین، سؤال واقعی مبنایی برای سه نوع سؤال دیگر ایجاد می کند. اغلب در یک سوال می توانید یک سوال توضیحی و یک سوال حدس بزنید.

به عنوان مثال، در موقعیت 1، می توانید سؤالات زیر را بپرسید: «همه شخصیت های نمایشنامه شکسپیر به طور فعال با یکدیگر تعامل ندارند. این موضع را تایید کنید و توضیحی برای آن بیابید. صحنه دیالوگ بین پولونیوس و پدر هملت ممکن است چگونه باشد؟ در موقعیت 2، می توانید سؤالات ترکیبی زیر را بپرسید: "وقتی مشخص شد که به موقع نبودید، چرا فوراً آن را گزارش نکردید؟"، "چه کسی می تواند این کار را برای شما انجام دهد، آن را به چه کسی سپردید". به جای من و چرا؟" در موقعیت 3، یک سوال ترکیبی می تواند برای روشن شدن ارزش هنری فیلم مطرح شود: «چه تکنیک های هنری جدیدی در فیلم وجود دارد، چه ارتباطی با اولویت های جشنواره دارد؟»

ببینید چند تا از سوالاتی که مطرح می کنید ترکیب شده اند. به این فکر کنید که چگونه می توانید سؤالات موجود را به یک سؤال جامع متصل کنید. میزان ارتباط بین سؤالاتی که می‌پرسید با توجه به اینکه آیا جهت جمع‌آوری اطلاعات دارید، آیا فرضیه‌های اولیه را شناسایی می‌کنید و فرضیه‌هایی که مطرح می‌کنید چقدر متغیر هستند تعیین می‌شود. سؤالات ترکیبی به شما امکان می دهد سؤالات مختلف را به هم متصل کنید و از پاسخ های دریافتی، یک "تصویر" کل نگر از وضعیت مورد مطالعه جمع آوری کنید.

توانایی پرسیدن سوال به فرد کمک می کند تا بیاموزد که به سوالات دیگران متفکرانه و بدون عجله پاسخ دهد. با استدلال و توسعه دیدگاه خود پاسخ دهید. ترسیم طرحی برای پاسخ به یک سوال چیزی نیست جز شکستن یک سوال بزرگ به سوالات "محدود". تصادفی نیست که بسیاری از روانشناسان ترجیح می دهند در مورد هنر صحبت کنند تا توانایی پرسیدن سؤال: از این گذشته، یک سؤال نه تنها سطح آگاهی را نشان می دهد، بلکه توانایی فرد را برای نزدیک شدن به موضوع مطالعه به روشی غیر استاندارد نشان می دهد. . اگر لیست شما مملو از سوالات ترکیبی، سوالات توضیحی، سوالات پیش بینی یا سوالات ارزیابی است، احتمالاً مشکلی برای گنجاندن خلاقیت خود در بررسی موقعیت ندارید. اگر در پرسیدن سوالات «قدرتمند» مشکل داشتید، این بدان معنا نیست که چنین توانایی کمی دارید. سعی کنید سوالات خود را به سوالات پیچیده تر تبدیل کنید و برای انجام این کار، علاقه خود را به کار "روشن کنید".

V. R. Schmidt، کاندیدای علوم روانشناسی

نظر در مورد مقاله هنر سوال پرسیدن – آموزش مینی تفکر

بیشتر در مورد موضوع "چگونه یاد بگیریم به درستی سوال بپرسیم - آموزش برای بزرگسالان":

آموزش های خودشناسی. آیا آنها موثر هستند؟ یادگیری زبان های خارجی. آموزش بزرگسالان. این کاری است که دوست من اخیرا انجام داده است. من آموزش را برای بالا بردن عزت نفس انتخاب کردم، همچنین می خواستم یاد بگیرم چگونه افراد را درک کنم و در آینده به موفقیت برسم...

هنر پرسیدن سوال یک آموزش مینی تفکر است. هنر پرسیدن سوال یکی از مهارت های اساسی هم برای مطالعه و هم برای فعالیت حرفه ای است.

هنر پرسیدن سوال یک آموزش مینی تفکر است. اما من یک سوال دارم: آنها در حال تلاش برای متقاعد کردن من برای شروع به تولید چنین مواد ویدئویی بر روی ویدئو و سی دی هستند، از نظر تئوری - آیا می خواهید آنها را بخرید و به چه قیمت؟

هنر پرسیدن سوال یک آموزش مینی تفکر است. چه 10 سوالی را برای تعیین عمق دانش دانش آموزان خود می پرسید؟

نظر سنجی. در مورد شما، در مورد دختر شما. بحث در مورد مسائل زندگی زن در خانواده، محل کار، روابط با مردان. من از آخرین سوال شگفت زده شدم - "ما می توانیم همه چیز را بپردازیم، حتی خرید ملک." املاک و مستغلات، اگر ما در مورد مسکن برای یک خانواده صحبت می کنیم، یک چیز ضروری است.

بحث در مورد مسائل خانوادگی: عشق و حسادت، ازدواج و خیانت، طلاق و نفقه برای بزرگسالان و کودکان بالای 13 سال. اگر شخصی نتواند به سرعت یاد بگیرد و به یکی جدید بپیوندد، چگونه می‌تواند «نه» گفتن را یاد بگیرد؟ به من بگویید اگر نمی خواهید چگونه درخواست ها را رد می کنید ...

بحث در مورد مسائل زندگی زن در خانواده، محل کار، روابط با مردان. و از نظر بیولوژیکی این کاملاً صحیح است. من نمی فهمم اگر آنها برای این کار به آموزش نیاز دارند، چرا باید خودتان را بشناسید. می توانید به هر سایت ساختمانی بروید. بازدیدکنندگان صمیمی زیادی برای ...

ما مأمور شدیم که این قانون را در آخر هفته یاد بگیریم. من آن را یاد گرفتم، اما نمی توانم آن را درک کنم. به طور کلی، زبان روسی ما خیلی خوب نیست، اما تا آنجا که تجزیه و تحلیل ترکیب، موارد می آید و اکنون به انحرافات می رسد، به طور کلی، می آیند و می روند. راستش من خیلی عصبی هستم. به من چیزی بگو - یک کتاب، یک وب سایت، روی انگشتان شما چگونه توضیح دهید، آرام شوید و سنبل الطیب بنوشید :))

چگونه به درستی از جملات سوال بپرسیم؟ ابتدا بزرگسال سؤالات را می پرسد و کودک پاسخ می دهد. هنر سوال پرسیدن آموزش مینی تفکر. بسیاری از حرفه ها بر اساس توانایی پرسیدن سؤالات درست ساخته شده اند، یعنی سؤالاتی که برای جمع آوری ...

بحث مسائل خانوادگی: عشق و حسادت، ازدواج و خیانت، طلاق و نفقه، روابط بین افراد:) چگونه بدون استفاده یاد بگیریم؟ من واقعا نمی فهمم. یاد بگیرید - در سمینارها، آموزش برای مبتدیان. سپس به آرامی روی افراد غریبه تمرین کنید.

هنر پرسیدن سوال یک آموزش مینی تفکر است. بسیاری از حرفه ها بر اساس توانایی پرسیدن سؤالات درست، یعنی سؤالاتی که برای جمع آوری اطلاعات مؤثر هستند، ساخته شده اند. شما می توانید آن را انجام دهید! و سوال "حالت چطوره؟" تنظیم کاملاً خودکار، در حالی که در واقع ...

چگونه دروغ گفتن و ریاکاری را یاد بگیریم؟ پدران و پسران. روابط خانوادگی. چگونه این را یاد بگیریم؟ چگونه خود را تنظیم کنید؟ شاید چیزی برای خواندن؟ مادرشوهرم داره به اتاقم میره منم همینطور فکر کردم و حتی یه سوال درمورد مادرم پرسیدم اما چطوری یه نفر به سوالات مشابه جواب میده...

سوالات مصاحبه موضوعی را که در زیر در مورد برگزاری فارغ التحصیلی در کلاس چهارم مطرح شد، خواندم: در کلاس اول از ما سؤالاتی پرسیده شد: از چه چیزی در مدرسه خوشتان نمی آمد، دروس مورد علاقه تان، جالب ترین/خنده دار ترین چیز، دوستان شما چه کسانی هستند. ، می خواهید چه چیزی شوید.

