იტალიელი მხატვრების სურათები 18. დიდი იტალიელი მხატვრები. მაღალი რენესანსის მხატვრები

იტალია არის ქვეყანა, რომელიც ყოველთვის განთქმული იყო თავისი მხატვრებით. დიდი ოსტატები, რომლებიც ოდესღაც იტალიაში ცხოვრობდნენ, განადიდებდნენ ხელოვნებას მთელ მსოფლიოში. ჩვენ შეგვიძლია დარწმუნებით ვთქვათ, რომ რომ არა იტალიელი მხატვრები, მოქანდაკეები და არქიტექტორები, დღეს სამყარო სულ სხვაგვარად გამოიყურებოდა. რა თქმა უნდა, ყველაზე მნიშვნელოვანი იტალიურ ხელოვნებაში ითვლება. რენესანსის ან რენესანსის ეპოქაში იტალიამ მიაღწია უპრეცედენტო აღმასვლას და ყვავილობას. ნიჭიერი მხატვრები, მოქანდაკეები, გამომგონებლები, ნამდვილი გენიოსები, რომლებიც იმ დღეებში გამოჩნდნენ, ჯერ კიდევ ყველა სკოლის მოსწავლემ იცის. მათი ხელოვნება, შემოქმედება, იდეები, განვითარება დღეს კლასიკად ითვლება, რომლის საფუძველია მსოფლიო ხელოვნება და კულტურა.

იტალიური რენესანსის ერთ -ერთი ყველაზე ცნობილი გენიოსი, რა თქმა უნდა, დიდია ლეონარდო და ვინჩი(1452-1519). და ვინჩი იმდენად ნიჭიერი იყო, რომ მან მიაღწია დიდ წარმატებებს საქმიანობის მრავალ სფეროში, მათ შორის ვიზუალურ ხელოვნებასა და მეცნიერებაში. კიდევ ერთი ცნობილი მხატვარი, რომელიც აღიარებული ოსტატია სანდრო ბოტიჩელი(1445-1510 წწ). ბოტიჩელის ნახატები ნამდვილი საჩუქარია კაცობრიობისთვის. დღეს, მისი ყველაზე მკვრივი არის მსოფლიოს ყველაზე ცნობილ მუზეუმებში და ნამდვილად ფასდაუდებელია. არანაკლებ ცნობილია ლეონარდო და ვინჩი და ბოტიჩელი რაფაელ სანტი(1483-1520), რომელმაც 38 წელი იცოცხლა და ამ დროის განმავლობაში მოახერხა განსაცვიფრებელი ფერწერის მთელი ფენის შექმნა, რომელიც გახდა ადრეული რენესანსის ერთ-ერთი ყველაზე ნათელი მაგალითი. იტალიური რენესანსის კიდევ ერთი დიდი გენიოსი უდავოდ არის მიქელანჯელო ბუონაროტი(1475-1564). მიქელანჯელო ფერწერის გარდა იყო დაკავებული ქანდაკებით, არქიტექტურით და პოეზიით და მიაღწია დიდ შედეგებს ხელოვნების ამ ფორმებში. მიქელანჯელოს ქანდაკება სახელწოდებით "დავითი" ითვლება შეუდარებელ შედევრად, ქანდაკების ხელოვნების უმაღლესი მიღწევის მაგალითზე.

ზემოხსენებული მხატვრების გარდა, რენესანსის იტალიის უდიდესი მხატვრები იყვნენ ოსტატები, როგორიცაა ანტონელო და მესინა, ჯოვანი ბელინი, ჯორჯონი, ტიციანი, პაოლო ვერონეზე, ჟაკოპო ტინტორეტო, დომენიკო ფეტი, ბერნარდო სტროცი, ჯოვანი ბატისტა ტიეპოლო, ფრანჩესკო გვარდი და სხვები ... ისინი ყველა იყო მშვენიერი ვენეციური სკოლის ფერწერის შესანიშნავი მაგალითები. იტალიური ფერწერის ფლორენციული სკოლა მოიცავს ისეთ მხატვრებს, როგორებიც არიან: მასაჩიო, ანდრეა დელ ვეროკიო, პაოლო უჩელო, ანდრეა დელ კასტანიო, ბენოცო გოზოლი, სანდრო ბოტიჩელი, ფრა ანჯელიკო, ფილიპო ლიპი, პიერო დი კოსმიო, ლეონარდო და ვინჩი, მიქელანდომ დელ სარტო.

აღვნიშნო ყველა მხატვარი, რომლებიც მუშაობდნენ რენესანსის პერიოდში, ასევე გვიან რენესანსის პერიოდში და საუკუნეების შემდეგ, რომლებიც ცნობილი გახდა მთელ მსოფლიოში და ადიდებდა მხატვრობის ხელოვნებას, შეიმუშავეს ძირითადი პრინციპები და კანონები, რომლებიც ემყარება სახვითი და სახვითი ხელოვნების ყველა ტიპს. ხელოვნება, ალბათ დაგჭირდებათ რამდენიმე ტომის დაწერა, მაგრამ ეს სია საკმარისია იმის გასაგებად, რომ დიდი იტალიელი მხატვრები არიან ის ხელოვნება, რომელიც ჩვენ ვიცით, რომელიც ჩვენ გვიყვარს და რომელსაც ჩვენ სამუდამოდ ვაფასებთ!

დიდი იტალიელი მხატვრების ნახატები

ანდრეა მანტენა - ფრესკა პალატაში degli Sposi

ჯორჯიონე - სამი ფილოსოფოსი

ლეონარდო და ვინჩი - მონა ლიზა

სახელმწიფო ერმიტაჟი, პავიის ქალაქის მუზეუმებთან ერთად, ატარებს მეცხრამეტე საუკუნის იტალიური მხატვრობის უდიდეს რეტროსპექტივას, მათ შორის სამოცდაათზე მეტ ნამუშევარს

ერმიტაჟის სახელმწიფო მუზეუმი, 2011 წლის 19 ნოემბერი - 2012 წლის 22 იანვარი
ზამთრის სასახლის მემორიალური დარბაზი

იტალიის წლის ფარგლებში რუსეთში და რუსეთი იტალიაში, გამოფენა „მე -19 საუკუნის იტალიური მხატვრობა. ნეოკლასიციზმიდან სიმბოლიზმამდე ”, ორგანიზებული სახელმწიფო ერმიტაჟის მიერ პავიის ქალაქის მუზეუმებთან თანამშრომლობით. გამოფენა არის გასული საუკუნის იტალიური მხატვრობის უდიდესი რეტროსპექტივა და მოიცავს სამოცდაათზე მეტ ნამუშევარს, რომელთა ნახევარი მოდის პავიის სამოქალაქო მუზეუმების მე -19 საუკუნის სამხატვრო გალერეის კოლექციიდან. გარდა ამისა, გამოფენა მოიცავს ნამუშევრებს თანამედროვე ხელოვნების გალერეიდან ფლორენციაში, მილანში, ტურინში, გენუაში. გამოფენის მნიშვნელობა ძნელად შეიძლება შეფასდეს, რადგან განსახილველი პერიოდი პრაქტიკულად უცნობია რუსი მაყურებლისთვის (ერმიტაჟის კოლექციაში იტალიელი მხატვრების ოტოცენტოს სამოცზე მეტი ნახატია).

მე -19 საუკუნის მხატვრობის საუკეთესო მაგალითების სახით, გამოფენა აჩვენებს სტილისა და ტენდენციების მთელ სპექტრს, რომლებშიც მუშაობდნენ იტალიელი მხატვრები: კლასიციზმი, რომანტიზმი, ისტორიზმი, მაკიაოლი, სიმბოლიზმი.

იტალიური კლასიციზმის ძირითადი მახასიათებლები ჩაეყარა ანტონიო კანოვას შემოქმედებას. ლომბარდი მხატვარი ანდრეა აპიანი მიუბრუნდა მითოლოგიურ თემებზე ამაღლებულ-იდილიურ ნახატების ტიპს, რომელთა მაგალითია ნახატი "მადლები გამოწყობილი ჯუნო". ამაღლებული ჰარმონიის იგივე უძველესი კანონი შეიძლება ნახოთ ტილოებში "პარიზი" და "ჰებე" გასპარე ლენდის მიერ. ნეოკლასიციზმის გმირული ფილიალი წარმოდგენილია ვინჩენცო კამუჩინის ნახატით კეისრის სიკვდილი, რომელიც თავის დროზე პოპულარული იყო.

ეროვნული ისტორიის ეპიზოდებისა და გმირების მიმართვა, ძირითადად უკვე აღწერილია ლიტერატურაში, დამახასიათებელია XIX საუკუნის მხატვრობის უმეტესობისთვის, რომანტიზმიდან დაწყებული. ამ მიმართულების მთავარი მხატვარია ფრანჩესკო ჰაიესი. ნახატში "ოტო II- ის შერიგება დედასთან, ადელაიდა ბურგუნდიელთან", მან აღადგინა მნიშვნელოვანი, მაგრამ ნაკლებად ცნობილი მოვლენა იტალიის შუა საუკუნეების ისტორიაში. "ვენერა თამაშობს მტრედებთან" მან განასახიერა ცნობილი ბალერინა კარლოტა შაბერტის თვისებები, "საიდუმლო დენონსაციაში" მან აჩვენა ვენეციელი, ლამაზი და სასტიკი.

რომანტიკოსი მხატვრები ნებით ასახავდნენ გამოჩენილ ადამიანებს, მეამბოხე გმირებს დიდების ან დაცემის მომენტებში. ასეთი ნაწარმოებების მაგალითები: "გალილეო ინკვიზიციის სასამართლოს წინაშე" კრიშტიანო ბანტი, "კრისტოფერ კოლუმბი ამერიკიდან დაბრუნებისას (კრისტოფერ კოლუმბი ჯაჭვებით)" ლორენცო დელეანის, "ლორდი ბაირონი საბერძნეთის სანაპიროებზე" ჯაკომო ტრეკორტის მიერ.

რომანტიკოსები აცოცხლებენ ინტერესს ფერწერის "უმცროსი" ჟანრების მიმართ - ასახავს შენობების ინტერიერს და ქალაქის ხედებს (ტყვიის). ნახატზე "სანტა მარია დელა სალუთის ეკლესია ვენეციაში" იპოლიტო კაფი ექსპერიმენტებს უტარებს ვიზუალურ აღქმას და სინათლის ეფექტებს.

რომანტიკოსთა ძებნა გაგრძელდა 1860 -იან წლებში ტოსკანური მაკიაოლების მიერ: ჯოვანი ფატორი, სილვესტრო ლეგა, ტელემაკო სინიორინი, ჯუზეპე აბბატი, ოდორადო ბორანი, ვინჩენცო კაბიანკა. მხატვრებმა შემოგვთავაზეს სტილისტური მანერა, შეცვალეს ტრადიციული ქიაროსკურო ლაქების კონტრასტული კომბინაციით ("მაჩია"). ახალ ტექნიკაში მაკიაოლიმ წარმოადგინა ყოველდღიური ცხოვრების ჟანრული სცენები: "სტორნელოს სიმღერა" და სილვესტრო ლეგის "გათხოვილი, ან პატარძალი და პატარძალი", ტელემაკო სინიორინის "თარიღი ტყეში". პეიზაჟი ნახატებში "ჯორჯ ფატორის პალმიერი აბანოების" და ჯუზეპე აბბატის "კასტილიონჩელოს ხედი" საინტერესოა, რადგან მხატვრები მის შესაქმნელად ღია ცის ქვეშ მუშაობდნენ.

