Historiemelding om temaet renessansen. Hva er renessansen: det viktigste er kort og tydelig. Gammel romersk kulturarv

Innholdet i artikkelen

RENESSANSENS LITTERATUR, litteratur fra europeiske land i perioden med etablering og dominans av renessansens ideologi, som gjenspeiler de typologiske trekkene til denne kulturen. I forskjellige land dekker den perioden fra 1500-tallet til første kvartal av 1600-tallet. Litteratur er en av de viktigste prestasjonene til renessansekulturen; det var i den, som i kunsten, at nye ideer om mennesket og verden iboende i denne kulturen manifesterte seg med størst kraft. Litteraturobjektet ble jordelivet i all dets mangfold, dynamikk og autentisitet, noe som fundamentalt skiller renessanselitteratur fra middelalderlitteratur. Et trekk ved renessanselitteraturen, så vel som hele kulturen, var den dypeste interessen for individet og dets opplevelser, problemet med personlighet og samfunn, forherligelsen av menneskelig skjønnhet og en økt oppfatning av den jordiske verdens poesi. I likhet med renessansens humanisme-ideologi, var renessansens litteratur preget av ønsket om å svare på alle presserende spørsmål om menneskelig eksistens, samt en appell til den nasjonale historiske og legendariske fortiden. Derav blomstringen av lyrisk poesi, enestående siden antikken, og skapelsen av nye poetiske former, og deretter fremveksten av drama.

Det var renessansens kultur som satte litteraturen, eller rettere sagt poesi og studiet av språk og litteratur, over andre typer menneskelig aktivitet. Selve faktumet med proklamasjonen av poesi ved begynnelsen av renessansen som en av måtene å kjenne og forstå verden på, bestemte litteraturens plass i renessansens kultur. Utviklingen av renessanselitteratur er assosiert med prosessen med dannelse av nasjonale språk i europeiske land; humanister i Italia, Frankrike og England fungerer som forsvarere av det nasjonale språket, og i mange tilfeller som dets skapere. Et trekk ved renessanselitteraturen var at den ble opprettet både på nasjonale språk og på latin, men nesten alle dens høyeste prestasjoner var assosiert med førstnevnte. Orddyrkelsen og humanistenes akutte bevissthet om sin egen personlighet reiste for første gang spørsmålet om litterær kreativitets originalitet og originalitet, noe som kan ha ført til søken etter nye kunstneriske, i det minste poetiske, former. Det er ingen tilfeldighet at renessansen er forbundet med fremveksten av en rekke poetiske former knyttet til navnene på ordkunstnerne som skapte dem – Dantes terzas, Ariostos oktav, Spencers strofe, Sidneys sonett osv. Spørsmålet om kunstnerens originalitet reiste spørsmålet om stil. Gradvis, i stedet for den dominerende stilen, etableres den dominerende sjangeren. Det er ingen tilfeldighet at teoretikere i renessanselitteraturen viet spesiell forskning til nesten hver sjanger.

Renessansens litteratur endret sjangersystemet radikalt. Et nytt system av litterære sjangere ble skapt, noen av dem, kjent siden antikken, ble gjenopplivet og tenkt nytt fra et humanistisk perspektiv, andre ble skapt på nytt. De største endringene påvirket dramasfæren. I stedet for middelaldersjangre gjenopplivet renessansen tragedie og komedie, sjangere som bokstavelig talt hadde forsvunnet fra scenen under Romerriket. Sammenlignet med middelalderlitteraturen endres handlingene i verkene – først mytologiske, så historiske eller moderne etableres. Scenografien er i endring, den er basert på sannhetsprinsippet. Først kommer komedien tilbake, deretter tragedien, som på grunn av sjangerens særegenheter etableres i perioden da den nye kulturen innser det uunngåelige i konflikten mellom ideal og virkelighet. Pastoral er i ferd med å bli ganske utbredt i litteraturen.

Eposet i renessanselitteraturen presenteres i ulike former. Det bør først og fremst bemerkes den brede distribusjonen av det episke diktet; den middelalderske ridderromantikken får nytt liv, og nytt innhold helles inn i den. På slutten av renessansen tok den pikareske romanen grep. Sjangeren til novellen, hvis typologiske grunnlag ble lagt av Boccaccio, ble en sann skapelse av renessansen.

Dialog ble en spesifikt renessansesjanger. Det var opprinnelig en yndet skriveform av humanister, hvis mål var å tvinge leseren, etter å ha veid fordeler og ulemper i tvister, til å trekke en konklusjon for seg selv.

Renessansepoesi var også assosiert med fremveksten og gjenopplivingen av en rekke sjangere. Den er preget av dominansen til lyrisk poesi. Oden og salmen gjenopplives fra de eldgamle sjangrene av episk poesi; lyrisk poesi er nært forbundet med fremveksten, utviklingen og forbedringen av sonetten, som har blitt den ledende formen for lyrisk poesi, så vel som madrigalen. Epigrammet, elegien og sjeldnere balladen utvikles også. Det skal bemerkes at i forskjellige europeiske land fikk både stilproblemene og sjangerproblemene forskjellige betydninger.

Litteraturen fra renessansen, som hele renessansens kultur, stolte på eldgamle prestasjoner og startet fra dem. Derav, for eksempel, fremveksten av "vitenskapelig drama" som en imitasjon av gammelt drama. Samtidig utviklet hun kreativt middelalderlitteraturens folketradisjoner. Disse trekkene var i en eller annen grad iboende i enhver nasjonal litteratur.

italiensk litteratur

Historien til renessanselitteraturen, så vel som hele renessansens kultur, begynner i Italia. På begynnelsen av 1500-tallet. dens herald var den store poeten Dante Alighieri (1265–1321). I sine filosofiske skrifter ( Fest Og Kongerike) og det største diktet Den guddommelige komedie det reflekterte alle kompleksitetene i verdensbildet til en person i overgangsperioden, som allerede tydelig ser fremtiden til den nye kulturen.

Den sanne grunnleggeren av renessansen er Francesco Petrarca (1304–1374), hvis arbeid bestemte vendingen til en ny kultur og andre åndelige verdier. Det var med hans aktiviteter at gjenoppbyggingen av gammel kultur, studiet av litterære monumenter og letingen etter eldgamle manuskripter begynte. Petrarch var ikke bare en vitenskapsmann, men også en fremtredende filosof, politisk skikkelse, og faktisk den første intellektuelle i Europas historie. Han løftet kunnskapen til en slik høyde at han i 1349 ble høytidelig kronet med en laurbærkrans på Capitol i Roma, som gamle helter.

For sine samtidige ble Petrarca både et symbol og en ideell personlighet for den nye kulturen. Han forkynte prinsippet om behovet for å mestre antikkens kulturarv, men denne oppgaven forutsatte dannelsen av en moralsk perfekt, åndelig beriket og intellektuelt utviklet person. En person måtte stole på erfaringen fra fortiden i sitt valg.

Petrarch skapte et nytt tenkningssystem, definerte alle ideer om renessansemennesket, var en fremtredende filolog og forbedret det latinske språket. I sine latinske verk stolte han på den eldgamle tradisjonen, i Virgils ånd skrev han ekloger, i Horaces ånd - Poetiske budskap. Han betraktet som sin beste skapelse Afrika(1339–1341), et dikt på latin basert på modellen Aeneidene, hvor han, på vegne av de gamle heltene, profeterer om Italias store fremtidige herlighet og gjenopplivingen av en enda større italiensk kultur. Han forble i litteraturhistorien først og fremst som skaperen av en diktsamling Sangenes bok, skrevet av ham på italiensk og dedikert til å synge skjønnheten i menneskelige følelser, kjærlighet som foredler og forbedrer mennesket. Navnet til hans elskede Laura har blitt et kjent navn siden Petrarkas tid, og selve boken har blitt en modell for de fleste poeter fra renessansen, slik at verbet "petrarchize" til og med dukket opp i Frankrike.

For første gang i litteraturen rettferdiggjorde Petrarch ikke bare kjærlighetsopplevelser, men avslørte også deres ekstraordinære allsidighet, kompleksiteten i følelsene til en forelsket person. Enda mer uvanlig for hans samtidige var omsorgen som han beskrev den åndelige verdenen til sin elskede.

Petrarchs yngre samtidige og venn, Giovanni Boccaccio (1313–1375), var hans etterfølger. Hans litterære arv er ganske mangfoldig: forfatteren henvendte seg også til den tradisjonelle sjangeren til den høviske romanen ( Philocolo Og Filostrato) og klassisk epos ( Disse sidene). Boccaccio skapte en rekke verk i nye sjangere: han eier en roman i prosa og vers Komedie av florentinske nymfer, som markerte begynnelsen på pastoralsjangeren. Boccaccio skrev også et uvanlig lyrisk pastoraldikt fra Peru. Fiesolanymfer. Han skapte den første psykologiske romanen i Europa Elegien til Madonnaen av Fiametta. I litteraturhistorien forble han først og fremst skaperen av renessansens novellesjanger, den berømte samlingen Decameron. I Decameron et nytt samfunn (fortellere) har blitt skapt - utdannet, følsom, poetiserende verden, vakker. Denne verden er basert på en felles kultur og står i kontrast til forferdelige bilder av samfunnets død og forfall under pestepidemien.

I novellene gir forfatteren et bredt panorama av livssituasjoner og fenomener. Heltene representerer alle nivåer i det europeiske samfunnet, og de setter alle høyt jordelivet. Den nye helten er en person som er aktiv, i stand til å gå inn i en kamp med skjebnen og nyte livet i alle dets manifestasjoner. Boccaccios mann er fryktløs, han streber etter å erobre og forandre verden, insisterer på sin frihet til følelser og handlinger og retten til å velge.

Samtidig forkynner Boccaccio alle menneskers likestilling ved fødsel, og benekter klassebarrierene i middelaldersamfunnet. Verdien av en person bestemmes bare av hans personlige egenskaper, og ikke av opprinnelse; viljen og sinnet til en person seier over de tilfeldige omstendighetene rundt hans skjebne. Hans forfattere bidro til utviklingen av det italienske litterære språket.

Litteratur på 1400-tallet. ble assosiert med utviklingen av lyrikk i verkene til Angelo Poliziano (1454–1494) og Lorenzo Medici (1449–1492), hvis verk er preget av karnevalssanger som feirer livsgleden (). Poliziano skrev det første humanistiske diktet skrevet for teatret, Fortellingen om Orfeus. På 1400-tallet den første pastoralromanen ble til Arcadia Jacopo Sanazaro, som påvirket den videre utviklingen av sjangeren.

Sjangeren noveller mottatt på 1400-tallet. videre utvikling. Poggio Bracciolini (1380–1459) etterlot seg en samling facetia (anekdoter som i sjanger ligner på noveller). På slutten av århundret ble novellesjangeren (allerede på napolitansk dialekt) assosiert med arbeidet til Tommaso (Masuccio) Guardato (ca. 1420–1476), som forlot boken Novellino.

En betydelig plass i litteraturen fra den italienske renessansen er okkupert av episk poesi, matet av plott hentet fra ridderromanser, og fremfor alt den karolingiske syklusen. De beste eksemplene på denne poesien var Større Morgante Luigi Pulci (1432–1484) og Orlando forelsket(1483–1494) Matteo Boiardo (1441–1494).

Høyrenessansen i Italias litteratur var preget av overvekten av den klassiske renessansestilen, monumental og sublim, som legemliggjorde de humanistiske idealene om skjønnhet og harmoni, hvorfra idealiseringen av virkeligheten kom. Det er først og fremst assosiert med navnet til Ludovico Ariosto (1474–1533), som etterlot seg et storslått dikt Rasende Roland, som ble en av de største toppene i den italienske renessansen. Som sin forgjenger Matteo Boiardo ( Roland forelsket). Ariosto henvendte seg til handlingene til ridderromaner dedikert til paladinene til Karl den store og ridderne av det runde bord. Middelalderbilder og situasjoner får et nytt utseende og får en ny tolkning: heltene er utstyrt med trekkene til en renessansepersonlighet, sterke følelser, en sterk vilje og evnen til å nyte livet. Forfatterens oppfinnsomhet og frihet i romanens komposisjonsstruktur med den overordnede harmoniske balansen i hele teksten er slående. Heroiske episoder kunne kombineres med rent komiske episoder. Diktet ble skrevet i en spesiell strofe, ofte kalt "den gyldne oktaven." Den lyriske strømmen i høyrenessansen er assosiert med poesien til Pietro Bembo, som ble grunnleggeren av petrarkismens poesi, som dyrket den poetiske arven til Petrarka. Bembo argumenterte i tillegg for fordelene med den toskanske dialekten, der han så grunnlaget for det litterære italienske språket ( Resonnering i prosa om folkespråket).

Litteraturen fra senrenessansen er preget av bevaring av det etablerte sjangersystemet, men mange ting endres i det (plott, bilder, etc.), inkludert ideologisk orientering. De største mesterne i novellen fra denne perioden var M. Bandello (1485–1565) og G. Cintio (1504–1573). OG Noveller Bandello og Hundre historier Cintio er preget av ekstrem drama av situasjoner, økt dynamikk og en usminket skildring av livets underliv og fatale lidenskaper. Novellen får en pessimistisk og tragisk karakter. Den tredje av romanforfatterne fra senrenessansen, Giovanni Francesco Straparola (1500–1557), avviker også fra renessansens harmoni og klarhet, språket hans flettet sammen med vanlige folk, og forfatteren er avhengig av folklore. En spesiell plass i denne perioden er okkupert av det selvbiografiske arbeidet til den berømte billedhuggeren og pregeren Benvenuto Cellini.

Lyrisk poesi fra sen renessanse i Italia er i stor grad assosiert med kvinners arbeid. Diktene til V. Colonna (1490–1547) og G. Stampa (ca. 1520–1554) reflekterte dramatiske opplevelser og lidenskap. En helt spesiell plass i litteraturen til Italia fra senrenessansen er okkupert av de poetiske verkene til den store kunstneren Michelangelo, hvis poesi er gjennomsyret av ekstremt tragiske motiver. Litteraturen fra senrenessansen er kronet av den kunstneriske arven til Torquato Tasso (1544–1595). Hans tidlige arbeid Aminta(1573), ble skapt i sjangeren dramatisk, svært poetisk pastoral. Hans episke dikt fikk størst berømmelse Frigjort Jerusalem(1580). Handlingen ble hentet fra korstogenes epoke, men glorifiseringen av bedriftene til heltene er organisk kombinert med nye trender, innflytelsen fra ideene til motreformasjonen. Diktet kombinerte ideene fra renessansen, trendene fra senrenessansen og eventyrlige elementer av ridderromanser (fortryllet skog, magiske hager og slott). Heltediktet var gjennomsyret av religiøse motiver og var preget av en usedvanlig språkrikdom og lydskrift.

Dramaturgi utviklet seg i mindre grad i Italia. På 1500-tallet hovedsakelig komedier og pastoraler ble skrevet. Komedier ble skrevet av så store forfattere som Machiavelli (1469–1527) ( Mandrake) og Ariosto (1474–1533), og utviklingen av komedien fra den italienske renessansen fullføres av skuespillet til den store vitenskapsmannen og tenkeren Giordano Bruno (1548–1600). Sammen med den "vitenskapelige komedien", skapt etter eldgamle modeller, utvikler også folkekomedien av masker seg, og tragedien dukker opp. Ved slutten av århundret ble pastoral (i forbindelse med utviklingen av hoffteater og musikk) stadig mer utbredt ( Trofast hyrde D. Guarini). ( Biografi).

