آثار اپرایی آهنگسازان روسی قرن نوزدهم. اپرای روسی آغاز موسیقی سمفونیک روسی

امروزه تعداد کمی از تئاترها بدون رپرتوار روسی کار می کنند: آنها اپرای کلاسیک پیوتر چایکوفسکی و نیکولای ریمسکی-کورساکوف، مودست موسورگسکی و ایگور استراوینسکی، سرگئی پروکوفیف و دیمیتری شوستاکوویچ را روی صحنه می برند. پورتال "Culture.RF" پوسترهای سال های مختلف را در جستجوی آثار خانگی مورد علاقه غرب - از قرن نوزدهم تا امروز - مطالعه کرد.

قرن 19

در سال 1844، در تئاتر سلطنتی درسدن، مدیر کلیسای آواز دربار سنت پترزبورگ، آهنگساز الکسی لووف، اپرای "بیانکا و گوالتیرو" را ارائه کرد. 10 سال بعد، اپرای آنتون روبینشتاین "شکارچیان سیبری" در وایمار به رهبری آهنگساز و پیانیست مشهور فرانتس لیست نمایش داده شد. اینها اولین اپراهایی بودند که در خارج از کشور به رسمیت شناخته شدند. درست است، روبینشتاین امروز برای اپرای دیگر - "دیو" و لووف - به عنوان نویسنده سرود "خدایا تزار را نجات بده!"

تا پایان قرن نوزدهم، موسیقی روسی تقریباً در تمام سالن های اصلی اروپا و ایالات متحده اجرا می شد - میخائیل گلینکا، آنتون روبینشتاین و پیوتر چایکوفسکی چهره آن در غرب شدند. تماشاگران اروپایی آثار گلینکا "یک زندگی برای تزار" و "روسلان و لیودمیلا" را به ترتیب در سال‌های 1866 و 1867 دیدند - این اجراها در پراگ برگزار شد. در دهه 1880-1890، اولین نمایش اروپایی اپراهای پیوتر چایکوفسکی "خدمتکار اورلئان"، "یوجین اونگین" و "ملکه بیل" در آنجا برگزار شد.

«گلینکا، مانند بورتنیانسکی، با باسورمن ها درس می خواند... اما فقط در اشکال. روح درونی خلاقیت های او، محتوای موسیقی او کاملاً بدیع است. گلینکا واقعاً اپرای روسی نوشت و یک مکتب موسیقی کاملاً جدید، اگر نگوییم، حداقل مدرسه کوچکی ایجاد کرد، که من به حوزه آن تعلق دارم و مخلوق گلینکا هستم.

پیوتر چایکوفسکی. از نامه ای به ناشر پیتر یورگنسون

در سال 1887، اپرای نرو اثر آنتون روبینشتاین در نیویورک اجرا شد. و یک سال بعد، با وجود سنت ترجمه لیبرتو، "دیو" او به صورت اصلی در لندن اجرا شد.

1900-1930

در 5 مارس 1910، اپرای متروپولیتن نیویورک، ملکه بیل چایکوفسکی را برای اولین بار در آمریکا به زبان آلمانی ارائه کرد. اولین نمایش توسط آهنگساز اتریشی گوستاو مالر انجام شد و نقش های اصلی توسط ستارگان آن زمان - لئو اسلزاک و امی دستین انجام شد. در سال 1913، اپرای مودست موسورگسکی "بوریس گودونوف" در متروپولیتن و در سال 1917 "شاهزاده ایگور" توسط الکساندر بورودین اجرا شد. در سال 1920، یوجین اونگین به مردم نیویورک - به زبان ایتالیایی و با ستاره های ایتالیایی کلودیا موزیو و جوزپه دی لوکا - ارائه شد. تماشاگران اروپایی همچنین دوشیزه برفی نیکولای ریمسکی-کورساکوف و اپرای کمیک سورچینسکایا موسورگسکی را تماشا کردند.

در همان زمان ، موسیقی روسی جشنواره جوان سالزبورگ را که قبلاً شهرت اروپایی پیدا کرده بود فتح کرد: در سال 1928 ، هیئتی از لنینگراد به شهر موتزارت آمد. نیکلای چسنوکوف خواننده اپرا نقش پانکراسیو را در اپرای کمیک مدرن "غار سالامانکا" اثر آهنگساز اتریشی برنهارد پاومگارتنر اجرا کرد. لیبرتو به زبان روسی برای اپرا توسط کارگردان و تنور شوروی امانوئل کاپلان نوشته شده است. او همچنین نقش کشچی را در اپرای «کاشچی جاودانه» ریمسکی-کورساکوف اجرا کرد و «مهمان سنگی» اثر الکساندر دارگومیژسکی را روی صحنه برد. نقش کشچیونا در جشنواره سالزبورگ 1928 توسط ستاره آینده تئاتر آکادمیک اپرا و باله (امروزه مارینسکی) سوفیا پرئوبراژنسکایا اجرا شد.

1930-1990s

علیرغم جنگ های جهانی و پرده آهنین، باله ها و موسیقی آهنگسازان روسی در طول قرن بیستم همچنان در صحنه های خارجی ظاهر می شدند. اما با اپراها متفاوت بود: از دهه 1930 تا 1990، آنها عملاً در تئاترهای اروپایی اجرا نمی شدند - فقط نمایش های محبوب به صحنه می رفتند. به عنوان مثال، آنها در سالزبورگ بوریس گودونوف را به کارگردانی مدیر جشنواره هربرت فون کارایان اجرا کردند: این اپرا برای سه سال متوالی - از 1965 تا 1967 اجرا شد. نیکولای گیاوروف باس بلغاری در نقش اصلی درخشید، در حالی که تنور تئاتر بولشوی، الکسی ماسلنیکوف، نقش مدعی - گریگوری اوترپیف را بازی کرد. در سال 1971، ضبطی از "بوریس گودونوف" تحت رهبری رهبر ارکستر اتریشی با ماسلنیکوف در نقش احمق مقدس و گالینا ویشنفسکایا در نقش مارینا منیشچ منتشر شد. دفعه بعد که جشنواره سالزبورگ اپرای روسی را ارائه کرد فقط در سال 1994 بود - و دوباره "بوریس گودونوف" بود.

اغلب در طول جنگ سرد، تئاتر اصلی آمریکا، اپرای متروپولیتن، به میراث روسیه روی آورد. او چندین بار فصل را با عناوین روسی باز کرد: در سال های 1943 و 1977 - "بوریس گودونوف"، در سال های 1957 و 2013 - "یوجین اونگین". در سال 1950، خوانشچینا اثر مودست موسورگسکی در اینجا به روی صحنه رفت، البته به زبان انگلیسی. مناظر این اجرا توسط هنرمند مشهور مهاجر روسی، مستیسلاو دوبوژینسکی ساخته شده است.

تئاتر می خواست اپراها را به زبان اصلی روی صحنه ببرد، اما خوانندگان رده بالای روسی زبان در غرب وجود نداشت و بازدیدهای یکباره تکنوازان تئاتر بولشوی تصویر کلی را تغییر نداد.

زبان روسی مشکل خاصی ایجاد می کند زیرا صدای روسی با ایتالیایی، فرانسوی یا آلمانی متفاوت است. آواز روسی دارای طنین خاصی است که وقتی به درستی اجرا شود در سینه طنین انداز می شود، انگار از اعماق زمین به نظر می رسد.

استیو کوهن. «منتقد فرهنگی»

و با این حال، در سال 1972، "ملکه بیل" با لیبرتو اصلی اجرا شد. در این اجرا تنور سوئدی با ریشه روسی نیکولای گدا و سوپرانوی بلغاری راینا کابایوانسکا به نمایش درآمد. اولین معلم زبان روسی در اپرای متروپولیتن خواننده سابق گئورگی چخانوفسکی بود. او بر تلفظ، آواز و طراحی صحنه نظارت داشت.

در سال 1974، بوریس گودونوف به زبان روسی آزاد شد. رقص پولونیز برای نمایش لهستانی توسط یک بومی سن پترزبورگ، بنیانگذار باله آمریکایی، طراح رقص جورج بالانچین انجام شد. از سال 1977، متروپولیتن در سال 1979 "یوجین اونگین" را به زبان روسی می خواند، نقش های اصلی در این اجرا توسط تکنوازان تئاتر بولشوی ماکولا کسراشویلی و یوری مازوروک اجرا شد. در سال 1364 خوانشچینا با زبان اصلی خود به صحنه بازگشت.

زمان جدید

پس از سال 1991، «قمارباز» سرگئی پروکوفیف، «کوکر طلایی» و «موتسارت و سالیری» نیکلای ریمسکی-کورساکوف، «الکو»، «شوالیه خسیس» و «فرانچسکا دا ریمینی» ساخته سرگئی راخمانینوف، «افسونگر» ” بیشتر و بیشتر در پوسترهای اروپایی ظاهر می شود » پیوتر چایکوفسکی.

رپرتوار اپرای متروپولیتن نیز با عناوین جدیدی پر شده است: اپراهای شوستاکوویچ لیدی مکبث از متسنسک و دماغ، قمارباز و جنگ و صلح پروکوفیف، مازپا و ایولانتا اثر چایکوفسکی. تقریباً در تمام نمایشهای "روسی" رهبر ارکستر تئاتر ماریینسکی والری گرگیف و تکنوازانی از سن پترزبورگ حضور داشتند.

در سال 2002، تئاتر ماریینسکی و اپرای متروپولیتن تولید مشترکی از اپرای جنگ و صلح را در نسخه ای به کارگردانی آندری کنچالوفسکی ایجاد کردند. سپس تماشاگران و منتقدان تحت تأثیر آنا نتربکو جوان در نقش ناتاشا روستوا قرار گرفتند. بخشی از آندری بولکونسکی توسط دیمیتری هووروستوفسکی اجرا شد. در سال 2014، برای اولین بار از زمان اولین نمایش در نیویورک در سال 1917، اپرای بورودین "شاهزاده ایگور" در اینجا به روی صحنه رفت. کارگردان آن دیمیتری چرنیاکوف بود و نقش اصلی را ایلدار آبدرازاکوف، باس تئاتر ماریینسکی ایفا کرد.

