Галерея искусств стран европы и америки. Галерея искусств стран Европы и Америки ХIХ-ХХ вв. История создания коллекции

Изменения в режиме работы здания:

С 1 октября по 7 ноября в связи с восстановлением постоянной экспозиции здание будет закрыто .
Приносим извинения за доствленные неудобства!

Галерея искусства стран Европы и Америки XIX-XX веков открыла двери для публики в августе 2006 года.

Здание на Волхонке, 14 было левым флигелем усадьбы князей Голицыных XVII-XIX веков. Усадьбу строили архитекторы С.И. Чевакинский из Петербурга и И.П. Жеребцов из Москвы. М.Ф. Казаков придал постройкам черты стиля раннего классицизма. Общий план усадьбы с главным домом, боковыми флигелями и парадным двором сохранился до сих пор, хотя все сооружение неоднократно перестраивалось.

До наших дней в своем первоначальном виде дошли лишь каменные ворота с княжеским гербом Голицыных. Наибольшие изменения коснулись левого флигеля. В 1890—1892 годах он был переоборудован архитектором В.П. Загорским под меблированные комнаты и получил название «Княжий двор». В нем останавливались и подолгу жили В.И. Суриков, И.Е. Репин, А.Н. Скрябин, Л.О. Пастернак. После революции в этом здании размещались различные организации.

Перейдя в ведение ГМИИ им. А.С. Пушкина, это здание было полностью реконструировано в 1988-1993 годах. В доме открылся отдел ГМИИ под названием Музей личных коллекций, продолживший традиции этого здания. Ведь именно в этой усадьбе еще в 60-е годы XIX века размещались доступная для обозрения публики картинная галерея и античные «редкости» из коллекции М.А. Голицына. И в этом смысле Галерея искусства стран Европы и Америки XIX-XX веков принимает эстафету, ведь история формирования коллекции Галереи неотделима от истории московского собирательства и связана с именами таких известных московских меценатов, таких как С.М. Третьяков, С.И. Щукин, И.А. Морозов.

26 залов Галереи, представляющие собрание произведений мастеров XIX-XX веков, посвящены различным течениям европейского искусства или творчеству отдельных художников. В специально отведенном зале экспонируется немецкая школа живописи начала XIX века, представленная произведениями Каспара Давида Фридриха и художников-«назарейцев». Камерные залы позволяют публике по-новому увидеть хорошо знакомые картины Эжена Делакруа и Доменика Энгра. Испанскую школу представляет творчество Франсиско Гойи. Отдельный зал получили работы участников парижского Салона Жана Жерома, Поля Делароша, Эжена Луи Изабе. Произведения французских пейзажистов Камиля Коро и художников барбизонской школы Теодора Руссо, Жюля Дюпре, Вирджила Диаза де ла Пенья, Шарля Добиньи как будто специально предназначены для интерьеров Галереи. Полотна Гюстава Курбе, Франсуа Милле, Оноре Домье дополняют панораму искусства французского реализма.

Гордость Галереи — живопись французских импрессионистов, постимпрессионистов и мастеров начала XX века: Клода Моне, Огюста Ренуара, Альфреда Сислея, Камиля Писсарро, Эдгара Дега, Поля Сезанна, Поля Гогена, Винсента ван Гога, Анри де Тулуз-Лотрека, членов группы «Наби», Анри Матисса, Пабло Пикассо, Андре Дерена, Анри Руссо. В новой экспозиции можно увидеть работы представителей других европейских школ, а также произведения американского искусства. Наряду с полотнами Василия Кандинского, Марка Шагала, Джорджо де Кирико демонстрируются картины Акилле Фуни, Карла Хофера, Феличе Казорати, Xанса Грундига, Фолькера Берингера, Рокуэлла Кента. Представлено творчество крупнейших скульпторов Европы - Антуана Бари, Огюста Родена, Аристида Майоля, Эмиля Бурделя, Осипа Цадкина, Xанса Арпа.

