აღორძინების მუსიკალური კულტურის ზოგადი მახასიათებლები. მაღალი რენესანსის მუსიკა რენესანსის მუსიკალური კულტურის თავისებურებები

აბსტრაქტული on აკადემიური დისციპლინა"კულტუროლოგია"

თემაზე: „რენესანსის მუსიკა“.

Გეგმა

1. შესავალი.

2. რენესანსის იარაღები.

3. რენესანსის სკოლები და კომპოზიტორები.

5. დასკვნა.

6. ცნობარების სია.

1. შესავალი.

რენესანსის მუსიკალური ხელოვნება, უპირველეს ყოვლისა, ინოვაციური ხელოვნებაა. უპირველეს ყოვლისა, ეს ინოვაციური ხასიათი განპირობებულია საერო სიმღერისა და ცეკვის კულტურის გარღვევით. თითოეულ ქვეყანაში სიმღერისა და ცეკვის ჟანრები ეფუძნებოდა ხალხური წარმოშობა. იქნება ეს ესპანური Villancika, ინგლისური ბალადა, იტალიური ფროტოლა, ფრანგული შანსონი თუ გერმანული წამყვანი, ყველა მათგანი მიზნად ისახავს რთული შინაგანი სამყაროს გადმოცემას. ადამიანის პიროვნებაუთხარით ხალხს ცხოვრების სიამოვნების შესახებ. ამ სიმღერებში იგრძნობა რენესანსის ეპოქის ადამიანის განცდის ყველა სპეციფიკა.

საეროთა ტრიუმფი მუსიკალური კულტურაგახდა მადრიგალი - იტალიურად შესრულებული სიმღერა. ეს იყო ენა, რომელიც ხაზს უსვამდა ამ ჟანრის საეკლესიო მუსიკიდან გასვლას, რომელზეც შესრულდა ლათინური. მადრიგალის ევოლუცია საინტერესო პროცესია, რომელიც უბრალო მწყემსის სიმღერის მსგავსებიდან გადაიქცა სრულფასოვან მუსიკალურ ნაწარმოებად, მოიცავდა როგორც ვოკალურ, ასევე ინსტრუმენტულ ხაზებს. განსაკუთრებულ ყურადღებას იმსახურებს მადრიგალების ტექსტი, რომლის ავტორებიც იყვნენ გამოჩენილი პოეტებირენესანსის, მათ შორის ფ.პეტრარქის. არ იყო განვითარებული მუსიკალურადევროპის ქვეყნები, სადაც მადრიგალები არ დაიწერება.

ამ პერიოდის მუსიკალური კულტურის სპეციფიკის მეორე თავისებურება შეიძლება ეწოდოს მრავალხმიანობის აყვავებას. კომპოზიტორებმა, რომლებმაც დაწერეს პოლიფონიური ნაწარმოებები, წვლილი შეიტანეს რენესანსის უდიდესი ჟანრის - მასის ევოლუციაში. ამ პროგრესის შედეგი იყო მასა, რომელსაც აქვს მკაცრად გააზრებული ციკლური ფორმა. მესაში ნაწილების შეცვლაზე გავლენას ახდენდა საეკლესიო კალენდარი: წირვას ჰქონდა სავალდებულო სულიერი მნიშვნელობამოვლენასთან დაკავშირებული. მაგრამ როგორიც არ უნდა იყოს საეკლესიო კალენდარი, წირვა შედგებოდა სავალდებულო ნაწილებისგან.

მესამე თავისებურება არის ინსტრუმენტული მუსიკის შესამჩნევად გაზრდილი მნიშვნელობა, მიუხედავად იმისა, რომ დომინანტური როლი ეკუთვნოდა ვოკალურ ჟანრებს. ახლა ინსტრუმენტული მუსიკა გახდა პროფესიონალი და გარკვეული ყურადღება გაამახვილა ამა თუ იმ ინსტრუმენტზე (ინსტრუმენტების ჯგუფზე). კომპოზიტორები წერდნენ კომპოზიციებს ლაიტის, კლავიატურის, ალტისა და მისი ჯიშებისთვის.

მეოთხე თვისებაა ეროვნული კომპოზიტორთა სკოლების გაჩენა და ჩამოყალიბება. თითოეულ მათგანს ჰქონდა საკუთარი სპეციფიკა, წამოაყენა არაერთი გამოჩენილი წარმომადგენელი, გააჩნდა უნიკალური თვისებები, რომლებიც დაკავშირებულია ქვეყნის ხალხურ მუსიკალურ ხელოვნებასთან.

მეხუთე თვისება არის მუსიკის თეორიის სწრაფი ევოლუცია. მეცნიერები ცდილობდნენ შეემუშავებინათ ყველაზე მნიშვნელოვანი მუსიკალური ელემენტების ცნებები და კანონები - მელოდია, ჰარმონია, მრავალხმიანობა. ასე რომ, რენესანსი იყო გარდამტეხი მომენტი განვითარებაში ევროპული კულტურამუსიკისთვისაც რადიკალური ცვლილებების დრო აღმოჩნდა.

2. რენესანსის იარაღები.

იარაღების გაფართოებას შეუწყო ხელი რენესანსის ჟანრების განვითარებამაც. ევროპის დიდ ქვეყნებში - იტალიაში, ჰოლანდიაში, ინგლისში, ესპანეთში, საფრანგეთში, ნაჩქარევად გაიხსნა მუსიკალური ინსტრუმენტების წარმოების სახელოსნოები და ისინი ძალიან კარგად მუშაობდნენ.

მუსიკალური ინსტრუმენტების მეფე დიდი ხნის განმავლობაში იყო ორღანი, რომელიც დომინირებდა როგორც საკონცერტო, ისე სულიერ სფეროებში. მაგრამ დროთა განმავლობაში ვითარება შეიცვალა და წინა პლანზე წამოვიდა სიმებიანი და სიმებიანი საკრავები. ეს არის ალტი (თანამედროვე ვიოლინოსა და ალტის წინაპარი) და ლუტი, მუსლიმური კულტურიდან ნასესხები ინსტრუმენტი. ამ ინსტრუმენტებზე რეკორდული რაოდენობის ნამუშევრები დაიწერა. ლაიტა იყო შესანიშნავი თანმხლები ინსტრუმენტი ვოკალური შესრულებისთვის.

სხვა ინსტრუმენტებიც პოპულარული იყო. ხის ჩასაბერ ინსტრუმენტებს შორის იყო ბომბარდა და შალი. ბომბარდა არის ბას ინსტრუმენტი, რომელიც მოელოდა თანამედროვე ფაგოტს. ახასიათებს უხეში ტემბრი, რომელიც არ უწყობს ხელს მხატვრულ ექსპრესიულობას (ფაგოტისგან განსხვავებით).

შალმეი გამოირჩეოდა უაღრესად მაღალი ხმით და ძალიან ფართო დიაპაზონით, რომლითაც ბომბარდი ვერ დაიკვეხნიდა. შამის გარეშე შეუძლებელი იყო საზეიმო ღონისძიებებისა თუ ცეკვების წარმოდგენა. ბაროკოს შემდგომ ეპოქაში შალი დიდი ხნის განმავლობაში დავიწყებული იყო.

სიმებიანი საკრავების ჯგუფში, გარდა ზემოაღნიშნული ალტისა, მოიცავდა: viola da gamba, viola da braccio და ამ საკრავის სხვა სახეობებს.

ვიოლა და გამბაზე დაკვრა ნიშნავდა ფეხებთან საყრდენს, აქედან მომდინარეობს მისი სახელი (it. gamba - ფეხი). ბევრი რენესანსის კომპოზიტორი წერდა თავის ნაწარმოებებს, როგორც სოლო ინსტრუმენტის გათვალისწინებით. შესაბამისად, viola da braccio არის ინსტრუმენტი, რომელიც ხელში უჭირავს. ორივე ალტი ფართოდ გამოიყენებოდა როგორც სოლო, ისე ანსამბლებისა და ორკესტრების მონაწილე ინსტრუმენტებად.

ფართოდ იყო გავრცელებული კლავიატურის ინსტრუმენტები: კლავესინი (ასევე ეხება სიმებს), კლავიკორდი, სპინეტი (ასევე მიეკუთვნება კლავიატურის სიმების ჯგუფს), ქალწული.

კლავესინს აქვს ძალიან სასიამოვნო და სპეციფიკური ტემბრი, მაგრამ მისი მნიშვნელოვანი ნაკლი არის ხმის დინამიურად შეცვლის შეუძლებლობა. ეს ინსტრუმენტი უფრო რეალიზებული აღმოჩნდა ბაროკოს ეპოქაში, ვიდრე რენესანსის ეპოქაში.

სპინეტი კლავესინის სახეობაა. მისი სამშობლო, ისევე როგორც მრავალი სხვა მუსიკალური ინსტრუმენტი, არის იტალია. ეს ინსტრუმენტი უფრო საშინაო ინსტრუმენტი იყო, ვიდრე საკონცერტო ინსტრუმენტი. ბევრ მდიდარ ქალბატონს სახლში ჰქონდა სპინეტი და მღეროდა მის თანხლებით, ან უკრავდა მასზე მუსიკას.

ეხება კლავესინისა და ქალწულის მრავალფეროვნებას. ამ ინსტრუმენტის სახელი შეიცავს მისი ხმის მახასიათებლების გასაღებს. მიღებული ლათ. ვირჯინია (ქალწული), სახელი მის წმინდა და ანგელოზურ ხმაზე მიუთითებდა.

კლავიკორდი, რომელიც იყო ერთ-ერთი უძველესი მუსიკალური ინსტრუმენტი მუსიკის ისტორიაში, კარგად მოქმედებდა რენესანსში. მთავარი მახასიათებელიკლავიკორდი შეიძლება ეწოდოს მასზე ვიბრატოს ამოღების შესაძლებლობას. კლავიკორდი დიდ პატივს სცემდა როგორც პროფესიონალ მუსიკოსებს, ასევე მოყვარულებს. კლავიატურაზე დაკვრას მუსიკას კლავიერი ერქვა და უზარმაზარი წვლილიმის განვითარებაში წვლილი შეიტანეს ბრიტანელებმა.

ამრიგად, ინსტრუმენტების დიაპაზონი საკმაოდ მდიდარი და მრავალფეროვანი იყო, რაც მუსიკისა და კომპოზიტორული ხელოვნების სრულფასოვან ჟანრობრივ განვითარებაზე მეტყველებდა. აქვე უნდა აღინიშნოს, რომ თითოეულ ინსტრუმენტს ჰყავდა თავისი ვირტუოზი შემსრულებლები.

3. რენესანსის სკოლები და კომპოზიტორები.

აღორძინების ეპოქის რამდენიმე ძირითადი კომპოზიტორული სკოლა არსებობდა, რომლებიც ჩამოყალიბდა ყველაზე განვითარებულ ქვეყნებში. ეს არის ექვსი ძირითადი სკოლა: იტალიური, ჰოლანდიური, ინგლისური, ფრანგული, გერმანული და ესპანური. მათ შორის ლიდერი ჰოლანდიური სკოლა იყო. აღსანიშნავია ის ფაქტი, რომ მას აქვს შემუშავებული პროფესიული მუსიკალური განათლების სისტემა. მომავალი კომპოზიტორები სწავლობდნენ მეტრიზაში - სკოლებში კათოლიკური ეკლესიები. ჰოლანდიური მუსიკა მეტრისს დიდი ვალია, რადგან ამ სასწავლებლების კურსდამთავრებულები გამოჩენილი კომპოზიტორები გახდნენ.

ამ სკოლის კომპოზიტორები მიზიდულნი იყვნენ რამდენიმე ჟანრისკენ. უპირველეს ყოვლისა, ეს არის მასა (მრავალხმიანი მრავალხმიანი), სიმღერები და მოტეტები. უპირატესობა ენიჭებოდა მრავალხმიან სიმღერებს. მოტეტები შედგენილი იყო ანსამბლებისთვის. მათ ასევე მიმართეს ისეთ ჟანრებს, როგორიცაა შანსონი და მადრიგალი - საერო მუსიკის სულიერზე გამარჯვების ერთგვარი სიმბოლო.

ნიდერლანდების სკოლის დამსახურებაა მრავალხმიანი საგუნდო სიმღერის მუსიკალური მემკვიდრეობის განზოგადება. გარდა ამისა, შეიქმნა და დამონტაჟდა კლასიკური ჟანრებიზემოთ ნახსენები, დაადგინა მრავალხმიანობის კანონები.

ჰოლანდიურ სკოლას ბევრი კომპოზიტორით შეუძლია იამაყოს. მათ შორის არიან J. Okeghem, G. Dufay, J. Despres, J. Obrecht, J.P. შეშუპება და სხვა. თითოეულმა მათგანმა არა მხოლოდ დაწერა შესანიშნავი მუსიკა, არამედ ხელი შეუწყო მუსიკალური ხელოვნების თეორიის განვითარებას. გ.დუფეიმ საფუძველი ჩაუყარა ეროვნულ მრავალხმიანობას; ჯ.ობრეხტმა გაამდიდრა მუსიკა ხალხური მელოდიები; Ya.P. სველინგმა შექმნა ორგანული დაკვრის სკოლა.

იტალიური სკოლაც სამართლიანად ითვლებოდა ძალიან ძლიერად და ამავდროულად მრავალმხრივ, რადგან. შედგებოდა მთელი რიგი ეროვნული სკოლებისაგან, რომელთა შორის გამოირჩეოდა ორი: რომაული და ვენეციური.

რომაული სკოლის ხელმძღვანელი იყო J. P. Palestrina, რომელსაც თანამდებობა ეკავა სიქსტის კაპელაში. მისმა საქმიანობამ განსაზღვრა მის მიერ დაწერილი მუსიკის სულიერი მიმართულება. Mass გამოდის მთავარი ჟანრი, რომელსაც ის ეხება. თუმცა, მან შეასრულა ნაწარმოებები იმ დროის სხვა საერთო ჟანრებში. ჯ.პ. პალესტრინამ მოახერხა საეკლესიო მუსიკაში პოლიფონიის დაცვა, რომლის მიტოვებაც სურდათ, სურდათ მისი შეცვლა უნისონური სიმღერით (გრიგორიული გალობა). ამ სკოლის სხვა გამოჩენილი კომპოზიტორები იყვნენ ფ. ანერიო, ჯ. ჯანაკონი და სხვები. რომაული სკოლა ორიენტირებული იყო ინსტრუმენტულ საეკლესიო მუსიკაზე.

