": conferenza di Paola Volkova. “Chi siamo dal punto di vista dell’origine spirituale?”: conferenza di Paola Volkova Paolo Volkova lezioni sull’arte

Ponte sull'abisso. Commento all'antichità

"Il ponte sull'abisso" è il primo libro di Paola Volkova, scritto da lei sulla base del suo ciclo di lezioni. L'immagine del ponte, secondo la stessa Paola Dmitrievna, non è stata scelta a caso - come metafora dell'intera cultura mondiale, senza la quale non saremmo esistiti. Brillante insegnante e narratrice, attraverso i suoi libri, conferenze e semplicemente conversazioni, ha instillato nei suoi studenti e interlocutori un senso di bellezza, cercando di raggiungere le loro anime e purificarle dall'ottusità accumulata.

Uno dei libri più iconici per qualsiasi persona istruita, Il ponte sull'abisso ci accompagna in un viaggio attraverso i secoli.

Il libro traccia nuove connessioni tra forme lontane che non giacciono in superficie e davanti agli occhi. Da Stonehenge al Globe Theatre, da Creta alla corrida spagnola, dal Mediterraneo europeo al concettualismo del XX secolo: tutto questo è interconnesso e può esistere l'uno senza l'altro.

Ponte sull'abisso. Nello spazio della cultura cristiana

Il dominio del cristianesimo nel mondo medievale ha dato vita all'intera cultura moderna, nello spazio della quale esistiamo dalla nascita alla morte - questo è ciò di cui parla Paola Dmitrievna Volkova nel suo ciclo di conferenze dedicate al tardo Medioevo e al Proto -Rinascimento.

È impossibile considerare quest'epoca come il convenzionale "Secolo oscuro", come qualcosa di mediocre: questo periodo in sé non è meno significativo del Rinascimento.

I geni di questo tempo - San Francesco d'Assisi e Bonaventura, Giotto di Bondone e Dante Alighieri, Andrei Rublev e Teofane il Greco - dialogano ancora con noi attraverso i secoli. Il cardinale Jorge Mario Bergoglio, divenuto Papa eletto di Roma, prende il suo nome in onore del santo di Assisi, resuscitando l'umiltà francescana e invitando a superare un altro ponte sull'abisso delle epoche.

Ponte sull'abisso. Mistici e umanisti

Nessuna cultura, nessuna fase culturale ha un rapporto così diretto con la modernità come il Rinascimento.

Il Rinascimento è il periodo più progressista e rivoluzionario della storia umana. Di questo parla Paola Dmitrievna Volkova nel prossimo libro della serie “Il ponte sull'abisso”, raccogliendo il testimone dal primo critico d'arte, Giorgio Vasari, un vero uomo della sua epoca: scrittore, pittore e architetto.

Gli artisti del Rinascimento - Sandro Botticelli e Leonardo da Vinci, Raffaello e Tiziano, Hieronymus Bosch e Pieter Bruegel il Vecchio - non furono mai solo artisti. Erano filosofi, erano incaricati dei principali e fondamentali problemi dell'epoca. I pittori del Rinascimento, tornando agli ideali dell'antichità, crearono un concetto coerente del mondo con unità interna e riempirono i soggetti religiosi tradizionali con contenuti terreni.

Ponte sull'abisso. Grandi maestri

Cos'è venuto prima: l'uomo o lo specchio? Questa domanda viene posta da Paola Dmitrievna Volkova nel quarto volume della serie “Il ponte sull'abisso”. Per i grandi maestri, un ritratto è sempre stato non solo l'immagine di una persona, ma anche uno specchio, che riflette non solo la bellezza esterna, ma anche quella interna. Un autoritratto è una domanda a se stessi, una riflessione e la risposta che segue. Diego Velazquez, Rembrandt, El Greco, Albrecht Dürer: tutti ci lasciano in questo genere l'amara confessione di una vita.

Quali specchi venivano utilizzati per abbellire le bellezze di un tempo? Venere, emergendo dalle acque, vide il suo riflesso in esse e fu compiaciuta di se stessa, e Narciso si congelò per sempre, scioccato dalla sua stessa bellezza. Le tele, che durante il Rinascimento riflettevano solo l'immagine ideale, e in seguito la personalità di una persona, diventavano specchi eterni per chiunque osa guardarli dentro - come in un abisso - per davvero.

Questa pubblicazione è un ciclo rivisto “Il ponte sull'abisso” nella forma in cui è stato concepito dalla stessa Paola Dmitrievna - in ordine storico e cronologico. Comprenderà anche lezioni inedite provenienti dall'archivio personale.

Ponte sull'abisso. Impressionisti e Novecento

La storia dell’impressionismo, che una volta per tutte influenzò tutta l’arte successiva, copre solo 12 anni: dalla prima mostra nel 1874, dove fu presentata la famosa “Impressione”, all’ultima, ottava, nel 1886. Edouard Manet e Claude Monet, Edgar Degas e Auguste Renoir, Henri de Toulouse-Lautrec e Paul Gauguin – con i quali inizia questo libro – furono tra i primi a pronunciarsi contro le convenzioni della pittura “classica” emerse a quel tempo.

La storia di questa famiglia, raccontata in questo libro dall'autrice della famosa serie “Il ponte sull'abisso” Paola Volkova, è un esempio della vita dei veri intellettuali russi, “uno stemma diretto del loro onore familiare, un diretto dizionario delle loro connessioni radicali”.

Da Giotto a Tiziano. Titani del Rinascimento

Il Rinascimento è il periodo più progressista e rivoluzionario della storia umana. Gli artisti del Rinascimento - Sandro Botticelli e Leonardo da Vinci, Raffaello e Tiziano, Hieronymus Bosch e Pieter Bruegel il Vecchio - non furono mai solo artisti.

Erano filosofi, erano incaricati dei principali e fondamentali problemi dell'epoca. Ritornando agli ideali dell'antichità, crearono un concetto coerente del mondo con unità interna e riempirono le storie religiose tradizionali con contenuti terreni.

Questa pubblicazione illustrata contiene le conferenze di Paola Dmitrievna Volkova, autrice della famosa serie “Il ponte sull'abisso”, dedicata ai veri titani del Rinascimento, rivista e ampliata per comodità del lettore.

Abbiamo assistito a numerose conferenze e corsi sulla storia dell'arte da tutto il mondo. Non c'è niente di meglio di Paola Volkova. Non è solo una specialista di enorme erudizione e competenza, ma, cosa importante, ama sinceramente l'arte e non si avvicina ad essa in modo puramente formale.

Paola Volkova Conversazioni sull'arte

Nella primavera e nell'estate del 2012 presso l'Università Aperta di Skolkovo Paola Dmitrievna Volkova leggere una serie di conferenze dal titolo generale “ Conversazioni Di arte" Mondo arte La Grecia e Roma acquisiscono improvvisamente integrità e chiarezza: i ciottoli di un complesso mosaico di conoscenza sull'antichità si inseriscono in un tutt'uno. I grandi filosofi, drammaturghi e scultori della Grecia si avvicinano molto, basta tendere la mano... Immagini familiari e un po' dimenticate - le Olimpiadi, gli efebi, l'architettura, la pittura vascolare, le sculture, le feste - prendono improvvisamente vita e cominciano a parlare la lingua di Eschilo. E tutto il mondo dell'Hellas è a portata di mano.