Et karakteristisk trekk ved 1500-tallets litteratur. er fremveksten og aktiviteten til litterære foreninger, først og fremst akademier.

fransk litteratur

Renessanselitteraturen i Frankrike utviklet seg først og fremst allerede på 1500-tallet, selv om dens forløper vanligvis regnes for å være den store poeten François Villon (1431–1469), den første virkelig tragiske dikteren i Frankrike som tok opp temaet deprivasjon og ensomhet. Begynnelsen på renessansediktningen selv kommer fra den såkalte skolen. «store retorikere» som gjorde mye for utviklingen av den litterære formen. Den første renessansedikteren er den siste av dem, Jean Lemaire de Belge (1473–1525), som introduserte sekularisme og renessanseglede i litteraturen, og trakk på gammel poesi og den italienske renessansens store mestere (Dante og Petrarch). Lyonskolen for diktere hentet også fra den eldgamle tradisjonen, hvor de største representantene var Maurice Sav (ca. 1510 - ca. 1564) og den "vakre godterimakeren" Louise Labe (1525/26–1565), hvis poesi først og fremst er knyttet til med utviklingen av et kjærlighetstema. Nåden, naturligheten og følelsesstyrken til en forlatt kvinne kombineres i hennes poetiske arv med stilens sofistikerte. Labes kjærlighetstekster ble preget av dyp menneskelighet med nøyaktigheten til bildet og sonettens presise form.

Den første fremveksten av renessansepoesi i Frankrike er assosiert med navnet Clément Marot. Naturen til hans litterære arv Marot tillater oss med rette å betrakte ham som grunnleggeren av renessansepoesi i Frankrike: han brøt fullstendig med middelalderens poetiske tradisjon og introduserte en rekke nye former (inkludert sonetten). Fra gamle diktere lånte han en rekke poetiske former (eclogue, epigram, satire). Som hoffpoet etterlot Marot for det meste elegante verk, skrevet ikke i store sjangre (mottoer, epigrammer, "gaver"), som er preget av sekularitet og til og med lekenhet. Marots verk som helhet var preget av en mer sublim harmonisk karakter, en renessansevisjon av verden og mennesket. Han utførte et gigantisk arbeid med å oversette bibelske salmer til fransk.

Det var fra første halvdel av 1500-tallet. Det var en kamp for å etablere det nasjonale franske språket, noe som i stor grad ble lettet av filologers og poeters virksomhet.

Oppblomstringen av fransk poesi var assosiert med aktivitetene til den litterære gruppen "Pleiades", som opprettet en nasjonal poesiskole. Det første seriøse arbeidet til denne gruppen var dens litterære manifest Forsvar og feiring av det franske språket(1549), tradisjonelt tilskrevet Joachin Du Bellay (1522–1560), der nye ideer om nasjonal kultur og litteratur tydelig ble erklært. Forfatteren koblet kulturens fremvekst og blomstring med nasjonal vekst og velstand; Kulturutviklingsnivået ble altså bestemt av utviklingsnivået til staten og folket. Samtidig sporer manifestet antikkens kult som er karakteristisk for renessansen, og erklærer slagordet om imitasjon av gamle forfattere. Det kunstneriske programmet til Pleiadene hevdet prioriteringen av det franske språket og dets likhet med latin og italiensk, og forkynte poetskaperens høye formål. Språket ble utropt til en slags kunst, og poesien sin høyeste form. De anså den gamle arven som en stimulans for utviklingen av nasjonal litteratur. Sammensetningen av gruppen varierte, men lederne var Pierre Ronsard (1524–1585), Joachin Du Bellay og Jean Antoine Baif. I størst grad kom ånden fra renessansekulturen og dens idealer til uttrykk i arbeidet til lederen av Pleiadene, Ronsard. En humanist, han berømmet livsgleden, mennesket og menneskelig kjærlighet som høydepunktet i sitt liv. Naturkulten, følelsen og oppfatningen av verdens skjønnhet, karakteristisk for dikterens verdensbilde, ble reflektert i bekreftelsen av ideen om den organiske enheten mellom menneske og natur. Ronsards arv reflekterte også hans kritiske oppfatning av samfunnet ( Hymne til gull, dikt som protesterer mot borgerkriger) og filosofiske refleksjoner over menneskehetens skjebne. Samtidig søkte han å glorifisere sitt hjemland ( Frankrikes nasjonalsang). Temaer om kjærlighet og natur inntok en spesiell plass i arbeidet hans; han etterlot seg flere bøker dedikert til kjærlighet ( Kjærlighet til Cassandra, Kjærlighet til Mary og så videre.). Han eier det episke diktet Franciade. Han ble med rette ansett av sine samtidige for å være "poetenes fyrste."

Andre i betydningen i Pleiadene var Joachin du Bellay, en poet og litteraturteoretiker. Den provinsielle adelsmannen dro under påvirkning av Ronsard til Paris, hvor han ble en aktiv deltaker i Pleiadene. Han eier flere diktsamlinger (inkludert Oliven, Angrer, Ulike landlige moro, romerske antikviteter). Angrer Og romerske antikviteter forfremmet Du Bellay til en æresplass i fransk litteratur. Forfatteren var ikke preget av storheten til planene og bildene og omfanget av fantasien hans; han graviterte mot enkelhet, poesien hans var mer av intim karakter. Den er preget av en elegisk stemning, refleksjoner over livets motgang og lidelse, oppriktighet og melankoli, mildhet og lett tristhet. I den tidlige perioden av arbeidet hans delte Du Bellay stort sett de generelle holdningene til Pleiadene og dens leder Ronsard, spesielt i tolkningen av kjærlighetsproblemet, selv om poesien hans selv i denne perioden var preget av en personlig, individuell lyd, uttrykk for en spesiell åndelig stemning. Denne samlingen viser tydelig innflytelsen fra de maneristiske eksemplene til de italienske petrarkistene. I sine mest modne verk beveget Du Bellay seg langt fra sin første samling. romerske antikviteter(inkludert 33 sonetter) - en samling filosofiske tekster, der det historiske temaet ble kombinert med forståelsen av tidligere tidsepoker og ens personlige erfaring. Den tragiske begynnelsen, forståelsen av de menneskelige gjerningenes skrøpelighet og tidens allmakt kom til uttrykk i romerske antikviteter. Samtidig er høye åndelige tanker og vakre kreasjoner bevart, ifølge dikteren, i minnet til mennesker. Dermed la han vekt på troen på kulturarvens og litteraturens varige natur. Toppen av Du Bellays kreativitet anses å være hans Angrer, i hovedsak den lyriske dagboken til dikteren under oppholdet i Roma. I sonettene forsvinner renessansens idé om triumf og individets oppblomstring, og i stedet dukker det opp en tragisk bevissthet om uunngåeligheten av triumfen til forferdelige omstendigheter uavhengig av en persons vilje og handlinger. I Angrer fordømmelse av kriger, ondskap og korrupsjon av domstolen, suverene politikk og en forståelse av nasjonale verdier ble uttrykt. I Angrer reflekterte den allerede påbegynte krisen både for poetens selv og all fransk humanismes verdensbilde, begynnelsen på åndelig tragedie og sammenbruddet av renessansens idealer under borgerkrigene i andre halvdel av århundret. Samlingen uttrykte senrenessansens sentrale problem – motsetningen mellom renessansens humanistiske ideal om individ og samfunn og virkeligheten rundt humanister.

Blant andre medlemmer av Pleiadene bør nevnes den talentfulle Remy Bellot (ca. 1528–1577) og vitenskapsmannen J. Baif (1532–1589), samt Etienne Jodelle (1532–1573), som skapte den første klassisk fransk tragedie Fangen Kleopatra(1553). Han prøvde seg også på komedie på vers ( Eugene, 1552). Stykket var preget av patriotisk patos og skarp kritikk av presteskapet.

Jodel var den første franske dramatikeren som fullstendig brøt med middelalderens teatertradisjoner; skuespillene hans var orientert mot antikken og ble skrevet i samsvar med reglene. Jodelles dramaturgi foregriper på mange måter tragedien i fransk klassisisme på 1600-tallet. I hans senere verk kan man føle innflytelsen fra mannerisme og til og med barokk.

De religiøse krigene bidro til nedgangen til Pleiadene og bestemte detaljene i arbeidet til den siste av de store dikterne i den franske renessansen. Theodore Agrippa D'Aubigne (1552–1630), en overbevist kalvinist, en adelsmann, avla som barn en ed på å vie seg til den kristne tros sak og holdt den. Fastheten og standhaftigheten i hans karakter ble kombinert med eksepsjonell lojalitet til tro, ære og kongen. På slutten av livet ble han tvunget til å forlate sitt hjemland og trekke seg tilbake til Genève. Hans første litterære eksperimenter ( Vår) ble assosiert med den poetiske tradisjonen som kom fra Ronsard og til og med fra Petrarch. Et unikt poetisk epos brakte ham berømmelse Tragiske dikt(1577–1589). Konseptet, strukturen og kunstneriske bildene til diktet har ingen analoger, ikke bare på fransk, men også i europeisk litteratur fra renessansen. Når det gjelder forfatterens tragiske verdensbilde, og når det gjelder visuell kraft, og når det gjelder emosjonell intensitet Tragiske dikt representerer et eksepsjonelt monument fra senrenessansen, som allerede forutser barokken, "århundret, etter å ha endret moral, ber om en annen stil." Og likevel viser diktet tydelig renessansens ånd, Tragiske dikt- ropet fra den nedtrampede menneskeheten. Språket hennes er fylt med ekstraordinære uttrykksfulle bilder, sublim patos kombineres med kaustisk sarkasme og ekstrem dramatikk, presentasjonen får en grandiose, nesten kosmisk skala. Kreativitet (han dro Memoarer og et stort historisk verk) fullfører utviklingen av fransk poesi fra renessansen.

Utviklingen av fransk prosa fra renessansen er i stor grad knyttet til novellen, hvis historie avsløres Hundre nye noveller(1486). Blant de mange samlingene, skiller du seg ut Nye morsomme og morsomme samtaler kjent fritenker og satireforfatter Fredens cymbal Bonaventure Deperrier (1510–1544), hvor forfatteren gir et bredt panorama av hverdagslivet i samtidens Frankrike og tegner fargerike individualiserte bilder. Arven etter den kronede humanistiske forfatteren Marguerite av Angoulême (1592–1549) regnes for å være toppen av fransk kort skjønnlitteratur. Søsteren til den franske kongen Frans I var i sentrum av det strålende hoffet, hele det intellektuelle og raffinerte hoffsamfunnet. Etter å ha blitt dronningen av Navarra, brøt hun seg bort fra det vanlige kulturelle miljøet til det franske hoffet, men klarte å skape et nytt stort kultursenter i den avsidesliggende provinsen, og tiltrekke seg flere og flere nye skikkelser fra den franske renessansen. Hun kom inn i litteraturhistorien som forfatter og poetinne. Det platoniske prinsippet som er karakteristisk for hennes krets, fant sitt maksimale uttrykk i poesien til dronningen av Navarra selv. Hun eier allegoriske dikt og dikt. Den sanne herligheten til Margarita som forfatter ble satt sammen av en samling noveller Heptameron. Samlingen forble uferdig, den skulle inneholde 100 noveller, men forfatteren klarte å skrive bare 72. Dens andre utgave (1559), hvor noveller med skarpe anti-kirkelige angrep ble erstattet av mer nøytrale tekster, ble kalt Heptameron. Et trekk ved samlingen var forfatterens avslag på å bruke omvandrende tradisjonelle plott av noveller; handlingene deres er relatert til fortellernes personlige opplevelser eller andre virkelige hendelser. Deltakere i arrangementene var personer fra forfatterens umiddelbare krets, og til og med hennes slektninger. Derav den spesielle selvbiografiske smaken til boken og dybden i karakterene til historiefortellerne, som trekker frem ikke så mye selve historiene, men diskusjonene. Sammenlignet med andre samlinger av renessansenoveller Heptameron representerer en smalere omgangskrets, boken handler mer om følelser, moralske situasjoner og rikdommen i menneskers indre verden. Det er karakteristisk at det ikke er noen jublende optimisme i samlingen – mange av historiene er triste, og deres tolkning viser diskrepansen mellom menneskets høye ideal og virkeligheten i verden rundt ham. Arbeidet til Margarita av Angoulême og spesielt samlingen Heptameron reflekterte begynnelsen på krisen til idealene fra den franske renessansen.

Den høyeste prestasjonen av fransk renessanselitteratur i prosa er arbeidet til François Rabelais (1483–1553). Jakten på en humanist (en berømt lege) førte ham til litteraturen; i 1532 begynte han å publisere separate bøker av sin berømte roman "fra gigantenes liv", som hver ble fordømt etter tur av Sorbonne, og den fjerde (1552) ) ble dømt til brenning av parlamentet. I romanen Rabelais Gargantua og Pantagruel den uløselige forbindelsen mellom renessansens franske kultur og middelalderens folkelattradisjon kommer til uttrykk. Romanen inneholder utvilsomt en parodi gjennom hyperbolisering av middelalderske sjangere, tradisjoner og verdier. Samtidig bekreftes humanistiske idealer og verdier. Rabelais, en lege og vitenskapsmann, fremmet kunnskapskulturen og studiet av vitenskaper som et middel til å utdanne en harmonisk person, han insisterte på menneskeretten til å tenke og føle fritt, og motarbeidet religiøs fanatisme. Romanen skildrer en slags sosial utopi – Thelema-klosteret, hvor en person kan realisere sin rett til frihet, livsglede og kunnskapsbegjær. Samtidig er boken preget av optimisme og tro på menneskets ubegrensede muligheter: «mennesket ble skapt for fred, ikke for krig, født til glede, til glede for alle frukter og planter».

Humanistiske idealer vedvarte i fransk litteratur inn på slutten av 1500-tallet; de ble oppsummert og uttrykt i en nyskapt litterær sjanger – essayet – av Michel de Montaigne (1533–1592). For første gang i litteraturhistorien skisserte forfatteren sine egne erfaringer og erfaringer, "innholdet i boken min er meg selv." Montaignes personlighet ble gjenstand for analyse av essayet hans Opplevelser. Han forkynner en humanistisk forståelse av menneskets skjebne – hensikten med menneskelivet er jakten på lykke og nytelse. Det var han som koblet denne ideen med ideen om naturlig liv og menneskets naturlige frihet. Tilstedeværelsen av frihet bestemmer naturen til den sosiale orden, og alle mennesker er like av natur. Montaigne oppsummerte utviklingen av humanismen, og vurderte ganske skeptisk resultatene av utviklingen av vitenskaper og til og med kunst, og insisterte på enkelhet og klarhet, og forutså prinsippene for fremtidig klassisisme.

tysk litteratur

I Tyskland viste renessanselitteraturens skjebne seg å være nært forbundet med reformasjonen. På mange måter ligger arbeidet til den store Erasmus av Rotterdam (1466/9–1536) i tilknytning til det kulturelle området i Tyskland. Erasmus er Europas ledende tenker, han etterlot seg en stor arv, men to satirer fikk størst popularitet - Ros for dumhet Og Samtaler er enkle. De berømte Dårenes skip Sebastian Brant (en satire som var en stor suksess), og den berømte satiren til Erasmus av Rotterdam Ros for dumhet(1511) og Samtaler er enkle, hvor det gis skarp kritikk av det moderne samfunnet. Tysk litteratur får en spesiell polemisk karakter like før reformasjonen. I en anspent atmosfære av ideologisk kamp, ​​berømt Brev fra mørke mennesker, en bløff av humanister, satire skrevet på latin av humanistene K. Rubian, G. Busche og W. von Hutten i form av brev på vegne av fiktive presteskap. Satire dominerte tysk litteratur i tiden og var tydeligst tydelig i skriftene til humanisten Ulrich von Hutten, som latterliggjorde den katolske kirken i sine dialoger.