სიმბოლიზმის ტენდენციები ნათლად არის გამოხატული ჯორჯო კინერკის ტრიპტიქში "ადამიანის საიდუმლო": მხატვარი თავს არიდებს პერსონაჟების მკაფიო დახასიათებას, ამჯობინებს მნახველს მოხიბლოს ეზოთერული სიმბოლოებით და ზოგადი მაგნიტური ატმოსფეროთი.

მე -19 საუკუნის ბოლო ათწლეულებში ევროპელი მხატვრები ექსპერიმენტებს ატარებდნენ გამოხატვის ახალ საშუალებებზე. იტალიაში ანჯელო მორბელი ​​ავითარებს ცალკე ფუნჯით (დივიზიონიზმის) ტექნიკას, რომლის მაგალითია ნახატი სოციალურ თემაზე "80 -ზე მეტი ცენტესიმო!" დივიზიონისტი იყო ასევე ჯუზეპე პელიცა და ვოლპედო, რომელმაც სიმბოლურად განასახიერა მაღალი ჰუმანიზმის იდეალები ნახატში "მრგვალი ცეკვა".

გამოფენა ”მე -19 საუკუნის იტალიური ფერწერა. ნეოკლასიციზმიდან სიმბოლიზმამდე "არის პასუხი 2011 წლის მარტში კასტელო ვისკონტეოში გახსნილ დიდ გამოფენაზე" ლეონარდესკი ფოპიდან ჯამპეტრინოში: ნახატები ერმიტაჟისა და პავიას ქალაქის მუზეუმებიდან ", რომელშიც წარმოდგენილი იყო ერმიტაჟის კოლექციის ოცდაორი ნახატი.

სახელმწიფო ერმიტაჟის მხრიდან გამოფენის კურატორი არის ნატალია ბორისოვნა დემინა, მკვლევარი დასავლეთ ევროპის სახვითი ხელოვნების განყოფილებაში, პავიის საქალაქო მუზეუმების მხრიდან - სუზანა ზატი, პავიის საქალაქო მუზეუმების დირექტორი.

გამოფენის გახსნის მიზნით, გამოქვეყნდა სამეცნიერო კატალოგი რუსულ და იტალიურ ენებზე (გამომცემლობა Skira, მილანი - ჟენევა), მილანის უნივერსიტეტის პროფესორის ფერნანდო მაცოჩკის სტატიებით, ფრანჩესკა პორეკოს, პავიის ქალაქის მუზეუმების კურატორს და სუზანა ზატი.

ყურადღება! ყველა მასალა საიტზე და საიტის აუქციონის შედეგების მონაცემთა ბაზა, მათ შორის ილუსტრირებული საცნობარო ინფორმაცია აუქციონებზე გაყიდული ნამუშევრების შესახებ, განკუთვნილია მხოლოდ ხელოვნების შესაბამისად გამოყენებისთვის. რუსეთის ფედერაციის სამოქალაქო კოდექსის 1274. კომერციული მიზნებისთვის გამოყენება ან რუსეთის ფედერაციის სამოქალაქო კოდექსით დადგენილი წესების დარღვევა დაუშვებელია. საიტი არ არის პასუხისმგებელი მესამე მხარის მიერ წარმოდგენილი მასალების შინაარსზე. მესამე მხარის უფლებების დარღვევის შემთხვევაში საიტის ადმინისტრაცია იტოვებს უფლებას ამოიღოს ისინი საიტიდან და მონაცემთა ბაზიდან უფლებამოსილი ორგანოს მოთხოვნის საფუძველზე.

• 31.01.2020 ამ აუქციონის თითოეული ლოტის საწყისი ფასი არ არის დამოკიდებული მის შეფასებაზე და ზუსტად 100 დოლარია
• 30.01.2020 მარრონი 20 წელზე მეტია აგროვებს თავის კოლექციას, იგი შედგება 850 ხელოვნების ნიმუშისაგან, სავარაუდო შეფასებით 450 მილიონ დოლარად
• 30.01.2020 ქანდაკების სტატუსი გეტის მუზეუმიდან 2019 წლის დეკემბერში შეიცვალა "უცნობი ოსტატის ნამუშევრად"
• 29.01.2020 კურსი უნდა გაუქმდეს საჩივრების შემდეგ, რომ იგი ზედმეტად იყო ორიენტირებული ევროპულ "თეთრი ხელოვნების ისტორიაზე" და მამაკაც მხატვრების ნამუშევრების შესწავლაზე.
• 29.01.2020 სალვადორ დალის შემოქმედების ყველაზე სრულყოფილი რეტროსპექტივის ორგანიზატორები საზოგადოებას სთავაზობენ მხატვრის ორასი ნამუშევარს და მდიდარ საგანმანათლებლო პროგრამას

• 31.01.2020 მთელმა შემოსავალმა შეადგინა თითქმის 2.5 მილიონი რუბლი. მყიდველები - მოსკოვიდან მაგდანამდე
• 24.01.2020 კატალოგის ლოტების 50% -ზე მეტი ჩაქუჩზე წავიდა, მყიდველები - პერმიდან მინსკამდე
• 23.01.2020 კატალოგი შეიცავს ოცდაათ ლოტს: თერთმეტი ნახატი, თხუთმეტი ორიგინალური ფურცელი და ერთი ნაბეჭდი გრაფიკა, ერთი ნამუშევარი შერეულ მედიაში, ერთი ფაიფურის ფირფიტა და ერთი ფოტო ალბომი
• 20.01.2020 2020 წელს სახვითი ხელოვნებისა და ხელნაკეთობების პირველი აუქციონის კატალოგი შეადგენდა 547 ლოტს - ნახატები და გრაფიკა, მინა, ფაიფური, კერამიკა, ვერცხლი, მინანქარი, სამკაულები და ა.
• 17.01.2020 კატალოგის ყველა ნაწილის ნახევარზე ნაკლები ახალ ხელში გადავიდა. მყიდველებს შორის - მოსკოვი, ოდინცოვო, მინსკი და პერმი

• 31.01.2020 საუბრის საგნის ისტორიაში, რაღაც შეიძლება იყოს გულუბრყვილო, მეორე - ბაზრის მონაწილეთა პრაქტიკაში გამოყენების პოვნა. ერთი რამ ცხადია: ნებისმიერ პროფესიაში, თითოეული წარმატებული ადამიანის ცოდნა უნდა ემყარებოდეს მისი წინამორბედების წარმატებებს და შეცდომებს.
• 03.12.2019 "რუსული კვირის" სამი ძირითადი გარიგების ძირითადი ფიგურები და ცოტა იმის შესახებ, თუ როგორ ახდა ჩვენი პროგნოზები
• 03.12.2019 წელს, სალონი ჩატარდა ახალ საიტზე, გოსტინი დვორში და ჩვეულებრივზე ერთი თვით გვიან
• 28.11.2019 მხატვრის სტუდიაში ვიზიტი არის პოტენციურად ცხოვრებისეული მოვლენა როგორც სტუდიის მფლობელისთვის, ასევე მისი სტუმრისთვის. არა სრულად საქმიანი შეხვედრა, მაგრამ რა თქმა უნდა არა ჩვეულებრივი მეგობრული ვიზიტი. რამდენიმე მარტივი წესის დაცვა საშუალებას მოგცემთ არ მოხვდეთ ამ სიტუაციაში.
• 26.11.2019 მეოთხედ, აკადემიკოს I.E. Grabar- ის სამეცნიერო-კვლევითი ცენტრის წინადადებით, ჩვენ ვაქვეყნებთ ყალბ ექსპერტიზის დასკვნას, რომელიც სავარაუდოდ გაცემულია ცენტრის ექსპერტების მიერ. Ფრთხილად იყავი!
• 17.12.2019 გამოფენა, რომელიც 19 დეკემბერს იხსნება მუზეუმის მთავარ შენობაში, პეტროვკაში, 25 წლის, არის მცდელობა ახალი თვალით შეხედოს რუსული ხელოვნების უზარმაზარ მუზეუმულ კოლექციას: პროექტის კურატორები იყვნენ 20 ცნობილი ფიგურა სხვადასხვა პროფესიონალიდან. ველები.
• 12.12.2019 2020 წლის 6 აპრილი აღნიშნა რენესანსის ერთ -ერთი უდიდესი მხატვრის გარდაცვალებიდან 500 წლისთავს. მომავალი წლის მასშტაბური ღონისძიებების მოლოდინში, ბერლინის სურათების გალერეა ხსნის რაფაელ სანტის მადონას გამოფენას

რენესანსი (რენესანსი). იტალია. XV-XVI საუკუნეები. ადრეული კაპიტალიზმი. ქვეყანას მართავენ მდიდარი ბანკირები. მათ აინტერესებთ ხელოვნება და მეცნიერება.

მდიდრები და გავლენიანი ადამიანები ირგვლივ იკრიბებიან ნიჭიერებსა და ბრძენებს. პოეტები, ფილოსოფოსები, მხატვრები და მოქანდაკეები ყოველდღიურად საუბრობენ თავიანთ მფარველებთან. ერთი წუთით ჩანდა, რომ ხალხს მართავდნენ ბრძენები, როგორც პლატონს სურდა.

მათ ახსოვდათ ძველი რომაელები და ბერძნები. მათ ასევე ააშენეს თავისუფალი მოქალაქეების საზოგადოება, სადაც მთავარი ღირებულება არის ადამიანი (რა თქმა უნდა, მონების ჩათვლით).

რენესანსი არ არის მხოლოდ ძველი ცივილიზაციების ხელოვნების კოპირება. ეს არის დაბნეულობა. მითოლოგია და ქრისტიანობა. ბუნების რეალიზმი და სურათების სულიერება. ფიზიკური და სულიერი სილამაზე.

ეს იყო მხოლოდ ელვა. მაღალი რენესანსი დაახლოებით 30 წლისაა! 1490 -იანი წლებიდან 1527 წლამდე ლეონარდოს შემოქმედების აყვავების დასაწყისიდან. რომის გათავისუფლებამდე.

იდეალური სამყაროს მირაჟი სწრაფად ქრებოდა. იტალია ძალიან მყიფე აღმოჩნდა. იგი მალე სხვა დიქტატორის მონად იქცა.

თუმცა, ამ 30 წელმა განსაზღვრა 500 წლის წინ ევროპული მხატვრობის ძირითადი მახასიათებლები! Მდე .

გამოსახულების რეალიზმი. ანთროპოცენტრიზმი (როდესაც მსოფლიოს ცენტრი არის ადამიანი). ხაზოვანი პერსპექტივა. ზეთის საღებავები. პორტრეტი. Პეიზაჟები…

წარმოუდგენელია, რომ ამ 30 წლის განმავლობაში ერთდროულად რამდენიმე ბრწყინვალე ოსტატი მუშაობდა. სხვა დროს ისინი იბადებიან ერთი 1000 წელიწადში ერთხელ.

ლეონარდო, მიქელანჯელო, რაფაელი და ტიციანი რენესანსის ტიტანები არიან. მაგრამ არ შეიძლება არ აღინიშნოს მათი ორი წინამორბედი: ჯოტო და მასაჩიო. რომლის გარეშეც არ იქნებოდა რენესანსი.