Ciclo di programmi “Il ponte sull'abisso”

La serie di programmi televisivi “Bridge over the Abyss” è il progetto dell'autore di Paola Volkova, dedicato ai capolavori delle belle arti. "L'idea di un programma televisivo del genere è nata in modo del tutto inaspettato", ha detto Paola Dmitrievna. – Stavo preparando un lavoro scientifico in più volumi sulla storia dell’arte europea. Il libro ha esattamente lo stesso titolo: "Il ponte sull'abisso". Si basava su lezioni che ho tenuto per molti anni ai miei studenti dei Corsi Superiori per Sceneggiatori e Registi. Ma è successo che uno dei miei studenti, Andrei Zaitsev, ha avuto l'idea di trasformare questo corso di lezioni in un programma televisivo e trasmettere le conversazioni. Il nome sia del libro che del programma non è stato scelto a caso, perché l'immagine del ponte è un'immagine della cultura mondiale, senza la quale non saremmo esistiti. La serie ha ricevuto un premio dal "Television Press Club" sulla base dei risultati della stagione televisiva 2012/2013 "per una presentazione capiente della storia della pittura mondiale come una mega trama sfaccettata".

A proposito di Paola Volkova

Paola Volkova, in arte Ola Odesskaya, era una creatura straordinaria.
Senza eccezione, tutti coloro che l'hanno incontrata almeno una volta sono d'accordo con questo.
Ha creato un mito dalla sua vita,
portando con noi la maggior parte dei segreti, lasciando a noi la decisione,
cosa le è successo veramente
e quello che era solo il frutto della sua irrefrenabile fantasia.

Ritratto di Paola Volkova. L'artista Vladimir Weisberg
Era impossibile seguire la sua lezione di storia dell’arte alla VGIK e gli studenti pendevano da ogni parola di Paola Dmitrievna. Il direttore Vadim Yusupovich Abdrashitov ha parlato di queste lezioni come segue: “Ha parlato di cosa sono l'arte e la cultura per la vita umana, che questa non è solo la voce centrale di alcune spese di bilancio. È come se questa fosse la vita stessa. L'esperto cinematografico Kirill Emilievich Razlogov ha detto: “Paola Dmitrievna era una leggenda. Una leggenda alla VGIK, dove insegnava, una leggenda della perestrojka, quando entrò nell'ampia distesa della nostra cultura, una leggenda quando combatté per la memoria di Tarkovsky, con il quale conosceva da vicino, attorno alla cui eredità divamparono serie battaglie. " Il fotografo, giornalista e scrittore Yuri Mikhailovich Rost è sicuro che questa sia "una donna assolutamente eccezionale, una persona che ha dato vita culturale a un gran numero di registi, una persona di conoscenza enciclopedica, fascino..." Il regista Alexander Naumovich Mitta assicura: " Quando parlava di arte, era come se si stesse trasformando in una specie di diamante. Tutti l'amavano, lo sai. In ogni azienda c'è qualcuno migliore degli altri. Il generale di questa faccenda. Era un generale nel suo campo. Paola Volkova conosceva tutti i grandi artisti, attori, registi - tutti i creatori di questa o quell'epoca, come se vivesse in quel momento, e lei stessa era la loro musa ispiratrice. E le credevano che fosse tutto così.

Pagina corrente: 1 (il libro ha 3 pagine in totale) [passaggio di lettura disponibile: 1 pagina]

Lezioni sull'arte della professoressa Paola Volkova
Libro 1
Paola Dmitrievna Volkova

©Paola Dmitrievna Volkova, 2017

ISBN 978-5-4485-5250-2

Creato nel sistema editoriale intellettuale Ridero

Prefazione

Hai tra le mani il primo libro, che comprende lezioni uniche della professoressa di storia dell'arte Paola Dmitrievna Volkova, da lei tenute ai Corsi Superiori per registi e sceneggiatori nel periodo 2011-2012.

Volkova Paola Dmitrievna

Coloro che hanno avuto la fortuna di assistere alle lezioni di questa straordinaria donna non le dimenticheranno mai.

Paola Dmitrievna è una studentessa di grandi persone, tra cui Lev Gumilev e Merab Mamardashvili. Non solo ha insegnato alla VGIK e ai Corsi Superiori per registi e sceneggiatori, ma è stata anche la massima esperta mondiale dell'opera di Tarkovsky. Paola Volkova non solo ha tenuto conferenze, ma ha anche scritto sceneggiature, articoli, libri, tenuto mostre, recensito e condotto programmi televisivi sull'arte.

Questa donna straordinaria non era solo un'insegnante brillante, ma anche una grande narratrice. Attraverso i suoi libri, le sue conferenze e semplicemente le sue conversazioni, ha instillato nei suoi studenti e ascoltatori un senso di bellezza.

Paola Dmitrievna è stata paragonata alla Biblioteca di Alessandria e le sue lezioni sono diventate una rivelazione non solo per la gente comune, ma anche per i professionisti.

Nelle opere d'arte sapeva vedere ciò che di solito è nascosto da occhi indiscreti, conosceva quel linguaggio segretissimo dei simboli e sapeva spiegare con le parole più semplici cosa nasconde questo o quel capolavoro. Era una stalker, una guida-traduttrice tra le epoche.

La professoressa Volkova non era solo un deposito di conoscenza, era una donna mistica, una donna senza età. Le sue storie sull'antica Grecia, la cultura di Creta, la filosofia della Cina, i grandi maestri, le loro creazioni e destini erano così realistiche e piene dei più piccoli dettagli che suggerivano involontariamente l'idea che lei stessa non solo vivesse in quei tempi, ma anche conosceva personalmente tutti coloro di cui era stata raccontata la storia.

E ora, dopo la sua partenza, hai una grande opportunità per immergerti in quel mondo dell'arte, che, forse, non sospettavi nemmeno, e, come un viaggiatore errante assetato, bere dal pozzo più puro della conoscenza.

Lezione n. 1. Scuola Fiorentina – Tiziano – Piatigorskij – Byron – Shakespeare

Volkova: Guardo i ranghi che si diradano...

Studenti: Niente, ma prendiamo la qualità.

Volkova: Cosa mi importa? Non ne ho bisogno. Ne hai bisogno.

Studenti: Diremo loro tutto.

Volkova: COSÌ. Abbiamo un argomento molto importante che abbiamo iniziato l'ultima volta. Se ricordate, parlavamo di Tiziano. Senti, voglio chiederti questo: ti ricordi che Raffaello fu allievo della scuola fiorentina?

Studenti: SÌ!

Volkova: Era un genio e il suo genio ebbe un effetto molto interessante. Non ho mai visto un artista più perfetto. Lui è l'Assoluto! Quando guardi le sue cose, inizi a capire la loro purezza, plasticità e colore. Una fusione assoluta tra Platone e Aristotele. Nei suoi dipinti c'è proprio il principio aristotelico, l'intellettualismo aristotelico e la concettualità aristotelica, che cammina accanto all'alto principio platonico, con tanta perfezione di armonia. Non è un caso che nella “Scuola di Atene”, sotto l’arco, abbia dipinto Platone e Aristotele che camminano fianco a fianco, perché non c’è divario interno in queste persone.

