Det er ikke mye kjent om hva kunst er. Flykt til deg selv, eller hva kunst er. Selvutfoldelse og publikumsoppfatning

Kunsten å stille spørsmål er en av de grunnleggende ferdighetene for både studie og yrkesaktivitet. Fremgang i å mestre stoffet kan vurderes ut fra hvilke spørsmål en person stiller. Mange profesjoner er bygget på evnen til å stille de riktige spørsmålene, det vil si spørsmål som er effektive for å samle informasjon. Leger, ledere, lærere, advokater, psykologer er spesielt opplært til å stille spørsmål. Spørsmål som en person stiller når han mangler informasjon viser graden av forståelse av problemet og evnen til spørren til å gjøre antagelser. Evnen til å stille spørsmål hjelper med å løse intellektuelle problemer og bidrar til å forbedre gjensidig forståelse mellom mennesker.

En moderne person stiller spørsmål ikke bare til en annen person, men også til søkemotorer på Internett. Muligheten til å fremheve søkeord som en "søkemotor" vil gi meningsfulle lenker til, er basert på den samme kunsten å stille spørsmål - bare i stedet for å stille et spørsmål, spør du nøkkelord fra det tiltenkte svaret.

Prøv følgende oppgaver (du kan velge ett av tre alternativer, men det er bedre å fullføre dem alle).

Øvelse 1. Tenk deg at du underviser i utenlandsk litteratur og ønsker å finne ut hvor mye elevene dine har mestret W. Shakespeares tragedie «Hamlet». Hvilke 10 spørsmål vil du stille for å bestemme dybden av kunnskapen til elevene dine? Skriv ned spørsmålene.

Oppgave 2. Tenk deg at du er en leder og en av dine underordnede er sent ute med en viktig oppgave. Kom med 5-6 spørsmål du kan stille for å forstå årsaken til hendelsen og bestemme en rettferdig straff. Tenk på hvem du kan spørre dem om.

Oppgave 3. Tenk deg at du er en kunstkritiker. Du velger ut filmer til festivalen. Din oppgave er å velge 3 filmer av 5 innsendte til konkurransen. Kom med 3-4 spørsmål for de som allerede har sett disse filmene som vil hjelpe deg å ta et valg før du ser.

Hvilke spørsmål "brukte" du - åpne, dvs. som krever et detaljert svar (for eksempel "Når brukte du denne tingen sist?") eller lukkede svar, som kan besvares med "ja" eller "nei" ("Har du lett etter denne tingen lenge) ?”). Merk at et åpent spørsmål gir den andre personen en bedre sjanse til å snakke og gir deg større sjanse til å få mer informasjon. Et annet problem med lukkede spørsmål er at spørsmålsstillerens idé om hva som er for lenge siden, langt unna, godt kan avvike betydelig fra besvarerens idé (dette er hvordan misforståelser oppstår). For deg er "lenge siden" en uke siden, men for andre er det i går. Prøv å omformulere spørsmålene som ble lukket på listen din slik at de blir åpne.

Forskere identifiserer 5 typer spørsmål.

I. Faktiske spørsmål (eller kunnskapsspørsmål)

Slike spørsmål er rettet mot å finne ut fakta og funksjoner som er enkle å observere. Svar på faktaspørsmål kan ofte bedømmes som rett eller galt. Selv om faktaspørsmål vanligvis er enkle, må du også vite hvordan du stiller dem.

Faktaspørsmål er rettet mot å identifisere følgende egenskaper:

• hvem (hvem er forfatteren, hvem kunne blande seg inn, hvem som gjorde dette arbeidet osv.);
• når (hvor ofte, hva er frekvensen, hvor lenge siden var det, hvor lenge siden, når kan det skje...);
• hvor (hvor langt er det fra ..., hvordan komme dit ...);
• hvordan (hvordan det skjedde, hvordan det kunne skje, hvilke egenskaper du trenger å ha...)

For oppgave 1 vil et eksempel på et faktaspørsmål være: «Hva heter Shakespeares skuespill om prinsen av Danmark?» Mindre primitive er spørsmålene som påvirker handlingslinjene: «Når og under hvilke omstendigheter ble Polonius drept? Hvilke konsekvenser fikk dette drapet? For oppgave 2 blir slike spørsmål: «Hvem henvendte du deg til for å få hjelp når du innså at du ikke kunne gjøre det i tide?», «Hvor sent var du med å fullføre oppgaven?», «Hvilke midler måtte du gjøre for å løse oppgaven?», «Hvilke konsekvenser av å komme for sent med å fullføre en oppgave? For oppgave 3 vil faktaspørsmålene være: «Hvem er regissøren av filmen?», «Hvilken erfaring med deltakelse i konkurranser og festivaler har filmskaperne?», «Hvor mye penger samlet filmen inn i billettluken? ”

Tell hvor mange faktaspørsmål som er på listen din, og i hvilken oppgave er andelen av disse spørsmålene størst. Faktaspørsmål er svært viktige for situasjonen foreslått i oppgave 2 - for å forstå situasjonen må du først finne ut historien til problemstillingen, og deretter konsekvensene av det som skjedde. For situasjonen til Oppgave 1 er faktaspørsmål av minst betydning – den faktiske siden av arbeidet er kjent og av liten interesse. Situasjonen i oppgave 3 forutsetter at faktaspørsmål danner beslutningsgrunnlaget og må suppleres med andre spørsmål.

II. Konvergerende problemer

Disse spørsmålene har ikke et klart svar og krever mye omtanke. Verken situasjonen eller teksten gir noen direkte pekepinn. Oftest er disse spørsmålene formulert som "Hvorfor ...", "Hva er årsakene ...", "Hvorfor ..." (For hvilke formål handlet personen? Hva er årsakene til det som skjedde? Hvorfor gjorde det? skjer det ikke?).

Et konvergent spørsmål kobler sammen en persons forståelse og faktamateriale dette er det første trinnet i tolkningen av situasjonen eller teksten som det stilles spørsmål om.

For «Hamlet» vil slike spørsmål for eksempel være: «Hva er hovedårsakene til Ophelias galskap, hva presset henne til selvmord?», «Hva forklarer Hamlets hevngjerrighet, hva får ham til å forfølge sin mor og onkel?» For oppgave 2 kan slike spørsmål være: "Hvorfor ba (eller ikke) du om hjelp?", "Hva trengte du for å fullføre oppgaven?" For oppgave 3 vil slike spørsmål være: "Hva er fordelene med denne filmen fremfor andre?", "Hva er den beste måten å sekvensere filmer i festivalprogrammet?"

Se gjennom listen over spørsmål – hvor mange av dem er rettet mot å finne ut hvorfor og forklare?

III. Divergerende spørsmål

Essensen av et slikt spørsmål er å betinge situasjonen: "Hva vil (ikke) skje hvis ...". Et divergerende spørsmål lar besvareren forstå at det finnes et alternativ. Evnen til å stille slike spørsmål er viktig for mange spesialister: Å ta en beslutning om behandling, straff eller belønning må nødvendigvis baseres på en vurdering av konsekvensene av avgjørelsen. Hvis et konvergent spørsmål er rettet mot å forklare hva som allerede har skjedd, så er et divergent spørsmål rettet mot å forutsi fremtiden.

En analyse av Hamlet kan for eksempel inkludere følgende spørsmål: "Hvordan ville forholdet mellom Hamlet og Ophelia ha utviklet seg hvis faren til Hamlet ikke hadde dødd?", "Hva ville ha skjedd med Hamlet hvis han hadde holdt seg i live og straffet sine lovbrytere ?” For den andre situasjonen kan du stille spørsmål: "Hva kan hjelpe deg med å fullføre oppgaven i tide?", "Hvis du brukte et slikt og slikt verktøy, hvordan ville det påvirke situasjonen?" For den tredje situasjonen er spørsmål mulig: "Hvordan vil inkluderingen av denne filmen i festivalprogrammet påvirke festivalens popularitet?", "Hvem skal presentere filmen slik at den blir lagt merke til av publikum?", "Hva vil være offentlig respons hvis denne filmen ikke er inkludert i programmet?