ვენეციური სკოლა ჩამოყალიბდა ჰოლანდიელი კომპოზიტორის ა.ვილარტის მოღვაწეობის წყალობით. მასში ასევე შედიოდნენ ისეთი კომპოზიტორები, როგორებიც არიან C. Monteverdi, C. Merulo, J. Bassano. ეს და სხვა წარმომადგენლები ნებით ეწეოდნენ არა მხოლოდ ინსტრუმენტულ, არამედ ვოკალურ მუსიკას. ექსპერიმენტებისკენ მიდრეკილებმა შექმნეს ახალი მუსიკალური სტილი - კონცერტატო. ვენეციის საკომპოზიტორო სკოლამ მოამზადა საფუძველი ეტაპსმუსიკაში - ბაროკო.

ინგლისური კომპოზიციის სკოლა ეფუძნებოდა ვოკალურ მრავალხმიანობას, რომელსაც ჰქონდა ქვეყნის მუსიკალური ტრადიციები. ინგლისი იყო პირველი ქვეყანა, რომელსაც ჰქონდა ხელოვნების ბაკალავრის წოდება. რენესანსის დროს, არაერთმა კომპოზიტორმა დაიწყო საერო მუსიკალური ხელოვნების საეკლესიო ვოკალური ხელოვნების წინააღმდეგობა. ერთ-ერთი ყველაზე საყვარელი კომპოზიტორის ჟანრი იყო მადრიგალი. გაითვალისწინეთ, რომ მუსიკის ხელოვნება განვითარდა რენესანსის ინგლისში არც ისე მრავალფეროვანი და ნათელი, როგორც ევროპის სხვა ქვეყნებში.

ფრანგული სკოლა ერთ-ერთი ყველაზე თავისებურია. აქ სიმღერის ხელოვნება განვითარდა საკუთარი კანონებით და ეწოდა „შანსონი“. რა თქმა უნდა, მისი ინტერპრეტაცია შეუძლებელია თანამედროვე გრძნობა. მაშინ ეს იყო მრავალხმიანი ნაწარმოები, რომელიც არ იყო დაკავშირებული ეკლესიასთან და ბიბლიური თემები. მაგრამ მაშინაც, შანსონში, საგრძნობი იყო კავშირი ხალხურ მუსიკასთან და საცეკვაო რიტმებთან.

კომპოზიტორმა კ.ჟანეკენმა განსაკუთრებით ამ ჟანრში გამოიჩინა თავი, რომელმაც დაწერა ამ ჟანრის დიდი რაოდენობით ნაწარმოებები. სხვა ჟანრებსაც მიუბრუნდა - მასები, მოტეტები და ა.შ.

პროფესიონალი კადრები გერმანიაში რენესანსის დროს აყალბებდნენ სამლოცველოებში, რომლებიც ჩვეულებრივ არსებობდნენ საკათედრო ტაძრებსა და სასამართლოებში; და ასევე დან შემოქმედებითი ასოციაციებიბურგერებს შორის რომ განვითარდა. გერმანელი კომპოზიტორებითავი გამოიჩინეს როგორც ნიჭიერი პოლიფონისტები და მათ შორის ბევრი დიდი ოსტატი იყო, თუმცა ამ მხრივ ვერც ნიდერლანდებს და ვერც იტალიას ვერ დაეწიათ. გერმანული სკოლის დიდება ჯერ კიდევ წინ იყო.

გერმანულ მუსიკალურ ხელოვნებაში გამორჩეული ფენომენი იყო მეისტერსანგმა, რომელმაც შეცვალა მინესანგი. ასე ერქვა ბურგერული გარემოდან გაზრდილი პროფესიონალი პოეტ-მომღერლების მოღვაწეობას. მიუხედავად ამისა, მიუხედავად იმისა, რომ ისინი პროფესიონალები იყვნენ, მათი წინამორბედების, მაღაროელების ნამუშევარი მათთვის ესთეტიკური სახელმძღვანელო იყო.

ესპანეთში მუსიკალურმა ხელოვნებამ, რენესანსის დროსაც კი, ვერ გათავისუფლდა კათოლიკური ეკლესიის დიქტატურისგან. ესპანეთის ყველა გამოჩენილი კომპოზიტორი საეკლესიო მსახურებაში იმყოფებოდა და მათი ნაწარმოებები, თუნდაც მრავალხმიანი, დამკვიდრებული ტრადიციებით იყო შემოსაზღვრული. ამავდროულად, მათ არ შეეძლოთ არ მიეღოთ ნიდერლანდებისა და იტალიის მიერ შემოტანილი სიახლეები, ამიტომ მცდელობები კვლავ იგრძნობა მთავარი კომპოზიტორების შემოქმედების მიღმა.

რენესანსის ესპანეთში განვითარდა ისეთი ჟანრები, როგორიცაა სულიერი მრავალხმიანობა, სიმღერის ჟანრი (vilansicos) და მოტეტები. ესპანური მუსიკა გამოირჩეოდა თავისებური მელოდიით და Villancicos ამის ნათელი მაგალითია. ზოგადად, თითოეულ სკოლას, მიუხედავად განვითარების დაახლოებით ზოგადი ტენდენციებისა, ჰქონდა თავისი ეროვნული შეფერილობა.

4. მუსიკოსები და მათი ნამუშევრები რენესანსში.

მოტეტი, მადრიგალი და მასა იყო სამი ყველაზე მნიშვნელოვანი ჟანრი რენესანსის პერიოდში. ამიტომ მათთან ასოცირდება უდიდესი მუსიკოსების სახელები. იტალიურ მუსიკალურ ხელოვნებაში ხმამაღლა ჟღერს ჯოვანი პიერლუიჯი და პალესტრინას სახელი. მთელი ცხოვრება საეკლესიო მუსიკის დარგში რომ მუშაობდა, თავისი მოღვაწეობით წვლილი შეიტანა ისეთი სტილის დამკვიდრებაში, როგორიც არის კაპელა, რომელიც დღესაც ფართოდ არის გავრცელებული. გ.პალესტრინოს ყველაზე ცნობილ ნაწარმოებებს შორისაა „პაპ მარჩელოს მესა“. მიუხედავად სირთულისა, ეს ნამუშევარი სავსეა სიცხადით, სიწმინდით, ჰარმონიით, რაც, ფაქტობრივად, კომპოზიტორის სტილის მთავარი მახასიათებელია.

კიდევ ერთი იტალიელი, გესუალდო დი ვენოსა, ასევე ძალიან ნაყოფიერი კომპოზიტორია. მის მიერ დაწერილი მადრიგალების რაოდენობა ექვს წიგნს შეადგენდა. ავტორი ცდილობდა მუსიკის დახმარებით შეესწავლა ადამიანის რთული შინაგანი სამყარო, აესახა მისი გრძნობები. G. di Venosa-ს ძალიან ბევრი მადრიგალია ნახმარი ტრაგიკული პერსონაჟი. ექსპრესიულობა და დახვეწა ამ კომპოზიტორის მუსიკის მთავარი მახასიათებელია.

ორლანდო დი ლასო (ნიდერლანდები) - რენესანსის კიდევ ერთი დიდი წარმომადგენელი. მან დაწერა მრავალი ნამუშევარი, მაგრამ მისი ერთ-ერთი ყველაზე თვალსაჩინო წარმატებაა Echo madrigal, რომელშიც აკუსტიკური ეფექტების იმიტაცია ხდება. თავის მუსიკაში ო.დი ლასომ შეძლო გადმოეცა თავისი ეპოქის ცეკვა, სიმღერა და თუნდაც ყოველდღიური თვისებები.

ინგლისური მუსიკის ყველაზე ნათელი წარმომადგენელი იყო ჯონ დანსტაბლი, რომელმაც უდიდესი წვლილი შეიტანა ეროვნული მრავალხმიანობის განვითარებაში. ის არის არაერთი მასის, მოტეტისა და სიმღერის ავტორი, რომლებიც პოპულარული გახდა. მის მიერ დაწერილი ყველა ნაწარმოები არ არის შემორჩენილი, მაგრამ ის, რაც შემორჩენილია, მოწმობს მას, როგორც გამომგონებელს და ნაყოფიერ კომპოზიტორს.

ინგლისური ვოკალური მუსიკა შეიძლება იამაყოს თომას მორლისა და ჯონ დოულენდის სახელებით. ამ უკანასკნელის ნამუშევარმა თავად ვ. შექსპირი გაახარა. ვარაუდობენ, რომ ჯ. დოულენდი არის მუსიკის ავტორი დიდი დრამატურგის პიესებისთვის. კომპოზიტორმა შეასრულა მუსიკა ლაითისა და ხმისათვის; შემოქმედებაში ამჯობინა ტრაგიკული მიმართულება, მაგრამ, მიუხედავად ამისა, მისი ერთ-ერთი იუმორისტული სიმღერა "ქალბატონის ლამაზი ხრიკები" ძალიან პოპულარული გახდა.

ტი მორლიმ (მისი სტუდენტი იყო ცნობილი უილიამ ბირდი) მთელი თავისი შემოქმედებით წვლილი შეიტანა იტალიელი კომპოზიტორების მადრიგალების პოპულარიზაციასა და პოპულარიზაციაში. სავსებით ბუნებრივი იყო, რომ ამ ჟანრში ის თავად ქმნიდა მუსიკას. Ერთ - ერთი ყველაზე ცნობილი სიმღერები- „საყვარელი და მისი შეყვარებული - ხიბლავს მაყურებელს თავისი უბრალოებითა და გულწრფელობით.

კრისტობალ დე მორალესმა პოპულარობა მოუტანა ესპანურ მუსიკას. მის შემოქმედებაში ეროვნული ესპანური ტრადიციები და მიღწევები სრულად იყო შერწყმული. საუკეთესო კომპოზიტორებიიტალია და ნიდერლანდები. ამ სინთეზზე დაყრდნობით მან შექმნა მრავალი მასა და მოტეტი.

ეკუთვნის გამოჩენილ ესპანელ კომპოზიტორთა რიცხვს და თომას ლუის დე ვიქტორიას, რომლებიც არა მხოლოდ მუსიკას ქმნიდნენ, არამედ ფლობდნენ სიმღერისა და ორღანის დაკვრის ხელოვნებას. წერდა სულიერი ორიენტაციის მრავალხმიან ნაწარმოებებს.

უამრავ ფრანგ ოსტატს შორის გამოირჩევა კლემენტ ჯანეკინის სახელი, რომელმაც შანსონი სათანადო დონეზე აიყვანა. მისი სიმღერები არის მრავალფეროვანი თემები, მელოდიები, მუსიკალური აზრები, ასევე ხმის იმიტაცია. ყოველი სიმღერის სათაურის გადმოცემას მუსიკის საშუალებით ცდილობდა.

თუ ვსაუბრობთ გერმანულ მუსიკაზე, მაშინ პირველ რიგში ორგანისტი და კომპოზიტორი ჰაინრიხ შუცი გამოირჩევა. ის იყო პირველი გერმანელი კომპოზიტორი, რომელმაც დაწერა ოპერა. ეს იყო ნარკვევი მითოლოგიურ თემაზე; ოპერას დაფნე ერქვა. გ.შუცმა ასევე დაწერა ოპერა-ბალეტი, რომელიც ასევე ეფუძნებოდა ძველ ბერძნულ ისტორიას - ორფეოსი და ევრიდიკე. მან დაწერა მრავალი სხვა ნაწარმოები მცირე ჟანრებში.

მნიშვნელოვანი როლი განვითარებაში გერმანული მუსიკაქრისტიანი თეოლოგი მარტინ ლუთერი, რომელმაც ხელი შეუწყო რეფორმებს ამ სფეროში. მსახურებაში რაც შეიძლება მეტი მრევლის მოზიდვის სურვილთან დაკავშირებით, მან ჩამოაყალიბა ახალი მოთხოვნები ვოკალური სასულიერო მუსიკის მიმართ. ასე დაიბადა პროტესტანტული ქორალი, რომელიც რენესანსის გერმანიის მუსიკალურ ხელოვნებაში წამყვან ჟანრად იქცა (რა თქმა უნდა, საერო ჟანრები აქ არ იგულისხმება).

ამრიგად, რენესანსის მუსიკალური მემკვიდრეობა უკიდურესად მდიდარია მოვლენებით, ჟანრებით, ინსტრუმენტებით, ნაწარმოებებითა და სახელებით.

5. დასკვნა.

ასე რომ, ყოველივე ზემოთქმული გვაძლევს არაერთი დასკვნის გამოტანის საშუალებას. მუსიკალურად უძლიერესი ქვეყნები იყო ნიდერლანდები (დასაწყისში) და იტალია (ბოლოს). სწორედ იქ დაიბადა ტრადიციები, რომლებმაც გავლენა მოახდინა სხვა ქვეყნების მუსიკალურ პროცესზე.

გაფართოვდა მუსიკალური საზღვრები. ეს ეხებოდა როგორც თავად მუსიკოსებს, რომლებიც გადავიდნენ ევროპაში და შეეძლოთ ცხოვრება და მოღვაწეობა სხვადასხვა ქვეყანაში, სხვადასხვა, ზოგჯერ კონტრასტულ ჟანრებში, ასევე თავად მუსიკას. მან შეწყვიტა ექსკლუზიურად საეკლესიო (საუბარია პროფესიულ ხელოვნებაზე), ვინაიდან ხალხური ხელოვნება ყოველთვის ცოცხალია.

სულიერი სფეროს მიღმა, მუსიკამ შეაღწია ყოველდღიური ცხოვრებისფართო საზოგადოებისთვის ხელმისაწვდომი გახდა. მისი ენა ხალხისთვის ხელმისაწვდომი გახდა. ამავე დროს, მუსიკა იქცა ხელოვნებად, რომელშიც იგრძნობოდა მისი შემქმნელების ინდივიდუალობა.