Dannelsen av det tyske litterære språket ble assosiert med renessansen og reformasjonen. Oversettelsen av Bibelen til tysk av reformasjonens enestående skikkelse Martin Luther betydde etableringen av normene for det felles tyske språket. Poesi blir mindre viktig i Tyskland; arbeidet til Hans Sachs (1494–1576) kom fra den tyske tradisjonen og gjengir bylivet i Tyskland. Den såkalte folkebøker, anonyme verk beregnet på masselesing. Når det gjelder innholdet er de ekstremt varierte; de ​​kombinerer eventyrmotiver, plott av ridderromanser, anekdoter og til og med historisk fortelling. De var forskjellige i karakter: hvis Til den vakre Magellone var iboende poetisk, da inn Historien om Till Eulenspiegel Og Schildburgere det er en skarp satirisk strek. Til slutt, renessansens ideal om tørst etter kunnskap og ære, dyrkelsen av menneskets grenseløse muligheter er tilstede i Historier om doktor Johann Faust, den berømte trollmannen og trollmannen(1587), den første behandlingen av denne handlingen i verdenslitteraturen.

engelsk litteratur

Fremveksten av nye trender i litteraturen har blitt observert siden fremveksten av humanistiske sirkler på universiteter, som var påvirket av italiensk humanisme. Den største menneskeheten i England var Thomas More (1478–1535), som etterlot seg et av renessansens programmatiske verk. Utopia, hvor et idealsamfunn er skildret, bygget på likhet og rettferdighet, hvor prinsippet om kollektiv eiendom og arbeidsfellesskap råder, er det ingen fattigdom, og målet er å oppnå felles beste. Som en ekte humanist, insisterer More på den harmoniske utviklingen av individet i dette samfunnet, mesteparten av hver persons tid er viet til intellektuelle sysler. Det er karakteristisk at i en tid da Europa ble revet i stykker av religiøse stridigheter, skildrer More den religiøse toleransens triumf i sin ideelle tilstand, og nådeløst og hånende beskriver gullets skjebne i Utopier.

Engelsk renessansepoesi begynte i begynnelsen av Henry VIIIs regjeringstid, da litterær fritid ble populært ved hoffet. Den første humanistiske poeten var John Scalton, læreren til fremtidens Henry VIII, kjent for sin lærdom. Skelton etterlot seg en rekke satiriske dikt ( Hvorfor kommer du ikke til retten?). I første halvdel av århundret ble nye litterære former og sjangre, så vel som den gamle arven, assimilert. Populariteten til Petrarchs poesi i England førte til etableringen av sonetten som den ledende poetiske formen, selv om den var litt modifisert fra den klassiske italienske. Den første engelske petrarchist-poeten, Thomas Wyeth (1503–1542), introduserte en sonett på tre kvad og en siste kuplett, kjærlighetstekster ble videreutviklet av Henry Howard, Earl of Surrey (1517–1547), som etterlot en syklus dedikert til " Geraldine» og perfeksjonerte også sonettformen. Oppblomstringen av engelsk litteratur, og fremfor alt, poesi, var assosiert med "gullalderen" under Elizabeth Tudors regjeringstid. I løpet av denne perioden utviklet kunst og litteratur seg spesielt. Den vektlagte interessen for språk førte til at det ble opprettet et spesielt rettsspråk, raffinert og overlesset med sammenligninger. Litteratur utviklet seg først og fremst innen poesi og drama. Dominansen til lyrisk poesi kom på midten av århundret med fremkomsten av tekstene til T. Wyeth og G. Sarri, men den sanne blomstringen av lyrisk poesi ble assosiert med navnet Philip Sidney (1554–1586), en sann innovatør innen poesi og litteraturteori. Han vendte seg til sonettformen, allerede etablert i England, og laget en syklus på 108 sonetter Astrophil og Stella, hvor poetiske miniatyrer ble forent av et felles konsept til en enkelt helhet og en "kjærlighetshistorie" med et komplekst spekter av opplevelser ble skapt. Slutten er trist, helten (Astrophil) hadde ingen respons på sine følelser og hengivenhet. Sidneys sonetter inkluderte dialog, første gang et ironisk tema dukket opp i sjangeren. Sonetten blir den dominerende formen i engelsk renessansepoesi, men andre poeter fra denne tiden (de såkalte "Elizaventines"), i tillegg til ham, arbeidet også i sjangrene ode, elegi, ballade, epigram, satire, etc. Sidney fungerte også som litteraturteoretiker, og forsvarte poesiens høye formål, dens pedagogiske innvirkning på individet, noe som førte til moralsk forbedring av mennesker (avhandling Forsvar for poesi). Han ble også den første som vendte seg mot pastoralsjangeren i England i sin uferdige roman Arcadia(utgitt i 1590).

Den største engelske poeten i renessansen var Edmund Spenser (ca. 1552–1599). I motsetning til aristokraten Sidney, levde Spencer et vanskelig liv; han etterlot seg en betydelig arv innen lyrisk poesi, og arbeidet i de tradisjonelle renessansens sjangere sonetter og salmer. Han utviklet den engelske pastoralen i sin "pastorale kalender", der den typiske pastorale idyllen mot naturens bakteppe ble kombinert med forkynnelsen av borgeridealer. Spensers største berømmelse kom fra diktet hans Eventyrdronning, dikterens viktigste verk. Spencer vendte seg til et plot trukket fra en middelaldersk ridderromanse, til en syklus av legender om kong Arthur. Eventyrene til ridderne, som hver er legemliggjørelsen av en av de 12 dydene, dannet handlingen, men avsløringen av karakterer og interesse for det heroiske prinsippet. Tørsten etter ære, ønsket om moralsk perfeksjon i ånden av humanistiske idealer, alt dette fylte Arthurs komplott med renessanseinnhold. I tillegg ble appellen til Arthur-legender bestemt av en generell interesse for nasjonal historie. Senere ble løshet og en fri skildring av menneskelige lidenskaper introdusert i engelsk poesi. Samtidig ble forherligelsen av livsglede og kjærlighet opprettholdt. Dens særegenhet var søket etter nye former for vers. Sidney introduserte det "mannlige rimet", Spencer ble oppfinneren av den spesielle "Spencerian"-strofen. Prosa utviklet seg først og fremst i novellesjangeren, og inneholdt ofte et element av satire og glorifisering av borgerlige dyder (arbeid, nøysomhet, moralsk beskjedenhet). En rekke forskjellige romaner dukker opp (utopiske, pastorale, til og med nær pikareske).

Engelsk litteratur fra renessansen fikk det største gjennombruddet innen drama, der britene selvfølgelig var foran hele Europa. Engelsk teater nådde sin høyeste utvikling på 1580-1590-tallet. Til å begynne med ble engelsk drama assosiert med etterligning av gammelt drama, og skuespill ble skrevet basert på handlinger fra antikkens historie. Allerede i 1580 var engelsk drama preget av en spesiell variasjon av sjangere og produserte en rekke strålende dramatikere. Skuespillene til John Lyly, fulle av frodig retorikk, var henvendt til hoffpublikummet, men i dem kan man, som Robert Greene, merke en tydelig uttrykt patriotisk orientering og nærhet til folkeeventyr ( Komedie om George Green, Wakefield feltvakt). Siden Spansk tragedie Thomas Kyds «blodige drama» kom i bruk. Generelt var drama preget av en rekke sjangere (tragedie, komedie, historisk lek, til og med pastoral) og dramatikere var uvanlig produktive (noe som ble forklart av scenens og publikums behov). Spesifisiteten til engelsk dramaturgi var også den kontinuerlige blandingen av høye og lave sjangre i ett skuespill, som ga effekten av kontrast og deretter dypt forarget klassisismens teoretikere.

Det særegne ved dette teatret var at det, ved å stole på den nasjonale fortiden, den eldgamle arven og prestasjonene fra renessansekulturen, var i stand til å reise de evige spørsmålene om menneskelig eksistens på et språk tilgjengelig for de bredeste massene ved å bruke grandiose bilder. , meningen med hans liv, formål, tid og evighet, forholdet individer og samfunn.

Dramatikere som hadde skuespillere for hånden (de jobbet vanligvis med troppen og skrev basert på dens evner) brakte ikke bare titaniske karakterer til scenen, men reiste også spørsmålet om individets moralske ansvar overfor samfunnet, om hva den ubegrensede friheten til det ekstraordinære fører med seg en person for andre, om enn ikke så store, mennesker, hva er skjebnen til menneskene i "fatale øyeblikk." Ved overgangen til 1500–1600-tallet. teatret var i stand til å oppsummere all erfaringen akkumulert av renessansen og uttrykke den, og utdype ideene som ble fremsatt tidligere.

Verket til den første store tragiske dramatikeren, Christopher Marlowe (1564–1593), uttrykte disse tvilene og motsetningene. Marlowe skapte bildet av Faust, som forsøkte å omorganisere verden. Gjennom leppene til en annen av hans karakterer, den grusomme erobreren, den analfabetiske hyrden Tamerlane, forklarer dramatikeren sin forståelse av menneskets skjebne; den "angstelige og ukuelige ånden" trekker ham til handling og kunnskap. Marlowes helter viste for første gang den andre siden av renessansemannens ideal - de er ekstraordinære og motsetter seg samfunnet, og bryter ikke bare dets lover, men også allment aksepterte normer for menneskeheten. På grunn av sin umoral vakte de både redsel og beundring. Med arbeidet til Marlowe begynner et nytt stadium i utviklingen av dramaturgien fra den engelske renessansen, som viste seg å være assosiert med analysen av indre åndelige motsetninger, med bildet av en grandiose personlighet uunngåelig trukket til døden.

Toppen av utviklingen av renessansen (og europeisk teater) er arbeidet til William Shakespeare (1564–1616). Det nøyaktige antallet av skuespillene hans og tidspunktet for deres opprettelse er ukjent; basert på en analyse av den første posthume utgaven, identifiserte forskere 37 skuespill (den såkalte kanonen) og foreslåtte datoer. I det siste har noen forskere hatt en tendens til å legge til ham visse verk som tradisjonelt tilskrives Shakespeare, og debatten om forfatterskapet til hele arven har igjen gjenopptatt. Kreativiteten er delt inn i tre perioder. Den første perioden (1590–1600) består hovedsakelig av komedier; de fleste av dem er lyriske, noen er hverdagslige, andre inkluderer elementer av et romantisk eventyr eller pastoral. Alle uttrykte renessansens idealer, er gjennomsyret av livsglede, forherliger menneskelige følelser og menneskelig aktivitet, og er dypt humanistiske ( En drøm i en sommernatt. Mye ståhei for ingenting, tolvte natt, The Merry Wives of Windsor). Hans første tragedier basert på emner fra antikkens historie går også tilbake til denne perioden ( Julius Cæsar), og skapte også en syklus med historiske skuespill dedikert til nasjonal historie (kronikker), der dramatikerens historiske og politiske konsept ble uttrykt ( Richard II, Henrik IV,Henrik V, Richard III og så videre.). Det var i dem han først undersøkte problemet med makt, hersker, tyranni, folkets rolle i det politiske livet i landet og maktens legitimitet. Ved overgangen til den første og andre perioden ble den mest poetiske av Shakespeares tragedier skapt - en sann hymne til kjærlighet, døende på grunn av samfunnets treghet ( Romeo og Julie). Den andre perioden (1601–1602) var preget av en krise i det humanistiske verdensbildet og dramatikerens vending til sjangeren tragedie. Tragediene hadde det dypeste filosofiske innholdet. I dem konfronterer renessansehelten ikke bare en fiendtlig verden, men også en ny tid, renessansens harmoni mellom individet og samfunnet er ødelagt. Det er i tragedier ( Hamlet, kong Lear, Macbeth, romerske tragedier Antony og Cleopatra Og Coriolanus) Shakespeare viste den mest komplekse psykologiske kampen og lidenskapsdialektikken i sjelene til karakterene hans, og avslørte dybden av konflikten. Den tredje perioden (1608–1612) var preget av utseendet til romantiske, nesten eventyrlige skuespill ( Cymbeline, Vinterfortelling, spesielt Storm), gjennomsyret av nostalgi for renessansens idealer, forble Shakespeare trofast mot renessansens idealer - en harmonisk utviklet person er "kronen på alle ting", men han får makten til å bestemme skjebnen til verden bare utenfor den kjente verden, i et eventyr (utopi, pastoral).

Shakespeare avslørte i sitt arbeid så dypt motsetningene i menneskets natur og forsto skjebnen til individet og samfunnet at han ikke bare utdypet ideene om renessansehumanismen, men hans forståelse av mennesket, tanker og erfaringer ble oppfattet av senere tidsepoker, og skuespillene gikk inn i det gyldne fondet av evige verk, og uten dem Til i dag er aktiviteten til et dramateater utenkelig.

Navnet Shakespeare er assosiert med konseptet "tragisk humanisme": bevissthet om tragedien til et individ som er tvunget til å gå inn i en kamp med samfunnet. Nesten alltid er denne kampen dømt, men nødvendig og uunngåelig. Shakespeare delte fullt ut renessansens idealer, men den sentrale konflikten i skuespillene hans ble bestemt av diskrepansen mellom renessansens ideal om mennesket og virkeligheten. Samfunnet er fiendtlig mot dette idealet.

En kritisk holdning til et ufullkomment samfunn er assosiert med dets holdning til tid, en mektig kraft, som imidlertid ikke samsvarer med verdensordenens prinsipper, i dramatikerens figurative uttrykk: "Tiden har forskjøvet leddet." Dette dømmer de fleste av Shakespeares helter til uunngåelig død, og selv i komedier med lykkelige slutter går heltene gjennom alvorlige prøvelser. De fleste av heltene hans streber etter å forstå ikke bare seg selv, men også deres tid, og menneskets plass i verden og evigheten, og konfrontasjonen mellom godt og ondt. Refleksjon, deres forståelse av deres formål, skjebne og feil fører dem til opplysning.

Storheten til Shakespeare ligger i det faktum at han var i stand til å reise spørsmål som angår mennesker til enhver tid, gjøre renessansens idealer nær ettertiden og skape uvanlig komplekse, allsidige, psykologisk dype bilder. Shakespeare arvet menneskeidealet fra renessansen, men noten av bitterhet foregriper allerede en annen tid. Shakespeares etterfølgere ("de yngre elizabethanere") uttrykte allerede ikke bare krisen til renessanseidealer, men også den tragiske oppfatningen av verden som er karakteristisk for mannerisme og barokk.