Scuola di Atene

La scuola fiorentina ha origine nella drammaturgia giottiana, dove c'è una ricerca di un certo spazio e di un'attitudine al filosofare. Direi addirittura filosofare poetico. Ma i veneziani sono tutta un'altra scuola. Per quanto riguarda questa scuola, ho preso questo pezzo di Giorgione “Madonna di Castelfranco”, dove San Giorgio somiglia più alla Giovanna d’Arco di Voltaire.

Guardala. I fiorentini non potevano dipingere la Madonna così. Guarda, è impegnata con se stessa. Tale isolamento spirituale. Ci sono momenti in questa immagine che certamente non sono mai accaduti prima. Questa è la riflessione. Cose legate alla riflessione. L'artista dà alcuni momenti complessi al movimento interno, ma non una direzione psicologica.

Madonna di Castelfranco

Se riassumiamo ciò che sappiamo sui veneziani e su Tiziano, allora possiamo dire che in un mondo che cattura Venezia con la sua vita speciale, con la sua complessa produttività sociale e turbolenze storiche, si può vedere e sentire la carica interna di un sistema pronto per esaurirsi. Guarda questo ritratto di Tiziano appeso nella Galleria di Palazzo Pitti.

Ritratto di un uomo sconosciuto con gli occhi grigi

Ma prima, nella nostra intima compagnia, devo ammettere che una volta ero innamorato di questo compagno nella foto. In effetti, mi sono innamorato dei dipinti due volte. La prima volta che mi sono innamorata è stata quando ero studentessa. Avevamo un album dell'Hermitage prebellico a casa nostra e conteneva il ritratto di un giovane in tunica, dipinto da Van Dyck. Ha dipinto il giovane Lord Philip Warren, che aveva la mia stessa età. Ed ero così affascinato dal mio coetaneo che, ovviamente, ho subito immaginato la nostra meravigliosa amicizia con lui. E sai, mi ha salvato dai ragazzi del cortile: erano volgari, combattivi, ma qui abbiamo rapporti così alti.

Ma, sfortunatamente, io sono cresciuto e lui no. Questo è stato l'unico motivo per cui ci siamo lasciati (risata). E il mio secondo amore è avvenuto quando ero studente del 2° anno. Mi sono innamorato del ritratto di un uomo sconosciuto con gli occhi grigi. Non siamo rimasti indifferenti l'uno all'altro per molto tempo. Spero che approvi la mia scelta?

Studenti: Indubbiamente!

Volkova: In questo caso ci sposteremo in un ambito molto interessante per il nostro rapporto con l'arte o le opere d'arte. Ricordi come abbiamo concluso l'ultima lezione? Ho detto che la superficie pittorica stessa del dipinto diventa di per sé preziosa. Esso stesso è già il contenuto dell'immagine. E Tiziano ha sempre avuto questo valore intrinseco assolutamente pittoresco. Era un genio! Cosa accadrà ai suoi dipinti se si rimuove lo strato pittorico e si lascia solo la pittura di fondo? Niente. Il suo dipinto rimarrà un dipinto. Resterà comunque un'opera d'arte. Dall'interno. A livello intracellulare, la base, questo è ciò che rende un pittore un artista brillante. Ed esternamente si trasformerà in un dipinto di Kondinsky.

È molto difficile paragonare Tiziano a chiunque altro. È progressista. Guarda come, attraverso l'ombra che cade sul muro color argento, collega pittorescamente questo ritratto con lo spazio in cui vive questa persona. Non puoi nemmeno immaginare quanto sia difficile scrivere. Una combinazione così sorprendente di uno spazio leggero, vibrante d'argento, questa pelliccia che indossa, una specie di pizzo, capelli rossastri e occhi molto chiari. Vibrazione grigio-blu dell'atmosfera.

Ha un dipinto appeso... non ricordo dove, né a Londra né al Louvre. No, sicuramente non al Louvre, alla National Gallery di Londra. Quindi, in questa foto c'è una donna seduta con un bambino in braccio. E quando lo guardi, ti sembra che questo dipinto sia arrivato qui per caso, perché è semplicemente impossibile immaginare che questa sia opera di Tiziano. È stato dipinto in un modo che ricorda qualcosa tra Claude Monet e Pissarro - utilizzando la tecnica del puntinismo, che crea proprio questo tremore dell'intero spazio dell'immagine. Ti avvicini e non credi ai tuoi occhi. Lì non puoi più vedere i talloni o il viso del bambino, ma si vede solo una cosa: ha superato Rembrandt in libertà. Non è un caso che Vasily Kondinsky abbia detto: “Ci sono solo due artisti nell'arte mondiale che posso chiamare pittori astratti. Non non oggettivi: sono oggettivi, ma astratti. Questi sono Tiziano e Rembrandt." Perché? Perché, se prima di loro tutta la pittura si comportava come pittura che colora un oggetto, allora Tiziano includeva il momento del colorare, il momento della pittura come colore indipendente dall'oggetto. Come, ad esempio, “St. Sebastiano" all'Ermitage. Quando ti avvicini molto, non vedi altro che un caos pittoresco.

C'è un dipinto che tu, stando davanti alla tela, puoi guardare all'infinito. È molto difficile da trasmettere a parole, perché c'è una lettura impressionistica del tutto arbitraria, una lettura dei personaggi o delle personalità che scrive. E non fa differenza chi guardi: Piero della Francesco o il duca umbro Federico da Montefeltro.

San Sebastiano

Questa è solo un'apparenza della lettura. C'è qualcosa di significativo qui, perché non è possibile dare una descrizione completa di una persona in modo inequivocabile, perché c'è energia e ciò che ognuno di noi espone o nasconde in se stesso. Tutto questo è un testo complesso. Quando Tiziano dipinge un ritratto di un uomo, enfatizza il viso, il gesto e le mani. Il resto è un po' nascosto. Tutto il resto è costruito su questa drammaturgia.

Ma torniamo ancora al ritratto di un uomo sconosciuto con gli occhi grigi. In realtà questo è Ippolito Riminaldi. Guarda come tiene il guanto. Come un pugnale. Non ti trovi di fronte a un personaggio, ma a un individuo molto complesso. Tiziano è molto attento ai suoi contemporanei. Li capisce e, quando crea le loro immagini, le fa parlare con noi in una lingua speciale di Tiziano. Crea nella pittura un mondo storico straordinario e il ritratto di Riminaldi è qualcosa di incredibile. Dopotutto, il potere e la rilevanza duratura di questa tela storica possono essere paragonati solo a Shakespeare.

E guarda il ritratto di Paolo III e dei suoi due nipoti. Ho visto questa foto nell'originale. Questo è uno spettacolo incredibile! Sembra scritto con il sangue, solo con toni diversi. Viene chiamato anche rosso e stravolge lo schema cromatico che Tiziano aveva impostato per il dipinto. Per la prima volta il colore dalla definizione della forma: coppa, fiore, mano, diventa contenuto della forma.

Paolo III con i suoi nipoti

Studenti: Paola Dmitrievna, che dire della tela stessa?

Volkova: Te lo dirò adesso. C'è molta distorsione in corso lì. Vedi che il rosso è il colore dominante? Ma non vedrai nemmeno di che colore sono le gambe e la tenda. Semplicemente non percepisci questo colore perché è stato aggiunto spessore alla "vaschetta del sangue". Secolo sanguinoso, azioni sanguinose.

Studenti: Cuori insanguinati.

