თხზულება თემაზე „მუსიკა“, მე-7 კლასი

შუა საუკუნეებში ევროპაში ჩამოყალიბდა მუსიკალური კულტურის ახალი ტიპი - ფეოდალური, რომელიც აერთიანებდა პროფესიულ ხელოვნებას, სამოყვარულო მუსიკალურ შემოქმედებას და ფოლკლორს. ვინაიდან ეკლესია დომინირებს სულიერი ცხოვრების ყველა სფეროში, პროფესიული მუსიკალური ხელოვნების საფუძველია მუსიკოსების მოღვაწეობა ეკლესია-მონასტრებში. საერო პროფესიულ ხელოვნებას თავდაპირველად მხოლოდ მომღერლები წარმოადგენდნენ, რომლებიც ქმნიდნენ და ასრულებდნენ ეპიკურ ზღაპრებს სასამართლოში, თავადაზნაურთა სახლებში, მეომრებს შორის და ა.შ. (ბარდები, სკალდები და სხვ.). დროთა განმავლობაში განვითარდა რაინდული მუსიკის სამოყვარულო და ნახევრად პროფესიონალური ფორმები: საფრანგეთში - ტრუბადურთა და ტრუვეურთა ხელოვნება (ადამ დე ლა ჰალი, XIII ს.), გერმანიაში - მაღაროელები (ვოლფრამ ფონ ეშენბახი, ვალტერ ფონ დერ ვოგელვეიდი, XII). -XIII სს.), ასევე ქალაქური ხელოსნები. ფეოდალურ ციხეებსა და ქალაქებში კულტივირებულია სიმღერის ყველანაირი ჟანრი, ჟანრი და ფორმა (ეპოსი, „გათენება“, რონდო, ბალადები და სხვ.).

ყოველდღიურ ცხოვრებაში შემოდის ახალი მუსიკალური ინსტრუმენტები, მათ შორის აღმოსავლეთიდან შემოსული (ალტი, ლუტი და ა.შ.), წარმოიქმნება ანსამბლები (არასტაბილური კომპოზიციები). ფოლკლორი ყვავის გლეხობაში. ასევე არიან „ხალხური პროფესიონალები“: მეზღაპრეები, მოხეტიალე მხატვრები (ჟონგლერები, მიმები, მინსტრელები, შპილმანები, ბუფონები). მუსიკა ძირითადად გამოყენებით და სულიერ-პრაქტიკულ ფუნქციებს ასრულებს. კრეატიულობა მოქმედებს შესრულებასთან (როგორც წესი - ერთ ადამიანში) და აღქმასთან ერთობაში. კოლექტიურობა დომინირებს როგორც მუსიკის შინაარსში, ასევე მის ფორმაში; ინდივიდუალური დასაწყისი ემორჩილება გენერალს, მისგან გამორჩევის გარეშე (მუსიკოს-ოსტატი საზოგადოების საუკეთესო წარმომადგენელია). მკაცრი ტრადიციონალიზმი და კანონიკურობა სუფევს მთელს მსოფლიოში. ტრადიციებისა და სტანდარტების კონსოლიდაციას, შენარჩუნებას და გავრცელებას (მაგრამ მათ თანდათანობით განახლებას) ხელი შეუწყო ნეუმებიდან გადასვლამ, რომელიც მხოლოდ დაახლოებით მიუთითებდა მელოდიური მოძრაობის ბუნებაზე, ხაზოვან ნოტაციაზე (Guido d'Arezzo, XI ს.), რომელიც. შესაძლებელი გახდა ტონების სიმაღლის ზუსტად დაფიქსირება, შემდეგ კი მათი ხანგრძლივობა.

თანდათან, თუმცა ნელ-ნელა, მდიდრდება მუსიკის შინაარსი, მისი ჟანრები, ფორმები და გამოხატვის საშუალებები. დასავლეთ ევროპაში VI-VII სს. მონოფონიური (მონოდიური) საეკლესიო მუსიკის მკაცრად რეგულირებული სისტემა ყალიბდება დიატონური რეჟიმების (გრიგორიული გალობა) საფუძველზე, რომელიც აერთიანებს წარმოთქმას (ფსალმოდიას) და სიმღერას (საგალობლებს). I-II ათასწლეულის მიჯნაზე იბადება მრავალხმიანობა. ყალიბდება ახალი ვოკალური (საგუნდო) და ვოკალურ-ინსტრუმენტული (გუნდი და ორგანული) ჟანრები: ორგანუმი, მოტეტი, დირიჟორი, შემდეგ მასა. საფრანგეთში, მე-12 საუკუნეში, ღვთისმშობლის ტაძარში (ლეონინი, პეროტინი) ჩამოყალიბდა პირველი კომპოზიტორული (შემოქმედებითი) სკოლა. რენესანსის მიჯნაზე (ars nova სტილი საფრანგეთსა და იტალიაში, XIV საუკუნე), პროფესიულ მუსიკაში მონოფონია შეიცვალა მრავალხმიანობით, მუსიკამ თანდათანობით დაიწყო განთავისუფლება წმინდა პრაქტიკული ფუნქციებისაგან (საეკლესიო რიტუალების მომსახურება), საერო ჟანრების მნიშვნელობა. , მათ შორის სიმღერების ჟანრები (Guillaume de Masho). ბევრმა მუსიკოსმა (მათ შორის პიერ ობრიმ) თავისი ნამუშევრები მიუძღვნა ევროპის შუა საუკუნეების მუსიკას.

1000 წელზე მეტია შუა საუკუნეების მუსიკალური ხელოვნება ვითარდება. ეს არის დაძაბული და წინააღმდეგობრივი ეტაპი მუსიკალური აზროვნების ევოლუციაში - მონოდიიდან (მონოფონიიდან) ყველაზე რთულ მრავალხმიანობამდე. შუა საუკუნეებში დაიხვეწა მრავალი ევროპული მუსიკალური ინსტრუმენტი, ჩამოყალიბდა როგორც საეკლესიო, ისე საერო მუსიკის ჟანრები, ჩამოყალიბდა ცნობილი ევროპული მუსიკალური სკოლები: ჰოლანდიური, ფრანგული, გერმანული, იტალიური, ესპანური და ა.შ.

შუა საუკუნეებში მუსიკის განვითარებაში ორი ძირითადი მიმართულება არსებობდა: სასულიერო მუსიკა და საერო, გასართობი. ამასთან, საერო მუსიკას რელიგია გმობდა, მას „ეშმაკის აკვიატებად“ თვლიდნენ.

მუსიკა იყო რელიგიის ერთ-ერთი ინსტრუმენტი, "იმპროვიზირებული" საშუალება, რომელიც ემსახურებოდა ეკლესიის მიზნებს და ასევე ერთ-ერთი ზუსტი მეცნიერება. მუსიკა მოთავსებული იყო მათემატიკასთან, რიტორიკასთან, ლოგიკასთან, გეომეტრიასთან, ასტრონომიასთან და გრამატიკასთან ერთად. ეკლესიამ შეიმუშავა სიმღერისა და საკომპოზიციო სკოლები რიცხვითი მუსიკალური ესთეტიკის აქცენტით (იმ ეპოქის მეცნიერებისთვის მუსიკა იყო რიცხვის პროექცია ხმოვან მატერიაზე). ეს იყო გვიანი ელინიზმის გავლენა, პითაგორასა და პლატონის იდეები. ამ მიდგომით მუსიკას არ ჰქონდა დამოუკიდებელი მნიშვნელობა, ის იყო უმაღლესი, ღვთაებრივი მუსიკის ალეგორია.

ასე რომ, მუსიკა დაიყო 3 ტიპად:

• მსოფლიო მუსიკა სფეროების, პლანეტების მუსიკაა. შუა საუკუნეების მუსიკალური და რიცხვითი ესთეტიკის მიხედვით, მზის სისტემის ყოველი პლანეტა დაჯილდოებული იყო თავისი ხმით, ბგერით და პლანეტების მოძრაობამ შექმნა ზეციური მუსიკა. გარდა პლანეტებისა, სეზონებიც დაჯილდოვდა მათი ტონით.
• ადამიანური მუსიკა - ადამიანის ყოველი ორგანო, სხეულის ნაწილი, სული დაჯილდოვებული იყო საკუთარი ხმით, რომელიც ყალიბდებოდა ჰარმონიულ თანხმობაში.
• ინსტრუმენტული მუსიკა არის ინსტრუმენტებზე დაკვრის ხელოვნება, მუსიკა გასართობად, იერარქიის ყველაზე დაბალი ტიპი.

სასულიერო მუსიკა იყო ვოკალური, საგუნდო, ხოლო საერო მუსიკა იყო ინსტრუმენტული და ვოკალური. ინსტრუმენტული მუსიკა ითვლებოდა მსუბუქ, არასერიოზულად და იმ ეპოქის მუსიკის თეორეტიკოსები მას სერიოზულად არ აღიქვამდნენ. მიუხედავად იმისა, რომ მენისტრალის ხელობა მუსიკოსებისგან დიდ საშემსრულებლო უნარებს მოითხოვდა.

ევროპაში შუა საუკუნეებიდან თანამედროვეობის ხანაში გადასვლის პერიოდი, რომელიც თითქმის ორნახევარი საუკუნე გაგრძელდა. ამ პერიოდში მნიშვნელოვანი ცვლილებები მოხდა ცხოვრების მრავალ სფეროში; აყვავდა მეცნიერება და ხელოვნება. რენესანსის პერიოდი დაყოფილია განვითარების მრავალ კომპონენტად და ფაზად. იგი ასევე დაკავშირებულია სხვადასხვა ცრურწმენებთან, რომლებიც იმდენად მტკიცედ არის ფესვგადგმული, რომ დღესაც დიდი ძალისხმევაა საჭირო მათ გასაქარწყლებლად.

• პირველი და, ალბათ, მთავარი მცდარი წარმოდგენა არის განხილვა (როგორც რენესანსის მრავალი იდეოლოგი) რენესანსის სწორედ აღორძინება, კულტურისა და ცივილიზაციის აღდგომა, რომელიც მოვიდა ბარბაროსული "შუა საუკუნეების", ბნელი დროის შემდეგ. , კულტურის განვითარების უფსკრული პერიოდი. ეს ცრურწმენა ემყარება შუა საუკუნეების სრულ იგნორირებას და მჭიდრო კავშირს მასსა და რენესანსს შორის; მაგალითად, საკმარისი იქნება ორი სრულიად განსხვავებული სფეროს აღნიშვნა - პოეზია და ეკონომიკური ცხოვრება. დანტე ცხოვრობდა XIII საუკუნეში, ე.ი. შუა საუკუნეების კულმინაციაზე პეტრარქა - XIV ს. რაც შეეხება ეკონომიკურ ცხოვრებას, მისი ნამდვილი აღორძინება ასევე მოდის მეცამეტე საუკუნეში, ვაჭრობისა და საბანკო საქმეების სწრაფი განვითარების ხანაში. ამბობენ, რომ ძველი ავტორების ხელახალი აღმოჩენის გამო რენესანსის ვალში ვართო, მაგრამ ესეც ცრურწმენაა. ცნობილია, რომ ამ პერიოდში აღმოაჩინეს მხოლოდ ორი ძველი ბერძნული ხელნაწერი, დანარჩენი უკვე არსებობდა დასავლეთში (ძირითადად საფრანგეთში), რადგან დასავლეთ ევროპას დაუბრუნდა ანტიკურობა, რომელიც დაკავშირებულია ადამიანისა და ბუნებისადმი ინტერესთან, XII და XIII სს.
• მეორე ცრურწმენა დაკავშირებულია რენესანსის ორი ერთმანეთის საპირისპირო კომპონენტის, ე.წ ჰუმანიზმისა და ახალი საბუნებისმეტყველო მეცნიერების აღრევას. ჰუმანიზმი მტრულადაა განწყობილი ყოველგვარი ლოგიკის, ნებისმიერი მიზეზის, ნებისმიერი საბუნებისმეტყველო მეცნიერების მიმართ, რომელსაც იგი „მექანიკურ“ შრომას თვლის კულტურული ადამიანის, მწერლად, რიტორიკოსად, პოლიტიკოსად მოწოდებული ადამიანისათვის. რენესანსის კაცის ფიგურა, რომელიც ერთდროულად აერთიანებს როტერდამელ ერასმუსს და გალილეოს, მითიურია და რწმენა სამყაროს გარკვეული ერთიანი სურათისადმი, რომელიც თან ახლავს რენესანსს, სხვა არაფერია, თუ არა ცრურწმენა.
• მესამე ცრურწმენა მდგომარეობს აღორძინების ეპოქის ფილოსოფიის, როგორც „დიდებულის“ შექებაში, მის წინამორბედ სქოლასტიზმთან შედარებით.

სინამდვილეში, გარდა ნიკოლოზ კუზასისა (აღორძინების ეპოქის სულისგან შორს) და გალილეოს (რომელიც ცხოვრობდა რენესანსის ბოლოს), რენესანსის ფილოსოფოსები, როგორც კრისტელერი მართებულად ამტკიცებს, არც კარგები იყვნენ და არც ცუდები. საერთოდ არ იყვნენ ფილოსოფოსები. ბევრი მათგანი იყო გამოჩენილი მწერალი, მეცნიერი, უძველესი ტექსტების მცოდნე, განთქმული დამცინავი და მკვეთრი გონებით, ლიტერატურული ოსტატობით. მაგრამ მათ თითქმის არაფერი ჰქონდათ ფილოსოფიასთან. ამრიგად, შუა საუკუნეების მოაზროვნეებთან მათი დაპირისპირება სუფთა ცრურწმენაა.

• • კიდევ ერთი მცდარი წარმოდგენა არის რენესანსის მიჩნევა, როგორც ძალადობრივი რევოლუცია, წარსულის სრული გაწყვეტა. მართლაც, ამ პერიოდში ღრმა ცვლილებები ხდება, მაგრამ ყველა მათგანი ორგანულად არის დაკავშირებული წარსულთან და ყოველ შემთხვევაში, მათი სათავე შუა საუკუნეებიდან შეიძლება მოვიძიოთ. ეს ცვლილებები იმდენად ღრმად არის ფესვგადგმული წარსულში, რომ აღორძინების ეპოქის ერთ-ერთ უდიდეს ექსპერტს, ჰუიზინგას, ჰქონდა ყველა მიზეზი, ეწოდებინა ეს ეპოქა „შუა საუკუნეების შემოდგომა“.

დაბოლოს, ასევე ცრურწმენაა, რომ ადამიანები, რომლებიც ცხოვრობდნენ რენესანსში, ყოველ შემთხვევაში, მათი უმეტესობა პროტესტანტი, მონისტი, ათეისტი ან სულით რაციონალისტი იყო. სინამდვილეში, რენესანსის ცნობილი წარმომადგენლების აბსოლუტური უმრავლესობა და ფილოსოფიის სფეროში, თითქმის ყველა, ლეონარდოდან და ფიჩინოდან გალილეოსა და კამპანელამდე, იყო კათოლიკეები, ხშირად კათოლიკური რწმენის გულმოდგინე მომხრეები და დამცველები. ასე რომ, მარსილიო ფიჩინომ 40 წლის ასაკში მიიღო ქრისტიანული სარწმუნოება და შექმნა ახალი ეპოქის კათოლიკური აპოლოგეტიკა.

შუა საუკუნეების მუსიკის თეორეტიკოსი გვიდო არეტინსკი (მე-10 საუკუნის ბოლოს) მუსიკას ასე განმარტავს:

"მუსიკა არის ვოკალური ბგერების მოძრაობა."

ამ განმარტებაში შუა საუკუნეების მუსიკის თეორეტიკოსმა გამოხატა იმ ეპოქის მთელი ევროპული მუსიკალური კულტურის მუსიკისადმი დამოკიდებულება.

საეკლესიო და საერო მუსიკის მუსიკალური ჟანრები.

შუა საუკუნეების სასულიერო მუსიკის წყარო იყო სამონასტრო გარემო. გალობა ყურით ისწავლეს სამგალობლო სკოლებში და გავრცელდა საეკლესიო გარემოში. საგალობლების დიდი მრავალფეროვნების გამო, კათოლიკურმა ეკლესიამ გადაწყვიტა წმინდანად შერაცხა და დაარეგულირა გალობა, რომელიც ასახავს ქრისტიანული დოქტრინის ერთიანობას.

ამრიგად, გამოჩნდა საგუნდო, რომელიც გახდა საეკლესიო მუსიკალური ტრადიციის პერსონიფიკაცია. მის საფუძველზე განვითარდა სხვა ჟანრები, რომლებიც შეიქმნა სპეციალურად გარკვეული დღესასწაულებისა და სერვისებისთვის.

შუა საუკუნეების სულიერი მუსიკა წარმოდგენილია შემდეგი ჟანრებით: ქორალი, გრიგორიანული გალობა - მონოფონიური რელიგიური გალობა ლათინურ ენაზე, მკაფიოდ მოწესრიგებული, გუნდის მიერ შესრულებული, ზოგიერთი განყოფილება - სოლისტის მიერ.