Როგორც ანტიკური დრო, მუსიკა გახდა შემადგენელი ნაწილიადღესასწაულები და დღესასწაულები, რომლებმაც კვლავ მოიპოვეს ადგილი ევროპელების დასვენებაში შუა საუკუნეების ბნელი პერიოდის შემდეგ.

რენესანსის საზოგადოებამ თავისი ცხოვრება შეავსო სხვადასხვა დღესასწაულების სერიით, რომლებზეც ისინი მხიარულობდნენ, მღეროდნენ და ცეკვავდნენ, თამაშობდნენ თეატრალურ სპექტაკლებს. და ყველგან მუსიკა იყო შეუცვლელი და შეუცვლელი ატრიბუტი.

რა თქმა უნდა, არ შეიძლება იმის მტკიცება, რომ მუსიკა ექსკლუზიურად სეკულარული გახდა. ეს ფუნდამენტურად არასწორი იქნებოდა. როგორც ადრე, ყველაზე დიდი ყურადღება ეკლესიური მუსიკას ექცეოდა. კომპოზიტორებმა დაწერეს გრანდიოზული პოლიფონიური ვოკალური და ინსტრუმენტული ნაწარმოებები, რომლებშიც ადამიანის ხმებს ჩასაბერი ინსტრუმენტების ნაწილები ეყრდნობოდა. და მიუხედავად იმისა, რომ ზოგიერთ ქვეყანაში (მაგალითად, გერმანიაში) იყო ტენდენცია საეკლესიო მუსიკის გამარტივებისა, უმეტესწილად სასულიერო მუსიკა დარჩა დიდებული და რთული.

რენესანსის დროს მუსიკალურმა კულტურამ მნიშვნელოვანი განახლება განიცადა. ეს ასევე ეხებოდა ინსტრუმენტებს, ახალ მიღწევებს თეორიულ დისციპლინებში და მუსიკალური ნოტაციის განვითარებას.

მაგრამ რენესანსის ყველაზე მნიშვნელოვანი მიღწევა საქმიანობის ყველა სფეროში არის ადამიანის პიროვნების დადასტურება, მის მიმართ ინტერესი, მისი მდიდარი შინაგანი სამყაროს გამჟღავნება ყველა არსებული მხატვრული საშუალებით.

6. ცნობარების სია.

1. ალექსეევი ა.დ. საფორტეპიანო ხელოვნების ისტორია. ორ ნაწილად / ახ.წ. ალექსეევი. - მ.: მუსიკა, 1988. - 415გვ.

2. ევდოკიმოვა იუ.კ., სიმაკოვა ნ.ა. რენესანსის მუსიკა. Cantus prius factus და მასთან მუშაობა / Yu.K. ევდოკიმოვა, ნ.ა. სიმაკოვი. - მ.: მუსიკა, 1982. - 240გვ.

3. ლივანოვა ტ.ნ. დასავლეთ ევროპის მუსიკის ისტორია 1789 წლამდე: 2 წიგნში. რედ. მე-2, შესწორებული. Წიგნი. 1: ანტიკურობიდან მე -18 საუკუნემდე / ტ.ნ. ლივანოვი. - მ.: მუსიკა, 1986. - 378გვ.

4. როზენშილდი კ.კ. უცხოური მუსიკის ისტორია / კ.კ. როზენშილდი. - მ.: მუსიკა, 1978. - 445გვ.

რენესანსის მუსიკალური მხარის საკითხი საკმაოდ რთულია. იმდროინდელ მუსიკაში უფრო რთულია ახალი, ფუნდამენტურად განსხვავებული ელემენტებისა და ტენდენციების ამოცნობა შუა საუკუნეებთან შედარებით, ვიდრე ხელოვნების სხვა სფეროებში - ფერწერაში, ქანდაკებაში, არქიტექტურაში, მხატვრულ ხელნაკეთობებში და ა.შ. ფაქტია, რომ მუსიკამ, როგორც შუა საუკუნეებში, ასევე აღორძინების ეპოქის განმავლობაში, შეინარჩუნა თავისი მრავალფეროვანი ხასიათი. აშკარა იყო საეკლესიო-სულიერი მუსიკა და საერო კომპოზიციები, სიმღერა და ცეკვა. თუმცა, რენესანსის მუსიკა აქვს თავისი ორიგინალური ხასიათი, თუმცა მჭიდროდ არის დაკავშირებული წინა მიღწევებთან.

რენესანსის მუსიკალური კულტურა

აღორძინების ეპოქის მუსიკის თავისებურება, რომელიც მოიცავს XV-XVI საუკუნეების მუსიკალურ ეპოქას, არის სხვადასხვა ეროვნული სკოლების ერთობლიობა, რომელსაც ამავე დროს ჰქონდა. ზოგადი ტენდენციაგანვითარება. ექსპერტები განასხვავებენ განწყობის ეპოქისთვის დამახასიათებელ პირველ ელემენტებს მუსიკის იტალიური მიმართულებით. უფრო მეტიც, რენესანსის სამშობლოში "ახალი მუსიკა" გამოჩნდა მე -14 საუკუნის ბოლოს. რენესანსის სტილის ყველაზე თვალსაჩინო მახასიათებლებმა თავი გამოიჩინეს ჰოლანდიურ მუსიკალურ სკოლაში, მე -15 საუკუნის შუა ხანებიდან დაწყებული. ჰოლანდიური მუსიკის მახასიათებელი იყო გაზრდილი ყურადღება ვოკალურ კომპოზიციებზე შესაბამისი ინსტრუმენტული თანხლებით. უფრო მეტიც, ვოკალური მრავალხმიანი კომპოზიციები დამახასიათებელი იყო როგორც ჰოლანდიური სკოლის საეკლესიო მუსიკისა და მისი საერო მიმართულებისთვის.

დამახასიათებელია, რომ ჰოლანდიურმა სკოლამ სერიოზული გავლენა მოახდინა რენესანსის დანარჩენ ევროპულ მუსიკალურ ტრადიციებზე.

ასე რომ, უკვე მე-16 საუკუნეში გავრცელდა საფრანგეთში, გერმანიაში, ინგლისში. უფრო მეტიც, ჰოლანდიურ სტილში ვოკალური საერო კომპოზიციები შესრულდა სხვადასხვა ენაზე: მაგალითად, მუსიკის ისტორიკოსები ამ სიმღერებში ხედავენ ტრადიციული ფრანგული შანსონის წარმოშობას. აღორძინების ეპოქის მთელი ევროპული მუსიკისთვის დამახასიათებელია ორი ერთი შეხედვით საპირისპირო ტენდენცია. ერთ-ერთმა მათგანმა განაპირობა კომპოზიციების მკაფიო ინდივიდუალიზაცია: საერო ნაწარმოებებში, ავტორის დასაწყისი სულ უფრო მეტად იკვეთება, ჩნდება კონკრეტული კომპოზიტორის უფრო პირადი ლექსები, გამოცდილება და ემოციები.

კიდევ ერთი ტენდენცია აისახა მუსიკალური თეორიის უფრო დიდ სისტემატიზაციაში. ნაწარმოებები, როგორც საეკლესიო, ისე საერო, სულ უფრო და უფრო რთულდებოდა, იხვეწებოდა და ვითარდებოდა მუსიკალური მრავალხმიანობა. უპირველეს ყოვლისა, საეკლესიო მუსიკაში შედგენილი იყო ჩამოყალიბების მკაფიო წესები, ჰარმონიული მიმდევრობები, ხმის წამყვანი და სხვა.

რენესანსის თეორეტიკოსები თუ კომპოზიტორები?

რენესანსის მუსიკის განვითარების ასეთი კომპლექსური ბუნებით, ფაქტია, რომ ამჟამად არსებობს კამათი, მივიჩნიოთ თუ არა იმ დროის წამყვანი მუსიკალური მოღვაწეები კომპოზიტორებად, თეორეტიკოსებად თუ მეცნიერებად. მაშინ არ არსებობდა მკაფიო „შრომის დანაწილება“, ამიტომ მუსიკოსები აერთიანებდნენ სხვადასხვა ფუნქციებს. ასე რომ, უფრო მეტად, შვეიცარიელი გლარიანი, რომელიც ცხოვრობდა და მოღვაწეობდა XVI საუკუნის პირველ ნახევარში, იყო თეორეტიკოსი. მან მნიშვნელოვანი წვლილი შეიტანა მუსიკალური თეორია, ქმნის საფუძველს ისეთი ცნებების დანერგვისათვის, როგორიცაა ძირითადი და მცირე. ამავდროულად, ის მუსიკას სიამოვნების წყაროდ თვლიდა, ანუ ემხრობოდა მის საერო ბუნებას, ფაქტობრივად, უარყოფდა მუსიკის განვითარებას შუა საუკუნეების რელიგიურ ასპექტში. გარდა ამისა, გლარიანი მუსიკას მხოლოდ პოეზიასთან განუყოფელ კავშირში ხედავდა, ამიტომ დიდი ყურადღება დაუთმო სიმღერის ჟანრებს.

იტალიელმა ჯოზეფფო კარლინომ, რომლის შემოქმედებითი მოღვაწეობა დაეცა მეორე მეოთხედში - მე -16 საუკუნის ბოლოს, დიდწილად განავითარა და შეავსო ზემოთ წარმოდგენილი თეორიული განვითარება. კერძოდ, მან პირველად შესთავაზა უკვე ჩამოყალიბებული მაიორისა და მინორის ცნებების ასოცირება პიროვნების ემოციურ განწყობასთან, მინორის ასოცირება სევდასთან და სევდასთან, მაიორის კი სიხარულთან და ამაღლებულ გრძნობებთან. გარდა ამისა, ზარლინომ განაგრძო მუსიკის ინტერპრეტაციის უძველესი ტრადიცია: მისთვის მუსიკა იყო ხელშესახები გამოხატულება იმ ჰარმონიისა, რომელშიც სამყარო უნდა არსებობდეს. მაშასადამე, მუსიკა, მისი აზრით, იყო შემოქმედებითი გენიოსის უმაღლესი გამოვლინება და ყველაზე მნიშვნელოვანი ხელოვნება.

საიდან გაჩნდა რენესანსის მუსიკა?

თეორია თეორიაა, მაგრამ პრაქტიკაში მუსიკა მუსიკალური ინსტრუმენტების გარეშე წარმოუდგენელია – რა თქმა უნდა, მათი დახმარებით აღორძინების ეპოქის მუსიკალური ხელოვნებაც გაცოცხლდა. წინა, შუა საუკუნეების, მუსიკალური პერიოდიდან რენესანსში „მიგრირებული“ მთავარი ინსტრუმენტი იყო ორღანი. ეს კლავიატურა-ჩასაბერი ინსტრუმენტი აქტიურად გამოიყენებოდა საეკლესიო მუსიკაში და რენესანსის მუსიკაში სულიერი კომპოზიციების უმნიშვნელოვანესი ადგილის გათვალისწინებით, ორღანის მნიშვნელობა შენარჩუნდა. თუმცა, ზოგადად, ამ საკრავის „სპეციფიკური წონა“, ალბათ, შემცირდა - პირველი როლები სიმებიანი მშვილდოსანი და აწეული საკრავები აიღეს. ამასთან, ორღანმა აღნიშნა კლავიატურის ინსტრუმენტების ცალკე მიმართულების დასაწყისი, რომლებსაც უფრო მაღალი და საერო ჟღერადობა ჰქონდათ. მათგან ყველაზე გავრცელებული იყო კლავესინი.

სიმებზე მშვილდი ინსტრუმენტებიიყო მთელი ცალკე ოჯახი - ალტი. ალტი წარმოადგენდა ინსტრუმენტებს, რომლებიც ახსოვს თანამედროვე ვიოლინოს ინსტრუმენტებს ფორმით და ფუნქციით (ვიოლინო, ალტი, ჩელო). ალტისა და ვიოლინოს ოჯახს შორის, სავარაუდოდ, არის ოჯახური კავშირები, მაგრამ ალტებს აქვთ დამახასიათებელი ნიშნები. მათ აქვთ ბევრად უფრო გამოხატული ინდივიდუალური „ხმა“, რომელსაც ხავერდოვანი ელფერი აქვს. ალტი აქვს თანაბარი რაოდენობის ძირითადი და რეზონანსული სიმები, რის გამოც ისინი ძალიან ახირებული და ძნელად მოსაწყობი. ამიტომ, ვიოლი თითქმის ყოველთვის სოლო ინსტრუმენტია და იშვიათად არის შესაძლებელი მათი ჰარმონიული გამოყენების მიღწევა ორკესტრში.

რაც შეეხება წყეულ სიმებიან საკრავებს, მათ შორის რენესანსში მთავარი ადგილი ეკავა ლუითს, რომელიც ევროპაში დაახლოებით მე-15 საუკუნეში გამოჩნდა. ლუტი ჰქონდა აღმოსავლური წარმოშობადა ჰქონდა კონკრეტული მოწყობილობა. ინსტრუმენტმა, საიდანაც ბგერების ამოღება შესაძლებელი იყო როგორც თითებით, ასევე სპეციალური ფირფიტის დახმარებით (თანამედროვე პიკის ანალოგი), ძალიან სწრაფად მოიპოვა პოპულარობა ძველ სამყაროში.

ალექსანდრე ბაბიცკი

რენესანსის მუსიკალურ კულტურაში შეიძლება გამოიყოს რამდენიმე განმსაზღვრელი ინოვაციური მახასიათებელი.

