ეს არის სახვითი ხელოვნების სახეობა, რომლის დროსაც გამოსახულება გადაეცემა საღებავების წასმას ნებისმიერ ზედაპირზე (ტილო, ქაღალდი, მინა, კირის თაბაშირი, ქვა და ა.შ.). მხატვრობის ორი ძირითადი სფეროა – დაზგური და მონუმენტური. მოლბერტში შედის მხატვრის მოლბერტზე, ანუ მის მანქანაზე შექმნილი ნამუშევრები. მონუმენტური კი ეხება მხატვრობას, რომელიც მრავლდება ძირითადად ნებისმიერზე არქიტექტურული ნაგებობები(ეკლესიების, ტაძრების მოხატვა, ფრესკების შესრულება და ა.შ.)

- მხატვრობის ჟანრები

ეს არის სხვადასხვა ტიპის ნამუშევრები, რომლებიც იყოფა სურათების თემებისა და ობიექტების მიხედვით.

გამოირჩევა შემდეგი ძირითადი ჟანრები:

პორტრეტი- ჟანრი, რომელშიც მხატვარი გადმოსცემს შექმნილ სურათზე მოდელის ვიზუალურ მახასიათებლებს. მას შეუძლია გამოსახოს ხაზების, ფორმების, ფერების სრული მსგავსება, ადამიანის რეალური გარეგნობა, ან გამოიყენოს საკუთარი ხედვა და გამოსახულების ინტერპრეტაცია.

ილია რეპინი. "მოდესტ მუსორგსკის პორტრეტი"

ივან ვიშნიაკოვი. "სარა ელეონორა ფერმორის პორტრეტი"

Ჯერ კიდევ ცოცხალი- ჟანრი, რომელიც ეფუძნება უსულო საგნების გამოსახულებას. თუ ამ სიტყვას სხვადასხვა ენიდან თარგმნით, ეს ნიშნავს - მკვდარი ბუნება ან უმოძრაო სიცოცხლე. ეს ჟანრი ეძღვნება ჯგუფში გაერთიანებული საგნების გამოსახვას, სიუჟეტს. ნატურმორტში, გარდა უსულო ნივთებისა (დოქები, დანაჩანგალი, ფიგურები და ა.შ.), ცხოველური ნივთების გამოყენებაც შეიძლება, მაგრამ ისინი უკვე მოწყვეტილია ბუნებრივ გარემოს და არ ითვლება ასეთად, მაგალითად, თევზი თაიგულს დაემატა მაგიდა ან ყვავილები. მოძრავი ცოცხალი არსებების - ფრინველების, ცხოველების გამოსახულება გამოიყენება იშვიათ შემთხვევებში და მხოლოდ დანამატის სახით. დიდი ყურადღება ეთმობა დეტალების, ტექსტურების დამუშავებას.

პოლ სეზანი. "ნატურმორტი ვაშლით და ფორთოხლით"

ჰედა, უილემ კლასი. Ჯერ კიდევ ცოცხალი.

საშინაო- ჟანრი, რომელშიც მთავარია ადამიანების ყოველდღიური, ყოველდღიური ცხოვრების იმიჯი. იგი ასევე გამოიყენება სკულპტურაში და გრაფიკაში. მისი წარმოშობა მოხდა ანტიკურ ხანაში, როდესაც დიდი ყურადღება ექცეოდა უბრალო ხალხის ცხოვრებასა და მოღვაწეობას. მაშინაც კი, ეს ჟანრი გამოიყენებოდა კედლის მხატვრობისა და კერამიკის დასამზადებლად.

ვასილი პეროვი. "ტროიკა"

ვასილი ვერეშჩაგინი. "პატიმართა ოჯახის ვიზიტი იტალიაში"

მითოლოგიური- ეს ჟანრი ეძღვნება გმირების გამოსახვას, სხვადასხვა სცენებს მითოლოგიიდან. მითები და ლეგენდები ყოველთვის არსებობდა და არსებობს მსოფლიოს ხალხებში და ეს არის ძალიან ღირებული წყარო შემოქმედებისთვის. ჟანრის საფუძველი მდგომარეობს იმაში, რომ ხელოვანს თავისუფლად შეუძლია მითოსური საგნების ინტერპრეტაცია.

სანდრო ბოტიჩელი. "ვენერას დაბადება"

ტიციანი. "ბაკუსი და არიადნა"

ცხოველური- ჟანრი, მთავარი თემარომელიც ცალ-ცალკე ცხოველების გამოსახულებაა, ან ბუნების ფონზე ნადირობის სცენები. იგი დაიწყო პრიმიტიული დროიდან, როდესაც სამარხები, ვაზები, ტაძრები ცხოველების გამოსახულებით იყო მოხატული. ცხოველების მხატვრების ნამუშევრები ხშირად გამოიყენება ლიტერატურული ნაწარმოებების საილუსტრაციოდ.

პაულუს პოტერი. "ახალგაზრდა ხარი"

იან ბედი. "პეიზაჟი ფარშევანგით"

ბრძოლა- ეს ჟანრი ეძღვნება სამხედრო ბრძოლების, ზღვის თუ ხმელეთის, სამხედრო კამპანიების ასახვას. მხატვრები ცდილობენ თავიანთ ნამუშევრებში აღბეჭდონ ძირითადი სცენები და ბრძოლის მთავარი გმირები. ისინი ასევე ხშირად ასახავს სამხედრო ცხოვრების სცენებს.

ვასილი ვერეშჩაგინი. "ომის აპოთეოზი"

ბოგდან უილივალდი. "კავალერიის პოლკის ბედი აუსტერლიცის ბრძოლაში 1805 წელს"

პეიზაჟი- ჟანრი, რომელშიც მთავარი როლი ენიჭება ადამიანის მიერ შეცვლილ პირველყოფილ ბუნებას ან ბუნების გამოსახულებას. ამ ჟანრის მხატვრები თავიანთ ტილოებზე ურბანული და ინდუსტრიული გარემოს ნაკვეთებსაც გადასცემენ. ლანდშაფტის გამოსახულებაში ძალიან მნიშვნელოვანია ატმოსფეროს გადაცემა, სინათლის მნიშვნელობის ცვლილება, მისი ცვლილება.

ივან შიშკინი. "პოლესი"

Ისტორიული- ჟანრი, რომლის არსი არის ისტორიული წარსულის ყველა სახის მოვლენის, ხალხის ცხოვრებიდან სცენების გამოსახვა.

ილია რეპინი. "ივანე მრისხანე მოკლავს თავის შვილს"

ნიკოლოზ გე. "პეტერ I კითხავს ცარევიჩ ალექსეი პეტროვიჩს პეტერჰოფში"

მარინა -ჟანრი, რომელიც ერთგვარი პეიზაჟია. მთავარი როლიის იკავებს ზღვის ხედების, ბრძოლების და ყველა მოვლენის იმიჯს, რაც ზღვასთან არის დაკავშირებული. მხატვრებს, რომლებიც წერენ ამ ჟანრში, საზღვაო მხატვრებს უწოდებენ.

აივაზოვსკი "ღამით ქარიშხალი ზღვა"

თომას მორანი"მზის ჩასვლა ზღვაზე"

- ფერწერის მიმართულებები

1. აბსტრაქტული ექსპრესიონიზმი

აბსტრაქტული ექსპრესიონიზმი გარკვეულწილად დაკავშირებულია სიურრეალიზმთან, ისინი მსგავსია იმით, რომ ნამუშევრები შექმნილია სიუჟეტის ზუსტი გაგების გარეშე. თავის ნამუშევრებში მხატვარს შეუძლია გამოხატოს ყველა თავისი ემოცია და გრძნობა, სწრაფად ხატავს, დიდი ფუნჯების გამოყენებით, შტრიხებით, ზოგჯერ ტილოზე წვეთოვანი საღებავით. ძალიან ხშირად, სურათი იქმნება მაყურებლის თვალწინ, როგორც პატარა პერფორმანსი, რომელიც გამოხატავს გამოხატვის მთელ სპექტრს. სწორედ ამ მიმართულებას მიენიჭა კიდევ ერთი, საკმაოდ დამახასიათებელი სახელი "Action Painting"

აბსტრაქტული ექსპრესიონიზმის ოსტატები არიან: ჯექსონ პოლოკი, მარკ როტკო, უილემ დე კუნინგი, ფრანც კლაინი, ლი კრასნერი.

ჯექსონ პოლოკი"სქოლიო ფიგურა"

2. აბსტრაქტული ხელოვნება

აბსტრაქციონიზმი უსაფრთხოდ შეიძლება ჩაითვალოს ასოციაციურ ხელოვნებად. ამ მიმართულების ნამუშევრები შორს არის რეალობის ასახვისგან და არის მხატვრის მიერ მის გარშემო არსებული სამყაროს გაგების გამოხატულება. ასეთ ნამუშევრებში მთავარი ადგილი ეთმობა ფორმალურ ელემენტებს: ხაზებს, ფერთა ლაქებს, აბსტრაქტულ ფიგურებს. აბსტრაქტული ხელოვნების ერთ-ერთი მიზანია ჰარმონიის მიღწევა გარკვეული გეომეტრიული და ფერთა კომბინაციების შექმნით, რაც მნახველში სხვადასხვა ასოციაციებს გამოიწვევს.

მიმართულების მთავარი წარმომადგენლები იყვნენ: ვასილი კანდინსკი, პაბლო პიკასო

ვასილი კანდინსკი: "ყვითელი-წითელი-ლურჯი"

პაბლო პიკასო: "გერნიკა"

3. ავანგარდი

ავანგარდიზმი არის მე-20 საუკუნის ექსპერიმენტული მოძრაობების ზოგადი სახელწოდება, რომლებმაც უარყვეს აკადემიური ხატვის ტრადიციული მიდგომები და მეთოდები. მათი მთავარი მიზანი იყო ჩარჩოდან და ჩამოყალიბებული ფორმებისგან გათავისუფლების სურვილი, სრულიად ახალი ხელოვნების შექმნა. ნაწარმოებებში ხშირად სრულდება პრიმიტიულ ტექნოლოგიაში რეალური სამყაროს იმიტაცია, ადამიანის არსებობის მნიშვნელოვნების უარყოფა.

4. აკადემიურობა

ეს მიმართულება დაარსდა შემოქმედებითი ჯგუფებისა და აკადემიების შექმნის დროს, რომლებიც ცდილობდნენ შეექმნათ შემოქმედების წესები და ჩარჩოები და გამხდარიყო პროფესიული განათლების ადგილი. ასეთი მომზადების სისტემა იყო ძალიან მკაცრი და ორიენტირებული ეპოქის მნიშვნელოვან მოვლენებზე. ერთის მხრივ, აკადემიზმმა შეინარჩუნა ფერწერის მკაფიო ტრადიციები, მეორე მხრივ, ხელი შეუშალა ორიგინალური ნიჭის განვითარებას, რომელსაც ექნებოდა საკუთარი ხედვა. აკადემიური ნახატი არ იყო საკამათო და გამომწვევი, ამიტომ იგი ადვილად ერწყმოდა ყველა სახელმწიფო ცვლილებას.

კარლ ბრაილოვი "ცხენოსანი"

ჟან-ლეონ ჟერომი« ზაფხულის შუადღე ტბაზე

5. სიურრეალიზმი

მიმართულება ხელოვნებაში, რომელიც ჩამოყალიბდა 1920-იან წლებში საფრანგეთში. თავისი გარეგნობით სიურრეალიზმს სურდა ახალი აზროვნების მიღწევა, აღმოჩენა ახალი ტიპისსამყაროს ცოდნა. ხელოვნების სამყაროში მან დანერგა არსებობა რეალობის მიღმა, ოცნებებში და სიზმრებში. ამ მიმართულებისთვის ძალიან მნიშვნელოვან როლს თამაშობს ზიგმუნდ ფროიდის ნაშრომები არაცნობიერზე. მათი გაანალიზებისას მხატვრები თავიანთი ოცნებებიდან ამოიღეს სხვადასხვა სურათები, გრძნობები და გადაიტანეს ტილოზე. ძალიან რთულია ლოგიკის პოვნა და ყველაფრის გაგება ამ მიმართულების ნამუშევრებში, ამიტომ მათ უბრალოდ უნდა აღიქვან ისეთი, როგორიც არიან, მათი თანდაყოლილი უცნაურობით.

სიურეალიზმის ყველაზე ნათელი წარმომადგენელია სალვადორ დალი.

სალვადორ დალი "საღამოს ობობა მოაქვს იმედს"

6. ფოვიზმი

ეს არის მიმართულება ფერწერაში, რომელიც გაჩნდა მე-20 საუკუნეში. მისი ნამუშევარი ყოველთვის გამოირჩეოდა სიმარტივით და ემოციურობით. ფოვიზმი შეიძლება შევადაროთ ხელოვნების გამოვლინებას პირველყოფილ დროში. მხატვრები ასახავს ობიექტებს ბრტყლად, ნათელი სუფთა ფერების კომბინაციების გამოყენებით. არსებობს პერსპექტივის უარყოფა და შუქისა და ჩრდილის თამაში. ფოვისტები ყოველთვის იღებდნენ ფერთა კომბინაციებსა და მოტივებს სიუჟეტისთვის ველური ბუნებიდან, მაგრამ ისინი ინტერპრეტაციას ახდენდნენ ტილოზე ექსტრემალური კონტრასტით, დიდი ნათელი (ცოტა ველური) ლაქებით.

მიმართულების წამყვან წარმომადგენლებს შეიძლება ეწოდოს ანრი მატისი და ანდრე დერეინი.

ანრი მატისის "ცეკვა"

ანდრე დერეინი "ჩარინგ კროსის ხიდი"

7. კუბიზმი.

ვიზუალურ ხელოვნებაში კუბიზმი წარმოიშვა მე-20 საუკუნის დასაწყისში. მისი საფუძველია გამოსახული ობიექტის დაშლა გეომეტრიულ ფორმებად, ურთიერთდაკავშირებულ სიბრტყეებად, ფრაგმენტაციის სურვილი. ნამუშევრებში არ იგრძნობა სინათლისა და სივრცის შეგრძნება, ძირითადი გამომსახველობითი საშუალება მრავალფეროვნებაა. უპირველეს ყოვლისა, მხატვარი ცდილობს თავისი ნამუშევრებით მნახველს მიაწოდოს უფრო სრულყოფილი ინფორმაცია ობიექტის შესახებ და არა მასზე საკუთარი თვალსაზრისი.

ყველაზე ცნობილი კუბური პროდუქტებია

ხუან გრისი "კაცი კაფეში"

პაბლო პიკასო "ვიოლინო და გიტარა"

8. ანაქრონიზმი

ანაქრონიზმი არის ფერწერის მიმართულება, რომელშიც მხატვრები შთაგონებას ეძებენ წარსულის ვიზუალურ ხელოვნებაში, ახლებურად აფასებენ მას და ზოგიერთ მომენტში პაროდირებას უკეთებენ მას. ისინი ცდილობენ კლასიკური ნაწარმოებების თავისებურად ინტერპრეტაციას, თანამედროვე ხელოვნებასთან დაახლოებას.

კარლო მარია მარიანი: "ღმერთების ფრენა"

ჟერარ გარუსტე: "ვალაამი"

9. მიწისქვეშა

ეს არის მიმართულება, რომელიც აერთიანებს სახეობებს თანამედროვე შემოქმედებითობა, რომელიც უარყოფს მიღებული ყველა სტანდარტს, რითაც შოკირებულია საზოგადოება. ეს არის ხელოვნება, რომელიც შექმნილია თვითგამოხატვისთვის და არა ფულის გამომუშავებისთვის. ანდერგრაუნდი იმ ჩარჩოებისა და ტენდენციების მოწინააღმდეგე გახდა, რომლებშიც ხელოვანები, პოეტები და მწერლები ამოძრავებდნენ. ვ საბჭოთა პერიოდიამ განმარტებით შეიძლება ეწოდოს ყველა ხელოვნება, რომელიც აკრძალული იყო.

გრაფიტი ბრაზილიის ქალაქ ოლინდაში.

10. იმპრესიონიზმი

სიტყვა იმპრესიონიზმი ფრანგულად ნიშნავს "შთაბეჭდილებას". ფერწერის ეს მიმართულება წარმოიშვა საფრანგეთში მე-19 საუკუნეში და ეწოდა პარიზის გამოფენის შემდეგ, სადაც წარმოდგენილი იყო კლოდ მონეს ნამუშევარი „შთაბეჭდილება“. მიმდინარეობის ყველაზე მნიშვნელოვანი წარმომადგენლები არიან: რენუარი, სისლი, მონე, სეზანი. ისინი ყოველთვის ცდილობდნენ ეჩვენებინათ ყოველდღიური ნივთების ნამდვილი სილამაზე.

იმპრესიონიზმი არის მიმართულება, რომელმაც პირველმა აჩვენა ცხოვრებისა და ჩვენს გარშემო არსებული სამყაროს მთელი ფერადოვნება და ავთენტურობა, ცხოვრების მრავალფეროვნება და ადამიანების გარეგნობა. გამოსახულების ყველაზე გავრცელებული თემა ლანდშაფტია, მაგრამ ამავე დროს, შეგიძლიათ იპოვოთ სცენები ცხოვრებიდან: ქალები ბავშვებთან ერთად, მოცეკვავე ბალერინები და სხვა.

კლოდ მონე "შთაბეჭდილება"

პოლ სეზანი"დაბლობი სენტ-ვიქტუარის მთაზე"

11. დივიზიონიზმი (პოინტილიზმი)

ეს არის ფერწერის მეთოდი, რომელშიც მთავარია, მხატვარი ფერთა ტონს ცალკეულ ფერებად ანაწილებს და ტილოზე სხვადასხვა ფორმის წერტილებით სვამს. მაყურებლის მიერ ასეთი ნაწარმოების განხილვისას ის ხედავს მთელ სურათს.