طی 20 سال گذشته، جشنواره سالزبورگ اپراهای روسی بسیاری را ارائه کرده است: "بوریس گودونف" و "خوانشچینا" موسورگسکی، "یوجین اونگین"، "ملکه بیل" و "مازپا" اثر چایکوفسکی، "جنگ و صلح" اثر پروکوفیف، «بلبل» نوشته استراوینسکی. در تابستان 2017 اپرای دیمیتری شوستاکوویچ "لیدی مکبث متسنسک" برای اولین بار در سالزبورگ به نمایش درآمد و در آگوست 2018 "ملکه بیل" برای دومین بار در تاریخ جشنواره به روی صحنه می رود. در این فصل اپرای دولتی وین در حال اجرای خوانشچینا، یوجین اونگین و قمارباز است.

نمایشنامه های روسی نیز در اپرای ملی پاریس به روی صحنه می روند. در بهار 2017، دیمیتری چرنیاکوف کارگردان روسی نمایش The Snow Maiden اثر ریمسکی-کورساکوف را که به ندرت در اروپا اجرا می شود، برای پاریسی ها افتتاح کرد، و یک سال قبل از آن، نقطه برجسته فصل در اینجا اجرای چرنیاکوف در کنار موسیقی چایکوفسکی بود - اپرا ایولانتا و باله. فندق شکن که در یک شب اجرا شد - هر دو در سال 1892 به نمایش درآمدند.

در ژوئن 2018، اپرای پاریس خوانش جدیدی از "بوریس گودونوف" به کارگردانی کارگردان مشهور بلژیکی ایوو ون هوو را ارائه خواهد کرد و در فصل 2019/20 اولین نمایش "شاهزاده ایگور" به کارگردانی بری کوسکی استرالیایی انجام خواهد شد. .

با این حال، تاریخ اپرا در کشور ما به عنوان یک ژانر موزیکال و دراماتیک که از غرب آمده است مدت ها قبل از تولید "یک زندگی برای تزار" ("ایوان سوزانین") توسط M.I. Glinka، اولین اپرای کلاسیک روسی، آغاز شد. برای اولین بار در 27 نوامبر 1836 اکران شد.

اگر سعی کنید، آغاز اپرای روسی را می‌توان در دوران باستان یافت، زیرا عنصر موسیقی و نمایش در آیین‌های عامیانه روسیه، مانند مراسم عروسی، رقص‌های دور، و همچنین رویدادهای کلیسا در روسیه قرون وسطی، ذاتی است. پیش نیازهای ظهور اپرای روسی را در نظر گرفت. با دلایلی حتی بیشتر، می توان خاستگاه اپرای روسی را در اجراهای معنوی مردمی قرن 16 و 17، در نمایش های مدرسه ای آکادمی های کیف و مسکو بر اساس موضوعات کتاب مقدس مشاهده کرد. همه این عناصر موسیقایی و تاریخی در آثار آهنگسازان اپرای روسی آینده منعکس خواهد شد.

در 17 اکتبر 1672 اولین اجرای "استر" ("عمل ارتشیرشا") توسط یوهان گوتفرید گرگوری اجرا شد که ده ساعت تا صبح به طول انجامید. موسیقی در این عمل دخیل بود - ارکستری متشکل از آلمانی‌ها و مردم حیاط که «ارگ‌ها، ویولن‌ها و سایر سازها» را می‌نواختند، شاید گروه‌های کر متشکل از «کارمندان آواز مستقل» نیز در این نمایش شرکت کردند. تزار مسحور شد ، با همه شرکت کنندگان در اجرا با مهربانی رفتار شد ، سخاوتمندانه پاداش گرفتند و حتی به آنها اجازه داده شد دست تزار را ببوسند - "آنها در دست حاکم بزرگ بودند" ، برخی رتبه ها و حقوق دریافت کردند ، خود گریگوری برای یکی چهل سمور دریافت کرد. صد روبل (میزان خزانه خز).

نمایشنامه های بعدی گریگوری در مسکو در اتاق های کرملین اجرا شد، تماشاگران نزدیکان تزار بودند: پسران، اوکلنیچی، اشراف، منشی ها. مکان های خاصی برای ملکه و شاهزاده خانم ها وجود داشت که با حصاری زیبا حصارکشی شده بود تا برای عموم قابل مشاهده نباشد. اجراها از ساعت 22 شروع شد و تا صبح ادامه داشت. اگر در "قانون ارتشیر" مشارکت موسیقی نسبتاً تصادفی بود ، در سال 1673 نمایشنامه ای کاملاً مشابه اپرا روی صحنه ظاهر شد. به احتمال زیاد، این بازسازی لیبرتو اپرای یوریدیک رینوچینی بود که یکی از اولین اپراها بود و به طور گسترده در سراسر اروپا در اقتباس های متعدد توزیع شد.

یوهان گرگوری حتی یک مدرسه تئاتر را در سال 1673 تأسیس کرد که در آن 26 کودک طبقه متوسط ​​"کمدی" می خواندند. با این حال، در سال 1675، گرگوری بیمار شد و برای معالجه به سرزمین های آلمان رفت، اما به زودی در شهر مرسربورگ درگذشت و در آنجا به خاک سپرده شد و مدرسه تئاتر تعطیل شد. پس از مرگ تزار الکسی میخائیلوویچ در سال 1676، تزار جدید فئودور آلکسیویچ هیچ علاقه ای به تئاتر نشان نداد، حامی اصلی آرتامون ماتویف در Pustozersk به تبعید فرستاده شد و تئاترها برچیده شدند. عینک متوقف شد، اما این فکر باقی ماند که این کار جایز است، زیرا خود حاکم با آن سرگرم شده بود.

گرگوری که بیشتر عمر خود را در روسیه گذرانده بود، از روندهای مدرن تئاتر عقب ماند و کمدی هایی که او به صحنه می برد منسوخ شده بود، با این حال، آغاز هنر نمایشی و اپرا در روسیه آغاز شد. جذابیت بعدی تئاتر و احیای آن بیست و پنج سال بعد، در زمان پیتر اول اتفاق افتاد.

چهار قرن از آن زمان می گذرد، اما اپرا هنوز یکی از محبوب ترین ژانرهای موسیقی محسوب می شود. درک موسیقی اپرا برای همه قابل دسترسی است، این با کلمات و کنش های صحنه ای کمک می کند، و موسیقی تاثیرات درام را تقویت می کند و با لاکونیسم ذاتی خود آنچه را که گاهی انتقال آن در کلمات دشوار است، بیان می کند.

در حال حاضر، اپراهای S. M. Slonimsky، R. K. Shchedrin، L. A. Desyatnikov، V. A. Kobekin، A. V. Tchaikovsky مورد توجه عموم مردم روسیه هستند - اگرچه دشوار هستند، اما می توان آنها را با خرید بلیط تئاتر بولشوی تماشا کرد. معروف ترین و محبوب ترین تئاتر در کشور ما، البته، تئاتر بولشوی است - یکی از نمادهای اصلی دولت ما و فرهنگ آن. هنگامی که به بولشوی رفتید، می توانید به طور کامل اتحاد موسیقی و نمایش را تجربه کنید.

کنستانتین کورووین، هنرمند و نویسنده روسی.
بوریس گودونوف. تاج گذاری. 1934. طراحی صحنه برای اپرای M. P. Mussorgsky "Boris Godunov"

اپرای روسی که به عنوان تقلیدی از مدل های غربی سرچشمه گرفته است، بیشترین سهم را در خزانه کل فرهنگ جهانی داشته است. اپرای روسی در قرن نوزدهم که در دوران شکوفایی کلاسیک اپرای فرانسوی، آلمانی و ایتالیایی ظاهر شد، نه تنها با مکاتب کلاسیک کلاسیک اپرای ملی روبرو شد، بلکه از آنها نیز پیشی گرفت. جالب است که آهنگسازان روسی به طور سنتی موضوعاتی با ماهیت صرفاً عامیانه برای آثار خود انتخاب می کردند.

1

«زندگی برای تزار» اثر گلینکا

اپرای "یک زندگی برای تزار" یا "ایوان سوزانین" در مورد وقایع سال 1612 می گوید - مبارزات لهستانی اشراف علیه مسکو. نویسنده لیبرتو بارون یگور روزن بود، با این حال، در زمان شوروی، به دلایل ایدئولوژیک، سردبیری لیبرتو به سرگئی گورودتسکی سپرده شد. این اپرا در سال 1836 در تئاتر بولشوی در سن پترزبورگ به نمایش درآمد. برای مدت طولانی، فئودور شالیاپین نقش سوزانین را بازی کرد. پس از انقلاب، "زندگی برای تزار" صحنه شوروی را ترک کرد. تلاش هایی برای انطباق طرح با الزامات زمان جدید وجود داشت: اینگونه بود که سوزانین در Komsomol پذیرفته شد و خطوط پایانی مانند "شکوه، شکوه، سیستم شوروی" به نظر می رسید. به لطف گورودتسکی، زمانی که اپرا در تئاتر بولشوی در سال 1939 روی صحنه رفت، "نظام شوروی" با "مردم روسیه" جایگزین شد. از سال 1945، تئاتر بولشوی به طور سنتی فصل را با تولیدات مختلف ایوان سوزانین اثر گلینکا باز کرده است. بزرگترین تولید اپرا در خارج از کشور شاید در لا اسکالا در میلان انجام شد.