Spansk litteratur

Spansk litteratur var først og fremst assosiert med 1500-tallet; ved slutten av det var krisefenomener merkbare i den, og på mange måter forutså barokkens utseende (). Fra begynnelsen av 1500-tallet. De ledende renessansesjangre ble dannet i litteraturen. Spesifikasjonene til situasjonen i landet bestemte en uvanlig tidlig bevissthet om inkonsistensen av renessansens idealer med den omliggende virkeligheten, noe som satte et avtrykk på litteraturens karakter.

Spansk litteratur utviklet seg samtidig på landsbasis. Det er karakteristisk at sjangeren til den ridderlige romanen får en ny utvikling i seg, som reflekterer nye ideer om verden og mennesket: gleden ved å mestre verden, sekulær karakter, et nytt ideal for mennesket og normene for hans oppførsel i samfunnet . Den beste av de mange av denne "masselitteraturen" var den berømte Amadis fra Gallia Garcia Montalvo (1508), som ble lagt til av forskjellige forfattere og til slutt vokste til 12 bøker (i stedet for 4), gikk gjennom mer enn 300 utgaver og fikk pan-europeisk popularitet. Den spanske prosaen fra renessansen inkluderer også romandramaet Celestina F. De Rojas, hvor den lyse kjærligheten til hovedpersonene står i motsetning til byens ondskapsfulle og basale verden rundt. Allerede i den ridderlige romanen ble elementer av den pikareske romanen dannet; det første fullførte eksemplet på denne sjangeren dukket opp på midten av 1500-tallet. Anonym roman Livet til Lazarillo av Tormez var en roman i noveller, der alle plottråder er løst, tvert imot, i sammenligning med moral. Realisme, til og med naturalisme av bildet, skarp satire avgjorde suksessen til romanen.

Den kreative arven etter Miguel de Cervantes Saavedra (1547–1616) regnes for å være toppen av spansk renessanselitteratur. Forfatterens vanskelige skjebne, hans enorme erfaring (inkludert gjeldsfengsel og algerisk fangenskap) gjenspeiles i arbeidet hans. Cervantes forble trofast mot renessansens idealer, noe som tydelig var tydelig i hans tidlige verk. Den første av disse var en pastoral roman Galatea, der heltene ble utstyrt med adel og moralsk styrke. Dens karakterer Oppbyggende noveller utstyrt med de samme egenskapene under alle tester. Tragedien hans er dekket av heroisk og patriotisk patos. Numancia. Forfatterens humanistiske verdensbilde ble mest fullstendig nedfelt i hans berømte roman Don Quijote fra La Mancha. Historien om en fattig ridder som leste ridderromaner og gikk på vandring var ment som en hån mot utdaterte idealer. De første leserne oppfattet romanen slik. Men romanen inneholder også høy humanitet, ekte humanisme: Ridderen av det triste bildet forble tro mot humanistiske idealer og ble et symbol på menneskeheten i en verden av grusomhet og bedrag.

Den edle ridderligheten som den store helten til Cervantes tilbad innebar i sin essens hovedideen om humanisme - ekte og uselvisk tjeneste for menneskehetens og rettferdighetens felles beste, en person er forpliktet til å "forsvare de vanskeligstilte og undertrykte av de mektige denne verden." Helten skynder seg bokstavelig talt inn i kamp for å forsvare høye idealer og tror på dydens triumf. I hovedsak maler Cervantes bildet av en ideell renessansemann, men gir ham galskap. Don Quijotes galskap understreker bare absurditeten i et kynisk og pragmatisk samfunn. Egenhet Don Quixote Som en roman bestod den av polysemi, muligheten for ulike oppfatninger og tolkninger av karakterer og situasjoner, den er full av motsetninger. Og hver påfølgende epoke oppfattet det fra et annet perspektiv.

Poesien fra den spanske renessansen reflekterte ønsket om raffinement og la vekt på opphøyelse, samtidig som den kunne inneholde den mest subtile analysen av menneskelige erfaringer, en beskrivelse av naturens skjønnhet og forherligelse av Guds kjærlighet.

Spansk renessansedramaturgi var assosiert med prosessen med sekularisering av teatret. Begynnelsen på det spanske teaterets storhetstid faller sammen med renessansen, og denne storhetstiden skyldtes i stor grad arbeidet til Lope de Vega Carpio (1562–1635). Lope de Vega kom fra et urbant miljø og levde et liv fullt av eventyr og skapte faktisk et nytt spansk teater. Lope satte sannsynligvis rekord for størrelsen på hans kunstneriske arv: mer enn 2000 skuespill ble tilskrevet ham, hvorav 468 har overlevd, inkludert 426 komedier. Det var han som bestemte karakteren til spansk drama, og kombinerte elementer av det komiske og tragiske i skuespillene hans. Lope forlot prinsippet om enhet av sted og tid, og opprettholdt handlingens enhet. Lope de Vega, som Cervantes, beholder troen på triumfen til det humanistiske idealet om et perfekt og fritt individ. Bare høye personlige egenskaper og talenter til en person har verdi. Resten er uviktig for en humanist, inkludert klassetilhørighet. Denne linjen følges i hans beste komedier av "kappe og sverd"-sjangeren ( Hund i krybben, Danselærer, Jente med en kanne). I sine andre komedier avslører dramatikeren kraften i menneskelige følelser som overvinner alle hindringer.

I en rekke skuespill stiller dramatikeren alvorlige moralske og til og med politiske problemer ( Stjernen i Sevilla, Dumt for andre, smart for deg selv, Straff uten hevn), intensiverer de ofte det tragiske prinsippet, og foregriper på mange måter utviklingen av barokkens teater.

Stykket inntar en spesiell plass i hans arbeid Sauefjær, der Lope de Vega brakte bøndene opp på scenen, skildret et bondeopprør mot føydalherren og viste bøndene som moralsk utholdende, modige, heroiske, overlegne i sin styrke ikke bare overfor sine herrer, men også overfor kongen og dronningen. Takket være deres strålende plot og språklige fordeler, og dybden i tolkningen av karakterene, gikk skuespillene hans inn i det gylne fondet til europeisk litteratur.

Renessansens litteratur uttrykte fullt ut alle trekk ved denne kulturen, dens sekulære karakter, ambisjon om mennesket og dets følelser, interesse for den jordiske verden. Arbeidene hennes (sammen med renessansens kunst) får spesiell betydning, og når "statusen til den høyeste kunstneriske perfeksjon" (M. Andreev). Renessansens litteratur ble helt klassisk, uttrykte renessansens kulturelle verdier, skapte nye sjangre og bestemte veien for dens videre utvikling.

Irina Elfond

Litteratur:

Empson W. Essays om renessanselitteratur. Cambridge, 1995
Utenlandsk litteratur fra renessansen, barokken, klassisismen. M., 1998
Lewis C.S. Studier i middelalder- og renessanselitteratur. Cambridge, 1998
Shaitanov I.O. Historie om utenlandsk litteratur, bind 1. M., 2001. bind 2, 2002

Innholdet i artikkelen

RENESSANSE, en periode i kulturhistorien til Vest- og Sentral-Europa på 1300- og 1500-tallet, hvis hovedinnhold var dannelsen av et nytt, «jordisk», iboende sekulært bilde av verden, radikalt forskjellig fra middelalderen. Det nye verdensbildet kom til uttrykk i humanismen, tidens ledende ideologiske bevegelse, og naturfilosofien, manifesterte seg i kunst og vitenskap, som gjennomgikk revolusjonerende endringer. Byggematerialet for den opprinnelige bygningen av den nye kulturen var antikken, som ble vendt til gjennom middelalderens hode og som så å si ble "gjenfødt" til et nytt liv - derav navnet på epoken - "Renessansen ”, eller “Renaissance” (på fransk måte), gitt til den senere. Født i Italia, den nye kulturen på slutten av 1400-tallet. går gjennom Alpene, hvor kulturen fra den nordlige renessansen blir født som et resultat av syntesen av italienske og lokale nasjonale tradisjoner. Under renessansen eksisterte den nye renessansekulturen med kulturen fra senmiddelalderen, som var spesielt typisk for land som ligger nord for Italia.

Kunst.

Med teosentrismen og askesen til middelalderens verdensbilde, tjente kunsten i middelalderen først og fremst religion, og formidlet verden og mennesket i deres forhold til Gud, i konvensjonelle former, og var konsentrert i tempelrommet. Verken den synlige verden eller mennesket kunne være verdifulle kunstobjekter i seg selv. På 1200-tallet Nye trender observeres i middelalderkulturen (den muntre læren til St. Frans, arbeidet til Dante, forløperne til humanismen). I andre halvdel av 1200-tallet. markerer begynnelsen på en overgangstid i utviklingen av italiensk kunst - Proto-renessansen (varte til begynnelsen av 1400-tallet), som beredte veien for renessansen. Arbeidet til noen kunstnere fra denne tiden (G. Fabriano, Cimabue, S. Martini, etc.), ganske middelaldersk i ikonografi, er gjennomsyret av en mer munter og sekulær begynnelse, figurene får relativt volum. I skulpturen overvinnes den gotiske eteriteten til figurene, den gotiske emosjonaliteten reduseres (N. Pisano). For første gang kom et tydelig brudd med middelalderens tradisjoner på slutten av 1200- - første tredjedel av 1300-tallet. i freskene til Giotto di Bondone, som introduserte en følelse av tredimensjonalt rom i maleriet, malte mer voluminøse figurer, ga mer oppmerksomhet til omgivelsene og, viktigst av alt, viste en spesiell realisme, fremmed for den opphøyde gotikken, i å skildre menneskelig opplevelser.

På jorda som ble dyrket av proto-renessansens mestere, oppsto den italienske renessansen, som gikk gjennom flere faser i sin utvikling (tidlig, høy, sen). Assosiert med et nytt, i hovedsak sekulært verdensbilde uttrykt av humanister, mister det sin uløselige forbindelse med religion; maleri og statue spredt utover tempelet. Ved hjelp av maleri mestret kunstneren verden og mennesket slik de så ut for øyet, ved å bruke en ny kunstnerisk metode (overføring av tredimensjonalt rom ved hjelp av perspektiv (lineær, luft, farge), skapte en illusjon av plastisk volum, opprettholde proporsjonalitet av tall). Interessen for personlighet og dens individuelle egenskaper ble kombinert med idealiseringen av en person, søket etter "perfekt skjønnhet." Fagene i hellig historie forlot ikke kunsten, men fra nå av var skildringen deres uløselig knyttet til oppgaven med å mestre verden og legemliggjøre det jordiske idealet (derav likhetene mellom Bacchus og døperen Johannes av Leonardo, Venus og Guds mor av Botticelli). Renessansearkitektur mister sin gotiske ambisjon til himmelen og får "klassisk" balanse og proporsjonalitet, proporsjonalitet til menneskekroppen. Det gamle ordenssystemet gjenopplives, men ordenens elementer var ikke deler av strukturen, men utsmykning som prydet både tradisjonelle (tempel, myndighetspalass) og nye typer bygninger (bypalass, landvilla).

Grunnleggeren av den tidlige renessansen regnes for å være den florentinske maleren Masaccio, som plukket opp tradisjonen til Giotto, oppnådde en nesten skulpturell håndgripbarhet av figurer, brukte prinsippene for lineært perspektiv og beveget seg bort fra konvensjonene for å skildre situasjonen. Videreutvikling av maleriet på 1400-tallet. gikk på skoler i Firenze, Umbria, Padua, Venezia (F. Lippi, D. Veneziano, P. della Francesco, A. Palaiolo, A. Mantegna, C. Crivelli, S. Botticelli og mange andre). På 1400-tallet Renessanseskulptur er født og utvikler seg (L. Ghiberti, Donatello, J. della Quercia, L. della Robbia, Verrocchio og andre, Donatello var den første som skapte en selvstående rund statue som ikke er relatert til arkitektur, den første som avbildet en naken statue kropp med et uttrykk for sensualitet) og arkitektur (F. Brunelleschi, L.B. Alberti, etc.). Mestere på 1400-tallet (først og fremst L.B. Alberti, P. della Francesco) skapte teorien om kunst og arkitektur.

Den nordlige renessansen ble forberedt av fremveksten i 1420-1430-årene, på grunnlag av sengotisk (ikke uten indirekte innflytelse fra den giottiske tradisjonen), av en ny malerstil, den såkalte "ars nova" - "ny" kunst» (E. Panofskys begrep). Dens åndelige grunnlag, ifølge forskere, var først og fremst den såkalte "nye fromheten" til de nordlige mystikerne på 1400-tallet, som forutsatte spesifikk individualisme og panteistisk aksept av verden. Opprinnelsen til den nye stilen var de nederlandske malerne Jan van Eyck, som også forbedret oljemaling, og Mesteren fra Flemalle, etterfulgt av G. van der Goes, R. van der Weyden, D. Bouts, G. tot Sint Jans, I. Bosch og andre (midten - andre halvdel av 1400-tallet). Nytt nederlandsk maleri fikk bred respons i Europa: allerede i 1430–1450-årene dukket de første eksemplene på nytt maleri opp i Tyskland (L. Moser, G. Mulcher, spesielt K. Witz), i Frankrike (Bebudelsens mester fra Aix). og selvfølgelig J .Fouquet). Den nye stilen var preget av en spesiell realisme: overføring av tredimensjonalt rom gjennom perspektiv (selv om som regel omtrentlig), ønsket om volum. Den "nye kunsten", dypt religiøs, var interessert i individuelle opplevelser, karakteren til en person, og verdsatte først og fremst ydmykhet og fromhet i ham. Hans estetikk er fremmed for den italienske patosen til det perfekte i mennesket, lidenskapen for klassiske former (personenes ansikter er ikke perfekt proporsjonale, de er gotisk kantete). Naturen og hverdagen ble skildret med spesiell kjærlighet og detaljer, nøye malte ting hadde som regel en religiøs og symbolsk betydning.