ამ ტენდენციის გამორჩეული ოსტატები არიან: პოლ სინიაკი, ჯოვანი სეგანტინი, ჟორჟ ლემენი, ჰენრი ედმონდ კროსი.

პოლ სინიაკი "ფიჭვი"

ჟორჟ ლემენი "პლაჟი ძარცვაში"

12. სიმბოლიზმი

სიმბოლიზმი ერთ-ერთი ყველაზე დიდი ტენდენციაა, რომელმაც მნიშვნელოვნად შეცვალა ხელოვნებისადმი დამოკიდებულება. ბერძნულიდან თარგმნა ნიშნავს "სიმბოლოს, ნიშანს". სიმბოლისტები ცდილობდნენ ექსპერიმენტებს, ცდილობდნენ ინოვაციისკენ, რამაც გარკვეულწილად გავლენა მოახდინა თანამედროვე ხედებიხელოვნება.

სიმბოლიზმის მხატვრები მიმართავენ უხილავს, პარალელური სამყაროებირომლებიც რეალურად არსებობს (მთავარია მათი დანახვა და ინტერპრეტაცია) და ნიშნების დახმარებით ნამუშევრებში ამ გამოსახულებების გამოსახვა.

სიმბოლიზმის ოსტატები არიან: გუსტავ მორო, პიერ პუვის დე შავანი, ოდილონ რედონი, ფელისიენ როპსი, ჯონ ევერეტ მილსი, ვიქტორ ბორისოვ-მუსატოვი, მიხაილ ვრუბელი, უგო სიმბერგი.

მიხაილ ვრუბელი « გედების პრინცესა »

უგო სიმბერგი"დაჭრილი ანგელოზი"

13. ინტიმიზმი

სიტყვა ინტიმიზმი, ლათინურიდან თარგმნილი, ნიშნავს (საიდუმლო, ინტიმური, გულწრფელი). ეს არის ფერწერის მიმართულება, რომელიც წარმოიშვა მე-19 და მე-20 საუკუნეების მიჯნაზე. ამ მიმართულების მხატვრების მთავარი თემა იყო ადამიანების პირადი ცხოვრების იმიჯი. ნამუშევრებში წინა პლანზე გამოვიდა ფერი და კომპოზიციის სპეციფიკა. მნიშვნელოვანი როლი ითამაშა ნაკვეთში განათების იმიჯმა, რომელიც განსაკუთრებულ სიმყუდროვეს და შინაური ატმოსფეროს განცდას ანიჭებდა. ინტიმისტებისთვის მნიშვნელოვანი იყო ინტერიერის დეტალური გამოსახულება, ფერისა და ფორმის კომბინაცია, ხოლო ადამიანები მეორეხარისხოვან როლს ასრულებდნენ.

ინტიმიზმის ოსტატები არიან: პიერ ბონარდი, ედუარ ვიარი, კერ-ქსავიე რუსელი, ფელიქს ვალოტონი.

ედუარდ ვუიარდი "ინტერიერი"

პიერ ბონარდი"სადილი»

- ფერწერის ფუნქციები

მხატვრობა, ისევე როგორც ხელოვნების მრავალი სხვა ფორმა, ატარებს შემეცნებით, ფილოსოფიურ და ძირითადად ესთეტიკურ ფუნქციას. მხატვრობა ასახავს კონკრეტული ეპოქის შეხედულებებს და სულიერ შინაარსს, მის განვითარებას სოციალური თვალსაზრისით. ბევრ ნამუშევარს აქვს დოკუმენტური ღირებულება. მხატვრობა გავლენას ახდენს მაყურებლის ფიქრებსა და გრძნობებზე, გაიძულებს განიცადო ავტორის მიერ გამოსახული სიუჟეტი. ის თავისებურია ესთეტიკური განათლებასაზოგადოებისთვის.

- მხატვრობის ისტორია

მხატვრობა ხელოვნების ერთ-ერთი უძველესი ფორმაა. იგი წარმოიშვა კლდეზე მხატვრობის დროიდან. ფერწერის სხვადასხვა ტექნიკისა და ჟანრის შემუშავებისას დაგროვდა მთელი მემკვიდრეობა, სულიერი საგანძური.

ანტიკურობამ აჩვენა ხალხის მიდრეკილება, ეჩვენებინათ ცხოვრება და სამყარო ისეთი, როგორიც არის, რეალური. სწორედ მაშინ დაიბადა ექსპრესიულობის ისეთი პრინციპები, როგორიცაა ქიაროსკურო და პერსპექტივა. ამ ყველაფერს თაყვანისმცემლობისა და საცხოვრებლის მოსაწყობად იყენებდნენ.

შუა საუკუნეებმა მხატვრობაში რაღაც სრულიად ახალი შემოიტანა, ის ძირითადად რელიგიურ მოტივებს ასახავდა. დიდი როლი ითამაშა გამოყენებული ფერის სიმბოლიკამ. ფრესკებისა და ტილოების ფონისთვის გამოიყენეს ნეიტრალური (აბსტრაქტული) ან ოქრო, რაც სურათის ღვთაებრივ განზრახვას განასახიერებდა.

რენესანსში ფერწერის როლი გაიზარდა, გამოიყენა უფრო დაფუძნებული ქიაროსკუროს, ხაზოვანი და საჰაერო პერსპექტივის სისტემა. ამან მიიღო გამოხმაურება ნაწარმოებებში ყოველდღიურ თემებზე, პორტრეტებში, რელიგიურ და მითოლოგიურ თემებზე.

ლეონარდო და ვინჩი "მადონა კლდეებში"

მე-17-18 საუკუნეებში. ევროპული მხატვრობა სულ უფრო და უფრო რთული ხდება. ახალი სოციალური იდეალები სათავეშია, ნახატებში იწყება ინდივიდის კონფლიქტის ასახვა გარე სამყაროსთან. ამ ეპოქაში ყალიბდება ფერწერის ჟანრები.

მე-19 საუკუნეში არის ახალი მიმართულება - რომანტიზმი, ახლის ლტოლვა. რომანტიზმის მხატვრობაში აქცენტი კეთდება ისტორიისა და აწმყოს დრამატული მოვლენების გამოსახულებაზე, არის სინათლისა და ჩრდილის კონტრასტი, მდიდარი ფერი.

რევოლუცია ფერწერაში ხდება იმპრესიონიზმის მოსვლასთან ერთად. ამ მიმართულებას ახასიათებს სამყაროს უფრო რეალური სურათი, მისი ცვალებადობა, მათი შთაბეჭდილებების იმპრესიონისტული გამოსახულება. ნამუშევრებში ისინი აქტიურად ურევენ სუფთა ფერებს და გადმოსცემენ საგნების ტექსტურას. ამ ეპოქაში მხატვრები იწყებენ ღია ცის ქვეშ გასვლას.

მე-19-20 საუკუნეების მიჯნაზე. წარმოიქმნება აბსტრაქტული ფერწერა. არსებობს მხატვრების უარი ფიგურატიულობაზე, ნაწარმოებისადმი უფრო ავტორიტეტული დამოკიდებულების გაჩენა, მათი დამოკიდებულების იდენტიფიცირება მათ გარშემო არსებულ სამყაროზე. აბსტრაქციონიზმი იყენებს გეომეტრიულ ფორმებს, პირობით ფერებს, კომპოზიციურ ასოციაციებსა და გაზვიადებულ, მოდიფიცირებულ ფორმებს.

მე-20 და 21 საუკუნეებში მხატვრობა ისწრაფვის სულ უფრო დიდი თვითგამოხატვისკენ, რაც გამოწვეულია ტექნოლოგიური პროგრესის განვითარებით. სამუშაოები ციფრული ტექნოლოგიების გამოყენებით იქმნება.

ამ ყველაფერს აუცილებლად უნდა მოჰყვეს ახალი მიმდინარეობების გაჩენა, მაგრამ მაინც კლასიკური მხატვრობაზეთი და ამჟამად ოსტატების ერთ-ერთი საყვარელი ტექნიკაა.

მხატვრობა ერთ-ერთი უძველესი ხელოვნებაა, რომელიც მრავალი საუკუნის განმავლობაში განვითარდა პალეოლითური კლდის მხატვრობიდან მე-20 და თუნდაც 21-ე საუკუნეების უახლეს ტენდენციებამდე. ეს ხელოვნება თითქმის კაცობრიობის მოსვლასთან ერთად დაიბადა. ძველმა ადამიანებმა, სრულყოფილადაც კი ვერ აცნობიერებდნენ საკუთარ თავს, როგორც პიროვნებას, გრძნობდნენ საჭიროებას, გამოესახათ მათ გარშემო არსებული სამყარო ზედაპირზე. დახატეს ყველაფერი, რაც ნახეს: ცხოველები, ბუნება, ნადირობის სცენები. ფერწერისთვის ისინი იყენებდნენ ბუნებრივი მასალისგან დამზადებულ საღებავებს. ეს იყო დედამიწის ფერები, ნახშირი, შავი ჭვარტლი. ფუნჯები მზადდებოდა ცხოველის თმისგან, ან უბრალოდ თითებით მოხატული.

ცვლილებების შედეგად წარმოიშვა მხატვრობის ახალი სახეები და ჟანრები. ანტიკურ პერიოდს მოჰყვა ანტიკურობის პერიოდი. არსებობდა მხატვრებისა და მხატვრების სურვილი, შეექმნათ გარემომცველი რეალური ცხოვრება, როგორიც მას ხედავს ადამიანი. გადაცემის სიზუსტის სურვილმა გამოიწვია პერსპექტივის საფუძვლების გაჩენა, სხვადასხვა გამოსახულების მსუბუქი და ჩრდილოვანი კონსტრუქციების საფუძვლები და ამის შესწავლა მხატვრების მიერ. და მათ, უპირველეს ყოვლისა, შეისწავლეს, თუ როგორ უნდა გამოესახათ სამგანზომილებიანი სივრცე კედლის სიბრტყეზე, ფრესკულ მხატვრობაში. ხელოვნების ზოგიერთი ნამუშევარი, როგორიცაა სამგანზომილებიანი სივრცე, ქიაროსკურო, დაიწყო ოთახების, რელიგიური ცენტრებისა და სამარხების დეკორაციისთვის.

ფერწერის წარსულში შემდეგი მნიშვნელოვანი პერიოდი შუა საუკუნეებია. ამ დროს მხატვრობა უფრო რელიგიური ხასიათისა იყო და მსოფლმხედველობამ ხელოვნებაში დაიწყო ასახვა. მხატვრების შემოქმედება მიმართული იყო იკონოგრაფიისა და რელიგიის სხვა მელოდიებისკენ. მთავარი მნიშვნელოვანი პუნქტები, რომლებზეც ხაზგასმული იყო მხატვარი, იყო არა იმდენად რეალობის ზუსტი ასახვა, რამდენადაც სულიერების გადაცემა ყველაზე მრავალფეროვან ნახატებშიც კი. იმდროინდელი ოსტატების ტილოები გასაოცარი იყო კონტურების ექსპრესიულობით, შეღებვით და ფერადოვნებით. შუა საუკუნეების მხატვრობა ბრტყელი გვეჩვენება. იმდროინდელი მხატვრების ყველა პერსონაჟი ერთ ხაზზეა. და ამდენი ნამუშევარი გარკვეულწილად სტილიზებული გვეჩვენება.

ნაცრისფერი შუა საუკუნეების პერიოდი შეიცვალა რენესანსის უფრო ნათელი პერიოდით. რენესანსმა მოიტანა ცვლილება ისტორიული განვითარებაამ ხელოვნებას. საზოგადოებაში ახალი განწყობები, ახალი მსოფლმხედველობა დაიწყო მხატვრისთვის კარნახით: რა ასპექტები უნდა გამოვლინდეს ფერწერაში უფრო სრულად და ნათლად. ფერწერის ჟანრები, როგორიცაა პორტრეტი და პეიზაჟი, დამოუკიდებელი სტილი გახდება. მხატვრები მხატვრობის ახალი ხერხებით გამოხატავენ ადამიანის ემოციებს და მის შინაგან სამყაროს. მე-17 და მე-18 საუკუნეებში მხატვრობის კიდევ უფრო სერიოზული ზრდა მოხდა. ამ პერიოდში კათოლიკური ეკლესია კარგავს თავის მნიშვნელობას და მხატვრები თავიანთ ნამუშევრებში სულ უფრო მეტად ასახავს ჭეშმარიტ შეხედულებებს ადამიანების, ბუნების, ყოველდღიური ცხოვრებისა და ყოველდღიური ცხოვრების. ამ პერიოდში ყალიბდება ისეთი ჟანრები, როგორიცაა ბაროკო, როკოკო, კლასიციზმი, მანერიზმი. ჩნდება რომანტიზმი, რომელიც მოგვიანებით შეიცვალა უფრო სანახაობრივი სტილით - იმპრესიონიზმი.

მეოცე საუკუნის დასაწყისში მხატვრობა მკვეთრად იცვლება და ჩნდება თანამედროვე ხელოვნების უფრო ახალი მიმართულება - აბსტრაქტული ფერწერა. ამ მიმართულების იდეა არის ადამიანისა და ხელოვნებას შორის ჰარმონიის გადმოცემა, ჰარმონიის შექმნა ხაზებისა და ფერის ხაზგასმების კომბინაციებში. ამ ხელოვნებას არ აქვს ობიექტურობა. ის არ მისდევს ზუსტ პასს რეალური სურათი, მაგრამ პირიქით - გადმოსცემს იმას, რაც მხატვრის სულშია, მის ემოციებს. ამ ტიპის ხელოვნებისთვის მნიშვნელოვან როლს თამაშობს ფორმები და ფერები. მისი არსი არის ადრე ნაცნობი ობიექტების ახლებურად გადმოცემა. აქ მხატვრებს ფანტაზიების სრული თავისუფლება ეძლევათ. ამან ბიძგი მისცა ისეთი თანამედროვე ტენდენციების გაჩენას და განვითარებას, როგორიცაა ავანგარდი, ანდერგრაუნდ, აბსტრაქტული ხელოვნება. მე-20 საუკუნის ბოლოდან დღემდე მხატვრობა მუდმივად იცვლება. მაგრამ, მიუხედავად ყველა ახალი მიღწევისა და თანამედროვე ტექნოლოგიები, ხელოვანები კვლავ რჩებიან კლასიკური ხელოვნების - ზეთის და აკვარელი ფერწერა, ქმნიან თავიანთ შედევრებს საღებავებისა და ტილოების დახმარებით.

ნატალია მარტინენკო

სახვითი ხელოვნების ისტორია

ფერწერის ისტორია არის გაუთავებელი ჯაჭვი, რომელიც დაიწყო პირველივე ნახატებით. თითოეული სტილი იზრდება იმ სტილებიდან, რომლებიც მანამდე მოვიდა. ყოველი დიდი ხელოვანი რაღაცას ამატებს ადრინდელი მხატვრების მიღწევებს და გავლენას ახდენს შემდგომ მხატვრებზე.

ჩვენ შეგვიძლია დავტკბეთ ხატვით მისი სილამაზით. მისმა ხაზებმა, ფორმებმა, ფერებმა და კომპოზიციამ (ნაწილების განლაგება) შეიძლება სასიამოვნო იყოს ჩვენი გრძნობები და დარჩეს ჩვენს მეხსიერებაში. მაგრამ ხელოვნებით სიამოვნება იზრდება, როდესაც ვიგებთ როდის და რატომ და როგორ შეიქმნა იგი.

ბევრმა ფაქტორმა მოახდინა გავლენა ფერწერის ისტორიაზე. გეოგრაფია, რელიგია, ეროვნული მახასიათებლები, ისტორიული მოვლენები, ახალი მასალების შემუშავება - ეს ყველაფერი ხელს უწყობს ხელოვანის ხედვის ჩამოყალიბებას. ისტორიის მანძილზე მხატვრობა ასახავდა ცვალებად სამყაროს და მის შესახებ ჩვენს გაგებას. სანაცვლოდ, მხატვრებმა წარმოადგინეს ცივილიზაციის განვითარების საუკეთესო ჩანაწერები, რომლებიც ზოგჯერ ავლენდნენ უფრო მეტს, ვიდრე წერილობითი სიტყვა.

პრეისტორიული მხატვრობა

გამოქვაბულის მაცხოვრებლები ყველაზე ადრეული მხატვრები იყვნენ. სამხრეთ საფრანგეთსა და ესპანეთში გამოქვაბულების კედლებზე ნაპოვნია ცხოველების ფერადი ნახატები, რომლებიც თარიღდება ჩვენს წელთაღრიცხვამდე 30000-დან 10000 წლამდე. ამ ნახატებიდან ბევრი საოცრად კარგად არის შემონახული, რადგან გამოქვაბულები მრავალი საუკუნის განმავლობაში დალუქული იყო. ადრეულმა ადამიანებმა დახატეს გარეული ცხოველების სურათები, რომლებიც მათ ირგვლივ ნახეს. აფრიკასა და აღმოსავლეთ ესპანეთში ნაპოვნია სასიცოცხლო პოზიციებზე გაკეთებული ადამიანის ძალიან უხეში ფიგურები.