Studer listen over spørsmålene dine nøye - om det er mulig å identifisere "sterke" spørsmål som er viktige for å løse problemet, og "svake" de som kan ekskluderes fra listen. Et "sterkt" spørsmål gir en forståelse av situasjonen, ofte er det et alternativt spørsmål: "Hvem kunne gjøre dette, forutsatt ...", "Når kan dette skje, hvis ...", "Hvor kan dette skje .. ." etc. Både situasjon 2 og situasjon 3 krever mulighetsspørsmål. Slike spørsmål er ikke helt korrekte for situasjon 1, siden det innenfor rammen av et kunstverk er vanskelig å resonnere i den betingede stemningen.

IV. Evalueringsspørsmål (vurderings- og sammenligningsspørsmål)

Disse spørsmålene forbinder en forståelse av situasjonen og en persons holdning til en hendelse, bok, film osv. Svaret på et slikt spørsmål viser balanserte vurderinger og evnen til å unngå kategoriskhet. Et skjønnsspørsmål forutsetter at respondenten har informasjon som går utover situasjonen, ikke er likegyldig til samtaleemnet, og forstår tvetydigheten i det som diskuteres.

Evaluerings- og sammenligningsspørsmål er uunnværlige når du skal vurdere din forståelse av et historisk faktum eller et kunstverk. I situasjon 1 er følgende spørsmål mulig: "Sammenlign dødsfallene til Ophelia og Juliet, hva er likhetene og forskjellene mellom disse Shakespeare-heltinnene", "Hvilke andre litterære helter ligner Hamlet på", "Hvordan fungerer stykket "Hamlet" skiller seg fra andre skuespill av Shakespeare." For situasjon 2 kan slike spørsmål være: "Hva er du ansvarlig for og hva er andre ansvarlige for?", "Vurder handlingene dine: hvor tok du den riktige avgjørelsen og hvor tok du feil?" For den tredje situasjonen kan evalueringsspørsmålet for eksempel være rettet mot å sammenligne ulike filmer på ulike grunnlag.

Spørsmål om skjønn og sammenligning er ønskelig i alle de tre foreslåtte oppgavene – det er viktig at disse spørsmålene er egnet til å underbygge et synspunkt.

V. Kombinert spørsmål (komplekst spørsmål, svaret kan være veldig langt)

Faktisk går spørsmål av en type jevnt over til spørsmål av en annen type. Dermed skaper faktaspørsmålet grunnlaget for de tre andre spørsmålstypene. Ofte i ett spørsmål kan du kombinere et forklaringsspørsmål og et gjettespørsmål.

For eksempel, i situasjon 1, kan du stille følgende spørsmål: «Ikke alle karakterene i Shakespeares skuespill samhandler aktivt med hverandre. Bekreft denne posisjonen og finn en forklaring på den. Hvordan kan en scene med dialog mellom Polonius og Hamlets far se ut? I situasjon 2 kan du stille følgende kombinerte spørsmål: «Når det ble klart at du ikke var i tide, hvorfor rapporterte du det ikke umiddelbart?», «Hvem kunne gjøre denne oppgaven for deg, hvem ville du betro den til i mitt sted og hvorfor? I situasjon 3 kan et kombinert spørsmål ta sikte på å klargjøre filmens kunstneriske verdi: «Hvilke nye kunstneriske teknikker er det i filmen, hvordan forholder de seg til festivalens prioriteringer?»

Se hvor mange av spørsmålene du kommer med som er kombinert. Tenk på hvordan du kan koble eksisterende spørsmål til et overordnet omfattende spørsmål. Graden av sammenkobling mellom spørsmålene du stiller avgjøres av om du har en retning i å samle informasjon, om du identifiserer foreløpige hypoteser, og hvor variable hypotesene du legger frem er. Kombinerte spørsmål lar deg koble sammen forskjellige spørsmål og, fra svarene som er mottatt, sette sammen et helhetlig "bilde" av situasjonen som studeres.

Evnen til å stille spørsmål hjelper en person å lære å svare på andres spørsmål omtenksomt og uten hastverk; svare ved å resonnere og utvikle ditt synspunkt. Å lage en plan for å svare på et spørsmål er ikke noe annet enn å dele opp ett stort spørsmål i mer "smale" spørsmål. Det er ingen tilfeldighet at mange psykologer foretrekker å snakke om kunst i stedet for evnen til å stille spørsmål: et spørsmål viser tross alt ikke bare bevissthetsnivået, men også en persons evne til å nærme seg studieemnet på en ikke-standard måte . Hvis listen din er full av kombinasjonsspørsmål, forklaringsspørsmål, prediksjonsspørsmål eller evalueringsspørsmål, har du sannsynligvis ikke noe problem med å inkorporere kreativiteten din i å utforske situasjonen. Hvis du hadde problemer med å stille "kraftige" spørsmål, betyr ikke dette at du har liten slik evne. Prøv å forvandle spørsmålene dine til mer komplekse spørsmål, og for å gjøre dette, "slå på" din interesse for oppgaven.

V. R. Schmidt, kandidat for psykologiske vitenskaper

Kommenter artikkelen "Kunsten å stille spørsmål - minitenkeopplæring"

Mer om emnet "Hvordan lære å stille spørsmål riktig - trening for voksne":

Selvkunnskapstreninger. Er de effektive? Lære fremmedspråk. Voksenopplæring. Dette er hva vennen min gjorde nylig. Jeg valgte trening for å øke selvtilliten, jeg ønsket også å lære å forstå mennesker og oppnå suksess i fremtiden...

Kunsten å stille spørsmål er en mini-tenkeopplæring. Kunsten å stille spørsmål er en av de grunnleggende ferdighetene for både studie og yrkesaktivitet.

Kunsten å stille spørsmål er en mini-tenkeopplæring. Men jeg har et spørsmål: de prøver å overtale meg til å begynne å produsere slikt videomateriale på video og CD, teoretisk - vil du kjøpe dem, og for hvor mye?

Kunsten å stille spørsmål er en mini-tenkeopplæring. Hvilke 10 spørsmål vil du stille for å bestemme dybden av kunnskapen til elevene dine?

Undersøkelse. Om din, om jenta din. Diskusjon av spørsmål om en kvinnes liv i familien, på jobb, forhold til menn. Jeg ble overrasket over det siste spørsmålet - "vi har råd til alt, til og med å kjøpe eiendom." Fast eiendom, hvis vi snakker om boliger for en familie, er en presserende nødvendig ting.

Diskusjon av familiespørsmål: kjærlighet og sjalusi, ekteskap og utroskap, skilsmisse og underholdsbidrag For voksne og barn over 13 år. Hvis en person ikke raskt kan lære og bli med i en ny, hvordan kan man lære å si "nei"? Fortell meg hvordan du avslår forespørsler hvis du ikke vil...

Diskusjon av spørsmål om en kvinnes liv i familien, på jobb, forhold til menn. Og biologisk er dette helt riktig. Jeg forstår ikke hvorfor du trenger å gjøre deg kjent hvis de trenger opplæring for dette. du kan gå til hvilken som helst byggeplass. Det er mange hyggelige besøkende til...

Vi fikk i oppdrag å lære regelen i løpet av helgen. Jeg lærte det, men jeg kan ikke forstå det. Generelt er det russiske språket vårt ikke veldig bra, men når det gjelder analyse av sammensetning, kommer saker, og nå kommer det til deklinasjoner, generelt, kommer og går. For å være ærlig er jeg veldig nervøs. Fortell meg noe - en bok, en nettside, på fingrene hvordan forklare, roe ned og drikke valerian?

Hvordan stille spørsmål til setninger riktig? Først stiller den voksne spørsmålene, og barnet svarer. Kunsten å stille spørsmål mini-tenkeopplæring. Mange yrker er bygget på evnen til å stille de riktige spørsmålene, det vil si spørsmål som er effektive for å samle...

