Wiadomo, że wśród uczniów Karla Bryullova jego malarstwo „Ostatni dzień Pompejów” miał dość prostą nazwę - po prostu „Malarstwo”. Oznacza to, że dla wszystkich uczniów ten obraz był po prostu obrazem przez duże P, obrazem obrazów. Można podać przykład: jak Biblia jest księgą wszystkich ksiąg, słowo Biblia zdaje się oznaczać to słowo Książka. U podstaw jego projektu i końcowego efektu estetycznego „Ostatni dzień Pompejów” to nie tylko kolejne doświadczenie w stylu metamorfozy, ale także ucieleśniona idea, plan.

Zasada metamorfozy opiera się na magicznej mocy sztuki, i to nie tylko w skali zabawkowej, ale także na skalę imponującą. Gogolowi udało się wyrazić wszystkie uczucia z całkowitą pewnością: „...wydawało mi się, że rzeźba, którą starożytni ujmowali w tak plastycznej doskonałości, że wreszcie rzeźba ta przeszła do malarstwa, a w dodatku przepojona była jakąś tajemną muzyką.”. Ukazany widzowi ideał doskonałości przeszedł metamorfozę. Zmartwychwstał i przemienił się w malowniczą postać. Przecież tak w tłumaczeniu nazywa się malarstwo – malować żywo. W rzeźbie wszystko, co jest wykonane z kamienia, po prostu ożywa. Ale natychmiast znikają w nim wszelkie oznaki podobieństwa do życia, jakie malarstwo może przywrócić. Jednocześnie wcale nie traci swojej doskonałości, jest odciśnięty w rzeźbach przez starożytność.

Wynika z tego fabuła obrazu „Ostatni dzień Pompejów” interpretuje nie bardzo tragiczne wydarzenie z życia, ale fabułę artystyczną. Opowiada, jak ideał doskonałości został pogrzebany, ale utrwalony w kamieniu, aby móc zwyciężyć, pokonać czas. Musiał odrodzić się w malarstwie, aby zrozumieć cechy doskonałego piękna w obrazach rzeźbiarskich. Przez długi czas gromadziła fundusze, aby ożywić i przywrócić oddech takiemu pięknu. Był to dług, jaki sztuka malarstwa musiała zwrócić sztuce klasycznej. Trzeba było nauczyć się znajdować ideał absolutnie pięknego. Taki właśnie nastrój panował w dialogu antyku z romantyzmem, stanowiło to swego rodzaju estetyczne tło, na którym zarysowywały się kontury obrazu Bryullowa. Malarstwo Karla Bryullova miało właśnie taki metafizyczny superfabuł o nieprzeniknioności ścieżek ciągłości i doświadczenia artystycznego.

Warto o tym przypomnieć Baratyński skomponował słynne obecnie wersety „I to był ostatni dzień Pompejów”. Gogola zapowiada już na początku swego artykułu o ponurym spektaklu końca i śmierci jasnej niedzieli w malarstwie. Według słów obu mistrzów, ostateczna fabuła i tytuł obrazu rozgrywają się w tym samym duchu. To jest właśnie klucz do obrazu i sukcesu, jaki obraz otrzymał od współczesnych. Rozgrywa się antyteza: Dzień Ostatni, co oznacza śmierć i koniec, śmierć - i pierwsza - czyli znacząca i uroczysta. Obydwa obrazy ukazują jednak katastrofalny upadek życia w jednej kwestii – historii, a w pewnym momencie zostaje ona powiązana mistycznie z cudowną obecnością żywej energii.

Tutaj artysta narysował obraz życiodajnej śmierci. Starożytny świat na obrazie zginął, ale wydawało się, że zostało ocalone przez żywe piękno. Karlowi Bryullovowi udało się zarówno wskrzesić, jak i unieśmiertelnić. Właśnie o tym mówi Gogola: „Jego postacie są piękne pomimo grozy ich sytuacji. Zagłuszają go swoim pięknem... Człowiek Bryulłowa pojawia się, aby pokazać całe swoje piękno, cały najwyższy wdzięk swojej natury. Namiętności, prawdziwe, ogniste uczucia wyrażają się w tak pięknym wyglądzie, w tak pięknej osobie, że zachwycasz się aż do zachwytu…”

W pierwszym wieku naszej ery doszło do serii erupcji Góra Wezuwiusz którym towarzyszyło trzęsienie ziemi. Zniszczyli kilka dobrze prosperujących miast, które znajdowały się u podnóża góry. Miasta Pompeje zniknęła w ciągu zaledwie dwóch dni – w sierpniu 1979 roku została całkowicie pokryta popiołem wulkanicznym. Znalazł się pod siedmiometrową warstwą popiołu. Wydawało się, że miasto zniknęło z powierzchni ziemi. Odkrycie Pompejów wydarzyło się w 1748 rok. Od tego czasu, miesiąc po miesiącu, ciągłe wykopaliska odkrywały miasto. Pompeje pozostawiły niezatarty ślad w duszy Karola Bryulłowa już podczas jego pierwszej wizyty w mieście w 1827 roku.