Volkova: Cuori insanguinati. E cuori crudeli. In generale, una sanguinosa connessione tra i tempi. Prendiamo la stessa tenda. Sembra che sia stata inzuppata del sangue di persone, animali, chiunque altro, e poi cruda e impiccata. Quando guardi l'originale, credimi, diventa spaventoso. Mentalmente difficile. Il Papa ha un'ombra sulla gonna. Vedi? Avvicinati e sembra che questo materiale sia stato afferrato con mani insanguinate. Tutte le ombre qui sono rosse. E come appare debole e marcio senile il mantello... C'è una tale impotenza in esso. Sfondo intriso di sangue...

Studenti: Chi c'è accanto a papà?

Volkova: La risposta è nel titolo stesso (risata). Nipoti. Quello in piedi dietro il Papa è il cardinale Arsenio, e quello a destra è Ippolito. Sapete, molto spesso i cardinali chiamano nipoti i propri figli. Si sono presi cura di loro e li hanno aiutati a fare carriera.

Guardate il berretto che ha in testa il cardinale Arsenij e il suo volto pallido. E questo ragazzo a destra? Questo è qualcosa! La sua faccia è rossa e le sue gambe sono viola! E papà si siede come in una trappola per topi: non ha nessun posto dove andare. Dietro di lui c'è Arseny, e di lato c'è un vero Iago shakespeariano, come se si avvicinasse furtivo con passi silenziosi. E papà ha paura di lui. Guarda come ha premuto la testa sulle spalle. Tiziano ha dipinto un quadro terribile. Che dramma! Questa è una vera drammaturgia teatrale e qui non agisce come il drammaturgo Tiziano, ma come un narratore, come Shakespeare. Perché è dello stesso livello e della stessa intensità, e intende la storia non come storia di fatti, ma come storia di azioni e fatti. E la storia si fa con la violenza e il sangue. La storia non sono le relazioni familiari e, ovviamente, questa è la caratteristica dominante di Shakespeare.

Studenti: Posso fare una domanda? Il Papa ha ordinato proprio un dipinto del genere? Maledetto?

Volkova: Sì, immagina. Inoltre, ha scritto al Papa anche peggio. A Toledo, nella Cattedrale, c'è un'enorme galleria e al suo interno è conservato un ritratto così terribile del Papa. Questa è solo una specie di orrore-orrore-orrore. "Lo zar Koschey siede e langue sul suo oro."

Ha dita così sottili, mani secche, testa depressa, senza cappello. Questo è qualcosa di spaventoso. E immagina, il tempo passa, l'immagine viene accettata e si verifica un evento meraviglioso. Questo Ippolito annega nel Tevere il fratello cardinale, lo stesso che Tiziano dipinse con il volto pallido, come quello di un grande martire. Lo uccise e lo gettò nel Tevere. Perché? Ma perché ostacolava la promozione cardinalizia. Dopodiché, dopo qualche tempo, lo stesso Ippolito diventa cardinale. E poi volle diventare Papa e strangolò Paolo III con una corda di seta. Le visioni di Tiziano erano semplicemente sorprendenti.

In generale, è impossibile mostrare tutto e i suoi ritratti sono diversi, ma più Tiziano invecchia, più sorprendente diventa la loro pittura. Diamo un'occhiata al ritratto di Carlo V, appeso a Monaco.

Si dice che quando Tiziano lo dipinse, Carlo gli diede pennelli e acqua. Questo è un ritratto enorme e verticale. Karl è seduto su una sedia, tutto vestito di nero, un viso così volitivo, la mascella pesante, la testa depressa. Ma c'è qualche stranezza: fragilità nella sua posa e, in generale, è in qualche modo piatto, in via di estinzione. Nella forma sembra disegnato solennemente, ma in sostanza è molto allarmante e molto doloroso. Questo paesaggio grigio: una strada lavata dalla pioggia, alberi cadenti, in lontananza una piccola casa o capanna. Incredibile paesaggio visibile attraverso l'apertura della colonna. Un contrasto inaspettato tra la solennità del ritratto e lo stato molto strano e nervoso di Karl, che non corrisponde affatto alla sua posizione. E anche questo si è rivelato un momento profetico. Cosa c'è che non va qui?

Fondamentalmente tutto è scritto in un unico colore, c'è un tappeto rosso o un tappeto: una combinazione di rosso e nero. Un arazzo, una colonna, ma non è chiaro: la finestra non è una finestra, la galleria non è una galleria, e questo paesaggio sfocato. La capanna è in piedi e tutto è grigio e opaco, come nelle tele successive di Levitan. Davvero una povera Russia. Lo stesso sporco, autunno, non lavato, disordinato, strano. Ma Carlo V diceva sempre che nel suo paese il sole non tramonta mai. Ha la Spagna, le Fiandre in tasca, è l'imperatore di tutto l'Impero Romano d'Occidente. Tutti! E poi le colonie che lavoravano e trasportavano merci con i piroscafi. Enorme movimento di pirati. E questi colori grigi nel ritratto. Come si sentiva in questo mondo? Allora cosa ne pensi? Un bel giorno, Karl redige un testamento in cui divide il suo impero in due parti. Lascia una parte, che comprende la Spagna, le colonie e le Fiandre, a suo figlio, Filippo II, e lascia la parte dell'Europa occidentale dell'impero a suo zio, Massimiliano. Nessuno lo ha mai fatto. Fu il primo e unico ad abdicare inaspettatamente al trono. Perché si comporta in questo modo? In modo che dopo la sua morte non ci sarebbero state guerre civili. Aveva paura di una guerra tra suo zio e suo figlio, perché li conosceva molto bene entrambi. Qual è il prossimo passo? E poi organizza il proprio funerale e, stando alla finestra, osserva la sua sepoltura. Dopo essersi assicurato che il funerale fosse svolto secondo i più alti standard, si recò immediatamente al monastero e prese i voti monastici. Vive e lavora lì da qualche tempo.

Studenti: Il Papa ha dato il suo consenso a questo?

Volkova: E non glielo ha chiesto. È morto per tutti. Non oserebbe nemmeno emettere un suono.

Studenti: Cosa faceva nel monastero?

Volkova: Coltivava fiori e faceva giardinaggio. È diventato giardiniere. Torneremo su questo argomento quando parleremo dei Paesi Bassi. Non è chiaro se il paesaggio di Tiziano abbia avuto un tale effetto su di lui, o se Tiziano, essendo un uomo di genio, abbia visto nella finestra qualcosa che nessuno aveva mai visto, nemmeno lo stesso Carlo. Una finestra è sempre una finestra sul futuro. Non lo so.

Le opere di Tiziano vanno viste. Una riproduzione è molto diversa dall'originale, perché quest'ultimo è il dipinto più raffinato e complesso che possa esistere al mondo. Dal punto di vista dell'arte o del carico che l'arte può assumere o delle informazioni che un pittore può darci. Lui, come Velasquiz, è l'artista numero uno. Una persona descrive quel tempo nell'alfabeto completo del suo tempo. In quale altro modo una persona che vive all'interno del tempo può descriverlo dall'esterno? È prospero, è trattato con gentilezza, è il primo uomo di Venezia, uguale al Papa, uguale a Carlo, e questo lo sapevano le persone che vivevano accanto a lui, perché con i suoi pennelli donava loro l'immortalità. Ebbene, chi ha bisogno che si parli di Karl ogni giorno?! Questo è quello che dicono perché ha consegnato i pennelli all'artista. Più escursioni fanno, più ne parlano. Come ha scritto Bulgakov in “Il Maestro e Margherita”: “Sarai ricordato e anche loro si ricorderanno di me”. Chi altro ha bisogno di Ponzio Pilato? E così, nel finale, camminano fianco a fianco lungo il sentiero lunare. Ecco perché Akhmatova ha detto: “Il poeta ha sempre ragione”. Questa frase appartiene a lei.

