": foredrag av Paola Volkova. "Hvem er vi fra synspunkt av åndelig opprinnelse?": foredrag av Paola Volkova Paolo Volkova foreleser om kunst

Bro over avgrunnen. Kommentar til antikken

"Bro over avgrunnen" er den første boken av Paola Volkova, skrevet av henne basert på hennes eget forelesningskurs. Bildet av broen, ifølge Paola Dmitrievna selv, ble ikke valgt ved en tilfeldighet – som en metafor for hele verdenskulturen, uten hvilken vi ikke ville ha eksistert. En strålende lærer og historieforteller, gjennom bøkene sine, forelesningene og bare samtalene, innpodet hun studentene og samtalepartnerne en følelse av skjønnhet, og prøvde å nå sjelen deres og rense dem for akkumulert sløvhet.

En av de mest ikoniske bøkene for enhver utdannet person, Bridge Over the Abyss tar oss med på en reise gjennom tidene.

Boken sporer nye forbindelser mellom fjerne former som ikke ligger på overflaten og foran øynene. Fra Stonehenge til Globe Theatre, fra Kreta til spansk tyrefekting, fra det europeiske middelhavet til konseptualisme fra 1900-tallet – alt dette henger sammen og kan eksistere uten hverandre.

Bro over avgrunnen. I kristen kulturs rom

Kristendommens dominans i middelalderverdenen fødte hele den moderne kulturen, i hvis rom vi eksisterer fra fødsel til død - dette er hva Paola Dmitrievna Volkova snakker om i sin serie med foredrag dedikert til senmiddelalderen og protoen -Renessanse.

Det er umulig å betrakte denne epoken som den konvensjonelle "mørke middelalderen", som noe middelmådig - denne perioden i seg selv er ikke mindre viktig enn renessansen.

Geniene fra denne tiden – den hellige Frans av Assisi og Bonaventure, Giotto di Bondone og Dante Alighieri, Andrei Rublev og Theophanes den greske – er fortsatt i dialog med oss ​​gjennom århundrene. Kardinal Jorge Mario Bergoglio, etter å ha blitt valgt til pave av Roma, tar navnet sitt til ære for helgenen fra Assisi, gjenoppstår fransiskansk ydmykhet og inviterer oss til å krysse en annen bro over epokers avgrunn.

Bro over avgrunnen. Mystikere og humanister

Ingen kultur, ingen kulturscene har et så direkte forhold til moderniteten som renessansen.

Renessansen er den mest progressive og revolusjonære perioden i menneskehetens historie. Paola Dmitrievna Volkova snakker om dette i den neste boken i serien "Bridge over the Abyss", og tar stafettpinnen fra den første kunstkritikeren, Giorgio Vasari, en ekte mann i sin tid - forfatter, maler og arkitekt.

Renessansekunstnerne - Sandro Botticelli og Leonardo da Vinci, Raphael og Titian, Hieronymus Bosch og Pieter Bruegel den eldre - var aldri bare kunstnere. De var filosofer, de var belastet med datidens viktigste og grunnleggende problemer. Renessansemalere, som vendte tilbake til antikkens idealer, skapte et sammenhengende verdensbegrep med indre enhet og fylte tradisjonelle religiøse emner med jordisk innhold.

Bro over avgrunnen. Store mestere

Hva kom først - mannen eller speilet? Dette spørsmålet stilles av Paola Dmitrievna Volkova i det fjerde bindet av "Bridge Over the Abyss" -serien. For store mestere har et portrett alltid ikke bare vært et bilde av en person, men også et speil, som reflekterer ikke bare ekstern, men også indre skjønnhet. Et selvportrett er et spørsmål til seg selv, refleksjon og svaret som følger. Diego Velazquez, Rembrandt, El Greco, Albrecht Durer og alle av dem etterlater oss i denne sjangeren livets bitre bekjennelse.

Hvilke speil pleide å pusse opp fortidens skjønnheter? Venus, som steg opp fra vannet, så refleksjonen hennes i dem og var fornøyd med seg selv, og Narcissus frøs for alltid, sjokkert over sin egen skjønnhet. Lerretene, som kun reflekterte idealbildet under renessansen, og senere personligheten til en person, ble evige speil for alle som våger å se inn i dem - som inn i en avgrunn - på ekte.

Denne publikasjonen er en revidert syklus "Broen over avgrunnen" i den formen den ble unnfanget av Paola Dmitrievna selv - i historisk og kronologisk rekkefølge. Det vil også inneholde upubliserte foredrag fra personarkivet.

Bro over avgrunnen. Impresjonister og det 20. århundre

Impresjonismens historie, som en gang for alle påvirket all etterfølgende kunst, dekker bare 12 år: fra den første utstillingen i 1874, hvor det berømte "Impression" ble presentert, til den siste, åttende, i 1886. Edouard Manet og Claude Monet, Edgar Degas og Auguste Renoir, Henri de Toulouse-Lautrec og Paul Gauguin – som denne boken begynner med – var blant de første som uttalte seg mot konvensjonene for "klassisk" maleri som hadde dukket opp på den tiden.

Historien til denne familien, som ble fortalt av forfatteren av den berømte serien "Bridge Over the Abyss" Paola Volkova i denne boken, er et eksempel på livet til ekte russiske intellektuelle, "en direkte våpen av familiens ære, en direkte ordbok over rotforbindelsene deres."

Fra Giotto til Titian. Titaner fra renessansen

Renessansen er den mest progressive og revolusjonære perioden i menneskehetens historie. Renessansens kunstnere - Sandro Botticelli og Leonardo da Vinci, Raphael og Titian, Hieronymus Bosch og Pieter Bruegel den eldre - var aldri bare kunstnere.

De var filosofer, de var belastet med datidens viktigste og grunnleggende problemer. Tilbake til antikkens idealer skapte de et sammenhengende verdensbegrep med indre enhet og fylte tradisjonelle religiøse historier med jordisk innhold.

Denne illustrerte utgaven inneholder forelesninger av Paola Dmitrievna Volkova, forfatteren av den berømte "Bridge Over the Abyss"-serien, dedikert til renessansens sanne titaner, revidert og utvidet for å gjøre det lettere for leseren.

Vi har sett mange forelesninger og kurs om kunsthistorie fra hele verden. Det er ingenting bedre enn Paola Volkova. Hun er ikke bare en spesialist med enorm lærdom og kompetanse, men, viktigere, hun elsker kunst oppriktig og nærmer seg den ikke på en rent formell måte.

Paola Volkova Samtaler om kunst

Våren og sommeren 2012 ved Skolkovo Open University Paola Dmitrievna Volkova les en serie forelesninger under den generelle tittelen " Samtaler ca kunst" Verden kunst Hellas og Roma får plutselig integritet og klarhet - småsteinene i en kompleks mosaikk av kunnskap om antikken passer inn i en helhet. De store filosofene, dramatikerne og skulptørene i Hellas blir veldig nærme, bare strekk ut hånden... Kjente og litt glemte bilder - Olympiadene, efebene, arkitekturen, vasemaleriet, skulpturene, festmåltidene - våkner plutselig til liv og begynner å snakke språket av Aischylos. Og hele Hellas-verdenen er for hånden.

