Jakim artystom możesz nazwać autoportrety? Najlepsze autoportrety znanych artystów

Odpowiedź na pytanie – dlaczego nie było wielkich artystek – kryje się w naturze istniejących instytucje społeczne męski świat i czego zabraniają lub do czego zachęcają. Kobietom nie wolno było studiować w Akademii Malarstwa, nie wolno było studiować anatomii człowieka, odmówiono im swobodnego dostępu do nagich modelek od renesansu aż do prawie koniec XIX c. choć staranne i długotrwałe szkolenie w zakresie rysowania aktów stanowiło podstawę praktyki artystycznej każdego młodego artysty, nie wolno mu było brać udziału w wystawach i konkursach. Studentkom Akademii Królewskiej w Londynie nie wolno było brać udziału w zajęciach z rysunku nago aż do 1893 roku, a później, jeśli pozwolono, modelka musiała być „częściowo udrapowana”. Mogły uczyć się jedynie w domu lub u bliskich, dlatego tak wybitne artystki jak Marietta Robusti, Lavinia Fontana, Artemisia Gentileschi, Elisabeth Charon, Madame Vigée-Lebrun i Angelique Kaufmann były bez wyjątku córkami artystów. Na przykład Berthe Morisot była blisko Maneta, a później poślubiła jego brata i znaczna część twórczości Mary Cassatt opiera się na jej stylu bliski przyjaciel Odgazować. Poza tym kobieta musiała uporać się z codziennością, dziećmi, obowiązkami rodzinnymi, nie mogła w pełni poświęcić się karierze artystycznej, jak to robili mężczyźni.A mimo to odniosły ogromny sukces, a wśród nich znalazło się wielu godnych siebie dobrzy artyści i niektórzy z nich, jak Sofonisba Anguissola, Angelique Kaufman i Elisabeth Vigée-Lebrun, byli zapraszani do malowania portretów na dworze.

„Zabawnym przykładem tabu zakazującego spotkań ubranej kobiety z nagim mężczyzną jest zbiorowy portret członków Akademii Królewskiej w Londynie z 1772 r. autorstwa Zoffany’ego. Naukowcy Zoffany’ego gromadzą się w jasnej sali przed dwoma nagie opiekunki: obecni są wszyscy szanowani członkowie akademii, z jednym godnym uwagi wyjątkiem: jedyna akademicka, słynna Angelika Kaufman, jest tu obecna ze względów przyzwoitości w postaci jej portretu wiszącego na ścianie.” Linda Nochlin

Sofonisba Anguissola Autoportret 1556 Hiszpania - pierwsza znana artystka renesansu, wszystkie pięć sióstr w rodzinie było artystkami.

Artemizja Gentileschi. Autoportret. 1630 Włochy

Autoportret Rosalby Carriera 1715 Włochy

Marietta Robusti (córka słynnego Tintaretta) Autoportret Włochy

Autoportret Anny Vaser. Szwajcaria

Katharina van Hemesson z Belgii

Elżbieta Sirani. Autoportret. Włochy

(żyła tylko 27 lat, została przyjęta do Akademii, otworzyła szkołę artystyczną dla kobiet)

Elisabeth Vigee – Libren. Autoportret w słomkowym kapeluszu 1782 Francja (ma namalowane wiele wspaniałych autoportretów różne latażycie)

Maria Bracquemont, Francja

Eva Gonzalez Francja

Autoportret Giovanny Frantellini, Włochy

Angelika Kaufman Autoportret 1787 (był członkiem wielu Europejskich Akademii Sztuk)

Adelaide Labille – Giard. Autoportret z dwoma modelami, 1785. Francja

Rolinda Sharples (Chaplin) Autoportret z matką, 1820

Małgorzata Gerard. Autoportret z gitarzystą 1803

Judith Leyster 1630 Holandia

Rose Bonheur Francja

Autoportret Berthe Morisot 1885 Francja

Marie-Genevieve Boulliard, Francja

Louise Hollandina jest córką króla Republiki Czeskiej. Autoportret

Tove Jansson z Finlandii

Frida Kahlo Meksyk

Maria Bashkirtseva - żyła 23 lata, znalazła się w międzynarodowym rankingu sztuki

Sofia Sukhovo-Kobylina jest pierwszą kobietą, która ukończyła Akademię ze złotym medalem

Zinaida Serebryakova (wiele autoportretów)

Autoportret Tamary Łempickiej

Marianna Veryovkina

Natalia Gonczarowa

Elżbieta Boehm

Olga Della-Vos-Kardovskaya

Autoportret Elizavety Kruglikowej

Maria Vorobyova-Stebelskaya (Marevna) Autoportret 1929

Autoportret Natalii Agapevy

Przedstawiłam tu jedynie niewielką część autoportretów artystek, poniżej, korzystając z dwóch linków, można zobaczyć kolejne 223 autoportrety, co oczywiście nie jest pełną listą wszystkich artystek. Jak widać, artystek było mnóstwo przez cały czas. I to całkowicie niesprawiedliwe, że tak wiele z nich zostało zapomnianych, ich imiona żeńskie wymazane z historii malarstwa i ich dziedzictwo twórcze zaginiony.