Brat Bryullowa studiuje architekturę pompejańską i pracuje nad projektami renowacji łaźni pompejańskich. Wydawać by się mogło, że temat przyszłego obrazu powstał naturalnie, jakby był hołdem złożonym wrażeniu. Jednak w sztuce europejskiej temat Pompejów jest tematem nomadycznym. Romantyzm jako sztuka został stworzony przez pokolenie ludzi w czasie wojen napoleońskich. To właśnie na ich oczach ukazały się spektakle tajemniczej gry. Romantycy zaczęli inaczej wymyślać i interpretować tematy historyczne.

Tragiczne sceny często przedstawiano w różnych przejawach sztuki klasycznej. Na przykład zniszczenie Sodomy lub plagi egipskie. Ale w takich opowieściach biblijnych sugerowano, że egzekucja nastąpiła z góry, tutaj można było dostrzec przejaw Bożej opatrzności. Jak gdyby historia biblijna nie znała bezsensownego losu, a jedynie gniew Boży. Na obrazach Karla Bryullova ludzie byli zdani na łaskę ślepych żywiołów przyrody, losu. Nie ma tu mowy o winie i karze. Na obrazku nie będziesz w stanie odnaleźć głównego bohatera. Po prostu go nie ma. To, co ukazuje się przed nami, to tylko tłum, ludzie ogarnięci strachem.

W przeciwieństwie do wielu obrazów epoki klasycyzmu, gdzie dominował głównie jeden obrót twarzy bohaterów - w stronę widowni, tutaj opracowywana jest nowa technologia, nowa opcja. Kierunek ruchu odbywa się tylko z kierunkiem ruchu na głębokość. Poszczególne postacie na obrazie ukazane są od tyłu, niektóre poruszają się mocno ukośnie. Ta technika umieszczania grup nadała temu, co się działo, istnienie niezależne od widza, tutaj wszystko istnieje tylko dla widza. Wszystko, co się dzieje tragicznego i strasznego, dzieje się tylko dla widzów. To wydarzenie w rodzaju prawdziwego pożaru na scenie sztucznie przystosowanej do sztucznych namiętności, które sprawia, że ​​widz czuje wszystko, co widzi, wszystko dotyczy go bezpośrednio, jest tak, jakby był uczestnikiem wydarzenia, a nie widzem.

Bryullov wpadł na pomysł zastosowania w swoich szkicach chwytu kompozycyjnego, zamierzał zmieniać oprawę wizualną przez analogię do podobnych sytuacji. Widz musiał być przepojony poczuciem, że wszystko dzieje się bezpośrednio. Na szkicu przechowywanym w Galerii Trietiakowskiej widać całą plątaninę linii wirujących na różne sposoby. Zdjęcie w prawym górnym rogu przedstawia erupcję wulkanu - z krateru wybucha język ognia, a języki lawy schodzą po zboczach góry. Czerwone niebo na zdjęciu również jest otoczone płomieniami.

Na szkicu widać także zmodyfikowane cytaty z fresku watykańskiego „Pożar w Borgo”. Tutaj także widać grupy ludzi wznoszących ręce do nieba. Proszą najwyższego kapłana o miłosierdzie. Obraz ma kształt prostokątnego grobowca, co ogranicza głębię obrazu i stwarza wrażenie bliskości. Jest to mieszanka klasycznego kanonu i nowego. To właśnie romantyczne namiętności autora zapewniły filmowi tak wielki sukces we Włoszech. Film odniósł sukces także w Petersburgu. To właśnie tutaj z niecierpliwością oczekiwano na zdjęcie.

Obraz powstał na zamówienie. Zamówiłem to Anatolij Demidow był jednym z najbogatszych spadkobierców właścicieli górnictwa Ural. We Włoszech kupił sobie specjalny tytuł księcia San Donato, kolekcjonera i filantropa. W 1834 r. Demidow przybył do Petersburga i podarował ten obraz Mikołajowi I. Anatolij postanowił najpierw pokazać obraz we Francji, więc obraz trafił do Paryża. Ale w marcu tego samego roku pokazała się w Barcelonie. Jury wystawy ustaliło nagrodę główną dla tego właśnie obrazu.

