2-strunowy instrument smyczkowy. Historia instrumentów smyczkowych i ich rozwój

Obecnie w muzyce symfonicznej i operowej wykorzystuje się następujące instrumenty smyczkowe: skrzypce, altówkę, wiolonczelę i kontrabas, które są efektem długiego rozwoju różnych wcześniejszych typów instrumentów smyczkowych. instrumenty strunowe DO
Czas powstania instrumentów smyczkowych jest trudny do ustalenia. Istnieje przypuszczenie, że ich kolebką był Wschód, a arabscy ​​muzycy sprowadzili do Hiszpanii w VIII wieku tzw. rebab i kemanchę. Ale jednocześnie w Europie w VIII wieku znany był już pięciostrunowy instrument smyczkowy – krotta. Najstarsze instrumenty smyczkowe nie posiadały progów. Progi pojawiły się dopiero w XIV wieku wraz z rozpowszechnieniem się lutni, która do Europy została sprowadzona także przez Arabów i zrewolucjonizowała konstrukcję instrumentów smyczkowych.
Następnie instrumenty smyczkowe przeszły wielkie zmiany konstrukcyjne i ostatecznie instrumenty zwane altówkami przyjęły formę z rzeźbionymi bokami.
Ze względu na sposób wykonania altówki dzieliły się na dwie grupy: altówki ręczne (viola da braccio), najbliżej skrzypiec i altówki oraz altówki nożne lub kolanowe (viola da gamba).
Skrzypce ręczne podzielono na wysokie, altowe i tenorowe; skrzypce nożne - na bas i kontrabas. Te ostatnie zagrały oktawę niżej od basów.
Wszystkie te altówki bardzo się od siebie różniły nowoczesne skrzypce, altówkę i wiolonczelę według kształtu zewnętrznego, liczby strun i kształtu otworów rezonansowych.
Pudła rezonansowego altówek w górnej części (w stronę gryfu) nie ma
był mocno zaostrzony, wycięcia boczne miały kształt regularnego półkola, obie płyty rezonansowe były prawie całkowicie płaskie, a otwory dźwiękowe miały kształt dwóch wycięć w kształcie półksiężyca, umiejscowionych tak: () lub tak :) (.
Liczba strun na altówkach wahała się od pięciu (francuska altówka wiolinowa) do siedmiu.

Czasami, wraz z grą na strunach jelitowych, na altówkach rozciągano również rezonansowe (podwielokrotności) metalowe struny. Struny altówek umieszczono w niewielkich odległościach od siebie i bardzo blisko progowej gryfy; W rezultacie, a także ze względu na niewielką krzywiznę mostka, nie można było grać głośno na jednej ze środkowych strun.
Wraz ze wzrostem wymagań artystycznych i rozwojem technik wykonawczych, instrumenty smyczkowe również uległy poprawie. Ostateczny projekt instrumentów, który zapewniał najszlachetniejsze, pełne brzmienie i znacznie szersze możliwości artystyczne i techniczne, rozwinął się XVI wiek, najpierw na skrzypce, a następnie rozszerzony na większe instrumenty. Stopniowo dawne instrumenty smyczkowe – altówki – wypierane były przez nowe, bardziej zaawansowane instrumenty, które powstawały powoli, w sposób ewolucyjny. Altówka, wiolonczela i kontrabas zastąpiły altówki odpowiadające ich wielkościom znacznie później niż skrzypce.
W XVI-XVII wieku całe szkoły mistrzowskie pracowały już nad konstrukcją nowego typu instrumentów smyczkowych. Do najsłynniejszych szkół skrzypcowych tego czasu należały: Brescia (Gasparo da Salo, rodzina Magini), Cremona (rodziny Amati, Stradivari, Guarneri), tyrolska (Jacob Steiner).
Spośród mistrzów z Brescii szczególnie wyróżniała się rodzina Magini; najlepsze skrzypce stworzył Giovanni Magini (1580-1651).
Najwybitniejszym przedstawicielem rodu Amati był Nicola Amati (1596–1684), nauczyciel Andrei Guarneriego i Antonia Stradivariego. Ten ostatni (1644-1737) był z kolei najsłynniejszym z mistrzów rodziny Stradivariusów. Najlepsze skrzypce Antonio Stradivariego są nadal uważane za niedoścignione ze względu na swoje wyjątkowe właściwości brzmieniowe.
Rodzina Guarneri działała w XVII-XVIII wieku. Najwybitniejszym lutnikiem rodziny był Giuseppe Guarneri (1698-1744), który stworzył szereg instrumentów dorównujących najlepszym dziełom Stradivariego. Jednym z wybitnych mistrzów instrumentów smyczkowych był rosyjski mistrz Iwan Batow (1767-1841), poddany hrabiego Szeremietiewa, który stworzył szereg skrzypiec, altówek i wiolonczel o wyjątkowo wysokiej jakości.
Wśród mistrzów XIX wieku należy przede wszystkim wymienić Francuza J. B. Villiomę (1798-1875). Jego imitacje skrzypiec Stradivariusa stały się powszechnie znane.
W XX wieku dużą uwagę skrzypków zaczęły przyciągać instrumenty smyczkowe rosyjskich mistrzów - A. I. Lemana, E. F. Vitachka, T. F. Podgórnego.
Nowoczesne instrumenty smyczkowe. Podobnie jak starożytne, współczesne instrumenty smyczkowe, w zależności od wielkości, dzielą się na 2 grupy: podręcznik narzędzia i stopa.
Instrumenty smyczkowe obejmują skrzypce i altówkę, a instrumenty nożne to wiolonczelę i kontrabas.
1 - górny pokład i 2 - pokład dolny - główne części rezonansowe (wraz z korpusem tworzą korpus instrumentu); wewnątrz pomiędzy pokładami znajduje się choker (przekładka drążka) służący do przenoszenia drgań z górnego pokładu na dół; 3 - powłoka, 4 — gryf jest miejscem dociskania strun (posiada krzywiznę); 5 - pod szyją lub na pół szyi (swobodnie zwisający) - służy do mocowania sznurków; 6 - szyja - nosi szyję; 7 - pudełko na kołki - do wzmocnienia kołków; 8 - loki - koniec pudełka na kołki (są ukształtowane; starożytni mistrzowie często robili loki w kształcie głowy mężczyzny lub lwa); 9 - kołki - służą do napinania sznurków (drewniane, w przeciwieństwie do kołków metalowych). instrumenty szarpane); 10 - nakrętka - służy do ograniczenia brzmiącej części strun (posiada krzywiznę zbliżoną do gryfy); 11 - stojak - ogranicza część brzmiącą strun, podtrzymuje je, tworzy krzywiznę w ułożeniu strun, przekazuje ich drgania na płyty rezonansowe; 12 - guzik - służy do zabezpieczenia połowy gryfu (wiolonczela i kontrabas posiadają również blokadę trzpienia); 13 - efas - wyloty; 14 - wąsy - obramowują płyty rezonansowe; 15 - podbródek (dostępny tylko w wersji narzędzia ręczne); 16 - iglica (dostępna tylko dla instrumentów nożnych).

Smyczki. Wszystkie instrumenty smyczkowe mają cztery struny. Stosowane są sznurki metalowe (stalowe) i jelitowe (drut), także te oplecione nitką aluminiową lub srebrną. Ostatnio obok sznurków jelitowych popularne stały się również sznurki nylonowe.
Cienkie metalowe sznurki, nie oplecione żyłką, stosuje się tylko do 1. struny struny skrzypcowe.
Stosowane są trzy struny jelitowe o różnej grubości: do drugiej i trzeciej struny skrzypiec (obecnie nieużywane),
na I i II strunę altówki (teraz również wychodzą z użytku),
na I i II strunę wiolonczeli (obecnie prawie nigdy nie spotyka się jelitowych drugich strun wiolonczeli),
na I i II strunę kontrabasu.
Stosowane są metalowe struny oplecione aluminiową nicią:
na II strunę skrzypiec,
na altówkę I strunową,
na I strunę wiolonczeli.

1 - wał lub laska (sprężyny w kierunku przeciwnym do włosa); 2 - blok do mocowania włosów (drugi koniec włosa jest zamocowany na końcu laski lub trzonka), przesuwa się wzdłuż laski poprzez obracanie śruby; 3 — śruba do napinania włosów poprzez przesuwanie bloku; 4 - sierść (końska) nacierana kalafonią, aby zapobiec cichemu przesuwaniu się po sznurku; 5 - koniec laski lub trzonka.