Serien med programmer "Broen over avgrunnen"

Serien med TV-programmer "Bridge over the Abyss" er forfatterens prosjekt til Paola Volkova, dedikert til mesterverk av kunst. "Ideen om et slikt TV-program oppsto ganske uventet," sa Paola Dmitrievna. – Jeg forberedte et flerbinds vitenskapelig arbeid om europeisk kunsts historie. Boken har nøyaktig samme tittel - "Bro over avgrunnen." Det var basert på forelesninger som jeg holdt for studentene mine i mange år ved Høyere kurs for manusforfattere og regissører. Men det skjedde slik at en av elevene mine, Andrei Zaitsev, fikk ideen om å gjøre dette forelesningskurset om til et TV-program og kringkaste samtalene. Navnet på både boken og programmet ble ikke valgt ved en tilfeldighet, fordi bildet av broen er et bilde på verdenskulturen, uten som vi ikke hadde eksistert. Serien mottok en pris fra "Television Press Club" basert på resultatene fra TV-sesongen 2012/2013 "for en fyldig presentasjon av verdensmaleriets historie som et mangefasettert megaplott."

Om Paola Volkova

Paola Volkova, aka Ola Odesskaya, var en ekstraordinær skapning.
Uten unntak er alle som har møtt henne minst én gang enige i dette.
Hun skapte en myte ut av livet sitt,
tar de fleste av hemmelighetene med oss, og overlater til oss å bestemme,
hva som egentlig skjedde med henne
og det som bare var frukten av hennes ukueligge fantasi.

Portrett av Paola Volkova. Kunstner Vladimir Weisberg
Det var umulig å komme gjennom foredraget hennes på VGIK om kunsthistorie, og studentene hang på Paola Dmitrievnas hvert ord. Direktør Vadim Yusupovich Abdrashitov snakket om disse klassene som følger: "Hun snakket om hva kunst og kultur er for menneskelivet, at dette ikke bare er den sentrale posten i noen budsjettutgifter. Det er som om dette er livet selv." Filmekspert Kirill Emilievich Razlogov sa: «Paola Dmitrievna var en legende. En legende ved VGIK, hvor hun underviste, en legende om perestroika, da hun gikk inn i det store området av vår kultur, en legende da hun kjempet for minnet om Tarkovsky, som hun var nært kjent med, rundt hvis arv alvorlige kamper blusset opp. ” Fotograf, journalist og skribent Yuri Mikhailovich Rost er sikker på at dette er "en helt enestående kvinne, en person som ga kulturlivet til et stort antall filmskapere, en person med encyklopedisk kunnskap, sjarm ..." Regissør Alexander Naumovich Mitta forsikrer: " Når hun snakket om kunst, var det som om den ble til en slags diamant. Alle elsket henne, vet du. I enhver virksomhet er det noen som er bedre enn andre. Det generelle i denne saken. Hun var en general innen sitt felt.» Paola Volkova kjente alle de store artistene, skuespillerne, regissørene - alle skaperne av denne eller den epoken, som om hun levde på den tiden, og hun selv var deres muse. Og de trodde henne at alt var slik.

Gjeldende side: 1 (boken har totalt 3 sider) [tilgjengelig lesepassasje: 1 sider]

Forelesninger om kunst ved professor Paola Volkova
Bok 1
Paola Dmitrievna Volkova

© Paola Dmitrievna Volkova, 2017

ISBN 978-5-4485-5250-2

Laget i det intellektuelle publiseringssystemet Ridero

Forord

Du holder den første boken i hendene, som inkluderer unike forelesninger av kunsthistorieprofessor Paola Dmitrievna Volkova, holdt av henne ved Høyere kurs for regissører og manusforfattere i perioden 2011-2012.

Volkova Paola Dmitrievna

De som var så heldige å delta på forelesningene til denne fantastiske kvinnen vil aldri glemme dem.

Paola Dmitrievna er en student av flotte mennesker, blant dem var Lev Gumilyov og Merab Mamardashvili. Hun underviste ikke bare ved VGIK og på Høyere kurs for regissører og manusforfattere, men var også verdens ledende ekspert på Tarkovskys arbeid. Paola Volkova holdt ikke bare foredrag, men skrev også manus, artikler, bøker, holdt utstillinger, anmeldte og var vertskap for TV-programmer om kunst.

Denne ekstraordinære kvinnen var ikke bare en strålende lærer, men også en stor historieforteller. Gjennom bøkene, forelesningene og bare samtalene hennes, innpodet hun studentene og lytterne en følelse av skjønnhet.

Paola Dmitrievna ble sammenlignet med biblioteket i Alexandria, og forelesningene hennes ble en åpenbaring ikke bare for vanlige mennesker, men også for fagfolk.

I kunstverk visste hun å se det som vanligvis er skjult for nysgjerrige øyne, kjente det svært hemmelige symbolspråket og kunne med enkle ord forklare hva dette eller det mesterverket skjuler. Hun var en stalker, en guide-oversetter mellom epoker.

Professor Volkova var ikke bare et lager av kunnskap, hun var en mystisk kvinne - en kvinne uten alder. Historiene hennes om antikkens Hellas, kulturen på Kreta, filosofien i Kina, de store mestrene, deres kreasjoner og skjebner var så realistiske og fylt med de minste detaljer som ufrivillig antydet ideen om at hun selv ikke bare levde i den tiden, men også kjente personlig alle som historien ble fortalt om.

Og nå, etter hennes avreise, har du en flott mulighet til å stupe inn i den kunstverdenen, som du kanskje ikke engang hadde mistanke om, og som en tørst vandrende reisende drikke fra den reneste kunnskapsbrønnen.

Forelesning nr. 1. Florentine School – Titian – Piatigorsky – Byron – Shakespeare

Volkova: Jeg ser på de tynne rekkene...

Studenter: Ingenting, men la oss ta kvalitet.

Volkova: Hva bryr jeg meg? Jeg trenger ikke dette. Du trenger dette.

Studenter: Vi skal fortelle dem alt.

Volkova: Så. Vi har et veldig viktig tema som vi startet forrige gang. Hvis du husker, snakket vi om Titian. Hør her, jeg vil spørre deg dette: husker du at Raphael var elev ved den florentinske skolen?

Studenter: Ja!

Volkova: Han var et geni og hans geni hadde en veldig interessant effekt. Jeg har aldri sett en mer perfekt artist. Han er den Absolutte! Når du ser på tingene hans, begynner du å forstå deres renhet, plastisitet og farge. En absolutt fusjon av Platon og Aristoteles. I hans malerier er det nettopp det aristoteliske prinsippet, aristotelisk intellektualisme og aristotelisk konseptualitet, som går ved siden av det høye platonske prinsippet, med en slik perfeksjon av harmoni. Det er ingen tilfeldighet at han i "Athens skole", under buen, malte Platon og Aristoteles som gikk side om side, fordi det ikke er noe indre gap i disse menneskene.