გამოქვაბულის მხატვრებმა მღვიმის კედლები შეავსეს მდიდარი, ცოცხალი ფერების ნახატებით. ზოგიერთი ულამაზესი ნახატი ესპანეთში, ალტამირას გამოქვაბულშია ნაპოვნი. ერთ დეტალზე ჩანს დაჭრილი კამეჩი, რომელიც ვეღარ დგას - ალბათ მონადირის მსხვერპლი. იგი შეღებილია მოწითალო-ყავისფერში და გამოკვეთილია უბრალოდ, მაგრამ ოსტატურად, შავად. გამოქვაბულის მხატვრების მიერ გამოყენებული პიგმენტებია ოხერი (რკინის ოქსიდები განსხვავებული ფერისაა ღია ყვითელიდან მუქ ნარინჯისფერამდე) და მანგანუმი (მუქი ლითონი). ისინი დაფქვათ წვრილ ფხვნილად, ურევენ საპოხი მასალებს (შესაძლოა ცხიმოვან ზეთს) და აფენდნენ ზედაპირზე რაიმე სახის ფუნჯით. ზოგჯერ პიგმენტები იღებდნენ ჩხირების ფორმას, ფანქრის მსგავსი. ფხვნილ პიგმენტებთან შერეული ცხიმი საღებავ-ლაქის სითხეს ქმნიდა და პიგმენტის ნაწილაკები ერთმანეთს ეწეოდა. გამოქვაბულის მაცხოვრებლები ცხოველის თმებისგან ან მცენარეებისგან ჯაგრისებს ამზადებდნენ, კაჟისგან კი ბასრ იარაღებს (სახატავად და სახატავად).

ჯერ კიდევ 30 000 წლის წინ ადამიანებმა გამოიგონეს მხატვრობის ძირითადი იარაღები და მასალები. მეთოდები და მასალები დაიხვეწა და გაუმჯობესდა მომდევნო საუკუნეებში. მაგრამ გამოქვაბულის მკვიდრის აღმოჩენები მხატვრობისთვის მთავარი რჩება.

ეგვიპტური და მესოპოტამიური მხატვრობა (ძვ.წ. 3400–332)

ეგვიპტეში გაჩნდა ერთ-ერთი პირველი ცივილიზაცია. ეგვიპტელების მიერ დატოვებული წერილობითი ჩანაწერებიდან და ხელოვნებიდან ბევრი რამ არის ცნობილი მათი ცხოვრების შესახებ. მათ სჯეროდათ, რომ სხეული უნდა შენარჩუნებულიყო, რათა სულმა იცოცხლოს სიკვდილის შემდეგ. დიდი პირამიდები მდიდარი და ძლიერი ეგვიპტის მმართველების დახვეწილი სამარხები იყო. ბევრი ეგვიპტური ხელოვნებაშეიქმნა მეფეთა და სხვა მნიშვნელოვანი ადამიანების პირამიდებისა და სამარხებისთვის. სრულიად დარწმუნებული რომ სული გააგრძელებდა არსებობას, მხატვრებმა შექმნეს მკვდარი ადამიანის გამოსახულებები ქვაში. მათ ასევე გაამრავლეს სცენები ადამიანის ცხოვრებიდან კედლის მხატვრობაში სამარხებში.

ეგვიპტური სახვითი ხელოვნების ტექნიკა საუკუნეების განმავლობაში უცვლელი დარჩა. ერთი გზით აკვარელის საღებავიგამოიყენება თიხის ან კირქვის ზედაპირებზე. სხვა პროცესში, კონტურები ამოკვეთეს ქვის კედლებში და მოხატეს აკვარელით. მასალა, რომელსაც ეწოდება არაბული რეზინა, სავარაუდოდ გამოყენებული იყო საღებავის ზედაპირზე დასამაგრებლად. საბედნიეროდ, მშრალმა კლიმატმა და დალუქულმა სამარხებმა ხელი შეუშალა ზოგიერთ მათგანს აკვარელი ნახატებიიშლება ნესტისგან. კარგად არის შემონახული მრავალი ნადირობის სცენა თებეს სამარხების კედლებიდან, რომლებიც დათარიღებულია ჩვენს წელთაღრიცხვამდე 1450 წლით. ისინი აჩვენებენ, თუ როგორ მისდევენ მონადირეები ფრინველებს ან თევზებს და თევზებს. ამ სცენების ამოცნობა დღესაც შეიძლება, რადგან ისინი საგულდაგულოდ და ფრთხილად იყო მოხატული.

მესოპოტამიის ცივილიზაცია, რომელიც გაგრძელდა ჩვენს წელთაღრიცხვამდე 3200-დან 332 წლამდე, მდებარეობდა ველზე მდინარე ტიგროსსა და ევფრატს შორის, ახლო აღმოსავლეთში. მესოპოტამიაში სახლები ძირითადად თიხისგან იყო აშენებული. წვიმის შედეგად თიხა რბილდება, მათი შენობები მტვრად იშლება და ანადგურებს ნებისმიერი კედლის მხატვრობას, რომელიც შესაძლოა ძალიან საინტერესო ყოფილიყო. შემორჩენილია მორთული ჭურჭელი (მოხატული და გამომწვარი) და ფერადი მოზაიკა. მიუხედავად იმისა, რომ მოზაიკა არ შეიძლება ჩაითვალოს მხატვრობად, ისინი ხშირად ახდენენ მასზე გავლენას.

ეგეოსის ცივილიზაცია (ძვ.წ. 3000–1100 წწ.)

მესამე დიდი ადრეული კულტურა იყო ეგეოსის ცივილიზაცია. ეგეოსები ცხოვრობდნენ საბერძნეთის სანაპიროებთან და მცირე აზიის ნახევარკუნძულზე კუნძულებზე ძველ ეგვიპტელებსა და მესოპოტამიელებთან ერთად.

1900 წელს არქეოლოგებმა დაიწყეს მეფე მინოსის სასახლის გათხრები კნოსოსში, კუნძულ კრეტაზე. გათხრებმა აღმოაჩინა ხელოვნების ნიმუშები, რომლებიც დაწერილია ჩვენს წელთაღრიცხვამდე 1500 წელს. იმ დროის უჩვეულოდ თავისუფალ და მოხდენილ სტილში. ცხადია, კრეტელები უდარდელი, ბუნების მოყვარული ხალხი იყვნენ. ხელოვნებაში მათ საყვარელ თემებს შორის იყო საზღვაო ცხოვრება, ცხოველები, ყვავილები, სპორტული თამაშები, მასობრივი მსვლელობა. კნოსოსში და ეგეოსის სხვა სასახლეებში ნახატებს სველ თაბაშირის კედლებზე მინერალური საღებავებით, ქვიშითა და თიხის ოხერით ხატავდნენ. საღებავი სველ თაბაშირში გაჟღენთილია და კედლის მუდმივი ნაწილი გახდა. ამ ნახატებს მოგვიანებით უწოდეს ფრესკები (იტალიური სიტყვიდან "ახალი" ან "ახალი"). კრეტელებს მოსწონდათ ნათელი ყვითელი, წითელი, ლურჯი და მწვანე ფერები.

ბერძნული და რომაული კლასიკური მხატვრობა (ძვ. წ. 1100 - ახ.წ. 400 წ.)

ძველი ბერძნები ტაძრებისა და სასახლეების კედლებს ფრესკებით ამშვენებდნენ. უძველესი ლიტერატურული წყაროებიდან და ბერძნული ხელოვნების რომაული ასლებიდან შეიძლება ითქვას, რომ ბერძნები ხატავდნენ პატარა ნახატებს და აკეთებდნენ მოზაიკას. ბერძენი ოსტატების სახელები და მათი ცხოვრებისა და ნამუშევრების მცირე ნაწილი ცნობილია, თუმცა ძალიან ცოტა ბერძნული მხატვრობა გადაურჩა საუკუნეებს და ომების შემდგომ. ბერძნები ბევრს არ წერდნენ სამარხებში, ამიტომ მათი ნამუშევარი დაცული არ იყო.

მოხატული ვაზები არის ყველაფერი, რაც დღეს ბერძნული მხატვრობისგან შემორჩენილია. კერამიკის დამზადება დიდი ინდუსტრია იყო საბერძნეთში, განსაკუთრებით ათენში. გამოყენებული კონტეინერები დიდი მოთხოვნით, ექსპორტზე გადიოდა, ასევე კარაქი და თაფლი და შიდა დანიშნულებით. ყველაზე ადრეული ვაზის მხატვრობა იყო გეომეტრიული ფორმებისა და ორნამენტებით (ძვ. წ. 1100-700 წწ.). ვაზებს ასევე ამშვენებდა ადამიანის ფიგურები ყავისფერ მინანქარში ღია თიხაზე. მე-6 საუკუნისათვის ვაზათა მხატვრები ხშირად ხატავდნენ ადამიანის შავ ფიგურებს ბუნებრივ წითელ თიხაზე. დეტალები თიხაში ბასრი ინსტრუმენტით იყო ამოკვეთილი. ამან საშუალება მისცა წითელს გამოჩენილიყო რელიეფის სიღრმეში.

წითელფიგურიანმა სტილმა საბოლოოდ შეცვალა შავი. ანუ, პირიქით: ფიგურები წითელია, ფონი კი შავი. ამ სტილის უპირატესობა ის იყო, რომ მხატვარს შეეძლო ფუნჯის გამოყენება კონტურების შესაქმნელად. ფუნჯი უფრო თავისუფალ ხაზს აძლევს, ვიდრე ლითონის ხელსაწყო, რომელიც გამოიყენება შავ ფიგურულ ვაზებში.

რომაული კედლის მხატვრობა ნაპოვნია ძირითადად ვილებში (აგარაკზე) პომპეისა და ჰერკულანეუმში. 79 წელს ეს ორი ქალაქი მთლიანად დამარხეს ვეზუვის მთის ამოფრქვევით. არქეოლოგებმა, რომლებმაც გათხარეს ეს ტერიტორია, შეძლეს ბევრი რამ გაეგოთ ძველი რომაული ცხოვრების შესახებ ამ ქალაქებიდან. პომპეის თითქმის ყველა სახლსა და ვილაში იყო ნახატები კედლებზე. რომაელი მხატვრები ფრთხილად ამზადებდნენ კედლის ზედაპირს მარმარილოს მტვრისა და თაბაშირის ნარევის გამოყენებით. ისინი აპრიალებდნენ ზედაპირებს მარმარილოს დასრულებამდე. ბევრი ნახატი არის ბერძნული მხატვრობის ასლი ჩვენს წელთაღრიცხვამდე IV საუკუნიდან. პომპეის მისტერიების ვილა კედლებზე დახატული ფიგურების მოხდენილი პოზები შთააგონებდა მე-18 საუკუნის მხატვრებს, როდესაც ქალაქი გათხარეს.

ბერძნები და რომაელები ასევე ხატავდნენ პორტრეტებს. მათი მცირე რაოდენობა, ძირითადად ეგვიპტელი მხატვრების მიერ ბერძნულ სტილში შესრულებული მუმიის პორტრეტები, შემორჩენილია ალექსანდრიის გარშემო, ჩრდილოეთ ეგვიპტეში. ალექსანდრე მაკედონელის მიერ ძვ. პორტრეტები ენკაუსტიკური ტექნიკით ხეზე იყო დახატული და გამოსახული ადამიანის სიკვდილის შემდეგ მუმიის სახით დამონტაჟდა. გამდნარი ფუტკრის ცვილთან შერეულ საღებავში შესრულებულ ენკაუსტიკური ნახატებს შენახვის ვადა ძალიან დიდი აქვს. მართლაც, ეს პორტრეტები ჯერ კიდევ სუფთად გამოიყურება, თუმცა ისინი გაკეთდა ჯერ კიდევ ჩვენს წელთაღრიცხვამდე II საუკუნეში.

ადრეული ქრისტიანული და ბიზანტიური მხატვრობა (300–1300 წწ.)

რომის იმპერიამ დაცემა დაიწყო IV საუკუნეში. პარალელურად ძლიერდებოდა ქრისტიანობაც. 313 წელს რომის იმპერატორმა კონსტანტინემ ოფიციალურად აღიარა რელიგია და თავად მიიღო ქრისტიანობა.

ქრისტიანობის გაჩენამ დიდი გავლენა მოახდინა ხელოვნებაზე. მხატვრებს დაევალათ ეკლესიების კედლების ფრესკებითა და მოზაიკებით გაფორმება. მათ საეკლესიო სამლოცველოებში პანელები გააკეთეს, საეკლესიო წიგნები ილუსტრირებული და მორთული. ეკლესიის გავლენით, მხატვრებს ქრისტიანობის სწავლებები მაქსიმალურად ნათლად უნდა გადმოეცათ.

ადრეული ქრისტიანები და ბიზანტიელი მხატვრები აგრძელებდნენ მოზაიკის ტექნიკას, რომელიც მათ ბერძნებისგან ისწავლეს. ფერადი მინის ან ქვის პატარა ბრტყელი ნაჭრები სველ ცემენტზე ან თაბაშირზე იყო დამაგრებული. ზოგჯერ იყენებდნენ სხვა მძიმე მასალებს, როგორიცაა გამომცხვარი თიხის ნაჭრები ან ჭურვები. იტალიურ მოზაიკაში ფერები განსაკუთრებით ღრმა და სავსეა. იტალიელმა მხატვრებმა ფონი მოოქროვილი მინის ნაჭრებით გააკეთეს. ისინი მდიდარ ფერებში ასახავდნენ ადამიანის ფიგურებს ცქრიალა ოქროს ფონზე. საერთო ეფექტი იყო ბრტყელი, დეკორატიული და არარეალური.

ბიზანტიელი მხატვრების მოზაიკა ხშირად უფრო ნაკლებად რეალისტური და უფრო დეკორატიული იყო, ვიდრე ადრეული ქრისტიანების მოზაიკა. „ბიზანტიური“ ასე ჰქვია ხელოვნების სტილს, რომელიც განვითარდა გარშემო უძველესი ქალაქიბიზანტია (ახლანდელი სტამბოლი, თურქეთი). მოზაიკის ტექნიკა შესანიშნავად ემთხვეოდა ბიზანტიურ გემოვნებას ბრწყინვალედ მორთული ეკლესიებისთვის. თეოდორასა და იუსტინიანეს ცნობილი მოზაიკა, რომელიც 547 წელს გაკეთდა, სიმდიდრის გემოვნებას აჩვენებს. ფიგურებზე სამკაულები ბრწყინავს, ხოლო სასამართლოს ფერადი კაბები ბრჭყვიალა ბრჭყვიალა ოქროს წინააღმდეგ. ბიზანტიელი მხატვრები ასევე იყენებდნენ ოქრო ფრესკებსა და პანელებზე. ოქრო და სხვა ძვირფასი მასალები შუა საუკუნეებში გამოიყენებოდა სულიერი ნივთების ყოველდღიური სამყაროსგან გამოსაყოფად.

შუა საუკუნეების მხატვრობა (500–1400 წწ.)

შუა საუკუნეების პირველ ნაწილს, დაახლოებით მე-6-დან მე-11 საუკუნემდე, ჩვეულებრივ ბნელ საუკუნეებად მოიხსენიებენ. ამ არეულობის დროს ხელოვნება ძირითადად მონასტრებში ინახებოდა. V საუკუნეში ვარანთა ტომები ჩრდილოეთ და ცენტრალური ევროპიდან დადიოდნენ კონტინენტზე. ასობით წლის განმავლობაში ისინი დომინირებდნენ დასავლეთ ევროპა. ამ ადამიანებმა შექმნეს ხელოვნება, რომელშიც მთავარი ელემენტია ნიმუში. მათ განსაკუთრებით უყვარდათ დრაკონებისა და ფრინველების გადახლართული სტრუქტურები.

კელტური და საქსონური ხელოვნების საუკეთესო ხელნაწერები გვხვდება მე-7 და მე-8 საუკუნეების ხელნაწერებში. შუა საუკუნეებში ფართოდ გავრცელდა წიგნის ილუსტრაციები, განათება და მინიატურული მხატვრობა, რომელიც გამოიყენება გვიან რომაული დროიდან. განათება არის ტექსტის, დიდი ასოების და მინდვრების გაფორმება. გამოყენებული იყო ოქროს, ვერცხლის და ნათელი ფერები. მინიატურა არის პატარა სურათი, ხშირად პორტრეტი. ტერმინი თავდაპირველად გამოიყენებოდა ხელნაწერის საწყისი ასოების გარშემო დეკორატიული ბლოკის აღსაწერად.

კარლოს დიდი, რომელიც IX საუკუნის დასაწყისში საღვთო რომის იმპერატორად დაგვირგვინდა, ცდილობდა აღედგინა გვიან რომაული და ადრეული ქრისტიანული პერიოდის კლასიკური ხელოვნება. მისი მეფობის დროს მინიატურული მხატვრები მიბაძავდნენ კლასიკურ ხელოვნებას, მაგრამ ისინი ასევე გადმოსცემდნენ პირად გრძნობებს თავიანთი საგნებით.

შუა საუკუნეებიდან ძალიან ცოტა კედლის მხატვრობაა შემორჩენილი. რომაული პერიოდის (XI-XIII სს.) აგებულ ეკლესიებს ჰქონდათ შესანიშნავი ფრესკები, მაგრამ მათი უმეტესობა გაქრა. გოთური პერიოდის ეკლესიებში (XII-XVI სს.) არ იყო საკმარისი ადგილი კედლის მხატვრობისთვის. წიგნის ილუსტრაცია გოთი მხატვრის მთავარი ნამუშევარი იყო.

საუკეთესო ილუსტრირებული ხელნაწერთა შორის იყო საათების წიგნები - კალენდრების კრებულები, ლოცვები და ფსალმუნები. იტალიური ხელნაწერის გვერდზე ნაჩვენებია დახვეწილი ინიციალები და წმინდა გიორგის დრაკონის მოკვლის დეტალური სცენა. ფერები ბრწყინვალეა და ჰგავს ძვირფასი ქვები, როგორც ვიტრაჟში და ოქრო ციმციმებს გვერდის ზემოთ. დახვეწილი ფოთლოვანი და ყვავილოვანი დიზაინის საზღვრების ტექსტი. მხატვრებმა, ალბათ, გამოიყენეს გამადიდებელი სათვალეები ასეთი რთული დეტალური სამუშაოს დასასრულებლად.