Stosowane są struny jelitowe (nylonowe) oplecione nitką aluminiową:
na 3. strunę skrzypiec, na 2. strunę altówki, na 2. strunę wiolonczeli.
Struny jelitowe oplecione srebrną nicią stosuje się:
na czwartą strunę skrzypiec, na 3. i 4. strunę altówki, na 3. i 4. strunę wiolonczeli, na 3. i 4. strunę kontrabasu.
Przy tym samym napięciu cieńsza struna brzmi wyżej niż grubsza, a dłuższa struna brzmi niżej niż krótsza.
Struna opleciona nitką brzmi niżej niż struna o tej samej średnicy, która nie jest opleciona nicią srebrną lub aluminiową.
Długość strun zależy od wielkości instrumentu. Odnosi się to do długości sondującego odcinka struny – pomiędzy nakrętką a mostkiem.
Wibracje strun. Struny, umocowane w dwóch punktach (na kołku i na gryfie) i naprężone przez kołki w wymaganym stopniu, posiadają część sondującą pomiędzy nakrętką (dolna granica) a mostkiem (górna granica).
Wysokość dźwięku zależy od napięcia struny. Im ciaśniejsza struna, tym wyższy dźwięk.
Dźwięk powstaje w wyniku drgań ciała sprężystego (źródła dźwięku – w tym przypadku struny), wyprowadzonego ze stanu równowagi i dążącego do przywrócenia tej równowagi:

Rozciągnięta struna – ciało sprężyste A-B – wyprowadzona ze stanu równowagi w położeniu a, stara się powrócić do pierwotnego położenia a, lecz dzięki bezwładności przekracza granicę a i dociera do położenia a. Następnie próbując ponownie wrócić do pozycji a, ona również dzięki bezwładności osiąga prawie pozycję a, po czym wraca prawie do pozycji a... Zatem struna będzie oscylować, stopniowo uspokajając się, aż do całkowitego ustania oscylacji, czyli , aż do chwili, gdy ponownie zajmie pozycję a.
Nazywa się odległość między punktami a” i a”. zakres Lub amplituda drgań.
Czas, w którym ciało pokonuje odległość od „a” do „a” i z powrotem do „a”, nazywany jest czasem trwania lub okresem całkowitej oscylacji.
W miarę jak wibracje struny uspokajają się, dźwięk stopniowo zanika i zatrzymuje się całkowicie, gdy struna powraca do pozycji a.
Miejsce największej amplitudy drgań struny (jej środek) nazywa się antywęzłem, a miejsce unieruchomienia struny (w którym amplituda wynosi zero) nazywa się węzłem.
Dźwięk a powstaje w wyniku 440 podwójnych drgań (880 prostych) 1 na sekundę. Dwukrotna liczba wibracji wytwarza dźwięk o oktawę wyższą, a połowa tej liczby wytwarza dźwięk o oktawę niższą.
Zatem a ma liczbę podwójnych oscylacji równą: 440:2 = 220.
A-220: 2=110,

A 1 - 110: 2 = 55,

A 2 - 55:2 = 27,5
Odpowiednio, 2 ma liczbę podwójnych oscylacji równą: 440*2=880.
a 3 to 880*2=1760, a 4 to 1760*2 = 3520.
Najniższe dźwięki wydają długie i grube struny (owinięte żyłką). Wysokie dźwięki wydobywają się z krótkich, cienkich strun. Warunki te są utrzymywane przy stosunkowo równym napięciu. Struny sztucznie osłabione (to znaczy struny luźno napięte), mimo że dadzą w przybliżeniu pożądany ton, są zwiotczałe, słabe i niestabilne w tonacji. Wręcz przeciwnie, zbyt napięte struny wytwarzają pusty i pozbawiony wyrazu dźwięk.
Technika lewej ręki. Różnorodność możliwości wysokości dźwięków na instrumentach smyczkowych osiąga się poprzez skracanie naciągniętych strun palcami lewej ręki i uzyskiwanie w ten sposób dźwięków wyższych niż te, które wytwarzają struny, które nie są skracane poprzez dociskanie palców do gryfu.
Struny nazywane są otwartymi, jeśli dźwięk uzyskuje się w wyniku drgań całej struny, a nie skracanego przez nacisk palców lewej ręki. Część sondująca otwartej (pustej) struny znajduje się pomiędzy nakrętką a mostkiem. Palce lewej ręki skracają strunę, dociskając ją w różnych miejscach do gryfu. Wtedy brzmiąca część struny znajdzie się pomiędzy punktem nacisku a stojakiem.
Jeśli skrócisz strunę o 1/2 (na pół), czyli wciśniesz ją w środek, wówczas jej część brzmiąca stanie się o połowę krótsza w stosunku do struny otwartej, a dźwięk będzie o oktawę wyższy niż dźwięk otwartej struny.
Jeżeli skrócisz strunę o 1/3”, czyli dociśniesz ją w odległości 1/3 od nakrętki, to część brzmiąca będzie równa 2/3 długości otwartej struny, a dźwięk będzie być o jedną piątą wyższa niż w przypadku otwartego ciągu.
Jeśli skrócisz strunę o 1/4, wówczas część brzmiąca będzie równa 3/4 struny otwartej, a dźwięk będzie o jedną czwartą wyższy niż w przypadku struny otwartej.
Jeśli skrócisz strunę o 1/5, wówczas część brzmiąca będzie równa 4/5 struny otwartej, a dźwięk będzie o jedną trzecią większą wyższy niż w przypadku struny otwartej 2.
Jeśli skrócisz strunę o 1/6, wówczas część brzmiąca będzie równa 5/6 struny otwartej, a dźwięk będzie o jedną trzecią małą wyższy niż w przypadku struny otwartej.
Jeśli skrócisz strunę o 1/9, wówczas część brzmiąca będzie równa 8/9 struny otwartej, a dźwięk będzie o sekundę większą wyższy niż w przypadku struny otwartej.
Jeśli skrócisz strunę o 1/16, to część brzmiąca będzie równa 15/16 struny otwartej, a dźwięk będzie mała sekunda wyższa niż w przypadku łańcucha otwartego.
Podteksty. Struna, jak każde ciało sprężyste, podlega złożonemu ruchowi oscylacyjnemu, składającemu się z szeregu prostych. Wibruje nie tylko na całej swojej długości, ale jednocześnie w poszczególnych częściach: dwóch połówkach, trzech trzecich, czterech czwartych, pięciu piątych, sześciu szóstych itp.
Każda częściowa wibracja wytwarza swój własny dźwięk. Zatem gdy struna wibruje, oprócz tonu głównego odpowiadającego wibracji całej struny, słyszymy całą serię wyższych alikwotów, zwanych tonami cząstkowymi, czyli alikwotami, odpowiadającymi drganiom połowy struny (drugi alikwot). , trzecia struna (3. alikwot), ćwiartka struny (4. alikwot) itd.
Te ruchy oscylacyjne struny można przedstawić na poniższym schemacie:


Zatem każda część wibrującej struny wytwarza odpowiedni ton porządkowy. Kolejna seria podtekstów nazywana jest skałą naturalną lub akustyczną.
Załóżmy, że podczas drgań cała struna wydaje dźwięk (ton podstawowy) C. W tym przypadku dzieląc strunę sukcesywnie na dwie połowy, trzy trzecie, cztery czwarte itd.
Flajolety. Harmoniczna to alikwot izolowany od barwy brzmiącej struny. Harmonie powstają w wyniku podziału brzmiącej struny na kilka odcinków o jednakowej długości, a zatem jednakowo brzmiących. Osiąga się to poprzez lekkie dotknięcie (a wcale nie mocne!) palcem w dowolne miejsce, w którym struna jest podzielona na określoną liczbę równych części. Oczywiste jest, że przy tak lekkim dotknięciu nie nastąpi zwykłe skrócenie struny, a jedynie podkreślenie jednego alikwotu


(mianowicie posiadanie tutaj węzła) kosztem wszystkich pozostałych (posiadanie antywęzłów w tym miejscu). Nie trzeba specjalnie wyjaśniać, że miejsce o największej amplitudzie drgań – antywęzeł – nie może powstać tam, gdzie uniemożliwia to lekkie dotknięcie palca; wręcz przeciwnie Najlepszym sposobem sprzyja tworzeniu silnych węzłów.
Jeśli lekko dotkniesz palcem środka struny, rozdzieli się ona na dwie jednakowo brzmiące części (od nakrętki do punktu styku i od niej do mostka). Każda z tych części będzie równa 1/2 struny otwartej i usłyszymy drugi dźwięk naturalny (harmoniczny), czyli dźwięk o oktawę wyższy od struny otwartej. Przy pełnym ciśnieniu w tym miejscu zabrzmi tylko połowa struny, czyli pojawi się normalny (nie flajoletowy) dźwięk o oktawę wyższy niż struny otwartej. W tym przypadku dźwięk harmoniczny odpowiada wysokością zwykłego dźwięku struny, ale różni się od niego barwą.
Jeśli dotkniesz w miejscu odpowiadającym 1/3 lub 2/3 długości struny, zostanie ona podzielona na trzy równe, jednakowo brzmiące odcinki, a każdy z nich będzie równy 1/3 otwartej struny. Zabrzmi trzeci naturalny dźwięk (flageolet), to znaczy dźwięk o oktawę + piątą wyższą niż otwarta struna.
Po całkowitym wciśnięciu do 1/3 długości struny dźwięk będzie o jedną piątą wyższy od otwartego, a po wciśnięciu na 2/3 długości struny kwinta zabrzmi przez oktawę, czyli: dźwięk nieharmoniczny, odpowiadający wysokością trzeciemu alikwotowi.
Jeśli dotkniesz struny w miejscu odpowiadającym 1/4 lub 3/4 jej długości (ale nie w 2/4 = 1/2, ponieważ tutaj uzyskuje się drugi naturalny dźwięk), wówczas zostanie ona podzielona na cztery równe , równie brzmiące segmenty , a każdy z nich będzie równy 1/4 otwartej struny. Zabrzmi czwarty dźwięk naturalny (flageolet), czyli dźwięk o dwie oktawy wyższy od otwartej struny.
Po całkowitym wciśnięciu do 1/4 długości struny dźwięk będzie o jedną czwartą wyższy od otwartego, a po wciśnięciu do 3/4 długości struny przez oktawę zabrzmi oktawa, czyli: dźwięk nieharmoniczny odpowiadający czwartemu alikwotowi.
Sekwencyjny podział struny na części (w celu wyodrębnienia harmonicznych). Jeśli przyjmiemy dźwięk całej struny jako C, to:
II dźwięk naturalny – harmoniczna oktawowa (można ją uzyskać w miejscu, w którym przy normalnie dociśniętej strunie uzyskuje się oktawę):

Trzeci dźwięk naturalny - piąta harmoniczna (można ją uzyskać w miejscu, w którym przy normalnie dociśniętej strunie uzyskuje się piątą):

Czwarty dźwięk naturalny to harmoniczna kwarta (można ją uzyskać w miejscu, w którym za pomocą normalnie zaciśniętej struny uzyskuje się kwartę):

Piąty dźwięk naturalny to trzecia harmoniczna wielka (można ją uzyskać w miejscu, gdzie przy normalnie dociśniętej strunie uzyskuje się tercję wielką):