პირველ რიგში, საერო ხელოვნების სწრაფი განვითარება, რომელიც გამოიხატება მრავალი საერო სიმღერისა და ცეკვის ჟანრის ყველგან. ესენი არიან იტალიელებიფროტოლები ("ხალხური სიმღერები, დან ფროტოლა სიტყვები - ბრბო), ვილანელები ("სოფლის სიმღერები"),კაკია , კანზონი (სიტყვასიტყვით - სიმღერები) და მადრიგალები, ესპანურივილანჩიკო (ვილნიდან - სოფლიდან), ფრანგული სიმღერებიშანსონი, გერმანულიმოატყუა , ინგლისური ბალადები და სხვა. ყველა ეს ჟანრი, რომელიც ადიდებს ყოფნის სიხარულს, დაინტერესებულია შინაგანი სამყაროადამიანები, რომლებიც მიისწრაფოდნენ ცხოვრების ჭეშმარიტებისაკენ, პირდაპირ ასახავდნენ წმინდა რენესანსულ მსოფლმხედველობას. მათი გამომხატველი საშუალებებისთვის დამახასიათებელია ინტონაციებისა და რიტმების ფართო გამოყენება. ხალხური მუსიკა.

საერო ხაზის კულმინაცია რენესანსის ხელოვნებაში -მადრიგალი . ჟანრის სახელწოდება ნიშნავს "სიმღერას დედა (ანუ იტალიურ) ენაზე". იგი ხაზს უსვამს განსხვავებას ლათინურ ენაზე შესრულებულ მადრიგალსა და საკრალურ მუსიკას შორის. ჟანრის განვითარება უპრეტენზიო ერთხმიანი ნაგაზის სიმღერიდან გადავიდა 5-6-ხმიან ვოკალურ-ინსტრუმენტულ ნაწარმოებამდე დახვეწილი და დახვეწილი ლირიკული ტექსტით. პოეტებს შორის, ვინც მადრიგალის ჟანრს მიუბრუნდა, არიან პეტრარქა, ბოკაჩო, ტასო. მადრიგალის შესანიშნავი ოსტატები იყვნენ კომპოზიტორები ა. უილარტი, ჯ. არკადელტი, პალესტრინა, ო. ლასო, ლ. მარენციო, კ. გესუალდო, კ. მონტევერდი. იტალიაში წარმოშობილი მადრიგალი სწრაფად გავრცელდა დასავლეთის სხვა ქვეყნებში. ევროპული ქვეყნები.

მრავალხმიანი სიმღერის ფრანგულ ვერსიას ე.წშანსონი . ის მადრიგალისაგან გამოირჩევა რეალურ, ყოველდღიურ ცხოვრებასთან, ანუ ჟანრთან უფრო დიდი სიახლოვით. შანსონის შემქმნელებს შორის -კლემენტ ჟანეკენი , რენესანსის ერთ-ერთი ყველაზე ცნობილი ფრანგი კომპოზიტორი.

მეორეც, საგუნდო პოლიფონიის უმაღლესი ყვავილობა, რომელიც გახდა წამყვანი მუსიკალური სტილიეპოქა. დიდებული და ჰარმონიული, იგი სრულყოფილად შეესაბამებოდა საეკლესიო მსახურების საზეიმოდ. ამავდროულად, მრავალხმიანი მრავალხმიანობა იყო გამოხატვის დომინანტური ფორმა არა მხოლოდ სულიერ, არამედ საერო ჟანრებშიც.

საგუნდო პოლიფონიის განვითარება უპირველეს ყოვლისა დაკავშირებული იყო ჰოლანდიური (ფრანგულ-ფლამანდური) სკოლის კომპოზიტორების შემოქმედებასთან: გიომ დიუფეი, იოჰანეს ოკეგემი, იაკობ ობრეხტი, ჟოსკინ დესპრე, ორლანდო ლასო.

ორლანდო ლასო (დაახლოებით 1532-1594 წწ.) მოღვაწეობდა ევროპის მრავალ ქვეყანაში. მისმა ნიჭმა, მართლაც ფენომენალურმა, დაიპყრო და გაახარა ყველა. ორლანდო ლასოს უზარმაზარ ნაშრომში ყველა მუსიკალური ჟანრებირენესანსი (საერო მუსიკის უპირატესობით სულიერზე). მის ყველაზე პოპულარულ ნაწარმოებებს შორისაა „ეხო“, რომელიც დაწერილია იტალიური საყოფაცხოვრებო სიმღერების ჟანრში. კომპოზიცია აგებულია ორი გუნდის ფერად შეერთებაზე, რაც ქმნის ექო ეფექტს. ტექსტი ეკუთვნის თავად კომპოზიტორს.

ორლანდო ლასოსთან ერთად, მაღალი რენესანსის უდიდესი წარმომადგენელი მუსიკაში იყო იტალიელიპალესტრინა (სრული სახელი Giovanni Pierlui gi da Palestrina, დაახლოებით 1525-1594 წწ.). პალესტრინას ცხოვრების უმეტესი ნაწილი რომში გაატარა, სადაც ის მუდმივად იყო დაკავშირებული ეკლესიაში მუშაობასთან, კერძოდ, იგი ხელმძღვანელობდა წმ. პეტრე. მისი მუსიკის ძირითადი ნაწილი არის წმინდა ნაწარმოებები, უპირველეს ყოვლისა, მასები (მათ შორის ასზე მეტია, რომელთა შორის განსაკუთრებით გამოირჩევა ცნობილი "პაპა მარჩელოს მესა") და მოტეტები. თუმცა, პალესტრინა ასევე ნებით ქმნიდა საერო მუსიკას - მადრიგალებს, კანზონეტებს. პალესტრინას კომპოზიციები საარ გუნდისთვისლაგახდა რენესანსული მრავალხმიანობის კლასიკური მაგალითი.

პოლიფონიური კომპოზიტორების შემოქმედებამ წამყვანი როლი ითამაშა რენესანსის მუსიკის მთავარი ჟანრის განვითარებაში -მასები . წარმოშობით შუა საუკუნეებში, მასის ჟანრი ქXIV- XVIსაუკუნეების მანძილზე ის სწრაფად გარდაიქმნება, ცალკეული, განსხვავებული ნაწილებით წარმოდგენილი ნიმუშებიდან ჰარმონიული ციკლური ფორმის კომპოზიციებზე გადადის.

საეკლესიო კალენდრიდან გამომდინარე, წირვის მუსიკაში ზოგიერთი ნაწილი იყო გამოტოვებული და სხვა ნაწილები ჩასმული იყო. არსებობს ხუთი სავალდებულო ნაწილი, რომელიც მუდმივად იმყოფება საეკლესიო მსახურებაში. INმედა ვ - « კირიელეისონი» („უფალო, შემიწყალე“) და« აგნუსიდეი» (« ღვთის კრავი") - გამოითქვა ლოცვა შენდობისა და წყალობისთვის. InIIდა IV - « გლორია"("დიდება") და " სანქტუსი» (« წმიდა") - დიდება და მადლიერება. ცენტრალურ ნაწილში,კრედო» (« მე მჯერა“), განმარტა ქრისტიანული რწმენის ძირითადი პრინციპები.

მესამე, ინსტრუმენტული მუსიკის მზარდი როლი (ვოკალური ჟანრების აშკარა უპირატესობით). თუ ევროპულმა შუა საუკუნეებმა თითქმის არ იცოდნენ პროფესიონალური ინსტრუმენტალიზმი, მაშინ რენესანსში შეიქმნა უამრავი ნამუშევარი ლაუტისთვის (იმ დროის ყველაზე გავრცელებული მუსიკალური ინსტრუმენტი), ორღანი, ალტი, ვიჰუელა, ქალწული, გრძივი ფლეიტები. ისინი დღესაც მისდევენ ვოკალურ ნიმუშებს, მაგრამ ინტერესი ინსტრუმენტული დაკვრის მიმართ უკვე დადგენილია.

მეოთხე, რენესანსის დროს, აქტიური ფორმირება იყო ეროვნული მუსიკალური სკოლები (ჰოლანდიელი პოლიფონისტები, ინგლისელი ვირჟინალისტები, ესპანელი ვიჰუელალისტები და სხვები), რომელთა შემოქმედება ეფუძნებოდა მათი ქვეყნის ფოლკლორს.

დაბოლოს, მუსიკის თეორიამ წინ წაიწია და წამოაყენა არაერთი შესანიშნავი თეორეტიკოსი. ფრანგულიაფილიპ დე ვიტრი , ტრაქტატის ავტორი არსნოვა» (« ახალი ხელოვნება“, სადაც მოცემულია ახალი მრავალხმიანი სტილის თეორიული დასაბუთება); იტალიურიჯოზეფფო კარლინო , ჰარმონიის მეცნიერების ერთ-ერთი შემქმნელი; შვეიცარიულიგლარიანი მელოდიის დოქტრინის ფუძემდებელი.

ისტორიკოსმა ჟიულ მიშელემ XIX საუკუნეში პირველმა გამოიყენა "რენესანსის" კონცეფცია. მუსიკოსები და კომპოზიტორები, რომლებსაც სტატიაში განვიხილავთ, ეკუთვნიან XIV საუკუნიდან დაწყებულ პერიოდს, როდესაც ეკლესიის შუა საუკუნეების ბატონობა შეცვალა საერო კულტურამ ადამიანური პიროვნებისადმი ინტერესით.

რენესანსის მუსიკა

ევროპის ქვეყნები სხვადასხვა დროს შევიდნენ ახალი ერა. ცოტა ადრე, ისინი წარმოიშვნენ იტალიაში, მაგრამ ჰოლანდიური სკოლა დომინირებდა მუსიკალურ კულტურაში, სადაც პირველად შეიქმნა სპეციალური მეტრიზები (თავშესაფრები) ტაძრებში მომავალი კომპოზიტორების მოსამზადებლად. იმ დროის ძირითადი ჟანრები მოცემულია ცხრილში:

რენესანსის უმეტესობა ნიდერლანდებში - ეს არის გიომ დიუფეი, იაკობ ობრეხტი, ჟოსკინ დესპრე.

დიდი ჰოლანდიელი

იოჰანეს ოკეგემიგანათლება მიიღო ღვთისმშობლის ტაძარში (ანტვერპენი), ხოლო მე-15 საუკუნის 40-იან წლებში გახდა ჰერცოგი ჩარლზ I-ის კარის მგალობელი (საფრანგეთი). შემდგომში იგი ხელმძღვანელობდა სამეფო კარის სამლოცველოს. სიბერემდე რომ იცოცხლა, მან დიდი მემკვიდრეობა დატოვა ყველა ჟანრში, დაიმკვიდრა თავი, როგორც გამოჩენილი პოლიფონისტი. ჩვენამდე მოვიდა მისი 13 მასის ხელნაწერები, სახელწოდებით ჩიგის კოდექსი, რომელთაგან ერთი დახატულია 8 ხმისთვის. იყენებდა არა მარტო სხვის, არამედ საკუთარ მელოდიებსაც.

ორლანდო ლასოდაიბადა თანამედროვე ბელგიის (მონსი) ტერიტორიაზე 1532 წელს. მისი მუსიკალური უნარიადრეულ ბავშვობაში გამოჩნდა. ბიჭი სამჯერ გაიტაცეს სახლიდან, რათა დიდი მუსიკოსი გამხდარიყო. მან მთელი თავისი ზრდასრული ცხოვრება გაატარა ბავარიაში, სადაც ტენორად გამოდიოდა ჰერცოგ ალბრეხტ V-ის კარზე, შემდეგ კი სამლოცველოს ხელმძღვანელობდა. მისმა მაღალპროფესიონალურმა გუნდმა ხელი შეუწყო მიუნხენის ტრანსფორმაციას მუსიკალური ცენტრიევროპა, სადაც რენესანსის მრავალი ცნობილი კომპოზიტორი ეწვია.

მასთან სასწავლებლად მოვიდნენ ისეთი ნიჭები, როგორებიცაა იოჰან ეკარდი, ლეონარდ ლეხნერი, იტალიელი დ. გაბრიელი. . მან თავისი უკანასკნელი განსასვენებელი 1594 წელს იპოვა მიუნხენის ეკლესიის ტერიტორიაზე, დატოვა გრანდიოზული მემკვიდრეობა: 750-ზე მეტი მოტეტი, 60 მასა და ასობით სიმღერა, რომელთა შორის ყველაზე პოპულარული იყო Susanne un jour. მისი მოტეტები ("სიბილების წინასწარმეტყველებები") ინოვაციური იყო, მაგრამ ის ასევე ცნობილია საერო მუსიკა, რომელსაც ბევრი იუმორი ჰქონდა (vilanella O bella fusa).

იტალიური სკოლა

გამოჩენილი რენესანსის კომპოზიტორები იტალიიდან, გარდა ტრადიციული მიმართულებებისა, აქტიურად ავითარებდნენ ინსტრუმენტულ მუსიკას (ორგანო, მშვილდი სიმებიანი ინსტრუმენტები, კლავიერი). ლაიტა ყველაზე გავრცელებულ ინსტრუმენტად იქცა და მე-15 საუკუნის ბოლოს გამოჩნდა კლავესინი, ფორტეპიანოს წინამორბედი. ხალხური მუსიკის ელემენტებზე დაყრდნობით განვითარდა ორი ყველაზე გავლენიანი კომპოზიტორული სკოლა: რომაული (ჯოვანი პალესტრინა) და ვენეციური (ანდრეა გაბრიელი).

ჯოვანი პიერლუიჯიაიღო სახელი პალესტრინარომის მახლობლად მდებარე ქალაქის სახელით, რომელშიც ის დაიბადა და მსახურობდა მთავარი ეკლესიაგუნდის ხელმძღვანელი და ორგანისტი. მისი დაბადების თარიღი ძალიან სავარაუდოა, მაგრამ ის გარდაიცვალა 1594 წელს. თავისი ხანგრძლივი ცხოვრების მანძილზე მან დაწერა 100-მდე მასა და 200 მოტეტა. მისი „პაპ მარცელუსის მასა“ აღფრთოვანებული იყო პაპი პიუს IV-ით და გახდა კათოლიკური სასულიერო მუსიკის ნიმუში. ჯოვანი ვოკალური სიმღერის ყველაზე ნათელი წარმომადგენელია მუსიკალური თანხლების გარეშე.