• Адрес, проезд

  Сегодня, в выходной, видимо, по наивности, решили с родителями сделать глоток культуры. Хочу заметить, что сегодня стояла довольно морозная погода - 12, и дул довольно противный холодный ветер. В Третьяковку припозднились, там уже стояла довольно длинная очередь, решили поехать в музей им. Пушкина в надежде, что там нет такого ажиотажа. И жестоко ошиблись, очередь стояла на улице приличная, за ограду никого не пускали, тогда мы решили вернуться к Галерее, благо там, когда мы проходили мимо, очереди не было. Нас не было всего минут 5, не больше! Но когда мы подошли ко входу Галереи, уже собралась очередь человек 10. Через 10 минут мы никуда не продвинулись, за нами уже вытянулся заметный хвост. В воздухе витал вопрос -, что случилось? Почему нам даже нельзя зайти в теплый вестибюль, чтобы ждать там. Ждать, но чего? В итоге дверь открыл самоуверенный охранник, запустил небольшую партию. И ничего не объясняя, снова закрыл прямо перед нашим уже синим носом! Еще через 10 минут не выдержав (всё-таки холодно), люди начали стучать в двери и требовать объяснений. В итоге молодой человек в очках и форме милиционера, всё-таки сжалившись над замерзшими нами, впустил значительную часть очереди в тёплый вестибюль. Здесь нам сказали, что мест в гардеробе пока нет, и надо ждать! Через 10 минут внизу появилась женщина в очках с очень строгим выражением лица, окинула нас взглядом, в котором читалось удивление: и зачем они только сюда все пришли?! Через пару минут она появилась вновь и сообщила, что без ее разрешения никого не впускать, и кто вообще разрешил ЭТИХ запустить сюда. На робкую попытку молодого человека в очках и милицейской форме обратить её внимание на довольную низкую температуру на улице и недопустимость держать людей при такой температуре так долго на улице. Она, пожав плечами, дала понять, что это меньшее, что ее волнует в это жизни. Сказала, чтобы всё здесь освободили, идёт какая-то делегация, и для неё надо освободить проход, и до прихода этой самой делегации никого не впускать. Надо отдать должное молодому человеку в очках, выгонять он не стал. Только попросил расступиться и освободить проход, что мы дружно и сделали. Простояв так еще минут 10, все начали интересоваться, а долго ли придётся ждать делегацию, а придётся ли нам ждать, когда делегация закончит свой осмотр. Ответов не было. Делегация не шла. В итоге нам пришлось уйти, так и не глотнув культуры. А та строгая дама была администрация. После таких вот эпизодов возникает вопрос: зачем музею такая администрация, которая не любит посетителей музеев, и заочно всех считает быдлом? Почему у каких-то делегацийЙ есть право ездить с мигалками по пробкам, ходить в музеи без очереди?

  Ренуара. И знаменитые “Кувшинки” Моне.

  Теперь пришло время изучить коллекцию поглубже. И обратить внимания на менее раскрученные шедевры. Но все же шедевры. Все тех же великих художников.

  И даже тех, кого в первое посещение музея вы обошли стороной. Вряд ли вы тогда остановились перед “Девушками на мосту” . Или “Джунглями” . Познакомимся и с ними поближе.

  1. Франсиско Гойя. Карнавал. 1810-1820 гг.

  Франсиско Гойя. Карнавал. 1810-1820 гг. Галерея искусства стран Европы и Америки 19-20 вв. (ГМИИ им. А. С. Пушкина), г. Москва

  В России хранится лишь три картины Франсиско Гойи. Две из них – в Пушкинском музее (Третья картина, – в . Поэтому стоит рассмотреть одну из них. А именно “Карнавал”.

  Она мало известна зарубежом. Однако очень гойевская. В его духе. Зловещая, насмешливая. Карнавал происходит днём. Но такое ощущение, что на картине ночь. Настолько пугающими кажутся “празднующие” люди. Как будто это пьяницы и бандиты под утро вышли дебоширить.

