“Compositori del 21° secolo per bambini” Andrey Klassen Beketova Nina Aleksandrovna Istituzione educativa municipale autonoma per la cultura dell'educazione prescolare. Compositori contemporanei della Russia Tutti i compositori del 21° secolo

Tra queste melodie ce n'è una per ogni stato d'animo: romantico, positivo o triste, per rilassarsi e non pensare a nulla o, al contrario, per raccogliere i propri pensieri.

Il compositore e pianista italiano lavora nella direzione del minimalismo, si rivolge spesso alla musica ambient e combina abilmente la musica classica con altri stili musicali. È noto a una vasta cerchia per le sue composizioni atmosferiche che sono diventate colonne sonore di film. Ad esempio, probabilmente riconoscerai la musica del film francese “1 + 1”, scritto da Einaudi.

Glass è una delle personalità più controverse nel mondo dei classici moderni, che a volte viene elogiato alle stelle, a volte a pieni voti. Suona nel suo gruppo, il Philip Glass Ensemble, da mezzo secolo e ha scritto musica per più di 50 film, tra cui The Truman Show, The Illusionist, Taste of Life e I Fantastici Quattro. Le melodie del compositore minimalista americano confondono il confine tra musica classica e popolare.

Autore di numerose colonne sonore, miglior compositore cinematografico del 2008 secondo la European Film Academy e post-minimalista. Ha conquistato la critica con il suo primo album Memoryhouse, in cui la musica di Richter era sovrapposta a letture di poesie, e gli album successivi utilizzavano anche la prosa letteraria. Oltre a scrivere le proprie composizioni ambient, Max arrangia opere di classici: “Le Quattro Stagioni” di Vivaldi è in cima alle classifiche di iTunes con il suo arrangiamento.

Questo creatore di musica strumentale italiano non è associato all'acclamato cinema, ma è già noto come compositore, virtuoso ed esperto insegnante di pianoforte. Se descrivessi il lavoro di Marradi in due parole, sarebbero “sensuale” e “magico”. Le sue composizioni e copertine piaceranno a chi ama i classici retrò: nei motivi sono evidenti le note del secolo scorso.

Il famoso compositore cinematografico ha creato l'accompagnamento musicale per molti film e cartoni animati al botteghino, tra cui "Il Gladiatore", "Pearl Harbor", "Inception", "Sherlock Holmes", "Interstellar", "Madagascar", "Il Re Leone". La sua stella è sulla Hollywood Walk of Fame e sul suo scaffale ci sono gli Oscar, i Grammy e i Golden Globe. La musica di Zimmer è varia quanto i film elencati, ma, indipendentemente dal tono, tocca le corde del cuore.

Hisaishi è uno dei compositori giapponesi più famosi, avendo ricevuto quattro Academy Film Awards giapponesi per la migliore colonna sonora. Joe è diventato famoso per aver scritto la colonna sonora dell'anime Nausicaä della Valle del Vento. Se sei un fan delle creazioni dello Studio Ghibli o dei film di Takeshi Kitano, probabilmente ammirerai la musica di Hisaishi. È per lo più leggero e leggero.

Questo polistrumentista islandese è solo un ragazzo rispetto ai maestri elencati, ma all'età di 30 anni era diventato un neoclassicista riconosciuto. Ha registrato l'accompagnamento per un balletto, ha vinto un premio BAFTA per la colonna sonora della serie televisiva britannica "Murder on the Beach" e ha pubblicato 10 album in studio. La musica di Arnalds ricorda un vento forte su una spiaggia deserta.

Le opere più famose di Lee Rum sono Kiss the Rain e River Flows in You. Il compositore e pianista coreano della New Age scrive classici popolari comprensibili agli ascoltatori di qualsiasi continente, con qualsiasi gusto musicale ed educazione. Le sue melodie leggere e sensuali sono diventate per molti l'inizio dell'amore per la musica per pianoforte.