ანდრეა გაბრიელითავის სტუდენტთან და ძმისშვილთან ერთად ჯოვანი მოღვაწეობდა წმინდა მარკოზის სამლოცველოში (XVI ს.), ორღანისა და სხვა ინსტრუმენტების ხმით „აფერადებდა“ გუნდის სიმღერას. ვენეციური სკოლა უფრო მეტად მიზიდული იყო საერო მუსიკისკენ და სოფოკლეს ოიდიპოსის წარმოების დროს ანდრეა გაბრიელის სცენაზე დაიწერა საგუნდო მუსიკა, საგუნდო მრავალხმიანობის მაგალითი და საოპერო ხელოვნების მომავლის საწინდარი.

გერმანული სკოლის თავისებურებები

გერმანული მიწა წამოაყენა ლუდვიგ სენფლ, მე-16 საუკუნის საუკეთესო პოლიფონისტი, რომელმაც, თუმცა, ვერ მიაღწია ჰოლანდიელი ოსტატების დონეს. ასევე არის პოეტ-მომღერლების სიმღერები ხელოსანთაგან (მეისტერსინგერები). განსაკუთრებული მუსიკარენესანსი. გერმანელი კომპოზიტორები წარმოადგენდნენ მომღერალ კორპორაციებს: თუნუქის მწარმოებლებს, ფეხსაცმლის მწარმოებლებს, ქსოვებს. ისინი მთელ ტერიტორიაზე გაერთიანდნენ. ნიურნბერგის სასიმღერო სკოლის გამორჩეული წარმომადგენელი იყო ჰანს საქსი(ცხოვრების წლები: 1494-1576 წწ.).

მკერავის ოჯახში დაბადებული, მთელი ცხოვრება ფეხსაცმლის მწარმოებლად მუშაობდა, თვალშისაცემი იყო თავისი ერუდიციით და მუსიკალური და ლიტერატურული ინტერესებით. მან წაიკითხა ბიბლია დიდი რეფორმატორი ლუთერის ინტერპრეტაციით, იცნობდა ძველ პოეტებს და აფასებდა ბოკაჩოს. როგორც ხალხური მუსიკოსი, საქსი არ ითვისებდა მრავალხმიანობის ფორმებს, მაგრამ ქმნიდა სიმღერების საწყობის მელოდიებს. ისინი ახლოს იყვნენ ცეკვასთან, ადვილად დასამახსოვრებელი და გარკვეული რიტმი ჰქონდათ. ყველაზე ცნობილი ნაწარმოები იყო „ვერცხლის გალობა“.

რენესანსი: საფრანგეთის მუსიკოსები და კომპოზიტორები

საფრანგეთის მუსიკალურმა კულტურამ მართლაც განიცადა რენესანსი მხოლოდ მე-16 საუკუნეში, როდესაც ქვეყანაში მომზადდა სოციალური საფუძველი.

ერთ-ერთი საუკეთესო წარმომადგენელია კლემენტ ჯანეკინი. ცნობილია, რომ იგი დაიბადა შატელელოში (მე-15 საუკუნის ბოლოს) და მომღერალი ბიჭიდან მეფის პირად კომპოზიტორად გადავიდა. მისი შემოქმედებითი მემკვიდრეობიდან შემორჩენილია მხოლოდ ატენიანის მიერ გამოცემული საერო სიმღერები. მათგან 260-ია, მაგრამ მათ, ვინც გაუძლო დროს, ნამდვილი პოპულარობა მოიპოვეს: "ჩიტების სიმღერა", "ნადირობა", "ლარკი", "ომი", "პარიზის ყვირილი". ისინი მუდმივად იბეჭდებოდა და იყენებდნენ სხვა ავტორებს გადასინჯვის მიზნით.

მისი სიმღერები მრავალხმიანი იყო და წააგავდა საგუნდო სცენებს, სადაც ონომატოპეისა და კანტილენას გახმოვანების გარდა, იყო ძახილები, რომლებიც პასუხისმგებელნი იყვნენ ნაწარმოების დინამიკაზე. ეს იყო გაბედული მცდელობა გამოსახულების ახალი მეთოდების პოვნისა.

მათ შორის ცნობილი კომპოზიტორებისაფრანგეთი - გიომ კოტელე, ჟაკ მოდუი, ჟან ბაიფი, კლოდენ ლეჟენი, კლოდ გუდიმელი , მუსიკას მისცა ჰარმონიული საწყობი, რამაც ხელი შეუწყო ფართო საზოგადოების მიერ მუსიკის ათვისებას.

რენესანსის კომპოზიტორები: ინგლისი

მე-15 საუკუნე ინგლისში გავლენა მოახდინა შრომებმა ჯონ დუბსტეილიდა XVI - უილიამ ბირდი. ორივე ოსტატი მიზიდული იყო წმინდა მუსიკისკენ. ბერდმა დაიწყო ორგანისტი ლინკოლნის ტაძარში და დაასრულა კარიერა ლონდონის სამეფო სამლოცველოში. პირველად მან მოახერხა მუსიკისა და მეწარმეობის დაკავშირება. 1575 წელს, ტალისთან თანამშრომლობით, კომპოზიტორი გახდა მონოპოლია გამოცემაში. მუსიკალური ნაწარმოებებირამაც მას არანაირი მოგება არ მოუტანა. მაგრამ საკუთრების უფლების სასამართლოში დაცვას დიდი დრო დასჭირდა. გარდაცვალების შემდეგ (1623 წ.) სამლოცველოს ოფიციალურ დოკუმენტებში მას "მუსიკის ფუძემდებელი" უწოდეს.

რა დატოვა რენესანსმა? ჩიტმა, გამოქვეყნებული კოლექციების გარდა (Cantiones Sacrae, Gradualia), ინახავდა ბევრ ხელნაწერს, თვლიდა, რომ ისინი მხოლოდ სახლის თაყვანისცემისთვის იყო შესაფერისი. მოგვიანებით გამოქვეყნებულმა მადრიგალებმა (Musica Transalpina) აჩვენა იტალიელი ავტორების დიდი გავლენა, მაგრამ რამდენიმე მასა და მოტეტი შევიდა სასულიერო მუსიკის ოქროს ფონდში.

ესპანეთი: კრისტობალ დე მორალესი

ესპანეთის მუსიკის სკოლის საუკეთესო წარმომადგენლებმა იმოგზაურეს ვატიკანში, ასრულებდნენ პაპის სამლოცველოში. მათ იგრძნეს ჰოლანდიელი და იტალიელი ავტორების გავლენა, ამიტომ მხოლოდ რამდენიმემ მოახერხა თავისი ქვეყნის ფარგლებს გარეთ გამხდარიყო ცნობილი. რენესანსის კომპოზიტორები ესპანეთიდან იყვნენ პოლიფონისტები, რომლებიც ქმნიდნენ საგუნდო ნაწარმოებებს. ყველაზე ნათელი წარმომადგენელი კრისტობალ დე მორალესი(XVI ს.), რომელიც ხელმძღვანელობდა მეტრიზს ტოლედოში და მოამზადებდა ერთზე მეტ სტუდენტს. ჯოსკინ დესპრეს მიმდევარმა, კრისტობალმა შემოიტანა სპეციალური ტექნიკა უამრავ კომპოზიციაში, რომელსაც ჰომოფონიური ეწოდება.

უდიდესი პოპულარობა მოიპოვა ავტორის ორმა რეკვიემმა (ბოლო ხუთ ხმაზე), ასევე მესამ „შეიარაღებულმა“. მან ასევე დაწერა საერო ნაწარმოებები (კანტატა 1538 წელს სამშვიდობო ხელშეკრულების დადების საპატივცემულოდ), მაგრამ ეს ეხება მის ადრინდელ ნაშრომებს. სიცოცხლის ბოლოს ხელმძღვანელობდა მალაგაში სამლოცველოს, იგი დარჩა სასულიერო მუსიკის ავტორი.

დასკვნის ნაცვლად

რენესანსის კომპოზიტორებმა და მათმა ნამუშევრებმა მოამზადეს მე -17 საუკუნის ინსტრუმენტული მუსიკის აყვავება და ახალი ჟანრის - ოპერის გაჩენა, სადაც მრავალი ხმის სირთულე შეიცვალა მთავარი მელოდიის წამყვანის პრიმატით. მათ ნამდვილი გარღვევა გააკეთეს მუსიკალური კულტურის განვითარებაში და საფუძველი ჩაუყარეს თანამედროვე ხელოვნებას.

რენესანსი, ან რენესანსი(ფრ. რენესანსი), - გარდამტეხი მომენტი ევროპელი ხალხების კულტურის ისტორიაში. იტალიაში ახალი ტენდენციები გამოჩნდა უკვე მე-13-14 საუკუნეების მიჯნაზე, ევროპის სხვა ქვეყნებში - მე-15-16 საუკუნეებში. რენესანსის მოღვაწეები აღიარებდნენ პიროვნებას - მის სიკეთეს და პიროვნების თავისუფალი განვითარების უფლებას - უმაღლეს ღირებულებად. ამ მსოფლმხედველობას ეწოდა „ჰუმანიზმი“ (ლათინურიდან humanus - „ადამიანი“, „ადამიანი“). ჰუმანისტები ეძებდნენ ჰარმონიული ადამიანის იდეალს ანტიკურ ხანაში, ხოლო ძველი ბერძნული და რომაული ხელოვნება მათი მხატვრული შემოქმედების ნიმუშად იქცა. "აღორძინების" სურვილი უძველესი კულტურასახელი მისცა მთელ ეპოქას - რენესანსს, პერიოდს შუა საუკუნეებსა და ახალ საუკუნეებს შორის (მე-17 საუკუნის შუა ხანებიდან დღემდე).

რენესანსის მსოფლმხედველობა ყველაზე სრულად ასახავს ხელოვნებას, მათ შორის მუსიკას. ამ პერიოდში, ისევე როგორც შუა საუკუნეებში, წამყვანი ადგილიეკუთვნოდა ვოკალურ საეკლესიო მუსიკას. მრავალხმიანობის განვითარებამ გამოიწვია მრავალხმიანობის გაჩენა (ბერძნულიდან "polis" - "ბევრი" და "ფონი" - "ხმა", "ხმა"). ამ ტიპის მრავალხმიანობით ნაწარმოებში ყველა ხმა თანაბარია. პოლიფონია არა მხოლოდ ართულებდა ნამუშევარს, არამედ აძლევდა ავტორს ტექსტის პირადი გაგების გამოხატვის საშუალებას, მუსიკას უფრო დიდ ემოციურობას ანიჭებდა. მკაცრი და რთული წესების მიხედვით შეიქმნა მრავალხმიანი კომპოზიცია, რომელიც კომპოზიტორისგან ღრმა ცოდნას და ვირტუოზულ უნარს მოითხოვდა. მრავალხმიანობის ფარგლებში განვითარდა საეკლესიო და საერო ჟანრები.

ჰოლანდიური პოლიფონიური სკოლა. ნიდერლანდები არის ისტორიული რეგიონი ჩრდილო-დასავლეთ ევროპაში, რომელიც მოიცავს თანამედროვე ბელგიის, ჰოლანდიის, ლუქსემბურგის და ჩრდილო-აღმოსავლეთ საფრანგეთის ტერიტორიებს. მე-15 საუკუნისთვის ნიდერლანდებმა მიაღწიეს მაღალ ეკონომიკურ და კულტურულ დონეს და გადაიქცა აყვავებულ ევროპულ ქვეყნად.

სწორედ აქ ჩამოყალიბდა ჰოლანდიური პოლიფონიური სკოლა - რენესანსული მუსიკის ერთ-ერთი უდიდესი ფენომენი. XV საუკუნის ხელოვნების განვითარებისთვის მნიშვნელოვანი იყო სხვადასხვა ქვეყნის მუსიკოსების ურთიერთობა, შემოქმედებითი სკოლების ურთიერთგავლენა. ჰოლანდიურმა სკოლამ შთანთქა თავად იტალიის, საფრანგეთის, ინგლისისა და ნიდერლანდების ტრადიციები.

მისი გამოჩენილი წარმომადგენლები: გიომ დიუფაი (1400-1474) (დუფაი) (დაახლოებით 1400 - 11/27/1474, კამბრაი), ფრანკო-ფლამანდი კომპოზიტორი, ჰოლანდიური სკოლის ერთ-ერთი დამაარსებელი. ჰოლანდიურ მუსიკაში მრავალხმიან ტრადიციას საფუძველი ჩაუყარა გიომ დიუფემ (დაახლოებით 1400 - 1474 წწ.). დაიბადა ფლანდრიის ქალაქ კამბრაში (პროვინცია ნიდერლანდების სამხრეთით) და ადრეული ასაკიდან მღეროდა საეკლესიო გუნდში. პარალელურად მომავალი მუსიკოსი კომპოზიციის კერძო გაკვეთილებს გადიოდა. IN მოზარდობისდუფაი გაემგზავრა იტალიაში, სადაც დაწერა თავისი პირველი კომპოზიციები - ბალადები და მოტეტები. 1428-1437 წლებში. მსახურობდა მომღერლად რომის პაპის სამლოცველოში; ამ წლებში იმოგზაურა იტალიასა და საფრანგეთში. 1437 წელს კომპოზიტორმა მიიღო წმინდა ორდენები. სავოიის ჰერცოგის კარზე (1437-1439) მან შექმნა მუსიკა საზეიმო ცერემონიებისა და დღესასწაულებისთვის. დიუფის დიდ პატივს სცემდნენ დიდგვაროვანი ხალხი - მის თაყვანისმცემლებს შორის იყვნენ, მაგალითად, მედიჩის წყვილი (იტალიის ქალაქ ფლორენციის მმართველები). [მუშაობდა იტალიასა და საფრანგეთში. 1428-37 წლებში იყო რომისა და იტალიის სხვა ქალაქების პაპის სამლოცველოების მომღერალი, 1437-44 წლებში მსახურობდა სავოიის ჰერცოგთან. 1445 წლიდან კანონი და წინამძღვარი მუსიკალური საქმიანობასაკათედრო ტაძარი კამბრაში. სულიერი (3-, 4-ხმიანი მასები, მოტეტები), ასევე საერო (3-, 4-ხმიანი ფრანგული შანსონები, იტალიური სიმღერები, ბალადები, რონდო) ჟანრის ოსტატი, რომელიც დაკავშირებულია ხალხურ მრავალხმიანობასთან და რენესანსის ჰუმანისტურ კულტურასთან. ევროპული მრავალხმიანი მუსიკის შემდგომ განვითარებაზე დიდი გავლენა იქონია დ-ის ხელოვნებამ, რომელმაც შთანთქა ევროპული მუსიკალური ხელოვნების მიღწევები. ის ასევე იყო მუსიკალური მწერლობის რეფორმატორი (დ. მიეწერება თეთრი თავებით ნოტების შემოღებას). რომში გამოქვეყნებული დ.-ს სრული ნაწარმოებები (6 ტომი, 1951-66).] დიუფეი იყო პირველი კომპოზიტორთა შორის, რომელმაც დაიწყო მესის, როგორც ინტეგრალური მუსიკალური კომპოზიციის შედგენა. საეკლესიო მუსიკის შესაქმნელად საჭიროა არაჩვეულებრივი ნიჭი: კონკრეტული, მატერიალური რესურსებიგამოხატოს აბსტრაქტული, არამატერიალური ცნებები. სირთულე იმაში მდგომარეობს, რომ ასეთი კომპოზიცია, ერთის მხრივ, არ ტოვებს მსმენელს გულგრილს და, მეორე მხრივ, არ აშორებს ყურადღებას თაყვანისმცემლობისგან, ეხმარება ლოცვაზე უფრო ღრმა ფოკუსირებას. დუფეის ბევრი მასა არის შთაგონებული, სავსე შინაგანი ცხოვრებით; ისინი თითქოს ეხმარებიან ღვთაებრივი გამოცხადების ფარდის ახსნაში წამით.