Ale Karl Bryullov pozostał niezadowolony z reakcji francuskiej krytyki, zwłaszcza po włoskim entuzjazmie. To francuska krytyka artystyczna odzwierciedlała ogólną równowagę sił w sztuce, ale była to walka partii. Bryullov osiągnął kompromis - połączył romantyzm i klasycyzm. Jednak na tle toczącej się walki klasycyzmu z romantyzmem obraz nie zadowalał gustów obu grup. Na wystawie obraz znajdował się pomiędzy obrazami - „Św. Symforion” Ingres i „Algierskie kobiety” Delacroix.

Za życia nazywany był „Wielkim Karolem”, był dumą i chwałą Rosyjskiej Akademii Sztuk, która przez lata studiów uhonorowała go wszystkimi nagrodami akademickimi. W dniu ukończenia Akademii Karol Pawłowicz Bryulłow wyniósł z auli całą garść medali. Dla opinii publicznej ucieleśniał mit geniuszu, błyskotliwego, kapryśnego, pewnego siebie i nieosiągalnego w swoich umiejętnościach, wykształceniu, znajomościach społecznych, romansach i hulankach. Jedna z legend o Bryullowie znajduje odzwierciedlenie w rysunku Repina „Puszkin i Karol Bryullow”, który przedstawia Puszkina na kolanach błagającego Wielkiego Karola o rysunek.

Karl Pavlovich Bryullov urodził się i wychował w rodzinie dziedzicznych artystów (jego pradziadek pracował jako modelarz w fabryce porcelany, jego dziadek był rzeźbiarzem, jego ojciec był akademikiem rzeźby ozdobnej, jego brat Aleksander był architektem) . Jego słynny talent objawił się niezwykle wcześnie. Jeszcze podczas studiów w Akademii Bryullov stał się jej gwiazdą.

W 1821 Bryulłow ukończył Akademię z Wielkim Złotym Medalem, a w 1822 wyjechał do Rzymu za pieniądze Towarzystwa Zachęty Artystów. Tutaj tworzy najlepsze dzieło swojego życia - słynne „” (1830–1833).

W tym czasie romantyzm w Rosji przechodził etapy „portretowy” i „krajobrazowy”, a sztuka rosyjska „dojrzewała” do stworzenia dużego obrazu historycznego i filozoficznego. Tematem takiego obrazu nie jest los konkretnej postaci historycznej ani nawet los narodu, ale los całej ludzkości.
Fabuła płótna Bryulłow- starożytne miasto Cesarstwa Rzymskiego, Pompeje, wymazane z powierzchni ziemi podczas erupcji Wezuwiusza w I wieku naszej ery. W tej katastrofie zginęło około dwóch tysięcy osób. Wybór tematu mógł zostać zasugerowany przez brata artysty, architekta Aleksandra Bryullowa, który stworzył słynny projekt przebudowy Term Pompejańskich. Impulsem do powstania pomysłu na film była opera Paciniego „”.

Co ciekawe, obraz nie został namalowany według wskazówek Akademii, ale według dowolnie wybranej fabuły; nie na oficjalne polecenie, ale na polecenie osoby prywatnej, księcia A.N. Demidowa.

Malarstwo Bryulłowa z nowatorską w tamtych czasach dokładnością historyczną i archeologiczną przedstawiało okres historyczny, obszar geograficzny, styl ubioru i broń. Od połowy XVIII wieku prowadzono wykopaliska w miastach Herkulanum i Pompejach, pokrytych popiołami Wezuwiusza, co wzbudziło duże zainteresowanie społeczeństwa. Artysta Karl Bryullov wykorzystywał w swojej twórczości odkrycia archeologiczne. Lokalizacja Bryulłow przedstawiał najlepiej zachowaną w mieście, zniszczoną przez czas Ulicę Grobów. Nawet znalezione podczas wykopalisk szkielety trzech połączonych ze sobą kobiet przedstawił na zdjęciu jako połączoną grupę – matkę z dwiema córkami.