Athen skole

Den florentinske skolen har sitt utspring i giottiansk dramaturgi, hvor det søkes etter et visst rom og holdning til filosofering. Jeg vil til og med si poetisk filosofering. Men venetianerne er en helt annen skole. Når det gjelder denne skolen, tok jeg dette stykket av Giorgione «Madonna av Castelfranco», hvor St. George ligner mer på Voltaires Jeanne d'Arc.

Se på henne. Florentinerne kunne ikke male Madonnaen slik. Se, hun er opptatt med seg selv. Slik åndelig isolasjon. Det er øyeblikk i dette bildet som absolutt aldri har skjedd før. Dette er refleksjon. Ting som er relatert til refleksjon. Kunstneren gir noen komplekse øyeblikk til den indre bevegelsen, men ikke en psykologisk retning.

Madonna av Castelfranco

Hvis vi oppsummerer det vi vet om venetianerne og om Titian, så kan vi si at i en verden som fanger Venezia med sitt spesielle liv, med sin komplekse sosiale produktivitet og historiske turbulens, kan man både se og føle den indre ladningen til en system som er klart til å gå tom. Se på dette Titian-portrettet som henger i galleriet til Pitti-palasset.

Portrett av en ukjent mann med grå øyne

Men først, i vårt intime selskap, må jeg innrømme at jeg en gang var forelsket i denne kameraten på bildet. Faktisk ble jeg forelsket i maleriene to ganger. Første gang jeg ble forelsket var som skolejente. Vi hadde et førkrigs Hermitage-album hjemme hos oss, og det inneholdt et portrett av en ung mann i kappe, malt av Van Dyck. Han malte den unge Lord Philip Warren, som var på samme alder som meg. Og jeg ble så fascinert av min jevnaldrende at jeg selvfølgelig umiddelbart så for meg vårt fantastiske vennskap med ham. Og du vet, han reddet meg fra guttene i gården - de var vulgære, stridbare, men her har vi så høye forhold.

Men dessverre vokste jeg opp og han gjorde det ikke. Det var den eneste grunnen til at vi slo opp (latter). Og min andre kjærlighet skjedde da jeg var 2. års student. Jeg ble forelsket i et portrett av en ukjent mann med grå øyne. Vi var ikke likegyldige til hverandre lenge. Jeg håper du godkjenner valget mitt?

Studenter: Uten tvil!

Volkova: I dette tilfellet vil vi bevege oss inn i et område som er veldig interessant for vårt forhold til kunst eller kunstverk. Husker du hvordan vi avsluttet den siste leksjonen? Jeg sa at selve maleriets billedflate blir verdifull i seg selv. Det i seg selv er allerede innholdet i bildet. Og Titian hadde alltid denne absolutt pittoreske egenverdien. Han var et geni! Hva vil skje med maleriene hans hvis du fjerner det billedlige laget og lar bare undermalingen stå? Ikke noe. Hans maleri vil forbli et maleri. Det vil fortsatt forbli et kunstverk. Fra innsiden. På det intracellulære nivået, grunnlaget, er dette det som gjør en maler til en strålende kunstner. Og eksternt vil det bli til et maleri av Kondinsky.

Det er veldig vanskelig å sammenligne Titian med noen andre. Han er progressiv. Se hvordan han, gjennom skyggen som faller på den sølvfargede veggen, pittoresk forbinder dette portrettet med rommet denne personen bor i. Du kan ikke engang forestille deg hvor vanskelig det er å skrive. En så fantastisk kombinasjon av et lett, sølvaktig vibrerende rom, denne pelsfrakken han har på seg, en slags blonder, rødlig hår og veldig lyse øyne. Gråblå vibrasjon av atmosfæren.

Han har ett maleri som henger... Jeg husker ikke hvor, verken i London eller i Louvre. Nei, definitivt ikke i Louvre, i National Gallery i London. Så på dette bildet er det en kvinne som sitter med en baby i armene. Og når du ser på det, ser det ut til at dette maleriet kom hit ved et uhell, for det er rett og slett umulig å forestille seg at dette er Tizians verk. Det ble malt på en måte som minner om noe mellom Claude Monet og Pissarro - ved hjelp av pointillisme-teknikken, som skaper denne skjelvingen i hele bildets rom. Du kommer nærmere og tror ikke dine egne øyne. Verken babyens hæler eller babyens ansikt er synlige der, men bare én ting er synlig – han har overgått Rembrandt i frihet. Det er ingen tilfeldighet at Vasily Kondinsky sa: «Det er bare to kunstnere i verdenskunsten som jeg kan kalle abstrakte malere. Ikke ikke-objektive – de er objektive, men abstrakte. Dette er Titian og Rembrandt." Hvorfor? Fordi, hvis alt maleri før dem oppførte seg som et maleri som farger et objekt, så inkluderte Titian fargeleggingsøyeblikket, maleøyeblikket som farge uavhengig av objektet. Som for eksempel "St. Sebastian" i Eremitasjen. Når du kommer veldig nær det, kan du ikke se annet enn pittoresk kaos.

Det er et maleri som du, stående foran lerretet, kan se på i det uendelige. Det er veldig vanskelig å formidle i ord, fordi det er en helt vilkårlig impresjonistisk lesning, lesing av karakterene eller personlighetene han skriver. Og det spiller ingen rolle hvem du ser på: Piero della Francesco eller umbristhertugen Federico da Montefeltro.

Sankt Sebastian

Dette er bare et utseende av lesing. Det er noe meningsfylt her, fordi det ikke er mulig entydig å gi en fullstendig beskrivelse av en person, på grunn av det faktum at det er energi og hva hver enkelt av oss avslører eller skjuler i oss selv. Alt dette er en kompleks tekst. Når Titian maler et portrett av en mann, legger han vekt på ansiktet, gesten og hendene. Resten er liksom skjult. Alt annet er bygget på denne dramaturgien.

Men la oss gå tilbake til portrettet av en ukjent mann med grå øyne. Faktisk er dette Ippolito Riminaldi. Se hvordan han holder hansken. Som en dolk. Du blir ikke konfrontert med en karakter, men med et veldig komplekst individ. Titian er veldig oppmerksom på sine samtidige. Han forstår dem, og når han lager bildene deres, får han dem til å snakke til oss på et spesielt titiansk språk. Han skaper en ekstraordinær historisk verden i maleriet, og portrettet av Riminaldi er noe utrolig. Tross alt kan kraften og den varige relevansen til dette historiske lerretet bare sammenlignes med Shakespeare.

Og se på portrettet av Paul III og hans to nevøer. Jeg så dette bildet i originalen. Dette er et utrolig syn! Det ser ut til å være skrevet i blod, bare i forskjellige toner. Det kalles også rødt og det forvrenger fargevalget som Titian satte for maleriet. For første gang blir farge fra definisjonen av form: kopp, blomst, hånd, innholdet i formen.

Paul III med nevøene sine

Studenter: Paola Dmitrievna, hva med selve lerretet?

Volkova: Jeg skal fortelle deg det nå. Det er mye forvrengning der. Ser du at rødt er den dominerende fargen? Men du vil ikke engang se hvilke farger bena og gardinen har. Du oppfatter rett og slett ikke denne fargen fordi tykkelsen er lagt til "blodbunnen". Bloody århundre, blodige gjerninger.

Studenter: Blodige hjerter.