Szósty dźwięk naturalny to tercja mała (można ją uzyskać w miejscu, gdzie przy normalnie dociśniętej strunie uzyskuje się tercję małą):

Siódmy dźwięk naturalny powstaje w wyniku podziału struny na siedem części (można go uzyskać w miejscu, gdzie przy normalnym naciśnięciu struny uzyskuje się odstęp nieco mniejszy niż tercja mała):

Ósmy dźwięk naturalny powstaje w wyniku podziału struny na osiem części (można go potraktować w miejscu, gdzie przy normalnym naciśnięciu struny interwał jest nieco mniejszy niż tercja mała):

Na krótkich strunach stosuje się alikwoty 2., 3., 4., a czasami 5., na długich strunach czasami także 6. i 8. alikwot.
Lepiej wydobyć wysokie alikwoty 6. i 8. w miejscach 5/6 i 7/8 długości struny (czyli bliżej mostka, do smyczka) niż w 1/6 i 1/8 długości struny. długość sznurka (czyli bliżej nakrętki). Pod tym warunkiem te podteksty pojawiają się również na krótszych strunach.
Barwa harmonicznych różni się znacznie od barwy tych samych dźwięków wydobywanych w zwykły sposób, ponieważ nie jest zabarwiona alikwotami. Harmoniczne brzmią bardzo cicho i delikatnie, są usuwane ostrożnie ze względu na niebezpieczeństwo przypadkowego przekształcenia dotyku palca w zwykłe naciśnięcie, co niszczy harmoniczne.
Wibracje nie są możliwe w przypadku naturalnych harmonicznych.

Notatka. Wibracja to niewielki ruch lewej ręki wokół osi (miejsca nacisku struny), powodujący pewne wahania wysokości dźwięku (imitacja ludzkiego głosu). Oczywiste jest, że wibracje są całkowicie niemożliwe na otwartych strunach.

Harmonie są oznaczone literą O nad każdą nutą.

Harmoniczne naturalne i sztuczne. Harmoniczne mogą być naturalne lub sztuczne.
Harmoniczne naturalne powstają na strunach otwartych, to znaczy na strunach, które nie zostały skrócone naciskiem palców lewej ręki.
Sztuczne harmoniczne uzyskuje się z już skróconej (zaprasowanej) struny.
Sztuczne harmonie wykonuje się dwoma palcami, z których jeden – bliżej siodełka – mocno dociska strunę, a drugi dotyka jej w odpowiednim punkcie pomiędzy punktem nacisku a mostkiem.
Możliwe są sztuczne harmoniczne, zaczynając od czwartej i dalej, w kierunku zmniejszania interwału (tercja wielka, tercja mała itp.).
Nie można przyjmować sztucznych harmonicznych większych niż kwarta, ponieważ normalne rozciągnięcie palców nawet na skrzypcach (najmniejszym instrumencie) nie przekracza kwarty.

Notatka. Na skrzypcach wyjątkowo (po mocnym rozciągnięciu palców) możliwa jest harmonika kwintowych2.

Nagrywanie sztucznych harmonicznych. Kompletny zapis sztucznych harmonicznych obejmuje trzy elementy: 1) miejsce ścisłego dociśnięcia (skrócenia) struny jest oznaczone regularną notatką o wymaganym czasie trwania; 2) miejsce dotknięcia skróconej struny w celu jej podziału na części oznaczone jest rombem umieszczonym nad banknotem; 3) wreszcie mała nuta nad rombem pokazuje rzeczywistą dźwięczność harmonicznej:

Metody ekstrakcji dźwięku. Istnieją trzy sposoby wydawania dźwięku na instrumentach smyczkowych: 1) poprzez przesuwanie smyczka wzdłuż struny; 2) szarpiąc palcem i 3) uderzając strunę trzciną (trzonem) smyczka.

Kokardka na sznurku(technika gry zwana agso). Gdy smyczek się porusza, struna wibruje w sposób ciągły i wydaje melodyjny dźwięk. Im silniejszy jest nacisk smyczka i im szybszy jest jego ruch (w pewnym stopniu oba te czynniki są od siebie zależne), tym silniejszy jest dźwięk struny. Jednakże zbyt duży nacisk smyczka może uniemożliwić swobodne drganie struny, w takim przypadku wymuszony dźwięk zamienia się w skrzypienie włosia końskiego pokrytego kalafonią.
Elastyczność i wyrazistość brzmienia instrumentów smyczkowych polega na tym, że wykonawca może w każdej chwili bezpośrednio wpłynąć na produkcję dźwięku i nadać nieskończoną liczbę niuansów od fortepianu do forte.
Szczypta(technika gry zwana pizzicato). W tej metodzie struna jest jednokrotnie wytrącana z równowagi. Po szarpnięciu dźwięk szybko zanika i nie ma wpływu na jego późniejsze brzmienie. Dlatego nie ma sensu pisać pizzicato inaczej niż w ćwiartkach lub, jeśli to konieczne, w krótszych odstępach czasu.
Uszczypnięcie zwykle odbywa się palcem prawa ręka, chociaż w praktyce istnieją techniki gry pizzicato palcami lewej ręki (głównie na otwartych strunach).
Przy przejściu od pizzicato do performance słowo agso umieszcza się z kokardą. Zmiana techniki agso i pizzicato oznacza przynajmniej minimalną przerwę w dźwięku, zwłaszcza jeśli podczas agso smyczek był w ruchu skierowany w dół, przez co prawa ręka odsunęła się daleko od struny.
Stukanie laską(z trzonkiem) smyczka na strunie (technika gry zwana col legno) to raczej efekt perkusyjny, gdyż w powstałym dźwięku stukanie dominuje nad intonacją (określnością wysokości i barwy dźwięku).
Miejsce, w którym łuk jest naciągnięty na cięciwę. Zwykle miejscem trzymania smyczka jest środek odległości pomiędzy mostkiem a końcem podstrunnicy. To tutaj powstaje najpełniejszy i najbardziej wyrazisty dźwięk.
Czasami, dla specjalnego efektu, dźwięk wydobywa się poprzez przytrzymanie smyczka przy mostku (technika ta nazywa się sul ponti-cello). Uzyskany w ten sposób dźwięk jest cichy, ale ostry i ma charakterystyczną barwę zbliżoną do brzmienia harmonijki ustnej. Dźwięk można również wydobyć na samej podstrunnicy (technika ta nazywa się sul tasto). Technika ta pozwala uzyskać dźwięk o delikatnym, zimnym tonie, nieco przypominającym flet.
Specyficzny charakter dźwięku uzyskiwanego podczas gry smyczkiem sul tasto lub sul ponticello tłumaczy się tym, że podczas trzymania smyczka sul tasto niszczone są niskie dźwięki naturalne (4 i 5), które mają węzły w miejscu ukłonu, a podczas trzymania smyczka sul ponticello Ton główny jest częściowo wyłączony.

Podstawowe zasady techniki ukłonu (tzw. technika prawej ręki). Prowadzenie łuku w dół (od bloku do końca) sygnalizowane jest znakiem ∏, w górę (od końca do bloku) znakiem V. W pierwszym przypadku (prowadzącym w dół) naturalnie wychodzi diminuendo, w drugim (prowadzącym w górę) – crescendo, gdyż im bardziej ciężar samej ręki odsuwa się od struny, tym łatwiej wydobyć cichy, delikatny dźwięk z instrumentu - i odwrotnie. W związku z tym pianissimo wypada lepiej, gdy gra się końcem smyczka, podczas gdy ostre akcenty fortissimo są bliżej bloku.
Podczas gry w forte smyczek porusza się po strunie szybciej niż podczas gry na pianinie, dlatego nuty trwają dłużej duża liczba nuty na smyczek są możliwe tylko w przypadku fortepianu.
Uderzenia. Uderzenia to różne techniki poruszania łukiem. Przekazują znaczenie semantyczne wykonywana muzyka i dlatego można je słusznie uznać za najważniejszy środek ekspresja muzyczna podczas gry na instrumentach smyczkowych.
Na przestrzeni długiego czasu najbogatsza praktyka gry – przede wszystkim na skrzypcach i wiolonczeli – zgromadziła wiele różnorodnych uderzeń, pomiędzy którymi w niektórych przypadkach trudno wyznaczyć określoną linię i sklasyfikować je. Dlatego poniżej skupimy się na najbardziej podstawowych pociągnięciach i tylko pokrótce poruszymy niektóre z ich najpopularniejszych odmian.
Za główne uderzenia należy uznać detache, legato, Różne rodzaje staccato i spiccato, a także tremolo. Detache (francuski) - uderzenie o wyraźnym ataku, o wyraźnie deklamacyjnym charakterze, służące do wykonywania energetycznych fraz, wymagających dużej pełni i bogactwa tonu:

W szybkim ruchu skoku odłączonego można odtwarzać także konstrukcje o porządku motorycznym, w tym pasaże dość szybkie (jeśli jest to konieczne do osiągnięcia wystarczającej pełni dźwięku):

Jeśli detache wykonuje się z najdłuższym łukiem w danym tempie, aż do wykorzystania całego zamachu, wówczas technikę tę nazywa się zwykle grand detache:

Jak widać ze wszystkich powyższych przykładów, najważniejsze piętno detache, niezależnie od tempa, siły dźwięku i zamachu smyczka, to gra jednej nuty na każdy ruch smyczka w jednym kierunku. W oparciu o tę funkcję ten i inne podobne pociągnięcia (na przykład sautille opisane poniżej) nazywane są podzielonymi.
Przeciwnie, legato jest uderzeniem składającym się z kilku nut na jednym smyczku. W przeciwieństwie do deklamacyjnego charakteru detache, płynna część legato w największym stopniu odwzorowuje pieśniową, ariatyczną stronę śpiewu ludzkiego.
W notacji legato każda liga reprezentuje jeden kierunek łuku. Oto przykłady fraz melodycznych wykonywanych legato:

Uderzenia staccato – staccato i spiccato – różnią się od siebie tym, że staccato wykonywane jest bez odrywania smyczka od struny, natomiast spiccato polega właśnie na odbijaniu się smyczka po każdym kontakcie ze struną.
Istotą staccato jest energiczne pchnięcie smyczkiem, po którym następuje natychmiastowe osłabienie dźwięku. W powyższym fragmencie staccato grane są wszystkie ósemki i oczywiście szesnastki (każdą szesnastkę gra się przesuwając smyczek w tym samym kierunku, w którym poprzednia ósemka jest oddzielona pauzą):

Jeśli chodzi o ćwierćnuty z kropkami nad nimi, to w tym przypadku długość samego dźwięku (naciśnięcie smyczkiem) jest znacznie krótsza niż okres tłumienia dźwięczności (prawie całkowite zatrzymanie ruchu smyczka). Dodatkowo przed każdym nowym pchnięciem następuje prawdziwy przystanek pozwalający zmienić kierunek ruchu. Podobny sposób gry staccato z akcentowanym podzielonym uderzeniem nazywa się martele. Czasami wskazują na to wydłużone, spiczaste kliny nad nutami lub wskazania słowne.
Każdą nutę zwykłego staccato można zagrać w obu przypadkach przeciwny kierunek ruch łuku w stosunku do poprzedniego(-ych).
W poniższym przykładzie przerywane staccato można zagrać na dwa sposoby: za pomocą uderzenia rozdzielonego (tzn. naprzemiennie à i V) i dwóch nut staccato na każdy kierunek smyczka:

Dlatego też można grać dwie lub więcej nut staccato w jednym kierunku. Każdy z nich ma swój własny, specjalny lekki ruch (pchnięcie) za pomocą łuku.
Przytoczmy dla przykładu dość powszechną w praktyce wirtuozowskiej technikę grania znacznej liczby nut staccato w jednym kierunku smyczka (łatwiej w górę); Należy jedynie zauważyć, że podczas gry grupowej to uderzenie nie ma zastosowania:

Jak wspomniano powyżej, spiccato jest głównym uderzeniem odbijającym. główna cecha takie akcenty - ich lekkość, zwiewność.
Oto kilka przykładów różnych zastosowań spiccato. Pełen wdzięku, w umiarkowane tempo Fragment wykonanego uwertury „Dziadek do orzechów”:

Sautille różni się od zwykłego spiccato tym, że wraz ze wzrostem prędkości wykonawca przestaje kontrolować poszczególne ruchy łuku i od tego momentu zaczyna dominować mechaniczny, motoryczny charakter uderzenia, regulowany przez elastyczność łuku, jego możliwość odbicia się od sznurka.
Przykładem sautille jest „Lot trzmiela” z „Opowieści o carze Saltanie”:

Wszystkie spiccato gra się środkową tercją smyczka – w forte bliżej bloku, w fortepianie bliżej jego końca. Ponadto wraz ze wzrostem prędkości ruchu (dotyczy to zwłaszcza odmian motorowych) łuk również przesuwa się od środka do końca.
Z niepodzielnych uderzeń skokowych najczęstszym jest uderzenie rzucające - tzw. rykoszet. Ten skok jest możliwy nie tylko na jednej strunie:

ale także podczas przechodzenia od struny do struny, na przykład podczas wykonywania grupowań arpeggiowych na trzech lub czterech strunach:

Nie trzeba specjalnie wyjaśniać, że za pomocą skokowych skoków silnika nie można osiągnąć znaczącej siły dźwięku.
Jednym z najczęstszych uderzeń orkiestrowych jest tremolo. Jest to powtarzanie jednej nuty poprzez szybkie, naprzemienne poruszanie smyczkiem w różnych kierunkach bez odrywania go od struny (tzw. tremolo prawej ręki). Im głośniejsze brzmienie musisz wydobyć podczas gry tremolo, tym większy zamach musisz wykonać smyczkiem. Głośny dźwięk wytwarzany jest przez środek smyczka przy dużym wahaniu jego ruchu; wręcz przeciwnie, ledwo słyszalne tremolo (dosłownie szelest) można uzyskać dopiero na końcu smyczka, przy jego prawie niezauważalnym ruchu.

Notatka. Tego typu tremolo nie należy mylić z sekwencją dwóch szybko naprzemiennych dźwięków na jednym smyczku (tzw. tremolo lewej ręki):

Tremolo jest zatem przede wszystkim akcentem orkiestrowym, gdyż na jedność jego brzmienia składają się poszczególne tremolo o różnej prędkości ruchu prawej ręki (oczywiście z wyjątkiem przypadków, gdy prędkość powtarzanych nut jest ściśle określona przez autora).
Praktyka gry na instrumentach smyczkowych rozwinęła znaczną liczbę technik uderzeń, które sprawiają, że wykonanie jest żywe, znaczące i wyraziste. Niestety nie wszystkie te techniki mają dokładne odzwierciedlenie w zapisie nutowym, a wykonawcom często pozostaje jedynie domyślać się, jaką technikę zastosować, aby zagrać tę czy inną frazę, jak rozmieścić części smyczka, aby nie zniekształcić muzyki nieprawidłowym akcenty, gdzie lepiej zastosować staccato, a gdzie spiccato itp., itd. Inaczej mówiąc, kompozytor w dużej mierze zależy od wykonawców – ich taktu, wrażliwości, muzykalności. Wszystko to tym bardziej zobowiązuje każdego autora nowego dzieła do szczegółowego wskazania w partyturze wszystkich swoich intencji. Oczywiście w trakcie pracy wykonawcy będą mogli zaoferować bardziej udane opcje frazowania (cieniowania), ale musimy pamiętać, że z kolei prawidłowe propozycje mogą powstać jedynie na podstawie dokładnego zrozumienia inwencji autora zamiar.
Podajmy kilka przykładów, gdzie charakter kreski w decydujący sposób determinuje sformułowanie i dlatego wymaga szczegółowej instrukcji w tym zakresie.

wówczas będzie to już sposób grania zwany marcato (podkreślanie, podkreślanie).
Ostatnio w praktyce gry ugruntowało się jeszcze jedno uderzenie – środkowe pomiędzy mocno zaakcentowanym detache a spiccato. W odniesieniu do przykładu podanego właśnie w nagraniu, ta technika wykonania wyglądałaby następująco:

to znaczy różniłby się od poprzednich metod wykonania tym, że każda nuta akcentowana byłaby oddzielona od sąsiedniej krótką pauzą (poprzez podniesienie smyczka ze struny).
Wśród technik gry na instrumentach smyczkowych szczególne miejsce zajmuje gra akordów trzy- i czterodźwiękowych. Zwykle gra się je tak, jakby składały się z dwóch interwałów zawartych w każdym akordzie:

Niektórzy wykonawcy sugerowali granie akordów arpeggiowanych:

jest to jednak pierwsza metoda, która stała się powszechna.
Możliwe są sekwencje akordów trzy- i czterodźwiękowych, z których każdy jest wykonywany z opuszczonym smyczkiem. Przy odpowiednim naciśnięciu smyczka trzydźwiękowe akordy można grać bez arpeggiato, to znaczy na wszystkich trzech strunach można grać jednocześnie (smyk przyciągnięty bliżej gryfu; wraz ze wzrostem dźwięczności przesuwa się on bliżej mostka). Jest rzeczą oczywistą, że popowe arpeggiato to krótkotrwały i gwałtowny efekt.
Akordów czterodźwiękowych w zasadzie nie da się grać w popowym arpeggiato, choć w znaczącym forte kolejność interwałów tworzących akord można ograniczyć do minimum.
Oto wyraźny przykład grupowego użycia akordów trzy- i czterodźwiękowych, z których większość grana jest w formie popowego arpeggiato.

Strunowy instrument muzyczny to instrument muzyczny, w którym źródłem dźwięku (wibratorem) są drgania strun. W systemie Hornbostel-Sachs nazywane są one chordofonami. Typowymi przedstawicielami instrumentów smyczkowych są kobyz, dombyra, skrzypce, wiolonczela, altówka, kontrabas, harfa i gitara, gusli, bałałajka i domra itp. Rodzaje instrumentów smyczkowych edytować tekst źródłowy]

Zobacz także pełny lista instrumentów smyczkowych.

Wszystkie instrumenty strunowe przenoszą wibracje z jednej lub więcej strun do powietrza poprzez swój korpus (lub poprzez przetwornik w przypadku instrumentów elektronicznych). Dzieli się je najczęściej ze względu na technikę „uruchamiania” drgań struny. Trzy najpopularniejsze techniki to wyrywanie, kłanianie się i uderzanie.

Ukłonił się (ze smyczkiem) instrumenty muzyczne – grupa instrumentów muzycznych, których wytwarzanie dźwięku odbywa się głównie w procesie trzymania smyczka na naciągniętych strunach. Istnieje duża liczba ludowych instrumentów smyczkowych. We współczesnym akademickim graniu muzyki wykorzystuje się cztery instrumenty strunowe:

Za podstawę uważa się grupę instrumentów smyczkowych Orkiestra symfoniczna i jest podzielony na pięć partii:

Pierwsze skrzypce

Drugie skrzypce

Wiolonczele

Kontrabasy.

Czasem pisana jest partia na najniższy instrument strunowy – oktobas

Zakres całej grupy smyczkowej obejmuje prawie siedem oktaw od przeciwoktawy C do piątej oktawy C.

Wokół formowano i udoskonalano instrumenty smyczkowe koniec XVII wieku, pod koniec XVIII wieku pojawił się dopiero łuk w nowoczesnej formie. Pomimo różnic barwowych pomiędzy poszczególnymi instrumentami grupy, jako grupa brzmią one jednorodnie. Wyjaśnia to jedność projektu i ogólna zasada produkcji dźwięku.