Przez około sześć lat artysta wnikliwie studiował źródła historyczne i dokumenty związane z tragedią Pompejów, czytał listy starożytnego rzymskiego polityka Pliniusza Młodszego do historyka Cesarstwa Rzymskiego Tacyta, życie, zwyczaje i tradycje starożytnych Włoch. Ale fakty dokumentalne i dokładność, jako podstawa obrazu, nie więzią fantazji i wyobraźni Bryulłowa, jego geniusz nie staje się więźniem szczegółów archeologicznych i historycznych. Najważniejsze jest to, że człowiek staje w obliczu śmierci, która ujawnia jego walory moralne. Miłość i szlachetność: oto matka Pliniusza namawiająca syna, aby ją opuścił i nie obciążał się; oto pan młody z martwą panną młodą w ramionach. Albo zwierzęcy strach, który niszczy szacunek człowieka do samego siebie.

Pracując nad dziełem, Bryullov inspirował się monumentalnymi dziełami tytanów renesansu Rafaela i Michała Anioła. Skopiował” Szkoła ateńska"i studiowałem" Pożar w Borgo» Rafał. Bryullov powtarza technikę mistrzów renesansu, którzy umieścili swoje autoportrety i portrety współczesnych na płótnach o tematyce biblijno-historycznej. W „ Ostatni dzień Pompejów": portret samego siebie Bryulłow i jego przyjaciółka - hrabina Julia Samoilova. Aleksander Iwanow z dumą pisał o rosyjskiej szkole malarstwa, że ​​Bryulłow swoim obrazem udowodnił: „Rosjanie mają ulepszyć to, co wymyślili wielcy malarze włoscy”.

Po gali” Pompeje„Na europejskich wystawach sztuki genialny Karol Pawłowicz Bryulłow, odnosząc sukces, wrócił do Rosji i został powitany jako bohater wychwalający Ojczyznę.

Po " Pompeje» Bryullov poszukuje nowych dramatycznych tematów historycznych. Maluje obraz „” (1834)

na podstawie fabuły XVI-wiecznego poety Camõesa opracowuje szkic obrazu pt. „”.

Fabuła inspirowana jest artykułem N.V. Gogola „O ruchu ludów pod koniec V wieku”. O przywódcy Hunów Genseryku (na szkicu Bryullowa jest on przedstawiony na koniu w skórze tygrysa na zbroi). Bryullov nie odważył się stworzyć dużego płótna na podstawie tego szkicu. Powtórzenie sukcesu Pompejów nie było już możliwe.

Wybitny Bryullov jest bardzo różnorodny w swoich zainteresowaniach gatunkowych. Nie ma dla niego barier, aby pisać swoje bezcenne dzieła, czy to dramaty historyczne, czy sceny rodzajowe, portrety czy obrazy w stylu „AKT”. Obrazy rodzajowe napisane we Włoszech - „”, „ Południe», « Klasyczny„”, „”, „” - eleganckie i świąteczne.

Tutaj Bryullov tworzy żywe wrażenie powietrza i słońca. Kolor w jego pracach pozostaje lokalny. Układ plam barwnych podporządkowany jest celom dekoracyjnym.

„”, „” - synteza surowej prawdy życia i idealnego piękna. Maluje piękno kobiecego ciała, ale przy wszystkich formach rzeźbiarskich piękno nie jest zimne, ale żywe, ciepłe.

„Podpisowym” efektem malarstwa Bryulłowa, będącego przedmiotem naśladowania i zazdrości jego epigonów, jest zaskakująco delikatny blask od wewnątrz, inspirowany antycznymi marmurami, co jest chlubą dzieł tego artysty. Akty Bryullowa o tematyce mitologicznej w duchu romantyzmu zabarwione są pikantnością orientalnej egzotyki: śnieżnobiałe piękno jego Batszeby i Junony przełamywane jest przez ciemnoskóre ciała mulatek.

Podobnie jak wielu twórczych romantyków, Bryullov lubił egzotykę Wschodu. W 1835 odwiedził Turcję. Po tej podróży w jego twórczości pojawiły się motywy orientalne: dzieła oparte na „ Fontanna Bakczysaraju„Puszkin, wiersze Żukowskiego” Peri i anioł», « Turek" Fantazyjne orientalne stroje pozwalają na rozkwit talentu dekoracyjnego Bryulłow.

W twórczości Bryulłowa, jako malarza historycznego, można zobaczyć niezwykłą kolekcję jego portretów z różnych czasów. Być może najbardziej znanym z nich jest słynny „ Jeździec„(portret Giovaniny i Amazilii Pacini – uczniów hrabiny Yu.P. Samoilovej).