იტალია: ციმაბუე და ჯოტო

მე-13 საუკუნის ბოლოს იტალიელი მხატვრები ჯერ კიდევ ბიზანტიურ სტილში მუშაობდნენ. ადამიანის ფიგურები გაკეთდა ბრტყელი და დეკორატიული. სახეები იშვიათად აჩვენებდნენ გამომეტყველებას. სხეულები უწონო იყო და თითქოს მიწაზე მყარად დგომის ნაცვლად ცურავდნენ. ფლორენციაში მხატვარი ციმაბუე (1240-1302) ცდილობდა ზოგიერთი ძველი ბიზანტიური ტექნიკის მოდერნიზაციას. ანგელოზები მადონას ტახტზე უფრო აქტიურები არიან, ვიდრე ჩვეულებრივ ნახატებში. მათი ჟესტები და სახეები ცოტა უფრო მეტყველებს ადამიანური გრძნობები. ციმაბუემ თავის ნახატებს მონუმენტურობისა და ბრწყინვალების ახალი გრძნობა შესძინა. თუმცა, მან განაგრძო მრავალი ბიზანტიური ტრადიციის დაცვა, როგორიცაა ოქროს ფონი და საგნებისა და ფიგურების ნიმუშის მოწყობა.

ეს იყო დიდი ფლორენციელი მხატვარი ჯოტო (1267-1337), რომელმაც რეალურად დაარღვია ბიზანტიური ტრადიცია. მისი ფრესკის სერია პადუაში, არენის სამლოცველოში, ბიზანტიურ ხელოვნებას შორს ტოვებს. მარიამის და ქრისტეს ცხოვრებიდან ამ სცენებში ნამდვილი ემოცია, დაძაბულობა და ნატურალიზმია. ადამიანური სითბოსა და თანაგრძნობის ყველა თვისებაა წარმოდგენილი. ადამიანები არ ჩანან სრულიად არარეალური ან ზეციური. ჯოტომ დაჩრდილა ფიგურების კონტურები და ღრმა ჩრდილები მოათავსა ხალათების ნაკეცებში, რათა მრგვალობისა და სიმყარის შეგრძნება მიეღო.

თავისი პატარა პანელებისთვის ჯოტომ გამოიყენა სუფთა კვერცხის ტემპერა, საშუალება, რომელიც ფლორენციელებმა მე-14 საუკუნეში გააუმჯობესეს. მისი ფერების სიცხადე და სიკაშკაშე დიდი გავლენა უნდა იქონიოს მიჩვეულ ადამიანებზე მუქი ფერებიბიზანტიური პანელები. ტემპერას ნახატები ქმნის შთაბეჭდილებას, რომ სცენაზე დღის რბილი შუქი ეცემა. მათ აქვთ თითქმის ბრტყელი გარეგნობა, განსხვავებით ზეთის ნახატის ბზინვარებისგან. კვერცხის ტემპერამენტი დარჩა ძირითადი საღებავისანამ ნავთობმა თითქმის მთლიანად შეცვალა იგი მე-16 საუკუნეში.

გვიანი შუა საუკუნეების მხატვრობა ალპების ჩრდილოეთით

მე-15 საუკუნის დასაწყისში მხატვრები ქ ჩრდილოეთ ევროპამუშაობდა იტალიური მხატვრობისგან სრულიად განსხვავებულ სტილში. ჩრდილოეთის მხატვრებმა მიაღწიეს რეალიზმს თავიანთ ნახატებში უთვალავი დეტალის დამატებით. ყველა თმა დელიკატურად იყო გამოკვეთილი და ფარდის ან იატაკის ყველა დეტალი ზუსტად იყო დაყენებული. ზეთის მხატვრობის გამოგონებამ გააადვილა დეტალების დეტალიზაცია.

ფლამანდიელმა მხატვარმა იან ვან ეიკმა (1370-1414) დიდი წვლილი შეიტანა ზეთის მხატვრობის განვითარებაში. როდესაც ტემპერა გამოიყენება, ფერები ცალკე უნდა იქნას გამოყენებული. ისინი კარგად ვერ ჩრდილავენ ერთმანეთს, რადგან საღებავი სწრაფად შრება. ზეთით, რომელიც ნელა შრება, მხატვარს შეუძლია მიაღწიოს უფრო რთულ ეფექტებს. მისი 1466-1530 წლების პორტრეტები შესრულებული იყო ფლამანდური ზეთის ტექნიკით. ყველა დეტალი და თანაც სარკის ანარეკლი- მკაფიო და ზუსტი. ფერი გამძლეა და აქვს მყარი, მინანქრის მსგავსი ზედაპირი. პრიმირებული ხის პანელი ისევე მომზადდა, როგორც ჯოტომ ამზადებდა თავის პანელებს ტემპერისთვის. ვან ეიკმა შექმნა ნახატი დახვეწილი ფერის ფენებში, რომელსაც მინანქარი ეწოდება. ტემპერა ალბათ გამოიყენებოდა თავდაპირველ ქვეტყეში და ხაზგასმისთვის.

იტალიური რენესანსი

სანამ ვან ეიკი ჩრდილოეთში მუშაობდა, იტალიელები ხელოვნებისა და ლიტერატურის ოქროს ხანაში გადავიდნენ. ამ პერიოდს რენესანსს უწოდებენ, რაც ნიშნავს აღორძინებას. იტალიელი მხატვრები შთაგონებული იყვნენ ძველი ბერძნებისა და რომაელების ქანდაკებებით. იტალიელებს სურდათ აღედგინათ კლასიკური ხელოვნების სული, რომელიც განადიდებს ადამიანის დამოუკიდებლობას და კეთილშობილებას. რენესანსის მხატვრები განაგრძობდნენ რელიგიური სცენების ხატვას. მაგრამ ისინი ასევე ხაზს უსვამდნენ მიწიერ ცხოვრებას და ადამიანთა მიღწევებს.

ფლორენცია

მე-14 საუკუნის დასაწყისში ჯოტოს მიღწევებმა აღინიშნა რენესანსის დასაწყისი. იტალიური XVII მხატვრებისაუკუნეები აგრძელებდა. მასაჩიო (1401-1428) იყო რენესანსის მხატვრების პირველი თაობის ერთ-ერთი ლიდერი. ის ცხოვრობდა ფლორენციაში, მდიდარ სავაჭრო ქალაქში, სადაც დაიწყო რენესანსის ხელოვნება. ოციანი წლების ბოლოს მისი გარდაცვალების დროისთვის მან რევოლუცია მოახდინა ფერწერაში. თავის ცნობილ ფრესკაში "ხარკის ფული", ის ათავსებს მყარ სკულპტურულ ფიგურებს პეიზაჟში, რომელიც თითქოს შორს არის გადაჭიმული. მასაჩომ შესაძლოა პერსპექტივა შეისწავლა ფლორენციელ არქიტექტორსა და მოქანდაკე ბრუნელესკისთან (1377-1414).

ფრესკის ტექნიკა ძალიან პოპულარული იყო რენესანსის დროს. იგი განსაკუთრებით შესაფერისი იყო დიდი ნახატებისთვის, რადგან ფრესკაზე ფერები მშრალი და იდეალურად ბრტყელია. გამოსახულების ნახვა შესაძლებელია ნებისმიერი კუთხიდან, მბზინავი ან ანარეკლების გარეშე. ასევე ხელმისაწვდომია ფრესკები. ჩვეულებრივ, მხატვრებს რამდენიმე თანაშემწე ჰყავდათ. სამუშაო შესრულდა ცალ-ცალკე, რადგან ის უნდა დასრულებულიყო, სანამ თაბაშირი ჯერ კიდევ სველი იყო.

მასაჩიოს სრული „სამგანზომილებიანი“ სტილი ტიპიური იყო მე-15 საუკუნის ახალი პროგრესული მოძრაობისთვის. ფრა ანჯელიკოს (1400-1455) სტილი უფრო ტრადიციული მიდგომაა, რომელსაც ადრეული რენესანსის მრავალი მხატვარი იყენებდა. მას ნაკლებად აინტერესებდა პერსპექტივა და უფრო მეტად აინტერესებდა დეკორატიული დიზაინი. მისი „ღვთისმშობლის კორონაცია“ ტემპერამენტის მაგალითია უმშვენიერეს წარმოდგენაში. ხალისიანი, მდიდარი ფერები ოქროს წინააღმდეგ და აქცენტირებული ოქროთი. სურათი გადიდებულ მინიატურას ჰგავს. გრძელ, ვიწრო ფიგურებს ცოტა რამ აქვთ საერთო მასაჩოსთან. კომპოზიცია ორგანიზებულია მოძრაობის ფართო ხაზებით, რომლებიც ტრიალებს ქრისტესა და მარიამის ცენტრალურ ფიგურებს.

კიდევ ერთი ფლორენციელი, რომელიც მუშაობდა ტრადიციულ სტილში, იყო სანდრო ბოტიჩელი (1444-1515). მომდინარე რიტმული ხაზები აკავშირებს ბოტიჩელის "გაზაფხულის" მონაკვეთებს. გაზაფხულის ფიგურა, რომელსაც დასავლეთის ქარი ატარებს, მარჯვნიდან გადის. სამი გრაცია წრეში ცეკვავს, მათი კაბების ფრიალო ნაკეცები და ხელების მოხდენილი მოძრაობები გამოხატავს ცეკვის რიტმს.

ლეონარდო და ვინჩი (1452-1519) სწავლობდა მხატვრობას ფლორენციაში. იგი ცნობილია სამეცნიერო კვლევებითა და გამოგონებებით, ასევე ნახატებით. მისი ნახატებიდან ძალიან ცოტაა შემორჩენილი, ნაწილობრივ იმიტომ, რომ ხშირად ატარებდა ექსპერიმენტებს სხვადასხვა გზებისაღებავის შექმნა და გამოყენება, ვიდრე დადასტურებული და საიმედო მეთოდების გამოყენება. " Უკანასკნელი ვახშამი” (დახატული 1495-დან 1498 წლამდე) შესრულდა ზეთში, მაგრამ სამწუხაროდ ლეონარდომ ის ნესტიან კედელზე დახატა, რამაც საღებავის გაბზარვა გამოიწვია. მაგრამ ცუდ მდგომარეობაშიც კი (რესტავრაციამდე), სურათს ჰქონდა უნარი აღეძრა ემოციები ყველას, ვინც მას ხედავს.

Ერთ - ერთი გამორჩეული მახასიათებლებილეონარდოს სტილი იყო სინათლისა და სიბნელის გამოსახვის მეთოდი. იტალიელებმა მის ნახევრად ბნელ განათებას „სფუმატო“ უწოდეს, რაც კვამლიანს ან ნისლიანს ნიშნავს. კლდეების მადონას ფიგურები დაფარულია სფუმატო ატმოსფეროში. მათი ფორმები და თვისებები რბილად არის დაჩრდილული. ლეონარდომ ამ ეფექტებს მიაღწია მსუბუქი და მუქი ტონების ძალიან დახვეწილი გრადაციების გამოყენებით.

რომი

რენესანსის მხატვრობის კულმინაცია მე-16 საუკუნეში მოხდა. ამავე დროს, ხელოვნებისა და კულტურის ცენტრი ფლორენციიდან რომში გადავიდა. პაპ სიქსტუს IV-ისა და მისი მემკვიდრის იულიუს II-ის დროს ქალაქი რომი დიდებულად და მდიდრულად იყო მორთული რენესანსის ეპოქის მხატვრების მიერ. ამ პერიოდის ზოგიერთი ყველაზე ამბიციური პროექტი იულიუს II-ის პაპობის დროს დაიწყო. იულიუსმა დაავალა დიდ მოქანდაკე და მხატვარ მიქელანჯელოს (1475-1564) ჭერის მოხატვა სიქსტეს კაპელადა გამოკვეთეთ ქანდაკება პაპის საფლავისთვის. იულიუსმა ასევე მიიწვია მხატვარი რაფაელი (1483-1520) ვატიკანის გაფორმებაში დასახმარებლად. თანაშემწეებთან ერთად რაფაელმა დახატა ვატიკანის სასახლეში პაპის აპარტამენტების ოთხი ოთახი.

მიქელანჯელომ, წარმოშობით ფლორენციელმა, შეიმუშავა მხატვრობის მონუმენტური სტილი. მის ნახატში ფიგურები იმდენად მყარი და მოცულობითია, რომ სკულპტურებს ჰგავს. სიქსტის ჭერი, რომელსაც მიქელანჯელოს 4 წელი დასჭირდა, შედგება ასობით ადამიანის ფიგურისგან ძველი აღთქმა. ამ გრანდიოზული ფრესკის დასასრულებლად მიქელანჯელოს ხარაჩოზე ზურგით უნდა დაწოლილიყო. იერემიას ჩაფიქრებული სახე წინასწარმეტყველთა შორის, რომლებიც ჭერს აკრავს, ზოგიერთი ექსპერტი მიიჩნევს მიქელანჯელოს ავტოპორტრეტად.

რაფაელი ფლორენციაში ურბინოდან ძალიან ახალგაზრდად ჩავიდა. ფლორენციაში მან შთანთქა ლეონარდოსა და მიქელანჯელოს იდეები. იმ დროისთვის, როდესაც რაფაელი რომში წავიდა სამუშაოდ ვატიკანში, მისი სტილი გახდა ერთ-ერთი უდიდესი სილამაზით. მას განსაკუთრებით უყვარდა მადონას და ბავშვის ულამაზესი პორტრეტები. ისინი ათასობით იქნა გამრავლებული და ყველგან ჩანს. მისი „Madonna del Granduca“ წარმატებულია თავისი სიმარტივის გამო. დროული თავისი სიმშვიდითა და სიწმინდით, ის ისეთივე მიმზიდველია ჩვენთვის, როგორც რაფაელის ეპოქის იტალიელებისთვის.

ვენეცია

ვენეცია ​​იყო რენესანსის ეპოქის ჩრდილოეთ იტალიის მთავარი ქალაქი. მას სტუმრობდნენ მხატვრები ფლანდრიიდან და სხვაგან, რომლებმაც იცოდნენ ფლამანდური ექსპერიმენტები ზეთის საღებავებით. ამან ხელი შეუწყო ადრეულ გამოყენებას ზეთის ტექნოლოგიავ იტალიის ქალაქი. ვენეციელებმა ისწავლეს ხატვა მჭიდროდ დაჭიმულ ტილოზე და არა ხის პანელებზე, რომლებიც ჩვეულებრივ გამოიყენება ფლორენციაში.

ჯოვანი ბელინი (1430-1515) იყო მე-15 საუკუნის უდიდესი ვენეციელი მხატვარი. ის ასევე იყო ერთ-ერთი პირველი იტალიელი მხატვარი, რომელმაც ტილოზე ზეთი გამოიყენა. ბელინის სახელოსნოში შეგირდები იყვნენ ჯორჯიონე (1478-1151) და ტიციანი (1488-1515), რომელიც ყველაზე ცნობილი ვენეციელი მხატვარია.

ზეთის ოსტატმა ტიციანმა დახატა უზარმაზარი ტილოები თბილ, მდიდარ ფერებში. თავის მოწიფულ ნახატებში მან შესწირა დეტალები განსაცვიფრებელი ეფექტების შესაქმნელად, მაგალითად, პესარო მადონაში. ის იყენებდა დიდ ფუნჯებს დიდი შტრიხების გასაკეთებლად. მისი ფერები განსაკუთრებით მდიდარია, რადგან მოთმინებით ქმნიდა მინანქრებს კონტრასტული ფერებით. როგორც წესი, მინანქრებს აყენებდნენ ყავისფერ დაბერებულ ზედაპირზე, რაც ნახატს ერთგვაროვან ტონს აძლევდა.

მე-16 საუკუნის კიდევ ერთი დიდი ვენეციელი მხატვარი იყო ტინტორეტო (1518-1594). ტიციანისგან განსხვავებით, ის ჩვეულებრივ პირდაპირ ტილოზე მუშაობდა გარეშე წინასწარი ესკიზებიან კონტურები. ის ხშირად ამახინჯებდა თავის ფორმებს (აგრეხავდა მათ) სიუჟეტის კომპოზიციისა და დრამატულობისთვის. მისი ტექნიკა, რომელიც მოიცავს ფართო შტრიხებს და სინათლისა და სიბნელის დრამატულ კონტრასტებს, ძალიან თანამედროვე ჩანს.

მხატვარი კირიაკოს თეოტოკოპულოსი (1541-1614) ცნობილი იყო როგორც ელ გრეკო ("ბერძენი"). კუნძულ კრეტაზე დაბადებული, რომელიც ვენეციელი არმიის მიერ იყო დაკავებული, ელ გრეკო იტალიელი მხატვრების მიერ იყო გაწვრთნილი. ახალგაზრდობაში სასწავლებლად წავიდა ვენეციაში. ბიზანტიური ხელოვნების ერთობლივი გავლენა, რომელიც მან დაინახა მის ირგვლივ კრეტაზე და იტალიური ხელოვნებარენესანსმა გამოაჩინა ელ გრეკოს შემოქმედება.

თავის ნახატებში ის ამახინჯებდა ბუნებრივი ფორმებიდა გამოიყენა კიდევ უფრო უცნაური, უფრო არამიწიერი ფერები, ვიდრე ტინტორეტო, რომლითაც იგი აღფრთოვანებული იყო. მოგვიანებით, ელ გრეკო გადავიდა ესპანეთში, სადაც ესპანურმა ხელოვნებამ გავლენა მოახდინა მის შემოქმედებაზე. მის დრამატულ ხედვაში ტოლედოზე, ქარიშხალი მძვინვარებს ქალაქის მომაკვდინებელ სიჩუმეზე. ცივი ბლუზი, მწვანე და ლურჯ-თეთრი სიცივეს ატარებს პეიზაჟზე.