• • • წირვა არის კათოლიკური ეკლესიის მთავარი საღვთო წირვა, რომელიც შედგება 5 სტაბილური ნაწილისაგან (ორდინარიუმი) - I. Kyrie eleison (უფალო, შეიწყალე), II. გლორია (დიდება), III. კრედო (მჯერა), IV. Sanctus (წმინდა), V. Agnus Dei (ღვთის კრავი).
    • ლიტურგია, ლიტურგიული დრამა - სააღდგომო ან საშობაო მსახურება, სადაც გრიგორიანული გალობა მონაცვლეობდა არაკანონიზებული მელოდიებით-ტროპებით, ლიტურგიებს ასრულებდა გუნდი, პერსონაჟების ნაწილები (მარიამი, ევანგელისტი) იყვნენ სოლისტები, ზოგჯერ ჩნდებოდა კოსტიუმების გარკვეული სახე.
    • მისტერია - ლიტურგიული დრამა დეტალური სასცენო მოქმედებით, კოსტიუმებით
    • რონდელი (რონდო, რუ) - მოწიფული და გვიანი შუა საუკუნეების პოლიფონიური ჟანრი, რომელიც ეყრდნობოდა ავტორის მელოდიას (განსხვავებით კანონიზებული ქორალისაგან), რომელიც შესრულდა იმპროვიზაციული წესით რიგრიგობით შემოსული სოლისტების მიერ (ადრეული ფორმა. კანონი)
    • პროპრიუმი - მასობრივი ჟანრის ნაწილი, რომელიც იცვლება საეკლესიო კალენდრის მიხედვით (განსხვავებით მასის უცვლელი ნაწილისგან - ორდინარიუმი)
    • ანტიფონი არის საგუნდო საეკლესიო მუსიკის უძველესი ჟანრი, რომელიც დაფუძნებულია ორი საგუნდო ჯგუფის მიერ წვეულებების მონაცვლეობაზე.

საეკლესიო მუსიკის ნიმუშები:

1) გალობა Kyrie Eleyson

2) Sequence viktima პაშალი

შუა საუკუნეების საერო მუსიკა ძირითადად მოხეტიალე მუსიკოსების მუსიკა იყო და გამოირჩეოდა თავისუფლებით, ინდივიდუალიზაციით და ემოციურობით. ასევე, საერო მუსიკა შედიოდა ფეოდალთა სასამართლო, რაინდული კულტურის ნაწილი. ვინაიდან რაინდისთვის დაწერილი კოდექსი დახვეწილი იყო მანერები, კეთილშობილება, კეთილშობილება, მოვალეობები მშვენიერი ქალბატონის მსახურებისთვის, ეს ასპექტები არ შეიძლებოდა არ აისახოს ტრუბადურთა და მაღაროელების სიმღერებში.

საერო მუსიკას ასრულებდნენ მიმები, ჟონგლერები, ტრუბადურები თუ ტრუვეურები, მინსტრელები (საფრანგეთში), მაღაროელები, სპილმენები (გერმანიის ქვეყნებში), ჰოგლარები (ესპანეთში), ბუფონები (რუსეთში). ამ მხატვრებს არა მხოლოდ უნდა ჰქონოდათ სიმღერა, თამაში და ცეკვა, არამედ შეეძლოთ ცირკის წარმოდგენების ჩვენება, ჯადოსნური ილეთები, თეატრალური სცენები და უნდა გაერთოთ მაყურებელი სხვა გზით.
იმის გამო, რომ მუსიკა იყო ერთ-ერთი მეცნიერება და ისწავლებოდა უნივერსიტეტებში, ფეოდალებსა და დიდგვაროვან ადამიანებს, რომლებმაც განათლება მიიღეს, შეეძლოთ თავიანთი ცოდნა ხელოვნებაში გამოეყენებინათ.
ამრიგად, მუსიკა სასამართლო გარემოშიც განვითარდა. ქრისტიანული ასკეტიზმისგან განსხვავებით, რაინდული მუსიკა მღეროდა გრძნობადი სიყვარულისა და მშვენიერი ქალბატონის იდეალის შესახებ. თავადაზნაურთა შორის, როგორც მუსიკოსები იყვნენ ცნობილი - გიომ - VII, პუატიეს გრაფი, აკვიტანიის ჰერცოგი, ჟან ბრიენი - იერუსალიმის მეფე, პიერ მოკლერი - ბრეტანის ჰერცოგი, ტიბო შამპანელი - ნავარის მეფე.

შუა საუკუნეების საერო მუსიკის ძირითადი მახასიათებლები და მახასიათებლები:

• • • ფოლკლორზე დაფუძნებული, შესრულებული არა ლათინურ, არამედ მშობლიურ დიალექტებზე,
    • ნოტაცია არ გამოიყენება მოხეტიალე მხატვრებს შორის, მუსიკა ზეპირი ტრადიციაა (მოგვიანებით სასამართლო გარემოში ვითარდება მუსიკალური მწერლობა)
    • მთავარი თემა არის ადამიანის გამოსახულება მისი მიწიერი ცხოვრების ყველა მრავალფეროვნებაში, იდეალიზებული სენსუალური სიყვარული
    • მონოფონია - როგორც ინდივიდუალური გრძნობების გამოხატვის საშუალება პოეტური და სიმღერის სახით
    • ვოკალურ-ინსტრუმენტული შესრულება, ინსტრუმენტების როლი ჯერ არ არის ძალიან მაღალი, ინსტრუმენტული იყო ძირითადად შესავალი, ინტერლუდიები და კოდები.
    • მელოდია მრავალფეროვანი იყო, მაგრამ ამავდროულად რიტმი კანონიზაცია მოხდა - ამაზე გავლენას ახდენდა საეკლესიო მუსიკა, იყო მხოლოდ 6 სახეობის რიტმი (რიტმული რეჟიმი) და თითოეულ მათგანს ჰქონდა მკაცრად ფიგურალური შინაარსი.

ტრაუვერებმა, ტრუბადურებმა და მაღაროელებმა, რომლებიც უკრავენ კურატულ რაინდულ მუსიკას, შექმნეს საკუთარი ორიგინალური ჟანრები:

• • • „ქსოვა“ და „მაისი“ სიმღერები
    • რონდო - ფორმა, რომელიც დაფუძნებულია განმეორებით რეფრენზე
    • ბალადა - ტექსტურ-მუსიკალური სიმღერის ფორმა
    • ვირელე - ძველი ფრანგული პოეტური ფორმა სამსტრიქონიანი სტროფით (მესამე სტრიქონი შემოკლებულია), იგივე რითმით და რეფრენით.
    • გმირული ეპოსი ("როლანდის სიმღერა", "ნიბელუნგების სიმღერა")
    • ჯვაროსანთა სიმღერები (პალესტინის სიმღერები)
    • Canzona (მინესინჯერებმა მას ალბა უწოდეს) სასიყვარულო, ლირიკული სიმღერაა

X-XI საუკუნეებში ქალაქური კულტურის განვითარების წყალობით. საერო ხელოვნებამ უფრო აქტიურად დაიწყო განვითარება. მოხეტიალე მუსიკოსები სულ უფრო ხშირად ირჩევენ მჯდომარე ცხოვრების წესს, ასახლებენ ქალაქის მთელ კორპუსებს.

საინტერესოა, რომ მოხეტიალე მუსიკოსები XII-XIII სს. დაუბრუნდით სულიერებას. ლათინურიდან ადგილობრივ ენებზე გადასვლამ და ამ შემსრულებლების უზარმაზარმა პოპულარობამ მათ საშუალება მისცა მონაწილეობა მიეღოთ სულიერ წარმოდგენებში სტრასბურგის, რუანის, რეიმსის საკათედრო ტაძრებში. კამბრაი. დროთა განმავლობაში, ზოგიერთმა მოხეტიალე მუსიკოსმა მიიღო უფლება, მოეწყო სპექტაკლები თავადაზნაურობის ციხეებში და საფრანგეთის, ინგლისის, სიცილიის და სხვა ქვეყნების სასამართლოებში.

XII-XIII საუკუნეებისთვის მოხეტიალე მუსიკოსებს შორის გამოჩნდნენ გაქცეული ბერები, მოხეტიალე მეცნიერები, სასულიერო პირების ქვედა ფენებიდან - მაწანწალები და გოლიარდები.

ჩამოსახლებული მუსიკოსები ქმნიან მთელ მუსიკალურ სახელოსნოებს შუა საუკუნეების ქალაქებში - წმინდა ჟიულიენის საძმო (პარიზი, 1321), წმინდა ნიკოლოზის საძმო (ვენა, 1288). ამ ასოციაციების მიზნები იყო მუსიკოსების უფლებების დაცვა, პროფესიული ტრადიციების შენარჩუნება და გადაცემა.

XIII - XVI საუკუნეებში. ყალიბდება ახალი ჟანრები, რომლებიც შემდგომ განვითარებულია უკვე Ars Nova-ს ეპოქაში:

• • • მოტეტი (ფრანგულიდან - "სიტყვა") არის პოლიფონიური ჟანრი, რომელიც გამოირჩევა ხმების მელოდიური განსხვავებულობით, რომლებიც ერთდროულად სხვადასხვა ტექსტებს ახმოვანებდნენ, ზოგჯერ სხვადასხვა ენაზეც კი, შეიძლება იყოს როგორც საერო, ასევე სულიერი.
    • მადრიგალი (იტალიურიდან - "სიმღერა მშობლიურ ენაზე", ე.ი. იტალიური) - სასიყვარულო ლირიკული, პასტორალური სიმღერები,
    • Kaccha (იტალიურიდან - "ნადირობა") - ვოკალური ნაწარმოები ნადირობის თემაზე.

ტრუბადურებისა და პროფესიონალი კომპოზიტორების საერო მუსიკა.

Დამატებითი ინფორმაცია:

ჩვენს ინფორმაციულ ეპოქაში, მაღალი ტექნოლოგიების ეპოქაში, ხშირად გვავიწყდება გამძლე სულიერი ფასეულობები. ერთ-ერთი ასეთი ღირებულებაა კლასიკური მუსიკა - ჩვენი წინაპრების სულიერი მემკვიდრეობა. რა არის კლასიკური მუსიკა, რისთვის სჭირდება ის თანამედროვე ადამიანს? რატომ ფიქრობს ბევრი ადამიანი, რომ ეს ძალიან მოსაწყენია? შევეცადოთ გავიგოთ ეს რთული კითხვები, ხშირად ისმის მოსაზრება, თითქოს კლასიკური მუსიკა არის ის, რაც დიდი ხნის წინ დაიწერა. ეს ასე არ არის, რადგან ეს კონცეფცია ნიშნავს ყველაფერს საუკეთესოს, რაც შეიქმნა მუსიკის სამყაროში კაცობრიობის ცივილიზაციის არსებობის მთელი პერიოდის განმავლობაში. მე-18 საუკუნეში შექმნილი ბეთჰოვენის სონატა და 40 წლის წინ დაწერილი სვირიდოვის რომანი კლასიკაა! მთავარია, რომ ამ მუსიკამ გაუძლო დროს. როგორც ბეთჰოვენის დროს, ისე ახლა არიან არტ დილერები, რომლებიც აწარმოებენ საბაზისო მუსიკალურ პროდუქტს. ეს პროდუქტი ძალიან სწრაფად ფუჭდება და ნამდვილი ხელოვნება ყოველდღე უფრო და უფრო ლამაზი ხდება.

ნოტების გამოჩენა

მწერლობამ, კაცობრიობის დიდმა გამოგონებამ, შესაძლებელი გახადა აზრების, იდეებისა და შთაბეჭდილებების დაგროვება და მომავალი თაობებისთვის გადაცემა. კიდევ ერთმა გამოგონებამ, არანაკლებ დიდმა, მუსიკალურმა ნოტაციამ, შესაძლებელი გახადა შთამომავლებისთვის ბგერებისა და მუსიკის გადაცემა. ევროპულ მუსიკაში ნოტებამდე გამოიყენებოდა სპეციალური ნიშნები - ნეუმები.

მუსიკალური ნოტაციის თანამედროვე სისტემის გამომგონებელია ბენედიქტელი ბერი გვიდო არეტინსკი (Guido d'Arezzo) (990-1050). არეცო არის პატარა ქალაქი ტოსკანაში, ფლორენციიდან არც თუ ისე შორს. ადგილობრივ მონასტერში ძმა გვიდო ასწავლიდა მგალობლებს საეკლესიო საგალობლების შესრულებას. ეს გრძელი და რთული ამოცანა იყო. ყველა ცოდნა და უნარი ზეპირად გადაიცემა პირდაპირი კომუნიკაციით. მგალობლები, მასწავლებლის ხელმძღვანელობით და მისი ხმით, თანმიმდევრულად სწავლობდნენ კათოლიკური წირვის ყოველ საგალობელს და ყოველ საგალობელს. ამიტომ სრულ „სწავლის კურსს“ დაახლოებით 10 წელი დასჭირდა.

არეტინსკის გვიდომ დაიწყო ბგერების აღნიშვნა ნოტებით (ლათინური სიტყვიდან nota - ნიშანი). შენიშვნები, დაჩრდილული კვადრატები, მოთავსებული იყო ოთხ პარალელური ხაზისგან შემდგარ სტეივზე. ახლა ეს სტრიქონი ხუთია და ნოტები წრეებშია გამოსახული, მაგრამ გვიდოს მიერ შემოღებული პრინციპი უცვლელი დარჩა. უფრო მაღალი ნოტები გამოსახულია უფრო მაღალ სახაზავზე. შვიდი ნოტია, ისინი ქმნიან ოქტავას.

გვიდომ ოქტავის შვიდ ნოტს დაარქვა სახელი: უტ, რე, მი, ფა, სოლ, ლა, სი. ეს არის წმ. იოანე. ამ საგალობლის ყოველი სტრიქონი წინაზე მაღალი ტონით იმღერება.

შემდეგი ოქტავის ნოტები დასახელებულია იგივე, მაგრამ მღერიან უფრო მაღალი ან დაბალი ხმით. ერთი ოქტავიდან მეორეზე გადასვლისას ერთი და იგივე ნოტით აღმნიშვნელი ბგერის სიხშირე იზრდება ან მცირდება ნახევრად. მაგალითად, მუსიკალური ინსტრუმენტები იკვრება პირველი ოქტავის ნოტა ლა. ეს შენიშვნა შეესაბამება 440 ჰც სიხშირეს. შემდეგი, მეორე, ოქტავის ნოტა შეესაბამება 880 ჰც სიხშირეს.

ყველა ნოტის სახელები, გარდა პირველისა, მთავრდება ხმოვანთა ხმით, ისინი მოსახერხებელია სიმღერა. უტ-ის მარცვალი დახურულია და სხვების მსგავსად მისი სიმღერა შეუძლებელია. ამიტომ ოქტავის პირველი ნოტის სახელი ut XVI საუკუნეში შეიცვალა do-ით (სავარაუდოდ ლათინური სიტყვიდან Dominus - Lord). ოქტავის ბოლო ნოტი, si, არის ჰიმნის ბოლო სტრიქონის ორი სიტყვის შემოკლება Sancte Ioannes. ინგლისურენოვან ქვეყნებში ნოტის სახელი "si" შეიცვალა "tee"-ით, რათა არ აგვერიოს ასო C-ში, რომელიც ასევე გამოიყენება მუსიკალურ ნოტაციაში.

ნოტების გამოგონებისას გვიდო მომღერლებს ასწავლიდა ამ თავისებურ ანბანს და ასევე ასწავლიდა მათ სიმღერას ნოტებიდან. ანუ ის რასაც თანამედროვე მუსიკალურ სკოლებში სოლფეჯიოს უწოდებენ. ახლა საკმარისი იყო მთელი მასა ნოტებით ჩაეწერა და თავად ქორისტებს უკვე შეეძლოთ სასურველი მელოდიის სიმღერა. არ იყო საჭირო თითოეული სიმღერის პირადად სწავლება. გვიდო მხოლოდ პროცესს უნდა აკონტროლებდა. მომღერლების მომზადების დრო ხუთჯერ შემცირდა. ათი წლის ნაცვლად - ორი წელი.!

მემორიალური დაფა არეცოში Via Ricasolli-ზე იმ სახლში, სადაც გვიდო დაიბადა. მასზე კვადრატული ნოტებია.

უნდა ითქვას, რომ არეცოს ბერი გუიდო არ იყო პირველი, ვინც მუსიკის ჩაწერის იდეით ნიშნებით ჩაწერა. მანამდე დასავლეთ ევროპაში უკვე არსებობდა ნეუმების სისტემა (ბერძნული სიტყვიდან „პნევმო“ - სუნთქვა), ფსალმუნების ტექსტის ზემოთ მოთავსებული ნიშნები სიმღერის ხმის აწევა-დაცემაზე. რუსეთში, ამავე მიზნით, იყენებდნენ „კაკვების“ ან „ბანერების“ საკუთარ სისტემას.

გვიდო არეტინსკის კვადრატული ნოტები, რომლებიც მოთავსებულია სტევის ოთხ ხაზზე, აღმოჩნდა ყველაზე მარტივი და მოსახერხებელი სისტემა მუსიკის ჩაწერისთვის. მისი წყალობით, მუსიკალური ნოტაცია გავრცელდა მთელ მსოფლიოში. მუსიკამ დატოვა ეკლესია და წავიდა ჯერ ბატონებისა და დიდებულების სასახლეებში, შემდეგ კი თეატრებში, საკონცერტო დარბაზებსა და ქალაქის მოედნებში, გახდა საერთო საკუთრება.