Volkova: Blodige hjerter. Og grusomme hjerter. Generelt en blodig sammenheng mellom tider. La oss ta samme gardin. Det ser ut til at hun ble dynket i blodet av mennesker, dyr, noen andre, og deretter rå og hengt. Når du ser originalen, tro meg, den blir skummel. Mentalt vanskelig. Paven har en skygge på skjørtet. Ser du? Kom nærmere og det føles som om dette materialet ble grepet med blodige hender. Alle skyggene her er røde. Og hvor svak og senilråtten kappen ser ut... Det er en slik maktesløshet i den. Bakgrunn dynket i blod...

Studenter: Hvem står ved siden av pappa?

Volkova: Svaret ligger i selve tittelen (latter). Nevøer. Den som står bak paven er kardinal Arsenius, og den til høyre er Hippolytus. Du vet, veldig ofte kalte kardinaler sine egne barn for nevøer. De tok vare på dem og hjalp dem med å gjøre karriere.

Se på hetten kardinal Arseny har på hodet og det bleke ansiktet. Og denne fyren til høyre? Dette er noe! Ansiktet hans er rødt og bena er lilla! Og pappa sitter som i en musefelle – han har ingen steder å gå. Bak ham er Arseny, og ved siden av en ekte Shakespeare-Iago, som om han kryper opp med stille skritt. Og pappa er redd ham. Se hvordan han presset hodet inn i skuldrene. Titian malte et forferdelig bilde. Hvilket drama! Dette er ekte scenedramaturgi og han opptrer her ikke som dramatiker Titian, men som historieforteller, som Shakespeare. Fordi han er av samme nivå og samme intensitet, og forstår historien ikke som en historie med fakta, men som en historie om handlinger og gjerninger. Og historie er laget gjennom vold og blod. Historie er ikke familieforhold, og selvfølgelig er dette det dominerende trekk ved Shakespeare.

Studenter: Kan jeg stille et spørsmål? Beordret paven nettopp et slikt maleri? Blodig?

Volkova: Ja, bare tenk. Dessuten skrev han til paven enda verre. I Toledo, i katedralen, er det et stort galleri og et så forferdelig portrett av paven er oppbevart i det. Dette er bare en slags skrekk-skrekk-skrekk. «Tsar Koschey sitter og smyger seg over gullet sitt.»

Han har så tynne fingre, tørre hender, et deprimert hode, uten hatt. Dette er noe skummelt. Og bare tenk, tiden går, bildet er akseptert og en fantastisk begivenhet inntreffer. Denne Hippolytus drukner sin bror, kardinal i Tiberen, den samme som Titian malte med et blekt ansikt, som det til en stor martyr. Han drepte ham og kastet ham i Tiberen. Hvorfor? Men fordi han sto i veien for kardinalopprykk. Etter det, etter en tid, blir Hippolytus selv en kardinal. Og så ville han bli pave og han kvalte Paul III med en silkesnor. Titians visjoner var rett og slett fantastiske.

Generelt er det umulig å vise alt, og portrettene hans er forskjellige, men jo eldre Titian blir, jo mer fantastisk blir maleriet deres. La oss se på portrettet av Karl V, som henger i München.

De sier at da Titian malte det, ga Charles ham pensler og vann. Dette er et stort og vertikalt portrett. Karl sitter i en stol, helt i svart, et så viljesterkt ansikt, tung kjeve, nedtrykt hode. Men det er noe merkelig: skjørhet i posituren hans, og generelt er han på en eller annen måte flat, forsvinner. I form ser det ut til å være tegnet høytidelig, men i hovedsak er det veldig alarmerende og veldig smertefullt. Dette grå landskapet: en vei vasket ut av regnet, hengende trær, i det fjerne et lite hus eller hytte. Fantastisk landskap synlig gjennom åpningen av søylen. En uventet kontrast mellom portrettets høytidelighet og Karls veldig merkelige, nervøse tilstand, som slett ikke samsvarer med hans posisjon. Og dette viste seg også å være et profetisk øyeblikk. Hva er galt her?

I utgangspunktet er alt skrevet i en farge, det er en rød løper eller teppe - en kombinasjon av rødt og svart. Et billedvev, en søyle, men det er ikke klart: vinduet er ikke et vindu, galleriet er ikke et galleri, og dette uskarpe landskapet. Hytta står og alt er grått og kjedelig, som i Levitans senere lerreter. Virkelig stakkars Russland. Den samme skitten, høsten, uvasket, uryddig, merkelig. Men Charles V sa alltid at solen aldri går ned i landet hans. Han har Spania, Flandern i lomma, han er keiseren av hele det vestromerske riket. Alle sammen! Pluss koloniene som jobbet og fraktet varer med dampskip. Stor piratbevegelse. Og sånne gråfarger i portrettet. Hvordan følte han seg i denne verden? Så hva synes du? En vakker dag lager Karl et testamente der han deler imperiet sitt i to deler. Han overlater en del, som inkluderer Spania, koloniene og Flandern, til sønnen Filip II, og han overlater den vesteuropeiske delen av imperiet til sin onkel, Maximilian. Ingen har noen gang gjort dette. Han var den første og eneste som uventet abdiserte tronen. Hvorfor oppfører han seg på denne måten? Slik at det etter hans død ikke ville være noen borgerlig strid. Han var redd for en krig mellom onkelen og sønnen, fordi han kjente dem begge veldig godt. Hva er neste? Og så arrangerer han sin egen begravelse og står ved vinduet og ser på at han blir begravet. Etter å ha sørget for at begravelsen ble utført til høyeste standard, dro han umiddelbart til klosteret og avla klosterløfter. Han bor og jobber der en stund.

Studenter: Ga paven sitt samtykke til dette?

Volkova: Og han spurte ham ikke. Han døde for alle. Han ville ikke engang våge å lage en lyd.

Studenter: Hva gjorde han i klosteret?

Volkova: Han dyrket blomster og drev hage. Ble gartner. Vi kommer tilbake til det igjen når vi snakker om Nederland. Det er ikke klart om Titians landskap hadde en slik effekt på ham, eller om Titian, som en mann av geni, så noe i vinduet som ingen noen gang hadde sett, ikke engang Charles selv. Et vindu er alltid et vindu inn i fremtiden. Vet ikke.

Titians verk må sees. En reproduksjon er veldig forskjellig fra originalen, fordi sistnevnte er det mest raffinerte og komplekse maleriet som kan være i verden. Fra kunstens synspunkt eller belastningen kunsten kan ta på seg eller informasjonen som en maler kan gi oss. Han er, i likhet med Velasquiz, artist nummer én. En person beskriver den tiden i sin tids komplette alfabet. Hvordan kan ellers en person som lever inne i tid beskrive den utenfra? Han er velstående, han blir vennlig behandlet, han er den første mannen i Venezia, lik paven, lik Charles, og menneskene som bodde ved siden av ham visste dette, for med sine børster ga han dem udødelighet. Vel, hvem trenger at Karl blir snakket om hver dag?! Det er det de sier fordi han ga penslene til kunstneren. Antall utflukter de tar, jo mer snakker de om det. Som Bulgakov skrev i "Mesteren og Margarita": "Du vil bli husket og de vil huske meg også." Hvem andre trenger Pontius Pilatus? Og så, i finalen går de side om side langs månestien. Det er derfor Akhmatova sa: "Poeten har alltid rett." Denne setningen tilhører henne.