Faktisk ble kunsten fra den nordlige renessansen født på begynnelsen av 1400- og 1500-tallet. som et resultat av samspillet mellom de nasjonale kunstneriske og åndelige tradisjonene i de transalpine landene med renessansekunsten og humanismen i Italia, med utviklingen av nordlig humanisme. Den første kunstneren av renessansetypen kan betraktes som den fremragende tyske mesteren A. Durer, som imidlertid ufrivillig beholdt gotisk spiritualitet. Et fullstendig brudd med det gotiske ble oppnådd av G. Holbein den yngre med sin "objektivitet" av malestil. Maleriet av M. Grunewald var tvert imot gjennomsyret av religiøs opphøyelse. Den tyske renessansen var et verk av en generasjon kunstnere og brøt ut på 1540-tallet. I Nederland i første tredjedel av 1500-tallet. Strømmer orientert mot Italias høyrenessanse og manerisme begynte å spre seg (J. Gossaert, J. Scorel, B. van Orley, etc.). Det mest interessante i nederlandsk maleri på 1500-tallet. - dette er utviklingen av sjangere av staffelimaleri, hverdag og landskap (K. Masseys, Patinir, Luke Leydensky). Den mest nasjonalt originale kunstneren på 1550–1560-tallet var P. Bruegel den eldre, som eide malerier av hverdagsliv og landskapssjangre, samt lignelsesmalerier, vanligvis forbundet med folklore og et bittert ironisk syn på livet til kunstneren selv. Renessansen i Nederland slutter på 1560-tallet. Den franske renessansen, som var helt høvisk i naturen (i Nederland og Tyskland var kunsten mer knyttet til borgerne), var kanskje den mest klassiske i den nordlige renessansen. Den nye renessansekunsten, som gradvis ble styrket under påvirkning av Italia, nådde modenhet i midten - andre halvdel av århundret i arbeidet til arkitektene P. Lesko, skaperen av Louvre, F. Delorme, skulptørene J. Goujon og J. Pilon, malere F. Clouet, J. Cousin Senior. «Fontainebleau-skolen», grunnlagt i Frankrike av de italienske kunstnerne Rosso og Primaticcio, som arbeidet i den manneristiske stilen, hadde stor innflytelse på de ovennevnte malerne og skulptørene, men de franske mesterne ble ikke manierister, etter å ha akseptert det klassiske. ideell skjult under manéristisk dekke. Renessansen i fransk kunst slutter på 1580-tallet. I andre halvdel av 1500-tallet. kunsten fra renessansen til Italia og andre europeiske land viker gradvis for mannerisme og tidlig barokk.

Vitenskapen.

Den viktigste betingelsen for omfanget og revolusjonære prestasjonene til renessansevitenskapen var et humanistisk verdensbilde, der aktiviteten med å utforske verden ble forstått som en del av menneskets jordiske skjebne. Til dette må vi legge gjenopplivingen av gammel vitenskap. Behovene for navigasjon, bruk av artilleri, opprettelse av hydrauliske konstruksjoner osv. spilte en betydelig rolle i utviklingen. Formidling av vitenskapelig kunnskap og utveksling av den mellom forskere ville vært umulig uten oppfinnelsen av å trykke ca. 1445.

De første prestasjonene innen matematikk og astronomi går tilbake til midten av 1400-tallet. og er i stor grad assosiert med navnene til G. Peyerbach (Purbach) og I. Muller (Regiomontanus). Müller opprettet nye, mer avanserte astronomiske tabeller (erstatter de alfonsiske tabellene på 1200-tallet) - "Ephemerides" (utgitt i 1492), som ble brukt av Columbus, Vasco da Gama og andre navigatører på deres reiser. Et betydelig bidrag til utviklingen av algebra og geometri ble gitt av den italienske matematikeren fra århundreskiftet L. Pacioli. På 1500-tallet Italienerne N. Tartaglia og G. Cardano oppdaget nye måter å løse likninger av tredje og fjerde grad på.

Den viktigste vitenskapelige begivenheten på 1500-tallet. var den kopernikanske revolusjonen innen astronomi. Den polske astronomen Nicolaus Copernicus i sin avhandling Om revolusjonen av himmelsfærene(1543) avviste det dominerende geosentriske ptolemaisk-aristoteliske bildet av verden og postulerte ikke bare rotasjonen av himmellegemer rundt solen, og jorden rundt sin akse, men viste også for første gang i detalj (geosentrisme som en gjetning ble født i antikkens Hellas) hvordan det, basert på et slikt system, er mulig å forklare - mye bedre enn før - alle dataene fra astronomiske observasjoner. På 1500-tallet det nye verdenssystemet, generelt, mottok ikke støtte i det vitenskapelige samfunnet. Bare Galileo ga overbevisende bevis på sannheten i Copernicus 'teori.

Basert på erfaring uttrykte noen vitenskapsmenn fra 1500-tallet (blant dem Leonardo, B. Varchi) tvil om lovene i den aristoteliske mekanikken, som regjerte frem til den tiden, men tilbød ikke sin egen løsning på problemene (senere ville Galileo gjøre dette). . Praksisen med å bruke artilleri bidro til formuleringen og løsningen av nye vitenskapelige problemer: Tartaglia i hans avhandling Ny vitenskap vurderte spørsmål om ballistikk. Teorien om spaker og vekter ble studert av Cardano. Leonardo da Vinci ble grunnleggeren av hydraulikk. Hans teoretiske forskning var relatert til hans konstruksjon av hydrauliske strukturer, landgjenvinningsarbeid, bygging av kanaler og forbedring av sluser. Den engelske legen W. Gilbert startet studiet av elektromagnetiske fenomener ved å publisere et essay Om magneten(1600), hvor han beskrev dens egenskaper.

En kritisk holdning til autoriteter og avhengighet av erfaring kom tydelig til uttrykk i medisin og anatomi. flamske A. Vesalius i sitt berømte verk Om menneskekroppens struktur(1543) beskrev menneskekroppen i detalj, og stolte på hans tallrike observasjoner når han dissekere lik, kritiserte Galen og andre autoriteter. På begynnelsen av 1500-tallet. Sammen med alkymi dukket iatrokjemi opp - medisinsk kjemi, som utviklet nye medisinske medisiner. En av grunnleggerne var F. von Hohenheim (Paracelsus). Ved å avvise prestasjonene til sine forgjengere, gikk han faktisk ikke langt fra dem i teorien, men som utøver introduserte han en rekke nye medikamenter.

På 1500-tallet Mineralogi, botanikk og zoologi utviklet seg (Georg Bauer Agricola, K. Gesner, Cesalpino, Rondelet, Belona), som i renessansen var på stadiet med å samle fakta. En viktig rolle i utviklingen av disse vitenskapene ble spilt av rapporter fra forskere fra nye land, som inneholder beskrivelser av flora og fauna.

På 1400-tallet Kartografi og geografi utviklet seg aktivt, Ptolemaios feil ble korrigert, basert på middelalderske og moderne data. I 1490 skaper M. Beheim den første jordkloden. På slutten av 1400-tallet - begynnelsen av 1500-tallet. Europeernes søken etter sjøveien mellom India og Kina, fremskritt innen kartografi og geografi, astronomi og skipsbygging kulminerte i oppdagelsen av kysten av Mellom-Amerika av Columbus, som trodde at han hadde nådd India (kontinentet kalt Amerika dukket først opp på Waldseemüllers kart i 1507). I 1498 nådde portugiseren Vasco da Gama India, og omseilte Afrika. Ideen om å nå India og Kina via den vestlige ruten ble realisert av den spanske ekspedisjonen Magellan - El Cano (1519–1522), som omseilet Sør-Amerika og tok den første turen rundt om i verden (jordens sfærisitet ble bevist i praksis!). På 1500-tallet Europeere var sikre på at «verden i dag er fullstendig åpen og hele menneskeslekten er kjent». Store funn forvandlet geografien og stimulerte utviklingen av kartografi.

Vitenskapen om renessansen hadde liten innvirkning på produktivkreftene som utviklet seg langs veien for gradvis forbedring av tradisjonen. Samtidig fungerte suksessene til astronomi, geografi og kartografi som den viktigste forutsetningen for de store geografiske oppdagelsene, som førte til grunnleggende endringer i verdenshandelen, kolonial ekspansjon og en prisrevolusjon i Europa. Vitenskapens prestasjoner under renessansen ble en nødvendig betingelse for tilblivelsen av klassisk vitenskap i moderne tid.

Dmitry Samotovinsky

Renessansen førte til dyptgripende endringer på alle områder av kulturen - filosofi, vitenskap og kunst. En av dem er. som blir mer og mer uavhengig av religion, slutter å være «teologiens tjenerinne», selv om det fortsatt er langt fra fullstendig uavhengighet. Som på andre kulturområder, gjenopplives læren til eldgamle tenkere, først og fremst Platon og Aristoteles, i filosofien. Marsilio Ficino grunnla det platonske akademiet i Firenze og oversatte verkene til den store grekeren til latin. Aristoteles ideer kom tilbake til Europa enda tidligere, før renessansen. Under renessansen, ifølge Luther, var det han, ikke Kristus, som «regjerte ved de europeiske universitetene».

Sammen med eldgamle læresetninger naturfilosofi, eller naturfilosofi. Det forkynnes av slike filosofer som B. Telesio, T. Campanella, D. Bruno. Arbeidene deres utvikler ideer om at filosofi ikke skal studere en overnaturlig Gud, men naturen selv, at naturen adlyder sine egne indre lover, at grunnlaget for kunnskap er erfaring og observasjon, og ikke guddommelig åpenbaring, at mennesket er en del av naturen.

Spredningen av naturfilosofiske synspunkter ble tilrettelagt av vitenskapelig funn. Den viktigste var heliosentrisk teori N. Copernicus, som gjorde en reell revolusjon i ideer om verden.

Det skal imidlertid bemerkes at datidens vitenskapelige og filosofiske syn fortsatt er merkbart påvirket av religion og teologi. Denne typen syn tar ofte formen panteisme, der Guds eksistens ikke fornektes, men Han oppløses i naturen og identifiseres med den. Til dette må vi også legge innflytelsen fra de såkalte okkulte vitenskapene - astrologi, alkymi, mystikk, magi, etc. Alt dette finner sted selv med en slik filosof som D. Bruno.

De viktigste endringene renessansen medførte var kunstnerisk kultur, kunst. Det var i dette området bruddet med middelalderen viste seg å være mest dyptgripende og radikalt.

I middelalderen var kunst i stor grad av en anvendt karakter, den var vevd inn i selve livet og skulle dekorere det. Under renessansen fikk kunst for første gang egenverdi; det ble et selvstendig område for skjønnhet. Samtidig dannes det for første gang en rent kunstnerisk, estetisk følelse hos den oppfattende betrakteren, en kjærlighet til kunsten for sin egen skyld, og ikke for formålet den tjener, våkner for første gang.

Aldri før har kunsten hatt så høy ære og respekt. Selv i antikkens Hellas var arbeidet til en kunstner merkbart underordnet i sin sosiale betydning i forhold til arbeidet til en politiker og en borger. Kunstneren inntok en enda mer beskjeden plass i det gamle Roma.

Nå kunstnerens plass og rolle i samfunnet øker umåtelig. For første gang blir han sett på som en uavhengig og respektert fagperson, vitenskapsmann og tenker, et unikt individ. Under renessansen ble kunst oppfattet som et av de mektigste kunnskapsmidlene og ble som sådan sidestilt med vitenskap. Leonardo da Vinci ser på vitenskap og kunst som to helt like måter å studere naturen på. Han skriver: "Maleri er en vitenskap og naturens legitime datter."

Kunst som kreativitet er enda høyere verdsatt. Når det gjelder hans kreative evner, er renessansekunstneren likestilt med Gud Skaperen. Derfor er det klart hvorfor Raphael fikk tillegget "Divine" til navnet sitt. Av samme grunner ble Dantes "Komedie" også kalt "Divine".

Det skjer dype endringer i kunsten selv. Det gjør en avgjørende vending fra middelaldersymbolet og tegnet til et realistisk bilde og et pålitelig bilde. De kunstneriske uttrykksmidlene blir nye. De er nå basert på lineært og luftperspektiv, tredimensjonalitet av volum og læren om proporsjoner. Kunsten streber i alt etter å være tro mot virkeligheten, å oppnå objektivitet, autentisitet og vitalitet.

Renessansen var først og fremst italiensk. Derfor er det ikke overraskende at det var i Italia kunsten nådde sin høyeste vekst og blomstret i denne perioden. Det er her det er dusinvis av navn på titaner, genier, store og rett og slett talentfulle artister. Det er også flotte navn i andre land, men Italia er utenfor konkurranse.

Den italienske renessansen har vanligvis flere stadier:

• Proto-renessanse: andre halvdel av 1200-tallet. - XIV århundre
• Tidlig renessanse: nesten hele 1400-tallet.
• Høyrenessanse: slutten av 1400-tallet. - første tredjedel av 1500-tallet.
• Sen renessanse: siste to tredjedeler av 1500-tallet.

Proto-renessansens hovedfigurer er poeten Dante Alighieri (1265-1321) og maleren Giotto (1266/67-1337).

Skjebnen ga Dante mange prøvelser. Han ble forfulgt for å ha deltatt i den politiske kampen, han vandret og døde i et fremmed land, i Ravenna. Hans bidrag til kultur går utover poesi. Han skrev ikke bare kjærlighetstekster, men også filosofiske og politiske avhandlinger. Dante er skaperen av det italienske litterære språket. Noen ganger kalles han middelalderens siste poet og moderne tids første poet. Disse to prinsippene – gamle og nye – er faktisk tett sammenvevd i hans arbeid.

Dantes første verk - "Nytt liv" og "Feast" - er lyriske dikt med kjærlighetsinnhold, dedikert til hans elskede Beatrice, som han møtte en gang i Firenze og som døde syv år etter møtet deres. Poeten beholdt sin kjærlighet resten av livet. Når det gjelder sjangeren, er Dantes tekster i tråd med middelalderens høviske poesi, der gjenstanden for sang er bildet av "Beautiful Lady." Følelsene uttrykt av dikteren tilhører imidlertid allerede renessansen. De er forårsaket av ekte møter og hendelser, fylt med oppriktig varme og preget av en unik personlighet.

Toppen av Dantes kreativitet var "Den guddommelige komedie", som har inntatt en spesiell plass i verdenskulturhistorien. I sin konstruksjon er også dette diktet i tråd med middelalderens tradisjoner. Den forteller om eventyrene til en mann som befinner seg i etterlivet. Diktet har tre deler - Hell, Purgatory og Heaven, som hver har 33 sanger skrevet i tre-linjers strofer.

Det gjentatte tallet "tre" gjenspeiler direkte den kristne treenighetslæren. I løpet av historien følger Dante strengt mange av kravene til kristendommen. Spesielt lar han ikke sin følgesvenn gjennom helvetes og skjærsildens ni sirkler – den romerske poeten Vergil – komme inn i himmelen, fordi en hedning er fratatt en slik rett. Her blir poeten ledsaget av sin avdøde elskede Beatrice.

Men i hans tanker og vurderinger, i hans holdning til karakterene som er avbildet og deres synder. Dante avviker ofte og veldig betydelig fra kristendomslæren. Så. i stedet for den kristne fordømmelsen av sensuell kjærlighet som synd, taler han om "kjærlighetens lov", ifølge hvilken sanselig kjærlighet er inkludert i livets natur. Dante behandler kjærligheten til Francesca og Paolo med forståelse og sympati. selv om kjærligheten deres er forbundet med Francescas svik mot ektemannen. The Spirit of the Renaissance triumferer i Dante også i andre tilfeller.

Blant de fremragende italienske poetene er også Francesco Petrarca. I verdenskulturen er han først og fremst kjent for sitt sonetter. Samtidig var han en vidtfavnende tenker, filosof og historiker. Han regnes med rette som grunnleggeren av hele renessansekulturen.

Petrarcas verk er også delvis innenfor rammen av middelalderens høviske lyrikk. I likhet med Dante hadde han en elsker som het Laura, som han dedikerte sin «Sangbok». Samtidig bryter Petrarch mer avgjørende båndene til middelalderkulturen. I verkene hans fremstår følelsene som uttrykkes - kjærlighet, smerte, fortvilelse, lengsel - mye mer akutte og nakne. Det personlige elementet er sterkere i dem.