Źródłem dźwięku dla wszystkich instrumentów są struny, które rezonują z korpusem instrumentu i przenoszą wibracje za pośrednictwem powietrza do słuchacza. Wydawanie dźwięków odbywa się za pomocą smyczka ( arco) lub palce ( pizza)

Rzemieślnik, który tworzy i naprawia smyczkowe instrumenty muzyczne, nazywany jest lutnikiem lub Mistrz smyczkowych instrumentów muzycznych.

Skrzypce to strunowy instrument muzyczny o wysokim rejestrze. To ma pochodzenie ludowe, swój nowoczesny wygląd uzyskał w XVI wieku, a rozpowszechnił się w XVII wieku. Posiada cztery struny strojone w kwintach: g, d 1 ,A 1 ,mi 2 (mała oktawa G, D, A pierwszej oktawy, E drugiej oktawy), zakres od G(mała oktawa sol) do A 4 (Czwarta oktawa) i wyżej. Barwa skrzypiec jest gęsta w niskim rejestrze, miękka w środku i olśniewająca w górnym. Istnieją również skrzypce pięciostrunowe, z dodatkiem dolnej struny altowej „c” lub C (do małej oktawy). Pochodzenie i historia[edytuj | edytować tekst źródłowy]

Fidel. Fragment ołtarza kościoła św. Zachariasza, Wenecja, Giovanni Bellini, 1505.

Miniatura „Dawid Psalmista” (fragment). Psałterz Godunowa, 1594

„Drzewo genealogiczne” pochodzenia współczesnych skrzypiec. Encyclopædia Britannica, wyd. 11.

Przodkami skrzypiec byli arabski rebarab, hiszpański fidel, brytyjska crotta, z których połączenia powstała wiola, stąd włoska nazwa skrzypiec skrzypce, a także słowiański czterostrunowy instrument o piątym stroju zh i g a (stąd niemiecka nazwa skrzypiec – geige). Jako instrument ludowy skrzypce rozpowszechniły się szczególnie w Polsce, Ukrainie, Rumunii, Istrii i Dalmacji (obecnie Jugosławia). Trwająca kilka stuleci walka skrzypiec arystokratycznych ze skrzypcami ludowymi zakończyła się zwycięstwem tych ostatnich. W połowie XVI wieku w północnych Włoszech rozwinęła się nowoczesna konstrukcja skrzypiec. Gaspar Bartolometti da Salo (ok. 1542-1609) – założyciel szkoły mistrzów w Brescii i Andrea Amati (1535-ok. 1611) – założyciel szkoły Cremona.] . Formy skrzypiec powstały w XVI wieku; Słynni lutnicy – ​​rodzina Amati – sięgają tego stulecia i początków XVII wieku. Ich instrumenty są pięknie ukształtowane i wykonane z doskonałych materiałów. Generalnie Włochy słynęły z produkcji skrzypiec, wśród których obecnie niezwykle cenione są skrzypce Stradivariusa i Guarneri.

Skrzypce są instrumentem solowym od XVII wieku. Za pierwsze dzieła na skrzypce uważa się: „Romanesca per skrzypce solo e basso” Biagio Mariniego (1620) i „Capriccio stravagante” jego współczesnego Carla Fariny. Arcangelo Corelli uważany jest za twórcę artystycznej gry na skrzypcach; następnie Torelli, Tartini, Pietro Locatelli (1693-1764), uczeń Corelliego, który rozwinął brawurową technikę gry na skrzypcach.

Od drugiej połowy XIX w. rozpowszechnił się wśród Tatarów. Od XX wieku występuje w życiu muzycznym Baszkirów.

Alt(angielski i włoski) altówka, ks. alt, Niemiecki Bratsche) Lub skrzypce altówki- strunowy instrument muzyczny o tej samej budowie co skrzypce, ale nieco większy, dlatego brzmi w dolnym rejestrze. Struny altówki są nastrojone o kwintę poniżej strun skrzypiec i oktawę powyżej strun wiolonczeli - c, g, d 1 ,A 1 (do, G małej oktawy, D, A pierwszej oktawy). Najpopularniejszy zakres to od C(do małej oktawy) do mi 3 (mi trzeciej oktawy) w utworach solowych możliwe jest wykorzystanie dźwięków wyższych. Nuty zapisywane są kluczami altowymi i wiolinowymi. Altówka jest uważana za najwcześniejszy istniejący instrument smyczkowy. Czas jego pojawienia się datuje się na przełom XV – XVI wieku. Techniki gry na altówce różnią się nieco od gry na skrzypcach pod względem wydobycia dźwięku i techniki, ale sama technika gry jest nieco bardziej ograniczona ze względu na większy rozmiar i w rezultacie konieczność większego rozciągania instrumentu. palce lewej ręki. Barwa altówki jest mniej jasna niż skrzypiec, ale gęsta, matowa, aksamitna w dolnym rejestrze, nieco nosowa w górnym. Ta barwa altówki wynika z faktu, że wymiary jej korpusu („pudła rezonatora”) nie odpowiadają jej strojeniu: o optymalnej długości 46–47 centymetrów (takie altówki wykonywali dawni mistrzowie włoskiej szkoły), nowoczesny instrument ma długość od 38 do 43 centymetrów [ źródło nieokreślone 1220 dni] . Na większych altówkach, zbliżonych do klasycznych, grają głównie soliści z silniejszymi rękami i bardziej rozwiniętą techniką.

Do tej pory altówka ze względu na niewielki repertuar była wykorzystywana stosunkowo rzadko jako instrument solowy. Jednak w naszych czasach pojawiło się całkiem sporo bardzo dobrych altowiolistów, wśród nich Yuri Bashmet, Kim Kashkashyan, Yuri Kramarov i inni. Niemniej jednak głównym obszarem zastosowania altówek są orkiestry symfoniczne i smyczkowe, gdzie z reguły przypisuje się im głosy środkowe, ale także epizody solowe. Altówka jest obowiązkowym członkiem kwartetu smyczkowego i często wykorzystywana jest w innych kompozycjach kameralnych, takich jak trio smyczkowe, kwartet fortepianowy, kwintet fortepianowy itp.

Tradycyjnie nie zostawano altowiolistami od dzieciństwa, przestawiając się na ten instrument w bardziej dojrzałym wieku (po ukończeniu szkoły muzycznej, po rozpoczęciu nauki w college'u lub konserwatorium). Przeważnie potężnie zbudowani skrzypkowie z dużymi dłońmi i szerokim przejściem wibracji do altówki. Niektórzy znani muzycy z powodzeniem łączyli grę na skrzypcach i altówce, na przykład Niccolo Paganini i David Ojstrach.

Wiolonczela(Włoski wiolonczela, skr. wiolonczela, Niemiecki Wiolonczela, ks. wiolonczela,Język angielski wiolonczela) to smyczkowy instrument muzyczny rejestru basowo-tenorowego, znany od pierwszej połowy XVI wieku, o tej samej budowie co skrzypce czy altówka, ale znacznie większy. Wiolonczela posiada szerokie możliwości wyrazowe i starannie opracowaną technikę wykonania, wykorzystywana jest jako instrument solowy, zespołowy i orkiestrowy. Pojawienie się wiolonczeli datuje się na początek XVI wieku. Pierwotnie był używany jako instrument basowy do towarzyszenia śpiewowi lub grze na instrumencie o wyższym rejestrze. Istniało wiele odmian wiolonczel, różniących się między sobą wielkością, liczbą strun i strojem (najczęściej strojone były na ton niższy od współczesnego).

W XVII-XVIII w., staraniem wybitnych mistrzów muzycznych szkół włoskich (Nicolo Amati, Giuseppe Guarneri, Antonio Stradivari, Carlo Bergonzi, Domenico Montagnana i in.) powstał klasyczny model wiolonczeli o ugruntowanej wielkości korpusu. Pod koniec XVII wieku pojawiły się pierwsze solowe dzieła na wiolonczelę – sonaty i ricercary Giovanniego Gabrieli. Już w połowie XVIII wieku wiolonczelę zaczęto wykorzystywać jako instrument koncertowy, dzięki jaśniejszemu, pełniejszemu brzmieniu i udoskonalonej technice wykonawczej, ostatecznie wypierając violę da gambę z praktyki muzycznej. Wiolonczela jest także częścią orkiestry symfonicznej i zespołów kameralnych. Ostateczne ugruntowanie wiolonczeli jako jednego z czołowych instrumentów muzycznych nastąpiło w XX wieku dzięki staraniom wybitnego muzyka Pabla Casalsa. Rozwój szkół gry na tym instrumencie doprowadził do pojawienia się licznych wiolonczelistów-wirtuozów, regularnie występujących z recitalami.

Repertuar wiolonczeli jest bardzo szeroki i obejmuje liczne koncerty, sonaty i utwory akompaniamentu.

Viola da gamba(Włoski viola da gamba - altówka stóp) to starożytny strunowy instrument muzyczny z rodziny altówek, podobny pod względem wielkości i zakresu do współczesnej wiolonczeli. Na violi da gamba grano w pozycji siedzącej, trzymając instrument między nogami lub opierając go bokiem na udzie – stąd nazwa.

Z całej rodziny altówek, viola da gamba najdłużej zachowała swoje znaczenie: powstało dla niej wiele dzieł najważniejszych autorów połowy XVIII wieku. Jednak już pod koniec stulecia partie te wykonywano na wiolonczeli. Goethe nazwał Karla Friedricha Abela ostatnim wirtuozem gamby. Na początku XX wieku autentyczni wykonawcy odrodzili grę na violi da gamba: pierwszym nowożytnym graczem na gambo był Christian Döbereiner, który zadebiutował na tym stanowisku w 1905 roku wykonaniem sonaty Abla.