Tworząc własną wersję malarstwa ceremonialnego – portretu, inspirował się klasyką tego gatunku – portretami ceremonialnymi o chwytliwej wyrazistości i powadze holenderskiego mistrza, który został portrecistą na dworze angielskim w XVII wieku, Van Dycka. Portret ceremonialny zawiera w sobie odcienie codzienności. Portret Bryullovów wydawał się wypełniony żywym ruchem, motywem i dźwiękami: szczekanie psów, zdaje się, że w rozbrzmiewających echem korytarzach pałacu wciąż słychać echo tupania dziecięcych stóp. Koń jest gorący, ale sam jeździec siedzi nieruchomo, jak na piedestale, na jego szerokim grzbiecie. Z wielkimi umiejętnościami Bryulłow pisze trzepoczący szmaragdowy szalik jeźdźca na tle ciemnej zieleni parku (zielony na zielonym). Portret pochłonął radosne uczucie zachwytu nad świątecznym bogactwem i różnorodnością życia.

W portretach z lat czterdziestych XIX wieku charakterystyka osoby staje się głębsza i bardziej indywidualna, odcienie uczuć i stanów psychicznych stają się bardziej zróżnicowane. Portret ceremonialny - obraz schodzi na dalszy plan. Obecnymi bohaterami Bryullowa są szlachecka inteligencja po klęsce powstania dekabrystów, czasach, kiedy wielu wolało wyjechać za granicę lub do swoich majątków, ale nie mieszkać w stolicy, nie służyć na dworze Mikołaja I. Bohaterowie Bryullowa są na zewnątrz bierni, o słabej woli, znają uczucie wewnętrznej dewastacji. Portret mistrza z lat czterdziestych XIX wieku jest pełen nastrojów Lermontowa: „ogień we krwi” i „tajemniczy chłód” duszy, śmierć w wyniku bierności intelektualnych i duchowych sił Rosji, melancholia „zbędnych ludzi” znanych z czasów historia literatury rosyjskiej i lekcje literatury szkolnej.

W porównaniu do swoich poprzedników (Rokotow, Lewicki, Borovikovsky, Kiprensky) w portretach Bryulłowa pojawia się nowa cecha - refleksja. W twórczym myśleniu Karola Pawłowicza leżą początki opisu psychologicznego portretu osobowości z drugiej połowy XIX wieku, portretu Perowa, Kramskoja, Ge, Repina. Jednym z najlepszych dzieł dojrzałych lat Bryulłowa jest „”, przyjaciel artysty, tłumacz Goethego na język rosyjski.

To on otrzymał M.I. Romans Glinki” Skowronek" Boleśnie – blada, szczupła twarz, zgaszony ogień oczu, wiotkie miękkie usta, nerwowo cienkie palce – przed nami stoi osoba inteligentna, wrażliwa, ale głęboko zmęczona i załamana.

Blisko niego w emocjonalnym nastroju i „ Autoportret”, napisany przez Bryulłowa bardzo szybko i szkicowo podczas krótkiej przerwy w chorobie. Bladą twarz, wyczerpaną chorobą i myślami, otacza aureola złotych włosów, prawa ręka jest opuszczona. Ranny lew, który stracił siłę, ale nie stracił wielkości.

Jednym z ostatnich portretów artysty jest „”.

Na portrecie ma siedemdziesiąt dwa lata. Archeolog i orientalista patrzy z portretu czujnie i zebranie, życie jego intelektu czyni go pięknym.

Bryullov ostatnie lata życia spędził na Maderze i w Rzymie. Zmarł w Rzymie i tam został pochowany na cmentarzu na Monte Testaccio. Wywyższony i ubóstwiony za życia Bryulłow został po śmierci poddany ostrej krytyce, a pokolenie lat sześćdziesiątych XIX wieku brutalnie zrzuciło go z piedestału.

Sztuka drugiej połowy XIX wieku odwróci się od Karla Bryullova, jego płótna będą nosić nazwę V.V. Stasov pusty, trzaskający, fałszywy. Wyhodowany przez N.S. Leskov pod pseudonimem Phebufis w powieści „Lalki diabła” Bryullov jest przedstawiany jako utalentowany człowiek, ale pusty kwiat, przystojny, ale zimny. Oraz pisarzowi i krytykowi D.V. Grigorowicz widział Bryullowa jako postać karykaturalną – małego, grubego mężczyznę na krótkich nogach i wystającym brzuchu. Wokół nazwiska Bryullova będzie bardzo gorąca debata. Potrzebny będzie autorytet i odwaga I.E. Repina, aby pod koniec XIX wieku w swoich artykułach i listach oddał hołd talentowi Bryullowa i zrehabilitował sztukę Wielkiego Karola.