ხშირად მასის შექმნისას დუფეი იღებდა ცნობილ მელოდიას, რომელსაც საკუთარსაც უმატებდა. ასეთი სესხები დამახასიათებელია რენესანსისთვის. ძალიან მნიშვნელოვანად ითვლებოდა, რომ მასა დაფუძნებულიყო ნაცნობ მელოდიაზე, რომლის ამოცნობაც მლოცველებმა ადვილად შეძლეს პოლიფონიური ნაწარმოები. ხშირად გამოიყენებოდა გრიგორიანული გალობის ფრაგმენტი; არ იყო გამორიცხული საერო სამუშაოები.

საეკლესიო მუსიკის გარდა, დუფაი წერდა მოტეტებს საერო ტექსტებზე. მათში მან ასევე გამოიყენა რთული მრავალხმიანი ტექნიკა.

ჟოსკინ დესპრესი (1440-1521). XV საუკუნის II ნახევრის ჰოლანდიური მრავალხმიანი სკოლის წარმომადგენელი. იყო ჟოსკინ დესპრესი (დაახლოებით 1440-1521 ან 1524), რომელმაც დიდი გავლენა მოახდინა მომავალი თაობის კომპოზიტორების შემოქმედებაზე. ახალგაზრდობაში მსახურობდა კამბრის საეკლესიო გუნდად; აიღო მუსიკის გაკვეთილებიოკეგემში. ოცი წლის ასაკში ახალგაზრდა მუსიკოსი ჩავიდა იტალიაში, მღეროდა მილანში სფორცას ჰერცოგებთან (მოგვიანებით აქ მსახურობდა დიდი იტალიელი მხატვარი ლეონარდო და ვინჩი) და რომის პაპის სამლოცველოში. იტალიაში დესპრესმა ალბათ დაიწყო მუსიკის შედგენა. XVI საუკუნის დასაწყისშივე. ის პარიზში გადავიდა. იმ დროისთვის დესპრესი უკვე ცნობილი იყო და იგი სასამართლოს მუსიკოსის თანამდებობაზე მიიწვია საფრანგეთის მეფე ლუი XII-ის მიერ. 1503 წლიდან დესპრესი კვლავ დასახლდა იტალიაში, ქალაქ ფერარაში, ჰერცოგ დ ესტეს კარზე. დესპრემა ბევრი შეადგინა და მისმა მუსიკამ სწრაფად მოიპოვა აღიარება ფართო წრეებში: მას უყვარდა თავადაზნაურობაც და უბრალო ხალხი.კომპოზიტორმა შექმნა არა მხოლოდ საეკლესიო, არამედ საერო ნაწარმოებებიც.კერძოდ, მან მიმართა იტალიური ხალხური სიმღერის ჟანრს - frottole (იტ. frottola, frotta-დან - "ბრბო"), რომელიც ხასიათდება საცეკვაო რიტმიდა სწრაფი ტემპით. დესპრესმა საერო ნაწარმოებების თავისებურებები შემოიტანა საეკლესიო მუსიკაში: ახალმა, ცოცხალმა ინტონაციამ დაარღვია მკაცრი განცალკევება და აღძრა სიხარულისა და ყოფნის სისავსის განცდა. თუმცა, პროპორციის გრძნობამ კომპოზიტორს არასოდეს უღალატა. დესპრეს პოლიფონიური ტექნიკა დახვეწილობით არ გამოირჩევა. მისი ნამუშევრები ელეგანტურად მარტივია, მაგრამ მათში იგრძნობა ავტორის ძლიერი ინტელექტი. ეს არის მისი შემოქმედების პოპულარობის საიდუმლო.

იოჰანეს ოკეგემი (1430-1495), იაკობ ობრეხტი (1450-1505). გიომ დიუფეის უმცროსი თანამედროვეები იყვნენ იოჰანეს (ჟან) ოკეგემი (დაახლოებით 1425-1497) და იაკობ ობრეხტი. დუფეის მსგავსად, ოკეგემი ფლანდრიელი იყო. მთელი ცხოვრება შრომობდა; მუსიკის შედგენის გარდა, იგი ასრულებდა სამლოცველოს წინამძღვრად. კომპოზიტორმა შექმნა თხუთმეტი მასა, ცამეტი მოტეტი, ოცზე მეტი შანსონი. ოკეგიომის ნამუშევრებს ახასიათებს სიმკაცრე, კონცენტრაცია და გლუვი მელოდიური ხაზების ხანგრძლივი გაშლა. იგი დიდ ყურადღებას აქცევდა პოლიფონიურ ტექნიკას და ცდილობდა მასის ყველა ნაწილი მთლიანობაში ყოფილიყო აღქმული. კომპოზიტორის შემოქმედებითი სტილი მის სიმღერებშიც ჩანს - ისინი თითქმის მოკლებულია საერო სიმსუბუქეს, მათი ხასიათი უფრო მოტეტებს მოგვაგონებს, ზოგჯერ კი მასების ფრაგმენტებს. იოჰანეს ოკეგემს პატივს სცემდნენ როგორც სახლში, ისე მის ფარგლებს გარეთ (იგი დაინიშნა საფრანგეთის მეფის მრჩევლად). იაკობ ობრეხტი იყო ნიდერლანდების სხვადასხვა ქალაქების საკათედრო ტაძრების მგალობელი, ხელმძღვანელობდა სამლოცველოებს; რამდენიმე წლის განმავლობაში მსახურობდა ჰერცოგ დ ესტეს კარზე ფერარაში (იტალია). ის არის ოცდახუთი მასის, ოცი მოტეტის, ოცდაათი შანსონის ავტორი. თავისი წინამორბედების მიღწევებით ობრეხტმა ბევრი ახალი რამ შემოიტანა. მრავალხმიანი ტრადიცია.მისი მუსიკა სავსეა კონტრასტებით, თამამი, მაშინაც კი, როცა კომპოზიტორი ტრადიციულ საეკლესიო ჟანრებს მიმართავს.

ორლანდო ლასო შემოქმედების მრავალფეროვნება და სიღრმე. ჰოლანდიური რენესანსის მუსიკის ისტორიას ავსებს ორლანდო ლასოს (ნამდვილი სახელი და გვარი როლანდ დე ლასო, დაახლოებით 1532-1594 წწ.) ნამუშევარი, რომელსაც მისმა თანამედროვეებმა უწოდეს "ბელგიელი ორფეოსი" და "მუსიკის პრინცი". ლასო დაიბადა მონსში (ფლანდრია). ბავშვობიდანვე მღეროდა საეკლესიო გუნდში და შთაბეჭდილებას ახდენდა მრევლს მშვენიერი ხმა. იტალიის ქალაქ მანტუას ჰერცოგმა გონზაგამ შემთხვევით გაიგო ახალგაზრდა მომღერალი და მიიწვია იგი საკუთარ სამლოცველოში. მანტუას შემდეგ ლასო მცირე ხნით მუშაობდა ნეაპოლში, შემდეგ კი გადავიდა რომში - სადაც მიიღო ერთ-ერთი საკათედრო ტაძრის სამლოცველოს წინამძღვრის თანამდებობა. ოცდახუთი წლის ასაკში ლასო უკვე ცნობილი იყო როგორც კომპოზიტორი და მისი კომპოზიციები მოთხოვნადი იყო მუსიკალურ გამომცემლებს შორის. 1555 წელს გამოიცა ნამუშევრების პირველი კრებული, რომელშიც შედიოდა მოტეტები, მადრიგალები და შანსონი. ლასომ შეისწავლა ყველაფერი საუკეთესო, რაც მისმა წინამორბედებმა შექმნეს (ჰოლანდიური, ფრანგული, გერმანული და იტალიელი კომპოზიტორები) და გამოიყენა მათი გამოცდილება თავის საქმიანობაში. როგორც არაჩვეულებრივი პიროვნება, ლასო ცდილობდა დაეძლია საეკლესიო მუსიკის აბსტრაქტული ბუნება, მიენიჭებინა მას ინდივიდუალობა. ამ მიზნით კომპოზიტორი ზოგჯერ იყენებდა ჟანრულ და ყოველდღიურ მოტივებს (თემა ხალხური სიმღერები, ცეკვავს), რითაც აერთიანებს ეკლესიას და საერო ტრადიცია. ლასო აერთიანებდა მრავალხმიანი ტექნიკის სირთულეს დიდ ემოციურობას. განსაკუთრებით წარმატებული იყო მადრიგალებში, რომელთა ტექსტებშიც ვლინდებოდა სულიერი მდგომარეობა. მსახიობებიმაგალითად, წმინდა პეტრეს ცრემლები "(1593) იტალიელი პოეტის ლუიჯი ტრანზილოს ლექსებზე. კომპოზიტორი ხშირად წერდა ხმების დიდ რაოდენობას (ხუთიდან შვიდამდე), ამიტომ მისი ნაწარმოებები რთული შესასრულებელია.

1556 წლიდან ორლანდო ლასო ცხოვრობდა მიუნხენში (გერმანია), სადაც ხელმძღვანელობდა სამლოცველოს. სიცოცხლის ბოლომდე მისი ავტორიტეტი მუსიკალურ და მხატვრულ წრეებში ძალიან მაღალი იყო და მისი პოპულარობა მთელ ევროპაში გავრცელდა. ჰოლანდიურმა მრავალხმიანმა სკოლამ დიდი გავლენა იქონია ევროპული მუსიკალური კულტურის განვითარებაზე. ჰოლანდიელი კომპოზიტორების მიერ შემუშავებული მრავალხმიანობის პრინციპები უნივერსალური გახდა და მე-20 საუკუნის კომპოზიტორებმა თავიანთ შემოქმედებაში მრავალი მხატვრული ტექნიკა გამოიყენეს.

საფრანგეთი. საფრანგეთისთვის XV-XVI საუკუნეები მნიშვნელოვანი ცვლილებების ხანად იქცა: ასწლიანი ომი (1337-1453) ინგლისთან დასრულდა, XV საუკუნის ბოლოს. დასრულდა სახელმწიფოს გაერთიანება; მე-16 საუკუნეში ქვეყანა განიცდიდა რელიგიურ ომებს კათოლიკეებსა და პროტესტანტებს შორის. IN ძლიერი სახელმწიფოაბსოლუტური მონარქიის პირობებში გაიზარდა სასამართლო დღესასწაულებისა და ხალხური დღესასწაულების როლი. ამან ხელი შეუწყო ხელოვნების, კერძოდ მუსიკის განვითარებას, რომელიც თან ახლდა ასეთ ქმედებებს. გაიზარდა ვოკალური და ინსტრუმენტული ანსამბლების (სამლოცველოები და კონსორტები), რომლებიც შედგებოდა შემსრულებელთა მნიშვნელოვანი რაოდენობისგან. იტალიაში სამხედრო კამპანიების დროს ფრანგები გაეცნენ იტალიური კულტურის მიღწევებს. მათ ღრმად იგრძნეს და მიიღეს იტალიური რენესანსის იდეები - ჰუმანიზმი, გარე სამყაროსთან ჰარმონიის, ცხოვრებით ტკბობის სურვილი.

თუ იტალიაში მუსიკალური რენესანსი უპირველეს ყოვლისა მასას უკავშირდებოდა, მაშინ ფრანგი კომპოზიტორები საეკლესიო მუსიკასთან ერთად განსაკუთრებულ ყურადღებას აქცევდნენ საერო მრავალხმიან სიმღერას - შანსონს. მის მიმართ ინტერესი საფრანგეთში გაჩნდა მე-16 საუკუნის პირველ ნახევარში, როდესაც გამოიცა კლემენტ ჯანეკინის (დაახლოებით 1485-1558) მუსიკალური ნაწარმოებების კრებული. სწორედ ეს კომპოზიტორი ითვლება ჟანრის ერთ-ერთ შემქმნელად.