Kontrabas(Włoski kontrabas lub ss))) - największy rozmiar (około dwóch metrów wysokości) i najniższy dźwięk z powszechnie stosowanych instrumentów smyczkowych, łączący cechy rodziny skrzypiec i rodziny altówek (rodzina Viola da GAMBA, Viola da GAMBA) .. Posiada cztery struny dostrojone w kwartach: E 1, A 1, D, G (E, licznik oktawa, D, G oktawa), zakres od E 1 (przeciwoktawa E) do G 1 (pierwsza oktawa G ) i wyżej. Pierwsza wzmianka o prawdziwym kontrabasie pojawiła się w książce w 1566 roku. Autor tej książki przez pomyłkę narysował skrzypce. Wtedy wpadł na pomysł, że takie narzędzie można by stworzyć. Autor tej książki nie jest znany współczesnym ludziom, ale wiadomo, że książka została napisana Azja centralna, kiedy Europa została przedstawiona mieszkańcom tych ziem. Wkrótce pomysł nowego instrumentu został zaprezentowany Europie. Europa była wówczas najbiedniejszym miejscem na świecie. Za poprzednika współczesnego kontrabasu uważa się wiolę kontrabasową. Miał nastrojonych pięć strun D 1 ,MI 1 , A 1 , D, G(D, E, A-dur, D, G mała oktawa) i jak większość altówek z progami na podstrunnicy. W połowie XVII wieku włoski mistrz Michele Todini na jego podstawie zaprojektował nowy instrument, który nie miał piątej (najniższej) struny i progów, ale zachował kształt korpusu („ramiona” - części korpusu przylegającego do gryfy – kontrabas nadal ma większe nachylenie niż instrumenty z rodziny skrzypiec) oraz strojenie kwartowe (wśród współczesnych instrumentów smyczkowych tylko kontrabas je posiada).

Nowy instrument po raz pierwszy został użyty w orkiestrze w 1699 roku w operze Cezar Aleksandryjski Giuseppe Aldrovandiniego, ale potem przez długi czas nie był używany (głosy basowe wykonywały wiolonczele i altówki o niskim stroju). Dopiero od połowy XVIII wieku kontrabas stał się nieodzownym członkiem orkiestry, wypierając z niej altówki basowe. W tym samym czasie pojawili się pierwsi wirtuozi kontrabasistów, występujący na koncertach solowych - szczególnie Domenico Dragonetti zyskał znaczącą europejską sławę. Dla wygody występów solowych mistrzowie zaprojektowali trójstrunowy kontrabas, którego struny nastrojono w kwintach ( G 1 ,D,A- G przeciwoktawa, D, A dużej oktawy, czyli o oktawę niższą od wiolonczeli, ale bez strun zanim) lub w kwartach ( A 1 , D, G- Licznik oktawa, D, G duża oktawa). Wraz z rozwojem techniki wykonawczej stało się możliwe wykonywanie utworów wirtuozowskich na zwykłym czterostrunowym instrumencie orkiestrowym, a trójstrunowe kontrabasy wypadły z użycia. Aby uzyskać jaśniejszy dźwięk w utworach solowych, strojenie kontrabasu jest czasami podnoszone o jeden ton (jest to „strojenie solo”).

W XIX wieku w poszukiwaniu możliwości uzyskania niższych dźwięków francuski mistrz Jean Baptiste Vuillaume zbudował czterometrowy kontrabas, który nazwał „oktobasem”, jednak ze względu na ogromne rozmiary instrument ten nie znalazł szerokiego zastosowania . Nowoczesne kontrabasy mogą mieć dostrojoną albo piątą strunę C 1 (aż do przeciwoktawy) lub poprzez specjalny mechanizm, który „wydłuża” najniższą strunę i pozwala na uzyskanie dodatkowych, niższych dźwięków.

Rozwój gry na kontrabasie solowym w czasach nowożytnych wiąże się przede wszystkim z twórczością Giovanniego Bottesiniego i Franza Zimandla pod koniec XIX wieku. Ich wysiłki wynieśli na nowy poziom wirtuozi początku XX wieku - w szczególności Siergiej Koussevitzky i Adolf Mischek.

Nazywa się je sznurkowymi instrumenty muzyczne, źródłem dźwięku w którym jest drganie strun. W klasyfikacji międzynarodowej nazywane są chordofonami. Najbardziej znane i popularne instrumenty tej klasy to: gitara, skrzypce, altówka, harfa, dombra, bałałajka, kobyz, gusli, wiolonczela i wiele innych.

Klasyfikacja instrumentów smyczkowych

Muzyka powstaje poprzez wibrację jednej lub kilku silnie naciągniętych nici, które stanowią rodzaj cięciwy. To urządzenie nazywa się sznurkiem. Rozciąga się go pomiędzy zworkami na korpusie instrumentu. Nici te różnią się w zależności od materiału, z którego są wykonane. Może to być miedź, srebro lub nylon.

Obecnie wyróżnia się następujące typy instrumentów smyczkowych:

1. Uszczypnięty. Przykładami są gitary, harfy, bałałajki, harfy, dombry, sitary, oudy, ukulele itp. Tutaj głównym sposobem uzyskania dźwięku jest skubanie. Czynność tę wykonuje się palcem lub specjalną plektronem. Warto zauważyć, że czasami do tej klasyfikacji zaliczane są niektóre instrumenty klawiszowe. Uderzającym przykładem jest klawesyn, w którym wzdłuż struny wibruje plastikowy stroik.

2. Ukłonił się. Najbardziej znanymi przedstawicielami tej grupy są strunowe instrumenty muzyczne, takie jak skrzypce, kobyz, kontrabas, altówka i wiolonczela. Aby wydobyć dźwięk, na końcach konstrukcji zastosowano specjalny łuk wykonany z drewna i naciągniętych włosów. Prowadzenie takiego urządzenia po strunach powoduje krótkotrwałą melodyczną wibrację.

3. Bębny. Te strunowe instrumenty muzyczne wymagają dodatkowych akcesoriów do gry. Oto czym jest mały młotek. Fortepian rzadko jest uważany za perkusyjny instrument smyczkowy. Jednak najbardziej znanym przykładem są cymbały. Warto zaznaczyć, że wszystkie czynności z użyciem młotka wykonuje sam gracz.

4. Reszta. Wszystkie inne strunowe instrumenty muzyczne, które nie mieszczą się w ogólnie przyjętej klasyfikacji, należą do nieokreślonego gatunku. Na przykład harfa eolska. Aby wytworzyć dźwięk, cięciwa będzie wibrować pod wpływem przepływu powietrza.

Odmiany instrumentów szarpanych

Al-ud, czyli po prostu oud, jest prawdziwy dziedzictwo kulturoweŚredniowieczny Wschód. W tłumaczeniu z języka arabskiego nazwa instrumentu oznacza „drzewo”. Ciało ma okrągły kształt. Gryf jest stosunkowo krótki i nie posiada progów. Dlatego al-ud ma takie niepowtarzalny dźwięk. Kombinacja strun składa się z 5 par. Wszystkie muszą być dostrojone zgodnie. Istnieją również alternatywne wersje instrumentu z 13 strunami. Cięciwę wykonano z nylonu, w starożytności z jelit zwierzęcych.

Harfa to instrument muzyczny znany światu ze średniowiecznych wierszy i legend. To jeden z najpopularniejszych i najpiękniejszych przedstawicieli grupy strun szarpanych. Obecnie istnieje wiele odmian harf, różniących się kształtem, liczbą strun i dźwiękiem. Instrument ten jest najbardziej rozpowszechniony w Wielkiej Brytanii. Jest to zakrzywiona rama z wieloma równolegle rozciągniętymi sznurkami. Zachwyca melodią i łagodną grą tonów.

Innym ciekawym instrumentem szarpanym jest dombra, czyli dambur. Liczy Skarb narodowy Kazachstan. Jest to rodzaj gitary z dwoma mocno naciągniętymi nylonowe sznurki. Dostrojony do piątego lub czwartego. Progi muszą być żyłkowate. Umieszczony na samej górze szyi.

Najpopularniejszym zachodnim instrumentem smyczkowym jest mandolina. Dźwięk uzyskuje się poprzez szarpanie czterech podwójnych strun. Takie instrumenty różnią się kształtem: wydłużony, w kształcie lutni, z płaskim dnem. Niezwykłym przykładem jest mandolina florencka, ponieważ ma pięć strun.

Funkcje gitary

To najpopularniejszy instrument na świecie. Służy zarówno do występów solowych, jak i akompaniamentu. Nadaje się do absolutnie każdego kierunku i stylu muzyki, od bluesa po rock. Na przykład gitara hiszpańska to instrument smyczkowy, który łączy w sobie narodowe brzmienie Europy Zachodniej i Narody arabskie. Składa się tylko z pięciu strun. Rozpowszechniło się od XV wieku.

Przydałoby się również pamiętać o narodowej gitarze rosyjskiej. Podstawową różnicą jest liczba strun - siedem. Pojawiła się dopiero początek XIX wiek. W tamtym czasie instrument ten nie miał sobie równych pod względem popularności. Grali na nim tacy wirtuozi swojego rzemiosła, jak Michaił Wysocki, Siemion Aksenow, Andriej Sikhra i wielu innych znakomitych muzyków.

Niemniej jednak dzisiaj gitara klasyczna jest uważana za najpowszechniejszą. Występuje w różnych rozmiarach i może różnić się mocowaniem na szyję, ale jedno pozostaje niezmienne – liczba sznurków. ich w gitara klasyczna powinno być sześć. Ponadto ma konstrukcję mechanizmu kołkowego. Gitara klasyczna może być akustyczna lub elektroniczna.

Wyjątkowość bałałajek

To muzyczni Rosjanie instrumenty ludowe(ciągi według kategorii, wyrywane według typologii). Bałałajka ma trójkątny korpus i trzy struny. Aby wydobyć dźwięk, należy jednocześnie uderzać palcem w naciągnięte nitki. W starożytności czynność tę nazywano grzechotaniem.