Il compositore americano è interessante perché, allo stesso tempo, scrive la musica più piacevole e piuttosto popolare. I brani di O'Halloran sono stati utilizzati in Top Gear e in diversi film. Forse la colonna sonora di maggior successo è stata quella del melodramma “Like Crazy”.

Questo compositore e pianista sa molto sia sull'arte della direzione che su come creare musica elettronica. Ma il suo campo principale sono i classici moderni. Cacciapaglia ha registrato numerosi album, tre dei quali con la Royal Philharmonic Orchestra. La sua musica scorre come l'acqua, è un ottimo modo per rilassarsi con essa.

Le melodie e le canzoni del popolo russo hanno ispirato il lavoro di famosi compositori della seconda metà del XIX secolo. Tra loro c'erano P.I. Čajkovskij, M.P. Musorgskij, M.I. Glinka e A.P. Borodin. Le loro tradizioni furono continuate da un'intera galassia di figure musicali eccezionali. I compositori russi del 20° secolo sono ancora popolari.

Aleksandr Nikolaevič Scriabin

Creatività di A.N. Scriabin (1872-1915), compositore russo e talentuoso pianista, insegnante e innovatore, non può lasciare nessuno indifferente. Nella sua musica originale e impulsiva, a volte si sentono momenti mistici. Il compositore è attratto e attratto dall'immagine del fuoco. Anche nei titoli delle sue opere Scriabin ripete spesso parole come fuoco e luce. Ha cercato di trovare la possibilità di combinare suono e luce nelle sue opere.

Il padre del compositore, Nikolai Alexandrovich Scriabin, era un famoso diplomatico russo e attivo consigliere di stato. Madre - Lyubov Petrovna Skryabina (nata Shchetinina), era conosciuta come una pianista di grande talento. Si è diplomata con lode al Conservatorio di San Pietroburgo. La sua carriera professionale iniziò con successo, ma subito dopo la nascita di suo figlio morì di tisi. Nel 1878, Nikolai Alexandrovich completò i suoi studi e ricevette un incarico presso l'ambasciata russa a Costantinopoli. L'educazione del futuro compositore fu continuata dai suoi parenti stretti: sua nonna Elizaveta Ivanovna, sua sorella Maria Ivanovna e la sorella di suo padre Lyubov Alexandrovna.

Nonostante il fatto che all'età di cinque anni Scriabin imparò a suonare il pianoforte e poco dopo iniziò a studiare composizioni musicali, secondo la tradizione di famiglia, ricevette un'educazione militare. Si è diplomato al 2° Corpo dei Cadetti di Mosca. Parallelamente prende lezioni private di pianoforte e teoria musicale. Successivamente entrò al Conservatorio di Mosca e si diplomò con una piccola medaglia d'oro.

All'inizio della sua attività creativa, Scriabin seguì consapevolmente Chopin e scelse gli stessi generi. Ma già allora il suo talento era già emerso. All'inizio del XX secolo scrisse tre sinfonie, poi “Poema dell'estasi” (1907) e “Prometeo” (1910). È interessante notare che il compositore ha integrato la partitura di Prometeo con una parte leggera di tastiera. È stato il primo a utilizzare la musica leggera, il cui scopo è caratterizzato dalla rivelazione della musica mediante il metodo della percezione visiva.

La morte accidentale del compositore interruppe il suo lavoro. Non ha mai realizzato il suo piano di creare "Mystery" - una sinfonia di suoni, colori, movimenti, odori. In quest'opera, Scriabin ha voluto raccontare a tutta l'umanità i suoi pensieri più intimi e ispirarli a creare un nuovo mondo, segnato dall'unione dello Spirito Universale e della Materia. Le sue opere più significative furono solo la prefazione a questo grandioso progetto.