„Przez co tylko kobieta, która wybrała, nie musi przez to przechodzićkarierę artystyczną, nawet utalentowaną i poważną,wybitny talent? Nieważne, jak bardzo jest utalentowana, zawsze będzie wspierać przeciętnego artystę izawsze będzie wolał zlecić zamówienie artyście trzeciorzędnemuku niż kobieta z oczywistym i genialnym talentem: jakoś niesprytnie... Mogłaby być nawet chwalona w gazetach,będą o tym mówić i rozpoznawać w świecie artystycznym,ale nikt nie odważy się powierzyć jej odpowiedzialnej pracy,będą starali się to osiągnąć przyjaznymi, wspólnymi wysiłkami.gdzie nie można przegapić. Ile takich przykładów widziałemżycie! (...) Kobieta o znacznie większym talencie może awansować tylko cudem lubw sposób nie mający nic wspólnego ze sztuką, każdy krok stawia jej jedynie z niewiarygodnym wysiłkiemmi... A ilu z nich umiera lub przez całe życie zmaga się z biedą! " Maria Teniszewa

Autoportret

(z greckich Autos - on sam, francuski portret,

z łac. portator - „noś, nakładaj, dostarczaj)

Autoportret to graficzny, obrazowy, rzeźbiarski obraz artysty, wykonany własnoręcznie, najczęściej przy pomocy lustra. Autoportret wyraża ocenę artysty dotyczącą jego osobowości i zasad twórczych. Artysta może w autoportrecie dążyć do obiektywizmu poczucia własnej wartości, wywyższyć się lub wyeksponować, zaprezentować się w różnych odsłonach, mitologizować swój wizerunek itp.

Dla nas dzisiaj autoportret jest gatunkiem równie znanym, jak każdy inny. Ale jeszcze jakieś 500–600 lat temu w Europie, a w Rosji jeszcze mniej – 280 lat temu – autoportret był zjawiskiem pojedynczym i nowatorskim, potwierdzającym wartość osobowości twórczej i jej prawo do pamięci potomków.

Powstanie i rozwój tego gatunku wiąże się przede wszystkim z przewartościowaniem samego statusu artysty w XV wieku. Ukryte autoportrety istniały już wcześniej – artysta portretował siebie pod postacią drugorzędnej i anonimowej postaci występującej w scenie lub obdarzał bardzo specyficzną postać własnymi rysami. Pod koniec średniowiecza pojawił się niekwestionowany autopos.portrety, czyli zindywidualizowane twarze, wszystko liczniejsze i reprezentowane przez najwięcej na wiele sposobów. Towarzyszą temu dwa równoległe zjawiska: nowe środki obrazowe,dopuszczeni artyści włoscy i holenderscykam wyraźnie przedstawia rysy twarzy i podpis zwraca uwagę widza na autora dzieła. I poprawa ipowszechne stosowanie luster, zwłaszcza weneckichniebo, które od końca XIV wiek były bardzo cenione. W każdym autoportrecie, jaki można nazwać przedstawione „a specchio” („za pomocą lustra”) ukazana w rzucie w trzech czwartych i kierująca wzrok na zewnątrz, kompozycja ma charakter asymetryczny.

Autoportret jako odrębny gatunek pojawia się jednak w epoce renesansu, gdyż „Renesans odkrył człowieka” (J. Burchard).

Istnieje kilka rodzajów autoportretów:

1. „Autoportret wstawiony” – zapoznaje artystę skład grupowy, z charakterystycznym znakiem lub bez niego, czasami rozpuszcza się w danej sytuacji(„autoportret ukryty”, na przykład „Adoracja w „Łchwo” S. Botticellego, „Ostatni dzień Pompejów” K. Bryulłowa) lub oddzielone od ją (D. Velazquez „Las Meninas”).

2. „Samochód reprezentacyjny czy symbolicznyportret” - artysta nadaje mu własne rysytoryczny lub postać z bajki, czasami prowadzi to do poprzedniego wzoru lub do konkretówkompozycja chemiczna (Rogier van der Weyden „Św. Łukasz malujący Madonnę”cóż”), a czasami kończy się prostą zmianą ubrania.