این آموزش "آموزش شایستگی والدین - آموزش برای والدین" نام دارد که توسط موسسه انجام شده است: موضوعات اصلی: چگونه کودک را به درستی مجبور کنیم رفتار خود را تغییر دهد. چگونه از انحراف در رفتار کودک جلوگیری کنیم؟ چگونه یاد بگیریم پدر و مادر یک بزرگسال باشیم...

1. «کلمه ممنوعه». ما یک کلمه ممنوعه را انتخاب می کنیم، می تواند هر رنگی (زرد) یا با کیفیت (کوچک) باشد. در حین سوال کردن، توپ را به سمت کودک پرتاب می کنیم. (دریا آبی است و خورشید؟ گل رز چه رنگی است؟ و گل مروارید؟ فیل بزرگ است و موش؟) کودک باید پاسخ دقیق بدهد و فراموش نکند که به جای کلمات ممنوعه "آبراکادابرا" بگوید. تمرین هایی برای توسعه توجه

بعید است، فقط این است که شما (و بیشتر بزرگسالان درستکار) همه کارها را درست انجام می دهید یا به این دلیل که شاید باید از اظهار نظر و سؤال کردن خودداری کنید، اما به بحث های دیگر در مورد این موضوع نگاه کنید "چگونه یاد بگیریم برای یک دانش آموز اخلاق نخوانیم. ”

مصاحبه اول در قیمومیت... ...به نظرم انتخاب قسمت سخته. فرزندخواندگی. بحث در مورد مسائل فرزندخواندگی، اشکال قرار دادن فرزندان در خانواده، تربیت فرزند خوانده، تعامل با سرپرستی، آموزش در مدرسه برای والدین خوانده.

چگونه ارتباطات تجاری را یاد بگیریم؟ سوال جدی. در مورد شما، در مورد دختر شما. چگونه ارتباطات تجاری را یاد بگیریم؟ یا نمیدونم اسمش رو چی بذارم آیا چیزی رایگان و کاملا موثر می خواهید؟ به آموزش های رایگان برای نتورکرها بروید، اوریف لیم همه چیز آنجاست و غیره.

هنر پرسیدن سوال یک آموزش مینی تفکر است. آموزش مینی اندیشی. 5 نوع سوال: سوالات دانش، سوالات همگرا شغل رویایی خود را پیدا کنید یا شغلی را که دارید دوست داشته باشید.

به گفته VTsIOM، هر پنجم روسی هرگز به تئاتر نرفته است، هر ثانیه "یک بار" آنجا بوده است، اما تقریباً هرگز از تئاتر بازدید نمی کند. نیمی از شهروندان روسیه به سینما نمی روند و 13 درصد از پاسخ دهندگان هرگز به سینما نرفته اند. بیش از 40 درصد از مردم روسیه چیزی در مورد "شب در موزه" نشنیده اند، یک سوم شنیده اند اما قصد بازدید ندارند، 27 درصد از پاسخ دهندگان اعتراف کردند که هرگز به موزه نرفته اند.

مگر هنر مال مردم نیست؟

بیایید این موضوع را با رئیس دانشکده تاریخ هنر دانشگاه اروپایی در سن پترزبورگ، کاندیدای تاریخ هنر ایلیا دورونچنکوف در میان بگذاریم.

سال‌هاست که جهان با رونق موزه‌ها روبه‌رو بوده است.

امسال به رئیس گروه کر قزاق کوبان، ویکتور زاخارچنکو، جایزه دولتی اعطا شد. آیا گروه کر قزاق کوبان دقیقاً همان هنری است که بدون اغراق متعلق به مردم است؟

فکر می کنم فولکلور آهنگ کوبان در قلب تعداد زیادی از مردم پاسخی بی قید و شرط پیدا می کند، زیرا انتظارات آنها را برآورده می کند. درخواست چیزی صمیمانه، جسورانه، مردمی، بومی وجود دارد. فولکلور که امروزه روی صحنه به صدا در می آید، البته به شدت با شنونده مدرن سازگار است و فقط بر اساس ترانه های محلی است. ظاهراً این افراد از گروه کر قزاق کوبان متخصصان عالی هستند که از نظر موسیقی یکی از تصاویر مردم روسیه را تجسم و تجسم می کنند. این که این تصویر چگونه ساخته شده است یک سوال دیگر است.

چه چیزی باعث ولع بیدار شده توده ها برای هنرهای زیبا شد؟ هیجان باورنکردنی پیرامون نمایشگاه سروف در گالری ترتیاکوف، صف های طولانی نقاشی و گرافیک فریدا کالو در موزه سن پترزبورگ فابرژ...

به نظر من هنوز زود است که در مورد هر روندی صحبت کنیم. افزایش مجدد علاقه به برخی از هنرمندان به منظور نتیجه گیری خاص مورد نیاز است. آیوازوفسکی در پاییز در گالری ترتیاکوف خواهد بود، ببینیم آیا او به اندازه سرووف جمع خواهد کرد یا خیر. به طور کلی، جهان سال هاست که رونق موزه را تجربه می کند. طبقه متوسط ​​ثروتمند برای درک این موضوع تربیت شده است که بازدید از موزه ها ضروری است.

همانطور که خبرنگاران سکولار می نویسند، فقط طبقه متوسط ​​نبود که در صف "دیدن سرو" ایستاده بود، "دانشجویان، مستمری بگیران، و عموماً جمعیت بسیار متنوعی" در آنجا "دیده می شدند".

این رونق موزه، به ویژه باعث ظهور پدیده نمایشگاه پرفروش شد. ما باغ های کلود مونه را به شما نشان خواهیم داد! آیا می توانید تصور کنید که در ایالات متحده چه صف هایی برای دیدن باغ های کلود مونه وجود دارد؟ یک بار به موزه‌های مختلف آمریکا سفر کردم که مونه در آنجا به نمایش گذاشته شد، پنج پل کوهاندار تقریباً یکسان را دیدم و سپس از آنها متنفر شدم. اما مونه هنرمند ایده‌آلی برای نمایشگاهی است که هدف آن موفقیت جمعی است. یا در اینجا یک مثال عالی است - نمایشگاهی از پرتره های رنسانس ایتالیایی در برلین چند سال پیش. مردم از سراسر اروپا به آنجا آمدند. و فقط طبقه متوسط ​​نبود. اینها دانشجویان و نمایندگان اقشار مختلف اجتماعی بودند. تعداد زیادی از مردم در این صف ها ایستاده بودند. از این قبیل نمایشگاه ها زیاد است. و اروپایی ها در امتداد آنها مهاجرت می کنند. اکنون یک نمایشگاه بوش در موزه پرادو و یک نمایشگاه دیگر بوش در 's-Hertogenbosch در هلند وجود دارد... چنین نمایشگاه هایی از نظر فکری بسیار خوب پشتیبانی می شوند: آنها توسط متخصصان بسیار ماهر ساخته می شوند، کاتالوگ ها منتشر می شوند که به یک رویداد علمی تبدیل می شوند. و البته این نیز یک شرکت تجاری است. گرونه. این امر مستلزم تفکر مفهومی مدرن از سوی متصدیان است. این امر مستلزم آمادگی مخاطب است.

شاید آمادگی مخاطبان ما برای دیدار با سروف نقش عالی خود را ایفا کرد؟ آیا افرادی که «دختری با هلو» را از مدرسه می‌شناختند برای برداشت‌های جدید به گالری ترتیاکوف هجوم بردند؟

به نظر من هیجان روزهای پایانی نمایشگاه سرو تا حدی موقعیتی بود. تبلیغات خوب، زمستان سرد در مسکو... اگر در مورد محتوای نمایشگاه صحبت کنیم... فکر می کنم سروف که در گالری ترتیاکوف ارائه شد، چیزی را به مردم روسیه می دهد که الان واقعاً کم دارند. او عکسی از روسیه به او می دهد که ما آن را از دست داده ایم و افتخار کردن به آن لذت بخش است. این روسیه بسیار چشمگیر است. پر از پرتره های رومانوف های خوش تیپ است و نمی پرسند چرا سروف رابطه خود را با خانواده رومانوف پایان داد. برای جامعه هنری، سروف فردی اخلاق مدار بود و اگر تصمیم خاصی را که اخلاقش به او دیکته شده بود می گرفت، از این تصمیم عدول نمی کرد. تعداد کمی از بینندگان قادر به قدردانی از منحصر به فرد هستند و به نظر می رسد که هیچ کس دیگری به جز Serov توانایی نشان دادن تصویر چشمگیر مشتری را ندارد و در عین حال این تصویر را با چنان کنایه ای اشباع می کند که جلوه سطحی را از بین می برد. به پرتره فلیکس یوسوپوف با یک بولداگ نگاه کنید. این پرتره مال کیه؟ آیا این پرتره ای از دوریان گری، جوان داغی است که بعدا راسپوتین را خواهد کشت؟ یا این یک پرتره روانی از یک پاگ است که شبیه وینستون چرچیل است؟ افراد کمی می توانند این کار را انجام دهند. در آن نمایشگاه، سروف کمی از مردم روسیه و طبیعت روسی دارد، یک طبقه بازرگان پویا وجود دارد، یک روشنفکر شاد وجود دارد - به ارمولوا نگاه کنید، به گورکی...