En annen fremtredende representant for litteraturen var Giovanni Boccaccio(1313-1375). forfatter av den verdensberømte Decameron." Boccaccio låner prinsippet om å konstruere sin novellesamling og handlingsoversikten fra middelalderen. Alt annet er gjennomsyret av renessansens ånd.

Hovedpersonene i novellene er vanlige og vanlige mennesker. De er skrevet i et overraskende lyst, livlig, dagligdags språk. Det er ingen kjedelig moralisering i dem, tvert imot, mange noveller bokstavelig talt glitrer av kjærlighet til livet og moro. Handlingene til noen av dem er av kjærlighet og erotisk karakter. I tillegg til Decameron skrev Boccaccio også historien Fiametta, som regnes som den første psykologiske romanen i vestlig litteratur.

Giotto di Bondone er den mest fremtredende representanten for den italienske proto-renessansen innen kunst. Hans hovedsjanger var freskomaleri. Alle er skrevet om bibelske og mytologiske emner, og skildrer scener fra livet til den hellige familie, evangelister og helgener. Tolkningen av disse plottene er imidlertid klart dominert av renessanseprinsippet. I sitt arbeid forlater Giotto middelalderkonvensjoner og vender seg til realisme og verisimilitude. Det er han som får æren av å gjenopplive maleriet som en kunstnerisk verdi i seg selv.

Arbeidene hans skildrer naturlandskapet ganske realistisk, der trær, steiner og templer er tydelig synlige. Alle deltakende karakterer, inkludert helgenene selv, fremstår som levende mennesker, utstyrt med fysisk kjøtt, menneskelige følelser og lidenskaper. Klærne deres skisserer kroppens naturlige former. Giottos verk er preget av lyse farger og maleriskhet, subtil plastisitet.

Giottos hovedskapning er maleriet av Chapel del Arena i Padua, som forteller om hendelser fra den hellige families liv. Den mest imponerende er veggsyklusen, som inkluderer scener av «Flukten til Egypt», «Judas kyss» og «Kristi klagesang».

Alle karakterene som er avbildet i maleriene ser naturlige og pålitelige ut. Plasseringen av deres kropper, gester, følelsesmessig tilstand, blikk, ansikter - alt dette vises med sjelden psykologisk overtalelsesevne. Samtidig tilsvarer alles oppførsel strengt tatt deres tildelte rolle. Hver scene har en unik atmosfære.

I scenen «Flytt inn i Egypt» hersker således en behersket og generelt rolig følelsesmessig tone. «The Kiss of Judas» er fylt med stormfull dynamikk, skarpe og avgjørende handlinger fra karakterer som bokstavelig talt sloss med hverandre. Og bare de to hoveddeltakerne – Judas og Kristus – frøs uten å bevege seg og kjemper med øynene.

Scenen "Mourning of Christ" er preget av spesiell dramatikk. Hun er fylt av tragisk fortvilelse, uutholdelig smerte og lidelse, utrøstelig sorg og sorg.

Den tidlige renessansen etablerte seg endelig nye estetiske og kunstneriske prinsipper for kunst. Samtidig er bibelhistorier fortsatt svært populære. Imidlertid blir tolkningen deres en helt annen, det er lite igjen av middelalderen i den.

Hjemland Tidlig renessanse Firenze ble, og arkitekten regnes som "renessansens fedre" Philippe Brunelleschi(1377-1446), billedhugger Donatello(1386-1466). maler Masaccio (1401 -1428).

Brunelleschi ga et enormt bidrag til utviklingen av arkitektur. Han la grunnlaget for renessansearkitekturen og oppdaget nye former som varte i århundrer. Han gjorde mye for å utvikle perspektivets lover.

Brunelleschis mest betydningsfulle arbeid var oppføringen av en kuppel over den allerede fullførte strukturen til katedralen Santa Maria del Fiore i Firenze. Han sto overfor en ekstremt vanskelig oppgave, siden den nødvendige kuppelen måtte være enorm i størrelse - omtrent 50 m i diameter. Ved hjelp av et originalt design overvinner han på en briljant måte en vanskelig situasjon. Takket være løsningen som ble funnet, viste det seg ikke bare at selve kuppelen var overraskende lett og som om den svevde over byen, men hele katedralbygningen fikk harmoni og majestet.

Ikke mindre vakkert verk av Brunelleschi var det berømte Pazzi-kapellet, reist på gårdsplassen til kirken Santa Croce i Firenze. Det er en liten, rektangulær bygning, dekket i midten med en kuppel. Innsiden er foret med hvit marmor. Som andre Brunelleschi-bygninger, utmerker kapellet seg ved sin enkelhet og klarhet, eleganse og ynde.

Brunelleschis arbeid er bemerkelsesverdig ved at han går utover religiøse bygninger og skaper praktfulle bygninger med sekulær arkitektur. Et utmerket eksempel på slik arkitektur er det pedagogiske lyhuset, bygget i form av bokstaven "P", med en overbygd galleri-loggia.

Den florentinske skulptøren Donatello er en av de mest fremtredende skaperne av den tidlige renessansen. Han jobbet i en rekke sjangre, og viste ekte innovasjon overalt. I sitt arbeid bruker Donatello den eldgamle arven, og stoler på en dyp studie av naturen, og dristig oppdaterer virkemidlene for kunstnerisk uttrykk.

Han deltar i utviklingen av teorien om lineært perspektiv, gjenoppliver det skulpturelle portrettet og bildet av den nakne kroppen, og støper det første bronsemonumentet. Bildene han skapte er legemliggjørelsen av det humanistiske idealet om en harmonisk utviklet personlighet. Med sitt arbeid hadde Donatello stor innflytelse på den etterfølgende utviklingen av europeisk skulptur.

Donatellos ønske om å idealisere den portretterte kommer tydelig til uttrykk i statue av unge David. I dette verket fremstår David som en ung, vakker ung mann full av mental og fysisk styrke. Skjønnheten i hans nakne kropp understrekes av hans grasiøst buede overkropp. Det unge ansiktet uttrykker omtenksomhet og tristhet. Denne statuen ble fulgt av en hel serie nakenfigurer i renessanseskulptur.

Det heroiske prinsippet klinger sterkt og tydelig inn statuen av St. George, som ble en av toppene i Donatellos kreativitet. Her lyktes han fullt ut med å legemliggjøre ideen om en sterk personlighet. Foran oss er en høy, slank, modig, rolig og selvsikker kriger. I dette arbeidet utvikler mesteren kreativt de beste tradisjonene for gammel skulptur.

Donatellos klassiske verk er bronsestatuen av kommandanten Gattamelatta, det første ryttermonumentet i renessansekunsten. Her når den store billedhuggeren det ultimate nivået av kunstnerisk og filosofisk generalisering, som bringer dette verket nærmere antikken.

Samtidig skapte Donatello et portrett av en spesifikk og unik personlighet. Kommandanten fremstår som en ekte renessansehelt, en modig, rolig, selvsikker person. Statuen utmerker seg med lakoniske former, klar og presis plastisitet og naturligheten til rytterens og hestens positur. Takket være dette har monumentet blitt et ekte mesterverk av monumental skulptur.

I den siste perioden av sin kreativitet, skaper Donatello bronsegruppen "Judith og Holofernes". Dette verket er fylt med dynamikk og drama: Judith er avbildet i det øyeblikket hun hever sverdet over den allerede sårede Holofernes. for å gjøre ham ferdig.

Masaccio regnes med rette som en av hovedfigurene i den tidlige renessansen. Han fortsetter og utvikler trendene som kommer fra Giotto. Masaccio levde bare 27 år og klarte å gjøre lite. Imidlertid ble freskene han skapte en ekte malerskole for påfølgende italienske kunstnere. I følge Vasari, en samtid fra høyrenessansen og en autoritativ kritiker, "kom ingen mester så nær de moderne mesterne som Masaccio."

Masaccios hovedskapning er freskene i Brancacci-kapellet i Santa Maria del Carmine-kirken i Firenze, som forteller om episoder fra legendene om St. Peter, og viser også to bibelske scener - "Fallet" og "Utdrivelsen fra paradiset. ”

Selv om freskene forteller om mirakler utført av St. Peter, det er ikke noe overnaturlig eller mystisk i dem. De avbildede Kristus, Peter, apostlene og andre deltakere i begivenhetene ser ut til å være fullstendig jordiske mennesker. De er utstyrt med individuelle egenskaper og oppfører seg helt naturlig og menneskelig. Spesielt i "Baptism"-scenen vises en naken ung mann som skjelver av kulde overraskende pålitelig. Masaccio bygger komposisjonen sin ved hjelp av ikke bare lineært, men også luftperspektiv.

Av hele syklusen fortjener den spesiell omtale freske "Utdrivelse fra paradis". Det er et sant mesterverk av maleri. Fresken er ekstremt lakonisk, det er ikke noe overflødig i den. På bakgrunn av et vagt landskap er figurene til Adam og Eva som forlot paradisets porter tydelig synlige, over hvilke en engel med et sverd svever. All oppmerksomhet er rettet mot mamma og Eva.

Masaccio var den første i maleriets historie som var i stand til å male en naken kropp så overbevisende og autentisk, for å formidle dens naturlige proporsjoner, for å gi den stabilitet og bevegelse. Den interne tilstanden til karakterene er like overbevisende og tydelig uttrykt. Adam gikk bredt, senket hodet i skam og dekket ansiktet med hendene. Hulkende Eva kastet hodet bakover i fortvilelse med åpen munn. Denne fresken åpner en ny æra i kunsten.

Det Masaccio gjorde ble videreført av slike artister som Andrea Mantegna(1431 -1506) og Sandro Botticelli(1455-1510). Den første ble først og fremst berømt for sine malerier, blant hvilke en spesiell plass er okkupert av fresker som forteller om de siste episodene av livet til St. Jakob - prosesjonen til henrettelsen og selve henrettelsen. Botticelli foretrakk staffelimaleri. Hans mest kjente malerier er "Spring" og "The Birth of Venus".

Fra slutten av 1400-tallet, da italiensk kunst nådde sin høyeste vekst, Høyrenessanse. For Italia viste denne perioden seg å være ekstremt vanskelig. Fragmentert og derfor forsvarsløst ble den bokstavelig talt ødelagt, plyndret og blødd hvit av invasjoner fra Frankrike, Spania, Tyskland og Tyrkia. Imidlertid opplevde kunst i denne perioden, merkelig nok, en enestående oppblomstring. Det var på denne tiden titaner som Leonardo da Vinci skapte. Raphael. Michelangelo, Titian.

I arkitektur er begynnelsen av høyrenessansen forbundet med kreativitet Donato Bramante(1444-1514). Det var han som skapte stilen som bestemte utviklingen av arkitekturen i denne perioden.

Et av de tidlige verkene hans var kirken i klosteret Santa Maria della Grazie i Milano, hvor Leonardo da Vinci ville male sin berømte freskomaleri "The Last Supper". Hans berømmelse begynner med et lite kapell kalt Tempetto(1502), bygget i Roma og som ble et slags «manifest» fra høyrenessansen. Kapellet har form av en rotunde; det utmerker seg ved enkelhet av arkitektoniske midler, harmoni av deler og sjelden uttrykksevne. Dette er et skikkelig lite mesterverk.

Høydepunktet i Bramantes arbeid er rekonstruksjonen av Vatikanet og transformasjonen av bygningene til et enkelt ensemble. Han utviklet også utformingen av katedralen St. Peter, som Michelangelo vil gjøre endringer og begynne å implementere.

Se også: Michelangelo Buonarroti

I kunsten til den italienske renessansen inntar en spesiell plass Venezia. Skolen som utviklet seg her var vesentlig forskjellig fra skolene i Firenze, Roma, Milano eller Bologna. Sistnevnte graviterte mot stabile tradisjoner og kontinuitet; de var ikke tilbøyelige til radikal fornyelse. Det var på disse skolene 1600-tallets klassisisme støttet seg. og nyklassisisme fra påfølgende århundrer.

Den venetianske skolen fungerte som en slags motvekt og motvekt til dem. Ånden av innovasjon og radikal, revolusjonær fornyelse hersket her. Av representantene for andre italienske skoler var Leonardo nærmest Venezia. Kanskje det var her hans lidenskap for søk og eksperimenter kunne finne behørig forståelse og anerkjennelse. I den berømte tvisten mellom "gamle og nye" artister, stolte sistnevnte på eksemplet fra Venezia. Det var her trendene som førte til barokk og romantikk oppsto. Og selv om romantikerne aktet Raphael, var deres virkelige guder Titian og Veronese. I Venezia mottok El Greco sin kreative ladning, som tillot ham å riste opp spansk maleri. Velázquez gikk gjennom Venezia. Det samme kan sies om de flamske kunstnerne Rubens og Van Dyck.

Som havneby befant Venezia seg i krysset mellom økonomiske og handelsruter. Det ble påvirket av Nord-Tyskland, Byzantium og Østen. Venezia har blitt et pilegrimsmål for mange kunstnere. A. Durer var her to ganger - på slutten av 1400-tallet. og begynnelsen av 1500-tallet. Goethe besøkte henne (1790). Wagner lyttet til gondoliers sang her (1857), under inspirasjon som han skrev andre akt av Tristan og Isolde. Nietzsche lyttet også til gondoliers sang, og kalte det sjelens sang.

Nærheten til havet fremkalte flytende og bevegelige former i stedet for klare geometriske strukturer. Venezia graviterte ikke så mye til resonnement med sine strenge regler, men til følelser som den fantastiske poesien til venetiansk kunst ble født fra. Fokuset for denne poesien var naturen - dens synlige og håndgripelige materialitet, kvinnen - den spennende skjønnheten i kjøttet hennes, musikk - født fra farge- og lysspillet og fra de fortryllende lydene av åndelig natur.

Kunstnerne ved den venetianske skolen foretrakk ikke form og design, men farger, lys og skyggespill. De skildrer naturen og forsøkte å formidle dens impulser og bevegelse, variasjon og flyt. De så skjønnheten i kvinnekroppen ikke så mye i harmonien mellom former og proporsjoner, men i det levende og følelsesmessige kjøttet selv.

Realistisk plausibilitet og autentisitet var ikke nok for dem. De forsøkte å avsløre rikdommen som ligger i selve maleriet. Det er Venezia at fortjenesten ved å oppdage det rene billedprinsippet, eller maleriskheten i sin rene form, tilhører. Venetianske kunstnere var de første som viste muligheten for å skille det pittoreske fra objekter og form, muligheten for å løse problemene med å male ved hjelp av én farge, rene billedlige virkemidler, muligheten for å betrakte det pittoreske som et mål i seg selv. Alt etterfølgende maleri, basert på uttrykk og ekspressivitet, vil følge denne veien. Ifølge noen eksperter kan man fra Titian gå videre til Rubens og Rembrandt, deretter til Delacroix, og fra ham til Gauguin, Van Gogh, Cezanne, etc.

Grunnleggeren av den venetianske skolen er Giorgione(1476-1510). I sitt arbeid fungerte han som en sann innovatør. Det sekulære prinsippet vinner til slutt over ham, og i stedet for bibelske emner foretrekker han å skrive om mytologiske og litterære temaer. I hans arbeid etableres et staffeli-maleri, som ikke lenger minner om et ikon eller et alterbilde.