1. ჯოტო (1267-1337)

პაოლო უჩელო. ჯოტო და ბონდონი. ნახატის ფრაგმენტი "ფლორენციული რენესანსის ხუთი ოსტატი". XVI საუკუნის დასაწყისი. ...

XIV საუკუნე. პროტო-რენესანსული. მისი მთავარი გმირი ჯოტოა. ეს არის ოსტატი, რომელმაც რევოლუცია მოახდინა ხელოვნებაში. 200 წლით ადრე რენესანსამდე. რომ არა ის, ეპოქა, რომლითაც კაცობრიობა ასე ამაყობს, ძნელად დადგებოდა.

ჯოტოს წინ იყო ხატები და ფრესკები. ისინი შეიქმნა ბიზანტიური კანონების მიხედვით. სახეების ნაცვლად სახეები. ბრტყელი ფიგურები. პროპორციების შეუსრულებლობა. ლანდშაფტის ნაცვლად არის ოქროს ფონი. როგორც, მაგალითად, ამ ხატზე.

გვიდო და სიენა. მაგის თაყვანისცემა. 1275-1280 წწ ალტენბურგი, ლინდენაუს მუზეუმი, გერმანია.

და უცებ ჩნდება ჯოტოს ფრესკები. მათ აქვთ სამგანზომილებიანი ფიგურები. კეთილშობილი ადამიანების სახეები. მოხუცი და ახალგაზრდა. სევდიანი. Სამწუხარო. გაკვირვებული. მრავალფეროვანი.

ჯოტოს ფრესკები პრადუაში, სკოროვნის ეკლესიაში (1302-1305). მარცხნივ: გოდება ქრისტეზე. შუა: იუდას კოცნა (დეტალურად). მარჯვნივ: ხარება წმინდა ანას (დედა მარიამი), დეტალურად.

ჯოტოს მთავარი ქმნილება არის მისი ფრესკების ციკლი პრადუაში, სროვეგნის სამლოცველოში. როდესაც ეს ეკლესია მრევლისთვის გაიხსნა, მასში უამრავი ხალხი შემოვიდა. მათ არასოდეს უნახავთ მსგავსი რამ.

ყოველივე ამის შემდეგ, ჯოტომ გააკეთა რაღაც უპრეცედენტო. მან თარგმნა ბიბლიური მოთხრობები მარტივ, გასაგებ ენაზე. და ისინი ბევრად უფრო ხელმისაწვდომი გახდნენ ჩვეულებრივი ადამიანებისთვის.

ჯოტო. მაგის თაყვანისცემა. 1303-1305 წწ ფრესკა Scrovegni სამლოცველოში პადუაში, იტალია.

ეს არის რენესანსის მრავალი ოსტატისთვის დამახასიათებელი. ლაკონური სურათები. პერსონაჟების ცოცხალი ემოციები. რეალიზმი.

წაიკითხეთ მეტი ოსტატის ფრესკების შესახებ სტატიაში.

ჯოტო აღფრთოვანებული იყო. მაგრამ მათ არ განუვითარდათ მისი ინოვაცია. საერთაშორისო გოთური მოდის მოვიდა იტალიაში.

მხოლოდ 100 წლის შემდეგ გამოჩნდება ჯოტოს ღირსეული მემკვიდრე.

2. მასაჩიო (1401-1428)

მასაჩიო. ავტოპორტრეტი (ფრესკის ფრაგმენტი "წმინდა პეტრეს ამბიონში"). 1425-1427 წწ ბრანკაჩის სამლოცველო სანტა მარია დელ კარმინის ეკლესიაში, ფლორენცია, იტალია.

მე -15 საუკუნის დასაწყისი. ეგრეთ წოდებული ადრეული რენესანსი. სცენაზე შემოდის კიდევ ერთი ინოვატორი.

მასაჩიო იყო პირველი მხატვარი, რომელმაც გამოიყენა წრფივი პერსპექტივა. იგი შექმნილია მისი მეგობრის, არქიტექტორის ბრუნელესკის მიერ. ახლა გამოსახული სამყარო რეალურის მსგავსი გახდა. სათამაშოების არქიტექტურა წარსულს ჩაბარდა.

მასაჩიო. წმინდა პეტრე კურნავს თავისი ჩრდილით. 1425-1427 წწ ბრანკაჩის სამლოცველო სანტა მარია დელ კარმინის ეკლესიაში, ფლორენცია, იტალია.

მან მიიღო ჯოტოს რეალიზმი. თუმცა, მისი წინამორბედისგან განსხვავებით, მან უკვე კარგად იცოდა ანატომია.

ჯოტოს მოხეტიალე პერსონაჟების ნაცვლად, ისინი ლამაზად აშენებული ადამიანები არიან. ისევე როგორც ძველი ბერძნები.

მასაჩიო. ნეოფიტების ნათლობა. 1426-1427 წწ ბრანკაჩის სამლოცველო, სანტა მარია დელ კარმინის ეკლესია ფლორენციაში, იტალია.
მასაჩიო. სამოთხიდან განდევნა. 1426-1427 წწ ფრესკა ბრანკაჩის სამლოცველოში, სანტა მარია დელ კარმინის ეკლესია, ფლორენცია, იტალია.

მასაჩიომ ხანმოკლე სიცოცხლე იცხოვრა. ის გარდაიცვალა, ისევე როგორც მამა, მოულოდნელად. 27 წლის ასაკში.

თუმცა, მას ბევრი მიმდევარი ჰყავდა. მომდევნო თაობების ოსტატები წავიდნენ ბრანკაჩის სამლოცველოში, რათა ისწავლონ მისი ფრესკები.

ასე რომ, მასაჩიოს ინოვაცია აიღეს მაღალი რენესანსის ყველა დიდმა მხატვარმა.

3. ლეონარდო და ვინჩი (1452-1519)

Ლეონარდო და ვინჩი. Ავტოპორტრეტი. 1512 სამეფო ბიბლიოთეკა ტურინში, იტალია.

ლეონარდო და ვინჩი არის რენესანსის ერთ -ერთი ტიტანი. მან გავლენა მოახდინა ფერწერის განვითარებაზე კოლოსალური გზით.

ეს იყო და ვინჩი, რომელმაც თავად აამაღლა მხატვრის სტატუსი. მისი წყალობით, ამ პროფესიის წარმომადგენლები აღარ არიან მხოლოდ ხელოსნები. ესენი არიან სულის შემქმნელები და არისტოკრატები.

ლეონარდომ გარღვევა მოახდინა პირველ რიგში პორტრეტებში.

მას სჯეროდა, რომ არაფერმა უნდა გადაიტანოს მთავარი იმიჯი. თვალი არ უნდა დატრიალდეს ერთი დეტალიდან მეორეზე. ასე გამოჩნდა მისი ცნობილი პორტრეტები. ლაკონური. ჰარმონიული.

Ლეონარდო და ვინჩი. ქალბატონი ერმინით. 1489-1490 წწ ჩერტორივსკის მუზეუმი, კრაკოვი.

ლეონარდოს მთავარი სიახლე ის არის, რომ მან აღმოაჩინა გზა, რომ გამოსახულებები ... ცოცხალი გაეხადა.

მის წინაშე პორტრეტებში გამოსახული პერსონაჟები მანეკენებს ჰგავდნენ. ხაზები გამჭვირვალე იყო. ყველა დეტალი საგულდაგულოდ არის მიკვლეული. დახატული ნახატი არანაირად ცოცხალი ვერ იქნებოდა.

ლეონარდომ გამოიგონა sfumato მეთოდი. მან დაჩრდილა ხაზები. ძალიან რბილი გახდა გადასვლა სინათლიდან ჩრდილში. როგორც ჩანს, მისი პერსონაჟები ძლივს შესამჩნევი ბურუსით არის დაფარული. პერსონაჟები გაცოცხლდნენ.

... 1503-1519 წწ ლუვრი, პარიზი.

სფუმატო შევა მომავლის ყველა დიდი მხატვრის აქტიურ ლექსიკაში.

ხშირად არსებობს მოსაზრება, რომ ლეონარდო, რა თქმა უნდა, გენიოსია, მაგრამ არ იცოდა როგორ ბოლომდე მიეყვანა რამე. და მან ხშირად არ დაასრულა ხატვა. და მისი მრავალი პროექტი დარჩა ქაღალდზე (სხვათა შორის, 24 ტომად). და საერთოდ, ის ჩააგდეს მედიცინაში, შემდეგ მუსიკაში. ერთ დროს მსახურების ხელოვნებასაც კი უყვარდა.

თუმცა, თავად იფიქრეთ. 19 ნახატი - და ის არის ყველა დროის და ხალხის უდიდესი მხატვარი. ვიღაც კი არ მიუახლოვდება სიდიადეს, მაშინ როცა 6000 ტილო აქვს დაწერილი სიცოცხლეში. აშკარაა ვის აქვს უმაღლესი ეფექტურობა.

წაიკითხეთ სტატიაში ოსტატის ყველაზე ცნობილი ნახატის შესახებ.

4. მიქელანჯელო (1475-1564)

დანიელე და ვოლტერა. მიქელანჯელო (დეტალურად). 1544 მეტროპოლიტენის ხელოვნების მუზეუმი, ნიუ იორკი.

მიქელანჯელომ თავი მოქანდაკედ მიიჩნია. მაგრამ ის მრავალმხრივი ოსტატი იყო. რენესანსის მისი სხვა კოლეგების მსგავსად. ამიტომ, მისი ფერწერული მემკვიდრეობა არანაკლებ გრანდიოზულია.

ის უპირველეს ყოვლისა ცნობადია თავისი ფიზიკურად განვითარებული პერსონაჟებით. მან ასახა სრულყოფილი ადამიანი, რომელშიც ფიზიკური სილამაზე ნიშნავს სულიერ სილამაზეს.

ამიტომ, მისი ყველა გმირი ისეთი კუნთოვანი და გამძლეა. ქალებიც და მოხუცებიც.

მიქელანჯელო. ფრაგმენტები ბოლო განკითხვის ფრესკისგან სიქსტინის კაპელაში, ვატიკანი.

მიქელანჯელო ხშირად ხატავდა პერსონაჟს შიშველი. შემდეგ კი ტანსაცმლის თავზე ვამთავრებდი. ისე, რომ სხეული მაქსიმალურად გამოირჩევა.

მან მარტო სიქსტინის კაპელის ჭერი დახატა. მიუხედავად იმისა, რომ ეს რამდენიმე ასეული ფიგურაა! ის კი არავის აძლევდა უფლებას საღებავის გახეხვა. დიახ, ის იყო არაკომუნიკაბელური. მაგარი და ჩხუბის ხასიათი ჰქონდა. მაგრამ ყველაზე მეტად ის უკმაყოფილო იყო ... საკუთარი თავით.

მიქელანჯელო. ფრესკის ფრაგმენტი "ადამის შექმნა". 1511 სიქსტინის კაპელა, ვატიკანი.

მიქელანჯელომ დიდხანს იცოცხლა. გადაურჩა რენესანსის გადაშენებას. ეს მისთვის პირადი ტრაგედია იყო. მისი შემდგომი ნამუშევრები სავსეა მწუხარებითა და მწუხარებით.

საერთოდ, მიქელანჯელოს შემოქმედებითი გზა უნიკალურია. მისი ადრეული ნამუშევარი არის ადამიანის გმირის განდიდება. თავისუფალი და მამაცი. ძველი საბერძნეთის საუკეთესო ტრადიციებში. მისი დავითის მსგავსად.