რა ნერვიულობს.

ფრეტები მუსიკის თეორიის ერთ-ერთი ცენტრალური ტერმინია. მათი აგებულების გაგება და მათი ოსტატურად გამოყენება შეუზღუდავ შესაძლებლობებს უხსნის მუსიკოსს. და ხშირად შეუძლებელია ზუსტად ახსნა, თუ როგორ იქმნება საინტერესო გადასვლა კონკრეტულ კომპოზიციაში - თუ ადამიანს არ ესმის რა არის რეჟიმი. მაგრამ არის დაჭერა: თავად მუსიკოსები იყენებენ ტერმინს "რეჟიმს", ხშირად სულ სხვა რამეს ნიშნავს. Რატომ არის, რომ? და რა არის კარგად? დაბნეულობა გამოწვეული იყო იმით, რომ სხვადასხვა ეპოქაში ამ სიტყვას ძალიან განსხვავებული მნიშვნელობა ჰქონდა.

ჩვენ ვერ ვაცნობიერებთ, რამდენად არის ჩვენი აღქმა აღზრდილი და მიბმული კლასიკურ მუსიკასთან. (მაშინ როცა „თანამედროვე მუსიკის“ კონცეფცია კლასიკური პრინციპებიდან გადახვევაა). კლასიციზმის ერა არის დიდი ისტორიული შესვენება ადამიანის სამყაროს აღქმაში. შუა საუკუნეების შემდეგ ადამიანები აღმოაჩენენ უძველეს ხელოვნებას და იტაცებენ მისით. კლასიციზმის ნებისმიერი ნაწარმოები აგებულია მკაცრ კანონებზე, რითაც ავლენს თავად სამყაროს ჰარმონიასა და ლოგიკას. კლასიციზმმა შექმნა სტრუქტურული წესრიგი - უმაღლესი და ქვედა, მთავარი და მეორეხარისხოვანი, ცენტრალური და დაქვემდებარებული მკაფიო იერარქია. ამიტომ, მაგალითად, ვენური კლასიკიდან და რომანტიული მუსიკიდან დაწყებული, სისტემაში ვფიქრობთ - „მაჟორ-მინორი“. რა არის ეს და როგორ მოქმედებს ჩვენს აღქმაზე?

მაჟორი და მინორი არის ტონალური რეჟიმები. ტონალური რეჟიმი არის ტონებს შორის ურთიერთობის გარკვეული სისტემა. Რას ნიშნავს? რა არის ტონი? შევეცადოთ გავერკვეთ. დავუშვათ, რომ წინ გაქვთ ფორტეპიანო: შეხედეთ კლავიატურას: ჩვეულებრივი დო-რე-მი-ფა-სოლ-ლა-სი, მათ შორის 7 თეთრი და კიდევ 5 შავი კლავიატურა, ჯამში 12. მანძილი თითოეულს შორის. ორი მათგანი არის ნახევარტონა. მეზობელ შავსა და თეთრს შორის ყოველთვის არის ნახევარტონი. მიმდებარე თეთრებს შორის არის ტონი (არსებობს გამონაკლისები mi-fa და si-do არის ნახევარტონები).

ტონებისა და ნახევარტონების ნებისმიერი ნაკრები არის მასშტაბი. კლასიციზმის ეპოქაში მათ დაიწყეს მისი აგება ყველა ტონის მკაცრი დაქვემდებარებით ტონიკის - მთავარი ტონის მიმართ. ეს არის ძირითადი ან მცირე მასშტაბი. მთელი ტონალური მუსიკა (მთელი კლასიკური მუსიკა) დაფუძნებულია ზუსტად მთავარ და დაქვემდებარებულ ჰარმონიებს შორის ურთიერთობაზე. ყურით, ჩვენ ინტუიციურად განვასხვავებთ მაიორსა და მინორს მათი შეფერილობის მიხედვით - „მხიარულად“ ან „სევდიანად“. ცვლადი რეჟიმი - ეს არის მაშინ, როდესაც ერთ ნამუშევარში ერთდროულად არის როგორც ძირითადი, ასევე მცირე მახასიათებლები. მაგრამ მათ აქვთ საერთო პრინციპი - ტონალური.

თუმცა, ეს პრინციპი არ არის ერთადერთი შესაძლებელი. კლასიციზმის ეპოქამდე, როდესაც ყველაფერი საბოლოოდ დალაგდა კლავიშების თანმიმდევრულ სისტემაში, მუსიკალური აზროვნება განსხვავებული იყო. იონური, დორიული, ფრიგიული, ლიდიური, მიქსოლიდიური, ეოლური, ლოკრიული... ეს არის ბერძნების ოქტავანური რეჟიმები. ასევე იყო გრიგორიანული მუსიკის საეკლესიო რეჟიმები. ეს ყველაფერი მოდალური რეჟიმია. ისინი ქმნიდნენ მუსიკას ანტიკურ ხანაში, შუა საუკუნეებში, მოდალური აღმოსავლური მუსიკალური ტრადიცია (მაგალითად, ინდური რაგა ან არაბული მაქამი). რენესანსის ევროპის მუსიკაში ასევე დომინირებდა მოდალობა.

რა არის მთავარი განსხვავება ტონალური იერისაგან, რომელსაც ჩვენ შეჩვეული ვართ? ტონალურ რეჟიმებში ხდება ძირითადი ჰარმონიებისა და აკორდების ფუნქციების მკაცრი დელიმიტაცია, ხოლო მოდალურ მუსიკაში ისინი ბევრად უფრო ბუნდოვანია. მოდალური რეჟიმისთვის, თავად მასშტაბი მნიშვნელოვანია მთლიანობაში - და ის მნიშვნელობები და ფერები, რაც მას შეუძლია მოუტანოს მუსიკას. ამიტომაც ყურით ადვილად განვასხვავებთ ინდურ მუსიკას შუა საუკუნეების ქორალებისგან - გარკვეული თანხმოვნებითა და მუსიკალური სვლებით.

მე-20 საუკუნისთვის კომპოზიტორებმა თითქოს სცადეს ხმის ყველა ვარიანტი ტონალური მუსიკის ფარგლებში. ”მოწყენილი ვარ, დემონო!” - თქვეს მათ და ახალი ფერების საძიებლად ძველს - მოდალურ შემობრუნებებსა და მოძრაობებს მიუბრუნდნენ. ამრიგად, გაჩნდა ახალი მოდალობა. თანამედროვე მუსიკაში გაჩნდა ახალი რეჟიმები – მაგალითად ბლუზი. უფრო მეტიც, გაჩნდა განსაკუთრებული ჟანრი - მოდალური ჯაზი. მაგალითად, მაილს დევისმა მოდალურ მუსიკას უწოდა "ჩვეულებრივი შვიდნოტიანი შკალიდან გადახვევა, სადაც ყველა ნოტი ფოკუსირებულია". და მან თქვა, რომ "ამ მიმართულებით მიდიხარ, უსასრულობისკენ მიდიხარ". დასკვნა ის არის, რომ ტონალური და მოდალური პრინციპები არ არის ურთიერთგამომრიცხავი. ერთ სპექტაკლში მათი ნიშნები შეიძლება იყოს შერეული. მოდალობა, როგორც ეს იყო, არის კიდევ ერთი ფენა, რომელიც ზედმეტად არის გადატანილი „მაჟორზე/მინორზე“, რომელსაც ჩვენ შევეჩვიეთ. და სხვადასხვა მოდალური რეჟიმის გამოყენება ცვლის მუსიკის ფერს: მაგალითად, ფრიგიის რეჟიმის შემობრუნებები პირქუშია, რადგან მისი მასშტაბი ძირითადად ქვედა საფეხურებისგან შედგება. ასეთი მოდალური მახასიათებლების ცოდნა, შეგიძლიათ მიაღწიოთ საინტერესო ხმას, თუ მუსიკას წერთ.

ფერი, განწყობა, ხასიათი - ეს არის ჰარმონიის ნიშნები, რომლებიც გვესმის, მაგრამ ხშირად ვერ ვაცნობიერებთ. ხშირად სიმღერებში მოდალური მონაცვლეობით ვართ მიჯაჭვული - იმიტომ, რომ ისინი უჩვეულოა. კლასიკურ მუსიკაზე აღზრდილი ყური ხაზს უსვამს ამ გადახვევას ყოველდღიური ცხოვრებიდან. ეს ყველაფერი და კიდევ ბევრი რამ ვლინდება მუსიკის ენის გაგებისას.

შუა საუკუნეების მუსიკა მუსიკალური კულტურის განვითარების პერიოდია, რომელიც მოიცავს დროის პერიოდს დაახლოებით V-XIV სს.

შუა საუკუნეები კაცობრიობის ისტორიის დიდი ხანაა, ფეოდალური სისტემის ბატონობის დრო.

კულტურის პერიოდიზაცია:

ადრეული შუა საუკუნეები - V - X სს.

მომწიფებული შუა საუკუნეები - XI - XIV სს.

395 წელს რომის იმპერია ორ ნაწილად გაიყო: დასავლეთ და აღმოსავლეთ. რომის ნანგრევებზე დასავლეთ ნაწილში V-IX საუკუნეებში იყო ბარბაროსული სახელმწიფოები: ოსტროგოთები, ვესტგოთები, ფრანკები და ა.შ. IX საუკუნეში კარლოს დიდის იმპერიის დაშლის შედეგად აქ ჩამოყალიბდა სამი სახელმწიფო. : საფრანგეთი, გერმანია, იტალია. აღმოსავლეთ ნაწილის დედაქალაქი იყო კონსტანტინოპოლი, რომელიც დააარსა იმპერატორმა კონსტანტინემ ბიზანტიის ბერძნული კოლონიის ადგილზე - აქედან მოდის სახელმწიფოს სახელი.

შუა საუკუნეების ეპოქაში ევროპაში ჩამოყალიბდა ახალი ტიპის მუსიკალური კულტურა - ფეოდალური, რომელიც აერთიანებდა პროფესიულ ხელოვნებას, სამოყვარულო მუსიკალურ შემოქმედებას და ფოლკლორს. ვინაიდან ეკლესია დომინირებს სულიერი ცხოვრების ყველა სფეროში, პროფესიული მუსიკალური ხელოვნების საფუძველია მუსიკოსების მოღვაწეობა ეკლესია-მონასტრებში. საერო პროფესიულ ხელოვნებას თავდაპირველად მხოლოდ მომღერლები წარმოადგენდნენ, რომლებიც ქმნიდნენ და ასრულებდნენ ეპიკურ ზღაპრებს სასამართლოში, თავადაზნაურთა სახლებში, მეომრებს შორის და ა.შ. (ბარდები, სკალდები და სხვ.). დროთა განმავლობაში განვითარდა რაინდული მუსიკის შემოქმედების მოყვარული და ნახევრად პროფესიონალური ფორმები: საფრანგეთში - ტრუბადურთა და ტრუვეურთა ხელოვნება (ადამ დე ლა ჰალი, XIII ს.), გერმანიაში - მაღაროელების (ვოლფრამ ფონ ეშენბახი, ვალტერ ფონ დერ ვოგელვეიდი, XII-XIII სს.), ასევე ქალაქური ხელოსნები. ფეოდალურ ციხეებსა და ქალაქებში კულტივირებულია ყველანაირი ჟანრი, ჟანრი და სიმღერის ფორმა (ეპოსი, „გათენება“, რონდო, ლე, ვირელე, ბალადები, კანზონები, ლაუდები და სხვ.).

ყოველდღიურ ცხოვრებაში შემოდის ახალი მუსიკალური ინსტრუმენტები, მათ შორის აღმოსავლეთიდან შემოსული (ალტი, ლუტი და ა.შ.), წარმოიქმნება ანსამბლები (არასტაბილური კომპოზიციები). ფოლკლორი ყვავის გლეხობაში. ასევე არიან „ხალხური პროფესიონალები“: მეზღაპრეები, მოხეტიალე სინთეტიკური მხატვრები (ჟონგლერები, მიმები, მინსტრელები, შპილმანები, ბუფონები). მუსიკა კვლავ ასრულებს ძირითადად გამოყენებით და სულიერ-პრაქტიკულ ფუნქციებს. კრეატიულობა მოქმედებს შესრულებასთან ერთობაში (ჩვეულებრივ ერთ ადამიანში).

თანდათან, თუმცა ნელ-ნელა, მდიდრდება მუსიკის შინაარსი, მისი ჟანრები, ფორმები და გამოხატვის საშუალებები. დასავლეთ ევროპაში VI-VII სს. მონოფონიური (მონოდიური) საეკლესიო მუსიკის მკაცრად რეგულირებული სისტემა ყალიბდება დიატონური რეჟიმების (გრიგორიული გალობა) საფუძველზე, რომელიც აერთიანებს წარმოთქმას (ფსალმოდიას) და სიმღერას (საგალობლებს). I-II ათასწლეულის მიჯნაზე იბადება მრავალხმიანობა. ყალიბდება ახალი ვოკალური (საგუნდო) და ვოკალურ-ინსტრუმენტული (გუნდი და ორგანული) ჟანრები: ორგანუმი, მოტეტი, დირიჟორი, შემდეგ მასა. საფრანგეთში, მე-12 საუკუნეში, ღვთისმშობლის ტაძარში (ლეონინი, პეროტინი) ჩამოყალიბდა პირველი კომპოზიტორული (შემოქმედებითი) სკოლა. რენესანსის მიჯნაზე (ars nova სტილი საფრანგეთსა და იტალიაში, XIV საუკუნე), პროფესიულ მუსიკაში მონოფონია შეიცვალა მრავალხმიანობით, მუსიკამ თანდათანობით დაიწყო განთავისუფლება წმინდა პრაქტიკული ფუნქციებისაგან (საეკლესიო რიტუალების მომსახურება), საერო ჟანრების მნიშვნელობა. , მათ შორის სიმღერების ჟანრები (Guillaume de Masho).

შუა საუკუნეების მატერიალურ საფუძველს ფეოდალური ურთიერთობები წარმოადგენდა. შუა საუკუნეების კულტურა ყალიბდება სოფლის მამულის პირობებში. მომავალში ურბანული გარემო – ბურგერები – ხდება კულტურის სოციალური საფუძველი. სახელმწიფოების ჩამოყალიბებასთან ერთად ყალიბდება ძირითადი მამულები: სამღვდელოება, თავადაზნაურობა, ხალხი.

შუა საუკუნეების ხელოვნება მჭიდრო კავშირშია ეკლესიასთან. ქრისტიანული მოძღვრება არის ფილოსოფიის, ეთიკის, ესთეტიკის, ამ დროის მთელი სულიერი ცხოვრების საფუძველი. რელიგიური სიმბოლიკით აღსავსე ხელოვნება მიისწრაფვის მიწიერიდან, გარდამავალია სულიერისკენ, მარადიული.

ოფიციალურ საეკლესიო კულტურასთან ერთად (მაღალი) არსებობდა საერო კულტურა (ძირითადი) - ფოლკლორი (დაბალი სოციალური ფენა) და რაინდობა (სასამართლო).

ადრეული შუა საუკუნეების პროფესიული მუსიკის ძირითადი ცენტრები - საკათედრო ტაძრები, მათთან დაკავშირებული სასიმღერო სკოლები, მონასტრები - იმდროინდელი განათლების ერთადერთი ცენტრები. ისინი სწავლობდნენ ბერძნულ და ლათინურს, არითმეტიკას და მუსიკას.

შუა საუკუნეებში დასავლეთ ევროპაში საეკლესიო მუსიკის მთავარი ცენტრი იყო რომი. VI საუკუნის ბოლოს - VII საუკუნის დასაწყისში. ყალიბდება დასავლეთ ევროპის საეკლესიო მუსიკის ძირითადი სახეობა - გრიგორიანული გალობა, პაპ გრიგოლ I-ის სახელობის, რომელმაც განახორციელა საეკლესიო გალობის რეფორმა, შეკრიბა და გაამარტივა სხვადასხვა საეკლესიო საგალობლები. გრიგორიანული გალობა მონოფონიური კათოლიკური გალობაა, რომელშიც შერწყმულია შუა აღმოსავლეთისა და ევროპის სხვადასხვა ხალხის (სირიელები, ებრაელები, ბერძნები, რომაელები და სხვ.) მრავალსაუკუნოვანი სასიმღერო ტრადიციები. ეს იყო ერთი მელოდიის გლუვი მონოფონიური გაშლა, რომელიც მიზნად ისახავდა ერთი ნების პერსონიფიცირებას, მრევლის ყურადღების ცენტრში კათოლიციზმის პრინციპების შესაბამისად. მუსიკის ბუნება მკაცრი, უპიროვნოა. საგუნდო შესრულდა გუნდის მიერ (აქედან სახელწოდება), ზოგიერთ განყოფილებას სოლისტი. ჭარბობს ეტაპობრივი მოძრაობა დიატონურ რეჟიმებზე დაფუძნებული. გრიგორიანულმა სიმღერამ მრავალი გრადაცია დაუშვა, დაწყებული მკაცრად ნელი საგუნდო ფსალმოდიიდან საიუბილეო თარიღებამდე (მარკის მელისმატური გალობა), რაც მოითხოვს ვირტუოზულ ვოკალურ უნარებს მათი შესრულებისთვის.