این همان روسیه است که رفت و زیر نظر سروف، کشوری بسیار چشمگیر به نظر می رسد، که البته همینطور بود. اما نمایشگاه به تنهایی به این سوال پاسخ نمی دهد: چه بر سر روسیه آمد؟ در همین حال، کار سروف چنین پاسخی را داد. هیچ موردی مربوط به سال 1905 در نمایشگاه وجود ندارد. هیچ گواشی وجود ندارد "سربازان، پسران شجاع ..."، نوشته شده بر اساس برداشت های شخصی از پراکندگی تظاهرات در 9 ژانویه، که او از پنجره های فرهنگستان هنر مشاهده کرد، و پس از آن روابط خود را با هر دو آکادمی قطع کرد. و رئیس آن، دوک بزرگ ولادیمیر الکساندرویچ، که مستقیماً با یکشنبه خونین ارتباط داشت. متصدیان نمایشگاه چیزی اساساً مهم را از سرووف حذف کردند. اما این نمایشگاه تصویری کلی از روسیه ارائه کرد که نوستالژی را برمی انگیزد. مهمترین چیز این است که ما نقاشی باشکوهی را دیدیم. از این نظر، موفقیت مستحق است. اما آیا تکرار خواهد شد؟ اگر دوباره این اتفاق بیفتد، به این معنی است که جامعه ما واقعاً از تأثیرات هنری قوی، و نه فقط آنهایی که از هنر معاصر سرچشمه می‌گیرند، حسرت می‌خورد.

مردم روسیه هنوز در قرن نوزدهم برنامه ریزی شده اند

در مورد نمایشگاه فریدا کالو که از یک محاصره سه ماهه جان سالم به در برد، چطور؟ آیا این پدیده ای مشابه نمایشگاه سروف است؟

فریدا کالو کمی متفاوت است. اگر سروف نقاش خداست، پس فریدا کالو نقاش نیست. برای او قلم موها و رنگ ها راهی برای خودفرضایی، نمایش حالات، عقده ها و رنج هایش هستند. از آنجایی که او در متن سوررئالیسم و ​​بدوی است، ممکن است نتواند بنویسد و هنوز هم هنرمند بسیار مؤثری باشد. اما در اینجا، به نظر من، نقش مهمی با این واقعیت داشت که به لطف سینمای هالیوود او قبلاً یک ستاره پاپ است. و حضور در نمایشگاه او متفاوت بود. علاوه بر بازنشستگان سن پترزبورگ که به تمام نمایشگاه های مهم می روند، تعداد زیادی از مردم نماینده طبقه به اصطلاح خلاق بودند. مردمی پرجمعیت، ثروتمند، که می توانند با پرداخت 500 روبل برای ورود به این نمایشگاه کوچک از مسکو بیایند و خودشان درک کنند که یک تصویر چگونه ساخته می شود. نمایش این نمایشگاه موفقیت بزرگی برای موزه فابرژ است. همچنین یک پروژه بازاریابی هوشمند بود. اگر به ویدیوهای ویروسی که فیس بوک پخش می کند نگاه کنید، متوجه می شوید که دقیقا چه کسی این نمایشگاه را تبلیغ کرده است، چه کسی گفته است که کدام نقاشی را بیشتر دوست دارد. اینها دقیقاً شخصیت های رسانه ای بودند که طبقه خلاق روی آنها تمرکز می کند. موفقیت نمایشگاه سرو و موفقیت نمایشگاه فریدا ماهیتی متفاوت دارد. اما برای من هر دوی این موفقیت ها خوشحال کننده است، زیرا نشان دهنده علاقه به هنر است.

این علاقه احتمالاً نه تنها با جذابیت زیبایی شناختی نقاشی های سروو یا کالو برانگیخته شده است. همچنین یک پدیده اجتماعی است. از چه چیزی تشکیل شده است؟

گالری ترتیاکوف یک موزه پر بازدید است. اما در مورد سروف افزایش هندسی در بازدیدها مشاهده شد. بدیهی است که چند عامل تصادفی باعث موفقیت این نمایشگاه شده است. اولاً کیفیت اقلام ارائه شده. ثانیاً این واقعیت که سرووف برای همه شناخته شده است. من مطمئن هستم که از همان کلنگ روی Repin استفاده می شد. احتمالا بر اساس آیوازوفسکی و شیشکین ساخته خواهد شد. ما هنرمندان زیادی نداریم که تصویری جامع خلق کرده باشند. وقتی می گویید "دختر سرو"، متوجه می شوید که در مورد چه چیزی صحبت می کنیم. این به هر هنرمندی داده نمی شود. تصادفی بین عوامل زیبایی شناختی و اجتماعی وجود دارد. همه نسل ها سروف را از مدرسه به یاد می آورند. مردم روسیه هنوز تا قرن 19 برنامه ریزی شده اند. اگر از یک فرد معمولی بخواهید که ده نقاشی برتر روسیه را نام ببرد، گمان می‌کنم که هشت نفر از این ده نقاشی سرگردان، به اضافه بریولوف و الکساندر ایوانف باشند. "میدان سیاه" فقط به این دلیل می رسد که تبلیغ می شود. از این نظر، ما هنوز یک کشور بسیار محافظه کار هستیم. بنابراین موفقیت چنین نمایشگاه هایی با سنت تضمین می شود. و با فریدا کالو، این یک نوع موفقیت جدید است، این موفقیت رسانه ای است.

توده مردم یک فانتوم است

- توده مردم کیست؟ نیازهای اجتماعی، زیبایی شناختی و ایدئولوژیک او چیست؟

فکر نمی کنم مخاطب انبوهی وجود داشته باشد. عموم مردم به صورت جمعیت در نمایشگاه سروف ظاهر می شوند. اما اگر در مورد عموم رویدادهای هنری صحبت کنیم، پس این عموم در درون خود بسیار ناهمگون هستند.

- پس شما فکر می کنید که توده مردم به عنوان یکپارچه اجتماعی وجود ندارد؟

بله، من اینطور فکر می کنم. عموم مردم متفاوت است. دقیقاً زمانی انبوه می شود که خود را به عنوان یک مردم معرفی کند. یعنی وقتی او را می بینیم. و وقتی این افراد جلوی تلویزیون می نشینند یا سوار تراموا می شوند، هنوز عمومی نیستند. کتاب فوق‌العاده‌ای از توماس کرو، منتقد هنری آمریکایی وجود دارد، «هنرمند و زندگی اجتماعی پاریس در قرن هجدهم»، یکی از کتاب‌های اساسی در تاریخ اجتماعی هنر، که در آن او، به‌ویژه، فرآیند هنر را تحلیل می‌کند. شکل گیری عموم به عنوان یک پدیده و معلوم می شود که مردم همه کسانی نیستند که به نمایشگاه یا کنسرت آمده اند. عموم مردم افرادی هستند که نیازها و انتظارات خود را دارند. با این خواسته ها و انتظارات، بازدیدکنندگان نمایشگاه روی این یا آن هنرمند سرمایه گذاری می کنند و نه تنها به این دلیل که او به خوبی نقاشی می کند، بلکه به این دلیل که در او تجسم دیدگاه های اخلاقی، زیبایی شناختی و حتی سیاسی خود را می بینند. و در میان مردم گروه‌های کاملاً قابل تشخیص وجود دارد. توده مردم نوعی شبح است، ثمره میل ما برای آوردن افرادی که به یک درجه یا آن درجه به هنر علاقه دارند به یک مخرج مشترک.