2

«بوریس گودونف» اثر موسورسکی

اپرا که در آن تزار و مردم به عنوان دو شخصیت انتخاب می شوند، توسط موسورگسکی در اکتبر 1868 آغاز شد. آهنگساز برای نوشتن لیبرتو از متن تراژدی پوشکین به همین نام و مطالبی از "تاریخ دولت روسیه" کارامزین استفاده کرد. موضوع اپرا دوران سلطنت بوریس گودونوف درست قبل از "زمان مشکلات" بود. موسورگسکی اولین نسخه اپرای بوریس گودونوف را در سال 1869 تکمیل کرد که به کمیته تئاتر اداره تئاترهای امپراتوری ارائه شد. با این حال، منتقدان اپرا را رد کردند و به دلیل نداشتن نقش قوی زن از اجرای آن خودداری کردند. موسورگسکی عمل "لهستانی" رابطه عاشقانه بین مارینا منیژک و دیمیتری دروغین را وارد اپرا کرد. او همچنین یک صحنه تاریخی از یک قیام مردمی را اضافه کرد که پایان را تماشایی تر کرد. با وجود تمام تنظیمات، اپرا دوباره رد شد. تنها 2 سال بعد در سال 1874 روی صحنه تئاتر ماریینسکی به روی صحنه رفت. این اپرا در خارج از کشور در تئاتر بولشوی در اپرای بزرگ پاریس در 19 می 1908 به نمایش درآمد.

3

"ملکه بیل" اثر چایکوفسکی

این اپرا توسط چایکوفسکی در اوایل بهار 1890 در فلورانس به پایان رسید و اولین تولید در دسامبر همان سال در تئاتر مارینسکی در سن پترزبورگ انجام شد. این اپرا توسط آهنگساز بنا به درخواست تئاتر امپراتوری نوشته شد و برای اولین بار چایکوفسکی از پذیرش سفارش امتناع کرد، با این استدلال که امتناع او به دلیل عدم وجود "حضور مناسب صحنه" در طرح بود. جالب است که در داستان پوشکین شخصیت اصلی نام خانوادگی هرمان را دارد (با دو "n" در پایان) و در اپرا شخصیت اصلی مردی به نام هرمان می شود - این یک اشتباه نیست، بلکه یک تغییر عمدی نویسنده است. در سال 1892، این اپرا برای اولین بار در خارج از روسیه در پراگ به روی صحنه رفت. بعدی - اولین تولید در نیویورک در سال 1910 و اولین نمایش در لندن در سال 1915.

4

"شاهزاده ایگور" بورودین

اساس این لیبرتو بنای یادبود ادبیات باستانی روسیه "داستان مبارزات ایگور" بود. ایده این طرح توسط منتقد ولادیمیر استاسوف در یکی از شب های موسیقی شوستاکوویچ به بورودین پیشنهاد شد. این اپرا در طول 18 سال ساخته شد، اما هرگز توسط آهنگساز تکمیل نشد. پس از مرگ بورودین، کار بر روی این اثر توسط گلازونف و ریمسکی-کورساکوف تکمیل شد. عقیده ای وجود دارد که گلازونف توانست اورتور اپرا را که زمانی در اجرای نویسنده شنیده بود از حافظه بازسازی کند ، با این حال خود گلازونف این نظر را رد کرد. علیرغم این واقعیت که گلازونوف و ریمسکی-کورساکوف بیشتر کار را انجام دادند، آنها اصرار داشتند که شاهزاده ایگور کاملاً اپرایی از الکساندر پورفیریویچ بورودین است. این اپرا در سال 1890 در تئاتر ماریینسکی سن پترزبورگ به نمایش درآمد و 9 سال بعد توسط تماشاگران خارجی در پراگ دیده شد.

5

"خروس طلایی" اثر ریمسکی-کورساکوف

اپرای "خروس طلایی" در سال 1908 بر اساس افسانه پوشکین به همین نام نوشته شد. این اپرا آخرین اثر ریمسکی-کورساکوف بود. تئاترهای امپراتوری از اجرای اپرا خودداری کردند. اما به محض اینکه بیننده برای اولین بار آن را در سال 1909 در خانه اپرای مسکو سرگئی زیمین دید، این اپرا یک ماه بعد در تئاتر بولشوی روی صحنه رفت و سپس راهپیمایی پیروزمندانه خود را در سراسر جهان آغاز کرد: لندن، پاریس، نیویورک، برلین، وروتسواف

6

«بانوی مکبث متسنسک» اثر شستاکوویچ

این اپرا بر اساس داستان لسکوف به همین نام در دسامبر 1930 به پایان رسید و اولین بار در ژانویه 1934 در تئاتر میخائیلوفسکی لنینگراد به روی صحنه رفت. در سال 1935، این اپرا در کلیولند، فیلادلفیا، زوریخ، بوئنوس آیرس، نیویورک، لندن، پراگ و استکهلم به تماشاگران نمایش داده شد. در نیمه دوم دهه 30 تا دهه 50، تولید اپرا در روسیه ممنوع شد و خود شستاکوویچ توسط رهبری حزب کمونیست این کشور محکوم شد. این اثر به‌عنوان «آشفتگی به‌جای موسیقی»، «عمداً به‌هم ریخته‌شده» توصیف شد و به عنوان انگیزه‌ای برای آزار و اذیت آهنگساز عمل کرد. تولیدات در روسیه تنها در سال 1962 از سر گرفته شد، اما تماشاگران اپرایی به نام کاترینا ایزمایلووا را دیدند.

7

"مهمان سنگی" نوشته دارگومیژسکی

ایده اپرا با الکساندر دارگومیژسکی در سال 1863 آغاز شد. با این حال، آهنگساز در موفقیت آن تردید داشت و کار را به عنوان "هوش" خلاقانه، "سرگرمی با دون خوان پوشکین" در نظر گرفت. او برای متن پوشکین "مهمان سنگی" موسیقی نوشت بدون اینکه حتی یک کلمه از آن را تغییر دهد. اما مشکلات قلبی به آهنگساز اجازه نداد کار را تمام کند. او درگذشت و از دوستانش کوی و ریمسکی-کورساکوف خواست که کار را در وصیت نامه او تکمیل کنند. این اپرا برای اولین بار در سال 1872 در تئاتر ماریینسکی در سن پترزبورگ به تماشاگران ارائه شد. اولین نمایش خارجی تنها در سال 1928 در سالزبورگ برگزار شد. این اپرا به یکی از "سنگ های بنیانگذار" تبدیل شده است، بدون دانش آن، درک نه تنها موسیقی کلاسیک روسیه، بلکه همچنین فرهنگ عمومی کشور ما غیرممکن است.

مکتب آهنگسازی روسیه که ادامه سنت‌های آن مکاتب شوروی و روسی امروزی بود، در قرن نوزدهم با آهنگسازانی آغاز شد که هنر موسیقی اروپایی را با ملودی‌های عامیانه روسی ترکیب کردند و فرم اروپایی و روح روسی را به هم پیوند زدند.

در مورد هر یک از این افراد مشهور می توان گفت که همه آنها سرنوشت های سخت و گاه غم انگیزی دارند، اما در این بررسی سعی کردیم به شرح مختصری از زندگی و آثار آهنگسازان بپردازیم.

1. میخائیل ایوانوویچ گلینکا

(1804-1857)

میخائیل ایوانوویچ گلینکا در هنگام آهنگسازی اپرای "روسلان و لیودمیلا". 1887، هنرمند ایلیا افیموویچ رپین

"برای خلق زیبایی، خودت باید از نظر روحی پاک باشی."

میخائیل ایوانوویچ گلینکا بنیانگذار موسیقی کلاسیک روسیه و اولین آهنگساز کلاسیک روسی است که به شهرت جهانی دست یافت. آثار او بر اساس سنت‌های چند صد ساله موسیقی فولکلور روسیه، واژه جدیدی در هنر موسیقی کشور ما بود.

او در استان اسمولنسک به دنیا آمد و تحصیلات خود را در سن پترزبورگ گذراند. شکل گیری جهان بینی و ایده اصلی کار میخائیل گلینکا با ارتباط مستقیم با شخصیت هایی مانند A.S. انگیزه خلاقانه کار او با سفر طولانی مدت به اروپا در اوایل دهه 1830 و ملاقات با آهنگسازان برجسته آن زمان - وی. بلینی، جی. دونیزتی، ف. مندلسون و بعدها با جی. برلیوز، جی. مایربیر.

موفقیت برای M.I در سال 1836، پس از تولید اپرای "ایوان سوزانین" ("زندگی برای تزار") که برای اولین بار در موسیقی جهانی، هنر کرال روسی و سمفونیک و اپرا اروپایی مورد استقبال قرار گرفت تمرین به طور ارگانیک ترکیب شد و قهرمانی مانند سوزانین نیز ظاهر شد که تصویر او بهترین ویژگی های شخصیت ملی را خلاصه می کند.

وی.

اپرای دوم حماسه "روسلان و لیودمیلا" (1842) است که اثری بر روی آن در پس زمینه مرگ پوشکین انجام شد و در شرایط دشوار زندگی آهنگساز به دلیل ماهیت عمیقاً مبتکرانه کار به طور مبهم مورد استقبال قرار گرفت. توسط مخاطبان و مقامات، و تجربه های سختی را برای M.I. پس از آن، او بسیار سفر کرد، به طور متناوب در روسیه و خارج از کشور زندگی کرد، بدون اینکه آهنگسازی را متوقف کند. میراث او شامل آثار عاشقانه، سمفونیک و مجلسی است. در دهه 1990، "آواز میهنی" میخائیل گلینکا سرود رسمی فدراسیون روسیه بود.

نقل قول در مورد M.I."کل مدرسه سمفونیک روسیه، مانند یک درخت بلوط در بلوط، در فانتزی سمفونیک "کامارینسکایا" گنجانده شده است. پی.آی.چایکوفسکی

حقیقت جالب:میخائیل ایوانوویچ گلینکا از سلامت خوبی برخوردار نبود، با وجود این، او بسیار راحت بود و جغرافیا را به خوبی می دانست، شاید اگر آهنگساز نمی شد، مسافر می شد. او شش زبان خارجی از جمله فارسی می دانست.