რენესანსი ფლანდრიასა და გერმანიაში

ფერწერის ოქროს ხანა ფლანდრიაში (ახლანდელი ბელგიისა და ჩრდილოეთ საფრანგეთის ნაწილი) იყო მე-15 საუკუნე, ვან ეიკის დრო. მე-16 საუკუნეში ბევრი ფლამანდიელი მხატვარი ბაძავდა იტალიელი მხატვრებირენესანსი. თუმცა, ზოგიერთმა ფლამანდიელმა გააგრძელა რეალიზმის ფლამანდური ტრადიცია. შემდეგ გაავრცელეთ ჟანრის მხატვრობა- სცენები Ყოველდღიური ცხოვრებისრომლებიც ხან მომხიბვლელი იყო და ხან ფანტასტიკური. უჩვეულოდ ნათელი ფანტაზია ჰქონდა იერონიმუს ბოშს (1450-1515), რომელიც წინ უსწრებდა ჟანრის მხატვრებს. მან მოიფიქრა ყველანაირი უცნაური, გროტესკული არსება „წმ. ანტონი“. პიტერ ბრიუგელ უფროსი (1525-1569) ასევე მუშაობდა ფლამანდური ტრადიციით, მაგრამ დაამატა პერსპექტივა და რენესანსის სხვა მახასიათებლები თავის ჟანრულ სცენებს.

ალბრეხტ დიურერი (1471-1528), ჰანს ჰოლბეინი უმცროსი (1497-1543) და ლუკას კრანახი უფროსი (1472-1553) იყვნენ მე-16 საუკუნის სამი ყველაზე მნიშვნელოვანი გერმანელი მხატვარი. მათ ბევრი რამ გააკეთეს ადრეული გერმანული მხატვრობის პირქუში რეალიზმის შესარბილებლად. დიურერი ერთხელ მაინც ეწვია იტალიას, სადაც მასზე შთაბეჭდილება მოახდინა ჯოვანი ბელინისა და სხვა ჩრდილოეთ იტალიელების ნახატებმა. ამ გამოცდილებით მან გერმანულ მხატვრობას ჩაუნერგა პერსპექტივის ცოდნა, ფერისა და სინათლის შეგრძნება და კომპოზიციის ახალი გაგება. ჰოლბეინმა კიდევ უფრო მეტი იტალიური მიღწევები ისწავლა. მისმა მგრძნობიარე ნახატმა და მხოლოდ უმნიშვნელოვანესი დეტალების შერჩევის უნარმა მას პორტრეტის ოსტატ მხატვრად აქცია.

ბაროკოს ფერწერა

მე-17 საუკუნე ხელოვნებაში ცნობილია როგორც ბაროკოს პერიოდი. იტალიაში მხატვრები კარავაჯო (1571-1610) და ანიბალ კარაჩი (1560-1609) წარმოადგენდნენ ორ საპირისპირო თვალსაზრისს. კარავაჯო (ნამდვილი სახელი მიქელანჯელო მერისი) ყოველთვის იღებდა შთაგონებას უშუალოდ ცხოვრებისეული რეალობიდან. მისი ერთ-ერთი მთავარი პრობლემა იყო ბუნების რაც შეიძლება ახლოს კოპირება მისი არანაირად განდიდების გარეშე. კარაჩი კი, თავის მხრივ, მიჰყვებოდა სილამაზის რენესანსის იდეალს. Ის სწავლობდა უძველესი ქანდაკებადა მიქელანჯელოს, რაფაელის და ტიციანის ნამუშევრები. კარავაჯოს სტილით აღფრთოვანებული იყო მრავალი ხელოვანი, განსაკუთრებით ესპანელი რიბერა და ახალგაზრდა ველასკესი. კარაჩიმ შთააგონა მე-17 საუკუნის ცნობილი ფრანგი მხატვარი ნიკოლა პუსენი (1594-1665).

ესპანეთი

დიეგო ველასკესი (1599-1660), ესპანეთის მეფის ფილიპე IV-ის კარის მხატვარი, იყო ერთ-ერთი უდიდესი ესპანელი მხატვარი. ტიციანის ნამუშევრების თაყვანისმცემელი, მდიდარი, ჰარმონიული ფერის გამოყენების ოსტატი იყო. არცერთ ხელოვანს არ შეეძლო უკეთესად შეექმნა მდიდარი ქსოვილების ან ადამიანის კანის ილუზია. პორტრეტი პატარა უფლისწულიფილიპ პროსპერი ამ უნარს აჩვენებს.

ფლანდრია

ფლამანდიელი მხატვრის პიტერ პოლ რუბენსის (1577-1640) ნახატები ბაროკოს სტილის სრული ფერია. ისინი სავსეა ენერგიით, ფერითა და შუქით. რუბენსმა დაარღვია პატარა სურათების დახატვის ფლამანდური ტრადიცია. მისი ტილოები უზარმაზარია, სავსეა ადამიანის ფიგურებით. მან მეტი შეკვეთა მიიღო დიდი ნახატებივიდრე მან შეძლო. ამიტომ, ის ხშირად მხოლოდ პატარა ფერის ჩანახატს ხატავდა. შემდეგ მისმა თანაშემწეებმა ესკიზი დიდ ტილოზე გადაიტანეს და ნახატი რუბენსის ხელმძღვანელობით დაასრულეს.

ჰოლანდია

ჰოლანდიელი მხატვრის რემბრანდტის (1606-1669) მიღწევები ერთ-ერთი ყველაზე გამორჩეულია ისტორიაში. მას მშვენიერი საჩუქარი ჰქონდა - ადამიანური ემოციების ზუსტად დაფიქსირება და გადმოცემა. ტიციანის მსგავსად, იგი დიდხანს მუშაობდა მრავალშრიანი ნახატების შექმნაზე. დედამიწის ფერები - ყვითელი ოხერი, ყავისფერი და ყავისფერი-წითელი - მისი ფავორიტი იყო. მისი ნახატები ძირითადად ქ მუქი ფერები. მუქი ფენიანი ნაწილების მნიშვნელობა მის ტექნიკას უჩვეულო ხდის. აქცენტი გადმოცემულია ნათელი განათებით სინათლის ზონებთან მიმართებაში.

იან ვერმეერი (1632-1675) იყო ჰოლანდიელი მხატვრების ერთ-ერთი ჯგუფი, რომლებიც ხატავდნენ ყოველდღიური ცხოვრების მოკრძალებულ სცენებს. ყველანაირი ფაქტურის მოხატვის ოსტატი იყო - ატლასის, სპარსული ფარდაგების, პურის ნამსხვრევების, ლითონის. ვერმეერის ინტერიერის საერთო შთაბეჭდილება არის მზიანი, მხიარული ოთახი, რომელიც სავსეა საკულტო საყოფაცხოვრებო ნივთებით.

მე -18 საუკუნის მხატვრობა

მე-18 საუკუნეში ვენეციაში რამდენიმე გამოვიდა დიდი მხატვრები. ყველაზე ცნობილი იყო ჯოვანი ბატისტა ტიეპოლო (1696-1770). მან დაამშვენა სასახლეების და სხვა შენობების ინტერიერები გრანდიოზული ფერადი ფრესკებით, რომლებიც წარმოადგენდნენ სიმდიდრის სცენებს. ფრანჩესკო გვარდი (1712-1793) ძალიან დახელოვნებული იყო ფუნჯში, მხოლოდ რამდენიმე ლაქით მას შეეძლო მოეფიქრებინა ნავში პატარა ფიგურის იდეა. ანტონიო კანალეტოს (1697-1768) თვალწარმტაცი ხედები მღეროდა ვენეციის წარსულ დიდებას.

საფრანგეთი: როკოკოს სტილი

საფრანგეთში მე-18 საუკუნის დასაწყისში პასტელი ფერების გემოვნებამ და რთულმა დეკორაციამ განაპირობა როკოკოს სტილის განვითარება. ჟან ანტუან ვატო (1684-1721), მეფე ლუი XV-ის კარის მხატვარი, მოგვიანებით კი ფრანსუა ბუშე (1703-1770) და ჟან ონორე ფრაგონარი (1732-1806) დაკავშირებული იყო როკოკოს ტენდენციებთან. ვატომ დაწერა მეოცნებე ხილვები, ცხოვრება, რომელშიც ყველაფერი მხიარულია. სტილი ეფუძნება პიკნიკებს პარკებში, ტყის წვეულებებზე, სადაც მხიარული ჯენტლმენები და ელეგანტური ქალბატონები მხიარულობენ ბუნებაში.

მე-18 საუკუნის სხვა მხატვრები ასახავდნენ სცენებს ჩვეულებრივი ცხოვრებასაშუალო კლასი. ჰოლანდიელი ვერმეერის მსგავსად, ჟან ბატისტ სიმეონ შარდენი (1699-1779) აფასებდა მარტივ შინაურ სცენებს და ნატურმორტებს. მისი ფერები ფხიზელი და მშვიდია ვატოსთან შედარებით.

ინგლისი

მე-18 საუკუნეში ბრიტანელებმა პირველად შექმნეს ფერწერის ცალკე სკოლა. ბირთვი ძირითადად შედგებოდა პორტრეტის მხატვრებისგან, რომლებიც განიცდიდნენ ვენეციელი რენესანსის მხატვრების გავლენას. სერ ჯოშუა რეინოლდსი (1723-1792) და თომას გეინსბორო (1727-1788) ყველაზე ცნობილია. რეინოლდსი, რომელიც იმოგზაურა იტალიაში, მიჰყვებოდა რენესანსის მხატვრობის იდეალებს. მისი პორტრეტები, მომხიბვლელი და შეხება, არ არის განსაკუთრებით საინტერესო ფერით და ტექსტურით. გეინსბოროს კი ბრწყინვალების ნიჭი ჰქონდა. მისი ნახატების ზედაპირები კაშკაშა ფერით ანათებს.

XIX საუკუნის მხატვრობა

მე-19 საუკუნე ზოგჯერ განიხილება, როგორც პერიოდი, რომლის დროსაც თანამედროვე ხელოვნებამ დაიწყო ჩამოყალიბება. Ერთ - ერთი მნიშვნელოვანი მიზეზებიეგრეთ წოდებული რევოლუცია ხელოვნებაში ამ დროს იყო კამერის გამოგონება, რამაც აიძულა მხატვრები გადაეხედათ მხატვრობის დანიშნულებას.

უფრო მნიშვნელოვანი განვითარება იყო ასაწყობი საღებავების ფართო გამოყენება. მე-19 საუკუნემდე მხატვრების უმეტესობა ან მათი თანაშემწეები პიგმენტის დაფქვით ამზადებდნენ საკუთარ საღებავებს. ადრეული კომერციული საღებავები ჩამორჩებოდა ხელის საღებავებს. მე-19 საუკუნის ბოლოს მხატვრებმა აღმოაჩინეს, რომ ადრინდელი ნახატების მუქი ლურჯი და ყავისფერი ფერები რამდენიმე წლის განმავლობაში შავი ან ნაცრისფერი გახდა. მათ კვლავ დაიწყეს სუფთა ფერების გამოყენება თავიანთი სამუშაოს გადასარჩენად და ზოგჯერ იმიტომ, რომ ცდილობდნენ მზის შუქის უფრო ზუსტად ასახვას ქუჩის სცენებში.

ესპანეთი: გოია

ფრანცისკო გოია (1746-1828) იყო პირველი დიდი ესპანელი მხატვარი, რომელიც წარმოიშვა მე-17 საუკუნიდან. როგორც ესპანეთის კარის საყვარელი მხატვარი, მან სამეფო ოჯახის მრავალი პორტრეტი შექმნა. სამეფო გმირები ელეგანტური სამოსითა და დახვეწილი სამკაულებით არიან გამოწყობილნი, მაგრამ მათ ზოგიერთ სახეზე მხოლოდ ამაოება და სიხარბე აისახება. პორტრეტების გარდა, გოია ხატავდა დრამატულ სცენებს, როგორიცაა 1808 წლის მესამე მაისი. ეს ნახატი ასახავს ფრანგი ჯარისკაცების მიერ ესპანელი მეამბოხეების ჯგუფს. ღია და მუქი და პირქუში ფერების თამამი კონტრასტები, გადაღებული წითელი ნაპერწკლებით, იწვევს სპექტაკლის საშინელ საშინელებას.

მიუხედავად იმისა, რომ საფრანგეთი იყო ხელოვნების დიდი ცენტრი 1800-იან წლებში, ინგლისელმა ლანდშაფტის მხატვრებმა ჯონ კონსტებლემ (1776-1837) და ჯოზეფ მალორდ უილიამ ტერნერმა (1775-1851) ღირებული წვლილი შეიტანეს მე-19 საუკუნის ფერწერაში. ორივე დაინტერესებული იყო სინათლისა და ჰაერის დახატვით, ბუნების ორი ასპექტით მე-19 მხატვრებისაუკუნეები სრულად იქნა შესწავლილი. კონსტებლი იყენებდა მეთოდს, რომელიც ცნობილია როგორც გაყოფა, ან გატეხილი ფერი. მან გამოიყენა კონტრასტული ფერები ძირითადი ფონის ფერზე. ის ხშირად იყენებდა პალიტრის დანას, რომ ფერი მჭიდროდ წაეყენებინა. 1824 წელს პარიზში ჩვენების შემდეგ ნახატმა "ჰეი ვაინმა" გახადა ცნობილი. ეს არის უბრალო სოფლის თივის დამზადების სცენა. ღრუბლები მოძრაობენ მზის სხივებით დაფარულ მდელოებზე. ტერნერის ნახატები უფრო დრამატულია, ვიდრე კონსტებლის ნახატები, რომელიც დახატა ბუნების დიდებული ხედები - ქარიშხალი, ზღვის პეიზაჟები, აალებული მზის ჩასვლა, მაღალი მთები. ხშირად ოქროსფერი ნისლი ნაწილობრივ ფარავს ობიექტებს მის ნახატებში, რაც მათ უსასრულო სივრცეში მოცურავედ აჩენს.

საფრანგეთი

ნაპოლეონის მეფობის პერიოდმა და საფრანგეთის რევოლუციამ აღნიშნა ფრანგულ ხელოვნებაში ორი საპირისპირო მიმართულების - კლასიციზმისა და რომანტიზმის გაჩენა. ჟაკ ლუი დავიდი (1748-1825) და ჟან ოგიუსტ დომინიკ ინგრესი (1780-1867) შთაგონებული იყვნენ ძველი ბერძნული და რომაული ხელოვნებით და რენესანსით. ისინი ხაზს უსვამდნენ დეტალებს და იყენებდნენ ფერს მყარი ფორმების შესაქმნელად. როგორც რევოლუციური ხელისუფლების საყვარელი მხატვარი, დავითი ხშირად ხატავდა იმ პერიოდის ისტორიულ მოვლენებს. თავის პორტრეტებში, როგორიცაა მადამ რეკამიე, ის ცდილობდა კლასიკური სიმარტივის მიღწევას.

თეოდორ გერიკო (1791-1824) და რომანტიკოსი ეჟენ დელაკრუა (1798-1863) აჯანყდნენ დავითის სტილის წინააღმდეგ. დელაკრუასთვის ფერი იყო ყველაზე მნიშვნელოვანი ელემენტი ფერწერაში და მას არ ჰქონდა მოთმინება კლასიკური ქანდაკებების მიბაძვისთვის. სამაგიეროდ, იგი აღფრთოვანებული იყო რუბენით და ვენეციელებით. მან თავისი ნახატებისთვის ფერადი, ეგზოტიკური თემები აირჩია, რომლებიც შუქით ანათებენ და სავსეა მოძრაობით.

ბარბიზონის მხატვრები ასევე იყვნენ ზოგადი რომანტიული მოძრაობის ნაწილი, რომელიც გაგრძელდა დაახლოებით 1820 წლიდან 1850 წლამდე. ისინი მუშაობდნენ სოფელ ბარბიზონთან, ფონტენბლოს ტყის პირას. მათ შთაგონება მიიღეს ბუნებიდან და დაასრულეს ნახატები თავიანთ სტუდიაში.

სხვა მხატვრებმა ექსპერიმენტები ჩაატარეს ყოველდღიური საერთო საგნებით. ჟან ბატისტ კამილ კოროტის (1796-1875 წწ.) პეიზაჟები ასახავს მის სიყვარულს ბუნებისადმი, ხოლო ადამიანის სხეულის შესწავლა აჩვენებს ერთგვარ დაბალანსებულ სიმშვიდეს. გუსტავ კურბე (1819-1877) საკუთარ თავს რეალისტს უწოდებდა, რადგან მან წარმოაჩინა სამყარო ისე, როგორც მას ხედავდა - თუნდაც მისი მკაცრი, უსიამოვნო მხარე. მან თავისი პალიტრა შემოიფარგლა მხოლოდ რამდენიმე ბნელი ფერით. ედუარდ მანემ (1832-1883) თავისი ქვეშევრდომების საფუძველიც გარე სამყაროდან მიიღო. ხალხი შოკირებული იყო მისი ფერადი კონტრასტებითა და უჩვეულო ტექნიკით. მისი ნახატების ზედაპირებს ხშირად აქვთ ბრტყელი, ნიმუშიანი ფუნჯის ტექსტურა. მანეს მეთოდებმა სინათლის ეფექტების ფორმირებისთვის გავლენა მოახდინა ახალგაზრდა მხატვრებზე, განსაკუთრებით იმპრესიონისტებზე.