- و پس فرهنگ توده برای چه کسی جذاب است؟ آیا او برای جامعه فرهنگی خاصی جذابیتی ندارد؟

بیایید شفاف سازی کنیم که در مورد چه چیزی صحبت می کنیم. آیا ما در مورد مخاطبی صحبت می کنیم که هنر را چیزی محلی و دارای ارزش بالا می داند؟ یا در مورد مخاطبانی که به ستارگان پاپ گوش می دهند؟ در مورد دوم، ما بیشتر با یک سازوکار اقتصادی روبرو هستیم که بر روی انتظارات مردم کار می کند و این انتظارات را برآورده می کند که کاملاً ضروری است. زمانی که شهرنشینی اتفاق افتاد و شخصی آنچه را که فولکلور بود از دست داد، این شخص نیاز داشت که بخواند، برقصد و تجربیات خود را به نوعی پخش کند. عشق، نفرت، جدایی، مادر، همسر، فرزندان... شانسون درباره این است، درباره ابدی. و فرهنگ توده ای این نیازها را به خوبی برآورده می کند. اما اگر در مورد مردمی که به نمایشگاه می روند صحبت کنیم، درجه بندی در اینجا متفاوت خواهد بود. در اینجا ما مردم را بر اساس پیشینه فرهنگی تقسیم می کنیم. سروف همه را متحد می کند، اما مالویچ دیگر وجود ندارد. از این نظر، من بیشتر دنبال تفاوت ها هستم تا اشتراک.

Proletkult تجسم رادیکال سنت اروپایی برای نزدیک کردن هنر به انسان عادی است

شعار Proletkult "هنر برای توده ها" - آیا عمدا اتوپیایی و ریاکارانه نبود؟ هدف Proletkult چه بود؟ برای معرفی توده های وسیع با هنر عالی؟ برای بیدار کردن هنرمند در خود پرولتاریا؟

مانند هر پروژه اجتماعی، Proletkult توده ها را هدف قرار داد و واقعاً بر آنها تأثیر گذاشت. به هر حال، لنین، که کلارا زتکین شعار "هنر متعلق به مردم است" را در دهان او گذاشت، دشمن سرسخت Proletkult بود. اما نه به این دلیل که Proletkult وحشیانه همه چیز و همه را ساده کرد، بلکه به این دلیل که رهبر پرولتاریای جهانی در Proletkult خطر ظهور یک سازمان جایگزین کمونیستی - اما غیربلشویکی - تحت کنترل رهبر آن الکساندر بوگدانوف را دید. خود ایده "هنر برای توده ها" تجسم رادیکال سنت اروپایی برای نزدیک کردن هنر به انسان عادی است. این سنت در قرن 18 بوجود آمد و در قرن 19 اجرا شد. بیایید خانه های محلی بلژیکی را به یاد بیاوریم که توسط Van de Velde، نفیس ترین استاد هنر نو ساخته شده است. تصور کنید که فئودور شختل نه تنها عمارت ریابوشینسکی، بلکه باشگاه‌های کارگری را نیز بسازد. اخیراً، گیلز واترفیلد، متخصص انگلیسی در تاریخ موزه‌ها، در دانشگاه ما درباره موزه‌های انگلیسی نیمه دوم قرن نوزدهم سخنرانی کرد. معلوم شد که در لیورپول، منچستر، در این شهرهای کارخانه‌ای وحشتناک، که بر اساس تجربه‌ای که انگلس در مورد وضعیت طبقه کارگر در انگلیس نوشت، نخبگان خودشان شروع به ساختن ساختمان‌های زیبا کردند و برای آنها نقاشی خریدند. این ساختمان ها تقریباً عمدتاً برای کارگران در نظر گرفته شده بودند.

هنر متعلق به کسانی است که حاضرند با آن صحبت کنند. به کسانی که نیازی به هنر دارند، هر طور که مشخص شود

آنها موزه های شهری را ایجاد کردند که به شهر وابسته بودند، اما اغلب - حامیان مالی، و به طور خاص برای عموم مردم هدف داشتند. همه اینها توسط کارآفرینان انگلیسی اختراع شد. هنر آموزشی خریدند. نقاشی هایی که آنها به دست آوردند صحنه های احساسی و اخلاقی را به تصویر می کشیدند: چگونه باید رفتار کرد، چگونه باید زندگی کرد. منظره ملی، چیزهای نجات دهنده روح... این یک تعطیلات اجتماعی عالی بود. یا آلمان را در دوران بیسمارک در نظر بگیرید، زمانی که یکی از محبوب ترین مجلات، "هنر برای همه" در آنجا منتشر شد. فکر نمی‌کنم مخاطبان این مجله تعداد قابل توجهی از طبقه کارگر را شامل شود، اما خرده‌بورژوازی، صنعت‌گران، معلمان، روشنفکران قطعاً خوانندگان این مجله بودند. این یک مجله جمعی با برنامه بسیار جدی بود. و بلشویک ها به پیروی از ایدئولوژی خود، مشکل آشنا کردن مردم با هنر را که برای مدت طولانی و نه تنها در روسیه پابرجا بود، ساده کردند. بلشویک‌ها، عموماً، هنر را جدی می‌گرفتند، زیرا از آن می‌ترسیدند. و بوگدانوف، ایدئولوگ پرولتکالت، آشکارا در سال 1918 نوشت که پرولتاری که از خزانه هنر گذشته بازدید می کند، در برابر جذابیت آن بی دفاع است و به معنای واقعی کلمه از نظر فیزیکی به آن مبتلا شده است. پرولتکلتیست ها معتقد بودند که با نگاه کردن به هنر سرمایه داری می توان با ایدئولوژی سرمایه داری عجین شد. اگرچه عجیب به نظر می رسد، آنها متعلق به سنت هگلی درک هنر به عنوان تجسم روح یک ملت بودند که در عین حال قادر است مستقیماً بر ذهنیت آن تأثیر بگذارد. بلشویک ها البته وقتی می گفتند هنر مال مردم است منافق بودند. آنها در درجه اول به دنبال دستکاری آگاهی بودند و نه معرفی پرولتاریا به هنر. رئالیسم سوسیالیستی نیز همین هدف را داشت.

- به نظر شما فرهنگ توده ای امروز در روسیه با فرهنگ توده ای اواخر اتحاد جماهیر شوروی تفاوت دارد؟

تا حدی هیچی. همان مردم - پوگاچوا، کوبزون... فرهنگ توده ای دنیای بی رحمی است. دنیایی از روابط پیچیده اما در اینجا به نوعی بسیار حفظ شده است. در حالی که در حالت ایده آل این یک چرخش است، این یک مبارزه است، این یک چرخ شانس است. امروز در اوج هستید، فردا به پایین پرتاب خواهید شد. برای نگه داشتن، باید سعی کنید اول باشید. صنعت نمونه از این نظر صنعت غربی است. اما به نظر من ما فاقد چهره ها و ایده های تازه هستیم. یا آنها به یک جامعه واقعاً گسترده دسترسی ندارند. اما در سطوحی از فرهنگ عامه که به تلویزیون فدرال دسترسی ندارند، من مطمئن هستم که تنوع و تجدید لازم وجود دارد.

هنر را باید حس کرد نه فهمید

هنر نخبگان چیست؟ یا هنر واقعی ذاتاً نخبه گرایانه است؟ آنچه نخبه گرا نیست هنر نیست، بلکه فرهنگ توده ای است؟

رویکردهای مشابهی به هنر در همه زمان ها وجود داشته است. اما، صادقانه بگویم، من درمای زیادی در تقابل بین نخبگان و هنر توده ای نمی بینم. بیشتر استادان بزرگ، به عنوان مثال، در قرن هفدهم در طول زندگی خود موفقیت را تجربه کردند - آنها توسط نخبگان شناخته شدند. و اگر آنها در میان "مرد در خیابان" محبوب نبودند، به این دلیل بود که توده ها از هنرهای دیگر - چه فولکلور یا نقاشی معابد - راضی بودند.