E l'artista ha sempre ragione. E in quei tempi lontani i Medici capirono chi era Michelangelo. E Giulio II lo capì. E Karl capì chi era Tiziano. Uno scrittore ha bisogno di un lettore, un teatro ha bisogno di uno spettatore e un artista ha bisogno di carattere e apprezzamento. Solo allora tutto funziona. E tu potrai scrivere Carlo V proprio così e non altrimenti. Oppure Papa Paolo III e lui lo accetterà. E se non ci sono lettori e spettatori, se c'è solo Glazunov, davanti al quale siede Breznev, allora non ci sarà nulla. Come disse l’eroe di Brecht, che insegnò ad Arthur a recitare: “Posso farti diventare un Bismarck! Dimmi solo di quale Bismarck hai bisogno." E vogliono sempre questo e quello. Chiaramente sono degli idioti. E gli chiedi se ha accettato. Ed è per questo che l'ho accettato. La scala è definita, così come l’epoca. Tiziano non esiste nel vuoto. Non esiste Shakespeare nel vuoto. Tutto dovrebbe essere a livello. Ci deve essere un ambiente per l’individuo. Tempo storico, carico di personaggi e manifestazioni di un certo livello. Storia e creazioni. Loro stessi erano creatori. E sebbene qui ci siano molti componenti in gioco, nessuno è mai stato capace di scrivere come Tiziano. Semplicemente comprendendo forma e parola, in questo caso con Tiziano, per la prima volta il colore non è una costruzione, come in Raffaello, ma diventa una forma psicologica e drammatica. Ecco una cosa interessante. Cioè, la pittura diventa contenuto.

Prendiamo lo stesso “Ritratto equestre” di Carlo V al Prado, che è appeso in modo molto interessante. Quando ti trovi di fronte alle scale che portano al secondo piano, lui si blocca proprio di fronte a te. Quali parole possono descrivere questo shock? L'immagine è incredibile! Ma conosco molto bene questa foto. La persona che è dentro la storia. In esso due punti si intersecano: interno ed esterno. Tiziano, allora contemporaneo, descrisse questo condottiero con la sua intuizione profetica come il Cavaliere della Morte. E niente di più. Un grande condottiero, un grande re, un cavallo nero, ancora quel colore rosso, il colore scarlatto del sangue della storia cruenta: sulla lancia, sul volto, sull'armatura, su quelle piume di struzzo tinte che entrarono di moda in quel periodo tempo. Tramonto, cenere e sangue. Non l'alba, ma il tramonto. Scrive sullo sfondo di un tramonto rosso cenere. Tutto il cielo è cenere e sangue. Quindi ti trovi di fronte al dipinto e capisci che davanti a te non c'è solo il ritratto di una persona, ma una sorta di comprensione globale, alla quale Picasso raggiungerà solo nel ventesimo secolo. E, naturalmente, con lui c'è molto nella pittura, anche da Giorgiona. Questo è un intero movimento artistico, un intero genere, uno nuovo: il genere del corpo nudo, che combina molte cose. E ripeto che comunque non potrai mai vedere e capire tutto fino in fondo... Cos'è, cos'è? Che razza di signorina è questa?

"Ritratto equestre" di Carlo V

Studenti: E' Manet! Olimpia!

Volkova: Beh, ovviamente. Ovviamente. Cosa ne dici di questo? Ha qualcosa a che fare con Tiziano?

“Olympia” di Edouard Manet è l’inizio della pittura europea. Non belle arti, ma pittura. Su di esso ha raffigurato una femminista - una vera donna nuova di quel tempo che poteva posare nuda davanti all'artista - la duchessa Isabella Testa. Questo era un periodo in cui le cortigiane governavano il mondo. Ed è lei la duchessa di Urbino, come a dirci: “Non solo sono una donna modernissima, ma è un grande onore per me essere una cortigiana”.

Olimpia – Manet

Le cortigiane di quel tempo non erano donne delle sporche periferie. NO! Erano etere: intelligenti, istruite, capaci di presentarsi, dando slancio alla società. Impulso massimo! Avevano i propri club o saloni dove ricevevano i loro ospiti.

Victorine Meran era una famosa cortigiana e amante di Manet.

Scrisse spesso questa donna disinibita, e parallelamente a lei c'erano i meravigliosi romanzi di Zola, Balzac, George Sand e ciò che descrivevano non era solo morale, non solo storia nella letteratura, ma strumenti alti e molto sensibili dell'epoca. Tornare indietro per andare avanti! Mane ha detto in modo assolutamente deplorevole: “Vado lì per uscire. Vado indietro per lanciare l’arte in avanti!” Manet segue Tiziano. Perché lo sta seguendo? Perché questo è il punto da cui partono i treni. Ritorna su questo punto per andare avanti. Come disse il meraviglioso Khlebnikov: "Per andare avanti verso le parti superiori, dobbiamo salire alla foce". Cioè alla sorgente dove scorre il fiume.

Quiz Merano

Penso che tu capisca tutto.

Nessuno conosceva i segreti di Tiziano. Cioè, sapevano cosa stava scrivendo, ma non riuscivano a capire cosa stesse succedendo lì. E le sue ombre sono un vero mistero. La tela è preparata con un certo colore, che è già traslucido. E questa è una magia straordinaria. Con l'età Tiziano scriveva sempre meglio. Quando vidi per la prima volta “St. Sebastian”, devo dirlo sinceramente, non sono riuscito a capire come fosse scritto e finora nessuno lo ha capito.

Quando ti trovi a una certa distanza dal dipinto, capisci cosa è dipinto, ma quando ti avvicini non puoi vedere nulla: è solo un disastro. Solo un pasticcio pittoresco. Ha impastato la vernice con la mano, su di essa sono visibili tracce delle sue dita. E questo Sebastian è molto diverso da tutto quello che è stato scritto prima. Qui il mondo è gettato nel caos e la vernice che usa è dello stesso colore.

Vedi un dipinto astratto perché il colore del dipinto non risalta. Esso stesso è il contenuto. Questo è un grido sorprendente ed è un grido di vuoto, ma non pensare che tutto questo sia casuale. La seconda metà del XVI secolo, la fine del XVI secolo – erano tempi speciali. Da un lato, questo fu il punto più importante nello sviluppo dell'umanesimo dell'arte e del genio e della scienza europei, perché c'erano Galileo e Bruno. Non hai idea di chi fosse Giordano Bruno! Ed è stato il primo a occuparsi della Groenlandia e della sua ricerca, a dire a cosa la scienza si sta avvicinando solo ora. Era molto arrogante. D'altra parte, il Puritanesimo, l'Inquisizione, l'Ordine degli Isuiti, tutto questo era già operante in quello stato creativo intenso e complesso. La comunità internazionale si sta cristallizzando. E direi: una comunità di intellettuali di sinistra. Curiosamente erano quasi tutti contrari alla Riforma. Riesci a immaginare? Erano tutti contro Martin Lutero. Shakespeare era certamente cattolico e sostenitore del partito Stuart. Questo è al di là di ogni dubbio. Nemmeno anglicano, ma sostenitore del partito Stuart e cattolico.