1870-იან და 1880-იან წლებში მოღვაწე მხატვართა ჯგუფს, რომლებიც ცნობილია როგორც იმპრესიონისტები, სურდათ ბუნების გამოსახვა ზუსტად ისეთი, როგორიც იყო. ისინი ბევრად უფრო შორს წავიდნენ, ვიდრე კონსტებლი, ტერნერი და მანე ფერის სინათლის ეფექტების შესწავლაში. ზოგიერთმა მათგანმა შეიმუშავა ფერის მეცნიერული თეორიები. კლოდ მონე (1840-1926) ხშირად ხატავდა ერთსა და იმავე ხედს დღის სხვადასხვა დროს, რათა ეჩვენებინა, თუ როგორ იცვლება ის სხვადასხვა განათების პირობებში. როგორიც არ უნდა იყოს საგანი, მისი ნახატები შედგება ასობით პაწაწინა შტრიხისგან, რომლებიც განთავსებულია ერთმანეთის გვერდით, ხშირად კონტრასტული ფერებით. დისტანციაზე, შტრიხები ერთმანეთში ერწყმის მყარი ფორმების შთაბეჭდილებას. პიერ ოგიუსტ რენუარმა (1841-1919) გამოიყენა იმპრესიონიზმის მეთოდები პარიზის ცხოვრების დღესასწაულის დასაფიქსირებლად. მის „ცეკვაში მულენ დე ლა გალეტში“ მკვეთრი ტანსაცმლით გამოწყობილი ხალხი იკრიბებოდა და მხიარულად ცეკვავდა. რენუარმა მთელი სურათი პატარა შტრიხებით დახატა. საღებავის წერტილები და შტრიხები ქმნიან ტექსტურას ნახატის ზედაპირზე, რაც მას აძლევს განსაკუთრებული სახის. როგორც ჩანს, ხალხის ბრბო იშლება მზის შუქსა და მოციმციმე ფერში.

მე-20 საუკუნის მხატვრობა

რამდენიმე მხატვარი მალევე უკმაყოფილო დარჩა იმპრესიონიზმით. ისეთი მხატვრები, როგორიცაა პოლ სეზანი (1839-1906) თვლიდნენ, რომ იმპრესიონიზმი არ აღწერდა ბუნებაში ფორმების სიმყარეს. სეზანს უყვარდა ნატურმორტების დახატვა, რადგან მათ საშუალება მისცეს, ყურადღება გამახვილებულიყო ხილისა თუ სხვა საგნების ფორმაზე და მათ განლაგებაზე. მისი ნატურმორტის საგნები მყარად გამოიყურება, რადგან მან ისინი მარტივ გეომეტრიულ ფორმებამდე შეამცირა. საღებავებისა და მდიდარი ფერის მოკლე შტრიხების გვერდიგვერდ დაყენების მისი ტექნიკა აჩვენებს, რომ მან ბევრი რამ ისწავლა იმპრესიონისტებისგან.

ვინსენტ ვან გოგი (1853-90) და პოლ გოგენი (1848-1903) გამოეხმაურნენ იმპრესიონისტების რეალიზმს. განსხვავებით იმპრესიონისტებისგან, რომლებიც ამბობდნენ, რომ ბუნებას ობიექტურად უყურებდნენ, ვან გოგს ნაკლებად აინტერესებდა სიზუსტე. ის ხშირად ამახინჯებდა საგნებს, რათა უფრო შემოქმედებითად გამოეხატა თავისი აზრები. მან გამოიყენა იმპრესიონისტული პრინციპები ერთმანეთის გვერდით კონტრასტული ფერების დასაყენებლად. ზოგჯერ მილებიდან საღებავს პირდაპირ ტილოზე ასხამდა, როგორც „ყვითელი სიმინდის მინდორში“.

გოგენს არ აინტერესებდა იმპრესიონისტების ჭრელი ფერი. იგი შეუფერხებლად იყენებდა ფერს დიდ ბრტყელ ადგილებში, რომლებსაც ერთმანეთისგან ხაზები ან მუქი კიდეები აშორებდა. გათვალისწინებულია ფერადი ტროპიკული ხალხი ყველაზემისი ისტორიები.

მარტივი გეომეტრიული ფორმებით სივრცის შექმნის სეზანის მეთოდი შეიმუშავეს პაბლო პიკასომ (1881-1973), ჟორჟ ბრაკმა (1882-1963) და სხვებმა. მათი სტილი ცნობილი გახდა, როგორც კუბიზმი. კუბისტები საგნებს ისე ხატავდნენ, თითქოს ისინი ერთდროულად რამდენიმე კუთხიდან ჩანდნენ, ან თითქოს ისინი ცალ-ცალკე და ბრტყელ ტილოზე ერთად დააყენეს. ხშირად საგნები არ ჰგავდნენ ბუნებაში არსებულ ყველაფერს. ზოგჯერ კუბისტები ჭრიან ფიგურებს ქსოვილისგან, მუყაოსგან, შპალერისგან ან სხვა მასალისგან და კოლაჟის გასაკეთებლად აკრავენ ტილოზე. ტექსტურები ასევე იცვლებოდა საღებავზე ქვიშის ან სხვა ნივთიერებების დამატებით.

უახლესი ტენდენციები იყო ამ თემაზე ნაკლები აქცენტის გაკეთება. კომპოზიციამ და გამოსახულების ტექნიკამ უფრო დიდი აქცენტი მიიღო.

რა არის ფერწერა?

მხატვრობა სახვითი ხელოვნების სახეობაა, რომლის ნამუშევრები იქმნება ზედაპირზე დატანილი საღებავებით.
"მხატვრობა არ არის მხოლოდ რაღაც ფანტაზია. ეს არის სამუშაო, სამუშაო, რომელიც უნდა შესრულდეს კეთილსინდისიერად, როგორც ამას აკეთებს ყველა კეთილსინდისიერი მუშაკი", - ამტკიცებდა რენუარი.

მხატვრობა ყველასთვის ხელმისაწვდომი ტრანსფორმაციის საოცარი სასწაულია ხელოვნების მასალებირეალობის მრავალფეროვან ხილულ სურათებში. ფერწერის ხელოვნების დაუფლება ნიშნავს ნებისმიერ სივრცეში ნებისმიერი ფორმის, ფერის და მასალის რეალური საგნების გამოსახვას.
მხატვრობას, ისევე როგორც ხელოვნების ყველა სხვა ფორმას, აქვს განსაკუთრებული მხატვრული ენა, რომლის მეშვეობითაც მხატვარი ასახავს სამყაროს. მაგრამ სამყაროს გაგების გამოხატვით, მხატვარი ერთდროულად განასახიერებს თავის აზრებს და გრძნობებს, მისწრაფებებს, ესთეტიკურ იდეალებს თავის ნამუშევრებში, აფასებს ცხოვრების ფენომენებს, ხსნის მათ არსს და მნიშვნელობას თავისებურად.
ვ ხელოვნების ნიმუშიგამოყენებულია მხატვრების მიერ შექმნილი სახვითი ხელოვნების სხვადასხვა ჟანრი, ნახატი, ფერი, ქიაროსკურო, შტრიხების ექსპრესიულობა, ტექსტურა და კომპოზიცია. ეს საშუალებას გაძლევთ რეპროდუციროთ თვითმფრინავზე სამყაროს ფერადი სიმდიდრე, ობიექტების მოცულობა, მათი თვისებრივი მატერიალური ორიგინალობა, სივრცითი სიღრმე და მსუბუქი ჰაერის გარემო.
მხატვრობის სამყარო მდიდარი და რთულია, მისი საგანძური კაცობრიობის მიერ მრავალი ათასწლეულის მანძილზეა დაგროვილი. მხატვრობის უძველესი ნამუშევრები მეცნიერებმა აღმოაჩინეს გამოქვაბულების კედლებზე, რომლებშიც პირველყოფილი ხალხი ცხოვრობდა. საოცარი სიზუსტითა და სიმკვეთრით პირველი მხატვრები ასახავდნენ ნადირობის სცენებს და ცხოველთა ჩვევებს. ასე გაჩნდა კედელზე საღებავების გამოსახვის ხელოვნება, რომელსაც მონუმენტური მხატვრობისთვის დამახასიათებელი ნიშნები ჰქონდა.
მონუმენტური მხატვრობის ორი ძირითადი სახეობა არსებობს - ფრესკა და მოზაიკა.
ფრესკო არის ხატვის ტექნიკა სუფთა, ნესტიან თაბაშირზე სუფთა ან კირის წყლით განზავებული საღებავებით.
მოზაიკა - ქვის, სლატის, კერამიკული ფილების ერთგვაროვანი ან განსხვავებული ნაწილაკებისგან დამზადებული გამოსახულება, რომლებიც ფიქსირდება ნიადაგის ფენაში - კირის ან ცემენტის.
ფრესკა და მოზაიკა მონუმენტური ხელოვნების ძირითადი სახეობებია, რომლებიც გამძლეობისა და ფერთა მდგრადობის გამო გამოიყენება არქიტექტურული მოცულობებისა და სიბრტყეების გასაფორმებლად (კედლის მხატვრობა, პლაფონები, პანელები).
დაზგური მხატვრობა (სურათი) აქვს დამოუკიდებელი ხასიათი და მნიშვნელობა. რეალური ცხოვრების გაშუქების სიგანე და სისრულე აისახება დაზგური მხატვრობისთვის დამახასიათებელი სახეობებისა და ჟანრების მრავალფეროვნებაში: პორტრეტი, პეიზაჟი, ნატურმორტი, ყოველდღიური ცხოვრება, ისტორიული, საბრძოლო ჟანრები.
მონუმენტური დაზგური მხატვრობისგან განსხვავებით, იგი არ არის დაკავშირებული კედლის სიბრტყესთან და თავისუფლად შეიძლება გამოიფინოს.
დაზგური ხელოვნების ნიმუშების იდეოლოგიური და მხატვრული მნიშვნელობა არ იცვლება იმის მიხედვით, თუ სად მდებარეობს ისინი, თუმცა მათი მხატვრული ჟღერადობა დამოკიდებულია ექსპოზიციის პირობებზე.
მხატვრობის დასახელებული სახეობების გარდა, არის დეკორატიული - თეატრალური დეკორაციის, დეკორაციისა და კინოს კოსტიუმების ესკიზები, ასევე მინიატურები და იკონოგრაფია.
ხელოვნების მინიატურული ან მონუმენტური ნაწარმოების შესაქმნელად (მაგალითად, ნახატი კედელზე), მხატვარმა უნდა იცოდეს არა მხოლოდ საგნების კონსტრუქციული არსი, მათი მოცულობა, მატერიალურობა, არამედ ფერწერული წარმოდგენის წესები და კანონები. ბუნება, ფერის, ფერის ჰარმონია.

ბუნების ფერწერული წარმოდგენისას აუცილებელია გავითვალისწინოთ არა მხოლოდ ფერების მრავალფეროვნება, არამედ მათი ერთიანობა, რომელიც განისაზღვრება სინათლის წყაროს სიძლიერითა და ფერით. არც ერთი ფერის ლაქა არ უნდა იყოს შეტანილი გამოსახულებაში მისი საერთო ფერის მდგომარეობასთან ჰარმონიზაციის გარეშე. თითოეული ობიექტის ფერი, როგორც შუქზე, ასევე ჩრდილში, უნდა იყოს დაკავშირებული მთლიან ფერთან. თუ გამოსახულების ფერები არ გადმოსცემს განათების ფერის გავლენას, ისინი არ ექვემდებარება ერთი ფერის დიაპაზონს. ასეთ გამოსახულებაში, თითოეული ფერი გამოირჩევა, როგორც რაღაც გარე და უცხო მოცემული განათების მდგომარეობისთვის; ის შემთხვევით გამოჩნდება და გაანადგურებს გამოსახულების ფერთა მთლიანობას.
ამრიგად, ფერების ბუნებრივი ფერის ერთიანობა განათების ზოგადი ფერით არის სურათის ჰარმონიული ფერის სქემის შექმნის საფუძველი.
ფერი ერთ-ერთი ყველაზე გამომხატველი საშუალებაა, რომელიც გამოიყენება ფერწერაში. მხატვარი თვითმფრინავში გადმოსცემს ნანახის ფერად სიმდიდრეს, ფერის ფორმის დახმარებით ცნობს და ასახავს მის გარშემო არსებულ სამყაროს. ბუნების გამოსახვის პროცესში ვითარდება ფერისა და მისი მრავალფეროვნების გრძნობა, რაც შესაძლებელს ხდის საღებავების გამოყენებას, როგორც ფერწერის ძირითად გამომხატველ საშუალებას.
ფერის აღქმა და მხატვრის თვალს შეუძლია განასხვავოს მისი 200-ზე მეტი ჩრდილი, შეიძლება იყოს ერთ-ერთი ყველაზე ბედნიერი თვისება, რომლითაც ბუნებამ დააჯილდოვა ადამიანი.
იცოდა კონტრასტის კანონები, მხატვარი ხელმძღვანელობს გამოსახული ბუნების ფერთა იმ ცვლილებებით, რასაც ზოგ შემთხვევაში თვალი თითქმის არ აქცევს. ფერის აღქმა დამოკიდებულია გარემოზე, რომელშიც ობიექტი მდებარეობს. მაშასადამე, მხატვარი ბუნების ფერის გადმოცემისას ფერებს ადარებს ერთმანეთს, აღწევს იმას, რომ ისინი აღიქმება ურთიერთკავშირში თუ ურთიერთკავშირში.
„შუქისა და ჩრდილის თანაფარდობის მიღება“ ნიშნავს ფერებს შორის განსხვავების შენარჩუნებას სიმსუბუქეში, გაჯერებასა და შეფერილობაში, ბუნებაში მისი ადგილის შესაბამისად.
კონტრასტი (როგორც მსუბუქი, ასევე ფერი) განსაკუთრებით შესამჩნევია მიმდებარე ფერის ლაქების კიდეებზე. კონტრასტული ფერების საზღვრების დაბინდვა აძლიერებს ეფექტს ფერის კონტრასტი, და ლაქების საზღვრების სიმკვეთრე ამცირებს მას. ამ კანონების ცოდნა აფართოებს ფერწერის ტექნიკურ შესაძლებლობებს, საშუალებას აძლევს მხატვარს გამოიყენოს კონტრასტი საღებავების ფერის ინტენსივობის გასაზრდელად, გაზარდოს მათი გაჯერება, გაზარდოს ან შეამციროს მათი სიმსუბუქე, რაც ამდიდრებს მხატვრის პალიტრას. ასე რომ, ნარევების გამოყენების გარეშე, მაგრამ მხოლოდ თბილი და ცივი ფერების კონტრასტული კომბინაციების გარეშე, შეგიძლიათ მიაღწიოთ ნახატის განსაკუთრებულ კოლორისტულ ჟღერადობას.

- ეს არის სახვითი ხელოვნების ერთ-ერთი მთავარი სახეობა; არის ობიექტური სამყაროს მხატვრული წარმოდგენა ზედაპირზე ფერადი საღებავებით. მხატვრობა იყოფა: დაზგური, მონუმენტური და დეკორატიული.

- ძირითადად წარმოდგენილია შესრულებული სამუშაოებით ზეთის საღებავებიტილოზე (მუყაო, ხის ფიცრებიან შიშველი). ეს არის ფერწერის ყველაზე პოპულარული ფორმა. ეს არის ეს ფორმა, რომელიც ჩვეულებრივ გამოიყენება ტერმინზე " ფერწერა".

არის კედლებზე ნახატის ტექნიკა შენობების დიზაინში და შენობებში არქიტექტურული ელემენტები. განსაკუთრებით გავრცელებულია ევროპაში ფრესკა - მონუმენტური მხატვრობა სველ თაბაშირზე წყალში ხსნადი საღებავებით. ხატვის ეს ტექნიკა კარგად იყო ცნობილი უძველესი დროიდან. მოგვიანებით ეს ტექნიკა გამოიყენეს მრავალი ქრისტიანული რელიგიური ტაძრისა და მათი სარდაფის დიზაინში.

დეკორატიული ფერწერა - (ლათინური სიტყვიდან decoro - გაფორმება) არის გამოსახულების ხატვისა და გამოყენების საშუალება საგნებსა და ინტერიერის დეტალებზე, კედლებზე, ავეჯზე და სხვა დეკორატიულ ნივთებზე. ეხება ხელოვნებას და ხელნაკეთობას.

ფერწერული ხელოვნების შესაძლებლობებს განსაკუთრებით ნათლად ავლენს დაზგური მხატვრობა XV საუკუნიდან, ზეთის საღებავების მასობრივი გამოყენების მომენტიდან. სწორედ მასშია შესაძლებელი შინაარსის განსაკუთრებული მრავალფეროვნება და ფორმის ღრმა დამუშავება. ფერწერული მხატვრული საშუალებების გულში არის ფერები (ფერების შესაძლებლობები), ქიაროსკუროს განუყოფელ ერთობაში და ხაზთან; ფერი და chiaroscuro შემუშავებულია და განვითარებულია ფერწერის ტექნიკით სისავსითა და სიკაშკაშეთ, რომელიც მიუწვდომელია ხელოვნების სხვა ფორმებისთვის. ეს არის რეალისტური მხატვრობის თანდაყოლილი მოცულობითი და სივრცითი მოდელირების სრულყოფის მიზეზი, რეალობის ცოცხალი და ზუსტი გადმოცემა, მხატვრის მიერ ჩაფიქრებული ნაკვეთების რეალიზების შესაძლებლობა (და კომპოზიციების აგების მეთოდები) და სხვა ფერწერული ღირსებები.

ფერწერის სახეობებში განსხვავებების კიდევ ერთი განსხვავებაა საღებავების ტიპების მიხედვით შესრულების ტექნიკა. ყოველთვის არ არის საკმარისი საერთო მახასიათებლების დასადგენად. ზღვარი ფერწერასა და გრაფიკას შორის თითოეულ ცალკეულ შემთხვევაში: მაგალითად, აკვარელით ან პასტელით შესრულებული ნამუშევრები შეიძლება მიეკუთვნებოდეს ორივე სფეროს, მხატვრის მიდგომიდან და მისთვის დაკისრებული ამოცანებიდან გამომდინარე. მიუხედავად იმისა, რომ ქაღალდზე ნახატები დაკავშირებულია გრაფიკასთან, ფერწერის სხვადასხვა ტექნიკის გამოყენება ხანდახან ბუნდოვნებს განსხვავებას ფერწერასა და გრაფიკას შორის.