Og kunstneren har alltid rett. Og i disse fjerne tider forsto medici hvem Michelangelo var. Og Julius II forsto dette. Og Karl forsto hvem Titian var. En forfatter trenger en leser, et teater trenger en tilskuer, og en kunstner trenger karakter og verdsettelse. Først da ordner alt seg. Og du vil kunne skrive Karl V akkurat på denne måten og ikke på annen måte. Eller pave Paul III, og han vil godta det. Og hvis det ikke er noen leser og seer, hvis det bare er Glazunov, foran hvem Brezhnev sitter, vil det ikke være noe. Som Brechts helt, som lærte Arthur skuespill, sa: «Jeg kan gjøre deg til hvilken som helst Bismarck! Bare fortell meg hvilken Bismarck du trenger.» Og de vil alltid ha det og det. Det er klart de er idioter. Og du spør om han takket ja. Og det er derfor jeg godtok det. Skalaen er definert, det samme er epoken. Titian eksisterer ikke i et vakuum. Det er ingen Shakespeare i et vakuum. Alt skal være på nivået. Det må være et miljø for den enkelte. Historisk tid, ladet med et visst nivå av karakterer og manifestasjoner. Historie og kreasjoner. De var selv skapere. Og selv om det er mange komponenter på jobb her, har ingen noen gang vært i stand til å skrive som Titian. Ganske enkelt ved å forstå form og tale, i dette tilfellet med Titian, er fargen for første gang ikke en konstruksjon, som i Raphael, men fargen blir en psykologisk og dramatisk form. Her er en interessant ting. Det vil si at maleriet blir innhold.

La oss ta det samme "Equestrian Portrait" av Charles V i Prado, som er hengt opp på en veldig interessant måte. Når du står foran trappen som fører til andre etasje, henger han rett foran deg. Hvilke ord kan beskrive dette sjokket? Bildet er utrolig! Men jeg kjenner dette bildet veldig godt. Personen som er inne i historien. To punkter skjærer hverandre i den: innvendig og utvendig. Titian, en samtidig som levde på den tiden, beskrev denne kommandanten med sin profetiske intuisjon som dødens rytter. Og ikke noe mer. En stor kommandør, en stor konge, en svart hest, igjen den røde fargen, den skarlagenrøde fargen på blodet fra den blodige historien: på spydet, i ansiktet, på rustningen, på de fargede strutsefjærene som kom på moten da tid. Solnedgang, aske og blod. Ikke soloppgang, men solnedgang. Han skriver på bakgrunn av en askerød solnedgang. Hele himmelen er aske og blod. Så du står foran maleriet og forstår at foran deg er ikke bare et portrett av en person, men en slags global forståelse, som Picasso vil stige til først i det tjuende århundre. Og selvfølgelig kommer det mye inn i å male med ham, blant annet fra Giorgiona. Dette er en hel bevegelse i kunsten, en hel sjanger, en ny - sjangeren til den nakne kroppen, som kombinerer mange ting. Og jeg gjentar at likevel, du vil aldri kunne se og forstå alt helt... Hva er dette, hva er det? Hva slags ung dame er dette?

"Equestrian Portrait" av Charles V

Studenter: Det er Manet! Olympia!

Volkova: Vel, selvfølgelig. Selvfølgelig. Hva sier du om dette? Har dette noe med Titian å gjøre?

«Olympia» av Edouard Manet er begynnelsen på europeisk maleri. Ikke kunst, men maleri. På den avbildet han en feminist - en ekte, ny kvinne fra den tiden som kunne posere naken foran artisten - hertuginne Isabella Testa. Dette var en tid da kurtisaner styrte verden. Og hun er hertuginnen av Urbino, som om hun fortalte oss: "Jeg er ikke bare en veldig moderne kvinne, men det er en stor ære for meg å være kurtisane."

Olympia – Manet

Kurtisanene på den tiden var ikke kvinner fra de skitne forstedene. Ingen! De var hetaeras: smarte, utdannede, i stand til å presentere seg selv, og gi impulser til samfunnet. Høyeste impuls! De hadde egne klubber eller salonger hvor de tok imot gjestene sine.

Victorine Meran var en kjent kurtisane og Manets elsker.

Han skrev ofte denne hemningsløse kvinnen, og parallelt med henne var de fantastiske romanene til Zola, Balzac, George Sand og det de beskrev var ikke bare moral, ikke bare historie i litteraturen, men høye, veldig følsomme instrumenter fra tiden. Gå tilbake for å gå fremover! Mane sa absolutt beklagelig: «Jeg skal dit for å komme meg ut. Jeg går bakover for å kaste kunst fremover!» Manet følger Titian. Hvorfor følger han etter ham? Fordi det er dette punktet tog går fra. Han går tilbake til dette punktet for å gå videre. Som den fantastiske Khlebnikov sa: "For å bevege oss fremover til de øvre delene, må vi stige til munnen." Det vil si til kilden der elva renner.

Quiz Meran

Jeg tror du forstår alt.

Ingen kjente til Titians hemmeligheter. Det vil si at de visste hva han skrev, men kunne ikke forstå hva som foregikk der. Og skyggene hans er et ekte mysterium. Lerretet er primet med en viss farge, som allerede er gjennomskinnelig. Og dette er ekstraordinær magi. Med alderen skrev Titian bedre og bedre. Da jeg først så "St. Sebastian”, jeg må ærlig si at jeg ikke kunne forstå hvordan det ble skrevet og så langt har ingen forstått det.

Når du står i en viss avstand fra maleriet, forstår du hva som er malt, men når du kommer nær, kan du ikke se noe - det er bare et rot. Bare et pittoresk rot. Han eltet malingen med hånden, spor av fingrene hans er synlige på den. Og denne Sebastian er veldig forskjellig fra alt som ble skrevet før. Her blir verden kastet ut i kaos og malingen han bruker har samme farge.

Du ser abstrakt maleri fordi fargen på maleriet ikke skiller seg ut. Det er selve innholdet. Dette er et fantastisk rop og det er et rop av tomhet, men ikke tro at alt dette er tilfeldig. Andre halvdel av 1500-tallet, slutten av 1500-tallet – det var en spesiell tid. På den ene siden var dette det største punktet i utviklingen av kunstens humanisme og europeisk genialitet og vitenskap, fordi det fantes Galileo og Bruno. Du aner ikke hvem Giordano Bruno var! Og han var den første som var involvert i Grønland og dets forskning, som sa hva vitenskapen først nå nærmer seg. Han var veldig cocky. På den annen side, puritanisme, inkvisisjonen, isuittenes orden - alt dette fungerte allerede innenfor den intense og komplekse kreative tilstanden. Det internasjonale samfunnet krystalliserer seg. Og jeg vil si: et fellesskap av venstreorienterte intellektuelle. Hvor interessant, de var nesten alle imot reformasjonen. Kan du forestille deg? De var alle mot Martin Luther. Shakespeare var absolutt katolikk og tilhenger av Stuart-partiet. Dette er hevet over enhver tvil. Ikke engang en anglikaner, men en tilhenger av Stuart-partiet og en katolikk.