Il famoso compositore, pianista e direttore d'orchestra russo S.V. Rachmaninov (1873-1943) nacque in una ricca famiglia nobile. Il nonno di Rachmaninov era un musicista professionista. Sua madre gli diede le prime lezioni di pianoforte e in seguito invitarono l'insegnante di musica A.D. Ornatskaja. Nel 1885, i suoi genitori lo mandarono in un collegio privato con il professore del Conservatorio di Mosca N.S. Zverev. L'ordine e la disciplina nell'istituto scolastico hanno avuto un'influenza significativa sulla formazione del futuro carattere del compositore. Successivamente si è diplomato al Conservatorio di Mosca con una medaglia d'oro. Mentre era ancora studente, Rachmaninov era molto popolare tra il pubblico moscovita. Ha già creato il suo "Primo Concerto per pianoforte", così come alcune altre romanze e opere teatrali. E il suo “Preludio in do diesis minore” divenne una composizione molto popolare. Grande PI Čajkovskij ha attirato l'attenzione sul lavoro di laurea di Sergei Rachmaninov: l'opera "Oleko", che ha scritto sotto l'impressione della poesia di A.S. Pushkin "Zingari". Pyotr Ilyich ha realizzato la sua produzione al Teatro Bolshoi, ha cercato di aiutare con l'inclusione di quest'opera nel repertorio del teatro, ma è morto inaspettatamente.

Dall'età di vent'anni Rachmaninov insegnò in diversi istituti e diede lezioni private. Su invito del famoso filantropo, figura teatrale e musicale Savva Mamontov, all'età di 24 anni il compositore divenne il secondo direttore dell'Opera privata russa di Mosca. Lì divenne amico di F.I. Chaliapin.

La carriera di Rachmaninov fu interrotta il 15 marzo 1897 a causa della mancata accettazione della sua innovativa Prima Sinfonia da parte del pubblico di San Pietroburgo. Le recensioni di questo lavoro sono state davvero devastanti. Ma la delusione più grande del compositore fu la recensione negativa lasciata da N.A. Rimsky-Korsakov, la cui opinione Rachmaninov apprezzava molto. Successivamente cadde in una depressione prolungata, dalla quale riuscì a uscire con l'aiuto dell'ipnotizzatore N.V. Dalia.

Nel 1901 Rachmaninov completò il lavoro sul Secondo Concerto per pianoforte. E da questo momento è iniziata la sua attiva attività creativa come compositore e pianista. Lo stile unico di Rachmaninov combinava canti della chiesa russa, romanticismo e impressionismo. Considerava la melodia il principio guida principale della musica. Ciò ha trovato la sua massima espressione nell’opera preferita dell’autore, la poesia “Bells”, che ha scritto per orchestra, coro e solisti.

Alla fine del 1917, Rachmaninov e la sua famiglia lasciarono la Russia, lavorarono in Europa e poi andarono in America. Il compositore ha avuto difficoltà a vivere la rottura con la sua terra natale. Durante la Grande Guerra Patriottica, tenne concerti di beneficenza, i cui proventi furono inviati al Fondo dell'Armata Rossa.

La musica di Stravinskij si distingue per la sua diversità stilistica. All'inizio della sua attività creativa, si basava sulle tradizioni musicali russe. E poi nelle opere si sente l'influenza del neoclassicismo, caratteristico della musica francese di quel periodo e della dodecafonia.

Igor Stravinsky è nato a Oranienbaum (ora Lomonosov), nel 1882. Il padre del futuro compositore Fyodor Ignatievich è un famoso cantante d'opera, uno dei solisti del Teatro Mariinsky. Sua madre era la pianista e cantante Anna Kirillovna Kholodovskaya. Dall'età di nove anni, gli insegnanti gli hanno insegnato lezioni di pianoforte. Dopo essersi diplomato, su richiesta dei suoi genitori, è entrato nella facoltà di giurisprudenza dell'università. Per due anni, dal 1904 al 1906, prese lezioni da N.A. Rimsky-Korsakov, sotto la cui guida scrisse le sue prime opere: uno scherzo, una sonata per pianoforte e la suite "Fauno e pastorella". Sergei Diaghilev ha molto apprezzato il talento del compositore e gli ha offerto collaborazione. Il risultato del lavoro congiunto sono stati tre balletti (messi in scena da S. Diaghilev): "L'uccello di fuoco", "Petrushka", "La sagra della primavera".