კლემენტ ჯანეკინის (1475-1560) მთავარი საგუნდო პროგრამის ნაწარმოებები. ბავშვობაში ჯანეკინი მღეროდა საეკლესიო გუნდში მშობლიურ ქალაქ შატელეროში (ცენტრალური საფრანგეთი). მომავალში, როგორც მუსიკის ისტორიკოსები ვარაუდობენ, ის სწავლობდა ჰოლანდიელ ოსტატ ჟოსკინ დესპრესთან ან მისი გარემოცვის კომპოზიტორთან. მღვდლობის მიღების შემდეგ ჯანეკინი მუშაობდა რეგენტად (გუნდის დირექტორად) და ორგანისტად; შემდეგ იგი სამსახურში მიიწვია გიზის ჰერცოგმა. 1555 წელს მუსიკოსი სამეფო კაპელის მომღერალი გახდა, ხოლო 1556-1557 წლებში. - სამეფო კარის კომპოზიტორი. კლემენტ ჯანეკინმა შექმნა ორას ოთხმოცი შანსონი (გამოქვეყნდა 1530-1572 წლებში); წერდა საეკლესიო მუსიკას - მესებს, მოტეტებს, ფსალმუნებს. მისი სიმღერები ხშირად ფერწერული ხასიათისა იყო. მსმენელის გონების თვალწინ არის ბრძოლის სურათები ("Marignano-ს ბრძოლა", "Rent of ბრძოლა", "Metz of Battle"), ნადირობის სცენები ("ნადირობა"), ბუნების გამოსახულებები ("ჩიტების სიმღერა", "ბულბული". ", "ლარკი" ), ყოველდღიური სცენები ("ქალების ჭკუა"). საოცრად კაშკაშა, კომპოზიტორმა მოახერხა პარიზში ყოველდღიური ცხოვრების ატმოსფეროს გადმოცემა შანსონში "პარიზის ტირილი": მან შემოიტანა გამყიდველების ძახილები ტექსტში ("რძე!" - "ღვეზელები!" - "არტიშოკები!" - " თევზი!" - "ასანთი!" - "მტრედები!" - "ძველი ფეხსაცმელი!" - "ღვინო!"). ჯენეკინი თითქმის არ იყენებდა გრძელ და გლუვ თემებს ცალკეული ხმებისა და რთული პოლიფონიური მოწყობილობებისთვის, ამჯობინებდა როლურ ზარებს, გამეორებებსა და ონომატოპეას.

სხვა მიმართულება ფრანგული მუსიკაასოცირდება რეფორმაციის პან-ევროპულ მოძრაობასთან.

საეკლესიო მსახურებისას ფრანგმა პროტესტანტებმა (ჰუგენოტებმა) მიატოვეს ლათინური და მრავალხმიანობა. სასულიერო მუსიკამ უფრო ღია, დემოკრატიული ხასიათი შეიძინა. ამ მუსიკალური ტრადიციის ერთ-ერთი ყველაზე ნათელი წარმომადგენელი იყო კლოდ გუდიმელი (1514 და 1520-1572 წლებში), ბიბლიურ ტექსტებსა და პროტესტანტულ გალობაზე დაფუძნებული ფსალმუნების ავტორი.

შანსონი. ფრანგული რენესანსის ერთ-ერთი მთავარი მუსიკალური ჟანრი არის შანსონი (ფრ. შანსონი - „სიმღერა“). მისი სათავე ხალხურ ხელოვნებაშია (ეპიკური ზღაპრების რითმირებული ლექსები მუსიკალური იყო), შუა საუკუნეების ტრუბადურებისა და ტრუვეურების ხელოვნებაში. შინაარსობრივად და განწყობილებაში შანსონი შეიძლებოდა ყოფილიყო ძალიან მრავალფეროვანი - იყო სასიყვარულო სიმღერები, ყოველდღიური, მხიარული, სატირული და ა.შ. კომპოზიტორებმა ტექსტებად აიღეს ხალხური ლექსები და თანამედროვე პოეზია.

იტალია. იტალიაში რენესანსის დაწყებასთან ერთად გავრცელდა ყოველდღიური მუსიკა სხვადასხვა ინსტრუმენტზე დაკვრა; გაჩნდა მუსიკის მოყვარულთა წრეები. პროფესიულ სფეროში ჩამოყალიბდა ორი უძლიერესი სკოლა: რომაული და ვენეციური.

მადრიგალი. რენესანსის დროს გაიზარდა საერო ჟანრების როლი. XIV საუკუნეში. მადრიგალი გამოჩნდა იტალიურ მუსიკაში (გვიანდელი ლათინური matricale - "სიმღერა მშობლიური ენაიგი ჩამოყალიბდა ხალხური (მწყემსური) სიმღერების საფუძველზე. მადრიგალები იყო სიმღერები ორ ან სამ ხმაზე, ხშირად ინსტრუმენტული თანხლების გარეშე. ისინი იწერებოდა თანამედროვე იტალიელი პოეტების ლექსებზე, რომლებიც სიყვარულზე საუბრობდნენ; იყო სიმღერები. ყოველდღიური და მითოლოგიური საგნები.

მე-15 საუკუნეში კომპოზიტორები თითქმის არ მიუბრუნდნენ ამ ჟანრს; მის მიმართ ინტერესი მხოლოდ მე-16 საუკუნეში აღდგა. მე-16 საუკუნის მადრიგალის დამახასიათებელი ნიშანია მუსიკასა და პოეზიას შორის მჭიდრო კავშირი. მუსიკა მოქნილად მიჰყვებოდა ტექსტს, ასახავდა პოეტურ წყაროში აღწერილ მოვლენებს. დროთა განმავლობაში განვითარდა თავისებური მელოდიური სიმბოლოები, რომლებიც აღნიშნავდნენ ნაზ კვნესას, ცრემლს და ა.შ. ზოგიერთი კომპოზიტორის ნაწარმოებებში სიმბოლიზმი ფილოსოფიური იყო, მაგალითად, გესუალდო დი ვენოსას მადრიგალი „ვკვდები, უბედური“ (1611).

ჟანრის აყვავება XVI-XVII საუკუნეების მიჯნაზე მოდის. ზოგჯერ, სიმღერის შესრულებასთან ერთად, მისი სიუჟეტი სრულდებოდა. მადრიგალი გახდა მადრიგალის კომედიის საფუძველი (საგუნდო კომპოზიცია, რომელიც დაფუძნებულია კომედიური პიესის ტექსტზე), რომელმაც მოამზადა ოპერის გარეგნობა.

რომაული პოლიფონიური სკოლა. ჯოვანი დე პალესტრინა (1525-1594). რომაული სკოლის ხელმძღვანელი იყო ჯოვანი პიერლუიჯი და პალესტრინა, რენესანსის ერთ-ერთი უდიდესი კომპოზიტორი. დაიბადა იტალიის ქალაქ პალესტრინაში, რის შემდეგაც მიიღო გვარი. პალესტრინა ბავშვობიდან მღეროდა საეკლესიო გუნდში და სრულწლოვანებამდე მიიწვიეს რომის წმინდა პეტრეს ბაზილიკაში ბენდმაისტერის (გუნდის ლიდერის) თანამდებობაზე; მოგვიანებით მსახურობდა სიქსტის კაპელაში (პაპის სასამართლო სამლოცველო).

რომი, კათოლიციზმის ცენტრი, მიიპყრო მრავალი წამყვანი მუსიკოსი. სხვადასხვა დროს აქ მოღვაწეობდნენ ჰოლანდიელი მრავალხმიანი ოსტატები გიომ დიუფეი და ჟოსკინ დესპრე. მათი შემუშავებული კომპოზიციის ტექნიკა ხანდახან ერეოდა სამსახურის ტექსტის აღქმაში: ის იკარგებოდა ხმების დახვეწილი პლექსის მიღმა და სიტყვები, ფაქტობრივად, არ ისმოდა. ამიტომ საეკლესიო ხელისუფალნი უფრთხილდებოდნენ ასეთ სამუშაოებს და ემხრობოდნენ მონოფონიის დაბრუნებას გრიგორიანული გალობის საფუძველზე. საეკლესიო მუსიკაში მრავალხმიანობის დასაშვებობის საკითხი განიხილებოდა კათოლიკური ეკლესიის ტრენტის კრებაზეც (1545-1563). რომის პაპთან ახლოს პალესტრინამ დაარწმუნა ეკლესიის ლიდერები ნაწარმოებების შექმნის შესაძლებლობაში, სადაც კომპოზიტორის ტექნიკა ხელს არ შეუშლის ტექსტის გაგებას. დასტურის სახით მან შეადგინა „პაპა მარჩელოს მესა“ (1555), რომელიც აერთიანებს რთულ მრავალხმიანობას თითოეული სიტყვის მკაფიო და გამომხატველ ბგერასთან. ამრიგად, მუსიკოსმა პროფესიონალური მრავალხმიანი მუსიკა საეკლესიო ხელისუფლების დევნისგან „გადაარჩინა“. 1577 წელს კომპოზიტორი მიიწვიეს ეტაპობრივი - კათოლიკური ეკლესიის წმინდა საგალობლების კრებულის რეფორმის განსახილველად. 80-იან წლებში. პალესტრინამ მიიღო წმინდა ორდენები და 1584 წელს იგი გახდა მუსიკის ოსტატთა საზოგადოების წევრი - მუსიკოსთა ასოციაცია, რომელიც პირდაპირ ექვემდებარებოდა პაპს.

პალესტრინას ნამუშევარი გამსჭვალულია ნათელი მსოფლმხედველობით. მის მიერ შექმნილმა ნამუშევრებმა შთაბეჭდილება მოახდინა მის თანამედროვეებზე როგორც უმაღლესი ოსტატობით, ასევე რაოდენობით (ასზე მეტი მასა, სამას მოტეტი, ასი მადრიგალი). მუსიკის სირთულე არასოდეს ყოფილა ბარიერი მისი აღქმისთვის. კომპოზიტორმა იცოდა, როგორ ეპოვა ოქროს შუალედი კომპოზიციების დახვეწილობასა და მსმენელთან მისაწვდომობას შორის. პალესტრინამ მთავარი შემოქმედებითი ამოცანა ინტეგრალის შემუშავებაში დაინახა დიდი სამუშაო. მის საგალობლებში თითოეული ხმა დამოუკიდებლად ვითარდება, მაგრამ ამავე დროს დანარჩენებთან ერთად ქმნის ერთ მთლიანობას და ხშირად ხმები ქმნიან აკორდების კომბინაციებს, რომლებიც თვალშისაცემია სილამაზით. ხშირად ზედა ხმის მელოდია თითქოს დანარჩენზე მაღლა იწევს და მრავალხმიანობის „გუმბათს“ გამოკვეთს; ყველა ხმა გლუვი და განვითარებულია.

ჯოვანი და პალესტრინას ხელოვნება მომდევნო თაობის მუსიკოსებმა სანიმუშოდ და კლასიკურად მიიჩნიეს. ბევრმა შეიტყო მისი ნაწერებიდან. გამოჩენილი კომპოზიტორები XVII-VIII სს

რენესანსული მუსიკის კიდევ ერთი მიმართულება უკავშირდება ვენეციური სკოლის კომპოზიტორთა შემოქმედებას, რომლის დამაარსებელი იყო ადრიან ვილარტი (დაახლოებით 1485-1562). მისი სტუდენტები იყვნენ ორღანისტი და კომპოზიტორი ანდრეა გაბრიელი (1500-დან 1520 წლამდე - 1586 წლის შემდეგ), კომპოზიტორი კვიპრიან დე პოპი (1515 ან 1516-1565) და სხვა მუსიკოსები. თუ პალესტრინას ნამუშევრები ხასიათდება სიცხადით და მკაცრი თავშეკავებით, მაშინ ვილარტმა და მისმა მიმდევრებმა განავითარეს ბრწყინვალე საგუნდო სტილი. გარს ჟღერადობის, ტემბრების დაკვრის მისაღწევად, მათ კომპოზიციებში გამოიყენეს რამდენიმე გუნდი, რომლებიც განლაგებულია ტაძრის სხვადასხვა ადგილას. გუნდებს შორის roll call-ის გამოყენებამ შესაძლებელი გახადა ეკლესიის სივრცის უპრეცედენტო ეფექტებით შევსება. ეს მიდგომა ასახავდა მთლიან ეპოქის ჰუმანისტურ იდეალებს - თავისი მხიარულებით, თავისუფლებით და თავად ვენეციური მხატვრული ტრადიციით - ყველაფრის ნათელი და უჩვეულოს სურვილით. შემოქმედებაში ვენეციელი ოსტატებიმუსიკალური ენაც უფრო რთული გახდა: იგი სავსე იყო აკორდების თამამი კომბინაციებით, მოულოდნელი ჰარმონიებით.

რენესანსის გამორჩეული ფიგურა იყო კარლო გესუალდო დი ვენოსა (დაახლოებით 1560-1613), ქალაქ ვენოსას პრინცი, საერო მადრიგალის ერთ-ერთი უდიდესი ოსტატი. მან მოიპოვა პოპულარობა, როგორც ქველმოქმედი, ლუტის მოთამაშე და კომპოზიტორი. პრინცი გესუალდო მეგობრობდა იტალიელ პოეტ ტორკუატო ტასოსთან; შემორჩენილია საინტერესო წერილები, სადაც ორივე ხელოვანი განიხილავს ლიტერატურის, მუსიკის საკითხებს, ვიზუალური ხელოვნება. გესუალდო დი ვენოსამ ტასოს მრავალი ლექსი მუსიკაზე დაადო – ასე გაჩნდა არაერთი მაღალმხატვრული მადრიგალი. როგორც გვიანი რენესანსის წარმომადგენელი, კომპოზიტორი განვითარდა ახალი ტიპისმადრიგალი, სადაც გრძნობები იყო პირველ რიგში - მშფოთვარე და არაპროგნოზირებადი. ამიტომ მის ნამუშევრებს ახასიათებს მოცულობის რყევები, კვნესის და კვნესის მსგავსი ინტონაციები, მკვეთრი ჟღერადობის აკორდები და ტემპის კონტრასტული ცვლილებები. ამ ტექნიკებმა გესუალდოს მუსიკას მისცა ექსპრესიული, გარკვეულწილად უცნაური ხასიათი; მან გააოცა და ამავე დროს მიიპყრო თანამედროვეები. გესუალდო დი ვენოსას მემკვიდრეობა შედგება მრავალხმიანი მადრიგალების შვიდი კოლექციისგან; სულიერ კომპოზიციებს შორის – „სასულიერო საგალობლები“. მისი მუსიკა დღესაც არ ტოვებს გულგრილს მსმენელს.