Dürer, som kom fra den første protestantiske og fullstendig filistinske byen Nürnberg, var den ivrigste motstanderen av Martin Luther, og da han døde skrev Willy Byte Prince Gamer (?), som korresponderte med sin meget store venn, geometeren Chertog. : «Martin Luther ble drept sin egen kone. Han døde ikke sin egen død - de er ansvarlige for hans død."

Det samme gjelder Michelangelo. Ikke tro at de levde uten å vite noe om hverandre. De var en del av et veldig interessant fellesskap, ledet av Jan van Achen, og som vi kjenner som Hieronymus Bosch. Og han var overhodet for denne kretsen av mennesker som kalte seg adamitter og var apokalyptiske. De annonserte ikke seg selv, og vi lærte om dem relativt nylig, men Bulgakov visste om dem. Når jeg leste Bosch, og han ikke skrev noe annet enn "Apocalypse" og "The Last Judgment", så skal jeg lese Bulgakov for deg. Han har mange sitater fra Bosch. Og det er på Adamite-teorien at "Heart of a Dog" er skrevet, og jeg vil bokstavelig talt bevise det. Bildet av kunst og liv er ganske komplekst.

Vet du at på slutten av Michelangelos liv, i det samme sektinekapellet, der han malte taket, skrev han "Den siste dommen" på veggen? Og de begynte alle å skrive «Den siste dommen». De begynte å skrive en tragisk slutt, en apokalypse. Ikke tilbedelsen av magiene, men apokalypsen. De var klar over det. De satte datoen når det startet. Det var en viss gruppe mennesker. Men hvilke navn! Durer, Leonardo - alt. Sentrum av dette samfunnet var i Nederland. De skrev meldinger til pavene. Det er vi som lever i uvitenhet og ikke vet hva som skjedde i verden, fordi historien vi leser er skrevet enten uvitende eller ideologisk. Da jeg fikk tilgang til ekte litteratur, ble jeg overrasket over i hvilken grad historien på den ene siden i vår forståelse er lineær, og på den andre siden forflatet. Men hun er ikke sånn. Ethvert punkt i historien er sfærisk og 1500-tallet er en krystall med et stort antall ansikter. Det er mange trender der. Og for denne spesielle gruppen mennesker har den siste dommen allerede kommet.

Hvorfor trodde de det? De argumenterte for dette av en grunn. Disse menneskene var forent og visste om hverandres humør. I Vasarius sin bok om italienske kunstneres liv er det bare én kunstner som ikke er en italiener – Dürer, som bodde permanent i Italia. Noen ganger hjemme, men mest i Italia, hvor han følte seg bra. Han reiste hjem på forretningsreise, hvor han la igjen reisedagbøker, notater osv., men han var dypt knyttet til samfunnet. Med tiden levde de fra hverandre med et lite gap, men i rekkefølgen av ideer, levesett, svært bitter observasjon og skuffelse som gikk gjennom dem, oppfattes de av direkte samtidige.

Jeg vil si at Tizians tid, akkurat som Shakespeares tid, er en tid med veldig sterke karakterer og store former. Man må være Titian eller Shakespeare for å identifisere, uttrykke og overlate alle disse formene til oss.

Her er et annet verk av Titian som henger i Louvre - "Three Ages". Hvem har laget en direkte kopi av den? Salvador Dali. Titian er opptatt av spørsmål om tid, og han viser det. Her står en ung mann, og bak ham er hans ende.

Tre aldre

Studenter: Hvorfor er de tegnet fra høyre til venstre?

Volkova: Hva mener du, fra høyre til venstre?

Studenter: Vel, det ser ut til å være vanlig i Europa...

Volkova:Åh, hvilke spesialister vi har (latter)!

Studenter: Det er derfor jeg spør.

Tre aldre – Dali

Volkova: Og jeg er ingen ekspert. For det var det han skrev. Fra øyeblikket av soloppgang til solnedgang. I øst står solen opp og i vest går den ned. Så det er et ganske surrealistisk bilde. Hva er interessant med det? Varulv! Zoomorphic varulvisme, som er veldig sterk i Goya. Men vi lever ikke på 1800-tallet. Men hvor fikk Titian det fra? Han føler på mennesker og skriver varulver. Derfor, når han skriver Aretino, ser han ut som en ulv, og Paul III ser ut som en gammel, loslitt dovendyr. Han maler mennesker som om de var halvt legemliggjorte skapninger med rovdyr, jaktende, nådeløse, umoralske instinkter. Hvem tror du han ser på som denne herlige unge mannen?

Studenter: En hund! Ulv! En bjørn!

Volkova: Rovdyr! Hoggtenner, bart. Ser du ikke at han er så sjarmerende og ansiktet hans er lyst. Dette er villedende. Et ungt, sterkt rovdyr med hoggtenner og en tørst etter kamp mellom rovdyr! Hans beste er en løve som når sitt høydepunkt. En gammel ulv er selvfølgelig en uhørt ting. Det er ikke tre hypostaser av Faderen, Sønnen og Den Hellige Ånd, som i mennesket. Han tyder forskjellige aspekter av alder og viser oss rovdriftsprinsipper. Ikke rart Dali laget en kopi. Han, som Freud, dykker ned i det chtoniske prinsippet. Og siden et rovdyr sitter i dypet av chtonics, kan ingenting gjøres. Verken utdanning, edle ord, eller demonstrative handlinger vil gjøre noe. Styrke, maktbegjær, umettelighet, gjentakelse av det samme uten konklusjoner, uten lærdom! Og da denne fantastiske historien om kirkeskisma eller forfølgelse av kjettere begynte i middelalderen, var folk ennå ikke brent på bålet. De begynte å brennes på 1500-tallet. Bruno ble brent på begynnelsen av 1500- og 1600-tallet. I 1600. Folk ble brent på 1600-tallet. Men ikke i den 12. Det var epidemier, men de brant ikke. Brent av inkvisisjonen. Den ble skapt for å brenne. Shakespeare, Titian, Bosch, Durer forlot motreformasjonen, og betraktet den som ond og begynnelsen på veien til apokalypsen. De var fryktelig redde for Luthers bibel – at nå skulle alle komme og skrive hva de ville. Et av Dürers siste verk, The Four Apostles, som henger i München nær Charles V.

Fire apostler

Og bak alle disse apostlene skrev han deres ord, og presenterte dette bildet for byen Nürnberg: «Til mine innbyggere, mine landsmenn. Frykt falske profeter! Dette betydde ikke at de var primitive i sin religion. De var mennesker fra en ny tid. Og Titian visste at det ikke er noen engel som bor inne i en person, og at kjærlighet ikke kan bli en engleforvandling. Han visste at en chtonisk, nådeløs drøm levde inni, som forutbestemte sirkelen og dens slutt.