Publikacje w dziale Muzea

Starożytna tragedia rzymska, która stała się triumfem Karla Bryulłowa

23 grudnia 1799 roku urodził się Karol Bryulłow. Karl, syn urodzonego we Francji rzeźbiarza Paula Brulleau, był jednym z siedmiorga dzieci w rodzinie. Jego bracia Paweł, Iwan i Fedor również zostali malarzami, a brat Aleksander – architektem. Jednak najbardziej znany był Karol, który w 1833 roku namalował „Ostatni dzień Pompejów”, główne dzieło jego życia. „Kultura.RF” przypomniała sobie, jak powstawał ten obraz.

Karol Bryulłow. Autoportret. 1836

Historia stworzenia

Obraz powstał we Włoszech, gdzie w 1822 roku artysta udał się na czteroletni wyjazd emerytalny z Cesarskiej Akademii Sztuk Pięknych. Ale mieszkał tam przez 13 lat.

Fabuła opowiada o starożytnej tragedii rzymskiej - śmierci starożytnego miasta Pompeje, położonego u podnóża Wezuwiusza: 24 sierpnia 79 r. n.e. mi. Erupcja wulkanu pochłonęła życie dwóch tysięcy mieszkańców.

W 1748 roku inżynier wojskowy Rocque de Alcubierre rozpoczął wykopaliska archeologiczne w miejscu tragedii. Odkrycie Pompejów stało się sensacją i znalazło odzwierciedlenie w twórczości różnych ludzi. Tak więc w 1825 r. ukazała się opera Giovanniego Paciniego, a w 1834 r. powieść historyczna Anglika Edwarda Bulwer-Lyttona poświęcona śmierci Pompejów.

Bryullov po raz pierwszy odwiedził miejsce wykopalisk w 1827 roku. Wybierając się do ruin, 28-letni artysta nie miał pojęcia, że ​​ta wyprawa okaże się dla niego fatalna: „Nie można przejść przez te ruiny, nie czując w sobie zupełnie nowego uczucia, które sprawi, że zapomnisz o wszystkim oprócz strasznego wydarzenia z tym miastem”.– napisał artysta.

Uczucia, których doświadczył Karl Bryullov podczas wykopalisk, nie opuściły go. Tak narodził się pomysł płótna o tematyce historycznej. Pracując nad fabułą, malarz zapoznawał się ze źródłami archeologicznymi i literackimi. „Wziąłem tę scenerię z życia, nie wycofując się ani nie dodając, stojąc tyłem do bram miasta, aby za główny powód uznać część Wezuwiusza”.. Wzorami postaci byli Włosi – potomkowie starożytnych mieszkańców Pompejów.

Na przecięciu klasycyzmu i romantyzmu

W tej pracy Bryullov objawia się nie jako tradycyjny klasycysta, ale jako artysta ruchu romantycznego. Zatem jego fabuła historyczna poświęcona jest nie jednemu bohaterowi, ale tragedii całego narodu. A jako fabułę wybrał nie wyidealizowany obraz lub pomysł, ale prawdziwy fakt historyczny.

To prawda, że ​​​​Bryullov buduje kompozycję obrazu w tradycji klasycyzmu - jako cykl poszczególnych epizodów zamkniętych w trójkącie.

Po lewej stronie obrazu, w tle, przedstawiono kilka osób na stopniach dużego budynku grobowca Skaurusa. Kobieta patrzy bezpośrednio na widza z przerażeniem w oczach. A za nią artysta z pudełkiem farb na głowie: to autoportret Bryullowa przeżywającego tragedię wraz ze swoimi bohaterami.

Bliżej widza widać małżeństwo z dziećmi, które próbuje uciec przed lawą, a na pierwszym planie kobieta przytulająca córki... Obok niej chrześcijański ksiądz, który już zawierzył swój los Bogu i dlatego jest spokój. W głębi obrazu widzimy pogańskiego księdza rzymskiego, który próbuje uciec, zabierając kosztowności rytualne. Tutaj Bryullov nawiązuje do upadku starożytnego pogańskiego świata Rzymian i początku ery chrześcijańskiej.