მისი ცხოვრების ბოლო წლებში ეს ტრაგიკული სურათებია. განზრახ უხეში თლილი ქვა. თითქოს ჩვენს წინაშეა მე -20 საუკუნის ფაშიზმის მსხვერპლთა ძეგლები. შეხედე მის პიეტას.

მიქელანჯელოს ქანდაკებები ფლორენციის სამხატვრო აკადემიაში. მარცხნივ: დავითი. 1504 მარჯვნივ: პიეტა პალესტრინა. 1555 გ

Როგორ არის ეს შესაძლებელი? ერთმა მხატვარმა თავის ცხოვრებაში გაიარა ხელოვნების ყველა ეტაპი რენესანსის პერიოდიდან XX საუკუნემდე. რა უნდა გააკეთონ მომავალმა თაობებმა? Შენი გზით იარე. მიხვდა, რომ ბარი ძალიან მაღალი იყო.

5. რაფაელი (1483-1520)

... 1506 უფიცის გალერეა, ფლორენცია, იტალია.

რაფაელი არასოდეს დავიწყებია. მისი გენიალურობა ყოველთვის აღიარებული იყო: როგორც სიცოცხლეში, ასევე სიკვდილის შემდეგ.

მისი პერსონაჟები დაჯილდოვებულია სენსუალური, ლირიკული სილამაზით. ის არის ის, ვინც სამართლიანად ითვლება ოდესმე შექმნილ ყველაზე ლამაზ მდედრობითი გამოსახულებებით. გარეგანი სილამაზე ასახავს ჰეროინების სულიერ სილამაზეს. მათი თვინიერება. მათი მსხვერპლი.

რაფაელი. ... 1513 ძველი ოსტატების გალერეა, დრეზდენი, გერმანია.

ფიოდორ დოსტოევსკიმ თქვა ცნობილი სიტყვები "სილამაზე გადაარჩენს მსოფლიოს" ავტორი ფ. ეს იყო მისი საყვარელი ნახატი.

სენსუალური გამოსახულება რაფაელის ერთადერთი ძალა არ არის. მან ძალიან ფრთხილად მოიფიქრა თავისი ნახატების შემადგენლობა. ის იყო სრულყოფილი არქიტექტორი ფერწერაში. უფრო მეტიც, მან ყოველთვის იპოვა უმარტივესი და ჰარმონიული გადაწყვეტა სივრცის ორგანიზებაში. როგორც ჩანს, სხვაგვარად არ შეიძლება.

რაფაელი. ათენის სკოლა. 1509-1511 წწ ფრესკა სამოციქულო სასახლის სტროფებში, ვატიკანი.

რაფაელმა მხოლოდ 37 წელი იცოცხლა. ის მოულოდნელად გარდაიცვალა. ცივი და სამედიცინო შეცდომისგან. მაგრამ ძნელია მისი მემკვიდრეობის გადაჭარბება. ბევრმა ხელოვანმა მოახდინა ამ ოსტატის კერპობა. და მათ გაამრავლეს მისი სენსუალური გამოსახულებები ათასობით მათ ტილოზე ..

ტიციანი იყო სრულყოფილი კოლორისტი. მან ასევე ბევრი ექსპერიმენტი ჩაატარა კომპოზიციაში. საერთოდ, ის იყო გაბედული ინოვატორი.

ნიჭის ასეთი სიკაშკაშისთვის ყველას უყვარდა იგი. მას უწოდებენ "მხატვართა მეფეს და მეფეთა მხატვარს".

ტიციანზე საუბრისას, მინდა ყოველი წინადადების შემდეგ ძახილის ნიშანი დავსვა. ყოველივე ამის შემდეგ, სწორედ მან შემოიტანა დინამიკა ფერწერაში. პათოსი. ენთუზიაზმი. ნათელი შეღებვა. ფერების სიკაშკაშე.

ტიციანი. მარიამის ამაღლება. 1515-1518 წწ სანტა მარია გლორიოსი დე ფარის ეკლესია, ვენეცია.

სიცოცხლის ბოლოს მან შეიმუშავა წერის უჩვეულო ტექნიკა. სწრაფი, სქელი დარტყმები. მან საღებავი წაისვა ფუნჯით, შემდეგ თითებით. აქედან - სურათები კიდევ უფრო ცოცხალია, სუნთქავს. და სიუჟეტები კიდევ უფრო დინამიური და დრამატულია.

ტიციანი. ტარკვინიუსი და ლუკრეტია. 1571 ფიცვილიამის მუზეუმი, კემბრიჯი, ინგლისი.

ეს არაფერს შეგახსენებთ? რა თქმა უნდა, ეს ტექნიკაა. და XIX საუკუნის მხატვრების ტექნიკა: ბარბიზონელები და. ტიციანი, მიქელანჯელოს მსგავსად, ერთ -ერთ ცხოვრებაში 500 წლის ხატვას გაივლის. ამიტომაც არის ის გენიოსი.

წაიკითხეთ სტატიაში ოსტატის ცნობილი შედევრის შესახებ.

რენესანსის მხატვრები მცოდნეები არიან. ბევრი რამის სწავლა იყო შესაძლებელი ასეთი მემკვიდრეობის დატოვება. ისტორიის, ასტროლოგიის, ფიზიკის და ა.შ.

ამიტომ, თითოეული მათი სურათი გვაფიქრებინებს. რისთვის არის გამოსახული? რა არის დაშიფრული შეტყობინება აქ?

ისინი თითქმის არასოდეს ცდებოდნენ. რადგან მათ საფუძვლიანად დაფიქრდნენ თავიანთ მომავალ საქმიანობაზე. ჩვენ გამოვიყენეთ მთელი ცოდნა.

ისინი უფრო მეტი იყვნენ, ვიდრე მხატვრები. ისინი ფილოსოფოსები იყვნენ. მათ სამყარო გვიხსნეს ფერწერის საშუალებით.

ამიტომ ჩვენ ყოველთვის დავინტერესდებით მათით.

კონტაქტში

ფერწერა იტალიაში

იტალიაში, სადაც მე -17 საუკუნეში საბოლოოდ გაიმარჯვა კათოლიკურმა რეაქციამ, ბაროკოს ხელოვნება ჩამოყალიბდა ძალიან ადრე, აყვავდა და გახდა დომინანტური ტენდენცია.

ამ დროის მხატვრობა ხასიათდებოდა სანახაობრივი დეკორატიული კომპოზიციებით, საზეიმო პორტრეტებით, რომლებიც ასახავდნენ ამპარტავან დიდგვაროვნებს და ქალებს ამაყი ტარებით, დაიხრჩო მდიდრულ ტანსაცმელში და სამკაულებში.

ხაზის ნაცვლად, უპირატესობა მიენიჭა თვალწარმტაც ლაქას, მასას, შავ -თეთრ კონტრასტებს, რომელთა დახმარებითაც შეიქმნა ფორმა. ბაროკომ დაარღვია სივრცის გეგმებად დაყოფის პრინციპები, სიღრმის გასაზრდელად პირდაპირი ხაზოვანი პერსპექტივის პრინციპები, უსასრულობაში გადასვლის ილუზია.

ბაროკოს მხატვრობის წარმოშობა იტალიაში უკავშირდება ძმები კარაჩების მუშაობას, იტალიის ერთ -ერთი პირველი სამხატვრო სკოლის დამფუძნებლებს - აკადემია სწორი გზით (1585), ეგრეთ წოდებული ბოლონიის აკადემია - სემინარი რომელი დამწყები ოსტატები გადიოდნენ სპეციალური პროგრამის მიხედვით.

ანიბალე კარაჩი (1560-1609)იყო სამი ნიჭიერი კარაჩი ძმებიდან. მის ნაშრომში აშკარად არის ნაჩვენები ბოლონიის აკადემიის პრინციპები, რომლებიც მის მთავარ ამოცანად ადგენენ აღორძინების ეპოქის მონუმენტური ხელოვნებისა და ტრადიციების აღორძინებას, რომლებიც პატივი მიაგეს კარარაჩის თანამედროვეებმა, როგორც მიუწვდომელი სრულყოფისა და სახის მხატვრული "აბსოლუტური". მაშასადამე, კარაჩი აღიქვამს თავისი დიდი წინამორბედების შედევრებს, როგორც წყაროს, საიდანაც უნდა გამოვიღოთ რენესანსის ტიტანების მიერ ნაპოვნი ესთეტიკური გადაწყვეტილებები და არა როგორც ამოსავალი წერტილი საკუთარი შემოქმედებითი ძიებებისათვის. პლასტიკურად ლამაზი, იდეალი მისთვის არ არის რეალური "უმაღლესი ხარისხი", არამედ მხოლოდ სავალდებულო მხატვრული ნორმა - ხელოვნება, ამრიგად, ეწინააღმდეგება რეალობას, რომელშიც ოსტატი ვერ პოულობს ახალ ფუნდამენტურ იდეალს. აქედან გამომდინარეობს მისი სურათებისა და ხატოვანი გადაწყვეტილებების პირობითობა და აბსტრაქცია.

ამავდროულად, კარაჩის ძმებისა და ბოლონიის აკადემიზმის ხელოვნება მაქსიმალურად შესაფერისი იყო ოფიციალური იდეოლოგიის სამსახურში ჩასაყენებლად, უმიზეზოდ არაა, რომ მათმა საქმიანობამ სწრაფად მოიპოვა აღიარება უმაღლესში (სახელმწიფო და კათოლიკური ) სფეროები.

ანიბალე კარრაჩის უდიდესი ნამუშევარი მონუმენტური მხატვრობის სფეროში არის რომში პალაცო ფარნეზეს გალერეის მოხატულობა ღმერთების ცხოვრების ამსახველი ფრესკებით - ძველი რომაელი პოეტის ოვიდის "მეტამორფოზების" სცენების საფუძველზე (1597-1604 წწ., ასრულებდა თავის ძმასთან და თანაშემწეებთან ერთად).

ნახატი შედგება ცალკეული პანელებისგან, რომლებიც მიემართებიან ცენტრალური დიდი კომპოზიციისკენ, რომელიც ასახავს "ბაკუსისა და არიადნის ტრიუმფი", რაც დინამიკის ელემენტს მოაქვს თვალწარმტაცი ანსამბლში. ამ პანელებს შორის მოთავსებული შიშველი მამრობითი ფიგურები ქანდაკების იმიტაციას ახდენენ და ამავე დროს არიან ნახატების გმირები. შედეგი იყო შთამბეჭდავი ფართომასშტაბიანი სამუშაო, გარეგნულად სანახაობრივი, მაგრამ არა გაერთიანებული რაიმე მნიშვნელოვანი იდეით, რომლის გარეშეც რენესანსის მონუმენტური ანსამბლები წარმოუდგენელი იყო. მომავალში, კარარაჩის მიერ განსახიერებული ეს პრინციპები - დინამიური კომპოზიციის სურვილი, ილუზიონისტური ეფექტები და თვითკმარი დეკორატიულობა - დამახასიათებელი იქნება მე -17 საუკუნის ყველა მონუმენტური მხატვრობისთვის.