- آیا همه نمی توانند هنر والا را درک کنند و بدانند؟ آیا این تعداد افراد تحصیل کرده و متفکر است؟

دوره هایی وجود داشت که درک کافی برخی چیزها دشوار بود. مثلا همین رنسانس. نود و نه درصد از معاصران به سادگی حکاکی عالی دورر "مالیخولیا-I" را درک نکردند. این یک گزاره فکری پیچیده است که برای درک کافی از آن باید مجموعه ای کامل از دانش، از جمله فلسفه غیبی را داشت. چنین چیزهایی همیشه برای یک مخاطب روشنفکر طراحی شده است. تمام رساله های قرن هفدهم ادعا می کنند که برای درک هنر به عقل نیاز است. و تنها در آغاز قرن 18، در کار ابوت دوبوس، این ایده ظاهر شد که هنر به حواس متوسل می شود و باید توسط حواس درک شود. و امروز ما با این اعتقاد زندگی می کنیم که هنر را باید حس کرد نه فهمید.

اگر از یک فرد معمولی بخواهید که ده نقاشی برتر روسیه را نام ببرد، گمان می‌کنم که هشت نفر از این ده نقاشی سرگردان، به اضافه بریولوف و الکساندر ایوانف باشند. "میدان سیاه" فقط به این دلیل می رسد که تبلیغ می شود

آیا نمایندگان هنرهای عالی نیاز به گسترش مخاطبان خود دارند؟ یا آیا می توانند از توجه صاحب نظران و کارشناسان واقعی به آنها راضی باشند؟

هیچ هنرمندی وجود ندارد که آرزوی موفقیت جهانی را نداشته باشد.

- اما ارکستر سمفونیک نمی تواند استادیوم ها را پر کند.

شاید. من فقط مطمئن نیستم که صدای خوبی خواهد داشت. جشنواره اپرای گلیندبورن، کنسرت های سمفونیک در چمن پارک مرکزی نیویورک... این یک اجرا است، این یک رویداد اجتماعی است. مردم برای گوش دادن به موتزارت، بتهوون می آیند... عالی است.

چرا یک فرد با درآمد متوسط ​​نباید چاپ یک حکاکی را از یک هنرمند بخرد؟

آیا هنر فقط در حد کالایی متعلق به مردم است؟ و تنها زمانی که مردم این محصول را خریداری می کنند؟

نه، مردم آنقدر حلال نیستند که هنر بخرند. هنر به طور کلی لذت گرانی است.

- منظورم خرید بلیط ورودی است، نه نقاشی های دورر یا گوگن.

تعداد زیادی از هنرمندان هستند که در گالری ها به فروش نمی رسند. اما من می خواهم بگویم نه در مورد بلیط نمایشگاه، بلکه در مورد این واقعیت است که ما هنوز فرهنگ مصرف مستقیم هنر را ایجاد نکرده ایم، وقتی می توانید هنرمندی را که دوست دارید پیدا کنید و از او نقاشی بخرید. بین کسانی که بلیت می خرند و هنر را به صورت نمادین مصرف می کنند و کسانی که شاگال یا پیکاسو را در حراج می خرند، هیچ رابطه میانه ای وجود ندارد. اگرچه، چرا یک فرد با درآمد متوسط ​​نباید یک حکاکی یا بوم نقاشی از یک هنرمند بخرد؟ پس از همه، شما می توانید چیز واقعی را خریداری کنید. حکاکی که در شصت نسخه محدود شده، اثری اصلی است. نگاه می‌کنید و خوشحال می‌شوید، یک گفتگوی روزمره و کاملاً شخصی با چیزی که به شما تعلق دارد و دائماً در خانه شما وجود دارد ایجاد می‌کنید. در مورد دسترسی مالی به موزه ها... من معتقدم که وضعیت اینجا چندان فاجعه آمیز نیست. اگرچه موزه ها باید به طور دوره ای "روزهای باز" را برای بازنشستگان ترتیب دهند - و این در شرایط ما کاملاً ضروری است.

هیچ هنری بدون مصرف کننده وجود ندارد

- پس واقعاً صاحب هنر کیست؟ شاید به خود هنرمند و نه هیچ کس دیگری؟

بیایید هنرمندی بی دقت را تصور کنیم که نقاشی می آفریند، هرگز آنها را به کسی نمی فروشد و هرگز آنها را به نمایش نمی گذارد. این طرح یک فیلم ترسناک است.

- هنر بدون مصرف کننده نمی تواند وجود داشته باشد؟

قطعا. به خصوص به این دلیل که هنر کارکردهای زیادی دارد. اکنون ما با این ایده موافقیم که هنر در درجه اول نیازهای زیبایی شناختی را برآورده می کند. و قبل از آن، قرن‌ها در این درک زندگی می‌کردیم که هنر در خدمت کلیسا است، حاکمیت را تعالی می‌بخشد، بیانیه‌های فلسفی را تدوین می‌کند، آثار ادبی یا گزارش‌های مسافران را به تصویر می‌کشد. سوال "آیا هنر است یا صنعت؟" همیشه وجود داشته است. و در دوره های مختلف به طور متفاوت حل شد. بیایید بگوییم، در دوره لئوناردو آنها بحث می کردند که کدام بهتر است - مجسمه سازی یا نقاشی، چه چیزی برتر است - صنعت یک نقاش یا یک جواهرساز؟ اختلافات در این زمینه بسیار جدی بود.

بنونوتو سلینی و لئوناردو داوینچی توافق نمی کردند. و ما هم اکنون با نتایج این اختلافات سروکار داریم و زمانه ما نبردهای فکری خاص خود را دارد. اما به هر حال هنر بدون مصرف کننده وجود ندارد.

- و از این نظر هنر متعلق به مردم است؟

هنر متعلق به کسانی است که حاضرند با آن صحبت کنند. به کسی که نیازی به هنر دارد، مهم نیست چگونه تعریف شود. اگر بتوانید در درون خود تغییر کنید، هنر در این امر به شما کمک زیادی خواهد کرد.

کارت کسب و کار

ایلیا دورونچنکوف محقق هنر اروپای غربی و روسیه، رئیس دانشکده تاریخ هنر در دانشگاه اروپایی در سن پترزبورگ است. مهمان دائمی برنامه تلویزیونی "قوانین زندگی" در کانال "فرهنگ"، مدرس پورتال آموزشی "آرزماس".

فارغ التحصیل انستیتوی نقاشی، مجسمه سازی و معماری. I.E. رپینا. تخصص - هنر خارجی قرن 19; تاریخچه تاریخ هنر و نقد هنر؛ درک هنر خارجی در روسیه علایق پژوهشی اصلی: درک هنر خارجی در روسیه (نیمه دوم قرن نوزدهم - نیمه اول قرن بیستم)، تاریخ ادبیات در مورد هنر، آگاهی هنری مهاجرت روسیه، هنرهای زیبا و ادبیات روسی.

رونق موزه ها که در بحبوحه بحران اقتصادی تا حدودی کمرنگ شده است، با این وجود برای چندین دهه در کشورهای غربی به طول انجامیده است. ایلیا دورونچنکوف می گوید: بازتولید طبقه حاملان معنا، که روشنفکران، از جمله مورخان هنر هستند.

هنر چیست؟

هنوز پاسخ روشنی وجود ندارد که همه دست اندرکاران و علاقمندان به اتفاق آرا با آن موافق باشند. شاید به این دلیل که خود این سؤال هرگز به وضوح مطلق روشن نشده است. افرادی که این سوال را می پرسند واقعاً چه چیزی را می خواهند بدانند؟ بدیهی است که در قلب این سوال میل به کشف راز هنر است. رمز و راز تأثیری که آثار هنری بر زندگی ما می گذارند. تأثیری وجود دارد و به نظر نمی رسد کسی با آن بحث کند. اما راز چیست؟

اگر دقت کنید، متوجه خواهید شد که انگیزه ای که فرد را مجبور می کند به یک اثر هنری روی بیاورد، به نوعی نارضایتی از وضعیت خود، یعنی در نهایت، به یک "فرار از واقعیت به جهان های شگفت انگیز دیگر" منتهی می شود. حتی اگر هنوز با این جمله موافق نیستید، سعی کنید آن را بر اساس ایمان یا حداقل به صورت مشروط قبول کنید. بعداً برای شما روشن خواهد شد که چرا چنین است و این پایان نامه از کجا آمده است. فعلاً موافقیم، زیرا از این به بعد به کسی که تأثیر یک اثر هنری را تجربه می کند «فراری» می گویم. بنابراین حتی اگر فکر می کنید با درک آثار هنری اصلاً «فراری» نیستید، بلکه مثلاً یک «فرهنگ و تحصیلکرده» یا چیزی شبیه به آن هستید، در حال حاضر فقط به خاطر داشته باشید که این موضوع چندان مهم نیست. . حتی ممکن است در نظر بگیرید که "فراری" و "فرهنگ و تحصیلکرده" (یا هر چیزی که خود را دارید) مترادف هستند.