Dürer, originario della prima città protestante e completamente filistea di Norimberga, fu il più ardente oppositore di Martin Lutero, e quando morì Willy Byte Prince Gamer (?), che corrispondeva con il suo grande amico, il geometra Chertog, scrisse : “Martin Lutero ha ucciso sua moglie. Non è morto di propria morte: sono stati loro i responsabili della sua morte.

Lo stesso vale per Michelangelo. Non pensare che vivessero senza sapere nulla l'uno dell'altro. Facevano parte di una comunità molto interessante, guidata da Jan van Achen, che noi conosciamo come Hieronymus Bosch. Ed era il capo di questa cerchia di persone che si chiamavano Adamiti ed erano apocalittiche. Non si sono pubblicizzati e ne siamo venuti a conoscenza relativamente di recente, ma Bulgakov li conosceva. Quando leggo Bosch, e non ha scritto nient'altro oltre a "Apocalisse" e "Il giudizio universale", allora ti leggerò Bulgakov. Ha molte citazioni di Bosch. Ed è proprio sulla teoria adamita che è scritto “Cuore di cane” e lo dimostrerò letteralmente. Il quadro dell’arte e della vita è piuttosto complesso.

Sapete che alla fine della vita di Michelangelo, nella stessa Cappella Settina, dove dipinse il soffitto, scrisse sul muro “Il Giudizio Universale”? E tutti cominciarono a scrivere “Il Giudizio Universale”. Cominciarono a scrivere un finale tragico, un'apocalisse. Non l'Adorazione dei Magi, ma l'Apocalisse. Ne erano consapevoli. Hanno fissato la data in cui è iniziato. Era un certo gruppo di persone. Ma che nomi! Dürer, Leonardo: tutto. Il centro di questa comunità era nei Paesi Bassi. Scrissero messaggi ai papi. Siamo noi che viviamo nell'ignoranza e non sappiamo cosa stava succedendo nel mondo, perché la storia che leggiamo è scritta in modo ignorante o ideologico. Quando ho avuto accesso alla letteratura vera, sono rimasto stupito dalla misura in cui, da un lato, nella nostra comprensione, la storia è lineare e, dall'altro, appiattita. Ma lei non è così. Ogni punto della storia è sferico e il XVI secolo è un cristallo con un numero enorme di facce. Ci sono molte tendenze lì. E per questo gruppo speciale di persone il Giudizio Universale è già arrivato.

Perché lo pensavano? Lo sostenevano per un motivo. Queste persone erano unite e conoscevano gli stati d'animo degli altri. Nel libro di Vasario sulla vita degli artisti italiani, c'è solo un artista che non è italiano: si tratta di Dürer, che visse permanentemente in Italia. A volte a casa, ma soprattutto in Italia, dove si sentiva bene. Tornava a casa per affari, dove lasciava diari di viaggio, appunti, ecc., ma era profondamente legato alla comunità. Nel tempo hanno vissuto l'uno dall'altro con un piccolo divario, ma nell'ordine delle idee, dello stile di vita, dell'osservazione molto amara e della delusione che li hanno attraversati, sono percepiti dai contemporanei diretti.

Voglio dire che l'epoca di Tiziano, proprio come l'epoca di Shakespeare, è un'epoca di personaggi molto forti e di grandi forme. Bisognerebbe essere Tiziano o Shakespeare per identificare, esprimere e lasciarci tutte queste forme.

Ecco un'altra opera di Tiziano appesa al Louvre: "Tre età". Chi ne ha fatto una copia diretta? Salvador Dalì. Tiziano ha a che fare con le questioni del tempo e lo dimostra. Qui sta un giovane e dietro di lui c'è la sua fine.

Tre età

Studenti: Perché sono disegnati da destra a sinistra?

Volkova: Cosa intendi con da destra a sinistra?

Studenti: Beh, sembra essere consuetudine in Europa...

Volkova: Oh, quali specialisti abbiamo (risata)!

Studenti: Ecco perché te lo sto chiedendo.

Tre Età – Dalì

Volkova: E non sono un esperto. Perché è quello che ha scritto. Dal momento dell'alba al tramonto. A est il sole sorge e a ovest tramonta. Quindi è un’immagine piuttosto surreale. Cosa c'è di interessante in questo? Lupo mannaro! Lupi mannari zoomorfi, molto forti in Goya. Ma non viviamo nel 19esimo secolo. Ma da dove l’ha preso Tiziano? Sente le persone e scrive di lupi mannari. Perciò quando scrive l'Aretino sembra un lupo, e Paolo III sembra un vecchio e logoro bradipo. Dipinge le persone come se fossero creature semiincarnate con istinti predatori, cacciatori, spietati e immorali. Chi pensi che veda come questo adorabile giovane?

Studenti: Un cane! Lupo! Un orso!

Volkova: Predatore! Zanne, baffi. Non vedi che è così affascinante e il suo viso è luminoso. Questo è ingannevole. Un predatore giovane e forte con zanne e sete di lotta tra predatori! Il suo apice è un leone che raggiunge il suo apogeo. Un vecchio lupo è, ovviamente, una cosa inaudita. Non ci sono tre ipostasi del Padre, del Figlio e dello Spirito Santo, come nell'uomo. Decifra diversi aspetti dell'età e ci mostra i principi predatori. Non c'è da stupirsi che Dalì ne abbia fatto una copia. Lui, come Freud, si tuffa nel principio ctonio. E poiché una bestia predatrice si trova nelle profondità degli ctonici, non si può fare nulla. Né l'educazione, né le parole nobili, né le azioni dimostrative serviranno a nulla. Forza, desiderio di potere, insaziabilità, ripetizione della stessa cosa senza conclusioni, senza lezioni! E quando nel Medioevo iniziò questa straordinaria storia di scisma della chiesa o di persecuzione degli eretici, le persone non erano ancora state bruciate sul rogo. Cominciarono a essere bruciati nel XVI secolo. Bruno fu bruciato a cavallo tra il XVI e il XVII secolo. Nel 1600. Le persone furono bruciate nel XVII secolo. Ma non nel 12. Ci furono epidemie, ma non bruciarono. Bruciato dall'Inquisizione. È stato creato per bruciare. Shakespeare, Tiziano, Bosch, Dürer abbandonarono la Controriforma, considerandola malvagia e l'inizio del cammino verso l'apocalisse. Avevano una paura terribile della Bibbia di Lutero, che ora tutti sarebbero venuti e avrebbero scritto quello che volevano. Una delle ultime opere di Dürer, I quattro apostoli, esposta a Monaco vicino a Carlo V.

Quattro Apostoli

E dietro a tutti questi apostoli scrisse i loro detti e presentò questa immagine alla città di Norimberga: “Ai miei cittadini, ai miei compatrioti. Temete i falsi profeti! Ciò non significava che fossero primitivi nella loro religione. Erano persone di un nuovo tempo. E Tiziano sapeva che non esiste un angelo che vive dentro una persona e che l'amore non può diventare una trasformazione angelica. Sapeva che dentro viveva un sogno ctonio e spietato, che predeterminava il cerchio e la sua fine.