გრიგორიანული სიმღერა აშორებს მსმენელს რეალობისგან, იწვევს თავმდაბლობას, იწვევს ჭვრეტისკენ, მისტიკურ განცალკევებას. ამ ეფექტს ასევე განაპირობებს ლათინური ტექსტი, რომელიც მრევლის უმრავლესობისთვის გაუგებარია. სიმღერის რიტმს ტექსტი ადგენდა. ის ბუნდოვანია, განუსაზღვრელი, ტექსტის წარმოთქმის აქცენტების ხასიათიდან გამომდინარე.

გრიგორიანული გალობის სხვადასხვა სახეობა შეკრიბა კათოლიკური ეკლესიის მთავარ ღვთისმსახურებაში - მესა, რომელშიც ხუთი სტაბილური ნაწილი შეიქმნა:

Kyrie Eleison (უფალო შეიწყალე)

გლორია (დიდება)

კრედო (მჯერა)

სანქტუსი (წმინდა)

აგნუს დეი (ღვთის კრავი).

დროთა განმავლობაში, ხალხური მუსიკის ელემენტები იწყებენ შეღწევას გრიგორიანულ გალობაში საგალობლების, თანმიმდევრობისა და ტროპების საშუალებით. თუ ფსალმუნს ასრულებდა მომღერალთა და სასულიერო პირთა პროფესიონალური გუნდი, მაშინ საგალობლებს თავდაპირველად მრევლი ასრულებდა. ისინი ოფიციალურ თაყვანისმცემლობაში ჩასმული იყო (მათ ჰქონდათ ხალხური მუსიკის თვისებები). მაგრამ მალე მასის საგალობელთა ნაწილებმა დაიწყეს ფსალმუნური ნაწილების ჩანაცვლება, რამაც გამოიწვია მრავალხმიანი მასის გაჩენა.

პირველი სექციები იყო საიუბილეო მელოდიის ქვეტექსტი, რათა მელოდიის ერთ ბგერას ცალკე მარხილი ჰქონოდა. თანმიმდევრობა ხდება ფართოდ გავრცელებული ჟანრი (ყველაზე პოპულარულია Veni, sancte spiritus, Dies irae, Stabat mater). „Dies irae“-ს იყენებდნენ ბერლიოზი, ლისტი, ჩაიკოვსკი, რახმანინოვი (ძალიან ხშირად სიკვდილის სიმბოლოდ).

მრავალხმიანობის პირველი ნიმუშები მონასტრებიდან მოდის - ორგანუმი (მოძრაობა პარალელურად მეხუთედი ან მეოთხედი), გიმელი, ფობურდონი (პარალელური მეექვსე აკორდები), დირიჟორი. კომპოზიტორები: ლეონინი და პეროტინი (12-13 სს. - ღვთისმშობლის ტაძარი).

საერო ხალხური მუსიკის მატარებლები შუა საუკუნეებში იყვნენ მიმები, ჟონგლერები, მენატრები საფრანგეთში, სპირმენები გერმანული კულტურის ქვეყნებში, ღორები ესპანეთში, ბუფონები რუსეთში. ეს მოხეტიალე მხატვრები უნივერსალური ოსტატები იყვნენ: ისინი აერთიანებდნენ სიმღერას, ცეკვას, სხვადასხვა ინსტრუმენტზე დაკვრას ჯადოსნურ ხრიკებთან, ცირკის ხელოვნებასთან და თოჯინების თეატრთან.

საერო კულტურის მეორე მხარე იყო რაინდული (სასამართლო) კულტურა (საერო ფეოდალების კულტურა). თითქმის ყველა დიდგვაროვანი ადამიანი იყო რაინდი - ღარიბი მეომრებიდან მეფეებამდე. ყალიბდება სპეციალური რაინდული კოდექსი, რომლის მიხედვითაც რაინდს, სიმამაცესა და ვაჟკაცობასთან ერთად, უნდა ჰქონოდა დახვეწილი მანერები, ყოფილიყო განათლებული, დიდსულოვანი, დიდსულოვანი, ერთგულად ემსახურა მშვენიერ ქალბატონს. რაინდული ცხოვრების ყველა ასპექტი ასახულია ტრუბადურების (პროვანსი - სამხრეთ საფრანგეთი), ტრუვერების (ჩრდილოეთ საფრანგეთი), მინესინგერების (გერმანია) მუსიკალურ და პოეტურ ხელოვნებაში. ტრუბადურთა ხელოვნება ძირითადად სასიყვარულო ლირიკასთან ასოცირდება. სასიყვარულო ლექსების ყველაზე პოპულარული ჟანრი იყო კანზონი (მინესინჯერებს შორის - "დილის სიმღერები" - ალბ).

ტრუვერებმა, ფართოდ გამოიყენეს ტრუბადურების გამოცდილება, შექმნეს საკუთარი ორიგინალური ჟანრები: „ქსოვის სიმღერები“, „მაისის სიმღერები“. ტრუბადურების, ტრუვერებისა და მაინტერესტების მუსიკალური ჟანრების მნიშვნელოვანი სფერო იყო სიმღერისა და ცეკვის ჟანრები: რონდო, ბალადა, ვირელე (რეფრენის ფორმები), ასევე გმირული ეპოსი (ფრანგული ეპოსი "როლანდის სიმღერა", გერმანული - "სიმღერა". ნიბელუნგები"). ჯვაროსნული სიმღერები გავრცელებული იყო მაღაროელებს შორის.

ტრუბადურების, ტრუვერებისა და მაღაროელების ხელოვნების დამახასიათებელი ნიშნები:

მონოფონია - მელოდიასა და პოეტურ ტექსტს შორის განუყოფელი კავშირის შედეგია, რაც გამომდინარეობს თავად მუსიკალური და პოეტური ხელოვნების არსიდან. მონოფონია ასევე შეესაბამებოდა საკუთარი გამოცდილების ინდივიდუალური გამოხატვისადმი დამოკიდებულებას, განცხადების შინაარსის პერსონალურ შეფასებას (ხშირად პირადი გამოცდილების გამოხატვა ჩარჩოში ხდებოდა ბუნების სურათების გამოსახულებით).

ძირითადად ვოკალური შესრულება. ინსტრუმენტების როლი არ იყო მნიშვნელოვანი: იგი დაყვანილი იყო შესავლებით, ინტერლუდიებით და პოსტლუდებით, რომლებიც აკრავენ ვოკალურ მელოდიას.

რაინდულ ხელოვნებაზე პროფესიონალურად ლაპარაკი ჯერ კიდევ შეუძლებელია, მაგრამ საერო მუსიკის პირობებში პირველად შეიქმნა მძლავრი მუსიკალური და პოეტური მიმართულება გამომსახველობითი საშუალებების განვითარებული კომპლექსით და შედარებით სრულყოფილი მუსიკალური დამწერლობით.

X-XI საუკუნეებიდან მომწიფებული შუა საუკუნეების ერთ-ერთი მნიშვნელოვანი მიღწევა იყო ქალაქების განვითარება (ბურგერული კულტურა). ქალაქური კულტურის ძირითადი ნიშნები იყო ანტიეკლესიური, თავისუფლებისმოყვარე ორიენტაცია, ფოლკლორთან კავშირი, მისი კომიკური და კარნავალური ხასიათი. ვითარდება გოთური არქიტექტურული სტილი. ყალიბდება ახალი მრავალხმიანი ჟანრები: XIII-XIV სს-დან XVI საუკუნეებამდე. - მოტეტი (ფრანგულიდან - „სიტყვა“. მოტეტისთვის, ხმების ტიპიური მელოდიური უმსგავსობა, რომელიც სხვადასხვა ტექსტებს ერთდროულად ახმოვანებდა - ხშირად სხვადასხვა ენაზეც კი), მადრიგალი (იტალიურიდან - „სიმღერა მშობლიურ ენაზე“, ე.ი. ტექსტები სასიყვარულო-ლირიკული, პასტორალური), კაკა (იტალიურიდან - "ნადირობა" - ნადირობის ამსახველი ტექსტის საფუძველზე შექმნილი ვოკალური ნაწარმოები).

ფოლკლორული მოხეტიალე მუსიკოსები მომთაბარე ცხოვრების წესიდან უმოძრაო ცხოვრების წესზე გადადიან, ასახლებენ ქალაქის მთელ კორპუსებს და ქმნიან ერთგვარ „მუსიკოსთა სახელოსნოებს“. მე-12 საუკუნიდან მოყოლებული ფოლკლორულ მუსიკოსებს შეუერთდნენ მაწანწალები და გოლიარდები - დეკლასირებული ადამიანები სხვადასხვა კლასიდან (სკოლის სტუდენტები, გაქცეული ბერები, მოხეტიალე სასულიერო პირები). გაუნათლებელი ჟონგლერებისგან განსხვავებით - ზეპირი ტრადიციის ხელოვნების ტიპიური წარმომადგენლები - ვაგანტები და გოლიარდები იყვნენ წიგნიერები: მათ იცოდნენ ლათინური ენა და კლასიკური ვერსიფიკაციის წესები, შეადგინეს მუსიკა - სიმღერები (გამოსახულებების წრე ასოცირდება სასკოლო მეცნიერებასთან და სტუდენტურ ცხოვრებასთან) და ისეთი რთული კომპოზიციებიც კი, როგორიცაა დირიჟორები და მოტეტები.

უნივერსიტეტები გახდა მუსიკალური კულტურის მნიშვნელოვანი ცენტრი. მუსიკა, უფრო ზუსტად - მუსიკალური აკუსტიკა - ასტრონომიასთან, მათემატიკასთან, ფიზიკასთან ერთად იყო კვადრიუმის ნაწილი, ე.ი. უნივერსიტეტებში შესწავლილი ოთხი დისციპლინის ციკლი.

ამრიგად, შუა საუკუნეების ქალაქში იყო მუსიკალური კულტურის ცენტრები, განსხვავებული ხასიათითა და სოციალური ორიენტირებით: ხალხური მუსიკოსების ასოციაციები, სასამართლო მუსიკა, მონასტრებისა და ტაძრების მუსიკა, საუნივერსიტეტო მუსიკალური პრაქტიკა.

შუა საუკუნეების მუსიკალური თეორია მჭიდროდ იყო დაკავშირებული თეოლოგიასთან. ჩვენამდე მოღწეულ რამდენიმე მუსიკალურ-თეორიულ ტრაქტატში მუსიკა განიხილებოდა როგორც „ეკლესიის მსახური“. ადრეული შუა საუკუნეების გამორჩეულ ტრაქტატებს შორის გამოირჩევა ავგუსტინეს 6 წიგნი „მუსიკის შესახებ“, ბოეთიუსის 5 წიგნი „მუსიკის დაარსების შესახებ“ და ა.შ. ამ ტრაქტატებში დიდი ადგილი დაეთმო აბსტრაქტულ სქოლასტიკურ საკითხებს, დოქტრინას. მუსიკის კოსმიური როლის შესახებ და ა.შ.

შუა საუკუნეების ფრეტის სისტემა შეიმუშავეს საეკლესიო პროფესიული მუსიკალური ხელოვნების წარმომადგენლებმა - ამიტომ, სახელწოდება "ეკლესიის რეჟიმები" მიენიჭა შუა საუკუნეების ფრთებს. იონური და ეოლური დამკვიდრდა მთავარ მოდებად.

შუა საუკუნეების მუსიკალურმა თეორიამ წამოაყენა დოქტრინა ჰექსაკორდების შესახებ. თითოეულ ფრეტში პრაქტიკაში გამოიყენებოდა 6 ნაბიჯი (მაგალითად: დო, რე, მი, ფა, მარილი, ლა). Xi მაშინ თავიდან აიცილეს, რადგან. ფ-სთან ერთად ჩამოყალიბდა გადასვლა გაფართოებულ კვარტზე, რომელიც ძალიან დისონანსად ითვლებოდა და გადატანითი მნიშვნელობით „ეშმაკს მუსიკაში“ უწოდებდნენ.

ფართოდ გამოიყენებოდა არასავალდებულო აღნიშვნა. გვიდო არეტინსკიმ გააუმჯობესა მუსიკალური ნოტაციის სისტემა. მისი რეფორმის არსი იყო შემდეგი: ოთხი ხაზის არსებობა, ტერციული ურთიერთობა ცალკეულ ხაზებს შორის, საკვანძო ნიშანი (თავდაპირველად ლიტერალური) ან ხაზის შეღებვა. მან ასევე შემოიტანა მარცვლები რეჟიმის პირველი ექვსი საფეხურისთვის: ut, re, mi, fa, salt, la.

შემოიღეს მენსტრუალური აღნიშვნა, სადაც თითოეულ ნოტს ენიჭებოდა გარკვეული რიტმული საზომი (ლათ. mensura - საზომი, საზომი). ხანგრძლივობის სახელები: მაქსიმი, ლონგა, ბრევისი და ა.შ.

მე-14 საუკუნე არის გარდამავალი პერიოდი შუა საუკუნეებსა და რენესანსს შორის. XIV საუკუნის საფრანგეთისა და იტალიის ხელოვნებას ეწოდებოდა "Ars nova" (ლათინურიდან - ახალი ხელოვნება), ხოლო იტალიაში მას ჰქონდა ადრეული რენესანსის ყველა თვისება. ძირითადი მახასიათებლები: უარის თქმა ექსკლუზიურად საეკლესიო მუსიკის ჟანრებზე და საერო ვოკალურ და ინსტრუმენტულ კამერულ ჟანრებზე (ბალადა, კაჭჩა, მადრიგალი), დაახლოება ყოველდღიურ სიმღერასთან, სხვადასხვა მუსიკალური ინსტრუმენტების გამოყენება. Ars nova საპირისპიროა ე.წ. ars antiqua (ლათ. ars antiqua - ძველი ხელოვნება), რაც გულისხმობს XIV საუკუნის დასაწყისამდე მუსიკალურ ხელოვნებას. ars nova-ს უმსხვილესი წარმომადგენლები იყვნენ გიომ დე მაშო (XIV საუკუნე, საფრანგეთი) და ფრანჩესკო ლანდინო (მე-14 საუკუნე, იტალია).

ამრიგად, შუა საუკუნეების მუსიკალური კულტურა, მიუხედავად შედარებით შეზღუდული საშუალებებისა, წარმოადგენს უფრო მაღალ დონეს ძველი სამყაროს მუსიკასთან შედარებით და შეიცავს წინაპირობებს რენესანსის მუსიკალური ხელოვნების ბრწყინვალე აყვავებისთვის.

მუსიკა შუა საუკუნეების გრიგორიანული ტრუბადური

მუსიკა შუა საუკუნეების ეპოქა - განვითარების პერიოდიმუსიკალური კულტურა, რომელიც მოიცავს დროის მონაკვეთს დაახლოებითმე-5-მე-14 საუკუნეებში .
შუა საუკუნეებში ევროპაში ჩნდება ახალი ტიპის მუსიკალური კულტურა -ფეოდალური რომელიც აერთიანებს პროფესიულ ხელოვნებას, სამოყვარულო მუსიკას დაფოლკლორი. ეკლესიიდან მოყოლებული დომინირებს სულიერი ცხოვრების ყველა სფეროში, პროფესიული მუსიკალური ხელოვნების საფუძველია მუსიკოსების საქმიანობატაძრები და მონასტრები . საერო პროფესიულ ხელოვნებას თავდაპირველად მხოლოდ მომღერლები წარმოადგენდნენ, რომლებიც ქმნიდნენ და ასრულებდნენ ეპიკურ ზღაპრებს სასამართლოში, თავადაზნაურობის სახლებში, მეომრებს შორის და ა.შ.ბარდები, სკალდები და ა.შ.). დროთა განმავლობაში ვითარდება მუსიკის შემოქმედების მოყვარული და ნახევრად პროფესიონალური ფორმები.რაინდობა: საფრანგეთში - ტრუბადურთა და ტრუვეურთა ხელოვნება (ადამ დე ლა ჰალი, XIII ს.), გერმანიაში - მაღაროელების ( ვოლფრამ ფონ ეშენბახი, ვალტერ ფონ დერ ვოგელვეიდი, XII - XIII სს ), ასევე ურბანულიხელოსნები. ფეოდალურ ციხეებში და ქალაქებში გაშენებულია ყველანაირი გვარი,სიმღერების ჟანრები და ფორმები (ეპიკური, „გათენება“, რონდო, ლე, ვირელე, ბალადები, კანზონები, ლაუდები და სხვ.).
ახალი ხალხი შემოდის ცხოვრებაშიმუსიკალური ინსტრუმენტებიმათ შორის, ვინც მოვიდააღმოსავლეთი (ალტი, ლუტი ა.შ.), წარმოიქმნება ანსამბლები (არასტაბილური კომპოზიციები). ფოლკლორი ყვავის გლეხობაში. ასევე არიან "ხალხის პროფესიონალები":მთხრობელები , მოხეტიალე სინთეტიკური მხატვრები (ჟონგლერები, მიმები, მესტრელები, შპილმანები, ბუფონები ). მუსიკა კვლავ ასრულებს ძირითადად გამოყენებით და სულიერ-პრაქტიკულ ფუნქციებს. კრეატიულობა მოქმედებს ერთიანობაშიშესრულება(ჩვეულებრივ ერთ ადამიანში).
და მუსიკის შინაარსში და მის ფორმაში დომინირებსკოლექტიურობა ; ინდივიდუალური დასაწყისი ემორჩილება გენერალს, მისგან გამორჩევის გარეშე (მუსიკოს-ოსტატი საუკეთესო წარმომადგენელიათემები ). მკაცრი მეფობა ყველაფერშიტრადიცია და კანონიკურობა . კონსოლიდაცია, შენარჩუნება და გავრცელებატრადიციები და სტანდარტები.
თანდათან, თუმცა ნელ-ნელა, მუსიკის შინაარსი, მისიჟანრები, ფორმები , გამოხატვის საშუალება. ვდასავლეთ ევროპა VI-VII სს . მკაცრად რეგულირებული სისტემამონოფონიური (მონოდიური ) საეკლესიო მუსიკაზე დაფუძნებულიდიატონური რეჟიმები ( გრიგორიანული გალობა), აერთიანებს წაკითხვას (ფსალმუნი) და სიმღერას (საგალობლები ). I და II ათასწლეულების მიჯნაზე, ამრავალხმიანობა . ახალივოკალური (საგუნდო ) და ვოკალურ-ინსტრუმენტული (საგუნდო დაორგანო) ჟანრები: ორგანუმი, მოტეტი, დირიჟორი, შემდეგ მასა. საფრანგეთი მე-12 საუკუნეში პირველიკომპოზიტორთა (შემოქმედებით) სკოლაში ღვთისმშობლის ტაძარი(ლეონინი, პეროტინი). რენესანსის მიჯნაზე (ars nova სტილი საფრანგეთსა და იტალიაში, XIV საუკუნე) ქ პროფესიონალური მუსიკამონოფონია იძულებით იხსნებამრავალხმიანობა მუსიკა თანდათანობით იწყებს გათავისუფლებას წმინდა პრაქტიკული ფუნქციებისაგან (ეკლესიის მსახურებარიტუალები ), ეს ზრდის ღირებულებასსაერო ჟანრები, მათ შორის სიმღერაგიომ დე მაშო).