Diskusjon av familiespørsmål: kjærlighet og sjalusi, ekteskap og utroskap, skilsmisse og underholdsbidrag, forhold mellom :) Hvordan lære uten å bruke? Jeg forstår virkelig ikke. Lær - på seminarer, treninger for startere. Øv så sakte på fremmede.

Kunsten å stille spørsmål er en mini-tenkeopplæring. Mange profesjoner er bygget på evnen til å stille de riktige spørsmålene, det vil si spørsmål som er effektive for å samle informasjon. Du kan gjøre det! Og spørsmålet "Hvordan har du det?" stilles inn helt automatisk, når det faktisk...

Hvordan lære å lyve og være en hykler? fedre og sønner. Familie forhold. Hvordan lære dette? Hvordan sette seg opp? kanskje noe å lese? min svigermor sniker seg inn på rommet mitt. Det trodde jeg også og stilte til og med et spørsmål om min mor. Det ble interessant, men hvordan svarer en person på lignende spørsmål.

Intervju spørsmål. Jeg leste temaet som er diskutert nedenfor om å holde avslutninger i 4. klasse I første klasse ble vi stilt spørsmål: hva likte/mislikte du på skolen, favorittfagene dine, hva var det mest interessante/morsommeste, hvem er vennene dine. , hva vil du bli.

Den heter «Foreldrekompetanseopplæring – opplæring for foreldre», utført av Instituttet Hovedtemaer: Hvordan tvinge et barn til å endre atferd på riktig måte. Hvordan forhindre avvik i et barns atferd. Hvordan lære å være forelder til en voksen...

1. "Forbudt ord." Vi velger et forbudt ord, det kan være hvilken som helst farge (gul) eller kvalitet (liten). Vi kaster ballen til babyen mens vi stiller spørsmål. (Havet er blått, og solen? Hvilken farge er rosen? Og tusenfryden? Elefanten er stor, og musen?) Barnet må gi et nøyaktig svar, ikke glemme å si "abracadabra" i stedet for forbudte ord. Øvelser for å utvikle oppmerksomhet

Det er usannsynlig, det er bare at du (og de fleste riktige voksne) gjør alt rett ut av treghet eller fordi du kanskje burde slutte å kommentere og stille spørsmål, men se på andre diskusjoner om temaet «hvordan lære å ikke lese moral for et skolebarn ”

Det første intervjuet i vergemål... ...jeg synes det er vanskelig å velge en seksjon. Adopsjon. Drøfting av adopsjonsspørsmål, former for plassering av barn i familier, oppdragelse av adoptivbarn, samhandling med vergemål, opplæring på skole for adoptivforeldre.

Hvordan lære forretningskommunikasjon? Seriøst spørsmål. Om din, om jenta din. Hvordan lære forretningskommunikasjon? Eller jeg vet ikke hva jeg skal kalle det. Vil du ha noe gratis og ganske effektivt? gå til gratis treninger for nettverkere, Oriflame er der og så videre.

Kunsten å stille spørsmål er en mini-tenkeopplæring. Mini-tenking trening. 5 typer spørsmål: kunnskapsspørsmål, konvergerende spørsmål Finn drømmejobben din eller elsk den du har.

I følge VTsIOM har hver femte russer aldri vært på teatret, hvert sekund har vært der «en gang», men nesten aldri besøkt teatret. Halvparten av russiske statsborgere går ikke på kino, og 13 prosent av de spurte har aldri vært på kino i det hele tatt. Mer enn 40 prosent av russerne har ikke hørt noe om «Natt på museet», en tredjedel har hørt, men har ikke tenkt å besøke, 27 prosent av de spurte innrømmet at de aldri har vært på museet.

Tilhører ikke kunst folket?

La oss diskutere temaet med dekanen ved fakultetet for kunsthistorie ved det europeiske universitetet i St. Petersburg, kandidat for kunsthistorie Ilya Doronchenkov.

Verden har opplevd en museumsboom i mange år nå.

I år ble lederen av Kuban Cossack Choir, Viktor Zakharchenko, tildelt en statspris. Er Kuban Cossack Choir akkurat den kunsten som, uten noen overdrivelse, tilhører folket?

Jeg tror Kuban-sangfolklore finner en ubetinget respons i hjertene til et stort antall mennesker, fordi den oppfyller deres forventninger. Det er en forespørsel om noe inderlig, vågalt, folkelig, urfolk. Folkloren som høres ut på scenen i dag er selvsagt svært tilpasset den moderne lytteren og er kun basert på folkesanger. Disse gutta fra Kuban Cossack Choir er tilsynelatende utmerkede fagfolk som musikalsk legemliggjør og visualiserer et av bildene til det russiske folket. Hvordan dette bildet er bygget opp er et annet spørsmål.

Hva forårsaket den våkne massetrangen til kunst? Utrolig spenning rundt Serovs utstilling i Tretyakov-galleriet, lange linjer for malerier og grafikk av Frida Kahlo i St. Petersburg Faberge-museet...

Det virker for meg som det er for tidlig å snakke om noen trend. En fornyet bølge av interesse for noen kunstnere er nødvendig for å trekke visse konklusjoner. Aivazovsky vil være på Tretyakov-galleriet til høsten, la oss se om han vil samle like mange mennesker som Serov gjorde. Generelt har verden opplevd en museumsboom i mange år. Den velstående middelklassen har blitt oppdratt til å forstå at det er nødvendig å besøke museer.

Det var ikke bare middelklassen som sto i kø "for å se Serov", som sekulære journalister skriver, "studenter, pensjonister og generelt en veldig broket skare" ble "sett" der.

Spesielt denne museumsboomen ga opphav til fenomenet blockbuster-utstillingen. Vi vil vise deg hagene til Claude Monet! Kan du forestille deg hvilke linjer det ville være i USA for å se Claude Monets hager? Jeg reiste en gang til forskjellige museer i Amerika hvor Monet ble utstilt, jeg så fem pukkelryggede broer nesten identiske, og så hatet jeg dem. Men Monet er den ideelle kunstneren for en utstilling som er bestemt for massesuksess. Eller her er et flott eksempel - en utstilling av italienske renessanseportretter i Berlin for noen år siden. Folk kom dit fra hele Europa. Og det var ikke bare middelklassen. Dette var studenter og representanter for ulike sosiale lag. Et enormt antall mennesker sto i disse køene. Det er mange slike utstillinger. Og europeere migrerer langs dem. Nå er det en Bosch-utstilling i Prado-museet og en annen Bosch-utstilling i 's-Hertogenbosch i Holland... Slike utstillinger er svært godt intellektuelt støttet: de er laget av høyt kvalifiserte spesialister, kataloger publiseres, som blir en vitenskapelig begivenhet. Og selvfølgelig er dette også en kommersiell virksomhet. Det er dyrt. Dette krever moderne konseptuell tenkning fra kuratorer. Dette krever forberedelse fra publikums side.

Kanskje vårt publikums beredskap for møtet med Serov spilte sin edle rolle? Har folk som kjente «Piken med fersken» fra skolen hastet til Tretjakovgalleriet for å få nye inntrykk?

Det virker for meg som om spenningen i de siste dagene av Serov-utstillingen var delvis situasjonsbetinget. God reklame, kald vinter i Moskva... Hvis vi snakker om innholdet i utstillingen... Jeg tror Serov, som ble presentert på Tretjakovgalleriet, gir det russiske folk det de virkelig mangler nå. Han gir ham et bilde av Russland, som vi har mistet og som det er hyggelig å være stolt av. Dette Russland er veldig imponerende. Den er full av portretter av kjekke Romanovs, og de spør ikke hvorfor Serov avsluttet forholdet til Romanov-familien. For det kunstneriske samfunnet var Serov en stoisk moralsk person, og hvis han tok en bestemt avgjørelse diktert for ham av moralen hans, avvek han ikke fra denne avgjørelsen. Få seere er i stand til å sette pris på det unike, og det ser ut til at ingen andre enn Serov har evnen til å vise det imponerende bildet av kunden og samtidig mette dette bildet med en slik ironi at det vil ødelegge overflateeffekten. Se på portrettet av Felix Yusupov med en bulldog. Hvem sitt portrett er dette? Er dette et portrett av Dorian Gray, den unge hotshoten som senere skal drepe Rasputin? Eller er dette et psykologisk portrett av en mops som ser ut som Winston Churchill? Få mennesker kan gjøre dette. På den utstillingen har Serov litt av det russiske folket og den russiske naturen, det er en dynamisk handelsklasse, det er en munter intelligentsia - se på Ermolova, på Gorky...