3. „Portret grupowy” – zawodowy, rodzinnyny, niezapomniany (P. Rubens „Czterej filozofowie”, „Autoportret z przyjaciółmi z Mantui”).

4. „Oddzielne lub naturalne autoportret” – artysta pokazany jest przy pracylub bez profesjonalnych materiałów eksploatacyjnych, tła może wahać się od wnętrza neutralnego lub warsztatowego po bardziej wyszukane, czasem nawet fantastyczny.

Pierwsze dwa typy są starsze i często spotykane w XV i XVI wieku, ale się pojawiają Xia i później. Pozostali dwaj pojawili się XV-XVI wiek i powstały w XVIII i XIX wieku.

Pierwszym artystą, dla którego autoportret stał się gatunkiem ikonicznym, był Albrecht Durer (1471-1528). Jego autoportrety (Dürer stworzył ponad 50 autoportretów)tworzą wyjątkową serię. Do Rembrandta na Zachodzie Malarstwo europejskie Nikt inny nie zrobił czegoś takiego.

Jego autoportrety odzwierciedlały renesansowe podejście do interpretacji osobowości artysty, którego odtąd należy uważać nie za skromnego rzemieślnika, ale za osobę o wysokim statusie społecznym. Kulminacją tych tendencji jest autoportret z 1500 roku. Mistrz malował siebie tak, jak chciał, żeby go widziano, zastanawiając się nad wielkim powołaniem artysty: uroczysta pozycja frontalna i idealizacja rysów, ujawniająca podobieństwo do Chrystusa.Na czarnym polu tego autoportretu Dürer napisał złotymi napisami dwa napisy: po lewej stronie umieścił datę i swój podpis-monogram, a po prawej, symetrycznie z nimi, napisał: „Ja, Albrecht Dürer, Norymberga , pomalowałem się w ten sposób wiecznymi kolorami.”

Dzieło Rembrandta wyróżnia sięta (1606-1669), który wykonał ponad 60 autoportretów, które, jak Dürer, są swego rodzaju pamiętnikiem artysty i towarzyszą jego całości twórcze życie. Pogląd artysty na siebie odzwierciedla wszystkie etapy jego twórczości rozwój wewnętrzny: eksperyment – ​​we wczesnym, lejdeńskim okresie, teatralnie skryty – w latach trzydziestych XVII w. i szczery – pod koniec życia. Właściwie on sam jest jego ulubionym tematem pracy, szkicami do innych obrazów, które tworzył w malarstwie i grafice.

Jeden z ulubionych motywów autoportretów – spokojny wizerunek artysty we wnętrzu pracowni, przed sztalugą – znajduje odzwierciedlenie w twórczości wielu artystów. Naipełniej i zarazem prosto odtworzony przez J. Charalegowisko. Ten temat będzie powracał wielokrotnie powtórzony w różnych odcieniach w XIX wieku. aż do P. Cezanne’owi i A. Matisse’owi.

Od XVIII wieku prawie wszyscy malarze myśleli o swoich autoportrety jako swego rodzaju manifest własnego stylu i temperamentu (Mengs, David, Ingres, Corot). Później autoportret zaczął wyrażać wizerunek artysty (UisTler, Böcklin, Meissonnier, Pissarro, Monet). W samochodzieW portretach Courbeta dominuje patos społeczny i in obrazy Van Gogha („Autoportret z odciętym uchem”) aż do Corintha i Beckmanna - psychologiczne.

Ostatnie znaczące epizody w historii autoportretu europejskiego w klasycznym rozumieniu wiążą się z twórczością Paula Cézanne’a i Henri Rousseau („Autoportret-pejzaż”),których autoportrety są popularne, niemal fantastyczna postać.

W przededniu I wojny światowej artyści surrealiści i przedstawiciele „nowej materialności” ty” ponownie zwrócił się do autoportretu, ale zinterpretował go w bardziej krytycznym duchu (portret grupowyMax Ernst „Spotkanie przyjaciół”, 1922,autoportrety Bellmera i Dixa).

Potem, po długim zapomnieniu ze względu na wiek pod wpływem estetyki abstrakcyjnej i chęci przedstawienia elementów konstrukcyjnych w malarstwiety, autoportret pojawia się ponownie w latach 60. Na malarze nowej figuracji, pop-artu i innych realizmy. W twórczości zauważalny jest wpływ fotografiiZaprzeczenia E. Warhola i Fromange. Od końca lat 60. wielu artystów poświęcili swoją kreatywność na badania własne indywidualność (sztuka ciała i „indywidualność mitologia"). Myśląc o swojej tożsamości,stworzyli swoje ciało, swoją przeszłość i przyszłość tworzyli własne obrazy, często wykorzystując fotografię.