Po prawej stronie obrazu, w tle, jeździec na koniu, który stanął dęba. A bliżej widza ogarnięty przerażeniem pan młody, który próbuje trzymać w ramionach narzeczoną (ma na sobie wianek z róż), która straciła przytomność. Na pierwszym planie dwóch synów niesie na rękach starego ojca. A obok nich młody mężczyzna, błaga matkę, aby wstała i uciekła dalej od tego wszechogarniającego żywiołu. Swoją drogą ten młody człowiek to nikt inny jak Pliniusz Młodszy, który faktycznie uciekł i zostawił wspomnienia z tragedii. Oto fragment jego listu do Tacyta: „Patrzę wstecz. Ogarnęła nas gęsta czarna mgła, rozprzestrzeniająca się niczym strumień po ziemi. Wszędzie wokół zapadła noc, w przeciwieństwie do nocy bezksiężycowej czy pochmurnej: ciemno robi się tylko w zamkniętym pokoju przy zgaszonym świetle. Słychać było krzyki kobiet, piski dzieci i krzyki mężczyzn, jedni wołali do rodziców, inni do dzieci lub żon i próbowali ich rozpoznać po głosach. Niektórzy opłakiwali własną śmierć, inni śmierć bliskich, niektórzy w obawie przed śmiercią modlili się o śmierć; wielu podniosło ręce do bogów; większość wyjaśniała, że ​​bogów nigdzie nie ma i dla świata była to ostatnia wieczna noc”..

Na zdjęciu nie ma głównego bohatera, ale są centralni: złotowłose dziecko przy leżącym na ziemi ciele zmarłej matki w żółtej tunice - symbol upadku starego świata i narodzin nowego, to jest przeciwieństwo życia i śmierci – w najlepszych tradycjach romantyzmu.

Na tym zdjęciu Bryullov pokazał się także jako innowator, wykorzystując dwa źródła światła - gorące czerwone światło w tle, oddające wrażenie zbliżającej się lawy i zimne zielonkawo-niebieskie na pierwszym planie, dodając dodatkowego dramatyzmu fabule.

Jasna i bogata kolorystyka tego obrazu narusza także klasyczne tradycje i pozwala mówić o artyście jako o romantyku.

Malowanie procesji triumfalnej

Karl Bryullov pracował na płótnie przez sześć lat – od 1827 do 1833 roku.

Obraz został po raz pierwszy zaprezentowany publiczności w 1833 roku na wystawie w Mediolanie – i od razu wywołał sensację. Artystę uhonorowano rzymskim triumfem, a w prasie pojawiły się pochwalne recenzje obrazu. Bryullowa witano brawami na ulicy, a podczas jego podróży po granicach włoskich księstw nie potrzebowali paszportu: wierzono, że każdy Włoch znał go już z widzenia.

W 1834 roku na Salonie Paryskim zaprezentowano Ostatni dzień Pompejów. Krytyka francuska okazała się bardziej powściągliwa niż włoska. Ale profesjonaliści docenili tę pracę, wręczając Bryullovowi złoty medal Francuskiej Akademii Sztuk.

Płótno wywołało sensację w Europie i było niecierpliwie oczekiwane w Rosji. W tym samym roku został wysłany do Petersburga. Po obejrzeniu obrazu Mikołaj I wyraził chęć osobistego spotkania z autorem, jednak artysta udał się z hrabią Władimirem Davydowem w podróż do Grecji i wrócił do ojczyzny dopiero w grudniu 1835 roku.

11 czerwca 1836 roku honorowi goście, członkowie Akademii, artyści i po prostu miłośnicy sztuki zebrali się w Sali Okrągłej Rosyjskiej Akademii Sztuk, gdzie wystawiony został obraz „Ostatni dzień Pompejów”. Autor obrazu, „wielki Karol”, został wniesiony do sali na rękach przy entuzjastycznych krzykach gości. „Tłumy gości, można powiedzieć, wdzierały się do sal Akademii, żeby popatrzeć na Pompeje”., pisze współczesny i świadek sukcesu, jakiego nie znał żaden rosyjski artysta.

Klient i właściciel obrazu, Anatolij Demidow, podarował go cesarzowi, a Mikołaj I umieścił go w Ermitażu, gdzie pozostawał przez 60 lat. A w 1897 roku został przeniesiony do Muzeum Rosyjskiego.

Obraz dosłownie podekscytował całe rosyjskie społeczeństwo i najlepsze umysły tamtych czasów.

Trofea pokojowe sztuki
Przyniosłeś to pod baldachim swojego ojca.
I był „Ostatni dzień Pompejów”
Pierwszy dzień rosyjskiego pędzla! -

o obrazie pisał poeta Jewgienij Boratyński.

Aleksander Puszkin poświęcił jej także wiersze:

Wezuwiusz otworzył usta - dym uniósł się w chmurze, płomienie
Szeroko rozwinięta jako flaga bojowa.
Ziemia jest wzburzona - od chwiejnych kolumn
Idole upadają! Naród napędzany strachem
Pod kamiennym deszczem, pod płonącym popiołem,
Tłumy, stare i młode, wybiegają z miasta.