რენესანსის ხელოვნებაში აღებული მოტივები, ანიბალე კარაჩის სურს შეავსოს ცოცხალი, თანამედროვე შინაარსით. ის ხელს უწყობს ბუნების შესწავლას, შემოქმედების ადრეულ პერიოდში ის ჟანრის მხატვრობასაც კი მიმართავს. მაგრამ, ოსტატის თვალსაზრისით, ბუნება თავად არის ძალიან უხეში და არასრულყოფილი, ამიტომ ტილოზე ის უკვე ტრანსფორმირებული უნდა იყოს, გადიდებული კლასიკური ხელოვნების ნორმების შესაბამისად. ამრიგად, კონკრეტული ცხოვრებისეული მოტივები შეიძლება არსებობდეს კომპოზიციაში მხოლოდ როგორც ცალკეული ფრაგმენტი, რომელიც შექმნილია სცენის აღორძინებისთვის. მაგალითად, ნახატში "ლობიოს მჭამელი" (1580 -იანი წლები) შეიძლება შეიგრძნო მხატვრის ირონიული დამოკიდებულება იმის შესახებ, რაც ხდება: ის ხაზს უსვამს გლეხის სულიერ პრიმიტიულობას, ხარბად ჭამს ლობიოს; ფიგურების და საგნების გამოსახულებები მიზანმიმართულად გამარტივებულია. ახალგაზრდა მხატვრის სხვა ჟანრული ნახატები შენარჩუნებულია იმავე სულისკვეთებით: "ჯალათის მაღაზია", "ავტოპორტრეტი მამასთან", "ნადირობა" (ყველა - 1580 -იანი წლები) - აპლიკაცია, ნახ. ერთი

ანიბალე კარრაჩის ბევრ ნახატს აქვს რელიგიური თემა. მაგრამ ფორმების ცივი სრულყოფილება მათში მცირე ადგილს ტოვებს გრძნობების გამოვლინებისთვის. მხოლოდ იშვიათ შემთხვევებში ქმნის მხატვარი განსხვავებული გეგმის ნამუშევრებს. ეს არის ქრისტეს გოდება (დაახლ. 1605 წ.). ბიბლია მოგვითხრობს, თუ როგორ მივიდნენ ქრისტეს წმინდა თაყვანისმცემლები მის საფლავზე თაყვანისცემის მიზნით, მაგრამ ცარიელი იპოვეს. სარკოფაგის პირას მჯდომი ანგელოზისგან შეიტყვეს მისი სასწაულებრივი აღდგომის შესახებ და გახარებულები და შოკირებულნი იყვნენ ამ სასწაულით. მაგრამ უძველესი ტექსტის გამოსახულება და მღელვარება არ პოულობს განსაკუთრებულ გამოხმაურებას კარაჩიში; მას მხოლოდ შეეძლო შეეწინააღმდეგებინა ანგელოზის მსუბუქი, ფრიალი ტანსაცმელი ქალების მასიური და სტატიკური ფიგურებისათვის. სურათის ფერი ასევე საკმაოდ ჩვეულებრივია, მაგრამ ამავე დროს გამოირჩევა თავისი სიძლიერით და ინტენსივობით.

სპეციალური ჯგუფი შედგება მისი ნამუშევრებისგან მითოლოგიურ თემებზე, რომლებშიც აისახა მისი ვნება ვენეციური სკოლის ოსტატებისადმი. ამ ნახატებში, რომელიც ადიდებს სიყვარულის სიხარულს, შიშველი ქალის სხეულის სილამაზეს, ანიბალე თავს იჩენს როგორც მშვენიერი კოლორისტი, ცოცხალი და პოეტური მხატვარი.

ანიბალე კარაჩის საუკეთესო ნამუშევრებს შორის არის მისი ლანდშაფტური ნამუშევრები. კარაჩიმ და მისმა სტუდენტებმა შექმნეს ეგრეთწოდებული კლასიკური ან გმირული ლანდშაფტის ტიპი, რომელიც დაფუძნებულია მე -16 საუკუნის ვენეციური ლანდშაფტის ტრადიციებზე. მხატვარმა ასევე გარდაქმნა ბუნება ხელოვნურად ამაღლებული სულით, მაგრამ გარე პათოსის გარეშე. მისმა ნაშრომმა საფუძველი ჩაუყარა ამ ეპოქის ლანდშაფტის მხატვრობის განვითარების ერთ -ერთ ყველაზე ნაყოფიერ მიმართულებას ("გაფრენა ეგვიპტეში", დაახლ. 1603), რომელმაც შემდგომში განაგრძო განვითარება და განვითარება მომავალი თაობების ოსტატების მუშაობაში. კერძოდ, პუსინში.

მიქელანჯელო კარავაჯო (1573-1610).ამ პერიოდის ყველაზე მნიშვნელოვანი იტალიელი მხატვარი იყო მიქელანჯელო კარავაჯო, რომელიც მე -17 საუკუნის უდიდეს ოსტატთა შორის შეიძლება შეფასდეს.

მხატვრის სახელი მომდინარეობს ჩრდილოეთ იტალიის იმ ქალაქის სახელიდან, რომელშიც ის დაიბადა. თერთმეტი წლის ასაკში ის უკვე მუშაობდა მილანელი ერთ -ერთი მხატვრის შეგირდად, ხოლო 1590 წელს ის გაემგზავრა რომში, რომელიც მე -17 საუკუნის ბოლოსთვის გახდა მთელი ევროპის სამხატვრო ცენტრი. სწორედ აქ მიაღწია კარავაჯომ თავისი ყველაზე მნიშვნელოვანი წარმატება და პოპულარობა.

მისი თანამედროვეების უმეტესობისგან განსხვავებით, რომლებიც აღიქვამდნენ ესთეტიკური ღირებულებების მხოლოდ მეტნაკლებად ნაცნობ კომპლექტს, კარავაჯომ მოახერხა წარსულის ტრადიციების მიტოვება და საკუთარი, ღრმად ინდივიდუალური სტილის შექმნა. ეს ნაწილობრივ მისი უარყოფითი რეაქციის შედეგი იყო იმდროინდელ ხელოვნების კლიშეებზე.

რომელიც არასოდეს ეკუთვნოდა ხელოვნების კონკრეტულ სკოლას, თავის ადრეულ ნამუშევრებში მან უკვე შეადარა მოდელის ინდივიდუალური ექსპრესიულობა, გამოსახულების იდეალიზაციის მარტივი ყოველდღიური მოტივები და მანერიზმისა და აკადემიზმის ხელოვნებისათვის დამახასიათებელი ნაკვეთის ალეგორიული ინტერპრეტაცია ("პატარა ავადმყოფი ბაკუსი "," ახალგაზრდა კაცი კალათა ხილით ", ორივე - 1593).

მიუხედავად იმისა, რომ ერთი შეხედვით შეიძლება ჩანდეს, რომ იგი გადავიდა რენესანსის მხატვრული კანონიდან, უფრო მეტიც, მან დაარღვია ისინი, სინამდვილეში მისი რეალისტური ხელოვნების პათოსი იყო მათი შინაგანი გაგრძელება, რამაც საფუძველი ჩაუყარა რეალიზმს მე -17 საუკუნეში. ეს აშკარად დასტურდება მისივე განცხადებებით. ”ყველა სურათი, რაც არ უნდა იყოს გამოსახული და ვინც არ უნდა იყოს დახატული,” - ამტკიცებდა კარავაჯო, ”უღირსია, თუ მისი ყველა ნაწილი არ არის შესრულებული ბუნებიდან; ეს მენტორი არ შეიძლება იყოს სასურველი ". კარავაჯოს ამ განცხადებაში, თავისი თანდაყოლილი პირდაპირობით და კატეგორიულობით, მისი ხელოვნების მთელი პროგრამაა განსახიერებული.

მხატვარმა დიდი წვლილი შეიტანა ყოველდღიური ცხოვრების ჟანრის ფორმირებაში ("მკვეთრი მსროლელები", 1596; "ბიჭი ხვლიკმა უკბინა", 1594). კარავაჯოს ნამუშევრების უმეტესობის გმირები არიან ხალხიდან. მან იპოვა ისინი ჭრელი ქუჩის ბრბოში, იაფფასიან ტავერნებში და ხმაურიან ქალაქის მოედნებზე, მან მიიყვანა იგი თავის სტუდიაში, როგორც მოდელები, მუშაობის ამ მეთოდს ამჯობინა ანტიკური ქანდაკებების შესწავლა - ამას მოწმობს მხატვრის პირველი ბიოგრაფი დ. ბელორი. მისი საყვარელი პერსონაჟები არიან ჯარისკაცები, ბანქოს მოთამაშეები, მკითხავები, მუსიკოსები (ბედი მთხრობელი, ლუტის შემსრულებელი (ორივე - 1596); მუსიკოსები, 1593) - დამატება, ნახ. 2. სწორედ ისინი "ბინადრობენ" კარავაჯოს ჟანრული ნახატებით, რომლებშიც იგი ამტკიცებს არა მხოლოდ არსებობის უფლებას, არამედ პირადი ყოველდღიური მოტივის მხატვრულ მნიშვნელობას. თუ მის ადრეულ ნამუშევრებში, კარავაჯოს ნახატი, მთელი თავისი პლასტიურობითა და არსებითი დამაჯერებლობით, მაინც გარკვეულწილად უხეში იყო, მაშინ მომავალში ის მოიცილებს თავის ამ ნაკლოვანებას. მხატვრის მოწიფული ნამუშევრები არის მონუმენტური ტილოები განსაკუთრებული დრამატული ძალით (მათეს მოციქულის მოწოდება და მათეს მოციქულის მოწამეობა (ორივე 1599-1600 წწ.); დაკრძალვა, მარიამის სიკვდილი (ორივე დაახლ. 1605-1606 წწ.)). ეს ნამუშევრები, მიუხედავად იმისა, რომ სტილით ახლოსაა მისი ადრეული ჟანრის სცენებთან, უკვე სავსეა სპეციალური შინაგანი დრამატიზმით.

ამ პერიოდის კარავაჯოს ფერწერული სტილი ემყარება სინათლისა და ჩრდილის ძლიერ კონტრასტებს, ჟესტების გამომხატველ სიმარტივეს, მოცულობის ენერგიულ გამოძერწვას, ფერის გაჯერებას - ტექნიკას, რომელიც ქმნის ემოციურ დაძაბულობას, ხაზს უსვამს გრძნობების მწვავე ზემოქმედებას. როგორც წესი, მხატვარი ასახავს რამდენიმე ფიგურას, გადაღებულია ახლოდან, მაყურებელთან ახლოს და დახატულია ყველა პლასტიურობით, მატერიალურობით და ხილული ავთენტურობით. გარემო, საყოფაცხოვრებო ინტერიერი და ნატურმორტი დაიწყო დიდი როლის შესრულება მის შემოქმედებაში. ასე ხდება, მაგალითად, ნახატში "მათეს მოწოდება" ოსტატი აჩვენებს ამაღლებული და სულიერი გამოვლინებას "დაბალი" ყოველდღიური ცხოვრების სამყაროში.