  Это, пожалуй, самый мрачный карнавал когда-либо написанный. Такая мрачность была свойственна всем поздним работам Гойи. Даже на более красочных заказных работах он мог изобразить предвестники плохого.

  3. Винсент Ван Гог. Портрет доктора Рея. 1889 г.

  Винсент Ван Гог. Портрет доктора Рея. 1889 г. Галерея искусства стран Европы и Америки 19-20 вв. (ГМИИ им. А. С. Пушкина), г. Москва

  Ван Гог в последние годы жизни был полностью во власти цвета. Именно в это время он создаёт свои знаменитые Даже портреты его очень яркие. Не исключение – “Портрет доктора Рэя”.

  Синий пиджак. Зелёный фон с желто-красными завитками. Слишком необычно для 19 века. Конечно, доктор Рэй подарок не оценил. Он воспринял его как нелепую картину душевнобольного пациента. Забросил её на чердак. Потом и вовсе прикрывал им дыру в курятнике.

  На самом деле такой фон Ван Гог написал сознательно. Цвет был его иносказательным языком. Завитушки и яркие краски – это эмоции благодарности, которые испытывал художник к доктору.

  Ведь именно он помогал Ван Гогу справляться с приступами душевной болезни после знаменитого события с отрезанным ухом. Доктор даже хотел пришить мочку уха художника. Но ее слишком долго доставляли в больницу (Ван Гог вручил своё ухо проститутке со словами “Это может вам пригодиться”).

  4. Поль Сезанн. Персики и груши. 1895 г.

  
  Поль Сезанн. Персики и груши. 1895 г. Галерея искусства стран Европы и Америки 19-20 вв. (ГМИИ им. А. С. Пушкина), г. Москва

  Поль Сезанн объявил бойкот фотографичности изображения. Так же, как и его современники импрессионисты. Только если импрессионисты изображали мимолётное впечатление, пренебрегая деталями. Сезанн же видоизменял эти детали.

  Это хорошо видно на его натюрморте “Персики и груши”. Всмотритесь в картину. Вы найдёте очень много искажений реальности. Нарушений законов физики. Законов перспективы.

  Художник передаёт свой собственный взгляд на действительность. Она субъективна. И смотрим мы на один и тот же предмет в течение дня под разным углом. Вот и получается, что вроде стол показан сбоку. А столешница изображена почти сверху. Она как будто опрокидывается на нас.

  Посмотрите на кувшин. Линия стола слева и справа от него не совпадают. А скатерть и вовсе как будто “перетекает” в тарелку. Картина похожа на головоломку. Чем дольше смотришь, тем больше находишь искажений реальности.

  Уже рукой подать до кубизма Пикассо и примитивизма . Именно Сезанн является их главным вдохновителем.

  5. Эдвард Мунк. Девушки на мосту. 1902-1903 гг.

  Эдвард Мунк. Белая ночь. Осгардстран (Девушки на мосту). 1902-1903 гг. Галерея искусства стран Европы и Америки 19-20 вв. (ГМИИ им. А. С. Пушкина), г. Москва

  Фирменный стиль Эдварда Мунка сформировался под влиянием . Так же, как и Ван Гог, он с помощью цвета и простых линий выражает свои эмоции. Только Ван Гог больше изображал радость, восторг. Мунк – отчаяние, меланхолию, страх. Как на серии .

  “Девушки на мосту” созданы после знаменитого “Крика”. Они похожи. Мост, вода, небо. Те же широкие волны краски. Только в отличие от “Крика” эта картина несёт положительные эмоции. Получается, что художник не всегда был во власти депрессии и отчаяния. Иногда сквозь них пробивалась и надежда.

  Картина написана в городке Осгардстран. Его художник очень любил. Сейчас в нем все по-прежнему. Если вы туда приедите, то найдёте тот же мост и тот же белый дом за белым забором.

  6. Анри Руссо. Нападение ягуара на лошадь. 1910 г.