Bałałajka to instrument muzyczny będący obok akordeonu symbolem kultury rosyjskiej. Ciało może mieć od 60 do 170 cm, kształt instrumentów jest lekko zakrzywiony lub owalny. Ciało składa się z sześciu oddzielnych segmentów. Góra szyi lekko wygięta do tyłu. Progi mogą mieć od 16 do 31. Struny nowoczesnych bałałajek są wykonane z węgla. Dzięki temu uzyskuje się taki dźwięk dzwonka.

Projekt Pandory

Ten instrument szarpany uważany jest na Ukrainie za instrument ludowy. Ciało jest zawsze owalne, ma krótką szyję. Bandura to instrument muzyczny z ogromną liczbą strun. We współczesnych modelach może być ich do 64, w starożytnych odmianach - od 12 do 25. Cięciwa jest rozciągnięta od krawędzi gryfu do płyty rezonansowej. Im wyżej ściśniesz gryf, tym niższy będzie dźwięk.

Ponadto bandura jest instrumentem muzycznym o charakterystycznej barwie. Osiąga się to stosując system mieszany według rejestrów. Aby grać na bandurze, należy szarpać za struny. Na palcach należy nosić specjalne naparstki.

Niektórzy historycy uważają, że przodkiem instrumentu jest rosyjski gusli, inni – kobza. W niektórych kronikach z XIV wieku zachowały się wzmianki i rysunki charakteryzujące pewien temat muzyczny, niezwykle rozpowszechniony na ziemi kijowskiej.

Odmiany grupy łukowej

Są to głównie dawne ludowe instrumenty strunowe. Najpopularniejsze to: skrzypce, altówka, kontrabas i wiolonczela. Wszystkie te instrumenty stanowią dziś podstawę każdej orkiestry symfonicznej. Innym typem grupy jest oktobas. Częściowo pojawia się dość rzadko ze względu na niski dźwięk. Aby wydobyć dźwięk, należy przesunąć smyczek po jednej lub kilku strunach. Zakres takich instrumentów obejmuje około siedmiu oktaw.

Popularność instrumentów smyczkowych nastąpiła w XVII wieku. Już wtedy uliczni muzycy nauczyli się łączyć instrumenty o różnych barwach w jednorodne brzmienie. Najczęściej takie improwizowane orkiestry składały się ze skrzypków i wiolonczelistów. Co ciekawe, do wydobywania dźwięku z kontrabasu można używać zarówno smyczka, jak i palca.

Funkcje grupy perkusyjnej

Uzyskanie melodii podczas gry na takich instrumentach osiąga się poprzez lekkie uderzenie w struny specjalnym młotkiem. Cymbały są najbardziej świecący przykład grupy. Poza tym czasem jak instrument perkusyjny Używają fortepianu, gdzie jest do tego specjalny autonomiczny mechanizm.

Kolejnym znanym przedstawicielem grupy jest klawikord. Zasada gry sprowadza się do dociskania strun miedzianymi tangenotami. Rezultatem jest specyficzny dźwięk. Tonacja zależy od siły i częstotliwości uderzenia. Podobną procedurę można wykonać za pomocą gitary lub skrzypiec. Czasami, aby wzmocnić brzmienie organiczne, muzycy lekko uderzają w struny palcem lub smyczkiem.

Instrumenty rezonansowe krtani są uważane za odrębny podgatunek tej grupy. Przykłady obejmują didjiridoo i harfę żydowską.

„Darmowe” instrumenty smyczkowe

Harfa eoliczna nie jest zaliczana do żadnej z opisanych powyżej grup, ponieważ głównym sposobem wytwarzania dźwięku jest wibracja struny spowodowana ruchem powietrza. Dzięki temu uzyskuje się najbardziej uduchowioną i subtelną melodię. W czasach starożytnych taką harfę uważano za przedmiot bogów.

Niektóre instrumenty są typu kombinowanego. W średniowieczu czczono ich podróżujących muzyków. Mogli jednocześnie grać na instrumencie szarpanym ze smyczkiem w kształcie koła.

Wydobywanie dźwięków

W przypadku tej procedury sznurek musi być rozciągnięty do pewnego limitu. Każde dotknięcie powoduje wydawanie dźwięku. Struny są dostrojone tak, aby muzyk mógł ostatecznie trafić w żądane nuty. Możesz wpływać na cięciwę poprzez szarpanie, dmuchanie, kłanianie się lub przepływ powietrza.

Im większe napięcie struny i im mniejsza jej grubość, tym cieńszy będzie dźwięk. Na tonację wpływa także długość struny, liczba progów, wielkość korpusu i bębna oraz długość gryfu. Melodia zależy od materiału, z którego wykonana jest struna. Miedziane brzmią głośniej, srebrne cieńsze, nylonowe brzmią matowo i szorstko itp.

Na produkcję nut wpływa również naciśnięcie niektórych progów palcami lub przedmiotem. Podczas gry na gitarze czynność tę nazywa się akordem.

Wpływ na struny

Za najtrudniejszą i najbardziej żmudną procedurę wytwarzania dźwięku uważa się grę na skrzypcach. Aby grać na tym instrumencie, smyczek musi poruszać się wzdłuż strun, pośrodku pomiędzy mostkiem a podstrunnicą. Pozycja jest prostopadła do krawędzi skrzypiec. Aby zmienić barwę należy przesunąć smyczek bliżej dolnego progu korpusu.

Gra na instrumentach szarpanych wymaga znajomości określonej sekwencji nut. Kontakt ze struną następuje w środku bębna. I nie ma znaczenia, czy jest to gitara, czy rosyjskie instrumenty strunowe, takie jak bałałajka czy gusli.

Aby grać na klawiaturze, należy najpierw wybrać obiekt manipulacyjny: stroik, młotek lub tangenotę. Nie ma bezpośredniego wpływu muzyka na smyczki.

Instrumenty akustyczne

Struna zawsze będzie wydawać cichy dźwięk podczas wibracji. Dlatego wynaleziono specjalne konstrukcje w celu zwiększenia tonacji. W instrumentach szarpanych nazywane są bębnami. Podczas wibracji dźwięk przedostaje się do zamkniętej przestrzeni, tworząc echo, i wychodzi z niej kilkukrotnie wzmocniony. Im większy bęben, tym większa głośność melodii.

Akustyczne instrumenty muzyczne strunowe zawsze wykonujemy wyłącznie z wysokiej jakości drewna: świerkowego lub klonowego. Materiały te są trwałe, elastyczne i lekkie. Niektóre instrumenty mogą być wykonane z włókien węglowych (wiolonczela).

Dźwięk elektroniczny

Aby zwiększyć głośność, na początku XX wieku w skrzypcach stosowano tak zwane rezonatory membranowe lub dzwonki. Podobne konstrukcje stosowano wcześniej w gramofonach mechanicznych.

Do 1920 roku rezonatory zaczęły stopniowo zanikać, a ich miejsce zajęły elektroniczne wzmacniacze dźwięku. Ich zasada działania opierała się na przetworniku magnetycznym, który odbierał wibracje, przekształcał je w mocny sygnał i emitował nuty przez głośniki.

Z czasem pojawiły się instrumenty typu solid-body, które wyeliminowały niepotrzebne szumy, skrzypienia i echa. Nowoczesny sprzęt do wzmacniania muzyki pozwala nie tylko zwiększyć głośność dźwięku, ale także nadać mu dodatkowe efekty.

W smyczkowych instrumentach muzycznych dźwięki powstają poprzez pocieranie włosiem smyczka o struny; z tego powodu charakterystyka dźwięku Różnią się znacząco od instrumentów szarpanych.

Instrumenty smyczkowe wyróżniają się wysoką jakością dźwięku i nieskończonymi możliwościami w zakresie techniki wykonawczej, dlatego przodują w różnych orkiestrach i zespołach i są szeroko stosowane w występach solowych.

Ta podgrupa instrumentów obejmuje skrzypce, altówki, wiolonczele, kontrabasy, a także szereg instrumenty krajowe 1 (gruzińskie chianuri, uzbecki gidzhak, azerbejdżański kemancha itp.).

Skrzypce wśród instrumentów smyczkowych jest to instrument o najwyższym rejestrze. Dźwięk skrzypiec w górnym rejestrze jest lekki, srebrzysty, w środku miękki, delikatny, melodyjny, a w dolnym rejestrze napięty, gęsty.

Skrzypce strojone są w kwintach. Zakres gry na skrzypcach wynosi 3 3/4 oktawy, od G małej oktawy do E czwartej oktawy.

Produkują skrzypce solo w rozmiarze 4/4; treningowe, rozmiar 4/4, 3/4, 2/4, 1/4, 1/8. Skrzypce edukacyjne w odróżnieniu od solowych charakteryzują się nieco gorszym wykończeniem i niższą jakością dźwięku. Z kolei skrzypce edukacyjne, w zależności od jakości brzmienia i wykończenia zewnętrznego, dzielą się na skrzypce edukacyjne klasy 1 i 2. Skrzypce klasy 2 różnią się od skrzypiec klasy 1 gorszą jakością dźwięku i wykończeniem zewnętrznym.

Alt Niektóre więcej skrzypiec. W górnym rejestrze brzmi napięta i szorstka; w środkowym rejestrze dźwięk jest głuchy (nosowy), melodyjny, w dolnym rejestrze alt brzmi gęsto, nieco szorstko.

Struny altówki są strojone w kwintach. Zakres - 3 oktawy, od nuty do małej oktawy, do nuty do trzeciej oktawy.

Altówki dzielą się na altówki solo (rozmiar 4/4) i altówki edukacyjne klasy 1 i 2 (rozmiar 4/4).