2. الکساندر پورفیریویچ بورودین

(1833-1887)

الکساندر پورفیریویچ بورودین، یکی از آهنگسازان برجسته روسی نیمه دوم قرن نوزدهم، علاوه بر استعداد خود در آهنگسازی، شیمیدان، دکتر، معلم، منتقد و دارای استعداد ادبی بود.

متولد سن پترزبورگ، از دوران کودکی همه اطرافیانش به فعالیت، اشتیاق و توانایی های غیرمعمول او در زمینه های مختلف، به ویژه در موسیقی و شیمی اشاره کردند.

A.P. Borodin یک آهنگساز روسی است که او معلمان حرفه ای موسیقی نداشته است.

شکل گیری A.P. Borodin تحت تأثیر کار M.I. گلینکا (در واقع همه آهنگسازان روسی قرن 19) و انگیزه مطالعه فشرده آهنگسازی در اوایل دهه 1860 توسط دو رویداد ایجاد شد - اولاً آشنایی و ازدواج او با پیانیست با استعداد E.S M.A. Balakirev و پیوستن به جامعه خلاق آهنگسازان روسی، معروف به "Mighty Handful".

در اواخر دهه 1870 و 1880، A.P. Borodin سفر و تورهای زیادی در اروپا و آمریکا کرد، با آهنگسازان برجسته زمان خود ملاقات کرد، شهرت او افزایش یافت، او در اواخر قرن نوزدهم به یکی از مشهورترین و محبوب ترین آهنگسازان روسی در اروپا تبدیل شد. قرن.

جایگاه مرکزی در کار A.P. Borodin توسط اپرای "شاهزاده ایگور" (1869-1890) اشغال شده است که نمونه ای از یک حماسه قهرمانانه ملی در موسیقی است و خود او وقت نداشت که آن را تکمیل کند (آن را تکمیل کرد. دوستانش A.A. Glazunov و N.A. Rimsky-Korsakov). در "شاهزاده ایگور"، در پس زمینه تصاویر باشکوه وقایع تاریخی، ایده اصلی کل کار آهنگساز منعکس شده است - شجاعت، عظمت آرام، اشراف معنوی بهترین مردم روسیه و قدرت قدرتمند کل مردم روسیه. ، در دفاع از میهن خود تجلی یافته است.

علیرغم این واقعیت که A.P. Borodin تعداد نسبتاً کمی از آثار خود را به جا گذاشته است، آثار او بسیار متنوع است و او را یکی از پدران موسیقی سمفونیک روسیه می دانند که بر نسل های زیادی از آهنگسازان روسی و خارجی تأثیر گذاشته است.

نقل قول در مورد A.P. Borodin:استعداد بورودین در سمفونی، اپرا و رمانس به همان اندازه قدرتمند و شگفت انگیز است. ویژگی‌های اصلی آن قدرت و وسعت غول‌پیکر، گستره عظیم، سرعت و شتاب، همراه با شور، لطافت و زیبایی شگفت‌انگیز است. V.V. Stasov

حقیقت جالب:واکنش شیمیایی نمک‌های نقره اسیدهای کربوکسیلیک با هالوژن‌ها، که منجر به تولید هیدروکربن‌های هالوژنه می‌شود، که او اولین کسی بود که در سال 1861 مطالعه کرد، به نام بورودین نامگذاری شده است.

3. مودست پتروویچ موسورگسکی

(1839-1881)

آواهای گفتار انسان، به مثابه مظاهر ظاهری اندیشه و احساس، باید بدون اغراق و خشونت، به موسیقی واقعی، دقیق، اما هنرمندانه و بسیار هنرمندانه تبدیل شود.

مودست پتروویچ موسورگسکی یکی از درخشان‌ترین آهنگسازان روسی قرن نوزدهم، یکی از اعضای گروه «مشتی توانا» است. کار نوآورانه موسورگسکی بسیار جلوتر از زمان خود بود.

در استان پسکوف به دنیا آمد. او مانند بسیاری از افراد با استعداد، از کودکی در موسیقی توانایی نشان داد، در سن پترزبورگ تحصیل کرد و طبق سنت خانواده، یک مرد نظامی بود. رویداد تعیین کننده ای که مشخص کرد موسورگسکی نه برای خدمت سربازی، بلکه برای موسیقی به دنیا آمده است، ملاقات او با M.A. Balakirev و پیوستن به "مشتی توانا" بود.

موسورگسکی فوق العاده است زیرا در آثار باشکوه خود - اپراهای "بوریس گودونوف" و "خوانشچینا" - او نقاط عطف دراماتیک تاریخ روسیه را با تازگی رادیکالی که موسیقی روسی قبلاً آن را ندیده بود در موسیقی ثبت کرد و در آنها ترکیبی از فولک توده ای را نشان داد. صحنه ها و انواع مختلفی از انواع، شخصیت منحصر به فرد مردم روسیه. این اپراها، در نسخه های متعدد هم توسط نویسنده و هم دیگر آهنگسازان، از محبوب ترین اپراهای روسی در جهان هستند.

یکی دیگر از آثار برجسته موسورگسکی، چرخه قطعات پیانو "تصاویر در یک نمایشگاه" است، مینیاتورهای رنگارنگ و مبتکرانه که با مضمون-ترفند روسی و ایمان ارتدوکسی آغشته شده است.

زندگی موسورگسکی همه چیز داشت - هم عظمت و هم تراژدی، اما او همیشه با خلوص معنوی واقعی و از خودگذشتگی متمایز بود.

سالهای آخر او دشوار بود - زندگی ناآرام، عدم شناخت خلاقیت، تنهایی، اعتیاد به الکل، همه اینها مرگ زودهنگام او را در 42 سالگی تعیین کرد، او آثار نسبتا کمی از خود به جای گذاشت که برخی از آنها توسط آهنگسازان دیگر تکمیل شد.

ملودی خاص و هارمونی نوآورانه موسورگسکی برخی از ویژگی های پیشرفت موسیقی قرن بیستم را پیش بینی کرد و نقش مهمی در شکل گیری سبک های بسیاری از آهنگسازان جهان ایفا کرد.

نقل قول در مورد M.P. Mussorgsky:"در هر چیزی که موسورگسکی آفریده صدای اصلی روسی می آید" N.K

حقیقت جالب:موسورگسکی در پایان زندگی خود، تحت فشار "دوستان" خود استاسوف و ریمسکی-کورساکوف، حق چاپ آثار خود را رد کرد و آنها را به ترتیوس فیلیپوف اهدا کرد.

4. پیوتر ایلیچ چایکوفسکی

(1840-1893)

من هنرمندی هستم که می‌توانم و باید برای وطنم افتخار بیاورم. من در خودم قدرت هنری زیادی احساس می کنم. و من می خواهم با تمام قدرت روحم این کار را انجام دهم.»

پیوتر ایلیچ چایکوفسکی، شاید بزرگترین آهنگساز روسی قرن نوزدهم، هنر موسیقی روسیه را به ارتفاعات بی سابقه ای رساند. او یکی از مهمترین آهنگسازان موسیقی کلاسیک جهان است.

چایکوفسکی که اهل استان ویاتکا است، اگرچه ریشه پدری او در اوکراین است، از کودکی توانایی های موسیقیایی خود را نشان داد، اما اولین تحصیل و کار او در زمینه فقه بود.

چایکوفسکی یکی از اولین آهنگسازان "حرفه ای" روسی بود که در کنسرواتوار جدید سنت پترزبورگ تئوری و آهنگسازی را مطالعه کرد.

چایکوفسکی برخلاف چهره های محبوب "مشت توانا" که با آنها روابط خلاقانه و دوستانه خوبی داشت، آهنگساز "غربی" در نظر گرفته می شد، اما آثار او کمتر با روح روسی آغشته نیست، او توانست به طور منحصر به فردی ترکیب کند. میراث سمفونیک غربی موتزارت، بتهوون و شومان با سنت های روسی که از میخائیل گلینکا به ارث رسیده است.

این آهنگساز زندگی فعالی داشت - او معلم، رهبر ارکستر، منتقد، چهره عمومی بود، در دو پایتخت کار کرد، در اروپا و آمریکا تور کرد.

چایکوفسکی فردی نسبتاً ناپایدار بود، اشتیاق، ناامیدی، بی تفاوتی، خلق و خوی تند، خشم شدید - همه این حالات روحی در او تغییر می کرد، او همیشه برای تنهایی تلاش می کرد.

انتخاب بهترین چیز از کار چایکوفسکی کار دشواری است که او تقریباً در همه ژانرهای موسیقی - اپرا، باله، سمفونی، موسیقی مجلسی - یکسان است. و محتوای موسیقی چایکوفسکی جهانی است: با ملودیسین تکرار نشدنی تصاویری از زندگی و مرگ، عشق، طبیعت، کودکی را در بر می گیرد، آثار ادبیات روسیه و جهان را به شیوه ای جدید نشان می دهد و فرآیندهای عمیق زندگی معنوی را منعکس می کند.

نقل قول آهنگساز:"زندگی فقط زمانی زیبایی دارد که متشکل از تناوب شادی ها و غم ها، مبارزه بین خیر و شر، نور و سایه، در یک کلام - از تنوع در وحدت باشد."

"استعداد بزرگ مستلزم کار سخت بزرگ است."

نقل قول در مورد آهنگساز: من آماده هستم که شبانه روز به عنوان نگهبان افتخار در ایوان خانه ای که پیوتر ایلیچ در آن زندگی می کند بایستم - این چقدر به او احترام می گذارم

حقیقت جالب:دانشگاه کمبریج به صورت غیابی و بدون دفاع از پایان نامه، عنوان دکترای موسیقی را به چایکوفسکی اعطا کرد و آکادمی هنرهای زیبای پاریس او را به عنوان عضو متناظر انتخاب کرد.