Dette er Russland som forlot og som under Serovs pensel fremstår som et veldig imponerende land, noe det selvfølgelig var. Men utstillingen alene svarer ikke på spørsmålet: hva skjedde med Russland? I mellomtiden ga Serovs arbeid et slikt svar. Det er ingen gjenstander knyttet til 1905 i utstillingen. Det er ingen gouache "Soldater, modige gutter ...", skrevet basert på personlige inntrykk av spredningen av demonstrasjonen 9. januar, som han observerte fra vinduene til Kunstakademiet, hvoretter han brøt forholdet til begge akademiet og dets president, storhertug Vladimir Alexandrovich, som hadde direkte relatert til Bloody Sunday. Kuratorene for utstillingen fjernet noe grunnleggende viktig fra Serov. Men utstillingen ga et generelt bilde av Russland som vekker nostalgi. Det viktigste er at vi så storslått maleri. Slik sett er suksess fortjent. Men vil det gjentas? Hvis det skjer igjen, vil det bety at samfunnet vårt virkelig savner sterke kunstneriske inntrykk, og ikke bare de som kommer fra samtidskunsten.

Russiske folk er fortsatt programmert på 1800-tallet

Hva med Frida Kahlo-utstillingen, som overlevde en tre måneder lang beleiring? Er dette et fenomen av samme karakter som Serov-utstillingen?

Frida Kahlo er litt annerledes. Hvis Serov er en maler fra Gud, så er ikke Frida Kahlo en maler. For henne er pensler og maling en måte for selvprojeksjon, for å presentere hennes tilstander, komplekser og lidelse. Siden hun er i konteksten av surrealisme og primitivisme, kan hun kanskje ikke skrive og fortsatt være en veldig effektiv kunstner. Men her, ser det ut til, ble en stor rolle spilt av det faktum at takket være Hollywood-kino er hun allerede en popstjerne. Og kontingenten på utstillingen hennes var annerledes. I tillegg til St. Petersburg-pensjonister som går på alle viktige utstillinger, var det et stort antall personer som representerte den såkalte kreative klassen. Folk som er godt pakket, velstående, som kan komme fra Moskva for å se på denne lille utstillingen ved å betale 500 rubler for inngang, og som selv forstår hvordan et bilde lages. Visningen av denne utstillingen er en stor suksess for Faberge-museet. Det var også et smart markedsføringsprosjekt. Hvis du ser på de virale videoene som Facebook distribuerte, vil du se hvem som akkurat annonserte denne utstillingen, hvem som sa hvilket maleri han likte best. Dette var akkurat de mediepersonlighetene som den kreative klassen fokuserer på. Suksessen til Serovs utstilling og suksessen til Fridas utstilling har en annen karakter. Men for meg er begge disse suksessene gledelige, fordi de indikerer interesse for kunst.

Denne interessen vekkes sannsynligvis ikke bare av den estetiske appellen til maleriene til Serov eller Kahlo. Det er også et sosialt fenomen. Hva består den av?

Tretjakovgalleriet er et godt besøkt museum. Men i tilfellet Serov var det en geometrisk økning i besøk. Det var åpenbart et sammentreff av flere faktorer som sørget for suksessen til denne utstillingen. For det første kvaliteten på varene som presenteres. For det andre, det faktum at Serov er kjent for alle. Jeg er sikker på at det samme brekkjernet ville blitt brukt på Repin. Den vil trolig være basert på Aivazovsky og Shishkin. Vi har ikke mange kunstnere som har skapt et helhetlig bilde. Når du sier "Serov-jente", forstår du hva vi snakker om. Dette er ikke gitt til alle artister. Det er et sammenfall av estetiske og sosiale faktorer. Alle generasjoner husker Serov fra skolen. Russiske folk er fortsatt programmert på 1800-tallet. Hvis du ber den gjennomsnittlige personen om å nevne de ti beste russiske maleriene, mistenker jeg at åtte av disse ti ville være Vandrerne, pluss Bryullov og Alexander Ivanov. "Black Square" vil bare komme dit fordi det er promotert. Slik sett er vi fortsatt et veldig konservativt land. Så suksessen til slike utstillinger er sikret av tradisjon. Og med Frida Kahlo er dette allerede en slags ny suksess, dette er mediesuksess.

Massepublikummet er et fantom

– Hvem er massepublikummet? Hva er hennes sosiale, estetiske, ideologiske behov?

Jeg tror ikke det er et massepublikum. Massepublikummet dukker opp som en folkemengde på Serovs utstilling. Men hvis vi snakker om publikum av kunstneriske begivenheter, så er denne offentligheten veldig heterogen i seg selv.

– Så du mener at masseoffentligheten som sosial monolitt ikke eksisterer?

Ja jeg tror det. Publikum er annerledes. Den blir masse nettopp når den presenterer seg som en offentlighet. Altså når vi ser henne. Og når disse menneskene sitter foran TV-en eller kjører trikk, er de ikke offentligheten ennå. Det er en fantastisk bok av den amerikanske kunstkritikeren Thomas Crowe, «The Artist and the Social Life of Paris in the 18th Century», en av de grunnleggende bøkene i kunstens sosiale historie, hvor han spesielt analyserer prosessen med dannelsen av offentligheten som fenomen. Og det viser seg at publikum ikke er alle de som kom på utstillingen eller konserten. Publikum er mennesker som har sine egne behov og forventninger. Med disse kravene og forventningene investerer utstillingsbesøkende i denne eller den kunstneren, og ikke bare fordi han tegner godt, men fordi de i ham ser legemliggjørelsen av deres moralske, estetiske og til og med politiske synspunkter. Og innenfor offentligheten er det ganske klart skillende grupper. Massepublikummet er et slags fantom, frukten av vårt ønske om å bringe mennesker som i en eller annen grad er interessert i kunst til en eller annen fellesnevner.

– Og hvem appellerer massekulturen til da? Appellerer han ikke til et visst kulturelt fellesskap?

La oss avklare hva vi snakker om. Snakker vi om et publikum som oppfatter kunst som noe lokalisert og av stor verdi? Eller om publikum som hører på popstjerner? I det andre tilfellet har vi snarere å gjøre med en økonomisk mekanisme som fungerer på folks forventninger og tilfredsstiller disse forventningene, noe som er helt nødvendig. Når urbanisering skjedde og en person mistet det som var folklore, trengte denne personen å synge, danse og på en eller annen måte kringkaste sine opplevelser. Kjærlighet, hat, separasjon, mor, kone, barn... Chanson handler om dette, om det evige. Og massekulturen tilfredsstiller disse behovene veldig godt. Men snakker vi om publikum som går på utstillinger, blir graderingen her annerledes. Her skal vi dele inn folk etter kulturell bakgrunn. Serov forener alle, men Malevich eksisterer ikke lenger. Slik sett er jeg mer for søken etter forskjeller enn fellesskap.

Proletkult er en radikal legemliggjøring av den europeiske tradisjonen for å bringe kunsten nærmere det vanlige mennesket

Proletkult-slagordet "kunst til massene" - var det ikke bevisst utopisk og hyklersk? Hva var målet med Proletkult? Å introdusere de brede massene til høy kunst? Å vekke kunstneren i proletaren selv?