Sai, amo davvero la mia professione e questo non è un segreto per te. Ora penso in modo completamente diverso rispetto a 20 anni fa, perché ho iniziato a guardare le cose in modo diverso. La cosa più importante è il flusso di informazioni. Quando guardo le immagini, non solo mi diverto - ogni volta che faccio un'immersione in acque profonde, che può portare alla malattia da decompressione, ma questo stato trasmette una certa immagine del mondo, il cui contenuto resta da comprendere e apprezzare . Ricordi come gli antichi greci valutavano i loro contemporanei? Attraverso un concorso. Tutti coloro che non hanno preso il primo posto hanno ridotto in polvere il proprio lavoro, perché solo un'opzione ha il diritto di esistere: la migliore. VERO. Intorno a noi c’è un numero enorme di artisti pessimi. Forse questo non è così drammatico per la cultura se esiste una scala, ma quando il livello di Tiziano, Bosch, Dürer, Shakespeare scompare o è scarso o distorto, allora arriva la fine del mondo. Anch'io sono diventato un apocalittico, non peggiore di Bosch. Non vivo in uno stato di opinione, ma sono molto sorpreso da quanto bene allora sapessero tutto. Conoscevano la natura dell'apocalisse e le sue cause. E hanno elencato tutto nei messaggi ai papi. E lo hanno mostrato in immagini.

Beh, non sei stanco? Ho terribilmente paura che 4 ore potrebbero non bastarmi, e non saranno sufficienti, quindi voglio che il teatro di Shakespeare inizi a leggerti proprio adesso. Ho portato con me tutti i tipi di foto in cui vedrai i suoi contemporanei. Sai, ci sono artisti che sono molto difficili da leggere. Tiziano è difficile da leggere. Non rientra nell'ordine delle parole. Non va bene a nessuno. Questo non è a mia difesa, ma perché, in effetti, ci sono artisti o scrittori di cui è facile parlare o scrivere, ma ci sono quelli che sono più facili da mettere nel cappio. Perché c'è qualcosa di misterioso: ricevi un enorme mare di informazioni, ma non puoi dire nulla. Mi piace molto qualcuno che dice: “Non la donna più bella del mondo può dare più di quello che ha”. È lo stesso qui, quando hai a che fare con una persona brillante e, immergendoti sempre di più in lui, alla fine capisci che è proprio così! – è arrivato il momento della malattia da decompressione e non ci sono informazioni. E questo è Rembrandt o Tiziano, per il quale l'informazione passa attraverso la drammaturgia del colore. Codice colore che attraversa la composizione.

Attenzione! Questo è un frammento introduttivo del libro.

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Chi siamo dal punto di vista dell'origine spirituale? Come si è formata la nostra coscienza artistica, la nostra mentalità e dove possiamo trovare le sue radici? Critica d'arte, critica cinematografica, autrice e conduttrice della serie di documentari sulla storia della cultura mondiale "Il ponte sull'abisso" Paola Dmitrievna Volkova è convinta che siamo tutti ancora gli eredi di una civiltà mediterranea unica - una civiltà creata dagli antichi greci .

“Dovunque starnutisci, ogni teatro ha la sua Antigone.”

Ma qual è la sua particolarità e unicità? E come è riuscita l'antica Grecia, in uno stato di costante guerra civile, senza un unico territorio e un unico sistema politico, a creare una cultura che ancora serve al mondo intero? Secondo Paola Volkova, il segreto del genio greco è che più di duemila e mezzo anni fa riuscirono a creare quattro regolatori artificiali che determinarono la forma del mondo per molti secoli a venire. Queste sono Olimpiadi, palestre, unioni artistiche e feste come componenti importanti della vita di ogni cittadino: dialoghi rituali sulla cosa principale. Pertanto, i Greci sono i creatori di forme e idee così forti e belle che la nostra civiltà continua ancora a muoversi lungo i vettori stabiliti dagli Elleni. Eccolo qui, il ruolo modesto della cultura antica nel plasmare l'aspetto del mondo moderno.

Come funzionavano questi quattro regolatori e cosa hanno di speciale? Lo potrete apprendere da una conferenza di un'ora e mezza tenuta al centro di Skolkovo e che apre l'intera serie conversazioni sull'arte, in cui Paola Volkova ha parlato delle nostre radici spirituali nella cultura mediterranea, di come la coscienza determinava l'esistenza nell'antica Grecia, di ciò che Omero aveva in comune con Vysotsky, di come le Olimpiadi hanno unito la Grecia e sono diventate un sistema cementante per la formazione di una grande cultura mediterranea, e come "Aleksandr Filippovič di Macedonia" distrusse tutto. Proprio nel bel mezzo della conferenza, Paola Dmitrievna sente l'ira degli dei e alla fine della sua storia conclude che i greci sono il gatto del Cheshire che è riuscito a creare il sorriso del mondo:

“I greci creavano idee. Sono fondamentalmente un gatto del Cheshire. Sai cos'è il gatto del Cheshire? Questo è quando c'è un sorriso, ma non c'è un gatto. Hanno creato un sorriso perché c'è pochissima architettura autentica, pochissima scultura autentica, pochissimi manoscritti autentici, ma la Grecia esiste e serve tutti. Sono un gatto del Cheshire. Hanno creato il sorriso del mondo."

Lezioni sull'arte della professoressa Paola Volkova

Paola Dmitrievna Volkova

©Paola Dmitrievna Volkova, 2017

ISBN 978-5-4485-5250-2

Creato nel sistema editoriale intellettuale Ridero

Prefazione

Hai tra le mani il primo libro, che comprende lezioni uniche della professoressa di storia dell'arte Paola Dmitrievna Volkova, da lei tenute ai Corsi Superiori per registi e sceneggiatori nel periodo 2011-2012.

Volkova Paola Dmitrievna

Coloro che hanno avuto la fortuna di assistere alle lezioni di questa straordinaria donna non le dimenticheranno mai.

Paola Dmitrievna è una studentessa di grandi persone, tra cui Lev Gumilev e Merab Mamardashvili. Non solo ha insegnato alla VGIK e ai Corsi Superiori per registi e sceneggiatori, ma è stata anche la massima esperta mondiale dell'opera di Tarkovsky. Paola Volkova non solo ha tenuto conferenze, ma ha anche scritto sceneggiature, articoli, libri, tenuto mostre, recensito e condotto programmi televisivi sull'arte.

Questa donna straordinaria non era solo un'insegnante brillante, ma anche una grande narratrice. Attraverso i suoi libri, le sue conferenze e semplicemente le sue conversazioni, ha instillato nei suoi studenti e ascoltatori un senso di bellezza.

Paola Dmitrievna è stata paragonata alla Biblioteca di Alessandria e le sue lezioni sono diventate una rivelazione non solo per la gente comune, ma anche per i professionisti.

Nelle opere d'arte sapeva vedere ciò che di solito è nascosto da occhi indiscreti, conosceva quel linguaggio segretissimo dei simboli e sapeva spiegare con le parole più semplici cosa nasconde questo o quel capolavoro. Era una stalker, una guida-traduttrice tra le epoche.