5. نیکولای آندریویچ ریمسکی-کورساکوف

(1844-1908)

نیکولای آندریویچ ریمسکی-کورساکوف آهنگساز با استعداد روسی، یکی از مهمترین چهره ها در خلق میراث گرانبهای موسیقی روسیه است. جهان منحصر به فرد او و پرستش زیبایی جاودانه همه جانبه جهان، تحسین معجزه هستی، وحدت با طبیعت در تاریخ موسیقی مشابهی ندارد.

او که در استان نووگورود به دنیا آمد، طبق سنت خانوادگی افسر نیروی دریایی شد و با یک کشتی جنگی به کشورهای بسیاری در اروپا و دو قاره آمریکا سفر کرد. او تحصیلات موسیقی خود را ابتدا از مادرش دریافت کرد، سپس دروس خصوصی را نزد پیانیست F. Canille گذراند. و دوباره، به لطف M.A. Balakirev، سازمان دهنده "Mighty Handful" که ریمسکی-کورساکوف را به جامعه موسیقی معرفی کرد و بر آثار او تأثیر گذاشت، جهان آهنگساز با استعدادی را از دست نداده است.

مکان مرکزی در میراث ریمسکی-کورساکوف از اپراها تشکیل شده است - 15 اثر که تنوع ژانر، سبک، دراماتیک، راه حل های آهنگسازی آهنگساز را نشان می دهد، با این وجود سبک خاصی دارد - با تمام غنای مؤلفه ارکستر، اصلی ترین آنها. خطوط آوازی ملودیک هستند.

دو جهت اصلی کار آهنگساز را متمایز می کند: اولی تاریخ روسیه است، دومی دنیای افسانه ها و حماسه ها است که به همین دلیل او لقب "داستان" را دریافت کرد.

علاوه بر فعالیت مستقیم خلاقانه مستقل خود، N.A. Rimsky-Korsakov به عنوان یک روزنامه نگار، گردآورنده مجموعه های ترانه های عامیانه، که علاقه زیادی به آن نشان داد، و همچنین به عنوان تکمیل کننده آثار دوستان خود - دارگومیژسکی، موسورگسکی و بورودین شناخته می شود. . ریمسکی-کورساکوف به عنوان معلم و مدیر کنسرواتوار سنت پترزبورگ خالق یک مدرسه آهنگسازی بود.

نقل قول در مورد آهنگساز:«ریمسکی-کورساکوف مردی بسیار روسی و آهنگساز بسیار روسی بود. من معتقدم که این ماهیت اولیه روسی آن، اساس عمیق فولکلور-روسی آن باید امروز به ویژه مورد قدردانی قرار گیرد. مستیسلاو روستروپویچ

حقایقی در مورد آهنگساز:نیکولای آندریویچ اولین درس کنترپوان خود را اینگونه آغاز کرد:

- حالا من زیاد صحبت خواهم کرد و شما با دقت گوش خواهید داد. بعد من کمتر حرف میزنم و تو گوش میکنی و فکر میکنی و بالاخره من اصلا حرف نمیزنم و تو با سر خودت فکر میکنی و مستقل کار میکنی چون وظیفه من معلمی اینه که برات غیر ضروری بشم...

نویسنده مقاله N.V. Tumanina است

اپرای روسی با ارزش ترین کمک به خزانه تئاتر موسیقی جهان است. در دوران اوج کلاسیک اپرای ایتالیایی، فرانسوی و آلمانی، اپرای روسی در قرن نوزدهم. نه تنها با دیگر مدارس ملی اپرا، بلکه از آنها نیز جلوتر بود. ماهیت چند جانبه توسعه تئاتر اپرای روسیه در قرن نوزدهم. به غنی سازی هنر واقع گرایانه جهانی کمک کرد. آثار آهنگسازان روسی حوزه جدیدی از خلاقیت اپرا را باز کردند، محتوای جدیدی را وارد آن کردند، اصول جدیدی را برای ساخت دراماتورژی موسیقی وارد کردند، هنر اپرا را به انواع دیگر خلاقیت موسیقی، در درجه اول به سمفونی نزدیکتر کردند.

تاریخ اپرای کلاسیک روسیه به طور جدایی ناپذیری با توسعه زندگی اجتماعی در روسیه، با توسعه تفکر پیشرفته روسی پیوند خورده است. اپرا قبلاً در قرن 18 با این ارتباطات متمایز شد و در دهه 70 به عنوان یک پدیده ملی ظاهر شد ، عصر توسعه روشنگری روسیه. شکل گیری مدرسه اپرای روسیه تحت تأثیر ایده های آموزشی بود که در تمایل به به تصویر کشیدن واقعی زندگی مردم بیان شد.

بنابراین، اپرای روسی از همان گام های اولیه خود به عنوان یک هنر دموکراتیک ظاهر شد. توطئه های اولین اپرای روسی اغلب ایده های ضد رعیت را مطرح می کنند که مشخصه تئاتر دراماتیک روسیه و ادبیات روسی در پایان قرن هجدهم بود. با این حال، این روندها هنوز در یک سیستم منسجم شکل نگرفته بودند، آنها به طور تجربی در صحنه هایی از زندگی دهقانان، در نشان دادن ظلم و ستم آنها توسط مالکان، در تصویری طنزآمیز از اشراف بیان می شدند. اینها توطئه های اولین اپرای روسی است: "بدبختی از مربی" اثر V. A. Pashkevich (حدود 1742-1797)، لیبرتو توسط Ya. "مربیان روی جایگاه" نوشته E. I. Fomin (1761-1800). در اپرای "میلر - یک جادوگر، یک فریبکار و یک خواستگار" با متن A. O. Ablesimov و موسیقی M. M. Sokolovsky (در ویرایش دوم - E. I. Fomin) ایده اشراف کار تیلر بیان می شود و نجیب خوار مورد تمسخر قرار می گیرد. در اپرای "سن پترزبورگ گوستینی دوور" اثر M. A. Matinsky - V. A. Pashkevich، یک وام دهنده و یک مقام رشوه گیرنده به شکل طنز به تصویر کشیده شده است.

اولین اپراهای روسی نمایشنامه هایی با اپیزودهای موزیکال در طول اکشن بودند. صحنه های گفتگو در آنها بسیار مهم بود. موسیقی اپراهای اول ارتباط نزدیکی با آهنگ های فولکلور روسی داشت: آهنگسازان به طور گسترده از ملودی های آهنگ های محلی موجود استفاده کردند، آنها را پردازش کردند و آنها را اساس اپرا ساختند. به عنوان مثال، در "میلر"، تمام ویژگی های شخصیت ها با کمک آهنگ های محلی از انواع مختلف ارائه می شود. در اپرای "سن پترزبورگ گوستینی دوور" مراسم عروسی عامیانه با دقت زیادی بازتولید شده است. فومین در «مربیان روی جایگاه» اولین نمونه اپرای کرال فولکلور را خلق کرد و از این طریق شالوده یکی از سنت‌های معمولی اپرای روسی را پی ریزی کرد.

اپرای روسی در مبارزه برای هویت ملی خود توسعه یافت. سیاست دربار سلطنتی و بالاترین جامعه نجیب، که از گروه های خارجی حمایت می کردند، علیه دموکراسی هنر روسیه بود. چهره های اپرای روسیه باید مهارت های اپرا را از نمونه هایی از اپرای اروپای غربی فرا می گرفتند و در عین حال از استقلال جهت ملی خود دفاع می کردند. این مبارزه شرط وجود اپرای روسی برای سال‌ها شد و در مراحل جدید شکل‌های جدیدی به خود گرفت.

همراه با اپرا-کمدی در قرن هجدهم. سایر ژانرهای اپرا نیز ظاهر شدند. در سال 1790، اجرائی تحت عنوان "مدیریت اولیه اولگ" برگزار شد که متن آن توسط امپراتور کاترین دوم نوشته شد و موسیقی به طور مشترک توسط آهنگسازان C. Canobbio، G. Sarti و V. A. Pashkevich ساخته شد ماهیت آن به اندازه ی اپرا نبود و تا حدودی می توان آن را اولین نمونه از ژانر موسیقی-تاریخی دانست که در قرن نوزدهم بسیار گسترده بود. در کار آهنگساز برجسته روسی D. S. Bortnyansky (1751-1825)، ژانر اپرا توسط اپرای غنایی "شاهین" و "پسر رقیب" نمایش داده می شود که موسیقی آنها از نظر توسعه فرم های اپرا و مهارت را می توان با نمونه های مدرن اپرای اروپای غربی همتراز کرد.

خانه اپرا در قرن 18 مورد استفاده قرار گرفت. بسیار محبوب. به تدریج، اپرا از پایتخت به تئاترهای املاک نفوذ کرد. تئاتر قلعه در اواخر قرن 18 و 19. نمونه های فردی بسیار هنری از اجرای اپرا و نقش های فردی را ارائه می دهد. خوانندگان و بازیگران با استعداد روسی نامزد شده اند، مانند خواننده E. Sandunova که در صحنه پایتخت اجرا کرد، یا بازیگر رعیت تئاتر Sheremetev P. Zhemchugova.

دستاوردهای هنری اپرای روسیه قرن 18. انگیزه ای برای توسعه سریع تئاتر موسیقی در روسیه در ربع اول قرن 19 ایجاد کرد.

ارتباط بین تئاتر موزیکال روسی و ایده هایی که زندگی معنوی آن دوران را تعیین می کرد، به ویژه در طول جنگ میهنی 1812 و در طول سال های جنبش Decambrist تقویت شد. موضوع میهن پرستی، که در توطئه های تاریخی و مدرن منعکس شده است، اساس بسیاری از اجراهای نمایشی و موسیقی می شود. ایده های اومانیسم و ​​اعتراض به نابرابری اجتماعی الهام بخش و بارور کننده هنر تئاتر است.