Som ethvert sosialt prosjekt var Proletkult rettet mot massene og hadde virkelig en innvirkning på dem. Forresten, Lenin, hvis munn Clara Zetkin la slagordet «Kunsten tilhører folket», var en ivrig fiende av Proletkult. Men ikke fordi Proletkult barbarisk forenklet alt og alle, men fordi lederen av verdensproletariatet så i Proletkult faren for fremveksten av en alternativ kommunistisk – men ikke-bolsjevikisk – organisasjon under kontroll av dens leder Alexander Bogdanov. Selve ideen om "kunst for massene" er en radikal legemliggjøring av den europeiske tradisjonen for å bringe kunst nærmere den vanlige mannen. Denne tradisjonen oppsto på 1700-tallet og ble implementert på 1800-tallet. La oss huske de belgiske folkehusene bygget av Van de Velde, den mest utsøkte mester i jugendstil. Tenk deg at Fjodor Shekhtel ville bygge ikke bare Ryabushinskys herskapshus, men også arbeiderklubber. Nylig holdt Giles Waterfield, en engelsk spesialist i museumshistorie, et foredrag ved universitetet vårt om engelske museer fra andre halvdel av 1800-tallet. Det viste seg at i Liverpool, Manchester, i disse forferdelige fabrikkbyene, basert på erfaringen som Engels skrev om situasjonen til arbeiderklassen i England, begynte eliten selv å skjære inn, bygge vakre bygninger og kjøpe malerier til dem. Disse bygningene var nesten først og fremst beregnet på arbeidere.

Kunst tilhører de som er villige til å snakke med den. Til de som har behov for kunst, uansett hvordan det bestemmes

De opprettet bymuseer, som var avhengige av byen, men oftere - sponsorer, og som var rettet spesielt mot massepublikummet. Alt dette ble oppfunnet av engelske gründere. De kjøpte pedagogisk kunst. Maleriene de skaffet seg skildret sentimentale og moraliserende scener: hvordan man skal oppføre seg, hvordan man skal leve; nasjonalt landskap, noen sjelereddende ting... Det var en flott sosial høytid. Eller ta Tyskland under Bismarck-tiden, da et av de mest populære magasinene, «Art for Everyone», ble utgitt der. Jeg tror ikke publikum til dette bladet inkluderte et betydelig antall av arbeiderklassen, men småborgerskapet, håndverkere, lærere, intellektuelle var absolutt lesere av dette bladet. Det var et massemagasin med et veldig seriøst program. Og bolsjevikene, etter ledelsen av sin ideologi, forenklet problemet med å introdusere folket til kunst, som hadde stått lenge, og ikke bare i Russland. Bolsjevikene tok generelt kunsten på alvor fordi de var redde for den. Og Bogdanov, ideologen til Proletkult, skrev åpent i 1918 at en proletar som besøker fortidens kunstskatt er forsvarsløs for sin sjarm og er bokstavelig talt fysisk infisert av den. Proletkulturister mente at ved å se på kapitalistisk kunst, kan du bli gjennomsyret av kapitalistisk ideologi. Hvor merkelig det kan virke, tilhørte de den hegelianske tradisjonen med å forstå kunst som legemliggjørelsen av en nasjons ånd, som samtidig er i stand til direkte å påvirke dens mentalitet. Bolsjevikene var selvfølgelig hyklere når de sa at kunsten tilhørte folket. De søkte først og fremst å manipulere bevisstheten, og ikke å introdusere proletaren for kunst. Sosialistisk realisme tjente samme formål.

- Hvordan er dagens massekultur i Russland, etter din mening, forskjellig fra massekulturen i slutten av Sovjetunionen?

Til en viss grad ingenting. De samme menneskene - Pugacheva, Kobzon... Massekultur er en brutal verden. En verden av komplekse relasjoner. Men her har det liksom blitt veldig bevart. Mens dette ideelt sett er en rotasjon, er dette en kamp, ​​dette er et lykkehjul. I dag er du på topp, i morgen blir du kastet ned. For å holde på, må du prøve å være først. Modellindustrien i denne forstand er den vestlige. Men det virker for meg som vi mangler friske ansikter og ideer. Eller de får ikke tilgang til et virkelig bredt publikum. Men på de nivåene av populærkulturen som ikke har tilgang til føderalt fjernsyn, er jeg sikker på at det er nødvendig mangfold og fornyelse.

Kunst skal føles, ikke forstås

Hva er elitekunst? Eller er ekte kunst iboende elitær? Det som ikke er elitistisk er ikke kunst, men massekultur?

Lignende tilnærminger til kunst har eksistert til alle tider. Men ærlig talt, jeg ser ikke mye drama i konfrontasjonen mellom elite- og massekunst. De fleste av de store mesterne, for eksempel på 1600-tallet, opplevde suksess i løpet av livet – de ble anerkjent av eliten. Og hvis de ikke var populære blant "mannen på gaten", var det fordi massene var fornøyd med annen kunst - enten folklore eller tempelmaleri.

– Ikke alle kan forstå og sette pris på høy kunst? Er dette mengden av utdannede, tenkende mennesker?

Det var epoker da det var vanskelig å forstå noen ting. Den samme renessansen, for eksempel. Nitti-ni prosent av samtidige forsto rett og slett ikke Durers store gravering «Melancholia-I». Dette er en kompleks intellektuell uttalelse, for en adekvat forståelse som man må ha et helt sett med kunnskap, inkludert okkult filosofi. Slike ting er alltid skreddersydd for et opplyst publikum. Alle avhandlingene fra 1600-tallet hevder at intellekt er nødvendig for å forstå kunst. Og først på begynnelsen av 1700-tallet, i arbeidet til Abbed Dubos, dukket ideen opp om at kunst appellerer til sansene og bør oppfattes av sansene. Og i dag lever vi med overbevisningen om at kunst må føles, ikke forstås.

Hvis du ber den gjennomsnittlige personen om å nevne de ti beste russiske maleriene, mistenker jeg at åtte av disse ti ville være Vandrerne, pluss Bryullov og Alexander Ivanov. "Black Square" vil bare komme dit fordi den er promotert

Trenger representanter for høykunst å utvide sitt publikum? Eller kan de være fornøyd med oppmerksomheten til dem av ekte kjennere og eksperter?

Det er ingen kunstner som ikke ønsker universell suksess.

– Men et symfoniorkester kan ikke fylle stadioner.

Kan være. Jeg er bare ikke sikker på at det blir god lyd. Glyndebourne Opera Festival, symfonikonserter på plenen i New Yorks Central Park... Dette er en forestilling, dette er en sosial begivenhet. Folk kommer for å høre på Mozart, Beethoven... Det er flott.

Hvorfor bør ikke en middelinntektsperson kjøpe et trykk av en gravering fra en kunstner?

Tilhører kunst bare folket i den grad den er en vare? Og bare når folk kjøper dette produktet?

Nei, folk er ikke løselige nok til å kjøpe kunst. Kunst er generelt en kostbar nytelse.

– Jeg mener å kjøpe inngangsbillett, ikke malerier av Durer eller Gauguin.

Det er et stort antall kunstnere som ikke selges i gallerier. Men jeg vil ikke si om billetter til utstillingen, men om det faktum at vi ennå ikke har skapt en kultur for direkte konsum av kunst, når du kan finne en kunstner du liker og kjøpe et maleri av ham. Det er ingen mellomledd mellom de som kjøper en billett og konsumerer kunst symbolsk, og de som kjøper Chagall eller Picasso på auksjon. Men hvorfor skulle ikke en middelinntektsperson kjøpe en gravering eller et lerret fra en kunstner? Tross alt kan du kjøpe ekte vare. Graveringen, begrenset til seksti eksemplarer, er et originalt verk. Du vil se og glede deg, bygge en hverdagslig, absolutt personlig dialog med det som tilhører deg og er konstant tilstede i hjemmet ditt. Når det gjelder den økonomiske tilgjengeligheten til museer... Jeg tror at situasjonen her ikke er så katastrofal. Selv om museer med jevne mellomrom må arrangere "åpne dager" for pensjonister - og dette er helt nødvendig under våre forhold.

Det er ingen kunst uten en forbruker

– Så hvem eier egentlig kunst? Kanskje til kunstneren selv og ingen andre?