بیایید با دقت به شخصی نگاه کنیم که مثلاً در یک رمان (در یک نقاشی، در یک آهنگ، در یک سمفونی، در یک کلام، در هر اثر هنری، یک اثر واقعی و نه در برخی از سریال های شهری کوچک، اگرچه در میان آنها احتمالاً با سریال های واقعی روبرو می شوند، اما چیست اثر هنری واقعی، در این متن متوجه خواهیم شد). کافی است قبل از "فرار" با چنین شخصی صحبت کنیم و بعد از "فرار" با او صحبت کنیم و بلافاصله تفاوت را احساس خواهیم کرد: "فرار" متحول شده بازگشت. اگر نه از نظر فکری، پس، در هر صورت، از نظر انرژی. به عنوان مثال، او به نوعی احساس "سبک شدن در روح خود" می کرد. به نوعی "آرام تر". بسیاری از مردم به "اثر پاک کنندگی" ناشی از تماس با آثار هنری توجه می کنند. ممکن است درست باشد که "فراری بازگشته"، برعکس، در افسردگی فرو رفته و بیش از هر زمان دیگری رنج می برد (مثلاً، این اغلب پس از خواندن داستایوفسکی اتفاق می افتد). اما، بیایید فرض کنیم که اینها همان رنج‌های کاتارتیک هستند که از طریق آن انرژی‌های سرکوب‌شده آزاد می‌شوند. رنج مستلزم تطهیر و رهایی است. و در این مورد باز هم اثر غیرقابل انکار است. هر گونه تماس با یک اثر هنری اصیل یک اثر (تغییر، دگرگونی) وجود دارد. مشروط بر اینکه این تماس واقعاً اتفاق افتاده باشد و هیچ تماس مکانیکی و کم عمقی که فقط حواس بیرونی در آن دخیل باشد وجود نداشته باشد (اثر ممکن است در این مورد باشد، اما در اینجا به احتمال زیاد بدون تحقیق خاص کاملاً غیر قابل توجه خواهد بود). مخاطب- این یک تماس واقعی است («تماس واقعی» را می توان با آنچه احساس می کنید اگر کسی بازوی شما را لمس کند در حالی که شما بیدار هستید، مقایسه می شود، در حالی که «تماس مکانیکی و سطحی» به این صورت است که گویی کسی در زمانی که شما به شدت خوابیده اید دست شما را لمس کرده است. ، و در نهایت شما متوجه چیزی نشدید).

این اثر دگرگونی از کجا می آید؟ چه کسی آن را تجربه می کند؟ چه کسی در حال تغییر است؟ چه کسی تحت تأثیر قرار می گیرد؟ بیایید با دومی شروع کنیم: تصویری که تحت تأثیر قرار می گیرد همان "فراری" است. برای خودش می گیرد. یعنی شخصی که «فراری» خودش را تصور می کند. خود واقعیت تغییرات و دگرگونی هایی که در "فراری" رخ داده است نشان می دهد که این کسی که دستخوش تغییرات شده است تغییر ناپذیر نبوده است. "فراری" تغییر می کند، دستخوش دگرگونی می شود و بنابراین ناپایدار است.

اگر این خودآزمایی را انجام داده اید، آنچه در ادامه می آید برای شما ساده و واضح خواهد بود. به طور خاص، شما به راحتی می توانید قبول کنید که اکثر منتقدان هنری (منتقدان ادبی، متخصصان امتحان و ارزیابی در زمینه های خاص هنری) واقعاً نمی دانند که با چه چیزی سروکار دارند. و خواهید دید که در این زمینه سوء تفاهم های زیادی در مورد اینکه چه چیزی هنر واقعی تلقی می شود و چه چیزی نیست، چه چیزی «استعداد» و چه چیزی نیست، چه چیزی «زیبا» و چه چیزی نیست و غیره پیش می آید. انواع نهادهای فرصت طلب مصنوعی مانند جوایز ادبی، مسابقات موسیقی، حراج نقاشی و غیره به وجود می آیند. پول زیادی سرمایه گذاری می شود. مقالات و آثار بزرگ نظری در حال نگارش است. انبوهی از همدستان، مداحان و مقلدین ظهور می کنند. همدستان و مقلدها تلاش می کنند تا از یکدیگر پیشی بگیرند، تا جایی که می توانند خودشان را تبلیغ کنند و هر ماه یک رمان بنویسند. و غیره. شما می دانید منظورم چیست. الان از این خوبی ها زیاد است و اصلاً صحبت از این فخر فروشی نیست. همه اینها را اکنون نه برای تقبیح، بلکه صرفاً برای اینکه روشن کنم اشاره می کنم: این همه آن نیست. نه هنر و به ندرت، در چارچوب این همه هرج و مرج، چیزی اصیل می تواند بدرخشد. همه چیز در آنجا بیش از حد مرده و سفت است که اجازه نمی دهد واقعیت در چنین محیطی خود را نشان دهد. در عوض، هنر واقعی در جایی کاملاً متفاوت ظاهر می شود. و به اشکال کاملاً متفاوت و غیر منتظره بیان می شود. اگرچه هنوز می تواند خود را در ژانرهای سنتی اشعار، رمان، ترانه، بوم، فیلم نشان دهد.

این امکان وجود دارد که خودآزمایی شما انجام نشده باشد و شما (اگر هنوز در حال خواندن این متن هستید) دیگر کاملاً متوجه منظور من در اینجا نمی شوید. سپس اجازه دهید برای شما یک مثال بزنم. فرض کنید در کنار رودخانه ای با جریان قوی ایستاده اید. به رودخانه می روید و پای خود را در آن فرو می برید. خنکی آب رودخانه و همچنین قدرت جریان را احساس می کنید. پای شما سرد می شود و می خزد. شاید شما در حال تجربه احساسات دیگری هستید. پایت را از آب بیرون می آوری. او خیس است، سرد است و شاید گوی های انگشتانش کمی تنگ باشد. حال سوال این است: تجربه توصیف شده در شما چیست؟ نمی توان گفت که این "پا تجربه می کند" است، زیرا شما احساسات پا را درک می کنید و پا به تنهایی آنها را درک نمی کند. همچنین نمی توان گفت که این شما هستید، زیرا بخش قابل توجهی از بدن شما بدون تأثیر باقی مانده است. تقریباً تمام بدن شما خشک و کاملاً گرم باقی مانده است. با این حال، به طور کلی می توانید بگویید: "من از طریق این تجربه زندگی کردم." شما می توانید این را به این دلیل بگویید که شما (کسی که تجربه را اعلام می کند) نه پا هستید و نه بقیه بدن. این شما هستید که از طریق پا و بقیه بدن و مقایسه احساسات می توانید بگویید: «این را تجربه کردم». در مورد یک اثر هنری هم همینطور است. وقتی وارد آن می شوید، با آن تماس می گیرید، می بینید که چگونه چیزی در شما شروع به متفاوت شدن می کند. شاید به عنوان نوعی احساس زیبایی شناختی ("پا و احساس خیس و سردی" یا "احساس خشکی و گرمی بقیه بدن و ایجاد برآمدگی در مقابل") شروع شود. شاید به عنوان یک لذت فکری («تازه و علاقه ناشی از تجربه سرما و رطوبت، تازگی و علاقه به احساس تضاد»). اما بعد متوجه می‌شوید که نه زیبایی‌شناختی و نه عقلانی در این تجربه آنقدر مهم نیستند و به تغییراتی که در شما رخ می‌دهد کمک چندانی نمی‌کنند. شما تشخیص می دهید که چیزی فراتر از آن در جریان است. در مثال رودخانه، این «به‌علاوه» را می‌توان با تغییراتی در خلق و خوی شما پس از تماس با رودخانه بیان کرد. با این حال، بعید است که این تجربه روی شما تأثیر زیادی بگذارد، زیرا اساساً یک پدیده فیزیکی بود. و در مورد هنر، چیزی فراتر از تماس فیزیکی وجود دارد. این را می توان "تجربه معنوی" نامید که به شکل تبدیل "فراری" در روند "دویدن" بیان می شود.