რენესანსი.

მუსიკა XV-XVII სს.
შუა საუკუნეებში მუსიკა ეკლესიის პრეროგატივა იყო, ამიტომ მუსიკალური ნაწარმოებების უმეტესობა წმინდა იყო, ისინი ეფუძნებოდა საეკლესიო საგალობლებს (გრიგორიული გალობა), რომელიც ქრისტიანობის დასაბამიდანვე იყო რელიგიის ნაწილი. მე-17 საუკუნის დასაწყისში საკულტო მელოდიები, პაპ გრიგოლ I-ის უშუალო მონაწილეობით, საბოლოოდ იქნა წმინდანად შერაცხული. გრიგორიანული გალობა შესრულდა პროფესიონალი მომღერლების მიერ. მას შემდეგ, რაც საეკლესიო მუსიკამ მრავალხმიანობა აითვისა, გრიგორიანული გალობა დარჩა მრავალხმიანი საკულტო ნაწარმოებების თემატურ საფუძვლად (მასები, მოტეტები და სხვ.).

შუა საუკუნეებს მოჰყვა რენესანსი, რომელიც მუსიკოსებისთვის იყო აღმოჩენების, ინოვაციებისა და გამოკვლევების ერა, ცხოვრების კულტურული და სამეცნიერო გამოხატვის ყველა ფენის რენესანსი, მუსიკიდან და მხატვრობიდან ასტრონომიასა და მათემატიკამდე.
მიუხედავად იმისა, რომ მუსიკა ძირითადად რელიგიური დარჩა, საზოგადოებაზე ეკლესიის კონტროლის შესუსტებამ კომპოზიტორებსა და შემსრულებლებს უფრო მეტი თავისუფლება უხსნა, რათა გამოეჩინათ თავიანთი ნიჭი.
სტამბის გამოგონებით შესაძლებელი გახდა ფურცლების დაბეჭდვა და გავრცელება და ამ მომენტიდან იწყება ის, რასაც ჩვენ კლასიკურ მუსიკას ვუწოდებთ.
ამ პერიოდში გამოჩნდა ახალი მუსიკალური ინსტრუმენტები. ყველაზე პოპულარული იყო ინსტრუმენტები, რომლებზეც მუსიკის მოყვარულებს შეეძლოთ მარტივად და მარტივად უკრავდნენ, განსაკუთრებული უნარ-ჩვევების გარეშე.
სწორედ ამ დროს გამოჩნდა ვიოლა, ვიოლინოს წინამორბედი. ფრეტები (ხის ზოლები ფრეტბორდის გასწვრივ) აადვილებდა დაკვრას და ხმა იყო მშვიდი, ნაზი და კარგად უკრავდა პატარა ადგილებში.
პოპულარული იყო ჩასაბერი ინსტრუმენტებიც - ჩამწერი, ფლეიტა და საყვირი. ყველაზე რთული მუსიკა იწერებოდა ახლად შექმნილი კლავესინისთვის, ქალწულისთვის (ინგლისური კლავესინი, ხასიათდება მცირე ზომის) და ორღანისთვის. ამავდროულად, მუსიკოსებმა არ დაივიწყეს უფრო მარტივი მუსიკის შედგენა, რომელიც არ მოითხოვდა მაღალ საშემსრულებლო უნარებს. პარალელურად ცვლილებები მოხდა მუსიკალურ დამწერლობაში: მძიმე ხის საბეჭდი ბლოკები შეიცვალა იტალიელი ოტავიანო პეტრუჩის მიერ გამოგონილი მობილური ლითონის ასოებით. გამოქვეყნებული მუსიკალური ნაწარმოებები სწრაფად გაიყიდა, უფრო და უფრო მეტი ადამიანი შეუერთდა მუსიკას.
აღორძინების ეპოქის დასასრული აღინიშნა მუსიკალურ ისტორიაში ყველაზე მნიშვნელოვანი მოვლენით - ოპერის დაბადებით. ჰუმანისტთა, მუსიკოსთა და პოეტთა ჯგუფი შეიკრიბა ფლორენციაში მათი ლიდერის, გრაფი ჯოვანი დე ბარდის (1534 - 1612) ეგიდით. ჯგუფს ერქვა "კამერატა", მისი მთავარი წევრები იყვნენ ჯულიო კაჩინი, პიეტრო სტროცი, ვინჩენცო გალილეი (ასტრონომის გალილეო გალილეის მამა), ჯილორამო მეი, ემილიო დე კავალიერი და ოტავიო რინუჩინი ახალგაზრდობაში.
ჯგუფის პირველი დოკუმენტირებული შეხვედრა შედგა 1573 წელს და მუშაობის ყველაზე აქტიური წლები.ფლორენციული კამერა "იყო 1577 - 1582 წლები. მათ სჯეროდათ, რომ მუსიკა "გაფუჭებული" იყო და ცდილობდნენ დაბრუნებას ძველი საბერძნეთის ფორმასა და სტილში, თვლიდნენ, რომ მუსიკის ხელოვნება შეიძლებოდა გაუმჯობესებულიყო და, შესაბამისად, გაუმჯობესებულიყო საზოგადოებაც. კამერატა აკრიტიკებდა არსებულ მუსიკას. მრავალხმიანობის გადაჭარბებული გამოყენება ტექსტის გასაგებად და ნაწარმოების პოეტური კომპონენტის დაკარგვის ხარჯზე და შესთავაზა შექმნას ახალი მუსიკალური სტილი, რომელშიც მონოდიურ სტილში ტექსტს თან ახლდა ინსტრუმენტული მუსიკა. მათმა ექსპერიმენტებმა განაპირობა ახალი ვოკალურ-მუსიკალური ფორმის შექმნა - რეჩიტატივი, რომელიც პირველად გამოიყენა ემილიო დე კავალიერიმ, შემდგომში უშუალოდ ოპერის განვითარებასთან.
პირველი ოფიციალურად აღიარებულიოპერა თანამედროვე სტანდარტების შესაბამისი იყო ოპერა "დაფნე" (დაფნე), პირველად წარმოდგენილი 1598 წელს. "დაფნის" ავტორები იყვნენ ჯაკოპო პერი და ჯაკოპო კორსი, ოტავიო რინუჩინის ლიბრეტო. ეს ოპერა არ შემორჩენილა. პირველი შემორჩენილი ოპერა არის "ევრიდიკე" (1600) ამავე ავტორების - ჯაკოპო პერიდა ოტავიო რინუჩინი. ამ შემოქმედებითმა გაერთიანებამ ჯერ კიდევ ბევრი ნამუშევარი შექმნა, რომელთა უმეტესობა დაკარგულია.

ადრეული ბაროკოს მუსიკა (1600-1654)

იტალიელი კომპოზიტორის კლაუდიო მონტევერდის (1567-1643) რეჩიტატიული სტილის შექმნა და იტალიური ოპერის თანმიმდევრული განვითარება შეიძლება ჩაითვალოს პირობით გარდამავალ პუნქტად ბაროკოსა და რენესანსს შორის. რომში და განსაკუთრებით ვენეციაში საოპერო სპექტაკლების დაწყება უკვე ნიშნავდა ახალი ჟანრის აღიარებას და გავრცელებას მთელ ქვეყანაში. ეს ყველაფერი მხოლოდ უფრო დიდი პროცესის ნაწილი იყო, რომელიც იპყრობდა ყველა ხელოვნებას და განსაკუთრებით ნათლად გამოიხატა არქიტექტურასა და ფერწერაში.
რენესანსის კომპოზიტორები ყურადღებას აქცევდნენ მუსიკალური ნაწარმოების თითოეული ნაწილის დამუშავებას, მცირე ან საერთოდ არ აქცევდნენ ყურადღებას ამ ნაწილების ერთმანეთთან შეთავსებას. ცალკე, თითოეული ნაწილი შესანიშნავად ჟღერდა, მაგრამ დამატების ჰარმონიული შედეგი უფრო შემთხვევითობა იყო, ვიდრე კანონზომიერება. ფიგურული ბასის გამოჩენა მიუთითებდა მუსიკალურ აზროვნებაში მნიშვნელოვან ცვლილებაზე - კერძოდ, ის ჰარმონია, რომელიც არის "ნაწილების ერთ მთლიანობაში დამატება", ისეთივე მნიშვნელოვანია, როგორც თავად მელოდიური ნაწილები (პოლიფონია). უფრო და უფრო მეტად, მრავალხმიანობა და ჰარმონია ჰგავდა ევფონიური მუსიკის შედგენის ერთი და იგივე იდეის ორ მხარეს: ჰარმონიული თანმიმდევრობების შედგენისას, დისონანსის შექმნისას იგივე ყურადღება ექცეოდა ტრიტონებს. ჰარმონიული აზროვნება არსებობდა წინა ეპოქის ზოგიერთ კომპოზიტორს შორის, როგორიცაა კარლო გესუალდო, მაგრამ ბაროკოს ეპოქაში იგი საყოველთაოდ მიღებული გახდა.
ნაწარმოებების ის ნაწილები, სადაც შეუძლებელია მოდალობის ტონალობიდან მკაფიოდ გამიჯვნა, მან აღნიშნა, როგორც შერეული მაჟორი, ან შერეული მინორი (მოგვიანებით ამ ცნებებისთვის მან შემოიტანა ტერმინები, შესაბამისად, "monal major" და "monal minor", შესაბამისად). ცხრილი გვიჩვენებს, თუ როგორ ანაცვლებს ტონალური ჰარმონია უკვე ადრეულ ბაროკოს პერიოდში, წინა ეპოქის ჰარმონიას.
იტალია ხდება ახალი სტილის ცენტრი. პაპობა, მართალია, რეფორმაციის წინააღმდეგ ბრძოლით დაიპყრო, მაგრამ მაინც ფლობდა უზარმაზარ ფინანსურ რესურსებს, რომლებიც ავსებდა ჰაბსბურგების სამხედრო კამპანიებს, ეძებდა შესაძლებლობებს კათოლიკური რწმენის გავრცელებისთვის კულტურული გავლენის გაფართოების გზით. არქიტექტურის, სახვითი ხელოვნებისა და მუსიკის ბრწყინვალებით, სიდიადითა და სირთულით კათოლიციზმი, თითქოსდა, კამათობდა ასკეტურ პროტესტანტიზმთან. მდიდარი იტალიის რესპუბლიკები და სამთავროები ასევე ენერგიულად ეჯიბრებოდნენ სახვითი ხელოვნებაში. მუსიკალური ხელოვნების ერთ-ერთი მნიშვნელოვანი ცენტრი იყო ვენეცია, რომელიც იმ დროს როგორც საერო, ისე საეკლესიო მფარველობის ქვეშ იყო.
ადრეული ბაროკოს პერიოდის მნიშვნელოვანი ფიგურა, რომლის პოზიციაც კათოლიციზმის მხარეს იყო და პროტესტანტიზმის მზარდ იდეოლოგიურ, კულტურულ და სოციალურ გავლენას ეწინააღმდეგებოდა, იყო ჯოვანი გაბრიელი. მისი ნამუშევრები მიეკუთვნება "მაღალი რენესანსის" (აღორძინების ეპოქის აყვავების ხანას) სტილს. თუმცა, მისი ზოგიერთი ინოვაცია ინსტრუმენტაციის სფეროში (გარკვეული ინსტრუმენტისთვის კონკრეტული ამოცანების მინიჭება) აშკარად მიუთითებს, რომ ის იყო ერთ-ერთი კომპოზიტორი, რომელმაც გავლენა მოახდინა ახალი სტილის გაჩენაზე.
ეკლესიის მიერ სასულიერო მუსიკის შედგენისას დაწესებული ერთ-ერთი მოთხოვნა იყო ვოკალური ნაწარმოებების ტექსტების წაკითხვა. ეს მოითხოვდა მრავალხმიანობას მუსიკალური ტექნიკისკენ, სადაც სიტყვები წინა პლანზე წამოვიდა. ვოკალი უფრო რთული, მორთული გახდა აკომპანიმენტთან შედარებით. ასე განვითარდა ჰომოფონია.
მონტევერდე კლაუდიო(1567-1643), იტალიელი კომპოზიტორი. არაფერი იზიდავდა მას ისე, როგორც ადამიანის შინაგანი, სულიერი სამყაროს გამოვლენა მის დრამატულ შეჯახებებსა და კონფლიქტებში გარე სამყაროსთან. მონტევერდი ტრაგიკული გეგმის კონფლიქტური დრამატურგიის ნამდვილი ფუძემდებელია. ის ადამიანთა სულების ნამდვილი მომღერალია. ის დაჟინებით იბრძოდა მუსიკის ბუნებრივი ექსპრესიულობისთვის. "ადამიანური მეტყველება ჰარმონიის პატრონია და არა მისი მსახური."
"ორფეოსი" (1607) -ოპერის მუსიკა ორიენტირებულია ტრაგიკული გმირის შინაგანი სამყაროს გამოვლენაზე. მისი ნაწილი არაჩვეულებრივად მრავალმხრივია, მასში ერწყმის სხვადასხვა ემოციური და ექსპრესიული მიმდინარეობა და ჟანრული ხაზი. იგი ენთუზიაზმით უხმობს მშობლიურ ტყეებსა და სანაპიროებს ან გლოვობს ევრიდიკეს დაკარგვას უხელოვნებო ხალხურ სიმღერებში.

მომწიფებული ბაროკოს მუსიკა (1654-1707 წწ.)