La oss forestille oss en uforsiktig kunstner som lager malerier, aldri selger dem til noen og aldri stiller dem ut. Dette er handlingen for en skrekkfilm.

– Kunst kan ikke eksistere uten en forbruker?

Sikkert. Spesielt fordi kunst har mange funksjoner. Nå har vi sluttet oss til tanken om at kunst tilfredsstiller først og fremst estetiske behov. Og før det levde vi i århundrer i forståelsen av at kunsten tjener kirken, opphøyer suverenen, formulerer filosofiske utsagn, illustrerer litterære verk eller reiseberetninger. Spørsmålet "er det kunst eller håndverk?" har alltid eksistert. Og det ble løst forskjellig i forskjellige tidsepoker. La oss si, i Leonardos tid kranglet de om hva som var bedre - skulptur eller maleri, hva var overlegent - håndverket til en maler eller en gullsmed? Tvister om dette var svært alvorlige.

Benvenuto Cellini og Leonardo da Vinci ville ikke ha blitt enige. Og vi har allerede å gjøre med resultatene av disse tvistene, og vår tid har sine egne intellektuelle kamper. Men kunst uten forbruker eksisterer uansett ikke.

– Og sånn sett tilhører kunsten folket?

Kunst tilhører de som er villige til å snakke med den. Til en som har behov for kunst, uansett hvordan den defineres. Klarer du å forandre deg internt, vil kunsten i stor grad hjelpe deg med dette.

Visittkort

Ilya Doronchenkov er forsker i vesteuropeisk og russisk kunst, dekan ved Det kunsthistoriske fakultet ved det europeiske universitetet i St. Petersburg. Vanlig gjest i TV-programmet "Rules of Life" på kanalen "Culture", foreleser ved utdanningsportalen "Arzamas".

Utdannet fra Institute of Painting, Sculpture and Architecture. DVS. Repina. Spesialisering - utenlandsk kunst på 1800-tallet; kunsthistorie og kunstkritikk; oppfatning av utenlandsk kunst i Russland. Hovedforskningsinteresser: oppfatning av utenlandsk kunst i Russland (andre halvdel av 1800-tallet - første halvdel av 1900-tallet), litteraturhistorie om kunst, kunstnerisk bevissthet om russisk emigrasjon, billedkunst og russisk litteratur.

«Museumsboomen, som har avtatt noe under den økonomiske krisen, har likevel vart i flere tiår i vestlige land. Hvis vi i fremtiden skal ledes av en slik kulturell-økonomisk modell, så tror jeg vi må ta vare på. reproduksjon av klassen av meningsbærere, som er intelligentsiaen, inkludert kunsthistorikere, sier Ilya Doronchenkov.

Hva er kunst?

Det er fortsatt ikke noe klart svar som alle involverte og interesserte er enstemmig enige i. Kanskje fordi spørsmålet i seg selv aldri har blitt avklart til absolutt klarhet. Hva vil folk som stiller dette spørsmålet egentlig vite? Kjernen i spørsmålet er åpenbart ønsket om å avdekke kunstens mysterium. Mysteriet om hvilken innvirkning kunstverk har på livene våre. Det er en innvirkning, og ingen ser ut til å argumentere med det. Men hva er hemmeligheten?

Hvis du ser nøye etter, vil du legge merke til at motivet som tvinger en person til å vende seg til et kunstverk kommer ned til en viss misnøye med situasjonen hans, det vil si til syvende og sist til en enkel "flukt fra virkeligheten til fantastiske andre verdener." Selv om du ennå ikke er enig i denne uttalelsen, prøv å ta den på tro eller i det minste betinget enig. Senere vil det bli klart for deg hvorfor det er slik og hvor denne oppgaven kommer fra. For nå, la oss bli enige, for fra nå av vil jeg kalle den som opplever påvirkningen fra et kunstverk for en "flyktning". Så selv om du tror at du ved å oppfatte kunstverk ikke er en "flyktning" i det hele tatt, men for eksempel en "kulturert og utdannet person" eller noe sånt, så husk foreløpig at dette ikke er så viktig . Du kan til og med vurdere at "flyktning" og "kulturelt og utdannet person" (eller hva du anser deg selv for å være) er synonyme.

La oss se nøye på en person som nettopp har "gjemt seg fra livet", for eksempel i en roman (i et maleri, i en sang, i en symfoni, i et ord, i ethvert kunstverk, et ekte verk, og ikke i noen småbyserier, selv om blant de sikkert kommer over ekte, men hva er ekte kunstverk, vil vi finne ut av i denne teksten). Det er nok å snakke med en slik person før "flukten" og deretter snakke med ham etter "flukten", og vi vil umiddelbart føle forskjellen: den som "løp bort" kom tilbake forvandlet. Om ikke intellektuelt, så i alle fall energisk. For eksempel følte han seg på en eller annen måte «lettere i sjelen». På en eller annen måte "roligere". Mange legger merke til den "rensende effekten" som produseres på dem ved kontakt med kunstverk. Det kan være sant at den "hjemvendte flyktningen" tvert imot kastet seg inn i depresjon og lider mer enn noen gang (for eksempel skjer dette ofte etter å ha lest Dostojevskij). Men la oss anta at dette er de samme katartiske lidelsene som undertrykte energier frigjøres gjennom. Lidelse innebærer renselse og frigjøring. Og i dette tilfellet, igjen, er effekten ubestridelig. Det er en effekt (endring, transformasjon) med enhver kontakt med et ekte kunstverk. Forutsatt at denne kontakten faktisk fant sted, og det ikke var noen mekanisk, grunn kontakt der kun ytre sanser var involvert (effekten kan være i dette tilfellet, men her vil den mest sannsynlig være helt umerkelig uten spesiell forskning). Kontakt– dette er ekte kontakt («ekte kontakt» kan sammenlignes med hva du føler hvis noen tar på armen din mens du er våken, mens «mekanisk, overfladisk kontakt» er som om noen berørte hånden din på et tidspunkt da du sov i dyp søvn , og til slutt merket du ingenting).

Hvor kommer denne transformasjonseffekten fra? Hvem opplever det? Hvem endrer seg? Hvem er berørt? La oss starte med det siste: bildet som er berørt er det som er "flyktningen" tar for seg selv. Det vil si den personen "flyktningen" forestiller seg å være. Selve faktumet med endringene og transformasjonene som skjedde i "flyktningen" antyder at denne personen som gjennomgikk endringer ikke var uforanderlig, ikke var en konstant. Den "flyktige" forandrer seg, gjennomgår transformasjon og er derfor ustabil.

Hvis du har gjort denne selvundersøkelsen, vil det som følger være enkelt og åpenbart for deg. Spesielt kan du lett si deg enig i at de fleste kunstkritikere (litteraturkritikere, fagfolk innen eksamen og evaluering innen visse kunstfelt) egentlig ikke forstår hva de driver med. Og du vil se at i denne forbindelse oppstår det mange misforståelser angående hva som anses som ekte kunst og hva som ikke er det, hva som er "talentfull" og hva som ikke er det, hva som er "vakkert" og hva som ikke er det, og så videre. Alle slags kunstige opportunistiske institusjoner oppstår, som litterære priser, musikkkonkurranser, maleriauksjoner osv. Det investeres mye penger. Det skrives artikler og store teoretiske arbeider. En hel skare av medskyldige, beundrere og imitatorer dukker opp. Medskyldige og imitatorer streber etter å overgå hverandre, promotere seg selv så godt de kan, og skrive en roman i måneden. Og så videre. Du vet hva jeg mener. Det er mye av denne godheten nå, og vi snakker ikke om denne forfengelighetsmessen i det hele tatt. Jeg nevner alt dette nå ikke for å fordømme, men ganske enkelt for å gjøre det klart: dette er ikke alt det. Ikke kunst. Og svært sjelden, i sammenheng med alt dette kaoset, kan noe ekte skinne. Alt der er for dødt, for stivt til å la det virkelige åpenbare seg i et slikt miljø. Snarere fremstår ekte kunst et helt annet sted. Og det kommer til uttrykk i helt andre, uventede former. Selv om det fortsatt kan manifestere seg i de tradisjonelle sjangrene tekster, roman, sang, lerret, film.