Poco prima della prima guerra mondiale, il compositore partì per la Svizzera, poi in Francia. Inizia un nuovo periodo nel suo lavoro. Studia gli stili musicali del XVIII secolo, scrive l'opera Edipo Re e la musica per il balletto Apollo Musagete. La grafia del suo autore è cambiata più volte nel tempo. Il compositore ha vissuto negli Stati Uniti per molti anni. La sua ultima opera famosa è “Requiem”. Una caratteristica speciale del compositore Stravinsky è la capacità di cambiare costantemente stili, generi e direzioni musicali.

Il compositore Prokofiev è nato nel 1891 in un piccolo villaggio nella provincia di Ekaterinoslav. Il mondo della musica gli è stato aperto da sua madre, una brava pianista che spesso eseguiva opere di Chopin e Beethoven. È diventata una vera mentore musicale per suo figlio e, inoltre, gli ha insegnato il tedesco e il francese.

All'inizio del 1900, il giovane Prokofiev riuscì ad assistere al balletto “La bella addormentata” e ad ascoltare le opere “Faust” e “Principe Igor”. L'impressione ricevuta dalle rappresentazioni dei teatri di Mosca è stata espressa nella sua stessa creatività. Scrive l'opera "Il Gigante" e poi l'ouverture di "Desert Shores". I genitori si rendono presto conto che non possono continuare a insegnare la musica al figlio. Ben presto l'aspirante compositore, all'età di undici anni, fu presentato al famoso compositore e insegnante russo S.I. Taneyev, che chiese personalmente a R.M. Gliera per studiare composizione musicale con Sergei. S. Prokofiev ha superato gli esami di ammissione al Conservatorio di San Pietroburgo all'età di 13 anni. All'inizio della sua carriera, il compositore è stato molto in tournée e si è esibito. Tuttavia, il suo lavoro ha causato incomprensioni tra il pubblico. Ciò era dovuto alle caratteristiche delle opere, che erano espresse come segue:

• stile modernista;
• distruzione dei canoni musicali stabiliti;
• stravaganza e ingegnosità delle tecniche compositive

Nel 1918 S. Prokofiev se ne andò e tornò solo nel 1936. Già in URSS scriveva musica per film, opere e balletti. Ma dopo essere stato accusato, insieme ad altri compositori, di “formalismo”, si trasferì praticamente a vivere in campagna, ma continuò a scrivere opere musicali. La sua opera "Guerra e pace", i balletti "Romeo e Giulietta", "Cenerentola" sono diventati proprietà della cultura mondiale.

I compositori russi del 20 ° secolo, vissuti all'inizio del secolo, non solo preservarono le tradizioni della precedente generazione di intellighenzia creativa, ma crearono anche la loro arte unica, per la quale le opere di P.I. Čajkovskij, M.I. Glinka, N.A. Rimskij-Korsakov.

Per permettermi di parlare come un usignolo dell'argomento dichiarato, voglio subito definire un po' la terminologia: come chiameremo musica classica e chi sono i moderni compositori di musica classica? E in queste questioni forse mi affiderò completamente all'opinione di Stephen Fry, di cui ho letteralmente divorato il libro sulla storia della musica classica. Quindi, se qualcuno non è d'accordo con me: domande, per favore, non a me - a Stephen Fry :). COSÌ,

• Musica classica. A rigor di termini, questo termine si riferisce solo a un periodo abbastanza breve del classicismo (circa 1750-1830). Ma se siamo solo ascoltatori, ditemi: abbiamo bisogno di questi rigori? Pertanto, la grande massa delle persone ha sviluppato una forte abitudine di chiamare classica qualsiasi musica seria che richiede un certo sforzo emotivo e attenzione per essere ascoltata.
• Compositori moderni. Si ritiene tradizionalmente che la musica classica sia la musica che ha resistito alla prova del tempo, la musica del passato. Di quali compositori contemporanei possiamo parlare allora? Si scopre che la musica classica non può essere moderna? No, dopo tutto, quando siamo passati al 21° secolo e il 20° secolo è diventato il passato, si è verificata una certa metamorfosi. Da un lato: il secolo scorso permette che la sua musica venga trattata come classica. D'altra parte: eccolo, ci abbiamo vissuto abbastanza recentemente! Pertanto, questa musica è moderna.