این تجربه معنوی در مورد ادراک یک اثر هنری از کجا می آید؟

یک اثر هنری از آن «فضا» و توسط آن «فضا» که در واقع «تو» است خلق می‌شود. نه شخصی که خود را تصور می کنید و در معرض تغییر است، نه تصور شما از خودتان. و کسی که همه چیز را درک می کند، مشاهده می کند و شاهد است، اما به نوبه خود، درک و مشاهده غیر ممکن است. این «پایی که در جویبار فرو بردی»، «بقیه بدن که خشک ماند»، «روی رودخانه ای با جریانی قوی»، «کسی که خود را می دانی و قابل مشاهده است» نیست. دگرگونی‌ها»، نه «ذهن» شما، که لذت عقلانی را از طرح دریافت می‌کند (فرآیندی که می‌توانید آن را نیز مشاهده کنید)، نه یک «حس زیبایی‌شناختی توسعه‌یافته» که به شما اجازه می‌دهد تا لذت ذهنی گاه غیرقابل مقایسه را تجربه کنید (لذتی که می‌توانید آن را نیز ببینید. چیزی که جدا از شما وجود دارد، به عنوان یک فرآیند عینی، به این معنی که شما نیستید، زیرا شما سوژه مشاهده کننده هستید). هر چیزی که می توانید مشاهده کنید نمی توانید خودتان باشید. "چاقو نمی تواند خود را ببرد، ترازو نمی تواند خود را وزن کند، چشم ها نمی توانند خود را ببینند"، این مثال اغلب توسط یک معلم معنوی ارائه می شود و به وجود واقعی یک شخص اشاره می کند.

در زبان انگلیسی، این چیز واقعی در یک شخص "خود" نامیده می شود و گاهی اوقات به روسی به عنوان "شخصیت" ترجمه می شود که نادرست است. ترجمه صحیح تر «خود» یا «ذات» است. هنگامی که خود خود را با بدن فیزیکی شناسایی می کند، سایر ایده ها و ایده های یک شخص در مورد خود به عنوان یک موجود جداگانه به وجود می آید. یک ساختار مشروط اجتماعی به وجود می‌آید که به آن، (در انگلیسی به آن «شخص» می‌گویند)، «تصویر نادرست و نادرست از خود» می‌گویند. و این دیگر خود نیست، بلکه «خودم» است، که به‌عنوان چیزی مجزا، خود را در برابر «خودت» قرار می‌دهد (فکر «من» که خود را در مقابل فکر «تو» قرار می‌دهد). و در ابتدا به سادگی "خود" وجود دارد، آگاهی ناب. آگاهی با هیچ ایده یا ایده ای مخلوط نمی شود. در سنت معنوی هندی به آن آتمان می گویند. با این حال، اجازه دهید عمیقا وارد اصطلاحات نشویم، در غیر این صورت زمان زیادی می برد. در مفاهیم مختلف، خود را کمی متفاوت می نامند و تفسیر می کنند، درست مانند «شخصیت»*. اینها همه جزئیات است. همین که بفهمیم در خطر چیست کافی است. خود هسته اصلی ما است، طبیعت واقعی و اصلی ما، دست نخورده از هیچ چیز، ابدی و تغییر ناپذیر. متولد نشده و بی مرگ. این چیزی است که همیشه وجود دارد، اینجا و اکنون. دائمی. خود واقعی ما که فراموشش می کنیم، از کودکی عادت می کنیم که خود را نوعی ساختار اجتماعی به نام «شخصیت»، «شخص» بدانیم.

نویسنده یک اثر هنری واقعی، اغلب بدون اینکه متوجه باشد، این اثر را نه از روی شخصیت که از خود خلق می کند. و این خود خالق با خودی که جوهر خواننده را می سازد تفاوتی ندارد. نه تنها متفاوت نیست، بلکه با آن یکی است. این به معنای واقعی کلمه یک کل است. آگاهی جهانی غیرشخصی. یک و یک است. فقط در بدن های مختلف به طور متفاوتی ظاهر می شود. بنابراین، وقتی «فراری» با یک اثر هنری اصیل سروکار دارد، اثری که از خود نوشته شده است، ماهیت واقعی خود را لمس می کند، برای لحظه ای فرصت می یابد که خودش باشد. و نه شخصی که از کودکی مجبور بوده نقشش را بازی کند. در واقع، دقیقاً این «شخصیت» است که او از آن فرار می‌کند و عادت دارد خودش را به خاطر آن بگیرد. از آن همه شرایط، قراردادها، مسئولیت‌ها، امور، قضاوت‌ها، عزت نفس و دیگر آشغال‌هایی که در طول زندگی‌اش انباشته بود، جذب خود شد و خود را فلان شخصیت می‌دانست. او "به سواحل امواج صحرا، به جنگل های بلوط پر سر و صدا" (پوشکین) می دود. به معنای واقعی کلمه به بیابان، به پوچی. (معلمان معنوی اغلب از اصطلاح «خلأ» به عنوان استعاره ای برای اشاره به خود استفاده می کنند.) جادوی هنر چنین است - آثار هنری واقعی ما را به خودمان باز می گرداند.

بنابراین، میزان اصالت یک اثر هنری را می‌توان بر اساس میزان حضور نویسنده در زمان خلق اثر در خود ناب و یا آمیختگی خود به نسبت‌های مختلف با ایده‌ها و برنامه‌های شخصی تعیین کرد. نویسنده در سفر زندگی اش این همان چیزی است که نقد هنری واقعی باید بر آن بنا شود. این به تنهایی می تواند معیاری برای تعیین خلوص و استحکام یک اثر هنری باشد. اما اگر واقعاً واقعی باشد، نیازی به تعریفی از اصالت ندارد.

اما برای سرگرمی، ما همچنان به برخی از آثار هنری با استفاده از مثال‌های زیر نگاه می‌کنیم و سعی می‌کنیم با نشانه‌هایی مشخص کنیم که نویسندگان تا چه اندازه در خود ناب بوده‌اند (گاهی اوقات به این حالت "الهام"، "ورود موز" می‌گویند. "، و غیره)، و مخلوط کرد که آیا برنامه های شخصی برای آن وجود دارد (و اگر چنین است، چه چیزی).

فعلاً از اکهارت توله، یکی دیگر از معلمان معنوی مدرن که گاهی کتابها را از دیدگاه تدریس خود تفسیر می کند، نقل می کنم. معمولاً او کتاب‌های خاص را انتخاب می‌کند، کتاب‌هایی که از خود ناب نوشته شده‌اند، مانند تائو ته چینگ و بهاگاواد گیتا. او در سخنرانی درباره تأملات مارکوس اورلیوس درباره این گونه کتاب‌ها می‌گوید: «این کتاب‌ها سرشار از قدرت هستند، بی‌زمان هستند. ... کتاب هایی از این دست چیزی فراتر از یک کتاب است. من احساس می کنم زمینه های انرژی حیاتی از آنها نشات می گیرد. و این کتاب‌ها زندگی خودشان را دارند.» و سپس خاطرنشان می کند: «ما از طریق کتاب به خودمان نگاه می کنیم. زیرا هر کتابی که اهمیت دارد همیشه در مورد شماست. و این در مورد ادبیات نیز صادق است. اگر کتابی پرمعنا، پر از معنای عمیق بخوانید، همیشه در مورد شرطی شدن انسان است، در زیر طرح همیشه حقیقتی در مورد شرطی شدن انسان، یعنی در مورد شما پنهان است. کتاب قدرتمند است زیرا درباره شماست. ... از طریق کتاب به خودمان نگاه می کنیم. ما به حقیقت بیداری یا الگوهای ذهنی ناکارآمد در خود نگاه می کنیم و از آنها آگاه می شویم. اکهارت توله به اندازه موجی معلم رادیکال نیست. او آنچه را که بالاتر از برنامه های شخصی نامیده می شود (که شخصیت شامل آن می شود) «مدل های ذهنی ناکارآمد» می نامد، اما اینها قبلاً جزییات مفهومی دو رویکرد متفاوت هستند، ویژگی هایی که ماهیت را تغییر نمی دهند.