La professoressa Volkova non era solo un deposito di conoscenza, era una donna mistica, una donna senza età. Le sue storie sull'antica Grecia, la cultura di Creta, la filosofia della Cina, i grandi maestri, le loro creazioni e destini erano così realistiche e piene dei più piccoli dettagli che suggerivano involontariamente l'idea che lei stessa non solo vivesse in quei tempi, ma anche conosceva personalmente tutti coloro di cui era stata raccontata la storia.

E ora, dopo la sua partenza, hai una grande opportunità per immergerti in quel mondo dell'arte, che, forse, non sospettavi nemmeno, e, come un viaggiatore errante assetato, bere dal pozzo più puro della conoscenza.

Lezioni tenute ai Corsi Superiori per Registi e Sceneggiatori

Lezione n. 1. Scuola Fiorentina – Tiziano – Piatigorskij – Byron – Shakespeare

Volkova: Guardo i ranghi che si diradano...

Studenti: Niente, ma prendiamo la qualità.

Volkova: Cosa mi importa? Non ne ho bisogno. Ne hai bisogno.

Studenti: Diremo loro tutto.

Volkova: COSÌ. Abbiamo un argomento molto importante che abbiamo iniziato l'ultima volta. Se ricordate, parlavamo di Tiziano. Senti, voglio chiederti questo: ti ricordi che Raffaello fu allievo della scuola fiorentina?

Studenti: SÌ!

Volkova: Era un genio e il suo genio ebbe un effetto molto interessante. Non ho mai visto un artista più perfetto. Lui è l'Assoluto! Quando guardi le sue cose, inizi a capire la loro purezza, plasticità e colore. Una fusione assoluta tra Platone e Aristotele. Nei suoi dipinti c'è proprio il principio aristotelico, l'intellettualismo aristotelico e la concettualità aristotelica, che cammina accanto all'alto principio platonico, con tanta perfezione di armonia. Non è un caso che nella “Scuola di Atene”, sotto l’arco, abbia dipinto Platone e Aristotele che camminano fianco a fianco, perché non c’è divario interno in queste persone.

Scuola di Atene

La scuola fiorentina ha origine nella drammaturgia giottiana, dove c'è una ricerca di un certo spazio e di un'attitudine al filosofare. Direi addirittura filosofare poetico. Ma i veneziani sono tutta un'altra scuola. Per quanto riguarda questa scuola, ho preso questo pezzo di Giorgione “Madonna di Castelfranco”, dove San Giorgio somiglia più alla Giovanna d’Arco di Voltaire.

Guardala. I fiorentini non potevano dipingere la Madonna così. Guarda, è impegnata con se stessa. Tale isolamento spirituale. Ci sono momenti in questa immagine che certamente non sono mai accaduti prima. Questa è la riflessione. Cose legate alla riflessione. L'artista dà alcuni momenti complessi al movimento interno, ma non una direzione psicologica.

Madonna di Castelfranco

Se riassumiamo ciò che sappiamo sui veneziani e su Tiziano, allora possiamo dire che in un mondo che cattura Venezia con la sua vita speciale, con la sua complessa produttività sociale e turbolenze storiche, si può vedere e sentire la carica interna di un sistema pronto per esaurirsi. Guarda questo ritratto di Tiziano appeso nella Galleria di Palazzo Pitti.

Ritratto di un uomo sconosciuto con gli occhi grigi

Ma prima, nella nostra intima compagnia, devo ammettere che una volta ero innamorato di questo compagno nella foto. In effetti, mi sono innamorato dei dipinti due volte. La prima volta che mi sono innamorata è stata quando ero studentessa. Avevamo un album dell'Hermitage prebellico a casa nostra e conteneva il ritratto di un giovane in tunica, dipinto da Van Dyck. Ha dipinto il giovane Lord Philip Warren, che aveva la mia stessa età. Ed ero così affascinato dal mio coetaneo che, ovviamente, ho subito immaginato la nostra meravigliosa amicizia con lui. E sai, mi ha salvato dai ragazzi del cortile: erano volgari, combattivi, ma qui abbiamo rapporti così alti.

Ma, sfortunatamente, io sono cresciuto e lui no. Questo è stato l'unico motivo per cui ci siamo lasciati (risata). E il mio secondo amore è avvenuto quando ero studente del 2° anno. Mi sono innamorato del ritratto di un uomo sconosciuto con gli occhi grigi. Non siamo rimasti indifferenti l'uno all'altro per molto tempo. Spero che approvi la mia scelta?

Studenti: Indubbiamente!

Volkova: In questo caso ci sposteremo in un ambito molto interessante per il nostro rapporto con l'arte o le opere d'arte. Ricordi come abbiamo concluso l'ultima lezione? Ho detto che la superficie pittorica stessa del dipinto diventa di per sé preziosa. Esso stesso è già il contenuto dell'immagine. E Tiziano ha sempre avuto questo valore intrinseco assolutamente pittoresco. Era un genio! Cosa accadrà ai suoi dipinti se si rimuove lo strato pittorico e si lascia solo la pittura di fondo? Niente. Il suo dipinto rimarrà un dipinto. Resterà comunque un'opera d'arte. Dall'interno. A livello intracellulare, la base, questo è ciò che rende un pittore un artista brillante. Ed esternamente si trasformerà in un dipinto di Kondinsky.

È molto difficile paragonare Tiziano a chiunque altro. È progressista. Guarda come, attraverso l'ombra che cade sul muro color argento, collega pittorescamente questo ritratto con lo spazio in cui vive questa persona. Non puoi nemmeno immaginare quanto sia difficile scrivere. Una combinazione così sorprendente di uno spazio leggero, vibrante d'argento, questa pelliccia che indossa, una specie di pizzo, capelli rossastri e occhi molto chiari. Vibrazione grigio-blu dell'atmosfera.

Ha un dipinto appeso... non ricordo dove, né a Londra né al Louvre. No, sicuramente non al Louvre, alla National Gallery di Londra. Quindi, in questa foto c'è una donna seduta con un bambino in braccio. E quando lo guardi, ti sembra che questo dipinto sia arrivato qui per caso, perché è semplicemente impossibile immaginare che questa sia opera di Tiziano. È stato dipinto in un modo che ricorda qualcosa tra Claude Monet e Pissarro - utilizzando la tecnica del puntinismo, che crea proprio questo tremore dell'intero spazio dell'immagine. Ti avvicini e non credi ai tuoi occhi. Lì non puoi più vedere i talloni o il viso del bambino, ma si vede solo una cosa: ha superato Rembrandt in libertà. Non è un caso che Vasily Kondinsky abbia detto: “Ci sono solo due artisti nell'arte mondiale che posso chiamare pittori astratti. Non non oggettivi: sono oggettivi, ma astratti. Questi sono Tiziano e Rembrandt." Perché? Perché, se prima di loro tutta la pittura si comportava come pittura che colora un oggetto, allora Tiziano includeva il momento del colorare, il momento della pittura come colore indipendente dall'oggetto. Come, ad esempio, “St. Sebastiano" all'Ermitage. Quando ti avvicini molto, non vedi altro che un caos pittoresco.

C'è un dipinto che tu, stando davanti alla tela, puoi guardare all'infinito. È molto difficile da trasmettere a parole, perché c'è una lettura impressionistica del tutto arbitraria, una lettura dei personaggi o delle personalità che scrive. E non importa chi guardi: Piero della Francesco o il duca Federico da Montefeltro.