Top list: compositori di musica classica contemporanea

Sulla base dei punti sopra indicati, sono pronto a presentarvi il mio top cortissimo. Non pretende di elencare tutti i nomi meritati; riflette solo le mie opinioni personali. Non seguo né la cronologia né la classifica delle opere di musica classica moderna. Quindi ecco l'elenco:

Maurizio Ravel

La sua opera più famosa è Bolero. Gli atteggiamenti nei suoi confronti sono molto contraddittori: alcuni non la considerano affatto musica classica, altri ne sono entusiasti. L'ho ascoltato dal vivo più volte e lo adoro.

Sergei Rachmaninov

Rapsodia su un tema di Paganini. Paganini è un compositore classico che ha dato ai compositori moderni un tema quasi eterno!

Dmitri Shostakovich

Se non sbaglio, durante la sua vita è stato definito un classico. Lo rispetto, ma ho ancora bisogno di scoprire la sua musica da solo.

Sergej Prokofiev

La mia preferita è la Danza dei Cavalieri del balletto Romeo e Giulietta. Questo lavoro è esattamente lo standard per me: sia moderno che classico.

Carlo Orff

Non so come si chiami la forma dell'opera che lo ha reso famoso. Questo è Carmina Burana, nel nostro teatro è indicato come “Spettacolo musicale e coreografico per coro, solisti, balletto, orchestra”. In generale, Orff prese le poesie dei poeti vaganti medievali e le mise in musica. Si dice che dopo aver terminato quest'opera, il compositore abbia ordinato al suo editore di distruggere tutto ciò che era stato scritto in precedenza.

Compositori contemporanei di musica da film classica del XX secolo

Ora voglio citare Fry:

Musica da film: non è forse nuova musica classica?

Quindi, la mia lista di compositori cinematografici del 20° secolo, cioè compositori classici moderni, è piuttosto breve. Forse tu, lettori, lo completerai con la tua musica da film preferita?

Leonard Bernstein

Questo non è il tipo di musica classica che potrei definire il mio preferito, ma è molto famoso. Sto parlando del musical "West Side Story" - una variazione moderna sul tema di Romeo e Giulietta.

Nino Rota

Compositore italiano che ha scritto musiche per molti film cult del XX secolo. La sua versione di Romeo e Giulietta è strepitosa! Per molto tempo ho pensato che fosse una specie di musica antica, medievale. Sono rimasto piuttosto sorpreso quando ho scoperto che era molto moderno.

Alfred Schnittke

Probabilmente il compositore più moderno tra tutti quelli elencati. È stata una vera scoperta per me, almeno quello che ho ascoltato e quello che ora pubblicherò.

C'è anche un intero gruppo di compositori moderni che scrivono musica classica: l'avanguardia. Ma non lo capisco affatto e non ho assolutamente alcuna lista in questa direzione! Cito ancora Fry:

Naturalmente, i cambiamenti sono sempre avvenuti: sono apparse nuove composizioni spaventose - persino scioccanti - dalle quali il pubblico è semplicemente rimasto muto ed è stato intriso del desiderio di tornare a casa il più rapidamente possibile. Ricorda Wagner, Beethoven, Bach: tutti terrorizzavano il pubblico. Forse non così spesso come mi hanno deliziato, ma sicuramente lo hanno fatto. I compositori dell'onda d'avanguardia fanno così: parlano un linguaggio che non tanto terrorizza il pubblico quanto lo lascia inconsapevole del fatto che di fronte ad esso c'è la musica e, quindi, c'è motivo di essere terrorizzato.