  
  Анри Руссо. Нападение ягуара на лошадь. 1910 г. Галерея искусства стран Европы и Америки 19-20 вв. (ГМИИ им. А. С. Пушкина), г. Москва

  Многие считали Анри Руссо чудаком. Сами подумайте, откуда в джунглях взяться лошади? Ягуар как будто её обнимает, а вовсе не съесть хочет.

  Руссо в джунглях никогда не был. И настоящего ягуара не видел. Экзотические растения и чучела животных он изучал в парижском ботаническом саду. Живописи он тоже нигде не учился. Рисовать начал на пенсии. Когда работа таможенника уже не отнимала столько времени.

  Его “картины 10-летнего мальчика”, как говорили критики, никто всерьёз не воспринимал. Напротив, ходили на выставку посмеяться. Только Матисс однажды сказал “Вот хочу покритиковать вашу картину, да не могу – ноги сразу подкашиваются”.

  Под конец жизни Руссо понял, что видимо уже не суждено получить признание. Но был уверен, что так наивно и примитивно будут рисовать многие, уже после его смерти.

  Так и получилось. Он считается основателем примитивизма. У Матисса не зря ноги подкашивались. Ведь его стиль сформируется под влиянием этого чудака.

  О другой работе мастера читайте в статье «Спящая цыганка. Полосатый шедевр Анри Руссо» Пабло Пикассо. Скрипка. 1912 г. Галерея искусства стран Европы и Америки 19-20 вв. (ГМИИ им. А. С. Пушкина), г. Москва

  Пикассо за свою жизнь успел поработать в разных направлениях. Хотя многие знают его как кубиста. “Скрипка” – одна из самых ярких его кубистских работ.

  Скрипку Пикассо полностью “разобрал” на части. Одну часть вы видите под одним углом, другую – совсем под другим. Художник как бы затеял с вами игру. Ваша задача – в уме сложить разные части в единый предмет. Вот такой живописный ребус.

  Очень скоро Пикассо помимо холста и масляных красок начнёт использовать куски газеты, дерева. Это уже будет коллаж. Такая эволюция не удивительна. Ведь в 20 веке с помощью технологий так легко увидеть и даже иметь репродукцию любого произведения. И лишь сделанная из кусочков разного материала работа становится неповторимой. Её уже так просто не размножить.

  Если вам захотелось посетить Пушкинский музей ещё раз, значит я достигла своей цели. Если вы там ещё ни разу не были, начните изучение его шедевров со статьи “7 картин Пушкинского музея, которые стоит увидеть”.

  Для тех, кто не хочет пропустить самое интересное о художниках и картинах. Оставьте свой e-mail (в форме под текстом), и Вы первыми будете узнавать о новых статьях в моем блоге.

  Галерея искусства стран Европы и Америки XIX-XX веков - отдел Государственного музея изобразительных искусств имени А.С. Пушкина, открывшийся в 2006 году. На экспозиции представлены американские художники, французские импрессионисты и постимпрессионисты, немецкая и испанская школы живописи, а так же работы представителей других европейских школ.

  Галерея искусства стран Европы и Америки XIX-XX веков — филиал . Галерея открылась в 2006 году. В помещении музея располагаются двадцать шесть залов, где экспонируется собрание произведений мастеров XIX - XX веков.

  Каждый зал посвящен либо отдельному течению европейского искусства, либо работам одного конкретного художника.

  Немецкая школа живописи представлена работами К.Д. Фридриха и художников-«назарейцев». представляет испанскую изобразительную школу. Французские пейзажисты представлены такими известными именами как К. Коро, Т. Руссо, Ж. Дюпре, В. Диаза де ла Пенья, Ш. Добиньи. Картины Г. Курбе, Ж.Ф. Милле, О. Домье знакомят посетителей с французским реализмом.

  Особый интерес и большую гордость музея составляет живопись французских импрессионистов и постимпрессионистов, которые творили в начале XX века: , П. Сезанна,