در آغاز قرن نوزدهم. هنوز نمی توان در مورد اپرا به معنای کامل کلمه صحبت کرد. ژانرهای مختلط نقش اصلی را در تئاتر موزیکال روسیه ایفا می کنند: تراژدی با موسیقی، وودویل، اپرای کمیک، اپرا باله. پیش از گلینکا، اپرای روسی آثاری را نمی‌شناخت که دراماتورژی آن‌ها فقط مبتنی بر موسیقی و بدون هیچ قسمت گفتاری باشد.

یکی از آهنگسازان برجسته "تراژدی در موسیقی" O. A. Kozlovsky (1757-1831) بود که برای تراژدی های اوزروف، کاتنین و شاخوفسکی موسیقی ایجاد کرد. آهنگسازان A. A. Alyabyev (1787-1851) و A. N. Verstovsky (1799-1862) با موفقیت در ژانر وودویل کار کردند و برای تعدادی از وودویل ها با محتوای طنز و طنز آهنگ ساختند.

اپرای اوایل قرن 19. سنت های دوره قبل را توسعه داد. یک پدیده معمولی اجراهای روزمره همراه با آهنگ های محلی بود. نمونه هایی از این نوع اجراها: "یام"، "گردهمایی"، "پارتی لیسانسه" و غیره است که موسیقی آن توسط آهنگساز آماتور A. N. Titov (1769-1827) نوشته شده است. اما این به دور از فرسودگی زندگی تئاتری غنی آن دوره است. کشش به گرایش های عاشقانه معمول آن زمان در شیفتگی جامعه به نمایش های افسانه ای و فانتزی بیان می شد. پری دریایی دنیپر (لستا) که چندین قسمت داشت، موفقیت خاصی داشت. موسیقی این اپراها که مانند فصل‌های رمان شکل می‌گرفت، توسط آهنگسازان S. I. Davydov و K. A. Kavos نوشته شده است. از موسیقی آهنگساز اتریشی Kauer تا حدی استفاده شد. "پری دریایی دنیپر" برای مدت طولانی صحنه را ترک نکرد، نه تنها به دلیل طرح سرگرم کننده، که در ویژگی های اصلی خود طرح "پری دریایی" پوشکین را پیش بینی می کرد، نه تنها به دلیل تولید مجلل، بلکه به دلیل موسیقی ملودیک، ساده و در دسترس.

آهنگساز ایتالیایی K. A. Cavos (1775-1840) که از جوانی در روسیه کار کرد و تلاش زیادی برای توسعه اجرای اپرای روسی انجام داد، اولین تلاش خود را برای خلق یک اپرای تاریخی-قهرمانی انجام داد. او در سال 1815 اپرای "ایوان سوزانین" را در سن پترزبورگ به صحنه برد که در آن بر اساس یکی از اپیزودهای مبارزه مردم روسیه علیه تهاجم لهستان در آغاز قرن هفدهم، سعی در ایجاد یک اپرای ملی داشت. اجرای میهن پرستانه این اپرا به احساسات جامعه ای که جنگ آزادی را علیه ناپلئون تجربه کردند پاسخ داد. اپرای کاووس به دلیل مهارت یک نوازنده حرفه ای، تکیه بر فولکلور روسی و سرزنده بودن اکشن در میان آثار مدرن برجسته است. با این حال، از سطح «اپراهای نجات» متعدد آهنگسازان فرانسوی که در همان صحنه اجرا می کردند بالاتر نمی رود. کاووس نتوانست در آن حماسه عامیانه غم انگیزی را که گلینکا بیست سال بعد خلق کرد، با استفاده از همان طرح داستانی خلق کند.

بزرگترین آهنگساز ثلث اول قرن نوزدهم. A. N. Verstovsky که از او به عنوان نویسنده موسیقی برای وودویل یاد می شود باید شناخته شود. اپراهای او "پان تواردوفسکی" (پست شده در 1828)، "قبر آسکولد" (پست شده در 1835)، "وادیم" (پست شده در 1832) و دیگران مرحله جدیدی را در توسعه اپرای روسی قبل از گلینکا تشکیل دادند. آثار ورستوفسکی منعکس کننده ویژگی های بارز رمانتیسم روسی بود. دوران باستان روسیه، سنت های شاعرانه کیوان روس، افسانه ها و افسانه ها اساس اپراهای او را تشکیل می دهند. عنصر جادویی در آنها نقش بسزایی دارد. موسیقی ورستوفسکی که عمیقاً در هنر عامیانه ریشه دارد، ریشه های عامیانه را به معنای وسیع آن جذب کرده است. قهرمانان او نمونه ای از هنر عامیانه هستند. ورستوفسکی که استاد دراماتورژی اپرا بود، صحنه های عاشقانه رنگارنگ با محتوای خارق العاده خلق کرد. نمونه ای از سبک او اپرای "آسکولدز گور" است که تا به امروز در کارنامه باقی مانده است. بهترین ویژگی های Verstovsky را نشان داد - هدیه ای برای ملودی، استعداد دراماتیک عالی، توانایی ایجاد تصاویر زنده و مشخص از شخصیت ها.

آثار ورستوفسکی متعلق به دوره پیش کلاسیک اپرای روسیه است، اگرچه اهمیت تاریخی آنها بسیار زیاد است: آنها همه بهترین کیفیت های دوره قبلی و معاصر توسعه موسیقی اپرای روسیه را تعمیم داده و توسعه می دهند.

از دهه 30. قرن نوزدهم اپرای روسی وارد دوره کلاسیک خود می شود. بنیانگذار اپرای کلاسیک روسی M.I. (1804-1857) اپرای تاریخی و تراژیک "ایوان سوزانین" (1830) و اپرای افسانه ای - حماسی "روسلان و لیودمیلا" (1842) را خلق کرد. این اپراها پایه و اساس دو گرایش مهم در تئاتر موزیکال روسیه را گذاشتند: اپرای تاریخی و اپرای جادویی-حماسی. اصول خلاقانه گلینکا توسط نسل بعدی آهنگسازان روسی اجرا و توسعه یافت.

گلینکا به عنوان یک هنرمند در عصری که تحت الشعاع ایده‌های دکابریسم قرار داشت، رشد کرد، که به او اجازه داد محتوای ایدئولوژیک و هنری اپراهای خود را به یک ارتفاع جدید و قابل توجه ارتقا دهد. او اولین آهنگساز روسی بود که در آثارش تصویر مردم، تعمیم یافته و عمیق، مرکز کل کار شد. موضوع میهن پرستی در آثار او به طور جدایی ناپذیر با موضوع مبارزه مردم برای استقلال پیوند خورده است.

دوره قبلی اپرای روسی ظاهر اپراهای گلینکا را آماده کرد، اما تفاوت کیفی آنها با اپراهای روسی قبلی بسیار چشمگیر است. در اپراهای گلینکا، رئالیسم اندیشه هنری در جنبه های خاص آن متجلی نمی شود، بلکه به عنوان یک روش خلاقانه کل نگر عمل می کند که به ما امکان می دهد یک تعمیم موسیقایی و نمایشی از ایده، موضوع و طرح اپرا ارائه دهیم. گلینکا مشکل ملیت را به روشی جدید درک کرد: برای او این نه تنها به معنای توسعه موسیقایی ترانه های عامیانه بود، بلکه به معنای بازتاب عمیق و چندوجهی در موسیقی زندگی، احساسات و افکار مردم، افشای ویژگی های بارز بود. از ظاهر معنوی آنها آهنگساز خود را به بازتاب زندگی عامیانه محدود نکرد، بلکه ویژگی های معمول جهان بینی عامیانه را در موسیقی تجسم داد. اپراهای گلینکا آثاری یکپارچه موسیقیایی و نمایشی هستند. هیچ دیالوگ گفتاری در آنها وجود ندارد، محتوا از طریق موسیقی بیان می شود. گلینکا به‌جای اعداد تک‌نوازی و کرال انفرادی یک اپرای کمیک، فرم‌های اپرا بزرگ و دقیقی را خلق می‌کند و آنها را با تسلط واقعی سمفونیک توسعه می‌دهد.

گلینکا در "ایوان سوزانین" گذشته قهرمانانه روسیه را تجلیل کرد. تصاویر معمولی از مردم روسیه در اپرا با حقیقت هنری بزرگ تجسم یافته است. توسعه دراماتورژی موسیقی مبتنی بر تقابل حوزه های مختلف موسیقی ملی است.

"روسلان و لیودمیلا" اپرایی است که پایه و اساس اپراهای حماسی عامیانه روسی را پایه گذاری کرد. اهمیت "روسلان" برای موسیقی روسی بسیار زیاد است. اپرا نه تنها ژانرهای تئاتری، بلکه ژانرهای سمفونیک را نیز تحت تأثیر قرار داد. تصاویر قهرمانانه با شکوه و اسرارآمیز جادویی و همچنین تصاویر رنگارنگ شرقی "روسلان" برای مدت طولانی به موسیقی روسیه دامن زد.

پس از گلینکا، A. S. Dargomyzhsky (1813-1869)، یک هنرمند معمولی عصر 40-50 صحبت کرد. قرن نوزدهم گلینکا تأثیر زیادی بر دارگومیژسکی گذاشت، اما در همان زمان، کیفیت های جدیدی در آثار دومی ظاهر شد که ناشی از شرایط اجتماعی جدید، مضامین جدیدی بود که به هنر روسیه آمد. همدردی گرم برای یک فرد تحقیر شده، آگاهی از مضر بودن نابرابری اجتماعی، نگرش انتقادی نسبت به نظم اجتماعی در آثار دارگومیژسکی منعکس شده است که با ایده های رئالیسم انتقادی در ادبیات مرتبط است.