“Compositori del 21° secolo per bambini” Andrey Klassen Beketova Nina Aleksandrovna Istituto comunale autonomo di cultura per l'educazione prescolare dei bambini Scuola di musica per bambini Territorio di Khabarovsk, Komsomolsk-on-Amur Festival panrusso di esperienza pedagogica avanzata "Metodi e tecniche moderni di insegnamento" Periodico elettronico NAUKOGRAD

Andrey Klassen è nato il 14 gennaio 1955. Nella piccola città mineraria di Saran vicino a Karaganda, in una famiglia di tedeschi in esilio, suo padre, Abram Abramovich, era un suonatore di fisarmonica autodidatta. La madre, Maria Genrikhovna, suonava una chitarra a sette corde e aveva una voce magnifica. Le sue due sorelle, Elena ed Elisabeth, hanno ricevuto un'educazione musicale e attualmente vivono e insegnano nelle scuole di musica in Germania.

Anni di studio Diploma di pianista 1974 Scuola di musica di Temirtav. Nel 1979 si è diplomato in pianoforte al Conservatorio statale Glinka di Novosibirsk. Nel 1984 Diplomato alla scuola di specializzazione presso il dipartimento di pianoforte dell'Istituto d'Arte di Vladivostok.

Tra i progetti più grandi di Andrei Klassen c'è la registrazione della partitura orchestrale dell'opera del compositore romantico Gustav Schmidt (Female Fidelity). È stato possibile ricreare il suono orchestrale della partitura ed eseguire quest'opera al Festival dell'Opera di Weinsberg i ruderi del castello dove si svolsero i fatti del 1140.

Le sue ultime composizioni includono una canzone basata sulle poesie di Ella Gerasimenko Se il cuore vive con la musica per un coro di bambini con un ensemble d'archi e pianoforte, che ha dedicato alla Scuola d'arte dei bambini. Dargomyzhsky a Mosca. Questo brano verrà eseguito per la prima volta nel marzo 2013. tra le mura della scuola come parte della celebrazione del 200° anniversario di Dargomyzhsky.

Risorse utilizzate Corrispondenza privata con il compositore sul sito web di Andrei Klassen; Klassen-mussikveland.de, htt://vkontakte.ru Klassen-mussikveland.de, htt://vkontakte.ru, 2012; Andrey Klassen “Schizzi musicali” I taccuino, II taccuino, 1996; Andrey Klassen “Giochi per bambini a 2 e 4 mani”, 1998

Il disco che hai tra le mani è unico a modo suo. Per la prima volta in un quarto di secolo, le opere dei compositori moscoviti della generazione di mezzo, le cui opere determinano in gran parte il volto della musica russa odierna, sono raccolte su un disco. Nonostante tutte le differenze stilistiche, questi autori sono accomunati dal fatto che quattro di loro sono professori al Conservatorio di Mosca, e dal fatto che tutte queste opere sono state registrate da un ensemble con il quale collaborano da molto tempo e fruttuosamente. Questo è lo “Studio della Nuova Musica” sotto la direzione di Igor Dronov. Le composizioni di Yuri Vorontsov e Vladimir Tarnopolsky sono state scritte appositamente per questo ensemble. Tutti i lavori vengono pubblicati su CD per la prima volta.

Vladimir Tarnopolskij
Chevengur per voce e ensemble su testi di Andrei Platonov (2001)

Chevengur è stato commissionato dalla Westdeutsche Rundfunk e dedicato ai suoi primi interpreti: Svetlana Savenko, Igor Dronov e l'ensemble Studio of New Music. Per me Platonov è uno dei più grandi scrittori russi. Rifletteva con penetrante autenticità l'irrazionalismo spontaneo della coscienza russa e dell'intera storia russa del XX secolo. Un profondo crollo esistenziale si coglie nel suo romanzo non solo a livello di trama, ma anche nella struttura stessa del linguaggio: ogni parola platonica è estremamente materiale, nasce superando la colossale resistenza della materia linguistica inerte.