ევროპაში უზენაესი ძალაუფლების ცენტრალიზაციის პერიოდს ხშირად აბსოლუტიზმს უწოდებენ. აბსოლუტიზმმა ზენიტს მიაღწია საფრანგეთის მეფის ლუი XIV-ის დროს. მთელი ევროპისთვის ლუის სასამართლო მისაბაძი მაგალითი იყო. მათ შორის სასამართლოზე შესრულებული მუსიკა. მუსიკალური ინსტრუმენტების (განსაკუთრებით კლავიატურის) გაზრდილმა ხელმისაწვდომობამ ბიძგი მისცა კამერული მუსიკის განვითარებას.
მომწიფებული ბაროკო ადრეული ბაროკოსგან განსხვავდება ახალი სტილის ყველგანმყოფობით და მუსიკალური ფორმების გაზრდილი განცალკევებით, განსაკუთრებით ოპერაში. როგორც ლიტერატურაში, მუსიკალური ნაწარმოებების სტრიმინგ ბეჭდვის გამოჩენამ გამოიწვია აუდიტორიის გაფართოება; გააქტიურდა მუსიკალური კულტურის ცენტრებს შორის გაცვლა.
ლუი XIV-ის კარის სასამართლო კომპოზიტორთა გამოჩენილი წარმომადგენელი იყო ჯოვანი ბატისტა ლული (1632-1687 წწ).უკვე 21 წლის ასაკში მიიღო „ინსტრუმენტული მუსიკის სასამართლო კომპოზიტორის“ წოდება. ლულის შემოქმედება თავიდანვე მჭიდროდ იყო დაკავშირებული თეატრთან. სასამართლო კამერული მუსიკის ორგანიზებისა და "airs de cour"-ის კომპოზიციის შემდეგ, მან დაიწყო ბალეტის მუსიკის წერა. თავად ლუი XIV ცეკვავდა ბალეტებში, რომლებიც მაშინ სასამართლო თავადაზნაურობის საყვარელი გასართობი იყო. ლული შესანიშნავი მოცეკვავე იყო. ის შემთხვევით მონაწილეობდა სპექტაკლებში, ცეკვავდა მეფესთან. ის ცნობილია მოლიერთან თანამშრომლობით, რომლის პიესებისთვისაც დაწერა მუსიკა. მაგრამ ლულის შემოქმედებაში მთავარი მაინც ოპერების წერა იყო. გასაკვირია, რომ ლულიმ შექმნა ფრანგული ოპერის სრული ტიპი; ეგრეთ წოდებული ლირიკული ტრაგედია საფრანგეთში (fr. tragedie lyrique) და უდავო შემოქმედებით სიმწიფეს მიაღწია ოპერის თეატრში მუშაობის პირველივე წლებში. ლული ხშირად იყენებდა კონტრასტს საორკესტრო განყოფილების დიდებულ ჟღერადობასა და მარტივ რეჩიტატივებსა და არიებს შორის. ლულის მუსიკალური ენა არ არის ძალიან რთული, მაგრამ რა თქმა უნდა ახალი: ჰარმონიის სიცხადე, რიტმული ენერგია, ფორმის არტიკულაციის სიცხადე, ტექსტურის სისუფთავე საუბრობს ჰომოფონიური აზროვნების პრინციპების გამარჯვებაზე. დიდწილად, მის წარმატებას ასევე შეუწყო ხელი ორკესტრისთვის მუსიკოსების არჩევის უნარმა და მათთან მუშაობამ (ის თვითონ ატარებდა რეპეტიციებს). მისი შემოქმედების განუყოფელი ელემენტი იყო ყურადღება ჰარმონიასა და სოლო ინსტრუმენტზე.
ინგლისში მომწიფებული ბაროკო გამორჩეული იყო ჰენრი პერსელის (1659-1695) ბრწყინვალე გენიოსით.იგი გარდაიცვალა ახალგაზრდა, 36 წლის ასაკში, დაწერა უამრავი ნაწარმოები და ფართოდ ცნობილი გახდა სიცოცხლის განმავლობაში. პერსელი იცნობდა კორელისა და სხვა იტალიელი ბაროკოს კომპოზიტორების შემოქმედებას. თუმცა, მისი მფარველები და მომხმარებლები განსხვავებულები იყვნენ, ვიდრე იტალიელი და ფრანგი საერო და საეკლესიო თავადაზნაურობა, ამიტომ პერსელის ნაწერები ძალიან განსხვავდება იტალიური სკოლისგან. პერსელი მუშაობდა ჟანრის ფართო სპექტრში; მარტივი რელიგიური საგალობლებიდან მარშის მუსიკამდე, დიდი ფორმატის ვოკალური კომპოზიციებიდან დადგმულ მუსიკამდე. მისი კატალოგი შეიცავს 800-ზე მეტ ნამუშევარს. პერსელი გახდა კლავიატურის მუსიკის ერთ-ერთი პირველი კომპოზიტორი, რომლის გავლენა დღემდე ვრცელდება.
ზემოაღნიშნული კომპოზიტორებისგან განსხვავებით, დიტრიხ ბუქსტეჰუდე (1637-1707)არ იყო სასამართლო კომპოზიტორი. ბუქსტეჰუდი მუშაობდა ორგანისტად ჯერ ჰელსინგბორგში (1657-1658), შემდეგ ელსინორში (1660-1668), შემდეგ კი 1668 წლიდან ქ. მარიამი ლუბეკში. ფულს არ შოულობდა თავისი ნაწარმოებების გამოცემით, არამედ მათი შესრულებით და საეკლესიო ტექსტებს მუსიკის შედგენა და საკუთარი ორღანი ნაწარმოებების შესრულება აზნაურების მფარველობას ამჯობინა. სამწუხაროდ, ამ კომპოზიტორის ყველა ნაწარმოები არ არის შემონახული. ბუქსტეჰუდეს მუსიკა დიდწილად აგებულია იდეების, სიმდიდრისა და წარმოსახვის თავისუფლების მასშტაბებზე, პათოსისკენ, დრამისა და გარკვეულწილად ორატორული ინტონაციისკენ. მისმა ნამუშევრებმა ძლიერი გავლენა მოახდინა ისეთ კომპოზიტორებზე, როგორებიც არიან ჯ.ს. ბახი და ტელემანი.

გვიანი ბაროკოს მუსიკა (1707-1760)

ზუსტი ხაზი მოწიფულ და გვიან ბაროკოს შორის კამათის საგანია; ის სადღაც 1680 და 1720 წლებს შორისაა. მისი განმარტების სირთულის დიდ ნაწილს წარმოადგენს ის ფაქტი, რომ სხვადასხვა ქვეყანაში სტილი შეიცვალა სინქრონულად; ინოვაციები უკვე მიღებული წესად ერთ ადგილას იყო ახალი აღმოჩენები მეორეში
წინა პერიოდის მიერ აღმოჩენილმა ფორმებმა მიაღწიეს სიმწიფეს და დიდ ცვალებადობას; კონცერტს, სუიტას, სონატას, კონცერტო გროსოს, ორატორიოს, ოპერასა და ბალეტს აღარ ჰქონდა მკვეთრად გამოხატული ეროვნული მახასიათებლები. ყველგან დამკვიდრდა ნამუშევრების საყოველთაოდ მიღებული სქემები: განმეორებითი ორნაწილიანი ფორმა (AABB), მარტივი სამნაწილიანი ფორმა (ABC) და რონდო.
ანტონიო ვივალდი (1678-1741) -იტალიელი კომპოზიტორი, დაბადებული ვენეციაში. 1703 წელს მიიღო კათოლიკე მღვდლის წოდება. ვივალდიმ თავისი ყველაზე მნიშვნელოვანი წვლილი სწორედ ამ, იმ დროს ჯერ კიდევ განვითარებად ინსტრუმენტულ ჟანრებში (ბაროკოს სონატა და ბაროკოს კონცერტი) შეიტანა. ვივალდიმ 500-ზე მეტი კონცერტი შექმნა. მან ასევე მიანიჭა პროგრამული სათაურები მის ზოგიერთ ნამუშევრებს, როგორიცაა ცნობილი ოთხი სეზონი.
დომენიკო სკარლატი (1685-1757)იყო თავისი დროის ერთ-ერთი წამყვანი კლავიატურის კომპოზიტორი და შემსრულებელი. მაგრამ ალბათ ყველაზე ცნობილი სასამართლო კომპოზიტორი იყო გეორგ ფრიდრიხ ჰენდელი (1685-1759 წწ).იგი დაიბადა გერმანიაში, სწავლობდა სამი წლის განმავლობაში იტალიაში, მაგრამ დატოვა ლონდონი 1711 წელს, სადაც მან დაიწყო თავისი ბრწყინვალე და კომერციულად წარმატებული კარიერა, როგორც დამოუკიდებელი საოპერო კომპოზიტორი, ასრულებდა კომისიებს თავადაზნაურებისთვის. დაუღალავი ენერგიით დაჯილდოებული ჰენდელი ამუშავებდა სხვა კომპოზიტორების მასალას და მუდმივად ამუშავებდა საკუთარ კომპოზიციებს. მაგალითად, ის ცნობილია იმით, რომ მან იმდენჯერ გადაამუშავა ცნობილი ორატორიო "მესია", რომ ახლა არ არსებობს ვერსია, რომელსაც "ავთენტური" ვუწოდოთ.
მისი გარდაცვალების შემდეგ იგი აღიარებულ იქნა წამყვან ევროპელ კომპოზიტორად და შეისწავლეს კლასიკური ეპოქის მუსიკოსები. ჰენდელმა თავის მუსიკაში შეაერთა იმპროვიზაციისა და კონტრაპუნქტის მდიდარი ტრადიციები. მუსიკალური ორნამენტების ხელოვნებამ მის შემოქმედებაში განვითარების ძალიან მაღალ დონეს მიაღწია. მან იმოგზაურა მთელ ევროპაში სხვა კომპოზიტორების მუსიკის შესასწავლად და ამიტომაც ჰყავდა ძალიან ფართო ნაცნობების წრე სხვა სტილის კომპოზიტორებს შორის.
იოჰან სებასტიან ბახიდაიბადა 1685 წლის 21 მარტს ეიზენახში, გერმანია. სიცოცხლის განმავლობაში მან შეასრულა 1000-ზე მეტი ნაწარმოები სხვადასხვა ჟანრში, გარდა ოპერისა. მაგრამ სიცოცხლის განმავლობაში მან ვერ მიაღწია რაიმე მნიშვნელოვან წარმატებას. ბევრჯერ მოძრაობდა, ბახი ერთი მეორეს მიყოლებით იცვლიდა არც თუ ისე მაღალ თანამდებობას: ვაიმარში იყო სასამართლო მუსიკოსი ვაიმარის ჰერცოგ იოჰან ერნსტში, შემდეგ გახდა ორღანის მომვლელი წმ. ბონიფაციუსმა არნშტადტში, რამდენიმე წლის შემდეგ მიიღო ორგანისტის თანამდებობა წმ. ვლასია მიულჰაუზენში, სადაც მუშაობდა მხოლოდ ერთი წლის განმავლობაში, რის შემდეგაც დაბრუნდა ვაიმარში, სადაც დაიკავა სასამართლო ორგანიზატორი და კონცერტების ორგანიზატორი. ამ თანამდებობას ცხრა წელი იკავებდა. 1717 წელს ანჰალტ-კოტენის ჰერცოგმა ლეოპოლდმა დაიქირავა ბახი კაპელმაისტერად და ბახმა დაიწყო ცხოვრება და მოღვაწეობა კოტენში. 1723 წელს ბახი გადავიდა ლაიფციგში, სადაც დარჩა სიკვდილამდე 1750 წელს. მისი სიცოცხლის ბოლო წლებში და ბახის გარდაცვალების შემდეგ, მისი, როგორც კომპოზიტორის პოპულარობა კლებულობს: მისი სტილი ძველმოდურად ითვლებოდა მზარდ კლასიციზმთან შედარებით. მას უფრო იცნობდნენ და ახსოვდათ, როგორც შემსრულებელი, მასწავლებელი და ბახს უმცროსის მამა, ძირითადად კარლ ფილიპ ემანუელი, რომლის მუსიკაც უფრო ცნობილი იყო.
მხოლოდ მენდელსონის მიერ მათეს მიხედვით ვნების შესრულებამ, ჯ. ახლა J.S. Bach არის ერთ-ერთი ყველაზე პოპულარული კომპოზიტორი
კლასიციზმი
კლასიციზმი არის სტილი და ტენდენცია მე -17 - მე -19 საუკუნის დასაწყისის ხელოვნებაში.
ეს სიტყვა მომდინარეობს ლათინური classicus-დან - სამაგალითო. კლასიციზმი დაფუძნებული იყო არსების რაციონალურობის რწმენაზე, იმაში, რომ ადამიანის ბუნება ჰარმონიულია. მათ დაინახეს თავიანთი კლასიკის იდეალი ძველ ხელოვნებაში, რომელიც სრულყოფილების უმაღლეს ფორმად ითვლებოდა.
მეთვრამეტე საუკუნეში იწყება სოციალური ცნობიერების განვითარების ახალი ეტაპი - განმანათლებლობის ხანა. ნადგურდება ძველი სოციალური წესრიგი; ადამიანის ღირსების, თავისუფლებისა და ბედნიერების პატივისცემის იდეებს უდიდესი მნიშვნელობა აქვს; ადამიანი იძენს დამოუკიდებლობას და სიმწიფეს, იყენებს გონებას და კრიტიკულ აზროვნებას. ბაროკოს ეპოქის იდეალები თავისი პომპეზურობით, გრანდიოზულობითა და საზეიმოდ იცვლება ცხოვრების ახალი სტილით, რომელიც ეფუძნება ბუნებრიობასა და სიმარტივეს. დრო დგება ჟან-ჟაკ რუსოს იდეალისტური შეხედულებებისა, რომლებიც მოუწოდებენ ბუნებაში დაბრუნებას, ბუნებრივ სათნოებასა და თავისუფლებას. ბუნებასთან ერთად, ანტიკურობა იდეალიზებულია, რადგან ითვლებოდა, რომ ანტიკურ პერიოდში ადამიანებმა მოახერხეს ადამიანის ყველა მისწრაფების განსახიერება. უძველეს ხელოვნებას კლასიკურს უწოდებენ, იგი აღიარებულია, როგორც სანიმუშო, ყველაზე ჭეშმარიტი, სრულყოფილი, ჰარმონიული და, ბაროკოს ეპოქის ხელოვნებისგან განსხვავებით, ითვლება მარტივი და გასაგები. ყურადღების ცენტრში, სხვა მნიშვნელოვან ასპექტებთან ერთად, არის განათლება, უბრალო ხალხის პოზიცია სოციალურ სტრუქტურაში, გენიალურობა, როგორც პიროვნების საკუთრება.

ხელოვნებაშიც სუფევს მიზეზი. ფრანგმა ფილოსოფოსმა და განმანათლებელმა დენის დიდრომ სურდა ხაზგასმით აღენიშნა ხელოვნების მაღალი მიზანი, მისი სოციალური და სამოქალაქო როლი: „ქანდაკების ან ფერწერის თითოეული ნამუშევარი უნდა გამოხატავდეს ცხოვრების გარკვეულ წესს, უნდა ასწავლოს“.

თეატრი ამავდროულად ცხოვრების სახელმძღვანელო იყო და თავად ცხოვრებაც. გარდა ამისა, თეატრში მოქმედება უაღრესად მოწესრიგებულია, მოზომილია; ის დაყოფილია მოქმედებებად და სცენებად, რომლებიც, თავის მხრივ, იყოფა პერსონაჟების ცალკეულ რეპლიკებად, რაც ქმნის მე-18 საუკუნისთვის ასე საყვარელ ხელოვნების იდეალს, სადაც ყველაფერი თავის ადგილზეა და ექვემდებარება ლოგიკურ კანონებს.
კლასიციზმის მუსიკა უკიდურესად თეატრალურია, ის თითქოს კოპირებს თეატრის ხელოვნებას და ბაძავს მას.
კლასიკური სონატისა და სიმფონიის დაყოფა დიდ ნაწილებად - ნაწილებად, რომელთაგან თითოეულში ბევრი მუსიკალური „მოვლენაა“, სპექტაკლის მოქმედებებად და სცენებად დაყოფას ჰგავს.
კლასიკური ხანის მუსიკაში ხშირად იგულისხმება სიუჟეტი, რაღაც სახის მოქმედება, რომელიც ვითარდება მაყურებლის წინაშე ისევე, როგორც თეატრალური მოქმედება მაყურებლის წინაშე.
მსმენელს მხოლოდ ფანტაზიის ჩართვა და კლასიკური კომედიის თუ ტრაგედიის პერსონაჟების „მუსიკალურ სამოსში“ ამოცნობა სჭირდება.
თეატრის ხელოვნება გვეხმარება მე-18 საუკუნეში მომხდარი დიდი ცვლილებების ახსნაში მუსიკის შესრულებაში. ადრე, მთავარი ადგილი, სადაც მუსიკა ჟღერდა, იყო ტაძარი: მასში ადამიანი იყო ქვემოთ, უზარმაზარ სივრცეში, სადაც მუსიკა ეხმარებოდა მას აეხედა და თავისი აზრები ღმერთს მიეძღვნა. ახლა, მე-18 საუკუნეში, მუსიკა ისმის არისტოკრატულ სალონში, კეთილშობილური ქონების სამეჯლისო დარბაზში ან ქალაქის მოედანზე. განმანათლებლობის ეპოქის მსმენელი, როგორც ჩანს, ეპყრობა მუსიკას „თქვენ“ და აღარ განიცდის იმ სიამოვნებას და გაუბედაობას, რაც მან შთააგონა მასში, როდესაც ის ტაძარში ჟღერდა.
ორღანის ძლიერი, საზეიმო ჟღერადობა მუსიკაში აღარ არის, გუნდის როლი შემცირდა. კლასიკური სტილის მუსიკა მსუბუქად ჟღერს, გაცილებით ნაკლები ხმები აქვს, თითქოს „ნაკლებად იწონის“, ვიდრე წარსულის მძიმე, ფენიანი მუსიკა. ორღანისა და გუნდის ხმა სიმფონიური ორკესტრის ხმამ შეცვალა; ამაღლებულმა არიებმა ადგილი დაუთმო მსუბუქ, რიტმულ და საცეკვაო მუსიკას.
ადამიანის გონების შესაძლებლობებისა და ცოდნის ძალის უსაზღვრო რწმენის წყალობით, მე-18 საუკუნეს დაერქვა გონების ეპოქა ან განმანათლებლობის ხანა.
კლასიციზმის აყვავება მოდის მეთვრამეტე საუკუნის 80-იან წლებში. 1781 წელს ჯ.ჰაიდნმა შექმნა რამდენიმე ინოვაციური ნამუშევარი, მათ შორის მისი სიმებიანი კვარტეტი ოპ. 33; ოპერის პრემიერა V.A. მოცარტის "გატაცება სერალიოდან"; გამოქვეყნებულია ფ.შილერის დრამა „ყაჩაღები“ და ი.კანტის „სუფთა მიზეზის კრიტიკა“.