Michaił Lermontow wspomina także „Ostatni dzień Pompejów” w powieści „Księżniczka Ligowska”: „Jeśli kochasz sztukę, to mam dla ciebie bardzo dobrą wiadomość: obraz Bryullowa „Ostatni dzień Pompejów” jedzie do Petersburga. Wiedziały o niej całe Włochy, Francuzi ją skarcili., - Lermontow wyraźnie wiedział o recenzjach paryskiej prasy.

Rosyjski historyk i podróżnik Aleksander Turgieniew powiedział, że ten obraz był chwałą Rosji i Włoch.

A Mikołaj Gogol poświęcił obrazowi długi artykuł, pisząc: „Jego pędzel zawiera tę poezję, którą tylko czujesz i którą zawsze możesz rozpoznać: nasze uczucia zawsze znają i widzą nawet charakterystyczne cechy, ale słowa nigdy ich nie wyrażą. Jego kolor jest tak jasny, że prawie nigdy wcześniej nie był, jego kolory płoną i rzucają się w oczy. Byliby nie do zniesienia, gdyby artysta pojawił się na poziomie niższym niż Bryullow, ale wraz z nim odziani są w tę harmonię i oddychają tą wewnętrzną muzyką, którą wypełnione są żywe przedmioty natury”..

Karol Pawłowicz Bryulłow(1799 - 1852),

Artysta.

Autoportret

Karl Bryullov urodził się 12 grudnia 1799 roku w Petersburgu. Wychowywał się w artystycznej rodzinie: jego bracia, ojciec, dziadek i pradziadek byli artystami.
Z powodzeniem ukończył Akademię Sztuk Pięknych, gdzie wykładał jego ojciec. Dzięki swemu rzadkiemu talentowi i dużemu przygotowaniu domowemu już od pierwszych kroków wyróżniał się na tle rówieśników.

W 1821 roku w Petersburgu założono Towarzystwo Zachęty Artystów, którego głównym celem była wszelka pomoc artystom i upowszechnianie wszelkich sztuk pięknych. To Karol Bryulłow i jego brat Aleksander jako pierwsi udali się za pieniądze Towarzystwa do Włoch, do Rzymu.

Portret architekta A.P. Bryullova, brata artysty

A w przeddzień wyjazdu za granicę ich pierwotnemu nazwisku „Bryullo” nadano rosyjską końcówkę i odtąd oboje stali się „Bryullovami”. Młodzi rosyjscy artyści dokładnie zapoznali się z historią i sztuką Europy Zachodniej.

Portret cesarzowej Aleksandry Fiodorowna. 1837

Tam Karl namalował obraz „Włoski poranek”, co uczyniło go niezwykle popularnym artystą.

Włoski poranek

Jego bohaterka myjąca się pod strumieniami fontanny, przeniknięta promieniami słońca, przewiewna i jasna, jest postrzegana jako uosobienie samego poranka, poranka wschodzącego nowego dnia, poranka ludzkiego życia.

Włoskie południe

Wielki Karol - tak nazywali go za życia współcześni wybitnego rosyjskiego artysty Karola Pawłowicza Bryullowa. Ogromne płótno Bryullowa „Ostatni dzień Pompejów”, które namalował we Włoszech, przyniosło mu światowe uznanie. Nazwisko Karla Bryullova umieszczono teraz obok nazwisk Rubensa, Rembrandta, Van Dycka.

Ostatni dzień Pompejów

Fabuła obrazu „Ostatni dzień Pompejów” przedstawia śmierć starożytnego miasta Pompeje w wyniku erupcji Wezuwiusza w 79 r. n.e. Pracując nad realizacją swojego planu, dokładnie przestudiował materiał historyczny, w szczególności zeznania naocznego świadka katastrofy – rzymskiego pisarza i męża stanu – Pliniusza Młodszego, a także udał się na stanowisko wykopalisk archeologicznych, gdzie wykonał wiele szkiców i szkiców z życia.
Tragiczna śmierć ludzi podczas erupcji Wezuwiusza, poetyka uczuć, wielkość ludzkiego ducha w obliczu ślepych żywiołów ilustrują dramatyczne spojrzenie na życie artysty.

W 1836 roku K.P. Bryullov powrócił do Rosji i objął stanowisko profesora Akademii Sztuk Pięknych.

W Petersburgu artysta stworzył galerię portretów swoich współczesnych.

Jeździec

Portret Yu.P. Samoilova z adoptowaną córką Amalią 1842