ნაწარმოების სიუჟეტი დაფუძნებულია სახარებისეული მოთხრობაზე, თუ როგორ უწოდა ქრისტემ გადასახადის ამკრეფს მათეს, ყველასგან შეურაცხყოფილი, რომ გამხდარიყო მისი მოწაფე და მიმდევარი. პერსონაჟები გამოსახულია მაგიდასთან მჯდომარე არასასიამოვნო, ცარიელ ოთახში, ხოლო პერსონაჟები წარმოდგენილია სრული ზომით, თანამედროვე კოსტიუმებში გამოწყობილი. უცებ ოთახში ქრისტე და პეტრე მოციქული შემოვიდნენ და გამოიწვია მაყურებლის მრავალფეროვანი რეაქცია - გაოცებისგან სიფხიზლემდე. სინათლის ნაკადი ბნელ ოთახში ზემოდან რიტმულად აწყობს იმას, რაც ხდება, ხაზს უსვამს და აკავშირებს მის ძირითად ელემენტებს (მათეს სახე, ხელი და ქრისტეს პროფილი). სიბნელიდან ფიგურების გამოტაცებით და მკვეთრად შეჯახებული ნათელი შუქით და ღრმა ჩრდილით, მხატვარი შინაგან დაძაბულობისა და დრამატული აღტკინების განცდას აძლევს. გრძნობების და ადამიანური ვნებების ელემენტი დომინირებს სცენაზე. ემოციური ატმოსფეროს შესაქმნელად კარავაჯო ოსტატურად იყენებს მდიდარ ფერებს. სამწუხაროდ, კარავაჯოს მკაცრი რეალიზმი არ ესმოდა მის ბევრ თანამედროვეს, "მაღალი ხელოვნების" მიმდევრებს. ყოველივე ამის შემდეგ, მითოლოგიურ და რელიგიურ თემებზე ნაწარმოებების შექმნაც კი (მათგან ყველაზე ცნობილია "დაისვენე ფრენა ეგვიპტეში", 1597), ის უცვლელად დარჩა ყოველდღიური ნახატის რეალისტური პრინციპების, ამიტომ ბიბლიის ყველაზე ტრადიციული საგნებიც კი. მიიღო მისგან სრულიად განსხვავებული ინტიმური ფსიქოლოგიური ინტერპრეტაცია, რომელიც განსხვავდება ტრადიციულიდან. და ბუნებისადმი მიმართვა, რომელიც მან თავისი ნამუშევრების გამოსახვის უშუალო ობიექტად აქცია და მისი ინტერპრეტაციის უტყუარობამ მრავალი შეტევა გამოიწვია მხატვარზე სასულიერო პირებისა და ჩინოვნიკების მხრიდან.

მიუხედავად ამისა, მე -17 საუკუნის მხატვრებს შორის, ალბათ, არ იყო არც ერთი მნიშვნელოვანი, ვინც ამა თუ იმ გზით, არ განიცდიდა კარავაჯოს ხელოვნების ძლიერ გავლენას. მართალია, ოსტატის მიმდევართა უმრავლესობამ, რომელსაც ქარავაგისტები ეწოდებოდა, გულმოდგინედ გადაწერა მხოლოდ მისი გარე ტექნიკა და უპირველეს ყოვლისა - მისი ცნობილი კონტრასტული ქიაროსკურო, ფერწერის ინტენსივობა და მატერიალურობა.

პიტერ პოლ რუბენსმა, დიეგო ველასკესმა, ხუსეპე დე რიბერამ, რემბრანდტ ვან რაინმა, ჟორჟ დე ლატურმა და ბევრმა სხვა ცნობილმა მხატვარმა გაიარეს ქარვაგიზმისადმი ვნების ეტაპი. შეუძლებელია წარმოვიდგინოთ მე -17 საუკუნის რეალიზმის შემდგომი განვითარება რევოლუციის გარეშე, რომელიც მიქელანჯელო კარავაჯომ გააკეთა ევროპულ მხატვრობაში.

ალესანდრო მაგნასკო (1667-1749).მისი ნამუშევრები დაკავშირებულია რომანტიკულ მიმართულებასთან მე -17 საუკუნის იტალიურ ხელოვნებაში.

მომავალი მხატვარი დაიბადა გენუაში. ის ჯერ მამასთან სწავლობდა, შემდეგ, მისი გარდაცვალების შემდეგ, მილანში ერთ -ერთ ადგილობრივ ოსტატთან, რომელმაც ასწავლა ვენეციური ხატვის ტექნიკა და ასწავლა პორტრეტის ხელოვნება. მოგვიანებით მაგნასკო მრავალი წლის განმავლობაში მუშაობდა მილანში, გენუაში, ფლორენციაში და მხოლოდ დაქვეითებულ წლებში, 1735 წელს იგი საბოლოოდ დაბრუნდა მშობლიურ ქალაქში.

ეს ნიჭიერი, მაგრამ ძალიან საკამათო მხატვარი დაჯილდოვდა უაღრესად ნათელი პიროვნებით. მაგნასკოს ნამუშევარი ეწინააღმდეგება ყოველგვარ კლასიფიკაციას: ახლა ღრმად რელიგიური, ახლა მკრეხელური, მის ნამუშევრებში მან თავი გამოიჩინა როგორც ჩვეულებრივი დეკორატორი, ახლა როგორც მხატვარი მომაბეზრებელი სულით. მისი ხელოვნება გამსჭვალულია გაძლიერებული ემოციურობით, დგას მისტიციზმისა და ამაღლების ზღვარზე.

მხატვრის ადრეული ნამუშევრების ხასიათი, შესრულებული მილანში ყოფნის დროს, განისაზღვრა გენუისტური ფერწერის სკოლის ტრადიციებით, რომლებიც მიზიდულობდნენ პასტორალისკენ. მაგრამ უკვე მისი ნამუშევრები, როგორიცაა რამდენიმე "ბაკალანალი", "ბანდიტების შეჩერება" (ყველა - 1710 წ.) - ასახავს დაუღალავ ადამიანურ ფიგურებს დიდებული უძველესი ნანგრევების ფონზე - ატარებს სრულიად განსხვავებულ ემოციურ მუხტს, ვიდრე მისი წინამორბედების მშვიდი პასტორალები. ისინი დამზადებულია მუქ ფერებში, იმპულსური დინამიური ფუნჯით, რაც მოწმობს სამყაროს დრამატულ ასპექტზე აღქმის შესახებ (აპლიკაცია, სურ. 3).

მხატვრის ყურადღებას იპყრობს ყველაფერი უჩვეულო - ინკვიზიციის ტრიბუნალის სცენები, წამება, რომელიც მას შეეძლო დაეფიქსირებინა მილანში, ესპანეთის მმართველობის ქვეშ ("წამების პალატა"), ქადაგება სინაგოგაში ("სინაგოგა", 1710-1720 წლების ბოლოს) , მომთაბარე ცხოვრება ბოშები ("ბოშების კვება") და ა.შ.

მაგნასკოს საყვარელი საგნებია სხვადასხვა ეპიზოდები სამონასტრო ცხოვრებიდან ("ბერის დაკრძალვა", "მონაზვნების დღესასწაული", როგორც 1720 -იანი წლებიდან), მოღვაწეთა და ალქიმიკოსთა საკნები, შენობების ნანგრევები და ღამის პეიზაჟები ბოშების ფიგურებით, მათხოვრებისათვის. მოხეტიალე მუსიკოსები და ა.შ. საკმაოდ რეალურია მისი ნაწარმოებების პერსონაჟები - ბანდიტები, მეთევზეები, მოღვაწენი, ბოშები, კომიკოსები, ჯარისკაცები, მრეცხავები (ლანდშაფტი სამრეცხაოებთან ერთად, 1720 წ.) - მოქმედებენ ფანტასტიკურ გარემოში. ისინი გამოსახულია პირქუში ნანგრევების, მძვინვარე ზღვის, ველური ტყის და მკაცრი ხეობების ფონზე. მაგნასკო ხატავს მათ ფიგურებს გადაჭარბებულად წაგრძელებული, თითქოს რხევა და მუდმივი უწყვეტი მოძრაობა; მათი წაგრძელებული, მოხრილი სილუეტები მიჰყვება ინსულტის ნერვულ რიტმს. ნახატები გაჟღენთილია ადამიანის უმნიშვნელობის ტრაგიკული განცდით ბუნების ბრმა ძალების და სოციალური რეალობის სიმძიმის წინაშე.

იგივე შემაშფოთებელი დინამიკა განასხვავებს მის ლანდშაფტურ ესკიზებს მათი ხაზგასმული სუბიექტურობითა და ემოციურობით, რაც ჩრდილავს ბუნების რეალური სურათების გადაცემას (ზღვის პეიზაჟი, 1730 წ., მთის პეიზაჟი, 1720 წ.). ოსტატის ზოგიერთ შემდგომ ნამუშევარში შესამჩნევია იტალიელი სალვატორე როზას პეიზაჟების გავლენა, ფრანგი მანიერისტი მხატვრის ჟაკ კალოს გრავიურები. რეალობის ეს ძნელად განასხვავებელი სახე და მხატვრის ფანტაზიით შექმნილი უცნაური სამყარო, მკვეთრად გაცნობიერებული მიმდებარე რეალობის ყველა ტრაგიკული და მხიარული მოვლენის შესახებ, რაც ხდება მის გარშემო, ყოველთვის იქნება მის ნამუშევრებში, რაც მათ ხასიათს აძლევს იგავის ან ყოველდღიური სცენის.

მაგნასკოს გამომხატველი ფერწერის სტილი გარკვეულწილად წინასწარმეტყველებდა მე -18 საუკუნის მხატვრების შემოქმედებით სწრაფვას. ის ხატავს ფხვიერი, სწრაფი დარტყმებით, დაუღალავი ქიაროსკუროს გამოყენებით, იწვევს დაუღალავი განათების ეფექტებს, რაც მის ნახატებს აძლევს განზრახ ჩანახატს და ზოგჯერ დეკორატიულობასაც კი. ამავდროულად, მისი ნამუშევრების შეღებვა მოკლებულია ფერადი მრავალფერიდან, ჩვეულებრივ ოსტატი შემოიფარგლება პირქუში ნაცრისფერი-ყავისფერი ან მომწვანო დიაპაზონით, თუმცა, საკუთარი გზით, საკმაოდ დახვეწილი და დახვეწილი. სიცოცხლის განმავლობაში აღიარებული და მისი შთამომავლების მიერ დავიწყებული, ამ თავისებურმა მხატვარმა კვლავ მოიპოვა პოპულარობა მხოლოდ მე -20 საუკუნის დასაწყისში, როდესაც მათ დაინახეს იმპრესიონიზმის და ექსპრესიონიზმის წინამორბედი.

ჯუზეპე მარია კრესპი (1665-1747), ბოლონიის მკვიდრი, ხატვის კარიერა დაიწყო ცნობილი ოსტატების, მათ შორის მისი თანამემამულეების, ძმების კარაჩის ჩათვლით, გულმოდგინედ კოპირებით. მოგვიანებით, იგი გაემგზავრა ჩრდილოეთ იტალიაში, გაეცნო მაღალი რენესანსის ოსტატების მუშაობას, ძირითადად ვენეციელებს (ტიციანი და ვერონეზი).

მე -18 საუკუნის დასაწყისისთვის. კრესპი უკვე საკმაოდ ცნობილია, კერძოდ, თავისი საკურთხევლის გამოსახულებებით. მაგრამ მისი მოღვაწეობის ადრეული პერიოდის მთავარი ნაშრომია გრაფი პეპოლის (1691-1692) პალაზოს ძეგლების მონუმენტური ნახატი ბოლონიაში, რომლის მითოლოგიური პერსონაჟები (ღმერთები, გმირები, ნიმფები) მისი ინტერპრეტაციით გამოიყურება უკიდურესად მიწიერი, ცოცხალი და დამაჯერებელი, ბაროკოს ტრადიციული აბსტრაქტული სურათებისგან განსხვავებით ...