Giorgione åpner en ny æra innen maleri, og er den første som maler fra livet. Han skildrer naturen og flytter for første gang vekten til mobilitet, variasjon og flyt. Et utmerket eksempel på dette er maleriet hans "Tordenvær". Det var Giorgione som begynte å lete etter malerhemmeligheten i lys og dets overganger, i lys- og skyggespillet, og fungerte som en forgjenger for Caravaggio og Caravaggism.

Giorgione skapte verk av forskjellige sjangre og temaer - "Rural Concert" og "Judith". Hans mest kjente verk var "Sovende Venus"" Dette bildet er blottet for noe plot. Hun glorifiserer skjønnheten og sjarmen til den nakne kvinnekroppen, og representerer "nakenhet for sin egen skyld."

Lederen for den venetianske skolen er Titian(ca. 1489-1576). Hans arbeid - sammen med verkene til Leonardo, Raphael og Michelangelo - er toppen av renessansekunsten. Det meste av hans lange liv ble tilbrakt i senrenessansen.

I arbeidet til Titian når renessansens kunst sin høyeste stigning og blomstring. Verkene hans kombinerer Leonardos kreative søken og innovasjon, skjønnheten og perfeksjonen til Raphael, den åndelige dybden, dramaet og tragedien til Michelangelo. De er preget av ekstraordinær sensualitet, på grunn av hvilken de har en kraftig innvirkning på betrakteren. Titians verk er overraskende musikalsk og melodisk.

Som Rubens bemerker, med Titian fikk maleriet sin smak, og i følge Delacroix og Van Gogh, musikk. Lerretene hans er malt med åpne strøk som på samme tid er lette, frie og transparente. Det er i verkene hans at fargen ser ut til å oppløses og absorbere form, og billedprinsippet får for første gang autonomi og fremstår i sin rene form. Realisme i verkene hans blir til sjarmerende og subtil lyrikk.

I verkene fra den første perioden glorifiserer Titian den bekymringsløse livsgleden, nytelsen av jordiske goder. Han forherliger det sanselige prinsippet, menneskelig kjøtt som sprudler av helse, kroppens evige skjønnhet, menneskets fysiske perfeksjon. Hans malerier som "Jordlig og himmelsk kjærlighet", "Feast of Venus", "Bacchus og Ariadne", "Danae", "Venus og Adonis" er dedikert til dette.

Det sanselige prinsippet dominerer i bildet "Angrende Magdalene”, selv om den er dedikert til en dramatisk situasjon. Men også her har den angrende synderen sensuelt kjøtt, en fengslende kropp som utstråler lette, fyldige og sensuelle lepper, rosenrøde kinn og gyllent hår. Lerretet "Boy with Dogs" er fylt med sjelfull lyrikk.

I verkene fra den andre perioden er det sensuelle prinsippet bevart, men det kompletteres av voksende psykologisme og drama. Totalt sett gjør Titian en gradvis overgang fra det fysiske og sensuelle til det åndelige og dramatiske. De pågående endringene i Titians arbeid er tydelig synlige i legemliggjørelsen av temaer og emner som den store kunstneren tok opp to ganger. Et typisk eksempel i denne forbindelse er maleriet "Saint Sebastian". I den første versjonen virker ikke skjebnen til en ensom lidende forlatt av folk så trist. Tvert imot er helgenen som er avbildet utstyrt med vitalitet og fysisk skjønnhet. I en senere versjon av maleriet, som ligger i Eremitasjen, tar det samme bildet på seg tragedien.

Et enda mer slående eksempel er variantene av maleriet «Tornkronen», dedikert til en episode fra Kristi liv. I den første av dem, lagret i Louvre. Kristus fremstår som en fysisk vakker og sterk idrettsutøver, i stand til å avvise voldtektsmennene sine. I München-versjonen, opprettet tjue år senere, formidles den samme episoden mye dypere, mer kompleks og mer meningsfull. Kristus er avbildet i en hvit kappe, øynene hans er lukket, han tåler rolig juling og ydmykelse. Nå er hovedsaken ikke kroningen og julingen, ikke det fysiske fenomenet, men det psykologiske og åndelige. Bildet er fylt med dyp tragedie; det uttrykker åndens triumf, åndelig adel over fysisk styrke.

I Titians senere verk blir den tragiske lyden mer og mer intens. Dette er bevist av maleriet "Kristi klage".

"Renessanse"

Introduksjon

Det som vanligvis kalles renessansen var bekreftelsen av kontinuiteten til den store eldgamle kulturen, bekreftelsen av nye idealer. Under renessansen oppsto eksperimentell naturvitenskap, oppdagelsen og studien av gamle kulturminner fant sted, kunsten og det sekulære verdensbildet utviklet seg, noe som svekket kirkens åndelige diktat, litteratur dukket opp på nye moderne språk, og profesjonelt teater dukket opp.

Endringer påvirket alle aspekter av åndelig liv. Disse fenomenene så ut til å være en gjenopplivning av vitenskapen, filosofien, litteraturen og kunsten som fantes i den antikke verden, spesielt blant grekerne. Selve begrepet "renessanse" oppsto som en konsekvens av overbevisningen om at bare gjennom gjenopplivingen av gammel kultur etter den vanskelige middelalderen kan man komme til en sann kunnskap og et bilde av naturen selv.

Kunst er i ferd med å bli en integrert del av det offentlige liv. I middelalderen ble kunstneren ansett som en håndverker, hans plass var på de lavere nivåene i det sosiale hierarkiet, og hans personlighet bleknet foran kunden. Under renessansen, da den menneskelige personligheten ble høyt opphøyet i den universelle bevisstheten, begynte kunstnerens kreative individualitet å tiltrekke seg oppmerksomheten til alle som var interessert i arbeidet hans.

Renessansens kultur fant sitt uttrykk først og fremst i verkene til italienske malere, skulptører og poeter. Men i motsetning til idealene i den antikke verden, hvor mennesket fremstår som skjebnens leketøy, opphøyer de mennesket, anser det som herre over hans skjebne og hyller hans (personlige) egenskaper og vilje. Dette er renessansens hovedstorhet, som revolusjonerte folks bevissthet.

Kulturen til den italienske renessansen i XIV-XV århundrer.

Bevissthet om den åndelige verdien av det jordiske mennesket førte til en livlig oppblomstring av kunst, befruktet av et nytt syn på verden. Denne kulturelle bevegelsen, som forsøkte å gå utover middelalderen og ble kalt proto-renessansen, beredte i stor grad grunnen for vekkelsen og beriket verdenskunsten med slike fenomener som skulpturen til Niccolo Pisano, maleriet av Giotto og poesien til Dante.

Latin var middelalderens viktigste litterære språk. Ved begynnelsen av XIII-XIV århundrer. det begynte gradvis å bli erstattet av det moderne folkespråket. Det berømte verket til den bolognesiske advokaten Guido Guinizelli, "Kjærlighet hekker i et edelt hjerte," er skrevet på toskansk dialekt. Guidos poetiske dyktighet ble videreutviklet i Firenze. Denne trenden kalles den "søte nye stilen." Han fikk selskap av Guido Cavalcanti, Chino de Pistoia og Dante Alighieri.

Dantes verk har stor betydning for hele den videre utviklingen av litteraturen. Dantes verk er skrevet på italiensk. Hans tidlige diktsyklus, «Nytt liv», feirer hans kjærlighet til Beatrice. Her, for første gang i litteraturen, vurderes følelsen av kjærlighet i utvikling. Det slutter å være en fast karakteristikk av et "edelt hjerte", som med Dantes forgjengere.

I sitt uferdige verk, The Symposium, forsøker Dante å presentere all sin tids skolastiske vitenskap i form av 14 kansoner og en prosakommentar til dem. I innledningen kommer han inn på behovet for å bruke italiensk i sitt arbeid.

I verket «On Popular Speech» peker Dante på 3 nye litterære språk: gammelfransk, provençalsk og italiensk. I sistnevnte skiller han ut mange dialekter og beviser at den toskanske dialekten har størst potensial til å bli et vanlig litterært språk i Italia.

Dantes største verk er «Komedie», der forfatteren vendte seg til bredere språklig materiale enn i verket «On Popular Speech». Han brukte ikke bare språket til dikterne i den "søte nye stilen", men også poesi nær dagligtale.

I komedien fikk det italienske språket en slik rikdom, fikk en slik fullstendighet og stabilitet som ingen vesteuropeisk språk på den tiden kjente. Dante regnes som skaperen av det italienske litterære språket.

Proto-renessansetrender dukket opp i italiensk kultur og i det generelle verdensbildet allerede på 1200-tallet. I 1316 ble det holdt foredrag om menneskets anatomi i Bologna – det første i middelalderen om et tema som man ifølge kirkens lære burde vende seg bort fra.

I Pisa, hvor det allerede i den romanske perioden ble opprettet et kjent arkitektonisk ensemble, som uttrykker de spesielle, rosenrøde ambisjonene til det italienske kunstnergeniet, billedhuggeren Niccolo Pisano. I relieffene som dekorerte prekestolen, skapte han bilder ikke så mye av evangeliescener som av rent sekulære hendelser. N. Pisano regnes som grunnleggeren av proto-renessansen i italiensk plastisk kunst. Sønnen hans Zhdovani bør også bli anerkjent som en av skulptørene fra proto-renessansen. Arbeidet hans er fullt av patos og dynamikk.

Cavellini regnes som grunnleggeren av proto-renessansen innen maleri. Han prøvde å levendegjøre figurene sine med chiaroscuro, for å formidle i dem ikke en abstrakt idé, men et visuelt inntrykk. Et eksempel er fresken «Den siste dommen», der Kristusbildet ikke lenger er et symbol eller et ansikt, men en kjekk, verdig ektemann med et åpent ansikt.

Maleren Giotto. Han gjettet den høyeste enkelhet: ingenting overflødig, ingen mønstre, ingen detaljering. All kunstnerens oppmerksomhet er fokusert på det viktigste, og en syntese, en grandiose generalisering, er gitt. Han forlot den flate karakteren til bysantinske ikonmalerier og deres konvensjonelle bakgrunn og prøvde å formidle dybden av rommet. Bildet av en person var hans hovedoppgave. Alle karakterene i Giottos malerier er gjort til deltakere i en dramatisk hendelse, de bidrar alle til avsløringen av en enkelt plan. Dette er tydelig synlig i Kiss of Judas-scenen, i freskene i Chapel del Arena i Padua.

Et avgjørende skritt i å bygge en sekulær kultur ble tatt av humanister og ideologer fra renessansen. Humanister la vekt på verdien av mennesket i seg selv. Derfor kommer deres interesse for menneskelige anliggender i forgrunnen - et menneskelig, og ikke et religiøst synspunkt på alle livets fenomener og spesielt beskyttelsen av den menneskelige personen.

Francesco Petrarco var en av disse humanistene. I diktene der han sang om sin elskede i løpet av hennes liv og etter hennes død, beskriver dikteren sine opplevelser med hittil enestående subtilitet. I motsetning til Beatrice i Dantes guddommelige komedie, er Laura en jordisk kvinne, ikke et symbol.

Begynnelsen på en ny vitenskap - epigrafi ble gitt av handelsbankmannen Jonaso Manetti, som under sine reiser til Østen begynte å samle overlevende eldgamle inskripsjoner. Han anerkjente også behovet for å studere det tredje eldgamle språket - hebraisk, nødvendig for å forstå bøkene i Det gamle testamente. Dermed fratok han kirken dens århundregamle privilegium: studiet av "hellige skrifter" gikk i hendene på sekulære vitenskapsmenn og filosofer.

Italiensk kunst fra 1400-tallet.

Kunstnere fra 1400-tallet var medlemmer av profesjonelle foreninger - malere, skulptører, gullsmeder, arkitekter, og var uavhengige selskaper i et av de offisielt anerkjente verkstedene. I de fleste tilfeller bygde kunstnere, dekorerte med statuer og malte templer og offentlige institusjoner med fresker etter avtale med kunder.

En av de største italienske arkitektene på 1400-tallet. var Filippo Brunelleschi, som skapte en ny type bygning som hadde sekulær betydning (Barnehjem). Proporsjoner, rytme, divisjon, prosessering av detaljer tjente til å identifisere designfunksjoner, og med sin harmoni og enkelhet var de orientert mot en person, noe som økte hans betydning.

Bruneleschis kunst var basert på logikk, støttet av matematiske beregninger. Han var den første av renessansens kunstnere som forsto hvordan matematikk kunne hjelpe kunst. Han var en av grunnleggerne av den vitenskapelige teorien om perspektiv, oppdageren av dens grunnleggende lover, som var av stor betydning for utviklingen av all maleri på den tiden.

Gjenopplivingen av gammel arkitektur ga arkitekter et nytt system, fundamentalt forskjellig fra gotisk.

Donatelio er den første som oppnår et ekte inntrykk av plass i relieff. I samsvar med perspektivets ni lover bringer han tidlig renessanse plastisk kunst nærmere maleriet og avviker til slutt fra gotikkens prinsipper og former.

Et stort sprang i europeisk maleris historie markerer arbeidet til Brunelleschi og Donatelios venn, maleren Masaccio. Han ble ansett som den første artisten etter Giotto. Han forsto essensen av kreativiteten sin og utviklet den.

Fresken hans "Trinity" ser ut til å skyve templets vegger fra hverandre, og skape en illusjon av dyp plass i samsvar med vitenskapelig baserte perspektivlover. Hele komposisjonen er rolig og høytidelig. I evnen til å fordele lys og skygge, i å skape en klar romlig komposisjon, i kraften han formidler volum med, er Masaccio Giotto langt overlegen.

I tillegg er han den første i maleriet som skildrer den nakne kroppen og gir en person heroiske trekk, som glorifiserer menneskeverdet. Han var den første som introduserte portrettbilder av klienter i religiøs komposisjon, som for eksempel i «Trinity».

A. Mantegna fremmet aktivt renessansetrender innen norditaliensk kunst. Oppvokst i humanistiske kretser, brakte han inn i sitt maleri, streng i ånden, en ekte lidenskap for romersk antikken, inspirert av hvilken han skapte sitt generaliserte heroiske bilde av mennesket, som for eksempel i Ovetari-kapellet i Eremetani-kirken i Padua.

Montequiers arbeid hadde en delvis direkte, delvis indirekte innflytelse på alt norditaliensk maleri fra andre halvdel av 1400-tallet, og bidro til dannelsen av renessanseprinsipper i kunsten Lombardia, Liguria og Venezia. Venetianske kunstnere ga spesiell oppmerksomhet til problemet med farge, som ble et av de viktigste uttrykksmidlene i maleriet deres. I utsmykningen av bygninger ble farget puss og ulike nyanser av murstein kombinert med farget marmorkledning, fineste utskjæringer og innlegg. Byggherrene behandlet byens mest beskjedne arkitektoniske elementer med kjærlighet, fra de ulike brønnskålene til bryggene.

Høy- og senrenessansens kultur.

Slutten av 1400-tallet og de første 30 årene av 1500-tallet. – Høyrenessansens kultur er et av de mest slående fenomenene i europeisk kulturhistorie. 1500-tallet er gullalderen for italiensk litteratur, kunst, naturfilosofi og store oppdagelser innen naturvitenskap. På denne tiden ble grunnlaget for et nytt verdensbilde lagt, i sentrum for naturen og mennesket.