Du vet, jeg elsker yrket mitt, og dette er ingen hemmelighet for deg. Jeg tenker nå helt annerledes enn jeg gjorde for 20 år siden, fordi jeg begynte å se annerledes på ting. Det viktigste er informasjonsflyten. Når jeg ser på bilder, nyter jeg dem ikke bare - hver gang jeg foretar et dyphavsdykk, noe som kan føre til trykkfallssyke, men denne tilstanden formidler et visst bilde av verden, hvis innhold gjenstår å forstå og sette pris på. . Husker du hvordan de gamle grekerne vurderte sine samtidige? Gjennom en konkurranse. Alle som ikke tok førsteplassen knuste arbeidet sitt til støv, fordi bare ett alternativ har rett til å eksistere - det beste. Ekte. Det er et stort antall veldig dårlige artister rundt oss. Kanskje dette ikke er så dramatisk for kulturen hvis det er en skala, men når nivået til Titian, Bosch, Durer, Shakespeare forsvinner eller det er sparsomt eller forvrengt, så kommer verdens undergang. Jeg ble også en apokalyptisk, ikke verre enn Bosch. Jeg lever ikke i en meningstilstand, men jeg er veldig overrasket over hvor godt de visste alt den gang. De visste om apokalypsens natur og hva som forårsaket den. Og de listet opp alt i sine meldinger til pavene. Og de viste det i bilder.

Vel, er du ikke sliten? Jeg er fryktelig redd for at 4 timer kanskje ikke er nok for meg, og de vil ikke være nok, så jeg vil at Shakespeare-teatret skal begynne å lese for deg akkurat nå. Jeg tok med meg alle slags bilder der du vil se hans samtidige. Du vet, det er artister som er veldig vanskelige å lese. Titian er vanskelig å lese. Det passer ikke inn i ordrekkefølgen. Det passer ingen. Dette er ikke til mitt eget forsvar, men fordi det faktisk finnes slike kunstnere eller forfattere som det er lett å snakke eller skrive om, men det er andre som er lettere å få i løkka. For det er en mystisk ting - du mottar et stort hav av informasjon, men du kan ikke si noe. Jeg liker veldig godt et ordtak: "Ikke den vakreste kvinnen i verden kan gi mer enn hun har." Det er det samme her, når du har å gjøre med en strålende person og fordyper deg mer og mer i ham, til slutt forstår du at det er det! – øyeblikket for trykkfallssyke har kommet, og det er null informasjon. Og dette er Rembrandt eller Titian, for hvem informasjon kommer gjennom fargens dramaturgi. Fargekode som går gjennom komposisjonen.

Oppmerksomhet! Dette er et innledende fragment av boken.

Hvis du likte begynnelsen av boken, kan den fulle versjonen kjøpes fra vår partner - distributøren av juridisk innhold, liters LLC.

Hvem er vi med tanke på åndelig opprinnelse? Hvordan ble vår kunstneriske bevissthet, vår mentalitet dannet og hvor kan vi finne dens røtter? Kunstkritiker, filmkritiker, forfatter og programleder for dokumentarserien om verdenskulturhistorien "Broen over avgrunnen" Paola Dmitrievna Volkova er overbevist om at vi alle fortsatt er arvinger til en unik middelhavssivilisasjon - en sivilisasjon skapt av de gamle grekerne .

"Uansett hvor du nyser, har hvert teater sin egen Antigone."

Men hva er dens særegenhet og unikhet? Og hvordan klarte det antikke Hellas, i en tilstand av konstant sivil strid, uten et eneste landområde og et eneste politisk system, å skape en kultur som fortsatt tjener hele verden? Ifølge Paola Volkova er hemmeligheten bak gresk geni at de for mer enn to og et halvt tusen år siden klarte å lage fire kunstige regulatorer som bestemte verdens form i mange århundrer fremover. Dette er olympiader, gymsaler, kunstneriske fagforeninger og høytider som viktige komponenter i livet til enhver borger - rituelle dialoger om det viktigste. Dermed er grekerne skaperne av former og ideer så sterke og vakre at vår sivilisasjon fortsatt fortsetter å bevege seg langs vektorene satt av hellenerne. Her er den, den beskjedne rollen til gammel kultur i å forme utseendet til den moderne verden.

Hvordan fungerte disse fire regulatorene og hva er spesielt med dem? Du kan lære om dette fra en og en halv times forelesning holdt på Skolkovo-senteret og som åpner hele serien samtaler om kunst, der Paola Volkova snakket om våre åndelige røtter i middelhavskulturen, hvordan bevissthet bestemte eksistensen i antikkens Hellas, hva Homer hadde til felles med Vysotsky, hvordan OL forente Hellas og ble et sementeringssystem for dannelsen av en stor middelhavskultur, og hvordan "Aleksander Philippovich fra Makedonien" ødela alt. Midt i forelesningen kjenner Paola Dmitrievna på gudenes vrede, og på slutten av historien konkluderer hun med at grekerne er Cheshire-katten som klarte å skape verdens smil:

«Grekerne skapte ideer. De er i utgangspunktet en Cheshire-katt. Vet du hva en Cheshire-katt er? Dette er når det er et smil, men det er ingen katt. De skapte et smil fordi det er veldig lite ekte arkitektur, veldig lite ekte skulptur, veldig få ekte manuskripter, men Hellas eksisterer og tjener alle. De er en Cheshire-katt. De skapte verdens smil."

Forelesninger om kunst ved professor Paola Volkova

Paola Dmitrievna Volkova

© Paola Dmitrievna Volkova, 2017

ISBN 978-5-4485-5250-2

Laget i det intellektuelle publiseringssystemet Ridero

Forord

Du holder den første boken i hendene, som inkluderer unike forelesninger av kunsthistorieprofessor Paola Dmitrievna Volkova, holdt av henne ved Høyere kurs for regissører og manusforfattere i perioden 2011-2012.

Volkova Paola Dmitrievna

De som var så heldige å delta på forelesningene til denne fantastiske kvinnen vil aldri glemme dem.

Paola Dmitrievna er en student av flotte mennesker, blant dem var Lev Gumilyov og Merab Mamardashvili. Hun underviste ikke bare ved VGIK og på Høyere kurs for regissører og manusforfattere, men var også verdens ledende ekspert på Tarkovskys arbeid. Paola Volkova holdt ikke bare foredrag, men skrev også manus, artikler, bøker, holdt utstillinger, anmeldte og var vertskap for TV-programmer om kunst.

Denne ekstraordinære kvinnen var ikke bare en strålende lærer, men også en stor historieforteller. Gjennom bøkene, forelesningene og bare samtalene hennes, innpodet hun studentene og lytterne en følelse av skjønnhet.

Paola Dmitrievna ble sammenlignet med biblioteket i Alexandria, og forelesningene hennes ble en åpenbaring ikke bare for vanlige mennesker, men også for fagfolk.

I kunstverk visste hun å se det som vanligvis er skjult for nysgjerrige øyne, kjente det svært hemmelige symbolspråket og kunne med enkle ord forklare hva dette eller det mesterverket skjuler. Hun var en stalker, en guide-oversetter mellom epoker.

Professor Volkova var ikke bare et lager av kunnskap, hun var en mystisk kvinne - en kvinne uten alder. Historiene hennes om antikkens Hellas, kulturen på Kreta, filosofien i Kina, de store mestrene, deres kreasjoner og skjebner var så realistiske og fylt med de minste detaljer som ufrivillig antydet ideen om at hun selv ikke bare levde i den tiden, men også kjente personlig alle som historien ble fortalt om.