Det er mulig at selvransakelsen din ikke har funnet sted, og da forstår du (hvis du fortsatt leser denne teksten) ikke lenger helt hva jeg snakker om her. Så la meg gi deg ett eksempel. Anta at du står på bredden av en elv med sterk strøm. Du går til elven og dypper foten i den. Du kjenner kjøligheten i elvevannet og føler også styrken til strømmen. Benet ditt blir kaldt og kryper. Kanskje du opplever andre følelser. Du tar foten opp av vannet. Hun er våt, kald, og kanskje er tærne litt trange. Nå er spørsmålet: hva er det som opplever den beskrevne opplevelsen i deg? Det er umulig å si at dette er "benet som opplever", fordi du oppfatter følelsene av beinet, og benet oppfatter dem ikke på egen hånd. Det er også umulig å si at det er deg, fordi en betydelig del av kroppen din forble upåvirket. Nesten hele kroppen forble tørr og ganske varm. Men generelt kan du si: "Jeg levde gjennom denne opplevelsen." Du kan si dette av den grunn at du (den som erklærer opplevelsen) verken er beinet eller resten av kroppen. Du er den som, gjennom beinet og resten av kroppen og sammenligningen av sensasjoner, kan si: "Jeg opplevde dette." Det er det samme med et kunstverk. Når du "enter" den, kommer i kontakt med den, ser du hvordan noe i deg begynner å føles annerledes. Kanskje det begynner som en slags estetisk følelse ("benet og følelsen av våt og kald" eller "resten av kroppen føles tørrere og varmere og får gåsehud i kontrast"). Kanskje som en intellektuell nytelse ("nyhet og den resulterende interessen for opplevelsen av kulde og fuktighet, nyhet og interesse for følelsen av kontrast"). Men så merker du at verken det estetiske eller intellektuelle er så betydningsfulle i denne opplevelsen og ikke bidrar så mye til endringene som skjer i deg. Du erkjenner at det er noe som skjer utover det. I elveeksemplet kan dette "i tillegg" uttrykkes i en viss endring i humøret ditt etter kontakt med elven. Det er imidlertid lite sannsynlig at denne opplevelsen vil påvirke deg mye, siden det i utgangspunktet var et fysisk fenomen. Og når det gjelder kunst, er det mer enn bare fysisk kontakt. Dette kan kalles en "åndelig opplevelse", som kommer til uttrykk i form av transformasjon av "flyktningen" i prosessen med å "løpe".

Hvor kommer denne åndelige opplevelsen fra når det gjelder å oppfatte et kunstverk?

Et kunstverk skapes fra det "rommet" og av det "rommet", som faktisk er "du". Ikke personen du ser for deg å være og som kan endres, ikke bildet ditt av deg selv. Og den som oppfatter alt, observerer og vitner, men som i sin tur er umulig å oppfatte og observere. Det er ikke "foten du dyppet i bekken", ikke "resten av kroppen som forble tørr", ikke "en elvebekk med sterk strøm", ikke "personen du anser deg for å være og som gjennomgår observerbar transformasjoner", ikke "sinnet" ditt, som mottar intellektuell nytelse fra handlingen (en prosess som du også kan observere), ikke en "utviklet estetisk sans" som lar deg oppleve noen ganger uforlignelig mental nytelse (glede som du også kan se som noe som eksisterer separat fra deg, som en objektiv prosess, noe som betyr at det ikke er deg, siden du er det observerende subjektet). Det du kan observere kan ikke være deg. "Kniven kan ikke kutte seg selv, vekten kan ikke veie seg selv, øynene kan ikke se seg selv," dette eksemplet er ofte gitt av en åndelig lærer, og peker på en persons sanne vesen.

På engelsk kalles denne sanne tingen i en person "Selv", og blir noen ganger oversatt til russisk som "Personlighet", som er feil. En mer korrekt oversettelse er "Selv" eller "Essence". Når Selvet identifiserer seg med den fysiske kroppen, oppstår alle andre ideer og ideer fra en person om seg selv som en separat enhet. En sosialt betinget konstruksjon oppstår kalt , (på engelsk kalles det «person»), «et feilaktig, falskt bilde av seg selv». Og dette er ikke lenger Selvet, men "meg selv", som, som noe separat, motsetter seg "deg selv" (tanken "jeg", som motsetter seg tanken "du"). Og til å begynne med er det ganske enkelt "Selv", ren bevissthet. Bevissthet ikke blandet med noen ideer eller ideer. I indisk åndelig tradisjon kalles dette Atman. La oss imidlertid ikke gå dypt inn i vilkårene, ellers vil det ta for mye tid. I forskjellige konsepter kalles og tolkes selvet litt annerledes, akkurat som "personlighet"*. Dette er alle detaljer. Det er nok at vi forstår hva som står på spill. Selvet er vår kjerne, vår sanne og originale natur, uberørt av noe, evig og uforanderlig. Ufødt og udødelig. Dette er det som alltid er der, her og nå. Fast. Vårt sanne jeg, som vi glemmer, fra barndommen blir vi vant til å betrakte oss selv som en slags sosial konstruksjon kalt "personlighet", "person".

Forfatteren av et ekte kunstverk, ofte uten å være klar over det, skaper dette verket ikke så mye fra personligheten som fra Selvet. Og dette Selvet til skaperen er ikke forskjellig fra Selvet som utgjør essensen til leseren. Ikke bare er det ikke annerledes, men det er ett med det. Det er bokstavelig talt EN HELE. Upersonlig universell bevissthet. Det er en og en. Det viser seg bare forskjellig i forskjellige kropper. Derfor, når "flyktningen" tar for seg et genuint kunstverk, et verk skrevet fra Selvet, berører han sin sanne natur, for et øyeblikk får han muligheten til å være seg selv. Og ikke personen hvis rolle han har måttet spille siden barndommen. Egentlig er det nettopp denne "personligheten" han flykter fra han er vant til å ta seg selv for. Fra alle de omstendighetene, konvensjonene, ansvarsforholdene, sakene, dommene, selvtilliten og annet søppel som han hadde samlet i løpet av livet, absorberte han, og betraktet seg selv som en slik og en slik karakter. Han løper "til bredden av ørkenbølger, inn i de støyende eikeskogene" (Pushkin). Bokstavelig talt inn i ørkenen, inn i tomheten. (Åndelige lærere bruker ofte begrepet "tomhet" som en metafor for å referere til Selvet.) Slik er kunstens magi - sanne kunstverk returnerer oss til oss selv.

Graden av autentisitet til et kunstverk kan derfor bestemmes basert på hvor mye forfatteren var i det rene Selvet på tidspunktet for opprettelsen av verket, eller om Selvet ble blandet i varierende proporsjoner med personlige ideer og programmer ervervet av forfatteren under hans livs reise. Det er dette ekte kunstkritikk bør bygges på. Dette alene kan være et kriterium for å bestemme renheten og styrken til et kunstverk. Som imidlertid, hvis den virkelig er ekte, ikke trenger noen definisjoner av autentisitet.

Men for underholdningens skyld vil vi fortsatt se på noen kunstverk ved å bruke eksempler nedenfor, og prøve å fastslå med noen tegn hvor mye forfatterne var i det rene selv (noen ganger kalles denne tilstanden "inspirasjon", "musens ankomst". ”, etc.), og blandet om det finnes personlige programmer for det (og i så fall hva).