გასათვალისწინებელია, რომ თავად სემანტიკური ტერმინი „მხატვრობა“ რუსული ენის სიტყვაა. იგი გამოყენებული იქნა როგორც ტერმინი რუსეთში სახვითი ხელოვნების ფორმირებისას ბაროკოს ეპოქაში. იმ დროს სიტყვა "ფერწერა" გამოიყენებოდა მხოლოდ საღებავებით რეალისტური გამოსახულების გარკვეულ სახეობაზე. მაგრამ თავდაპირველად იგი მომდინარეობს ეკლესიის ხატწერის ტექნიკიდან, რომელიც იყენებს სიტყვას "წერე" (მწერლობას გულისხმობს), რადგან ეს სიტყვა არის ბერძნული ტექსტების მნიშვნელობის თარგმანი (აქ არის ასეთი "თარგმანის სირთულეები"). რუსეთში საკუთარი სამხატვრო სკოლის განვითარებამ და ევროპული აკადემიური ცოდნის მემკვიდრეობამ ხელოვნების სფეროში, განავითარა რუსული სიტყვის "ფერწერა" ფარგლები, ჩაწერა იგი საგანმანათლებლო ტერმინოლოგიასა და ლიტერატურულ ენაში. მაგრამ რუსულ ენაში ჩამოყალიბდა ზმნის "წერის" მნიშვნელობის თავისებურება ნახატების წერასა და ხატვასთან დაკავშირებით.

ფერწერის ჟანრები

სახვითი ხელოვნების განვითარების პროცესში ჩამოყალიბდა ფერწერის რამდენიმე კლასიკური ჟანრი, რომლებმაც შეიძინეს საკუთარი მახასიათებლები და წესები.

პორტრეტი- ეს არის ადამიანის რეალისტური გამოსახულება, რომელშიც მხატვარი ცდილობს მიაღწიოს ორიგინალთან მსგავსებას. ფერწერის ერთ-ერთი ყველაზე პოპულარული ჟანრი. კლიენტების უმეტესობა იყენებდა მხატვრების ნიჭს საკუთარი იმიჯის გასამყარებლად ან იმიჯის მიღების სურვილით საყვარელი ადამიანი, ნათესავი და ა.შ. მომხმარებლები ცდილობდნენ მოეპოვებინათ პორტრეტის მსგავსება (ან თუნდაც მისი გალამაზება), რომელიც ისტორიაში ვიზუალური განსახიერება დატოვა. პორტრეტები სხვადასხვა სტილისხელოვნების მუზეუმებისა და კერძო კოლექციების უმეტესობის ექსპოზიციის ყველაზე მასიური ნაწილია. ეს ჟანრი ასევე მოიცავს ისეთ პორტრეტს, როგორიცაა ავტოპორტრეტი - თავად მხატვრის გამოსახულება, დაწერილი მის მიერ.

პეიზაჟი- ერთ-ერთი პოპულარული ფერწერული ჟანრი, რომელშიც მხატვარი ცდილობს აჩვენოს ბუნება, მისი სილამაზე თუ თავისებურება. Განსხვავებული სახეობებიბუნება (სეზონის განწყობა და ამინდი) ცოცხალ ემოციურ გავლენას ახდენს ნებისმიერ მაყურებელზე - ეს არის ადამიანის ფსიქოლოგიური თვისება. პეიზაჟებიდან ემოციური შთაბეჭდილების მიღების სურვილმა ეს ჟანრი მხატვრულ შემოქმედებაში ერთ-ერთი ყველაზე პოპულარული გახადა.

- ეს ჟანრი მრავალი თვალსაზრისით ჰგავს ლანდშაფტს, მაგრამ აქვს მთავარი მახასიათებელი: ნახატები ასახავს პეიზაჟებს არქიტექტურული ობიექტების, შენობების ან ქალაქების მონაწილეობით. განსაკუთრებული მიმართულებაა ქალაქების ქუჩების ხედები, რომლებიც გადმოსცემენ ადგილის ატმოსფეროს. ამ ჟანრის კიდევ ერთი მიმართულებაა კონკრეტული შენობის არქიტექტურის მშვენიერების გამოსახულება - მისი გარეგნობა ან მისი ინტერიერის გამოსახულება.

- ჟანრი, რომელშიც არის ნახატების მთავარი სიუჟეტი ისტორიული მოვლენაან მისი ინტერპრეტაცია მხატვრის მიერ. საინტერესოა, რომ ეს ჟანრი მოიცავს უამრავ ნახატს ბიბლიურ თემაზე. მას შემდეგ, რაც შუა საუკუნეებში ბიბლიური სცენები ითვლებოდა "ისტორიულ" მოვლენებად და ეკლესია იყო ამ ნახატების მთავარი მომხმარებელი. „ისტორიული“ ბიბლიური სცენები წარმოდგენილია მხატვრების უმეტესობის შემოქმედებაში. ისტორიული მხატვრობის ხელახალი დაბადება ხდება ნეოკლასიციზმის დროს, როდესაც მხატვრები მიმართავენ ცნობილ ისტორიულ შეთქმულებებს, მოვლენებს ანტიკურ ან ეროვნულ ლეგენდებს.

- ასახავს ომებისა და ბრძოლების სცენებს. მახასიათებელია არა მხოლოდ ისტორიული მოვლენის ასახვის სურვილი, არამედ მაყურებლისთვის გმირობისა და გმირობის ემოციური ამაღლება. შემდგომში ეს ჟანრიც ხდება პოლიტიკური, რაც საშუალებას აძლევს მხატვარს მაყურებელს მიაწოდოს თავისი შეხედულება (მისი დამოკიდებულება) იმაზე, რაც ხდება. ვ. ვერეშჩაგინის შემოქმედებაში ვხვდებით პოლიტიკური აქცენტის და მხატვრის ნიჭის სიძლიერის მსგავს ეფექტს.

- ეს არის მხატვრობის ჟანრი უსულო საგნების კომპოზიციებით, ყვავილების, პროდუქტების, ჭურჭლის გამოყენებით. ეს ჟანრი არის ერთ-ერთი უახლესი და ჩამოყალიბდა ჰოლანდიური სკოლაფერწერა. შესაძლოა მისი გარეგნობა ჰოლანდიური სკოლის თავისებურებითაა განპირობებული. მე-17 საუკუნის ეკონომიკურმა აყვავებამ ჰოლანდიაში გამოიწვია მოსახლეობის მნიშვნელოვან რაოდენობაში ხელმისაწვდომი ფუფუნების (ნახატების) სურვილი. ამ ვითარებამ მიიპყრო ჰოლანდიაში მხატვრების დიდი რაოდენობა, რამაც გამოიწვია მათ შორის ინტენსიური კონკურენცია. მოდელები და სახელოსნოები (ადამიანები შესაბამის ტანსაცმელში) არ იყო ხელმისაწვდომი ღარიბი მხატვრებისთვის. გასაყიდად ხატავდნენ ნახატებს, იყენებდნენ იმპროვიზებულ საშუალებებს (ობიექტებს) ნახატების შესაქმნელად. ჰოლანდიური სკოლის ისტორიაში არსებული ვითარება არის ჟანრული მხატვრობის განვითარების მიზეზი.

ჟანრული მხატვრობა - ნახატების სიუჟეტი არის ყოველდღიური ცხოვრების ან არდადეგების ყოველდღიური სცენები, ჩვეულებრივ მონაწილეობით ჩვეულებრივი ხალხი. ისევე როგორც ნატურმორტი, იგი ფართოდ გავრცელდა მე-17 საუკუნეში ჰოლანდიის მხატვრებში. რომანტიზმისა და ნეოკლასიციზმის პერიოდში ეს ჟანრი ახალ დაბადებას იღებს, ნახატები არა იმდენად ასახავს ყოველდღიურ ცხოვრებას, რამდენადაც მის რომანტიზებას, სიუჟეტში გარკვეული მნიშვნელობის ან მორალის შეტანას.

მარინა- ლანდშაფტის სახეობა, რომელიც ასახავს ზღვის ხედებს, სანაპირო პეიზაჟებს ზღვის ხედით, მზის ამოსვლას და ჩასვლას ზღვაზე, გემებზე ან თუნდაც საზღვაო ბრძოლებზე. მართალია ცალკე საბრძოლო ჟანრი არსებობს, მაგრამ საზღვაო ბრძოლები მაინც მარინას ჟანრს მიეკუთვნება. ამ ჟანრის განვითარება და პოპულარიზაცია მე-17 საუკუნის ჰოლანდიურ სკოლასაც შეიძლება მივაწეროთ. აივაზოვსკის მოღვაწეობის წყალობით რუსეთში პოპულარული იყო.

- ამ ჟანრის მახასიათებელია რეალისტური ნახატების შექმნა ცხოველებისა და ფრინველების სილამაზის ამსახველი. Ერთ - ერთი საინტერესო თვისებებიეს ჟანრი არის არარსებული ან მითიური ცხოველების ამსახველი ნახატების არსებობა. მხატვრები, რომლებიც სპეციალიზირებულნი არიან ცხოველების გამოსახულებებში, ე ცხოველებისტები.

ფერწერის ისტორია

რეალისტური გამოსახულების საჭიროება არსებობდა უძველესი დროიდან, მაგრამ ჰქონდა მთელი რიგი უარყოფითი მხარეები ტექნოლოგიების, სისტემატური სკოლისა და განათლების ნაკლებობის გამო. ძველ დროში ხშირად შეგიძლიათ იპოვოთ გამოყენებითი და მონუმენტური მხატვრობის მაგალითები თაბაშირზე მოხატვის ტექნიკით. ანტიკურ ხანაში მეტი მნიშვნელობა ენიჭებოდა შემსრულებლის ნიჭს, მხატვრებს შეზღუდული ჰქონდათ საღებავების დამზადების ტექნოლოგია და სისტემატური განათლების მიღების შესაძლებლობა. მაგრამ უკვე ანტიკურ ხანაში ჩამოყალიბდა სპეციალიზებული ცოდნა და ნაშრომები (ვიტრუვიუსი), რომელიც იქნება ახალი აყვავების საფუძველი. ევროპული ხელოვნებარენესანსის დროს. დეკორატიულმა მხატვრობამ მნიშვნელოვანი განვითარება მიიღო ბერძნულ და რომაულ ანტიკურ ხანაში (სკოლა დაიკარგა შუა საუკუნეებში), რომლის დონეს მხოლოდ მე-15 საუკუნის შემდეგ მიაღწია.

რომაული ფრესკის მხატვრობა (პომპეი, ძვ. წ. 1-ლი საუკუნე), უძველესი მხატვრობის ხელოვნების მაგალითი:

შუა საუკუნეების "ბნელი საუკუნეები", მებრძოლი ქრისტიანობა და ინკვიზიცია იწვევს ანტიკურობის მხატვრული მემკვიდრეობის შესწავლის აკრძალვას. უძველესი ოსტატების დიდი გამოცდილება, ცოდნა პროპორციების, კომპოზიციის, არქიტექტურისა და ქანდაკების სფეროში აკრძალულია და მრავალი მხატვრული საგანძური განადგურებულია უძველესი ღვთაებებისადმი მიძღვნის გამო. ევროპაში ხელოვნებისა და მეცნიერების ღირებულებების დაბრუნება მხოლოდ რენესანსის (აღორძინების) დროს ხდება.

ადრეული რენესანსის (აღორძინების) მხატვრებს უნდა დაეწიონ და აღადგინონ ძველი მხატვრების მიღწევები და დონე. რითაც აღფრთოვანებული ვართ მხატვრების ნამუშევრებში ადრეული რენესანსი, იყო რომის ოსტატების დონე. ევროპული ხელოვნების (და ცივილიზაციის) განვითარების რამდენიმე საუკუნის დაკარგვის ნათელი მაგალითი შუა საუკუნეების, მებრძოლი ქრისტიანობისა და ინკვიზიციის "ბნელ საუკუნეებში" - განსხვავება ამ 14 საუკუნის ნახატებს შორის!

მე-15 საუკუნეში ზეთის საღებავების დამზადების ტექნოლოგიის და მათთან ხატვის ტექნიკის გაჩენამ და გავრცელებამ საფუძველი ჩაუყარა დაზგური მხატვრობის განვითარებას და მხატვრის განსაკუთრებული სახეობის - ფერადი ზეთის ნახატები პრიმიტირებულ ტილოზე ან ხეზე.

ფერწერამ მიიღო უზარმაზარი ნახტომი ხარისხობრივ განვითარებაში რენესანსში, მეტწილად ლეონ ბატისტა ალბერტის (1404-1472) მოღვაწეობის გამო. მან პირველად ჩამოაყალიბა პერსპექტივის საფუძვლები ფერწერაში (ტრაქტატი „მხატვრობის შესახებ“ 1436 წ.). მას (მის ნაშრომს სამეცნიერო ცოდნის სისტემატიზაციაზე) ევროპული სამხატვრო სკოლა ევალება მხატვრების ნახატებში რეალისტური პერსპექტივისა და ბუნებრივი პროპორციების გამოჩენას (აღორძინებას). ლეონარდო და ვინჩის ცნობილი და ნაცნობი ნახატი "ვიტრუვიანი კაცი"(ადამიანის პროპორციები) 1493 წ., მიძღვნილი სისტემატიზაციას უძველესი ცოდნავიტრუვიუსი პროპორციებისა და კომპოზიციების შესახებ, ლეონარდოს მიერ შეიქმნა ალბერტის ტრაქტატი ფერწერის შესახებ ნახევარი საუკუნის შემდეგ. და ლეონარდოს შემოქმედება არის რენესანსის ევროპული (იტალიური) ხელოვნების სკოლის განვითარების გაგრძელება.

მაგრამ მხატვრობამ მიიღო ნათელი და მასიური განვითარება, დაწყებული 16-17 საუკუნეებიდან, როდესაც გავრცელდა ზეთის მხატვრობის ტექნიკა, გამოჩნდა საღებავების დამზადების სხვადასხვა ტექნოლოგია და ჩამოყალიბდა ფერწერის სკოლები. სწორედ ცოდნისა და მხატვრული განათლების სისტემა (ხატვის ტექნიკა), შერწყმულია არისტოკრატიისა და მონარქების ხელოვნების ნიმუშების მოთხოვნით, განაპირობებს სახვითი ხელოვნების სწრაფ აყვავებას ევროპაში (ბაროკოს პერიოდი).

ევროპული მონარქიების, არისტოკრატიისა და მეწარმეების შეუზღუდავი ფინანსური შესაძლებლობები შესანიშნავი საფუძველი გახდა. შემდგომი განვითარებამხატვრობა მე-17-19 საუკუნეებში. ეკლესიის გავლენისა და საერო ცხოვრების შესუსტებამ (პროტესტანტიზმის განვითარებით გამრავლებული) საშუალება მისცა ფერწერის მრავალი საგნის, სტილისა და ტენდენციის დაბადებას (ბაროკო და როკოკო).

სახვითი ხელოვნების განვითარების პროცესში მხატვრებმა ჩამოაყალიბეს მრავალი სტილი და ტექნიკა, რაც იწვევს უმაღლესი დონერეალიზმი ნამუშევრებში. XIX საუკუნის ბოლოს (მოდერნისტული ტენდენციების მოსვლასთან ერთად) საინტერესო გარდაქმნები დაიწყო ფერწერაში. სამხატვრო განათლების ხელმისაწვდომობა, მასიური კონკურენცია და საზოგადოების (და მყიდველების) მხრიდან ხელოვანთა უნარებისადმი მაღალი მოთხოვნები წარმოშობს ახალ მიმართულებებს გამოხატვის ხერხებში. სახვითი ხელოვნება აღარ შემოიფარგლება მხოლოდ შესრულების ტექნიკის დონით, მხატვრები ცდილობენ ნამუშევრებში შეიყვანონ განსაკუთრებული მნიშვნელობები, „გამოხედვის“ გზები და ფილოსოფია. ის, რაც ხშირად მიდის შესრულების დონის საზიანოდ, ხდება სპეკულაცია ან აღმაშფოთებელი გზა. გაჩენილი სტილის მრავალფეროვნება, ცოცხალი დისკუსიები და სკანდალებიც კი იწვევს ინტერესის განვითარებას ფერწერის ახალი ფორმების მიმართ.

თანამედროვე კომპიუტერული (ციფრული) ხატვის ტექნოლოგიები დაკავშირებულია გრაფიკასთან და არ შეიძლება ეწოდოს ფერწერა, თუმცა ბევრია კომპიუტერული პროგრამებიდა აღჭურვილობა საშუალებას გაძლევთ მთლიანად გაიმეოროთ ნებისმიერი ფერწერის ტექნიკა საღებავებით.

ფერწერის სტილები - თემა ძალიან ვრცელია, შეიძლება ითქვას მარადიული. ადამიანები ხშირად იყენებენ ტერმინებს, რომლებიც მათ არ ესმით სწორად, ამის გამო ხდება დაბნეულობა და დაბნეულობა. სწორედ ამიტომ, მინდა მოკლედ და გარკვევით გითხრათ ყველაფერი, რაც ვიცი ფერწერის ტენდენციების შესახებ. იმისათვის, რომ სტატია ისტორიის მოსაწყენ გაკვეთილად არ იქცეს, მოკლედ ვისაუბრებ დღეს ყველაზე პოპულარულ და აქტუალურ სფეროებზე. ხატვის სტილები ილუსტრაციებით - მოსახერხებელი და სწრაფი გზა ვიზუალური ხელოვნების უმნიშვნელოვანესი ტენდენციების გასაცნობად.