Seguendo Platonov, ho cercato di superare i luoghi comuni timbrici degli strumenti, componendo spettri sonori nuovi e non classici. Per me era importante superare la linea di demarcazione tra parola, voce e timbro strumentale, in modo che gli strumenti “parlino”, e la voce suoni come uno strumento, in modo che i fonemi delle parole siano liberamente distribuiti tra loro.

Volevo ricreare l'idea di Platone di animare una cosa ("vivente" la locomotiva di Platone) e riprodurre i momenti di completa fusione di una persona con un meccanismo funzionante. Cercavo un'opportunità per trasmettere attraverso mezzi musicali il sentimento di perdita universale e di malinconia di Platone, simile a quello sentito nella canzone finale del quasi-soldato "... è un peccato vivere, ed è triste morire". Queste parole di Platonov sono diventate per me una sorta di formula per tutta la nostra storia.

Vladimir Tarnopolskij

Faraj Karaev
Tre Bagatelle (2003)

Tre bagatelle non sono altro che... Tre bagatelle. I brani da concerto leggero, scritti in diverse calde giornate dell'agosto 2003, hanno lo stesso numero di battute con gli stessi cambi di metro e la stessa “griglia” quasi armonica. Si tratta di variazioni ornamentali peculiari, ciascuna delle quali potrebbe essere chiamata 1. Legati normali, 2. Glissandi strani e 3. Staccati gay. Nel codice il movimento oltrepassa i confini della forma, assumendo contorni sempre più indistinti, fino al totale nonsenso.

Faraj Karaev

Yuri Voroncov
Buffatore (2011)

Buffatore è tradotto dall'italiano come soffiatore di vetro. L'idea del saggio nasce da un fugace episodio accaduto durante un viaggio in Italia diversi anni fa. Mia moglie ed io siamo stati a Venezia solo per un giorno. Era autunno. Penso che fosse metà ottobre. Ha piovuto tutto il giorno. L'acqua era assolutamente ovunque. Il piccolo laboratorio di un vetraio veneziano stupisce con il predominio di altri due elementi: fuoco e aria. Il miracolo della nascita del fragile vetro è stato accompagnato dalla macinazione di soffietti gonfiati, da pesanti folate di fiamma, dal clangore di molti dispositivi metallici e dal duro lavoro fisico del Maestro eseguito in modo giocoso.

Yuri Voroncov

Alessandro Vustin
Credo (2004)

Credo per ensemble strumentale con pianoforte solo è stato scritto nel 2004 per ordine della casa editrice francese Le Chant du Monde per un concerto dedicato al 75° anniversario della nascita di Edison Denisov. Tuttavia, in questo saggio non ho cercato di riprodurre le caratteristiche dello stile ED, piuttosto si tratta di una sorta di conversazione con lui dalle “mie posizioni”. Questa è una piccola commedia di 10 minuti, una sorta di simbolo di fede creativa. Alla fine, sulla cresta dello sviluppo, appare il timbro di un basso elettrico. Credo è dedicato ai primi interpreti: Mikhail Dubov e Alexey Vinogradov in memoria di Edison Denisov.

Alessandro Vustin

Yuri Kasparov
Omaggio a Honegger per 9 artisti (2005)

La dedica a Honegger è per me un'opera piuttosto insolita. È insolito se non altro perché in esso ho utilizzato fondamentalmente materiale tematico che non era il mio. Ho fatto qualcosa di simile quando ho scritto la commedia “The Devil's Trills”. Ma questo accadeva nel 1990, e allora il mio compito principale era scrivere qualcosa che potesse incuriosire e affascinare un ascoltatore sovietico che non aveva familiarità con la musica moderna. Nel 2005, ovviamente, mi sono posto un compito completamente diverso. Il mio appello a Honegger non è casuale. Non è solo perché amo la sua musica. Il suo libro “Io sono un compositore” e i suoi articoli, il pessimismo di Honegger, la sua intelligenza e il suo umorismo caustico mi hanno fortemente impressionato durante i miei anni di formazione come musicista.