კრესპი მუშაობდა სხვადასხვა ჟანრში. მან დახატა ნახატები მითოლოგიურ, რელიგიურ და ყოველდღიურ საგნებზე, შექმნა პორტრეტები და ნატურმორტები და თითოეულ ამ ტრადიციულ ჟანრში მან შემოიტანა თავისი სამყაროს ახალი და გულწრფელი ხედვა. მხატვრის ერთგულება ბუნებისადმი, მიმდებარე რეალობის ზუსტი ასახვა შეუსაბამო წინააღმდეგობაში მოვიდა ბოლონიის აკადემიზმის დანგრეულ ტრადიციებთან, რომლებიც იმ დროისთვის ხელის შემშლელი გახდა ხელოვნების განვითარებისათვის. მაშასადამე, რეალისტური ხელოვნების ტრიუმფისათვის აკადემიური ფერწერის კონვენციების წინააღმდეგ განუწყვეტელი ბრძოლა გადის მის ყველა ნამუშევარზე, როგორც წითელი ძაფი.

1700 -იანი წლების დასაწყისში. კრესპი გადადის მითოლოგიური სცენებიდან გლეხური ცხოვრების სცენების გამოსახვაზე, განმარტავს მათ ჯერ პასტორალური სულისკვეთებით, შემდეგ კი აძლევს მათ ყოველდღიურ მხატვრობის სულ უფრო დამაჯერებელ ხასიათს. ერთ -ერთი პირველი მე -18 საუკუნის ოსტატებს შორის, მან დაიწყო ჩვეულებრივი ადამიანების ცხოვრების ასახვა - მრეცხავები, ჭურჭლის სარეცხი მანქანები, მზარეულები, ასევე ეპიზოდები გლეხური ცხოვრებიდან.

მისი ნახატების უფრო ავთენტური გახდომის სურვილი მას აიძულებს მიმართოს კარავაჯოს "მარნის" შუქს - ბნელი ინტერიერის ნაწილის მკვეთრ განათებას, რის გამოც ფიგურები იძენენ პლასტიკურ სიცხადეს. თხრობის სიმარტივესა და გულწრფელობას ავსებს ინტერიერის გამოსახულებაში შემოტანილი ხალხური გამოყენების საგნები, რომლებიც ყოველთვის ხატავს კრეპს დიდი ხატვის უნარით ("სცენა მარანში"; "გლეხის ოჯახი").

იმდროინდელი ყოველდღიური მხატვრობის უმაღლესი მიღწევა იყო მისი ტილოები "Fair in Poggio a Cayano" (დაახლ. 1708) და "Fair" (დაახლ. 1709), რომელიც ასახავდა ხალხმრავალ ხალხურ სცენებს.

მათ გამოავლინეს მხატვრის ინტერესი ჟაკ კალოს გრაფიკისადმი, ასევე მისი ახლო გაცნობა XVII საუკუნის ჟანრული მხატვრობის ჰოლანდიელი ოსტატების ნამუშევრებთან. მაგრამ კრესპში გლეხების გამოსახულებები მოკლებულია კალოს ირონიას და მან არ იცის როგორ აღწეროს გარემო ისე ოსტატურად, როგორც ჰოლანდიელმა ჟანრის მხატვრებმა. წინა პლანზე გამოსახული ფიგურები და საგნები უფრო დაწვრილებით არის დახატული, ვიდრე სხვები - ეს მაგნასკოს წესს ახსენებს. თუმცა, გენუელი მხატვრის შემოქმედება, შესრულებული ბრავურას ფორმით, ყოველთვის შეიცავს ფანტაზიის ელემენტს. კრესპი, პირიქით, ცდილობდა ფერადი და მხიარული სცენის დეტალური და ზუსტი აღწერისათვის. სინათლისა და ჩრდილის მკაფიოდ განაწილებით, იგი ანიჭებს თავის ფიგურებს ცხოვრების სპეციფიკას, თანდათანობით გადალახავს პასტორალური ჟანრის ტრადიციებს.

მოწიფული ოსტატის ყველაზე მნიშვნელოვანი ნამუშევარი იყო შვიდი ტილოს სერია "შვიდი საიდუმლო" (1710 -იანი წლები) - მე -18 საუკუნის დასაწყისის ბაროკოს მხატვრობის უმაღლესი მიღწევა (დანართი, სურ. 4). ეს არის სულ ახალი სულიერი ნაწარმოებები, რომლებშიც მოხდა გადახვევა რელიგიური სცენების ტრადიციული აბსტრაქტული ინტერპრეტაციიდან.

ყველა ნახატი ("აღსარება", "ნათლობა", "ქორწინება", "ზიარება", "მღვდელმსახურება", "დადასტურება", "უბიწოება") რემბრანდტის თბილი მოწითალო-ყავისფერი ტონით არის დახატული. მკაცრი განათების ტექნიკას მოაქვს გარკვეული ემოციური შენიშვნა საკრალურ თხრობაში. მხატვრის ფერის პალიტრა საკმაოდ მონოქრომულია, მაგრამ ამავე დროს ის საოცრად მდიდარია სხვადასხვა ფერებში და ფერებში, გაერთიანებულია რბილი, ზოგჯერ თითქოს შიგნიდან კაშკაშა ქიაროსკუროთი. ეს იძლევა ყველა ეპიზოდს, რომელიც გამოსახულია იდუმალი საიდუმლოების, რაც ხდება და ამავე დროს ხაზს უსვამს კრესპის გეგმას, რომელიც ცდილობს გითხრათ იმ დროის თითოეული ადამიანის ცხოვრების ყველაზე მნიშვნელოვან ეტაპებზე, რომლებიც წარმოდგენილია სახით სცენები რეალობიდან, იძენს ერთგვარი იგავის ხასიათს. უფრო მეტიც, ეს ამბავი გამოირჩევა არა ბაროკოსთვის დამახასიათებელი დიდაქტიკით, არამედ საერო აღმშენებლობით.

თითქმის ყველაფერი, რაც ოსტატმა დაწერა ამის შემდეგ, წარმოაჩენს სურათს მისი ნიჭის თანდათანობით გაქრობისა. ის სულ უფრო მეტად იყენებს თავის ნახატებში ნაცნობ კლიშეებს, კომპოზიციურ სქემებს, აკადემიურ პოზებს, რომლებსაც მანამდე თავს არიდებდა. გასაკვირი არ არის, რომ მისი გარდაცვალებიდან მალევე, კრეპსის ნამუშევარი სწრაფად დავიწყებას მიეცა.

როგორც ნათელი და ორიგინალური ოსტატი, ის აღმოაჩინეს მხოლოდ მეოცე საუკუნეში. მაგრამ მისი ხარისხის, სიღრმის და ემოციური გაჯერების თვალსაზრისით, კრესპის ნახატი, რომელიც ავსებს მე -17 საუკუნის ხელოვნებას, შესაძლოა თავისი საუკეთესო მანიფესტაციებით ჩამორჩეს მხოლოდ კარავაჯოს, რომლის შემოქმედებითაც ასე ბრწყინვალედ და ინოვაციურად დაიწყო ამ ეპოქის იტალიური ხელოვნება. რა

ეს ტექსტი შესავალი ფრაგმენტია.წიგნიდან გატეხილი ცხოვრება, ან ობერონის ჯადოსნური რქა ავტორი კატაევი ვალენტინ პეტროვიჩი

ხატვის დედამ იყიდა რაღაც ალბომის მსგავსი, რომელიც გარმონივით გაიშალა, ზიგზაგებში; მის ძალიან სქელ მუყაოს ფურცლებზე, შემთხვევით მიმოფანტული საყოფაცხოვრებო ნივთების მრავალი სურათი იყო დაბეჭდილი საღებავებით: ნათურა, ქოლგა, ტანსაცმლის ჩანთა,

წიგნიდან თემურლენგი ავტორი Roux Jean-Paul

მხატვრობა შაჰ რუხისა და მისი შვილის, ქველმოქმედის ბაი შუნგკურის (ჰერატში) წიგნის შექმნის ფაქტიდან (გარდაიცვალა 1434 წ.), ცხადია, რომ მე -15 საუკუნის დასაწყისში ელეგანტური კალიგრაფიული ხელწერით დაწერილი წიგნი გამოყენებულია ლამაზი სავალდებულო და გამოსახული მინიატურებით

წიგნიდან კოლიმას რვეულები ავტორი შალამოვი ვარლამი

პორტრეტის დახატვა - ეგოს დავა, დავა, არა საჩივარი, არამედ დიალოგი. ორი განსხვავებული სიმართლის ბრძოლა, ჯაგრისებისა და ხაზების ბრძოლა. ნაკადი, სადაც რითმები ფერებია, სადაც ყველა მალიავინი არის შოპენი, სადაც ვნებამ, საჯაროობის შიშის გარეშე, გაანადგურა ვინმეს ტყვეობა. ნებისმიერ ლანდშაფტთან შედარებით, სადაც აღიარებაა

წიგნიდან ანარეკლი წერაზე. ჩემი ცხოვრება და ჩემი ეპოქა მილერ ჰენრის მიერ

წიგნიდან ჩემი ცხოვრება და ჩემი ხანა მილერ ჰენრის მიერ

ხატვა მნიშვნელოვანია დაეუფლოს ხელოსნობის საფუძვლებს და სიბერეში გამოიჩინოთ გამბედაობა და დახატოთ ის, რასაც ბავშვები ხატავენ და არა ცოდნით დატვირთული. ხატვის პროცესის ჩემი აღწერა იმაში მდგომარეობს იმაში, რომ თქვენ ეძებთ რამეს. მე ვფიქრობ, რომ ნებისმიერი შემოქმედებითი ნამუშევარი მსგავსია. მუსიკაში

რენუარის წიგნიდან ავტორი ბონაფუ პასკალი

თავი მეშვიდე თავი შატუს, იტალიის მხატვრობა რენუარი, რომელიც გამოფენილი იყო სალონში, მეგობრების მიერ დამთმობად იქცეოდა და არ თვლიდა მას "მოღალატედ". ფაქტია, რომ სეზანი და სისლი ასევე "განდგომილები" იყვნენ, რადგან მათ გადაწყვიტეს არ მიეღოთ მონაწილეობა "დამოუკიდებელი

მატისის წიგნიდან ესკოლიერ რაიმონდის მიერ

სასამართლო და მხატვრობა არაფერი, როგორც ჩანს, ხელს უშლიდა ანრი მატისს, რომელმაც მიიღო კლასიკური განათლება, გააცნობიეროს მამის გეგმები და მამამისს სურდა, რომ ის ადვოკატი გამხდარიყო. მან ადვილად ჩააბარა გამოცდა 1887 წლის ოქტომბერში პარიზში, რამაც მას საშუალება მისცა მიეძღვნა თავი

წიგნიდან ჩერჩილი სიცრუის გარეშე. რატომ სძულთ მას ავტორი ბეილი ბორისი

ჩერჩილი და მხატვრობა 1969 წელს კლემენტინმა უთხრა მარტინ გილბერტს, ჩერჩილის ყველაზე ფუნდამენტური ბიოგრაფიის ავტორს რვა ტომად (პირველი ორი დაიწერა ჩერჩილის ვაჟმა რენდოლფმა): „დარდანელებში წარუმატებლობა უინსტონს მთელი ცხოვრება ასვენებდა. წასვლის შემდეგ