Foreløpig vil jeg sitere Eckhart Tolle, en annen moderne åndelig lærer som noen ganger tolker bøker fra synet på undervisningen sin. Vanligvis velger han spesielle bøker, bøker skrevet fra det rene selvet, som Tao Te Ching og Bhagavad Gita. I et foredrag om meditasjonene til Marcus Aurelius sier han om slike bøker: «Disse bøkene er fulle av kraft, de er tidløse. ... Bøker av denne typen er mer enn bare bøker. Jeg føler felt av vital energi som kommer fra dem. Og disse bøkene har sitt eget liv.» Og så bemerker han: «Vi ser på oss selv gjennom boken. Fordi enhver bok som betyr noe, handler alltid om deg. Og dette gjelder også litteraturen. Hvis du leser en meningsfull bok, full av dyp mening, handler den alltid om menneskelig kondisjonering, skjult under handlingen er alltid sannheten om kondisjoneringen av mennesket, det vil si om deg. Boken er mektig fordi den handler om deg. ... Vi ser på oss selv gjennom en bok. Vi ser på sannheten om oppvåkning eller dysfunksjonelle mentale mønstre i oss selv og blir klar over dem." Eckhart Tolle er ikke en like radikal lærer som Muji. Han kaller det som ovenfor kalles personlige programmer (som personligheten består av) for "dysfunksjonelle mentale modeller", men dette er allerede konseptuelle opplysninger om to forskjellige tilnærminger, detaljer som ikke endrer essensen.

I et foredrag om Tao Te Ching snakket Tolle veldig godt om hvorfor mange verk skrevet for veldig lenge siden ikke blir foreldet og forblir så å si tidløse: «Hvis en bok som ble skrevet for så lenge siden fortsatt lever, dette betyr at det må ha vært skrevet fra en veldig dyp tilstand og peker på noe som er tidløst. Hvis den ikke var skrevet fra forfatterens dype, tidløse tilstand og ikke indikerte at den er tidløs, ville en bok skrevet for 2500 år siden nå vært irrelevant, meningsløs, uforståelig. Noen bøker som ble skrevet for 20 år siden er allerede utdaterte. Eller hvis du leser gårsdagens aviser, er de allerede utdaterte. For at noe fortsatt skal være tidsriktig, viktig og dypt meningsfylt for mange mennesker, må det være noe med det som overskrider tiden. ... Denne boken er et verktøy som hjelper oss å oppdage oss selv og vår forbindelse, forbindelse med den grenseløse helheten, med universet.»

Det er derfor en person, som kommer i kontakt med et kunstverk, gjennomgår en transformasjon. Hun blir tynnere, hun blir mykere, nærmere sin sanne natur. Noe falskt og overfladisk forsvinner. Undertrykte energier (uoppfylte undertrykte ønsker, etc.), som en person har drevet dypt inn i seg selv, lever i samsvar med sosiale mønstre og regler, stiger til overflaten, og prosessen med selvrensing aktiveres. En person under påvirkning av et kunstverk endrer ikke bare seg selv, men begynner også, når han blir inspirert, å forandre verden rundt seg og danne en ny virkelighet. Noen ganger gjør han dette helt ubemerket av seg selv, ganske enkelt med et blikk, gest, intonasjon når han kommuniserer med venner. Eller kanskje han lager et kunstverk selv.

Dette er kunstens dypeste, sanne formål. Ved å flykte fra det falske selvet og fra de (c)falske omstendighetene som den (c)falske personligheten uunngåelig befinner seg i, berører en person sitt sanne jeg. Føler den enkle sannheten. Dette er den opprinnelige religiøse essensen av kunst. Primitive mennesker visste om dette. Derfor var ikke religiøst ritual og kunst atskilt for dem. Kunst er bokstavelig talt et av de viktigste verktøyene for skapelsen av verden. Hvordan Gud (Selv) skaper denne verden gjennom mennesker, hvordan han påvirker den. (Det er morsomt at på et overfladisk nivå kan dette se ut som en slags underholdning, som å distrahere en person fra noen "virkelig viktige og alvorlige saker!".)

Som jeg allerede sa, i vår tid puster ekte kunst hvor den vil, og er ofte veldig langt fra utstillings- og konsertsaler, litterære samlinger og andre offisielt anerkjente «skjønnhettempler». For eksempel kan Muji, den åndelige læreren som allerede er nevnt ovenfor, betraktes som den største dikteren i vår tid. Satsangene hans er spontane improvisasjoner, der han ved hjelp av bilder, ord og intonasjoner kontinuerlig fordyper lytterne i en tilstand som ikke er forskjellig fra tilstanden en person kommer i kontakt med ekte kunstverk til. Mange andre moderne spirituelle lærere (den samme Eckhart Tolle, Arthur Sita) kan godt kalles moderne poeter. Tross alt, hva annet, bortsett fra å peke på sannheten ved hjelp av bilder, intonasjoner, musikk av ord født av stillhet, gjorde alle de store dikterne til alle tider?

_____
* Jung betraktet alt dette - selvet, personligheten, egoet og andre ting - for å være komponenter av det han kalte "personlighet", men her kaller jeg "personlighet" snarere persona og ego. Og jeg kaller "selv" det som de dannes rundt gjennom alle slags lag.

Ja, og hva er egentlig kunst? Dette er et enkelt spørsmål, men hvordan finner jeg svaret? Kan arbeidet til en mester betraktes som kunst, for eksempel den samme kunstneren hvis malerier henger i Louvre og Eremitasjen? Og hvordan kan man sette kriterier for visse verk av mennesker for å kalle dem ekte kunst? Hvordan svare på dette spørsmålet, og er det bare ett svar? Jeg vil uttrykke mine tanker og kunnskap om dette.

«Imitasjon er et av instinktene i vår natur. Videre er det et instinkt for harmoni og rytme, så vel som proporsjonalitet, der spesielt følelsen av rytme kommer til uttrykk. Fra og med denne naturlige gaven utvikler individet en tilbøyelighet til poesi for gradvis å stige fra grove improvisasjoner til sann kunst." - Aristoteles.

Siden antikken har folk ønsket å fange øyeblikkene i livet deres, fortelle hverandre noe, slik at det etter dem i det minste ville være noen spor igjen i historien. Og det var et slags løp. Noen kunne skulpturere figuren til en jente fra et stykke leire bedre enn andre, en annen fra et stykke stein fødte konger identiske med levende mennesker. Folk skapte, la en del av sjelen sin i arbeidet sitt, og hver dag finpusset de ferdighetene sine mer og mer.

Selve grunnlaget for kunst ble skapt av så store imperier som Egypt, Babylon, Persia, India, Kina, Hellas, Roma. Hvert av disse imperiene ga direkte bidrag til kunsten. Grekerne satte tonen for en vakker, mannlig kropp og dens holdning. Og på det nittende århundre begynte sammenligningen mellom det sanne og det skapte å bli betraktet som kunst.

Konseptet i seg selv er ekstremt bredt og veldig mangfoldig, fra de som går ut i gatene om natten og skaper på husveggene, og helt ned til folk i frakk og smoking som opptrer foran publikum på et skinnende piano. Ingen kan klart definere grensene og svare på dette spørsmålet. Den kan bare i liten grad klassifiseres som tradisjonell og moderne. Etter stil, hvor det er regissert, enten det er en kunstner eller en forfatter.

Kunst er mangefasettert. Og den graffitien som blir våt i regnet kan en dag bli tradisjoner, og selv nå er det folk som liker det. Kunst er en slags kreativ prosess. Og enhver menneskelig skapelse kan kalles kunst, det eneste er at folk kanskje ikke setter pris på det. Når det er sagt er dette vanlig sludder.

Mange kunstnere prøvde å introdusere noe nytt i de eksisterende stiftelsene og prøvde å skape noe som ville være tilgjengelig for alle og ikke hadde noen materiell verdi for en viss krets av mennesker. Å skape noe som kan gi harmoni til alle. Slik oppsto en slik bevegelse som konseptualisme, kunst som må forstås.

Dermed kan alt som menneskesjelen kan beundre kalles kunst, selv om det er datamusikk eller ballett, opera, spiller det ingen rolle. Hovedsaken er at det inspirerer en person, hjelper ham med å tenke kreativt og bringer et smil til ansiktet hans, om enn dumt, men alt som gleder sjelen er kunst. Men det vil alltid være strid om hva som er "vakkert", hva som er kunst.