مسیر دارگومیژسکی به عنوان آهنگساز اپرا با خلق اپرای "اسمرالدا" بر اساس وی. هوگو (پست شده در سال 1847) آغاز شد و اثر مرکزی اپرایی آهنگساز را باید "پری دریایی" (بر اساس درام A. S. Pushkin) در نظر گرفت. در سال 1856 روی صحنه رفت، در این اپرا استعداد دارگومیژسکی به طور کامل آشکار شد و جهت کار او مشخص شد. درام نابرابری اجتماعی بین ناتاشا دختر آسیابان و شاهزاده که یکدیگر را دوست دارند، به دلیل ارتباط موضوع باعث جذب آهنگساز شد. دارگومیژسکی با کاهش عنصر خارق العاده، جنبه دراماتیک طرح را افزایش داد. "روسالکا" اولین اپرای تغزلی و روانشناختی روزمره روسی است. موسیقی او عمیقا فولکلور است. بر اساس آهنگ، آهنگساز تصاویر زنده از قهرمانان را ایجاد کرد، سبکی دکلماتور را در قسمت های شخصیت های اصلی ایجاد کرد و صحنه های گروه را توسعه داد و به طور قابل توجهی آنها را دراماتیک کرد.

آخرین اپرای دارگومیژسکی، "مهمان سنگی"، به گفته پوشکین (در سال 1872، پس از مرگ آهنگساز ارسال شد)، به دوره دیگری در توسعه اپرای روسی تعلق دارد. دارگومیژسکی وظیفه ایجاد یک زبان موسیقایی واقع گرایانه را که منعکس کننده آهنگ های گفتار است، در آن قرار داد. آهنگساز در اینجا فرم های سنتی اپرایی - آریا، گروه، گروه کر را رها کرد. بخش های آوازی اپرا بر بخش ارکسترال غلبه دارد، "مهمان سنگی" آغاز یکی از جهت گیری های دوره بعدی اپرای روسی بود، به اصطلاح اپرای رسیتیتیوی مجلسی، که بعدها توسط "موتسارت و سالیری" توسط "موتسارت و سالیری" نمایندگی شد. ریمسکی-کورساکوف، "شوالیه خسیس" نوشته راخمانینوف و دیگران. ویژگی این اپراها این است که همه آنها بر روی متن کامل بدون تغییر "تراژدی های کوچک پوشکین" نوشته شده اند.

در دهه 60 اپرای روسی وارد مرحله جدیدی از توسعه خود شده است. آثاری از آهنگسازان حلقه بالاکیرف ("مشت توانا") و چایکوفسکی در صحنه روسیه ظاهر می شوند. در همین سالها، خلاقیت A. N. Serov و A. G. Rubinstein توسعه یافت.

کار اپرایی A.N. Serov (1820-1871) که به عنوان یک منتقد موسیقی مشهور شد را نمی توان در زمره پدیده های بسیار مهم تئاتر روسیه به حساب آورد. با این حال، زمانی اپراهای او نقش مثبتی داشتند. در اپرای "جودیت" (پست، 1863)، سروف اثری با ماهیت قهرمانانه-میهنی بر اساس طرحی کتاب مقدس خلق کرد. در اپرای "روگندا" (اپرا و پس از آن در سال 1865)، او به عصر کیوان روس روی آورد و می خواست خط "روسلان" را ادامه دهد. با این حال، اپرا به اندازه کافی عمیق نبود. اپرای سوم سرووف، "قدرت دشمن" بر اساس درام "آنطور که می خواهید زندگی نکنید" اثر A.N. Ostrovsky (پست شده در سال 1871) بسیار جالب توجه است. آهنگساز تصمیم گرفت یک اپرای آهنگ بسازد که موسیقی آن باید بر اساس منابع اولیه باشد. با این حال، اپرا یک مفهوم دراماتیک واحد ندارد و موسیقی آن به اوج تعمیم واقع گرایانه نمی رسد.

A. G. Rubinstein (1829-1894) به عنوان یک آهنگساز اپرا با آهنگسازی اپرای تاریخی "نبرد کولیکوو" (1850) آغاز شد. او اپرای غنایی Feramors و اپرای رمانتیک کودکان استپ را خلق کرد. بهترین اپرای روبینشتاین، «دیو» پس از لرمانتوف (1871) در کارنامه باقی مانده است. این اپرا نمونه ای از اپرای غنایی روسی است که در آن با استعدادترین صفحات به بیان احساسات شخصیت ها اختصاص دارد. صحنه های ژانر "دیو" که در آن آهنگساز از موسیقی محلی ماوراء قفقاز استفاده کرده است، طعم محلی را اضافه می کند. اپرای "دیو" در میان معاصران موفقیت آمیز بود که در شخصیت اصلی تصویر مرد دهه 40 و 50 را دیدند.

کار اپرایی آهنگسازان "مشت توانا" و چایکوفسکی از نزدیک با زیبایی شناسی جدید عصر دهه 60 مرتبط بود. شرایط اجتماعی جدید وظایف جدیدی را برای هنرمندان روسی مطرح می کند. مشکل اصلی آن دوران مشکل انعکاس زندگی عامیانه با تمام پیچیدگی و ناهماهنگی آن در آثار هنری بود. تأثیر اندیشه‌های دمکرات‌های انقلابی (به‌ویژه چرنیشفسکی) با کشش به مضامین و طرح‌های جهانی، جهت‌گیری انسان‌گرایانه آثار و تجلیل از قدرت‌های بالای معنوی مردم در زمینه خلاقیت موسیقی منعکس شد. موضوع تاریخی در این زمان اهمیت ویژه ای پیدا می کند.

علاقه به تاریخ مردم در آن سالها نه تنها برای آهنگسازان معمول بود. خود علم تاریخ به طور گسترده در حال توسعه است. نویسندگان، شاعران و نمایشنامه نویسان به موضوعات تاریخی روی می آورند. نقاشی تاریخی در حال توسعه است. دوران انقلاب ها، قیام های دهقانی و جنبش های توده ای بیشترین علاقه را برانگیخته است. مشکل رابطه بین مردم و قدرت سلطنتی جایگاه مهمی را اشغال کرده است. اپراهای تاریخی M. P. Mussorgsky و N. A. Rimsky-Korsakov به این موضوع اختصاص دارد.

اپراهای M. P. Mussorgsky (1839-1881) "Boris Godunov" (1872) و "Khovanshchina" (به پایان رسیده توسط Rimsky-Korsakov در 1882) متعلق به شاخه تاریخی - تراژدی اپرای کلاسیک روسیه است. آهنگساز آنها را "درام های موسیقی عامیانه" نامید، زیرا مردم در مرکز هر دو اثر قرار دارند. ایده اصلی "بوریس گودونوف" (بر اساس تراژدی پوشکین به همین نام) درگیری است: شاه - مردم. این ایده یکی از مهم ترین و حادترین در دوران پس از اصلاحات بود. موسورگسکی می خواست قیاسی با مدرنیته در وقایع گذشته روسیه بیابد. تضاد بین منافع مردمی و قدرت استبدادی در صحنه‌هایی از تبدیل یک جنبش مردمی به قیام آشکار نشان داده می‌شود. در همان زمان، آهنگساز توجه زیادی به "تراژدی وجدان" تجربه شده توسط تزار بوریس دارد. تصویر چند وجهی بوریس گودونوف یکی از بالاترین دستاوردهای خلاقیت اپرا در جهان است.

دومین درام موزیکال موسورگسکی، Khovanshchina، به قیام های Streltsy در پایان قرن هفدهم اختصاص دارد. عنصر جنبش مردمی با تمام نیروی خشونت‌آمیزش به طرز شگفت‌انگیزی توسط موسیقی اپرا بر اساس بازاندیشی خلاقانه هنر آواز محلی بیان می‌شود. موسیقی «خوانشچینا» مانند موسیقی «بوریس گودونف» با تراژدی بالایی همراه است. اساس تم ملودیک هر دو اپرا سنتز آواز و اصول دکلماسیون است. نوآوری موسورگسکی که برخاسته از مفهومی جدید است و راه حلی عمیقاً بدیع برای مشکلات درام موزیکال، ما را وادار می کند تا هر دو اپرای او را در زمره بالاترین دستاوردهای تئاتر موزیکال قرار دهیم.

اپرای "شاهزاده ایگور" اثر A. P. Borodin (1833-1887) نیز به گروه آثار موسیقی تاریخی تعلق دارد (طرح آن "داستان مبارزات ایگور" بود). ایده عشق به وطن، ایده اتحاد در برابر دشمن توسط آهنگساز با درام عالی (صحنه هایی در پوتیول) آشکار می شود. آهنگساز در اپرای خود یادبودی ژانر حماسی را با آغازی غنایی ترکیب کرد. دستورات گلینکا در تجسم شاعرانه اردوگاه پولوفتسیان اجرا شد. به نوبه خود، نقاشی های موسیقی شرق بورودین الهام بخش بسیاری از آهنگسازان روسی و شوروی برای خلق تصاویر شرقی شد. استعداد ملودیک قابل توجه بورودین خود را در سبک آوازخوانی گسترده اپرا نشان داد. بورودین وقت نداشت اپرا را تمام کند. "شاهزاده ایگور" توسط ریمسکی-کورساکوف و گلازونوف تکمیل شد و در نسخه آنها در سال 1890 روی صحنه رفت.

ژانر درام موزیکال تاریخی نیز توسط N.A. Rimsky-Korsakov (1844-1908) توسعه یافت. آزادگان پسکوف در حال شورش علیه ایوان وحشتناک (اپرا "زن پسکوف"، 1872) توسط آهنگساز با عظمت حماسی به تصویر کشیده شده است. تصویر پادشاه پر از درام واقعی است. عنصر شعری اپرا که با قهرمان اولگا مرتبط است، موسیقی را غنی می کند و ویژگی های لطافت و نرمی عالی را در مفهوم غم انگیز شکوهمند وارد می کند.