გოთური

"მეროდების ოჯახის საკურთხეველი". რობერტ კემპინი. 1430-იანი წლები.

გოთური- ეს არის ხელოვნების ტენდენცია, რომელმაც მოიცვა დასავლეთ და ცენტრალური ევროპის ყველა ქვეყანა. მაშინ გოთიკა იყო ყველაფერში - ქანდაკებაში, ფერწერაში, ვიტრაჟში და ა.შ. მას იყენებდნენ სადაც შესაძლებელი იყო, იყო „კულტურული ბუმი“. ასეთი პოპულარობა განპირობებულია შუა საუკუნეების ხელოვნების ევოლუციის ბოლო საფეხურით. ცენტრი და მთავარი ფიგურანტი გოთური სტილიიყო არქიტექტურა - მაღალი თაღები, ფერადი ვიტრაჟები, ბევრი დეტალი. რომაულმა ეპოქამ ვერ გაუძლო ასეთ შემოტევას და დარჩა ისტორიის მიღმა.

წლები: 1150 - 1450 წლები.
ბარტოლო დი ფრედი, ჯოტო, იან პოლაკი, იან ვან ეიკი.

რენესანსი (რენესანსი)

"მონანიებული მარიამ მაგდალინელი". ტიციანი. 1560-იანი წლები.

რენესანსიწარმოიშვა ბიზანტიის იმპერიის დაცემისა და კულტურული არეულობის საფუძველზე, რომელიც ამ დროს მოხდა ევროპაში. ბიზანტიელები, რომლებიც იძულებულნი იყვნენ გაქცეულიყვნენ, თან კულტურული კავშირები, ევროპის მიწებზე ხელოვნების ნიმუშები და ბიბლიოთეკები ჩამოიტანა. ამრიგად, მოხდა უძველესი შეხედულებების ერთგვარი აღორძინება, მაგრამ თანამედროვე გზით. წლების განმავლობაში ბევრი პუნქტი გადაიხედა და კითხვის ნიშნის ქვეშ დგას. საერთოდ, საერო ჰუმანიზმი და კეთილდღეობის იდეები მეფობდა.

წლები: 1400 - 1600 წლები.
იერონიმუს ბოში, ლეონარდო და ვინჩი, ტიციანი.

ბაროკოს

"ჯუდიტი და ჰოლოფერნე". კარავაჯო. 1599 წ.

ბაროკოს- ევროპული კულტურული მემკვიდრეობა იტალიიდან მოდის. ის ახასიათებს ირონიულ მანკიერ სილამაზეს, არაბუნებრივი ელიტარულობას და პრეტენზიულობას. ასეთი ნახატების დამახასიათებელი ნიშნებია მაღალი კონტრასტი, სიუჟეტის დაძაბულობა, ზღვრამდე გადაჭიმული პერსონაჟების დინამიკა. ბაროკოს კვინტესენციად ითვლება სანტა მარია დელა ვიტორიას ეკლესია, ის რომში მდებარეობს.

წლები: 1600-1740 წწ.
კარავაჯო, რემბრანდტი, რუბენსი, იან ვერმეერი.

კლასიციზმი

"სციპიონ აფრიკელის წყალობა". პომპეო ბატონი. 1772 წ.

კლასიციზმიუდიდესი როლი ითამაშა ხელოვნებაში, როგორც XVIII საუკუნის მხატვრობის ფუნდამენტური ტენდენცია. თავად სახელიდან ყველაფერი ირკვევა (ლათინური classicus ნიშნავს სამაგალითო, სამაგალითო).
მხატვრებმა მიზნად დაისახეს მნახველის მაღალზე მიმაგრება და მათი ნახატები იყო მეგზური ვარსკვლავი. კლასიციზმის საფუძველი გახდა მაღალი მორალი, თავშეკავებული კულტურა და ტრადიციული უძველესი ღირებულებები. ევროპაში კლასიციზმის ეპოქაში იყო კულტურული ზრდა და ღირებულებების გადაფასება, ხელოვნებამ სულ სხვა დონემდე მიაღწია.

წლები: 1700 - 1800 წლები.
კარლ ბრაილოვი, ჟან-ბატისტ გრუზი, ნიკოლას პუსენი.

რეალიზმი

"მოხეტიალე აკრობატები". გუსტავ დორე. 1874 წ

რეალიზმიუდიდესი დარწმუნებით ცდილობს ტილოზე გადმოსცეს მომენტის განწყობა, რეალობის მომენტი. მაგრამ, თავის მხრივ, ის არ შემოიფარგლება მკაფიო საზღვრებით, მხოლოდ წესებია ის, რომ სურათში ადგილი არ უნდა იყოს ისეთი რამ, რაც გამორიცხავს რეალიზმს. ექსპერიმენტების დროს, ქვეშ 18-ის ბოლოსსაუკუნეში, ეს სტილი იყოფა ნატურალიზმად და იმპრესიონიზმად. მაგრამ, რეალიზმმა შეძლო გადარჩენა და ის პოპულარულია თანამედროვე მხატვრობაშიც კი.

წლები: 1800 - 1880 წლები.
უილიამ ბუგერო, გუსტავ კურბე, ჟან-ფრანსუა მილე.

იმპრესიონიზმი

„შთაბეჭდილება. Ამომავალი მზე". კლოდ მონე. 1872 წ

იმპრესიონიზმიწარმოიშვა საფრანგეთში, ეს კონცეფცია შემოიღო ლუი ლეროიმ. იმპრესიონისტებს, რომლებიც მუშაობდნენ ამ სტილში, სურდათ ყოველი საგნიდან თუ მომენტიდან მეორე შთაბეჭდილების დაჭერა, ისინი ხატავდნენ აქ და ახლა, განურჩევლად ფორმისა და მნიშვნელობისა. სურათებში ნაჩვენები იყო განსაკუთრებული პოზიტიური და ნათელი მომენტები და მომენტები. მაგრამ მოგვიანებით, ამის საფუძველზე იმპრესიონისტებს შორის უთანხმოება დაიწყო, დროთა განმავლობაში გამოჩნდნენ ოსტატები, რომლებსაც შეეძლოთ შთაბეჭდილების მოხდენა. სოციალური პრობლემებიშიმშილი, დაავადება. თუმცა, იმპრესიონიზმი არის მხატვრობის კეთილი და პოზიტიური სტილი, რომელიც აჩვენებს კარგ და ნათელ მომენტებს.

წლები: 1860 - 1920 წწ.
კლოდ მონე, ედუარ მანე, ედგარ დეგა.

პოსტიმპრესიონიზმი

"ავტოპორტრეტი რუხი თექის ქუდში III". Ვინსენტ ვან გოგი. 1887 წ

პოსტიმპრესიონიზმიჩართულია მრავალი განსხვავებული სტილი და ტექნიკა. ევროპელმა ოსტატებმა მხატვრობაზე ახალი ხედვით წარმოშვა ახალი ტენდენციები და აქტიურად ცდილობდნენ თავი დაეღწიათ იმპრესიონიზმისა და რეალიზმისგან, რომელიც მაშინ მოსაწყენი იყო.

წლები: 1880 - 1920 წწ.
ვინსენტ ვან გოგი, პოლ გოგენი, როდერიკ ო'კონორი.

პოინტილიზმი

რიო სან ტროვასო. ვენეცია". ჰენრი ედმონდ კროსი. 1904 წ

პოინტილიზმი(წერტილი - წერტილი) - სტილისტური მიმართულება ფერწერაში, რომელიც იგივე იმპრესიონიზმია, მხოლოდ განსხვავებულ გარსში. დაკბილული შტრიხების ნაცვლად გამოიყენებოდა წერტილოვანი ან მართკუთხა ფორმები. ასევე, მხატვრებმა უარი თქვეს პალიტრაზე ფერების შერევაზე, სამაგიეროდ, ტილოზე სუფთა ფერები იყო გადატანილი და უშუალოდ ტილოზე ერთმანეთს შეხების გარეშე ურევდნენ.

წლები: 1885 - 1930 წწ.
ჰენრი ედმონდ კროსი, ჟორჟ სეურა, პოლ სინიაკი.

მოდერნიზმი

"პეპლები ახლოს". ოდილონ რედონი. 1910 წ

მოდერნიზმი 1850-1950-იანი წლების ფერწერაში ყველა ჟანრისა და სტილის საერთო მახასიათებელია. იგი მოიცავს ფერწერის ისეთ ტენდენციებს, როგორიცაა იმპრესიონიზმი, ექსპრესიონიზმი, ნეო- და პოსტიმპრესიონიზმი, ფოვიზმი, კუბიზმი, ფუტურიზმი, აბსტრაქტული ხელოვნება, დადაიზმი, სიურრეალიზმი და მრავალი სხვა. ამ სტილის არსებობა აღნიშნავს სახვითი ხელოვნების სრულ დაშორებას აკადემიზმიდან. აკადემიიდან წასვლის შემდეგ თითქმის შეუძლებელი გახდა თვალყური ადევნო ყველა ტენდენციასა და სტილს, რომელიც ჩამოყალიბდა და ყალიბდება.

წლები: 1850 - 1950 წლები.
სალვადორ დალი, კაზიმირ მალევიჩი, ოგიუსტ რენუარი და მრავალი სხვა.

აკადემიურობა

აკადემიურობა- მიმართულება ხელოვნებაში, რომელიც მიჰყვება ანტიკურობისა და რენესანსის წესებსა და წესებს. აკადემიზმი ცდილობს დააწესოს მკაფიო საფუძვლები და საზღვრები, გამორიცხავს ფანტაზიას და შემოქმედებით ფრენას. სამაგიეროდ, აქცენტი კეთდება ნაკლოვანებების, ბუნების „უხეშობის“ გაუმჯობესებაზე – დამალვაზე ან აღმოფხვრაზე. რეალობის გაუმჯობესება მშვენიერი აღქმის მიმართულებით არის აკადემიზმის არსი. ისტორიები ხშირად არის აღებული უძველესი მითოლოგია, ასევე გამოყენებულია ბიბლიური და ისტორიული მოტივები.

წლები: 1500 - დღეს.
კარლ ბრაილოვი, უილიამ ბუგერო, ფედორ ბრუნი.

პრიმიტივიზმი

"სამზარეულოში" ეპიფანიუს დროვნაკი. 1940 ~ წელი.

პრიმიტივიზმი- სურათის მიზანმიმართული გამარტივება იმდენად, რამდენადაც ის ბავშვის ნამუშევარი ჩანს. პრიმიტივიზმს შეიძლება მივაწეროთ სხვადასხვა ხალხური ნახატები და ილუსტრაციები. მხოლოდ ერთი შეხედვით, სურათები გამოიყურება მარტივი და სასაცილო. მაგრამ თუ ყურადღებით დააკვირდებით, ხედავთ სწორ პროპორციებს და შესაბამისობას ჰორიზონტისა და კომპოზიციის წესებთან. პრიმიტივიზმისა და გულუბრყვილო ხელოვნების ცნობილი ოსტატების უმეტესობა თავისი ხალხის ისტორიისა და კულტურის დიდი გულშემატკივარი იყო. ამიტომაც მათი ყველა ნახატი გაჯერებულია იმ ტერიტორიის ფერით, რომელშიც ისინი ცხოვრობდნენ. დღეს ეს ჟანრი გადაკეთდა გულუბრყვილო ხელოვნებად, ხშირად სიმბოლიზმის შერევით. ეს განპირობებულია იმით, რომ თანამედროვე მაყურებელი არ არის მზად პრიმიტივიზმის სუფთა სახით აღქმისთვის.

წლები: 1900 - დღეს.
ეპიფანე დროვნაკი, ანრი რუსო, ნიკო ფიროსმანიშვილი.

კუბიზმი

"მჯდომარე ქალი ლურჯ კაბაში." პაბლო პიკასო. 1939 წ

კუბიზმიარის მოდერნიზმის მიმართულება, რომელიც ხშირად გამოიყენება ფერწერასთან და სახვითი ხელოვნების. ოსტატებმა დაარღვიეს თავიანთი ნაკვეთები გეომეტრიულ ფორმებად, თითოეულ უნიკალურ ელემენტს მისცეს საკუთარი მკვრივი სექტორი.

წლები: 1906 - 1925 წწ.
პაბლო პიკასო, ფერნანდ ლეჟე, რობერტ დელონე.

სიურეალიზმი

"მეხსიერების მდგრადობა". სალვადორ დალი. 1931 წ

სიურრეალიზმი - სიზმრის შერევა რეალობასთან. ამ სტილში, მხატვრებმა გაათავისუფლეს თავიანთი ოცნებები გარედან, ერთმანეთში ურევდნენ სურათებს რეალური ცხოვრებიდან, აერთიანებდნენ შეუთავსებელს. ასევე, შეეხო სიზმრების პირად თემებს - შიშებს, ფარულ სურვილებს, არაცნობიერ ფანტაზიებს, კომპლექსებს. ყველაფერი, რისი ნახვაც ადამიანს სიზმარში შეუძლია. დღეს სიურეალისტები კოპირებენ გარე გარსს, მხოლოდ ლამაზ ფორმებს იყენებენ, მათში წარსულის ოსტატებისთვის დამახასიათებელი მნიშვნელობის ჩანერგვის გარეშე.

წლები: 1920 - დღეს.
სალვადორ დალი, მაქს ერნსტი, რენე მაგრიტი.

აბსტრაქციონიზმი

"ყვითელი წითელი ლურჯი" ვასილი კანდინსკი. 1925 წ

აბსტრაქციონიზმი- მიმართულება ხელოვნებაში, სადაც იყო რეალობის გამოსახულების უარყოფა და ფორმების სისწორე. მთავარი მიზანიშედგება მრავალი ფერადი ფორმის გამოსახვაში, რომლებიც ერთად შეიძლება თქვან სურათის სიუჟეტის შესახებ. აბსტრაქტული ხელოვნების სამშობლოდ რუსეთი და ამერიკა ითვლება.

წლები: 1910 - დღეს.
ვასილი კანდინსკი, კაზიმირ მალევიჩი, პიეტ მონდრიანი.

ექსპრესიონიზმი

"ყვირილი". ედვარდ მუნკი. 1893 წ

ექსპრესიონიზმიაყენებს საკუთარ თავს ერთ დავალებას, გადმოსცეს ის, რასაც სურათის ავტორი გრძნობდა მისი დაწერის დროს. ამ სტილის მხატვრებს სურთ გამოხატონ საკუთარი თავი და თავიანთი გრძნობები, რის გამოც ექსპრესიონიზმი იმპრესიონიზმის საპირისპიროა, რომელშიც აქცენტი კეთდება წმინდა გარე გარსის გამოხატვაზე. ექსპრესიონისტებს ახასიათებთ მიდრეკილება მისტიციზმის, პესიმიზმისა და სასოწარკვეთისკენ.

წლები: 1890 - დღეს.
ეგონ შილე, კარლ ევგენ კაელი, იერჟი ჰულევიჩი.

Პოპ არტი

"კოკა-კოლას მწვანე ბოთლები". ენდი უორჰოლი. 1962 წ

Პოპ არტი— თანამედროვე სტილი ხელოვნებაში, მასობრივი კულტურისა და სამომხმარებლო პროდუქტების სიმბოლოების გამოყენებით. თანამედროვე ტექნოლოგიები დაეხმარა ობიექტების მანიპულირებასა და კომბინირებას, ამის გამო პოპ-არტს ხშირად აკრიტიკებდნენ ძველი სკოლის მცველები. დროთა განმავლობაში პოპ-არტმა შთანთქა ფერწერის მრავალი ტენდენცია.

წლები: 1950 - 1980 წლები.
ენდი უორჰოლი, დევიდ ჰოკნი, რობერტ რაუშენბერგი.

მინიმალიზმი

გრან კაირო. ფრენკ სტელა. 1962 წ

მინიმალიზმიმინიმუმამდე უნდა დაიყვანოს ავტორის ჩარევა გარემოში. მინიმალიზმი ნიშნავს მხოლოდ ყველაზე მეტს მნიშვნელოვანი პუნქტები. სათავეები კონსტრუქტივიზმში, სუპრემატიზმს, დადაიზმშია. ეს არის ფერწერის ძალიან საკამათო ჟანრი, ამ სტილის ზოგიერთი ავტორის ზედმეტად მინიმალისტური შეხედულებების გამო. დღეს ფერწერის მინიმალისტური ტენდენციები ძალიან სწრაფად იცვლება.

წლები: 1960 - დღეს.
ფრენკ სტელა, კარლ ანდრე, სოლ ლევიტი.

ჰიპერრეალიზმი

"ხილი". ჟაკ ბოდენი. 2016 წელი

ჰიპერრეალიზმიგამოჩნდა ფოტოგრაფიის პოპულარიზაციასთან დაკავშირებით, მხატვრებისთვის საინტერესო იყო ფოტოგრაფებთან კონკურენცია. ჰიპერრეალისტები ქმნიან ალტერნატიულ რეალობას, რეალისტურ ილუზიას.

წლები: 1970 - დღეს.
გნოლი, გერჰარდ რიხტერი, დელკოლი.

ეს არის ყველა მიმართულება ფერწერაში

სულ ეს შემეძლო და მინდოდა მეთქვა ამ თემაზე 😉 სინამდვილეში, ფერწერის კიდევ ბევრი ტენდენციაა და ისინი უნებლიედ ვითარდებიან ფაქტიურად ყოველდღე. ამ სტატიაში მინდოდა მესაუბრა ყველაზე პოპულარულ და გავლენიანზე. თუ მოგეწონათ მასალა, გააზიარეთ სოციალურ ქსელებში, ერთად განვავითაროთ ხელოვნება. მადლობა ყველას მხარდაჭერისთვის!