توله در سخنرانی خود در مورد تائو ته چینگ به خوبی در مورد این که چرا بسیاری از آثاری که مدت‌ها پیش نوشته شده‌اند منسوخ نمی‌شوند و بی‌زمان می‌مانند، صحبت کرد: «اگر کتابی که مدت‌ها پیش نوشته شده است، هنوز زنده است، به این معنی که باید از حالت بسیار عمیق نوشته شده باشد و به چیزی بی زمان اشاره دارد. اگر از وضعیت عمیق و بی‌زمان نویسنده‌اش نوشته نمی‌شد و نشان نمی‌داد که بی‌زمان است، کتابی که 2500 سال پیش نوشته شده بود اکنون بی‌ربط، بی‌معنا، نامفهوم بود. برخی از کتاب‌هایی که 20 سال پیش نوشته شده‌اند، قدیمی هستند. یا اگر روزنامه های دیروز را می خوانید، قبلاً قدیمی شده اند. برای اینکه چیزی هنوز برای بسیاری از مردم معاصر، مهم و عمیقاً معنادار باشد، باید چیزی در آن وجود داشته باشد که فراتر از زمان باشد. ... این کتاب ابزاری است که به ما کمک می کند خودمان و ارتباطمان، ارتباط با کل بی حد و حصر، با جهان را کشف کنیم.»

به همین دلیل است که انسان در تماس با یک اثر هنری دچار دگرگونی می شود. او لاغرتر می شود، نرم تر می شود، به طبیعت واقعی خود نزدیک تر می شود. یک چیز نادرست و سطحی از بین می رود. انرژی های سرکوب شده (آرزوهای سرکوب نشده برآورده نشده و غیره) که فرد با زندگی بر اساس الگوها و قوانین اجتماعی به اعماق خود رانده است، به سطح می آیند و فرآیند تهذیب نفس فعال می شود. فردی که تحت تأثیر یک اثر هنری است نه تنها خود را تغییر می دهد، بلکه با الهام گرفتن، شروع به تغییر دنیای اطراف خود می کند و واقعیت جدیدی را شکل می دهد. او گاهی اوقات این کار را کاملاً بدون توجه خودش انجام می دهد، به سادگی با یک نگاه، ژست، لحن هنگام برقراری ارتباط با دوستان. یا شاید خودش یک اثر هنری خلق می کند.

این عمیق ترین و واقعی ترین هدف هنر است. انسان با فرار از خود کاذب و شرایط کاذبی که به ناچار شخصیت کاذب در آن قرار می گیرد، خود واقعی خود را لمس می کند. حقیقت ساده را احساس می کند. این جوهر دینی اصیل هنر است. مردم بدوی این را می دانستند. از این رو برای آنها آیین دینی و هنر از هم جدا نبود. هنر به معنای واقعی کلمه یکی از مهمترین ابزارهای آفرینش جهان است. چگونه خدا (خود) این جهان را از طریق مردم ایجاد می کند، چگونه بر آن تأثیر می گذارد. (این خنده دار است که در سطحی سطحی این می تواند نوعی سرگرمی به نظر برسد، مانند منحرف کردن حواس شخص از برخی "مسائل واقعا مهم و جدی!".)

همانطور که قبلاً گفتم، در زمان ما، هنر اصیل هر کجا که بخواهد نفس می کشد و اغلب از سالن های نمایشگاهی و کنسرت، گردهمایی های ادبی و دیگر «معابد زیبایی» که رسماً به رسمیت شناخته شده اند، بسیار دور است. به عنوان مثال، موجی، معلم معنوی که قبلاً ذکر شد، را می توان بزرگترین شاعر عصر ما دانست. سات‌سانگ‌های او بداهه‌پردازی‌های خودانگیخته‌ای هستند که در خلال آن‌ها به کمک تصاویر، کلمات و لحن‌ها، شنوندگان را مدام در حالتی غوطه‌ور می‌کند که هیچ تفاوتی با حالتی که فرد با آثار هنری اصیل در تماس است، ندارد. بسیاری دیگر از معلمان معنوی مدرن (همان اکهارت توله، آرتور سیتا) را می توان شاعر مدرن نامید. از این گذشته، همه شاعران بزرگ همه زمان ها جز اشاره به حقیقت با کمک تصاویر، لحن ها، موسیقی کلمات برآمده از سکوت چه کردند؟

_____
* یونگ همه اینها را - خود، پرسونا، ایگو و چیزهای دیگر - اجزای آنچه او "شخصیت" می نامید در نظر گرفت، اما در اینجا من "شخصیت" را به جای پرسونا و ایگو می نامم. و من "خود" را می نامم که آنها از طریق انواع لایه ها در اطراف آن شکل می گیرند.

بله و واقعا هنر چیست؟ این یک سوال ساده است، اما چگونه می توان پاسخ آن را پیدا کرد؟ آیا می توان کار یک استاد را هنر تلقی کرد، مثلاً همان هنرمندی که تابلوهایش در موزه لوور و ارمیتاژ آویزان است؟ و چگونه می توان معیارهایی را برای آثار خاص افراد تعیین کرد تا آنها را هنر واقعی نامید؟ چگونه به این سوال پاسخ دهیم و آیا تنها یک پاسخ وجود دارد؟ من افکار و دانش خود را در این مورد بیان خواهم کرد.

«تقلید یکی از غرایز در طبیعت ماست. علاوه بر این، غریزه ای برای هماهنگی و ریتم و همچنین تناسب وجود دارد که در آن به ویژه حس ریتم بیان می شود. با شروع این موهبت طبیعی، فرد به شعر تمایل پیدا می کند تا به تدریج از بداهه های خام به هنر واقعی برود.» - ارسطو.

از قدیم الایام مردم می خواستند لحظات زندگی خود را به تصویر بکشند، چیزی به یکدیگر بگویند تا پس از آنها حداقل اثری در تاریخ باقی بماند. و این یک نوع مسابقه بود. یکی بهتر از دیگران می‌توانست از یک تکه گل نقش یک دختر را بسازد، دیگری از یک تکه سنگ پادشاهانی شبیه به انسان‌های زنده به دنیا آورد. مردم خلق می کردند، تکه ای از روح خود را در کار خود می گذاشتند و هر روز مهارت های خود را بیشتر و بیشتر می کردند.

پایه های هنر توسط امپراتوری های بزرگی مانند مصر، بابل، ایران، هند، چین، یونان، روم ایجاد شد. هر یک از این امپراتوری ها به طور مستقیم به هنر کمک کردند. یونانی ها لحن را برای اندام زیبا و مردانه و وضعیت آن تعیین می کردند. و در قرن نوزدهم، مقایسه بین واقعی و مخلوق شروع به هنر تلقی کرد.

این مفهوم به خودی خود بسیار گسترده و بسیار متنوع است، از کسانی شروع می‌شود که شب‌ها به خیابان‌ها می‌روند و روی دیوار خانه‌ها خلق می‌کنند، تا افرادی با دمپایی و تاکسدو که در مقابل تماشاگران با پیانوی براق اجرا می‌کنند. هیچ کس نمی تواند به وضوح مرزها را مشخص کند و به این سؤال پاسخ دهد. فقط می توان آن را کمی به عنوان سنتی و مدرن طبقه بندی کرد. با سبک، جایی که کارگردانی می شود، چه هنرمند باشد و چه نویسنده.

هنر چند وجهی است. و آن گرافیتی هایی که در باران خیس می شوند ممکن است روزی به سنت تبدیل شوند، و حتی اکنون نیز افرادی هستند که آن را دوست دارند. هنر نوعی فرآیند خلاقانه است. و هر آفرینش انسانی را می توان هنر نامید، تنها چیزی که ممکن است مردم قدر آن را ندانند. با گفتن این که این یک حرف بیهوده معمولی است.

بسیاری از هنرمندان سعی کردند چیز جدیدی را وارد پایه های موجود کنند و سعی کردند چیزی خلق کنند که در دسترس همگان باشد و برای یک حلقه خاص ارزش مادی نداشته باشد. برای خلق چیزی که بتواند به همه هماهنگی بدهد. اینگونه بود که جنبشی مانند مفهوم گرایی ظاهر شد، هنری که نیاز به درک دارد.

بنابراین، هر چیزی را که روح انسان می تواند تحسین کند، می توان هنر نامید، حتی اگر موسیقی کامپیوتری یا باله، اپرا باشد، مهم نیست. نکته اصلی این است که به شخص الهام می بخشد، به او کمک می کند خلاقانه فکر کند و لبخندی بر لبانش می آورد، هرچند احمقانه، اما هر چیزی که روح را خوشحال می کند هنر است. اما همیشه در مورد اینکه چه چیزی "زیبا" است، چه چیزی هنر است، اختلاف نظر وجود دارد.