P. I. Tchaikovsky (1840-1893) که بیشتر به خاطر اپراهای غنایی و روانشناختی خود مشهور است، نویسنده سه اپرا تاریخی بود. اپراهای "Oprichnik" (1872) و "Mazeppa" (1883) به رویدادهای دراماتیک تاریخ روسیه اختصاص دارد. در اپرای "خدمتکار اورلئان" (1879)، آهنگساز به تاریخ فرانسه روی آورد و تصویر قهرمان ملی فرانسوی ژان آرک را خلق کرد.

ویژگی اپراهای تاریخی چایکوفسکی، خویشاوندی آنها با اپراهای غنایی اوست. آهنگساز در آنها ویژگی های بارز دوران تصویر شده را از طریق سرنوشت افراد فردی آشکار می کند. تصاویر قهرمانان او با عمق و صداقت در انتقال دنیای پیچیده درونی یک فرد متمایز می شود.

علاوه بر درام های موسیقی تاریخی عامیانه در اپرای روسی قرن نوزدهم. اپراهای افسانه ای عامیانه، که به طور گسترده در آثار N.A. Rimsky-Korsakov نمایش داده می شود، جایگاه مهمی را اشغال می کنند. بهترین اپرای افسانه ای ریمسکی-کورساکوف دوشیزه برفی (1881)، سادکو (1896)، کاشچی جاودانه (1902) و خروس طلایی (1907) هستند. اپرای "افسانه شهر نامرئی کیتژ و دوشیزه فورونیا" (1904) که بر اساس مطالبی از افسانه های عامیانه در مورد تهاجم تاتار-مغول نوشته شده است ، جایگاه ویژه ای را اشغال کرده است.

اپراهای ریمسکی-کورساکوف با تعابیر گوناگون از ژانر افسانه های عامیانه شگفت زده می شود. یا این یک تفسیر شاعرانه از ایده های عامیانه باستانی در مورد طبیعت است که در افسانه شگفت انگیز در مورد دوشیزه برفی بیان شده است یا تصویری قدرتمند از نووگورود باستان یا تصویری از روسیه در آغاز قرن بیستم. در تصویر تمثیلی از پادشاهی سرد کشچف، سپس یک طنز واقعی در مورد سیستم خودکامه پوسیده در تصاویر محبوب افسانه ای ("خروس طلایی"). در موارد مختلف، روش‌های نمایش موسیقایی شخصیت‌ها و تکنیک‌های دراماتورژی موسیقی ریمسکی-کورساکوف متفاوت است. با این حال، در تمام اپراهای او می توان نفوذ خلاقانه عمیق آهنگساز را به دنیای ایده های عامیانه، باورهای عامیانه و جهان بینی مردم احساس کرد. اساس موسیقی اپراهای او زبان آواز محلی است. تکیه بر هنر عامیانه، شخصیت پردازی شخصیت ها از طریق استفاده از ژانرهای عامیانه مختلف از ویژگی های معمول ریمسکی-کورساکوف است.

اوج خلاقیت ریمسکی-کورساکوف حماسه باشکوه در مورد میهن پرستی مردم روسیه در اپرای "افسانه شهر نامرئی کیتژ و دوشیزه فورونیا" است، جایی که آهنگساز به اوج فوق العاده ای از تعمیم موسیقی و سمفونیک رسید. از موضوع

در میان انواع دیگر اپرای کلاسیک روسی، یکی از مکان های اصلی متعلق به اپرای غنایی-روانی است که با "روسالکا" دارگومیژسکی آغاز شد. بزرگترین نماینده این ژانر در موسیقی روسیه چایکوفسکی است، نویسنده آثار درخشان موجود در رپرتوار اپرای جهانی: "یوجین اونگین" (1877-1878)، "افسونگر" (1887)، "ملکه بیل" (1890) ) "ایولانتا" (1891). نوآوری چایکوفسکی با جهت گیری کار او مرتبط است که به ایده های اومانیسم، اعتراض به تحقیر انسان و ایمان به آینده ای بهتر برای بشریت اختصاص دارد. دنیای درونی افراد، روابط آنها، احساسات آنها در اپرای چایکوفسکی با ترکیب اثربخشی تئاتر با توسعه سمفونیک سازگار موسیقی آشکار می شود. کار اپرایی چایکوفسکی یکی از بزرگترین پدیده های هنر موسیقی و تئاتر جهان در قرن نوزدهم است.

اپرای کمدی در تعداد کمتری از آثار در آثار اپرایی آهنگسازان روسی نمایش داده می شود. با این حال، حتی این چند نمونه با اصالت ملی خود متمایز می شوند. هیچ سبکی یا کمدی سرگرم کننده ای در آنها وجود ندارد. اکثر آنها بر اساس داستان های گوگول از "عصرها در مزرعه ای نزدیک دیکانکا" بودند. هر یک از اپرا-کمدی ها ویژگی های فردی نویسندگان را منعکس می کرد. در اپرای چایکوفسکی "Cherevichki" (1885؛ در چاپ اول - آهنگر Vakula، 1874) عنصر غنایی غالب است. در "شب مه" اثر ریمسکی-کورساکوف (1878) - خارق العاده و آیینی. در "نمایشگاه Sorochinskaya" اثر موسورگسکی (دهه 70، ناتمام) - صرفاً کمدی. این اپراها نمونه هایی از مهارت در انعکاس واقع گرایانه زندگی مردم در ژانر کمدی شخصیت ها هستند.

کلاسیک های اپرای روسی با تعدادی از پدیده های به اصطلاح موازی در تئاتر موزیکال روسیه همراه است. منظور ما کار آهنگسازانی است که آثاری با اهمیت ماندگار خلق نکردند، اگرچه سهم عملی خود را در توسعه اپرای روسی داشتند. در اینجا باید از اپراهای C. A. Cui (1835-1918)، یکی از اعضای حلقه Balakirev، منتقد برجسته موسیقی دهه 60-70 نام برد. اپرای کوی «ویلیام رتکلیف» و «آنجلو» که سبک معمول رمانتیک را ترک نمی‌کنند، فاقد درام و گاهی اوقات موسیقی روشن هستند. حمایت های بعدی کوی اهمیت کمتری دارند ("دختر کاپیتان"، "مادموازل فیفی" و غیره). همراه با اپرای کلاسیک، کار رهبر ارکستر برجسته و مدیر موسیقی اپرا در سن پترزبورگ، E. F. Napravnik (1839-1916) بود. معروف ترین اپرای او دوبروفسکی است که بر اساس سنت اپراهای غنایی چایکوفسکی ساخته شده است.

از آهنگسازانی که در پایان قرن نوزدهم اجرا کردند. در صحنه اپرا باید از A. S. Arensky (1861-1906) نویسنده اپراهای "رویای ولگا" ، "رافائل" و "نال و دامایانتی" و همچنین M. M. Ippolitov-Ivanov (1859-1935) نام ببریم. اپرای او "آسیا"، به گفته I. S. Turgenev، به سبک غنایی چایکوفسکی نوشته شده است. در تاریخ اپرای روسی «اورستیا» اثر S. I. Taneyev (1856-1915) به قول آیسخولوس جدا از هم است که می‌توان آن را یک اوراتوریو تئاتر توصیف کرد.

در همان زمان، S. V. Rachmaninov (1873-1943) به عنوان یک آهنگساز اپرا عمل کرد که در اواخر هنرستان (1892) به سنت چایکوفسکی یک ونرو "Aleko" یک عملی را ساخت. اپراهای بعدی راخمانینوف - فرانچسکا دا ریمینی (1904) و شوالیه خسیس (1904) - به سبک اپراهای کانتات نوشته شدند. در آنها کنش صحنه حداکثر فشرده شده و عنصر موزیکال-سمفونیک بسیار توسعه یافته است. موسیقی این اپراها، با استعداد و درخشان، مهر سبک خلاقانه منحصر به فرد نویسنده را دارد.

از پدیده های کمتر مهم هنر اپرا در آغاز قرن بیستم. بیایید نام اپرای A. T. Grechaninov (1864-1956) را "Dobrynya Nikitich" بگذاریم، که در آن ویژگی های یک اپرای کلاسیک حماسی پری و حماسی جای خود را به اشعار عاشقانه داد، و همچنین اپرای A. D. Kastalsky (1856-1926) "Klara Milich" که در آن عناصر طبیعت گرایی را با غزلیات صادقانه و تأثیرگذار ترکیب می کند.

قرن نوزدهم عصر کلاسیک اپرای روسی است. آهنگسازان روسی در ژانرهای مختلف اپرا شاهکارهایی خلق کردند: درام، حماسی، تراژدی قهرمانانه، کمدی. آنها دراماتورژی موسیقایی بدیع را ایجاد کردند که در ارتباط نزدیک با محتوای بدیع اپراها متولد شد. نقش مهم و تعیین کننده صحنه های عامیانه انبوه، شخصیت پردازی چند وجهی شخصیت ها، تفسیری جدید از فرم های سنتی اپرا و ایجاد اصول جدید وحدت موسیقایی کل اثر از ویژگی های بارز کلاسیک های اپرای روسی است.

اپرای کلاسیک روسی که تحت تأثیر تفکر مترقی فلسفی و زیبایی‌شناختی، تحت تأثیر رویدادهای زندگی عمومی توسعه یافت، به یکی از جنبه‌های قابل توجه فرهنگ ملی روسیه در قرن نوزدهم تبدیل شد. کل مسیر توسعه خلاقیت اپرایی روسیه در قرن گذشته به موازات جنبش بزرگ آزادیبخش مردم روسیه پیش رفت. آهنگسازان از ایده های والای اومانیسم و ​​روشنگری دموکراتیک الهام گرفتند و آثار آنها برای ما نمونه های بزرگی از هنر واقعا واقع گرایانه است.