კლასიკური პერიოდის ყველაზე ნათელი წარმომადგენლები არიან ვენის კლასიკური სკოლის კომპოზიტორები ჯოზეფ ჰაიდნი, ვოლფგანგ ამადეუს მოცარტი და ლუდვიგ ვან ბეთჰოვენი. მათი ხელოვნება აღფრთოვანებულია კომპოზიციური ტექნიკის სრულყოფილებით, შემოქმედების ჰუმანისტური ორიენტირებით და სურვილით, განსაკუთრებით შესამჩნევი ვ.ა. მოცარტის მუსიკაში, მუსიკის საშუალებით აჩვენონ სრულყოფილი სილამაზე.

ვენის კლასიკური სკოლის კონცეფცია წარმოიშვა ლ. ბეთჰოვენის გარდაცვალების შემდეგ. კლასიკური ხელოვნება გამოირჩევა გრძნობებსა და გონებას, ფორმასა და შინაარსს შორის დელიკატური ბალანსით. რენესანსის მუსიკა ასახავდა მისი ეპოქის სულსა და სუნთქვას; ბაროკოს ეპოქაში ადამიანური სახელმწიფოები მუსიკაში ასახვის საგანი გახდა; კლასიციზმის ეპოქის მუსიკა მღერის ადამიანის ქმედებებსა და ქმედებებს, მის მიერ განცდილ ემოციებსა და გრძნობებს, ყურადღებიან და ჰოლისტურ ადამიანურ გონებას.

ლუდვიგ ვან ბეთჰოვენი (1770-1827)
გერმანელი კომპოზიტორი, ხშირად ითვლება ყველა დროის უდიდეს კომპოზიტორად.
მისი შემოქმედება მიეწერება როგორც კლასიციზმს, ასევე რომანტიზმს.
მისი წინამორბედი მოცარტისგან განსხვავებით, ბეთჰოვენი გაჭირვებით წერდა. ბეთჰოვენის რვეულები აჩვენებს, თუ როგორ თანდათან, ეტაპობრივად, გრანდიოზული კომპოზიცია ჩნდება გაურკვეველი ესკიზებიდან, რომელიც გამოირჩევა კონსტრუქციის დამაჯერებელი ლოგიკით და იშვიათი სილამაზით. სწორედ ლოგიკაა ბეთჰოვენის სიდიადის მთავარი წყარო, მისი შეუდარებელი უნარი მოაწყოს კონტრასტული ელემენტები მონოლითურ მთლიანობაში. ბეთჰოვენი შლის ტრადიციულ ცეზურებს ფორმის მონაკვეთებს შორის, გაურბის სიმეტრიას, აერთიანებს ციკლის ნაწილებს, ავითარებს გაფართოებულ კონსტრუქციებს თემატური და რიტმული მოტივებიდან, რომლებიც ერთი შეხედვით საინტერესოს არ შეიცავს. სხვა სიტყვებით რომ ვთქვათ, ბეთჰოვენი გონების ძალით, საკუთარი ნებით ქმნის მუსიკალურ სივრცეს. მან განჭვრიტა და შექმნა ის მხატვრული მიმართულებები, რომლებიც გადამწყვეტი გახდა მე-19 საუკუნის მუსიკალური ხელოვნებისთვის.

რომანტიზმი.
პირობითად მოიცავს 1800-1910 წწ
რომანტიკული კომპოზიტორები მუსიკალური საშუალებებით ცდილობდნენ გამოეხატათ ადამიანის შინაგანი სამყაროს სიღრმე და სიმდიდრე. მუსიკა ხდება უფრო ჭედური, ინდივიდუალური. ვითარდება სიმღერის ჟანრები, მათ შორის ბალადა.
მუსიკაში რომანტიზმის მთავარი წარმომადგენლები არიან: შიავსტრია - ფრანც შუბერტი ; გერმანიაში - ერნესტ თეოდორ ჰოფმანი, კარლ მარია ვებერირიჩარდ ვაგნერი, ფელიქს მენდელსონი, რობერტ შუმანი , ლუდვიგ შპორი ; ვ
და ა.შ.................

შუა საუკუნეების მუსიკა

შუა საუკუნეების მუსიკალური კულტურა არის უკიდურესად მოცულობითი და მრავალმხრივი ისტორიული ფენომენი, რომელიც ქრონოლოგიურად მდებარეობს ანტიკურ და რენესანსის ეპოქას შორის. ძნელი წარმოსადგენია ის, როგორც ერთი პერიოდი, რადგან სხვადასხვა ქვეყანაში ხელოვნების განვითარება თავის განსაკუთრებულ გზას გაჰყვა.

შუა საუკუნეების თავისებურება, რომელმაც თავისი კვალი დატოვა იმდროინდელ ადამიანთა ცხოვრების ყველა სფეროში, იყო ეკლესიის წამყვანი როლი პოლიტიკაში, ეთიკას, ხელოვნებაში და ა.შ. მუსიკას ასევე არ გადაურჩა ასეთი ბედი: ასე არ იყო. ჯერ კიდევ გამოყოფილი იყო რელიგიისგან და ძირითადად სულიერი ფუნქცია იყო. მისი შინაარსი, გამოსახულება, მთელი მისი ესთეტიკური არსი განასახიერებდა მიწიერი ცხოვრების ფასეულობების უარყოფას სიკვდილის შემდეგ შურისძიების, ასკეტიზმის ქადაგების, გარეგანი კურთხევებისგან განშორების მიზნით. ხალხურ ხელოვნებას, რომელიც განაგრძობდა წარმართული რწმენის კვალს, ხშირად თავს ესხმოდა კათოლიკური ეკლესიის „ოფიციალური“ ხელოვნება.

პირველი პერიოდი - ადრეული შუა საუკუნეები - ჩვეულებრივ გამოითვლება იმ ეპოქიდან, რომელიც მოჰყვა რომის იმპერიის დაცემისთანავე, ანუ ჩვენი წელთაღრიცხვით VI საუკუნიდან. ე. იმ დროს ევროპის ტერიტორიაზე არსებობდა და გადასახლდა მრავალი ტომი და ხალხი ისტორიული განვითარების სხვადასხვა საფეხურზე. თუმცა, ამ პერიოდის მუსიკალური ხელოვნების შემორჩენილი ძეგლები მხოლოდ ქრისტიანული ეკლესიის მუსიკაა (ძირითადად გვიანდელ ნოტაციაში), რომელიც მემკვიდრეობით, ერთის მხრივ, რომის იმპერიის კულტურას იღებს, მეორე მხრივ, მუსიკას. აღმოსავლეთი (იუდეა, სირია, სომხეთი, ეგვიპტე). ვარაუდობენ, რომ ქრისტიანული სიმღერის საშემსრულებლო ტრადიციები - ანტიფონი (ორი საგუნდო ჯგუფის დაპირისპირება) და რესპონსორები (ალტერნატიული სოლო სიმღერა და გუნდის "პასუხები") - განვითარდა აღმოსავლური ნიმუშების საფუძველზე.

VIII საუკუნისთვის ევროპის ქვეყნებში თანდათან ჩამოყალიბდა ლიტურგიული გალობის ტრადიცია, რომლის საფუძველი იყო გრიგორიანული გალობა - პაპ გრიგოლ I-ის მიერ სისტემატიზებული მონოფონიური საგუნდო გალობის ნაკრები. აქ უფრო დაწვრილებით უნდა შევჩერდეთ თავად გრიგოლის პიროვნებაზე, რომელსაც ისტორიაში თავისი ფიგურის მნიშვნელობიდან გამომდინარე, მიენიჭა დიდის წოდება.

იგი დაიბადა რომში 540 წელს, დიდგვაროვან ოჯახში, რომელსაც ფინანსური სირთულეები არ ჰქონია. მშობლების გარდაცვალების შემდეგ გრიგოლმა მიიღო მდიდარი მემკვიდრეობა და შეძლო დაეარსებინა რამდენიმე მონასტერი სიცილიაში და ერთი რომში, კაელიის ბორცვზე, თავის ოჯახურ სახლში. უკანასკნელი მონასტერი, სახელად წმინდა ანდრია მოციქულის მონასტერი, საცხოვრებლად აირჩია.

577 წელს გრიგოლი აკურთხეს დიაკვნად, 585 წელს აირჩიეს მის მიერ დაარსებული მონასტრის წინამძღვრად, 590 წელს რომის სენატის, სასულიერო პირებისა და ხალხის ერთსულოვანი გადაწყვეტილებით აირჩიეს პაპის ტახტზე, რომელსაც სიკვდილამდე ეკავა. , რომელიც მოჰყვა 604 წელს.

გრიგოლი სიცოცხლეშივე დასავლეთში დიდი პატივისცემით სარგებლობდა და სიკვდილის შემდეგაც არ დავიწყებიათ. ბევრი ამბავია მის მიერ აღსრულებულ სასწაულებზე. იგი ცნობილი გახდა როგორც მწერალიც: ბიოგრაფები მას ამ მხრივ აიგივებენ დიდ ფილოსოფოსებთან და ბრძენებთან. გარდა ამისა, გრიგოლ დიდი საეკლესიო მუსიკის განვითარების ერთ-ერთი ყველაზე მნიშვნელოვანი ფიგურაა. მას მიეწერება ამბრიულ-როსული რეჟიმის სისტემის გაფართოება და სპეციალური სასიმღერო სკოლის შექმნა, სახელად cantus gregorianus.

მრავალი წლის განმავლობაში გრიგოლი აგროვებდა მელოდიებს სხვადასხვა ქრისტიანული ეკლესიებიდან, შემდგომში ქმნიდა მათ კრებულს სახელწოდებით ანტიფონარი, რომელიც იყო მიჯაჭვული რომის წმინდა პეტრეს ეკლესიის საკურთხეველზე, როგორც ქრისტიანული გალობის მაგალითი.

პაპმა შემოიღო ოქტავის სისტემა, რომელიც შეცვალა ბერძნული ტეტრაკორდების სისტემა და დაასახელა ადრე ბერძნული ტონების სახელები ლათინური ასოებით A, B, C და ა.შ., ხოლო მერვე ტონში კვლავ პირველის სახელს იღებდა. გრიგოლ დიდის მთელი მასშტაბი შედგებოდა 14 ტონისგან: A, B, c, d, e, f, g, a, b, c 1, d 1, e 1, f 1, g 1. ასო B (b) ორმაგი მნიშვნელობა ჰქონდა: B მრგვალი (B rotundum) და B კვადრატი (B quadratum), ანუ B-ბრტყელი და B-becar, საჭიროებიდან გამომდინარე.

მაგრამ დავუბრუნდეთ პაპ გრიგოლს, რომელიც, სხვა საკითხებთან ერთად, გახდა რომის სასიმღერო სკოლის დამფუძნებელი, გულმოდგინედ მიჰყვებოდა წვრთნას და თვითონაც ასწავლიდა, სასტიკად სჯიდა მოსწავლეებს დაუდევრობისა და სიზარმაცისთვის.

უნდა აღინიშნოს, რომ თანდათან გრიგორიანული გალობა, რომელიც შედგება ორი ტიპის საგალობლებისაგან - ფსალმუნი (საღვთო წერილის ტექსტის გაზომილი გამოთქმა, ძირითადად, იმავე ბგერის სიმაღლეზე, რომელშიც ტექსტის თითო შრიფში არის გალობის ერთი ნოტი. ) და საგალობლები-იუბილეები (სიტყვა „ალილუიას“ შრიფტების თავისუფალი გალობა), ეკლესიიდან განდევნილი ამბროსიანული გალობა. ამ უკანასკნელისგან განსხვავდებოდა იმით, რომ ის იყო თანაბარი, ტექსტისგან დამოუკიდებელი. ამან, თავის მხრივ, შესაძლებელი გახადა მელოდიის ბუნებრივად და გამართულად მიმდინარეობა და მუსიკალური რიტმი ამიერიდან დამოუკიდებელი გახდა, რაც ყველაზე მნიშვნელოვანი მოვლენა იყო მუსიკის ისტორიაში.

საგუნდო სიმღერის გავლენა მრევლზე გაძლიერდა ეკლესიების აკუსტიკური შესაძლებლობებით მათი მაღალი სარდაფებით, ასახავდა ხმას და ქმნიდა ღვთიური ყოფნის ეფექტს.

მომდევნო საუკუნეებში, რომის ეკლესიის გავლენის გავრცელებასთან ერთად, გრიგორიანული გალობა შემოიღეს (ზოგჯერ იძულებით ჩანერგეს) ღვთისმსახურებაში ევროპის თითქმის ყველა ქვეყანაში. შედეგად, XI საუკუნის ბოლოს, მთელი კათოლიკური ეკლესია გაერთიანდა ღვთისმსახურების საერთო ფორმებით.

მუსიკალური მეცნიერება იმ დროს განვითარდა სამონასტრო კულტურასთან მჭიდრო კავშირში. VIII - IX საუკუნეებში გრიგორიანული გალობის საფუძველზე ჩამოყალიბდა შუა საუკუნეების საეკლესიო წყობათა სისტემა. ეს სისტემა ასოცირდება მონოფონიურ მუსიკალურ საწყობთან, მონოდიასთან და წარმოადგენს რვა დიატონურ სასწორს (დორიანული, ჰიპოდორიული, ფრიგიული, ჰიპოფრიგული, ლიდიური, ჰიპოლიდიური, მიქსოლიდიანი, ჰიპომიქსოლიდია), რომელთაგან თითოეული აღიქმებოდა შუა საუკუნეების თეორეტიკოსებისა და პრაქტიკოსების მიერ, როგორც ერთობლიობა. გარკვეული ექსპრესიული შესაძლებლობები (პირველი ღელვა - "მოხერხებული", მეორე - "სერიოზული", მესამე - "სწრაფი" და ა.შ.).

ამავე პერიოდში იწყება ნოტაციის ფორმირება, რომელიც თავდაპირველად წარმოდგენილია ეგრეთ წოდებული ნეუმებით - ნიშნები, რომლებიც ნათლად აჩვენებდნენ მელოდიის მოძრაობას ზემოთ ან ქვემოთ. მუსიკალური ნიშნები შემდგომში განვითარდა ნეუმებიდან. მუსიკალური ნოტაციის რეფორმა XI საუკუნის მეორე მეოთხედში ჩაატარა იტალიელმა მუსიკოსმა გვიდო დ’არეცომ, რომელიც დაიბადა 990 წელს. ცოტა რამ არის ცნობილი მისი ბავშვობის წლების შესახებ. სრულწლოვანებამდე მიაღწია, გვიდო ბერი გახდა პომპოზას ბენედიქტელთა მონასტრის რავენას მახლობლად.

გვიდო დ'არეცო

ბუნებამ იგი გულუხვად დააჯილდოვა სხვადასხვა ნიჭით, რამაც შესაძლებელი გახადა ადვილად აჯობა თანამებრძოლებს სწავლაში. ამ უკანასკნელს შურდა მისი წარმატება და რამდენად კარგად გამოიჩინა თავი გვიდომ, როგორც სიმღერის მასწავლებელმა. ამ ყველაფერმა გამოიწვია სხვების მკვეთრად უარყოფითი და ნაწილობრივ მტრული დამოკიდებულება გვიდოს მიმართ და ის საბოლოოდ იძულებული გახდა გადასულიყო სხვა მონასტერში - არეცოში, რომლის სახელიდანაც მიიღო მეტსახელი არეტინსკი.

ასე რომ, გვიდო იყო თავისი დროის ერთ-ერთი გამორჩეული მუსიკოსი და მისმა სიახლეებმა სულიერი სიმღერის სწავლების სფეროში ბრწყინვალე შედეგი გამოიღო. მან ყურადღება მიიპყრო ნოტაციაზე და გამოიგონა ოთხხაზიანი სისტემა, რომელზედაც მან ზუსტად განათავსა ნახევარტონები (მათზე იყო დამოკიდებული ამა თუ იმ რეჟიმის დამახასიათებელი ნიშნები, ისევე როგორც ამ რეჟიმზე დაფუძნებული მელოდია, რომელიც საფეხურებს შორის იყო. გრიგორიანული რეჟიმის).

მელოდიის რაც შეიძლება ზუსტად ჩაწერის მცდელობისას გვიდომ მოიფიქრა სხვადასხვა წესები, რომლებიც მან მოაწყო რთულ და რთულ სისტემაში ახალი ბგერების სახელებით: ut, re, mi, fa, sol, la. მიუხედავად ასეთი სისტემის გამოყენებით გამოწვეული სხვადასხვა სირთულისა, იგი ძალიან დიდხანს გაგრძელდა და მისი კვალი მეთვრამეტე საუკუნის თეორეტიკოსებს შორის გვხვდება.

საინტერესოა, რომ თავდაპირველად გვიდო დ'არეცოს დევნიდნენ მისი სიახლეების გამო. მაგრამ რადგან ნიჭიერი მუსიკოსის სისტემამ დიდად შეუწყო ხელი მელოდიების ჩაწერას და კითხვას, პაპმა იგი პატივით დააბრუნა პომპოზას მონასტერში, სადაც გვიდო დ'არეცო სიკვდილამდე ცხოვრობდა, ანუ 1050 წლამდე.