წიგნიდან მე -20 საუკუნის დიდი ადამიანები ავტორი ვულფი ვიტალი იაკოვლევიჩი

ფერწერა

წიგნიდან დღიურის ფოთლები. ტომი 2 ავტორი როერიხ ნიკოლოზის ძე კონსტანტინოვიჩი

ხატვა პირველ რიგში, მე მიმიზიდა საღებავები. კარაქით დაიწყო. პირველი ნახატები სქლად და სქლად იყო დახატული. არავინ ფიქრობდა, რომ თქვენ შეგიძლიათ მისი გაჭრა მკვეთრი დანით და მიიღოთ მინანქრის მკვრივი ზედაპირი. სწორედ ამიტომ "უხუცესები იკრიბებიან" გამოვიდა ასე უხეში და თუნდაც მკვეთრი. ვიღაც შიგნით

რახმანინოვის წიგნიდან ავტორი ფედიაკინი სერგეი რომანოვიჩი

5. ფერწერა და მუსიკა "მკვდარი კუნძული" რახმანინოვის ერთ -ერთი ყველაზე ბნელი ნაწარმოებია. და ყველაზე სრულყოფილები. ის წერას დაიწყებს 1908 წელს. ის დაამთავრებს 1909 წლის დასაწყისში. ერთხელ, დაუმთავრებელი კვარტეტის ნელ ნაწილში, მან იწინასწარმეტყველა ასეთი მუსიკის შესაძლებლობა. დიდხანს,

ივნისის წიგნიდან. მზის მარტოობა ავტორი სავიცკაია სვეტლანა

ხატვა და გრაფიკა იმისათვის, რომ ისწავლო ხატვა, ჯერ უნდა ისწავლო ხილვა. ნებისმიერს შეუძლია ხატვა, კამერასა და მობილურ ტელეფონს შეუძლია კოპირება, მაგრამ, როგორც ფერწერაში განიხილება, "მხატვრის სახე" ძნელი მოსაპოვებელია. ჯუნამ თავისი კვალი დატოვა ფერწერაზე. მისი ნახატები

წიგნიდან მე -17 საუკუნის ხელოვნების ისტორია ავტორი ხამამატოვა ვ.ვ.

ესპანეთში ხელოვნება, როგორც მთელი ესპანური კულტურა, როგორც წესი, გამოირჩეოდა მნიშვნელოვანი ორიგინალობით, რაც იმაში მდგომარეობს, რომ რენესანსმა ამ ქვეყანაში, ძლივს მიაღწია მაღალი ყვავილობის სტადიას, მაშინვე შემოვიდა ვარდნის პერიოდში და კრიზისი, რომელიც იყო

ავტორის წიგნიდან

ფერწერა ფლანდიაში ფლამანდურ ხელოვნებას გარკვეული გაგებით შეიძლება ეწოდოს უნიკალური ფენომენი. ისტორიაში არასოდეს ყოფილა ასეთი პატარა ქვეყანა, რომელიც ასევე იყო ასეთ დამოკიდებულ მდგომარეობაში, ასეთი გამორჩეული და მნიშვნელოვანი

ავტორის წიგნიდან

ნიდერლანდების დახატვა ჰოლანდიის რევოლუციამ ჰოლანდია, კარლ მარქსის სიტყვებით, „მე -17 საუკუნის სამაგალითო კაპიტალისტურ ქვეყნად“ აქცია. ეროვნული დამოუკიდებლობის დაპყრობა, ფეოდალური ნარჩენების განადგურება, პროდუქტიული ძალების სწრაფი განვითარება და ვაჭრობა

ავტორის წიგნიდან

საფრანგეთის დახატვა მე -17 საუკუნეში საფრანგეთმა განსაკუთრებული ადგილი დაიკავა ევროპის მოწინავე ქვეყნებს შორის მხატვრული შემოქმედების სფეროში. ევროპული ფერწერის ეროვნულ სკოლებს შორის შრომის გაყოფისას საფრანგეთის ჟანრული, თემატური, სულიერი და ფორმალური ამოცანების გადაწყვეტაში

ტერმინი "რენესანსი" (რენესანსი) ეხება პერიოდს მე -14 -დან მე -16 საუკუნემდე. ისტორიული დოკუმენტები მიუთითებს იმაზე, რომ ამ დრომდე ევროპა ჩაეფლო რელიგიურ ობსკურანტიზმში და იგნორირებაში, რაც, შესაბამისად, არ აძლევდა ხელოვნების განვითარების საშუალებას. მაგრამ ახლა დადგა დრო, საერო ცხოვრებამ დაიწყო ოდნავ აღორძინება, რამაც სტიმული მისცა მეცნიერებისა და კულტურის განვითარებას, დაიწყო პროტო-რენესანსის ეპოქა. იტალიური რენესანსის მხატვრები გამოავლინეს მსოფლიოს.

XIV საუკუნის იტალიაში გამოჩნდნენ მხატვრები-ინოვატორები, რომლებმაც დაიწყეს ახალი შემოქმედებითი მეთოდების ძებნა (Giotto di Bondone, Cimabue, Niccolo Pisano, Arnolfo di Cambio, Simone Martine). მათი ნამუშევარი გახდა მსოფლიო ხელოვნების ტიტანების მომავალი დაბადება. ფერწერის დასახელებული ოსტატებიდან ყველაზე გამორჩეულია ალბათ ჯოტო, რომელსაც შეიძლება ვუწოდოთ იტალიური ფერწერის ნამდვილი რეფორმატორი. მისი ყველაზე ცნობილი ნახატი არის იუდას კოცნა.

ადრეული რენესანსის იტალიელი მხატვრები

ჯოტოს შემდეგ მოვიდნენ ისეთი მხატვრები, როგორებიც არიან სანდრო ბოტიჩელი, მასაჩიო, დონატელო, ფილიპო ბრუნელესკი, ფილიპო ლიპი, ჯოვანი ბელინი, ლუკა სიგონელი, ანდრეა მანტეგნა, კარლო კრიველი. ყველა მათგანმა აჩვენა მსოფლიოს ულამაზესი ნახატები, რომელთა ნახვაც შესაძლებელია ბევრ თანამედროვე მუზეუმში. ყველა მათგანი ადრეული რენესანსის იტალიელი დიდი მხატვრებია და ჩვენ შეგვიძლია ვისაუბროთ თითოეული მათგანის შემოქმედებაზე ძალიან დიდი ხნის განმავლობაში. მაგრამ ამ სტატიის ფარგლებში, ჩვენ უფრო დეტალურად შევეხებით მხოლოდ იმას, ვისი სახელიც ყველაზე მეტად ისმის - დაუჯერებელი სანდრო ბოტიჩელი.

აქ არის მისი ყველაზე ცნობილი ნახატების სახელები: "ვენერას დაბადება", "გაზაფხული", "სიმონეტა ვესპუჩის პორტრეტი", "ჯულიანო მედიჩის პორტრეტი", "ვენერა და მარსი", "მადონა მაგნიფიკატი". ეს ოსტატი ცხოვრობდა და მუშაობდა ფლორენციაში 1446 წლიდან 1510 წლამდე. ბოტიჩელი იყო მედიჩის ოჯახის სასამართლო მხატვარი, ეს არის ის, რაც განმარტავს იმ ფაქტს, რომ მისი შემოქმედებითი მემკვიდრეობა სავსეა არა მხოლოდ რელიგიური თემების ნახატებით (ბევრი იყო მის შემოქმედებაში) , არამედ საერო ფერწერის მრავალი მაგალითი.

მაღალი რენესანსის მხატვრები

მაღალი რენესანსის ეპოქა - მე -15 საუკუნის დასასრული და მე -16 საუკუნის დასაწყისი - დრო, როდესაც ისეთმა იტალიელმა მხატვრებმა, როგორებიც იყვნენ ლეონარდო და ვინჩი, რაფაელი, მიქელანჯელო, ტიციანი, ჯორჯონი, ქმნიდნენ თავიანთ შედევრებს ... რა სახელები, რა გენიოსები!

განსაკუთრებით შთამბეჭდავია დიდი სამების - მიქელანჯელოს, რაფაელის და და ვინჩის მემკვიდრეობა. მათი ნახატები ინახება მსოფლიოს საუკეთესო მუზეუმებში, მათი შემოქმედებითი მემკვიდრეობა ლაღი და შიშის მომგვრელია. ალბათ, ცივილიზებულ თანამედროვე სამყაროში არ არსებობს ისეთი ადამიანი, ვინც არ იცოდეს რა არის ლეონარდოს "მადამ ლიზა ჯოკონდოს პორტრეტი", რაფაელის "სიქსტინ მადონა" თუ დავითის ულამაზესი მარმარილოს ქანდაკება. გაბრაზებული მიქელანჯელო, ჰგავს.

გვიან რენესანსის ფერწერისა და ქანდაკების იტალიელი ოსტატები

მოგვიანებით რენესანსმა (მე -16 საუკუნის შუა წლები) მისცა მსოფლიოს მრავალი შესანიშნავი მხატვარი და მოქანდაკე. აქ არის მათი სახელები და ყველაზე ცნობილი ნამუშევრების მოკლე ჩამონათვალი: ბენვენუტო ცელინი (პერსევსის ქანდაკება მედუზა გორგონის თავით), პაოლო ვერონეზე (ნახატები "ვენერას ტრიუმფი," არიადნე და ბაკუსი "," მარსი და ვენერა ", და სხვ.), ტინტორეტო (ნახატები "ქრისტე პილატეს წინ," წმინდა მარკოზის სასწაული "და სხვა), ანდრეა პალადიო-არქიტექტორი (ვილა როტონდა), პარმიგიანინო (" მადონა და ბავშვი ხელში "), იაკოპო პონტორმო (" პორტრეტი ქალბატონი ძაფით ძაფისთვის "). და მიუხედავად იმისა, რომ ყველა ეს იტალიელი მხატვარი მუშაობდა რენესანსის ბოლოს, მათი ნამუშევრები შედიოდა მსოფლიო ხელოვნების ოქროს ფონდში.

რენესანსი გახდა უნიკალური და განუმეორებელი პერიოდი კაცობრიობის ცხოვრებაში. ამიერიდან ვერავინ შეძლებს ამ დიდი იტალიელების ოსტატობის საიდუმლოების ამოხსნას, ან სულ მცირე დაუახლოვდება მათ სამყაროს სილამაზისა და ჰარმონიის გაცნობიერებას და სრულყოფილების ტილოზე გადაცემის უნარს. საღებავები

რენესანსის დასრულების შემდეგ, მზიანმა იტალიამ განაგრძო კაცობრიობის ხელოვნების ნიჭიერი ოსტატების მიცემა. შეუძლებელია არ ახსენო ისეთი ცნობილი შემქმნელების სახელები, როგორიცაა ძმები კარაჩი - აგოსტინო და ანიბალე (მე -16 საუკუნე), კარავაჯო (მე -17 საუკუნე) ან ნიკოლა პუსინი, რომლებიც ცხოვრობდნენ იტალიაში მე -17 საუკუნეში.

დღეს კი, შემოქმედებითი ცხოვრება არ კვდება აპენინის ნახევარკუნძულზე, თუმცა, იტალიელი თანამედროვე მხატვრები ჯერ არ მიუღწევიათ იმ დონის უნარსა და დიდებას, რაც მათ ბრწყინვალე წინამორბედებს ჰქონდათ. მაგრამ, ვინ იცის, ალბათ რენესანსი ჯერ კიდევ წინ გველოდება და შემდეგ იტალია შეძლებს მსოფლიოს აჩვენოს ხელოვნების ახალი ტიტანები.