Wiolonczela prawie 3 razy większe od pełnowymiarowych skrzypiec, gra się na nich siedząc. Narzędzie kładzie się na podłodze po włożeniu ogranicznika.

Dźwięk górnego rejestru instrumentu jest lekki, otwarty, piersiowy. W środkowym rejestrze brzmi melodyjnie i gęsto. Dolny rejestr brzmi pełny, gęsty, gęsty. Czasem dźwięk wiolonczeli porównywany jest do brzmienia ludzkiego głosu.

Wiolonczela jest nastrojona w kwintach, oktawę poniżej altowego. Zakres wiolonczeli wynosi 31/3 oktawy – od C przez oktawę większą do E drugiej oktawy.

Wiolonczele dzielą się na solowe i studyjne:

♦ solo (rozmiar 4/4) wykonane są według jednego z modeli Stradivariusa i przeznaczone są do solowego, zespołowego i orkiestrowego wykonywania utworów muzycznych;

♦ wiolonczele edukacyjne klasy 1 (rozmiar 4/4) i klasy 2 (rozmiar 4/4, 3/4, 2/4, 1/4, 1/8) różnią się jakością dźwięku i prezentacją. Przeznaczony do nauczania muzyki uczniów w różnym wieku.

Kontrabas- największy z rodziny instrumentów smyczkowych; jest prawie 31/2 razy dłuższa niż pełnowymiarowe skrzypce. Na kontrabasie gra się w pozycji stojącej, ustawionej na podłodze w taki sam sposób jak na wiolonczeli. Kontrabas w swojej formie zachował cechy starożytnych altówek.

Kontrabas to najniżej brzmiący instrument w rodzinie smyczków. Jego brzmienie w środkowym rejestrze jest gęste i dość miękkie. Nuty głowy brzmią płynnie, ostro i intensywnie. Dolny rejestr brzmi bardzo gęsto i gęsto. W przeciwieństwie do innych instrumentów smyczkowych, kontrabas zbudowany jest w kwartach i brzmi o oktawę niżej niż kontrabas jotowany. Zakres kontrabasu wynosi 21/2 oktawy - od przeciwoktawy E do małej oktawy B-be-mol.

Kontrabasy dzielą się na: solo (rozmiar 4/4); edukacyjna klasa 1 (rozmiar 4/4); edukacyjne 2 klasy (wielkość 2/4, 3/4, 4/4).

Produkowane są również pięciostrunowe kontrabasy solowe (rozmiar 4/4), począwszy od nut przez przeciwoktawę po nuty do drugiej oktawy.

W swojej konstrukcji skrzypce, altówka, wiolonczela i kontrabas są tego samego typu. Różnica między nimi polega głównie na wielkości i strukturze. Dlatego w tym artykule opisano konstrukcję tylko jednego instrumentu smyczkowego - skrzypiec.

Głównymi elementami konstrukcyjnymi skrzypiec są: korpus, gryf z gryfem, główka, strunnik, stojak, pudełko na kołki, struny.

Korpus w kształcie ósemki wzmacnia wibracje dźwiękowe strun. Składa się z pokładu górnego i dolnego (14, 17), które stanowią najważniejsze części rezonansowe skrzypiec, oraz muszli (18). Górny pokład jest najgrubszy w środku i stopniowo maleje w kierunku krawędzi. Pokłady w przekroju mają kształt małego łuku. W górnej płycie rezonansowej znajdują się dwa otwory rezonatorowe w kształcie łacińskiej litery „f”, stąd ich nazwa – „f-hole”. Pokłady są połączone muszlami.

Korpusy narzędzi składają się z sześciu części i są przymocowane do sześciu słupków korpusu (16, 19). Do górnego słupka korpusu przymocowana jest szyjka (20), na której osadzona jest szyjka (10). Gryf służy do dociskania strun podczas gry, ma na całej długości kształt stożkowy, na końcu lekko zakrzywiony. Kontynuacją szyjki i jej zakończeniem jest główka (3), która posiada skrzynkę na kołki (12) z bocznymi otworami do wzmocnienia kołków. Zawinięcie (11) jest końcem pudełka na kołki i ma inny kształt(często w kształcie).

Kołki mają kształt stożkowych prętów z główką i służą do napinania i strojenia strun. Nakrętka (13) na górze gryfu ogranicza część rezonansową strun i posiada krzywiznę gryfu.

Końcówka (6) służy do zabezpieczenia dolnych końców strun. W tym celu posiada w swojej szerokiej części odpowiednie otwory.

Stojak (15) podtrzymuje struny na wymaganej wysokości od gryfu, ogranicza długość sondowania strun i przenosi drgania strun na płyty rezonansowe.

Wszystkie instrumenty smyczkowe mają cztery struny (tylko kontrabas może mieć pięć strun).

Do wytworzenia dźwięku stosuje się łuki, które różnią się rozmiarem i kształtem.

Pałąk składa się ze stroika (2) z główką na górnym końcu, bloku śruby napinającej (5) i włosia (6). Trzcina kokardkowa, na którą naciągane są równomiernie rozmieszczone włosy, jest lekko zakrzywiona. Posiada główkę (1) na końcu i sprężynuje w kierunku przeciwnym do włosa. Do zabezpieczenia włosów stosuje się blok, a na drugim końcu kokardy włosy mocuje się na końcu laski w głowie. Blok porusza się po trzcinie poprzez obrót śruby (4) znajdującej się na końcu trzciny i zapewnia włosom wymagane napięcie.

Kokardy dzielą się na łuki solowe i edukacyjne I i II klasy.

Części zamienne i akcesoria do instrumentów smyczkowych

Częściami wymiennymi i akcesoriami do instrumentów smyczkowych są: strunniki i podstrunnice, statywy, kołki wykonane z barwionego twardego drewna lub tworzywa sztucznego; wyciszenia wykonane z tworzywa sztucznego lub drewna; maszyny do regulacji napięcia strun mosiężnych; plastikowe podbródki do skrzypiec i altówki; smyczki; guziki; etui i pokrowce.

Skrzypce, wiolonczela, kontrabas. Być może najbardziej słynne instrumenty na których gra się łukiem. A przecież niewiele osób wie, że kontrabas to także instrument smyczkowy. Większość jest przyzwyczajona do widoku kontrabasu w rękach czarnego mężczyzny z cygarem w zębach, spokojnie szarpiącego struny. Ale mimo to. Na świecie jest bardzo wielu Smyczków.

Większość z nich to instrumenty ludowe, które z biegiem czasu nie uległy większym zmianom konstrukcyjnym i przetrwały do ​​dziś w niemal takiej samej formie, w jakiej były setki lat temu. Nasza era powszechnej elektryfikacji dała początek elektrycznym wersjom skrzypiec i kontrabasu, co otworzyło przed wykonawcami zupełnie nowe i szerokie pole do eksperymentów, biorąc pod uwagę ogromną liczbę dodatkowych zabiegów dla nich. Tak czy inaczej, zasada działania tych narzędzi pozostaje taka sama i niezmieniona dla wszystkich.

Przyjrzyjmy się skrzypcom i smyczkowi do nich.

Konstrukcja skrzypiec jest mniej więcej jasna – pusty w środku drewniany korpus, gryf, kołki, struny. Do tego kokardka i drewniana laska z rozciągniętą kępką końskiego włosia.

Najciekawszym pytaniem jest proces powstawania dźwięku. Łuk porusza się po strunach w obu kierunkach, trzymając je drugą ręką. Pojawia się dźwięk, zasadniczo skrzypiący dźwięk. Wibracje strun przenoszone są na ciało, które zaczyna rezonować i dzięki temu słychać dźwięk skrzypiec.

Przyjrzyjmy się bliżej.

Włosie końskie tworzące łuk ma dość grubą teksturę i ma ząbki widoczne pod mikroskopem.Dodatkowo - jest wstępnie nacierany kalafonią w celu poprawy przyczepności do sznurka.Same struny produkowane są na różne sposoby i z różnych materiałów.Najpopularniejszymi materiałami na struny do skrzypiec są metal, polimery nylonowe i ścięgna zwierzęce.

Tak, żyły zwierzęce.Wszystko zaczęło się od takich sznurków i są one produkowane do dziś, dodając do włókien różne nici nylonowe, poddając je wszelkiego rodzaju obróbkom poprawiającym wytrzymałość i stosując dodatkowe uzwojenie z różnych materiałów.

Więc oto jest.

Łuk poruszając się w jednym kierunku lekko skręca strunę ze względu na przyczepność i jej fakturę, ale w momencie największego oporu struna pęka i ślizga się, powodując wibracje podczas tarcia i odpowiednio dźwięk.

Wszystko to dzieje się bardzo szybko, a dźwięk odbierany jest jako jednorodny.Im krótsza struna, tym więcej wibruje, a co za tym idzie, dźwięk staje się wyższy.W ten sposób skrzypek zaciskając strunę na gryfie w różnych miejscach reguluje wysokość instrumentu.

Instrumenty smyczkowe są bezprogowe. Oznacza to, że skrzypek reguluje wysokość dźwięku, koncentrując się najpierw na swoim słuchu, a następnie na doświadczeniu.

I nie jest to zaskakujące, gdyż mechanizm działania jest bardzo podobny, z tą różnicą, że struny głosowe są pompowane powietrzem z płuc, a struny skrzypiec pompowane przez smyczek, przy czym ten sam bezprogowy charakter instrumentu przynosi pewną spontaniczność wykonania, gdyż najmniejszy ruch palców skrzypka zaciskających strunę wpływa na jej długość, a co za tym idzie na wysokość dźwięku.

Ludzie nie są maszynami i właśnie ta niedoskonałość z technicznego punktu widzenia dodaje muzyce uroku, ponieważ tak czy inaczej, gdy bierze się do ręki instrument i zaczyna na nim grać, człowiek całkowicie odbija się w dźwięku, jak w lustrze...

Zwłaszcza jeśli jest to dźwięk skrzypiec.