Og nå, etter hennes avreise, har du en flott mulighet til å stupe inn i den kunstverdenen, som du kanskje ikke engang hadde mistanke om, og som en tørst vandrende reisende drikke fra den reneste kunnskapsbrønnen.

Forelesninger gitt ved Høyere kurs for regissører og manusforfattere

Forelesning nr. 1. Florentine School – Titian – Piatigorsky – Byron – Shakespeare

Volkova: Jeg ser på de tynne rekkene...

Studenter: Ingenting, men la oss ta kvalitet.

Volkova: Hva bryr jeg meg? Jeg trenger ikke dette. Du trenger dette.

Studenter: Vi skal fortelle dem alt.

Volkova: Så. Vi har et veldig viktig tema som vi startet forrige gang. Hvis du husker, snakket vi om Titian. Hør her, jeg vil spørre deg dette: husker du at Raphael var elev ved den florentinske skolen?

Studenter: Ja!

Volkova: Han var et geni og hans geni hadde en veldig interessant effekt. Jeg har aldri sett en mer perfekt artist. Han er den Absolutte! Når du ser på tingene hans, begynner du å forstå deres renhet, plastisitet og farge. En absolutt fusjon av Platon og Aristoteles. I hans malerier er det nettopp det aristoteliske prinsippet, aristotelisk intellektualisme og aristotelisk konseptualitet, som går ved siden av det høye platonske prinsippet, med en slik perfeksjon av harmoni. Det er ingen tilfeldighet at han i "Athens skole", under buen, malte Platon og Aristoteles som gikk side om side, fordi det ikke er noe indre gap i disse menneskene.

Athen skole

Den florentinske skolen har sitt utspring i giottiansk dramaturgi, hvor det søkes etter et visst rom og holdning til filosofering. Jeg vil til og med si poetisk filosofering. Men venetianerne er en helt annen skole. Når det gjelder denne skolen, tok jeg dette stykket av Giorgione «Madonna av Castelfranco», hvor St. George ligner mer på Voltaires Jeanne d'Arc.

Se på henne. Florentinerne kunne ikke male Madonnaen slik. Se, hun er opptatt med seg selv. Slik åndelig isolasjon. Det er øyeblikk i dette bildet som absolutt aldri har skjedd før. Dette er refleksjon. Ting som er relatert til refleksjon. Kunstneren gir noen komplekse øyeblikk til den indre bevegelsen, men ikke en psykologisk retning.

Madonna av Castelfranco

Hvis vi oppsummerer det vi vet om venetianerne og om Titian, så kan vi si at i en verden som fanger Venezia med sitt spesielle liv, med sin komplekse sosiale produktivitet og historiske turbulens, kan man både se og føle den indre ladningen til en system som er klart til å gå tom. Se på dette Titian-portrettet som henger i galleriet til Pitti-palasset.

Portrett av en ukjent mann med grå øyne

Men først, i vårt intime selskap, må jeg innrømme at jeg en gang var forelsket i denne kameraten på bildet. Faktisk ble jeg forelsket i maleriene to ganger. Første gang jeg ble forelsket var som skolejente. Vi hadde et førkrigs Hermitage-album hjemme hos oss, og det inneholdt et portrett av en ung mann i kappe, malt av Van Dyck. Han malte den unge Lord Philip Warren, som var på samme alder som meg. Og jeg ble så fascinert av min jevnaldrende at jeg selvfølgelig umiddelbart så for meg vårt fantastiske vennskap med ham. Og du vet, han reddet meg fra guttene i gården - de var vulgære, stridbare, men her har vi så høye forhold.

Men dessverre vokste jeg opp og han gjorde det ikke. Det var den eneste grunnen til at vi slo opp (latter). Og min andre kjærlighet skjedde da jeg var 2. års student. Jeg ble forelsket i et portrett av en ukjent mann med grå øyne. Vi var ikke likegyldige til hverandre lenge. Jeg håper du godkjenner valget mitt?

Studenter: Uten tvil!

Volkova: I dette tilfellet vil vi bevege oss inn i et område som er veldig interessant for vårt forhold til kunst eller kunstverk. Husker du hvordan vi avsluttet den siste leksjonen? Jeg sa at selve maleriets billedflate blir verdifull i seg selv. Det i seg selv er allerede innholdet i bildet. Og Titian hadde alltid denne absolutt pittoreske egenverdien. Han var et geni! Hva vil skje med maleriene hans hvis du fjerner det billedlige laget og lar bare undermalingen stå? Ikke noe. Hans maleri vil forbli et maleri. Det vil fortsatt forbli et kunstverk. Fra innsiden. På det intracellulære nivået, grunnlaget, er dette det som gjør en maler til en strålende kunstner. Og eksternt vil det bli til et maleri av Kondinsky.

Det er veldig vanskelig å sammenligne Titian med noen andre. Han er progressiv. Se hvordan han, gjennom skyggen som faller på den sølvfargede veggen, pittoresk forbinder dette portrettet med rommet denne personen bor i. Du kan ikke engang forestille deg hvor vanskelig det er å skrive. En så fantastisk kombinasjon av et lett, sølvaktig vibrerende rom, denne pelsfrakken han har på seg, en slags blonder, rødlig hår og veldig lyse øyne. Gråblå vibrasjon av atmosfæren.

Han har ett maleri som henger... Jeg husker ikke hvor, verken i London eller i Louvre. Nei, definitivt ikke i Louvre, i National Gallery i London. Så på dette bildet er det en kvinne som sitter med en baby i armene. Og når du ser på det, ser det ut til at dette maleriet kom hit ved et uhell, for det er rett og slett umulig å forestille seg at dette er Tizians verk. Det ble malt på en måte som minner om noe mellom Claude Monet og Pissarro - ved hjelp av pointillisme-teknikken, som skaper denne skjelvingen i hele bildets rom. Du kommer nærmere og tror ikke dine egne øyne. Verken babyens hæler eller babyens ansikt er synlige der, men bare én ting er synlig – han har overgått Rembrandt i frihet. Det er ingen tilfeldighet at Vasily Kondinsky sa: «Det er bare to kunstnere i verdenskunsten som jeg kan kalle abstrakte malere. Ikke ikke-objektive – de er objektive, men abstrakte. Dette er Titian og Rembrandt." Hvorfor? Fordi, hvis alt maleri før dem oppførte seg som et maleri som farger et objekt, så inkluderte Titian fargeleggingsøyeblikket, maleøyeblikket som farge uavhengig av objektet. Som for eksempel "St. Sebastian" i Eremitasjen. Når du kommer veldig nær det, kan du ikke se annet enn pittoresk kaos.

Det er et maleri som du, stående foran lerretet, kan se på i det uendelige. Det er veldig vanskelig å formidle i ord, fordi det er en helt vilkårlig impresjonistisk lesning, lesing av karakterene eller personlighetene han skriver. Og det spiller ingen rolle hvem du ser på: Piero della Francesco eller hertug Federico da Montefeltro.