ინსტრუმენტული მუსიკის ჟანრებისა და ფორმების განვითარება. ინსტრუმენტული მუსიკა ასევე გამოირჩევა ახალი ჟანრების გაჩენით, განსაკუთრებით ინსტრუმენტული კონცერტით. ვიოლინო, კლავესინი, ორღანი თანდათან გადაიქცა სოლო ინსტრუმენტებად. მათთვის დაწერილმა მუსიკამ შესაძლებელი გახადა ნიჭი გამოეჩინა არა მხოლოდ კომპოზიტორისთვის, არამედ შემსრულებლისთვისაც. უპირველეს ყოვლისა, დაფასდა ვირტუოზულობა (ტექნიკური სიძნელეებთან გამკლავების უნარი), რომელიც თანდათან გახდა თვითმიზანი და მხატვრული ღირებულება მრავალი მუსიკოსისთვის. კომპოზიტორები XVII-XVIII სსჩვეულებრივ, არა მხოლოდ ქმნიდა მუსიკას, არამედ ოსტატურად უკრავდა ინსტრუმენტებზე, სწავლობდა პედაგოგიური მოღვაწეობა. ხელოვანის კეთილდღეობა დიდწილადდამოკიდებულია ინდივიდუალურ მომხმარებელზე. როგორც წესი, ყველა სერიოზული მუსიკოსი ცდილობდა ადგილის მოპოვებას ან მონარქის ან მდიდარი არისტოკრატის სასამართლოში (აზნაურობის ბევრ წარმომადგენელს ჰქონდა საკუთარი ორკესტრი ან ოპერის სახლები), ან ტაძარში. უფრო მეტიც, კომპოზიტორთა უმეტესობა ადვილად აერთიანებდა საეკლესიო მუსიკას საერო მფარველის სამსახურთან.

ინგლისი. ინგლისის კულტურული ცხოვრება რენესანსის დროს მჭიდროდ იყო დაკავშირებული რეფორმაციასთან. მე-16 საუკუნეში პროტესტანტიზმი მთელ ქვეყანაში გავრცელდა. კათოლიკური ეკლესიადაკარგა დომინანტური პოზიცია, ანგლიკანური ეკლესია გახდა სახელმწიფო, რომელმაც უარი თქვა კათოლიციზმის ზოგიერთი დოგმის (ძირითადი დებულების) აღიარებაზე; მონასტრების უმეტესობამ არსებობა შეწყვიტა. ამ მოვლენებმა გავლენა მოახდინა ინგლისურ კულტურაზე, მათ შორის მუსიკაზე. მუსიკალური განყოფილებები გაიხსნა ოქსფორდისა და კემბრიჯის უნივერსიტეტებში. თავადაზნაურობის სალონებში ჟღერდა კლავიშიანი ინსტრუმენტები: ქალწული (კლავესინის სახეობა), პორტატული (პატარა) ორღანი და ა.შ. პოპულარული იყო საშინაო მუსიკის დასაკრავად განკუთვნილი მცირე კომპოზიციები. იმდროინდელი მუსიკალური კულტურის ყველაზე თვალსაჩინო წარმომადგენელი იყო უილიამ ბირდი (1543 ან 1544-1623) - მუსიკალური გამომცემელი, ორღანისტი და კომპოზიტორი. ბერდი ინგლისური მადრიგალის წინაპარი გახდა. მისი ნამუშევრები გამოირჩევა სიმარტივით (ის თავს არიდებდა რთულ პოლიფონიურ მოწყობილობებს), ტექსტის შემდგომი ფორმის ორიგინალურობითა და ჰარმონიული თავისუფლებით. ყველა მუსიკალური საშუალება მოწოდებულია დაადასტუროს ცხოვრების სილამაზე და სიხარული, განსხვავებით შუა საუკუნეების სიმკაცრისა და თავშეკავებისგან. მადრიგალის ჟანრში კომპოზიტორს ბევრი მიმდევარი ჰყავდა.

ბერდი ასევე ქმნიდა სულიერ ნაწარმოებებს (მასები, ფსალმუნები) და ინსტრუმენტულ მუსიკას. ქალწულისთვის კომპოზიციებში მან გამოიყენა ხალხური სიმღერებისა და ცეკვების მოტივები.

კომპოზიტორს ძალიან სურდა, რომ მის მიერ დაწერილი მუსიკა „სიხარულით ყოფილიყო სულ მცირე სინაზე, დასვენება და გართობა“, - წერდა უილიამ ბირდი მისი ერთ-ერთი მუსიკალური კრებულის წინასიტყვაობაში.

გერმანია. გერმანული მუსიკალური კულტურის კავშირი რეფორმაციულ მოძრაობასთან. მე-16 საუკუნეში გერმანიაში დაიწყო რეფორმაცია, რამაც საგრძნობლად შეცვალა ქვეყნის რელიგიური და კულტურული ცხოვრება. რეფორმატორები დარწმუნებულნი იყვნენ ღვთისმსახურების მუსიკალური შინაარსის ცვლილებების აუცილებლობაში. ეს ორი მიზეზის გამო იყო. XV საუკუნის შუა ხანებისთვის. საეკლესიო მუსიკის ჟანრებში მომუშავე კომპოზიტორთა პოლიფონიურმა უნარმა მიაღწია არაჩვეულებრივ სირთულეს და დახვეწილობას. ხანდახან იქმნებოდა ნაწარმოებები, რომლებსაც ხმების მელოდიური სიმდიდრისა და ხანგრძლივი გალობის გამო მრევლის უმრავლესობა ვერ აღიქვამდა და სულიერად განიცდიდა. გარდა ამისა, მსახურება ჩატარდა ლათინურ ენაზე, იტალიელებისთვის გასაგები, მაგრამ გერმანელებისთვის უცხო.

რეფორმაციის მოძრაობის დამფუძნებელი მარტინ ლუთერი (1483-1546) თვლიდა, რომ საჭირო იყო საეკლესიო მუსიკის რეფორმა. მუსიკამ, პირველ რიგში, ხელი უნდა შეუწყოს მრევლის უფრო აქტიურ მონაწილეობას ღვთისმსახურებაში (ეს შეუძლებელი იყო პოლიფონიური კომპოზიციების შესრულებისას) და მეორეც, ბიბლიური მოვლენებისადმი თანაგრძნობის გაღვივება (რასაც აფერხებდა წირვის ლათინურ ენაზე ჩატარება). ამრიგად, საეკლესიო გალობას შემდეგი მოთხოვნები დაეკისრა: მელოდიის სიმარტივე და სიცხადე, თანაბარი რიტმი და გალობის მკაფიო ფორმა. ამის საფუძველზე წარმოიშვა პროტესტანტული გალობა - გერმანული რენესანსის საეკლესიო მუსიკის მთავარი ჟანრი. 1522 წელს ლუთერმა თარგმნა ახალი აღთქმაგერმანულად - ამიერიდან შესაძლებელი გახდა ღვთისმსახურების აღნიშვნა მშობლიურ ენაზე.

ქორალების მელოდიების შერჩევაში აქტიური მონაწილეობამიიღო თავად ლუთერმა, ასევე მისმა მეგობარმა, გერმანელმა მუსიკის თეორეტიკოსმა იოჰან ვალტერმა (1490-1570). ასეთი მელოდიების ძირითადი წყარო იყო ხალხური სულიერი და საერო სიმღერები - ფართოდ ცნობილი და ადვილად გასაგები. მელოდიები ზოგიერთი გუნდისთვის ლუთერმა თავად შექმნა. ერთ-ერთი მათგანი „უფალი ჩვენი კლდეა“ მე-16 საუკუნის რელიგიური ომების დროს რეფორმაციის სიმბოლოდ იქცა.

მეისტერსინგერები და მათი ხელოვნება. რენესანსის გერმანული მუსიკის კიდევ ერთი ნათელი გვერდი დაკავშირებულია მეისტერსინგერების შემოქმედებასთან (გერმ. Meistersinger - "ოსტატი მომღერალი") - პოეტები და მომღერლები ხელოსანთა გარემოდან. Ისინი არ იყვნენ პროფესიონალი მუსიკოსებიდა უპირველეს ყოვლისა, ოსტატები - მეიარაღეები, მკერავები, მყინვარები, ფეხსაცმლის მწარმოებლები, მცხობელები და ა.შ. ასეთი მუსიკოსების საქალაქო გაერთიანებაში შედიოდნენ სხვადასხვა ხელობის წარმომადგენლები. მე-16 საუკუნეში მაისტერსინგერის ასოციაციები არსებობდა გერმანიის ბევრ ქალაქში.

მაისტერსინგერებმა თავიანთი სიმღერები მკაცრი წესებით შეადგინეს, შემოქმედებითი ინიციატივა მრავალი შეზღუდვით იყო შეზღუდული. დამწყები ჯერ უნდა დაეუფლა ამ წესებს, შემდეგ ისწავლა სიმღერების სიმღერა, შემდეგ შეადგინა ტექსტი სხვის მელოდიებზე და მხოლოდ ამის შემდეგ შეეძლო შეექმნა საკუთარი სიმღერა. სანიმუშო მელოდიებად განიხილებოდა ცნობილი მაისტერსინგერებისა და მინესინჯერების ჰანგები.

მე-16 საუკუნის გამოჩენილი მასტერსინგერი. ჰანს საქსი (1494-1576) მკერავის ოჯახიდან იყო, მაგრამ დატოვა მშობლების სახლიდა წავიდა სამოგზაუროდ გერმანიაში. ჭაბუკმა ხეტიალის დროს ისწავლა ფეხსაცმლის ხელობა, მაგრამ რაც მთავარია, გაეცნო ხალხურ ხელოვნებას. საქსი კარგად იყო განათლებული, კარგად იცოდა ძველი და შუა საუკუნეების ლიტერატურა, კითხულობდა ბიბლიას გერმანული თარგმანი. იგი ღრმად იყო გამსჭვალული რეფორმაციის იდეებით, ამიტომ მან დაწერა არა მხოლოდ საერო სიმღერები, არამედ სულიერი სიმღერებიც (სულ დაახლოებით ექვსი ათასი სიმღერა). ჰანს საქსი ასევე ცნობილი გახდა, როგორც დრამატურგი (იხილეთ სტატია " თეატრალური ხელოვნებარენესანსის პერიოდი").

რენესანსის მუსიკალური ინსტრუმენტები. რენესანსის დროს საგრძნობლად გაფართოვდა მუსიკალური ინსტრუმენტების შემადგენლობა, უკვე არსებულ სიმებს და სასულეებს დაემატა ახალი ჯიშები. მათ შორის განსაკუთრებული ადგილი უკავია ალტებს - მშვილდ სიმების ოჯახს, რომელიც აოცებს ხმის სილამაზითა და კეთილშობილების გამო. ფორმით ისინი წააგავს თანამედროვე ვიოლინოების ოჯახის ინსტრუმენტებს (ვიოლინო, ალტი, ჩელო) და მათ უშუალო წინამორბედებადაც კი ითვლებიან (ისინი მუსიკალურ პრაქტიკაში მე-18 საუკუნის შუა პერიოდამდე თანაარსებობდნენ). თუმცა, არის განსხვავება და მნიშვნელოვანი. ალტებს აქვთ რეზონანსული სიმების სისტემა; როგორც წესი, იმდენია, რამდენიც მთავარი (ექვსიდან შვიდამდე). რეზონანსული სიმების ვიბრაცია ალტს ხდის რბილს, ხავერდოვან ჟღერადობას, მაგრამ რთულია ინსტრუმენტის გამოყენება ორკესტრში, რადგან სიმების სიმრავლის გამო ის სწრაფად იშლება.

დიდი ხნის განმავლობაში ალტის ხმა მუსიკაში დახვეწილობის მოდელად ითვლებოდა. ალტის ოჯახში სამი ძირითადი ტიპია. ვიოლა და გამბა არის დიდი ინსტრუმენტი, რომელიც შემსრულებელმა ვერტიკალურად მოათავსა და გვერდებიდან ფეხებით დაკრა (იტალიური სიტყვა gamba ნიშნავს "მუხლს"). ორი სხვა ჯიში - viola da braccio (მისგან. braccio - "წინამხარი") და viol d "amour (fr. viole d" amour - "სიყვარულის viola") ჰორიზონტალურად იყო ორიენტირებული და დაკვრისას ისინი აჭერდნენ მხარზე. ვიოლა და გამბა ხმის დიაპაზონით ახლოსაა ვიოლონჩელოსთან, ვიოლა და ბრაჩიო - ვიოლინოსთან, ვიოლ დ'ამური კი - ვიოლასთან.

მათ შორის მოწყვეტილი ინსტრუმენტებირენესანსის მთავარი ადგილი უჭირავს ლუტს (პოლონური lutnia, არაბული "alud" - "ხე"). იგი ევროპაში ახლო აღმოსავლეთიდან შემოვიდა XIV საუკუნის ბოლოს, ხოლო XVI საუკუნის დასაწყისისთვის ამ ინსტრუმენტის უზარმაზარი რეპერტუარი იყო; უპირველეს ყოვლისა, ლუტის თანხლებით მღეროდნენ სიმღერები. ლაუთას აქვს მოკლე სხეული; ზედა ნაწილი ბრტყელია, ქვედა კი ნახევარსფეროს წააგავს. კისერი მიმაგრებულია ფართო კისერზე, დაყოფილია ფრთებით, ხოლო ხელსაწყოს თავი უკან არის მოხრილი თითქმის სწორი კუთხით. სურვილის შემთხვევაში შეგიძლიათ იხილოთ მსგავსება თასთან ლუტის ფორმის. თორმეტი სიმი დაჯგუფებულია წყვილებად და ბგერა ამოღებულია როგორც თითებით, ასევე სპეციალური ფირფიტით - პლეკტრუმით.

XV-XVI საუკუნეებში წარმოიშვა სხვადასხვა ტიპის კლავიატურა. ასეთი ინსტრუმენტების ძირითადი ტიპები - კლავესინი, კლავიკორდი, კემბალო, ვირჯინალი - აქტიურად გამოიყენებოდა რენესანსის მუსიკაში, მაგრამ მათი ნამდვილი აყვავება მოგვიანებით დადგა.