I perioden fra 30-tallet til slutten av 1500-tallet ble kunsten fra senrenessansen dannet, som gir et komplekst bilde av kampen til ulike bevegelser. Den militante katolske kirken forsto hvor viktig kunst var i samfunnets øyne, og forsøkte derfor å bruke den til sine egne formål. Resolusjonene fra konsilet i Trent indikerte direkte Kirkens ønske om å tilrane seg kontroll over kunstneriske verk. Derfor var de kunstnerne som forbandt sitt arbeid med å tjene kirkens behov eller reflekterte i sitt arbeid stemningen av depresjon og indre sammenbrudd i full oversikt. Disse kunstnerne fikk navnet "Manerists" fordi de ikke strevde etter å studere naturen og dens lover, men for eksternt å adoptere måten til de store mestrene: Leonard, Raphael og hovedsakelig Michelangelo. Mange av dem var flinke tegnere, blant dem var det mange store portretttegnere (Pontormo, Bronzio), siden portrettkunst er tettere knyttet til naturen enn andre malerisjangre, men maleriene deres, uansett motiv, er langsøkte, kunstige, falske i design og utførelse (Vasari, ???). Disse kunstnerne nølte ikke med å deformere menneskekroppen, noe som resulterte i malerier som Madonna of the Long Neck (Parmegianico). Michelangelo sa en gang, da han så hvordan kunstnere kopierte hans "Siste dom": "Denne kunsten min vil gjøre mange til nar."

Utviklingen av kunstnerisk kultur i høyrenessansen ble sterkt påvirket av Leonardo da Vinci, en maler og skulptør.

Et av de første uavhengige verkene han fullførte etter at han forlot Verrocos verksted var "Benz's Madonna." Kunstneren forlot den tradisjonelle tolkningen av bildet av Madonna - majestetisk, trist og skapte et gledelig bilde, fylt med rent jordisk sjarm. Mens han utforsket optikkens lover, var han den første som brukte chiaroscuro som et middel til å "revitalisere" karakterene i maleriene hans. Leonardo sidestilte det ytre og indre utseendet til en person. "Hvis sjelen er uorden og kaotisk," argumenterte Leonardo, "så er selve kroppen som denne sjelen lever i, uorden og kaotisk." Leonardo var også en oppfinner. Blant hans oppfinnelser var forbedrede verktøy.

Leonardos kunstneriske og vitenskapelige aktiviteter gjorde ham til grunnleggeren av en ny type i utviklingen av italiensk kunst - høyrenessansen.

En stor mester i senrenessansen var Benvento Cellini - realistisk kunst. "Vi har ingen andre bøker å lære oss om kunst bortsett fra naturens bok," erklærer Cellini. Hans store bronsestatue av Perseus skildrer en vakker menneskekropp, skulpturert med en dyp kunnskap om anatomi. Cellinis voldsomme lidenskaper, hans overtro, åpne ønske om berømmelse, naiv skryt, uutslettelige livstørst og kjærlighet til kunst gjør ham til en av de mest typiske representantene for denne turbulente og kontroversielle tiden.

Fremveksten av profesjonelt teater.

I Italia var karnevalsmasker utbredt, der alle hadde det gøy så godt de kunne, men profesjonelle «amuseurister» opptrådte også der. Slike morsomme mennesker parodierte på en eller annen måte kjente mennesker, fugler, dyr - de ble profesjonelle. De flyttet fra by til by fordi... karneval ble holdt forskjellige steder. På 60-tallet av 1400-tallet. De begynte å organisere seg i grupper, skuespillergrupper. Slik oppsto «profesjonell komedie». Dette teateret hadde sine egne unike egenskaper: hver skuespiller "fremførte en maske." Denne folkekomedien hadde ikke en skrevet tekst, den hadde ikke sin egen dramaturgi. Skuespillerne hadde kun et manus, som skisserte inngang og utgang til scenen og det generelle hendelsesforløpet. For det tredje, for å legge til mer komedie, brukte denne komedien dialekter - venetiansk, paduansk. En obligatorisk del av forestillingen var stunts – akrobatiske forestillinger, mise-en-scène.

Konklusjon

Kreativiteten til renessansen utmerker seg ved patos og dynamikk. Kunstneren samlet i sine fantasier og følelser (dette gjelder ikke bare for kunstnere, men også for forfattere, skulptører og andre representanter for kunst). For eksempel, Petrarco, han er ikke begrenset, han holder ikke følelsene, følelsene for seg selv, han deler dem, beskriver dem. For renessansen er menneskets følelsesverden viktig. Den renessansetiden er preget av frihet: en avgang fra kirkens rammeverk inn i det verdslige liv, hvor det er rom, frihet, hvor individet (personen) og interesser råder. De bygger store, romslige, voluminøse, fargerike bygninger - alt for en person, for å tilfredsstille hans behov, for å opphøye hans betydning.

Renessansetidens kunst er kalkulert, presis. Beregninger ble gjort ved hjelp av matematikk, derfor var det også praktisk, siden beregningene ble gjort for den personens bekvemmelighet.

Litteratur

1. L.M. Batkin. Italiensk renessanse på jakt etter individualitet. M., 1989.

2. Verdenshistorie: Renessanse og reformasjon. redigert av Alyabyeva et al. M., 1996. T.9-10

FRANCESCO PETRARCA(1304-1374) - grunnlegger av den italienske renessansen, stor poet og tenker, politisk skikkelse. Han kom fra en Popolan-familie i Firenze, og tilbrakte mange år i Avignon under den pavelige curia, og resten av livet i Italia. Petrarca reiste mye rundt i Europa, var nær paver og suverene. Hans politiske mål: reform av kirken, slutt på kriger, enhet i Italia. Petrarch var en ekspert på eldgammel filosofi; han er kreditert med å samle manuskripter av eldgamle forfattere og bearbeide dem tekstologisk.

Petrarch utviklet humanistiske ideer ikke bare i sin briljante, nyskapende poesi, men også i latinske prosaverk - avhandlinger, en rekke brev, inkludert hans viktigste brev, "The Book of Everyday Affairs."

Det er vanlig å si om Francesco Petrarca at han er mer fokusert på seg selv enn noen andre – i hvert fall i sin tid. At han ikke bare var den første "individualisten" i New Age, men mye mer enn det - en utrolig fullstendig egosentriker.

I tenkerens verk ble middelalderens teosentriske systemer erstattet av renessansehumanismens antroposentrisme. Petrarchs "oppdagelse av mennesket" ga en mulighet for en dypere kunnskap om mennesket innen vitenskap, litteratur og kunst.

LEONARDO DA VINCI ( 1454-1519) - strålende italiensk kunstner, skulptør, vitenskapsmann, ingeniør. Født i Anchiano, nær landsbyen Vinci; faren hans var notarius som flyttet til Firenze i 1469. Leonardos første lærer var Andrea Verrocchio.

Leonardos interesse for mennesket og naturen taler om hans nære forbindelse med humanistisk kultur. Han anså menneskets kreative evner som grenseløse. Leonardo var en av de første til å underbygge ideen om verdens erkjennelighet gjennom fornuft og sensasjoner, som gikk godt inn i ideene til tenkere på 1500-tallet. Han sa selv om seg selv: "Jeg ville forstå alle hemmelighetene ved å komme til essensen!"

Leonardos forskning dekket et bredt spekter av problemer innen matematikk, fysikk, astronomi, botanikk og andre vitenskaper. Hans tallrike oppfinnelser var basert på en dyp studie av naturen og lovene for dens utvikling. Han var også en innovatør innen maleriteorien. Leonardo så den høyeste manifestasjonen av kreativitet i aktiviteten til en kunstner som vitenskapelig forstår verden og reproduserer den på lerret. Tenkerens bidrag til renessansens estetikk kan bedømmes av hans "Bok om maleri." Han var legemliggjørelsen av det "universelle mennesket" skapt av renessansen.

NICCOLO MACHIAVELLI(1469-1527) - Italiensk tenker, diplomat, historiker. Etter gjenopprettingen av Medici-regjeringen i Firenze ble han fjernet fra regjeringens virksomhet. I 1513-1520 var han i eksil. Denne perioden inkluderer opprettelsen av Machiavellis mest betydningsfulle verk - "Prinsen", "Diskurser om Titus Livys første tiår", "Firenzes historie", som ga ham europeisk berømmelse. Machiavellis politiske ideal var den romerske republikken, der han så legemliggjørelsen av ideen om en sterk stat, hvis folk "er langt overlegne suverene i både dyd og ære." ("Diskurser om Titus Livys første tiår"). Ideene til N. Machiavelli hadde en svært betydelig innflytelse på utviklingen av politiske doktriner.

THOMAS MOP(1478-1535) - engelsk humanist, forfatter, statsmann.

Han ble født inn i familien til en London-advokat, og ble utdannet ved Oxford University, hvor han sluttet seg til kretsen av Oxford-humanister. Under Henry VIII hadde han en rekke høye regjeringsstillinger. Hans møte og vennskap med Erasmus av Rotterdam var svært viktig for dannelsen og utviklingen av More som humanist. Han ble anklaget for forræderi og henrettet 6. juli 1535.

Det mest kjente verket til Thomas More er "Utopia", som gjenspeiler forfatterens lidenskap for antikkens gresk litteratur og filosofi, og innflytelsen fra kristen tenkning, spesielt Augustins avhandling "Om Guds by", og sporer også en ideologisk forbindelse med Erasmus av Rotterdam, hvis humanistiske ideal var i, er nær More på mange måter. Ideene hans hadde en sterk innvirkning på offentlig tankegang.

ERASMUS AV ROTTERDAM(1469-1536) - en av de mest fremragende representantene for europeisk humanisme og den mest allsidige av daværende vitenskapsmenn.

Erasmus, den uekte sønnen til en fattig sogneprest, tilbrakte ungdommen i et augustinerkloster, som han klarte å forlate i 1493. Han studerte verkene til italienske humanister og vitenskapelig litteratur med stor entusiasme, og ble en stor ekspert på gresk og latin.

Erasmuss mest kjente verk er satiren «Praise of Folly» (1509), etter modell av Lucian, som ble skrevet på bare én uke i huset til Thomas More. Erasmus av Rotterdam prøvde å syntetisere de kulturelle tradisjonene fra antikken og tidlig kristendom. Han trodde på menneskets naturlige godhet og ønsket at folk skulle ledes av fornuftens krav; blant de åndelige verdiene til Erasmus er åndsfrihet, måtehold, utdanning, enkelhet.

THOMAS MUNZER(ca. 1490-1525) - Tysk teolog og ideolog fra den tidlige reformasjonen og bondekrigen 1524-1526 i Tyskland.

Sønnen til en håndverker, Münzer ble utdannet ved universitetene i Leipzig og Frankfurt an der Oder, hvorfra han ble uteksaminert med en bachelorgrad i teologi, og ble predikant. Han ble påvirket av mystikere, anabaptister og hussitter. I de første årene av reformasjonen var Münzer en tilhenger og tilhenger av Luther. Han utviklet deretter sin lære om den populære reformasjonen.

Etter Münzers forståelse var reformasjonens hovedoppgaver ikke å etablere et nytt kirkedogme eller en ny form for religiøsitet, men å forkynne en nært forestående sosiopolitisk revolusjon, som skulle gjennomføres av massen av bønder og byfattige. Thomas Munzer strebet for en republikk med likeverdige borgere, der folk ville sørge for at rettferdighet og lov seiret.

For Münzer var Den hellige skrift gjenstand for fri tolkning i sammenheng med samtidige hendelser, en tolkning som direkte tok for seg den åndelige opplevelsen til leseren.

Thomas Münzer ble tatt til fange etter opprørernes nederlag i et ulikt slag 15. mai 1525 og ble henrettet etter alvorlig tortur.

Konklusjon
For å avslutte vurderingen av renessansens filosofiske oppdrag, er det nødvendig å merke seg tvetydigheten i vurderingene av dens arv. Til tross for den generelle anerkjennelsen av det unike med renessansekulturen som helhet, ble denne perioden i lang tid ikke ansett som original i utviklingen av filosofi og derfor verdig å bli utpekt som et uavhengig stadium av filosofisk tanke. Imidlertid bør dualiteten og inkonsekvensen av filosofisk tenkning på denne tiden ikke forringe dens betydning for den påfølgende utviklingen av filosofien, og heller ikke sette spørsmålstegn ved fordelene til renessansetenkere i å overvinne middelalderens skolastikk og skape grunnlaget for moderne filosofi.

Den viktigste oppdagelsen av renessansen er oppdagelsen av mennesket. I antikken var ikke følelsen av kjønn gunstig for utviklingen av individualitet. Stoisisme, ved å fremme ideen om personlighet og ansvar, og kristendommen, ved å insistere på den virkelige eksistensen av sjelen som ligger utenfor sfæren og jurisdiksjonen til verdslig makt, skapte et nytt personlighetsbegrep. Men middelalderens sosiale system, bygget på status og skikk, tok motet fra individet, og understreket viktigheten av klasse og gruppe.

Renessansen gikk utover stoisismens moralske prinsipper og kristendommens åndelige egenart og så mennesket i kjødet – mennesket i sitt forhold til seg selv, til samfunnet, til verden. Mennesket ble universets sentrum i stedet for Gud. Mange land deltok i renessansen, men fra begynnelse til slutt hadde Italia størst andel. Italia brøt aldri med antikken; uniformitetens dødvekt undertrykte det ikke som i andre land. Det offentlige livet var i full gang her, til tross for kriger og invasjoner, og bystatene i Italia var øyer for republikanisme blant et hav av europeiske monarkier. Primatitet i internasjonal handel og finans gjorde italienske byer rike og skapte betingelser for oppblomstring av vitenskaper og kunst.

Renessansefigurer formulerte nye syn på det sosiale livet. Bibelske fortellinger om Adam og Evas himmelske liv, om jødenes liv i det lovede land og Augustin (Aurelius) lære om kirken som Guds rike på jorden passet ikke lenger noen. Renessansefigurene prøvde å skildre samfunnet som folk trengte uten noen omtale av Bibelen eller læren til de hellige fedre. For dem, lederne av renessansen, er samfunnet et nødvendig miljø for menneskeliv. Det er ikke i himmelen, ikke en gave fra Gud, men på jorden og et resultat av menneskelig innsats. Etter deres mening bør samfunnet for det første bygges med hensyn til menneskets natur; for det andre - for alle mennesker; for det tredje er dette et samfunn i en fjern fremtid. Den største innflytelsen på historien til filosofisk tankegang og på de historiske skjebnene til europeiske folk ble utøvd av læren til renessansen om regjeringen. Dette er deres lære om monarkiet og det kommunistiske systemet. Den første av dem var det ideologiske grunnlaget for den senere etablerte absolutismen, og den andre bidro til å skape ulike typer kommunistiske teorier, inkludert marxistisk kommunisme.

Dette avslutter vår gjennomgang av renessansens enorme historie med filosofisk tenkning. På grunnlag av denne tanken vokste det opp i løpet av halvannet til to århundrer en hel galakse av unike og store filosofer, inkludert John Locke og Niccolo Machiavelli.

Tabell nr. 1. Renessansens filosofi.