მე-11-მე-12 საუკუნეებში შემობრუნება გამოიკვეთა შუა საუკუნეების მხატვრული კულტურის განვითარებაში, ახალი სოციალურ-ისტორიული პროცესების გამო (ქალაქების ზრდა, ჯვაროსნული ლაშქრობები, ახალი სოციალური ფენების დაწინაურება, მათ შორის რაინდობა. საერო კულტურის პირველი კერების ჩამოყალიბება და სხვ.). ახალი კულტურული მოვლენები მთელ ევროპაში გავრცელდა. არის შუა საუკუნეების რომანის დასაკეცი და გავრცელება, არქიტექტურაში გოთური სტილი, მუსიკაში მრავალხმიანი მწერლობის განვითარება, საერო მუსიკალური და პოეტური ლექსების ფორმირება.

ამ პერიოდში მუსიკალური ხელოვნების განვითარების მთავარი მახასიათებელი იყო მრავალხმიანობის დამკვიდრება და განვითარება, რომელიც ეფუძნებოდა გრიგორიანულ გალობას: მომღერლებმა მეორე ხმა შემატეს მთავარ საეკლესიო მელოდიას. მე-9-მე-11 საუკუნეების მუსიკალურ ნიმუშებში ჩაწერილი ორხმიანობის ადრეულ მაგალითებში ხმები მოძრაობენ პარალელურად ერთ რიტმში (კვარტის, მეხუთე ან ოქტავის ინტერვალებით). მოგვიანებით ჩნდება ხმების არაპარალელური მოძრაობის მაგალითები („ერთი მომღერალი უძღვება მთავარ მელოდიას, მეორე ოსტატურად ტრიალებს სხვა ბგერებში“, წერს თეორეტიკოსი გვიდო დ’არეცო). ამ ტიპის ორ- და მრავალხმიანობას თანდართული ხმის სახელით ორგანუმს უწოდებენ. მოგვიანებით მიმაგრებულ ხმას მელიზმებით მორთულობა დაიწყო, რიტმული გაგებით უფრო თავისუფლად დაიწყო მოძრაობა.

მრავალხმიანობის ახალი ფორმების განვითარება განსაკუთრებით აქტიური იყო პარიზსა და ლიმოჟში XII-XIII საუკუნეებში. ეს პერიოდი მუსიკალური კულტურის ისტორიაში შევიდა, როგორც „ნოტრ დამის ეპოქა“ (მსოფლიოში ცნობილი არქიტექტურის ძეგლის სახელით, სადაც საგალობლო სამლოცველო მუშაობდა). ავტორებს შორის, რომელთა სახელებიც ისტორიამ შემოინახა, არის ლეონინი და პეროტინი, ორგანუმისა და სხვა მრავალხმიანი ნაწარმოებების მწერლები. ლეონინმა შექმნა "ორგანუმების დიდი წიგნი", რომელიც განკუთვნილია საეკლესიო გალობის ყოველწლიური ციკლისთვის. პეროტინის სახელს უკავშირდება სამ და ოთხხმიანზე გადასვლა, მელოდიური დამწერლობის შემდგომი გამდიდრება. ამასთან, აღსანიშნავია, რომ ნოტრ-დამის სკოლის მნიშვნელობა მნიშვნელოვანია არა მხოლოდ საფრანგეთისთვის, არამედ მთელი იმდროინდელი ევროპული ხელოვნებისთვის.

ამ პერიოდში საერო ჟანრების ფორმირება მოამზადა მოხეტიალე ფოლკლორული მუსიკოსების - ჟონგლერების, მინსტრელებისა და შპილმანების შემოქმედებით. ოფიციალური ეკლესიის მიერ უარყოფილი და თუნდაც დევნილი, მოხეტიალე მუსიკოსები იყვნენ საერო ლირიკის პირველი მატარებლები, ისევე როგორც წმინდა ინსტრუმენტული ტრადიცია (ისინი იყენებდნენ სხვადასხვა ჩასაბერ და მშვილდ საკრავებს, არფას და ა.შ.).

იმ დროს მხატვრები იყვნენ მსახიობები, ცირკის შემსრულებლები, მომღერლები და ინსტრუმენტალისტები, ყველა ერთში შემოვიდა. ისინი მოგზაურობდნენ ქალაქიდან ქალაქში, ასრულებდნენ ზეიმებს სასამართლოებში, ციხეებში, ბაზრობებზე და ა.შ. ჟონგლიერებს, სტუდკაცებს და მენავეებს ასევე შეუერთდნენ მაწანწალები და გოლიარდები - უბედური სტუდენტები და გაქცეული ბერები, რის წყალობითაც "მხატვრული" გარემო. გაავრცელა წიგნიერება. თანდათან ამ წრეებში გაჩნდა სპეციალიზაცია, მოხეტიალე მხატვრებმა დაიწყეს სახელოსნოების შექმნა და ქალაქებში დასახლება.

ამავე პერიოდში წამოაყენეს ერთგვარი „ინტელექტუალური“ ფენა - რაინდობა, რომელთა შორის (ზავის პერიოდში) ხელოვნებისადმი ინტერესიც იფეთქა. XII საუკუნეში პროვანსში დაიბადა ტრუბადურთა ხელოვნება, რომელიც განსაკუთრებული შემოქმედებითი მოძრაობის საფუძველი გახდა. ტრუბადურები უმეტესწილად უმაღლესი თავადაზნაურებიდან იყვნენ და მუსიკის მცოდნე იყვნენ. შექმნეს რთული ფორმის მუსიკალური და პოეტური ნაწარმოებები, რომლებშიც მღეროდნენ მიწიერი სიხარული, ჯვაროსნული ლაშქრობების გმირობა და ა.შ.

ტრუბადური, უპირველეს ყოვლისა, პოეტი იყო, მაგრამ მელოდია მას ხშირად იღებდა ყოველდღიური ცხოვრებიდან და შემოქმედებითად გადაიაზრებდა. ხანდახან ტრუბადურები ქირაობდნენ მინსტრებს მათი სიმღერის ინსტრუმენტული აკომპანიმენტის უზრუნველსაყოფად და ჟონგლერებს ჩართავდნენ მუსიკის შესრულებასა და შედგენაში. იმ ტრუბადურებს შორის, რომელთა სახელებმა ჩვენამდე საუკუნეების ბურუსით მოაღწიეს, არიან ჟუაფრე რუდელი, ბერნარ დე ვენტადორნი, ბერტრან დე ბორნი, რამბუ დე ვაკეირასი და სხვები.

ტრუბადურთა პოეზიამ უშუალო გავლენა მოახდინა ტრაუვერების შემოქმედების ჩამოყალიბებაზე, რომელიც უფრო დემოკრატიული იყო, რადგან ტრაუალების უმრავლესობა ქალაქელებიდან იყო. ზოგიერთმა ტრუვერმა შეკვეთით შექმნა ნაჭრები. მათგან ყველაზე ცნობილი იყო ადამ დე ლა ალი, წარმოშობით არასელი, ფრანგი პოეტი, კომპოზიტორი, მე-13 საუკუნის მეორე ნახევრის დრამატურგი.

ტრუბადურთა და ტრუვეურთა ხელოვნება მთელ ევროპაში გავრცელდა. მისი გავლენით გერმანიაში ერთი საუკუნის შემდეგ (XIII ს.) ჩამოყალიბდა მინესინჯერის სკოლის ტრადიციები, რომლის წარმომადგენლები, ნიჭიერი მუსიკოსები და კომპოზიტორები, ძირითადად მსახურობდნენ სასამართლოებში.

XIV საუკუნე შეიძლება ჩაითვალოს ერთგვარ გადასვლად რენესანსზე. ამ პერიოდს ფრანგულ მუსიკასთან მიმართებაში ჩვეულებრივ მოიხსენიებენ როგორც "Ars Nova" ("ახალი ხელოვნება") სამეცნიერო ნაწარმოების სახელით, რომელიც შეიქმნა დაახლოებით 1320 წელს პარიზელი თეორეტიკოსისა და კომპოზიტორის ფილიპ დე ვიტრის მიერ.

უნდა აღინიშნოს, რომ ფუნდამენტურად ახალი ელემენტები ნამდვილად ჩნდება ხელოვნებაში მითითებულ დროს: მაგალითად, არსებობს მტკიცება (მათ შორის თეორიულ დონეზე) რიტმული დაყოფისა და ხმის წამყვანის ახალი პრინციპების, ახალი მოდალური სისტემების (კერძოდ, ცვლილებები და ცვლილებები). ტონალური გრავიტაციები - ანუ „ბასრი“ და „ბრტყელი“), ახალი ჟანრები, პროფესიული უნარების ახალ დონემდე მიღწევები.

ფილიპ დე ვიტრის გარდა, რომელმაც შექმნა მოტეტები საკუთარ ტექსტებზე, მე-14 საუკუნის უდიდეს მუსიკოსებს შორის უნდა დავასახელოთ გიომ დე მაშოც, რომელიც დაიბადა მაშოში, შამპანში, დაახლოებით 1300 წელს.

გიომ დე მაშო ერთ დროს მსახურობდა იოანა ნავარის კარზე, ფილიპე სიმპათიური ცოლის, მოგვიანებით გახდა ბოჰემიის მეფის, იოანე ლუქსემბურგის პირადი მდივანი, ხოლო სიცოცხლის ბოლოს იყო კარლ V-ის კარზე. საფრანგეთის. თანამედროვეებმა პატივს სცემდნენ მის არაჩვეულებრივ მუსიკალურ ნიჭს, რომლის წყალობითაც იგი იყო არა მხოლოდ ბრწყინვალე შემსრულებელი, არამედ შესანიშნავი კომპოზიტორი, რომელმაც დატოვა უამრავი ნაწარმოები: მის მოტეტებს, ბალადებს, რონდოებს, კანონებს და სხვა სიმღერებს (სიმღერა და ცეკვა) აქვს. ჩამოდი ჩვენთან.

გიომ დე მაშოს მუსიკა გამოირჩევა დახვეწილი ექსპრესიულობით, გრაციოზულობით და მკვლევარების აზრით, Ars Nova ეპოქის სულისკვეთების გამოხატულებაა. კომპოზიტორის მთავარი დამსახურებაა ის, რომ მან ისტორიაში პირველი საავტორო მასა ჩარლზ V-ის ტახტზე ასვლის დღეს დაწერა.

წიგნიდან პარიზი [სახელმძღვანელო] ავტორი ავტორი უცნობია

კლუნის აბანოები და შუა საუკუნეების მუზეუმი ნანგრევები და შუა საუკუნეების კედელი სენ-ჟერმენისა და სენ-მიშელის ბულვარების კვეთაზე არის კლუნის უძლიერესი ბურგუნდიული მონასტრის აბატების ყოფილი რეზიდენცია, რომელიც აშენდა ადგილზე. გალო-რომაული აბანოების (საზოგადოებრივი აბანოები) ჩვენს წელთაღრიცხვამდე II საუკუნეში. ე. ვ

წიგნიდან პარიზი. გზამკვლევი ავტორი აკერლინ პიტერი

შუა საუკუნეების კვალი Rue du Pr?v?t-ის ვიწრო ქუჩის გასწვრივ შეგიძლიათ მოხვდეთ ერთ-ერთ ყველაზე წყნარ ადგილას ხმაურიან მარესში. Rue Figuier-ის ბოლოს არის *Mansion Sens (Hotel de Sens) (69), შუა საუკუნეების ერთ-ერთი ბოლო შემორჩენილი სასახლე. სასახლე აშენდა დაახლოებით 1500 წელს სენსის არქიეპისკოპოსისთვის

წიგნიდან სტოკჰოლმი. გზამკვლევი ავტორი Kremer Birgit

ჰელგეანდშოლმენის კუნძული და შუა საუკუნეების მუზეუმი თუ ახლა ციხიდან ჩრდილოეთისკენ გაემართებით, მაშინ სტალბრონის პატარა ხიდზე გადაკვეთის შემდეგ აღმოჩნდებით ჰელგეანდშოლმენზე (8), ანუ სულიწმინდის კუნძულზე, რომელზეც ძლიერია სამეფო ბანკის შენობები აღმართულია და

წიგნიდან შუა საუკუნეების საფრანგეთი ავტორი პოლო დე ბოლიე მარი-ანა

წიგნიდან ყველაფერი რომის შესახებ ავტორი ხოროშევსკი ანდრეი იურიევიჩი

წიგნიდან ყველაფერი პარიზის შესახებ ავტორი ბელოჩკინა იულია ვადიმოვნა

წიგნიდან მე ვიცი სამყარო. დიდი მოგზაურობა ავტორი მარკინ ვიაჩესლავ ალექსეევიჩი

წიგნიდან სიმბოლიზმის ენციკლოპედია: ფერწერა, გრაფიკა და ქანდაკება ავტორი Cassou Jean K

რომი შუა საუკუნეებში „ძვირფასო რომაელებო, თქვენ ხართ პატრიციონო პატრიციები და თქვენ, ვისაც ბედმა პლებსი უწოდა! ჩვენ გვაქვს პატივი გაცნობოთ, რომ თქვენს ცხოვრებაში დიდი ცვლილებები მოხდა. იმპერიის დრო დასრულდა, სიძველე წარსულშია! წინ

წიგნიდან როდის შეიძლება ტაშის მოწონება? სახელმძღვანელო კლასიკური მუსიკის მოყვარულთათვის იმედი დანიელის მიერ

პარიზი ადრეულ შუა საუკუნეებში რომის იმპერიის კულტურის უწყვეტობის ერთ-ერთი ყველაზე მნიშვნელოვანი მექანიზმი იყო ეკლესია, რომელმაც შეინარჩუნა თავისი ყოფილი ორგანიზაცია, ადმინისტრაცია, ლათინური კომუნიკაციის ენა, ასევე კავშირები რომთან. კლოვისი იყო ფრანკთა სამეფოს დამაარსებელი.

200 ცნობილი მოწამვლის წიგნიდან ავტორი ანციშკინ იგორი

შუა საუკუნეებში ათასწლეული აღმოჩენების გარეშე გეოგრაფია არაბულად გარღვევა დასავლეთში ჩინეთიდან იტალიელები ოქროს ურდოში პოლო ძმების მოგზაურობა ისევ აღმოსავლეთში“დიდი ხანის რომანი”მეზღვაურები ფიორდებიდან ყინულის ქვეყნიდან და მწვანეთა ქვეყნიდან ხუთი საუკუნით ადრე

მუსიკის პოპულარული ისტორიის წიგნიდან ავტორი გორბაჩოვა ეკატერინა გენადიევნა

სიმბოლისტური მუსიკა: სიმბოლისტური მუსიკა? ვაგნერის შემთხვევა თუ სიმბოლისტური მუსიკის არსებობის მტკიცებულების გარეშე მიღება ძნელია, შეუძლებელია იმის უარყოფა, რომ ზოგიერთი კომპოზიტორი განსაკუთრებით აღფრთოვანებული იყო ლიტერატურული სიმბოლიზმის წარმომადგენლების მიერ. ყველაზე დიდი

წიგნიდან მთავარი მუზეუმი ავტორი პარჩ სუსანა

ახალი მუსიკა განსხვავებულია მუსიკა მე მეეჭვებოდა, რომ ამ სამმა იცოდა ჩემი რეპერტუარი ან რომ სახელები, როგორიცაა Ades, Turnage, Takemitsu, Kurtag, Lindberg ან Müller-Wieland რაიმეს ნიშნავდა მათთვის. მაგრამ მე მაინც ჩამოვთვალე ისინი, მე-20 და 21-ე საუკუნეების კომპოზიტორები, რომლებიც წერენ თანამედროვე მუსიკას. Ზე

ავტორის წიგნიდან

შუა საუკუნეებიდან დღემდე "ფარმაცევტი: ჩაასხით ეს ფხვნილი ნებისმიერ სითხეში და დალიეთ ყველაფერი. თუ თქვენ გაქვთ ოც ადამიანზე მეტი ძალა, მაშინვე მოკვდებით. W. შექსპირი. "Რომეო და ჯულიეტა". პოლონეთის საძირკველი და შხამის თასი VIII საუკუნის ლეგენდარულმა პოლონელმა მეფემ ლეშეკმა ანდერძი უბოძა.

ავტორის წიგნიდან

შუა საუკუნეებიდან დღემდე Balezin S. აფრიკის დიდ ტბებთან. - მ.: ნაუკა, 1989. -208 გვ. ბოგდანოვი ა. თავმდაბლობა იოაკიმეს მიხედვით // მეცნიერება და რელიგია. -1995წ. - No 7. დიდი საბჭოთა ენციკლოპედია: T. 40. - M .: Gosnauchizdat, 1955. - 760 p. Borisov Yu. ლუი XIV-ის დიპლომატია. – მ.: სტაჟიორი.

ავტორის წიგნიდან

ანტიკური მუსიკალური კულტურა, შუა საუკუნეები და რენესანსი ანტიკური მუსიკა ევროპული მუსიკალური კულტურის განვითარების ადრეულ ისტორიულ ეტაპად ითვლება უძველესი მუსიკა, რომლის ტრადიციები სათავეს იღებს შუა საუკუნეების უძველეს კულტურებში.