W Rosji autoportret jako gatunek sztuki pojawił się w początek XVIII V. „Autoportret z żoną” z 1729 r. autorstwa Andrieja Matwiejewa – obraz skromny małżonkowie- stał się zjawiskiem innowacyjnym i jako pierwszy Rosjanin autoportret artysty, potwierdzający wartość osobowości twórczej i jej prawo do pamięci potomków oraz jako portret kameralny przedstawiający osobę prywatną.

Jeden z najważniejsze powody Niedorozwój autoportretu na wczesnym etapie historii nowego malarstwa rosyjskiego polega na pozycji artysty w systemie społecznym, warunkach jego egzystencji i osobliwościach jego dobrobytu społecznego. Malarz rosyjski XVIII wieku był niejako rzemieślnikiem, nosi piętno średniowiecznej koncepcji osobowości - zbiorowej, nie ujawniającej się w indywidualnych dążeniach, dalekiej od idei wyrażania siebie. Malarz rosyjski w XVIII wieku nie czuł się uprawniony do zajmowania się sobą.

Ale w rosyjskim romantyzmie w pierwszej połowie XIX wieku. autoportret staje się zjawiskiem zauważalnym (O. Kiprensky, K. Bryullov). Ale najpotężniejszy rozkwit autoportretu rosyjskiego nastąpił na przełomie XIX i XX wieku, kiedy w autoportrecie europejskim nie wydarzyło się prawie nic ciekawego.

Z tym rozkwitem wiąże się nowy system artystyczne myślenie, w którym rola samego artysty stała się ogromna, chęć wyrażania siebie jest niespotykana, a indywidualny styl twórczy silniejszy niż kiedykolwiek. Wszystkie te okoliczności umieściły centrum aktu twórczego osobowość twórcza, co nieuchronnie musiało ożywić autoportret. Autoportret jest rodzajem deklaracji, platformą twórczą artysty. Na wystawie znajduje się reprodukcja autoportretu N. Goncharowej „Autoportret z żółtymi liliami”, 1907.Deformacja wyglądu, prostota i szorstkość formy, celowa nieregularność rysunku, cała ta „brzydota” brzmiała jak wyzwanie dla sztuki stylizowanej, jako protest przeciwko salonowej urodzie, często obecnej w portretach kobiecych.

W autoportrecie cudownie autor i temat, temat obrazu i jego treść są przemieszane, przenikają się, jest on zawsze niezwykle bogaty w tajemne lub oczywiste znaczenia, w których każdy element jest ważny, a osobowość przedstawianego ujawnia się nawet wbrew zamierzeniom autora. Stąd ciągłe zainteresowanie widza gatunkiem autoportretu.

W 1664 roku największy kolekcjoner rodziny Medyceuszy, Leopoldo Cosimo II, zaczął z naukową systematyką gromadzić kolekcję autoportretów. W tym celu kupował lub otrzymywał w prezencie autoportrety znani mistrzowie, szukał portretów współczesnych za pośrednictwem agentów lub przyjaciół w różne kraje, panujący osobistości sądów europejskich, podróżnicy. W rezultacie twórca kolekcji uzyskał 80 obrazów w ciągu 11 lat. Kolekcja podwoiła się za czasów jego następcy Cosimo III, który zadbał o jej umieszczenie w Galerii Uffizi we Florencji. Obecnie kolekcja autoportretów Galerii Uffizi liczy 2300 obrazów. W tej kolekcji znajdują się autoportrety artystów rosyjskich (m.in. B. Kustodiewa, M. Chagalla).

portret, na którym artysta przedstawia siebie, zwykle za pomocą lustra. Osobliwością autoportretu jest przede wszystkim to, że „mówi” do widza w pierwszej osobie – o czasie i o sobie; to monolog artysty: intymne wyznanie lub aktywna afirmacja swojego twórczego credo, autoironia lub spokojna narracja. Legenda o jednym z pierwszych obrazów autoportretowych przyszła do nas już od starożytności: starożytny grecki rzeźbiarz Fidiasz został oskarżony o bluźnierstwo za to, że ośmielił się przedstawić siebie jako boga w płaskorzeźbie przedstawiającej bitwę z Amazonkami na tarczy posągu Ateny. Znanych jest jedynie kilka przykładów autoportretów rzeźbiarskich (autoportret czeskiego architekta i rzeźbiarza P. Parlera w katedrze św. Wita w Pradze, XIV w.). Zdecydowana większość obrazów autoportretowych to prace malarskie lub graficzne.

Renesans – czas przebudzenia osobistej samoświadomości – stał się czasem narodzin portretu (a wraz z nim autoportretu) jako gatunku niezależnego. Dla Wczesny renesans Charakteryzuje się głównie „ukrytymi autoportretami” w kompozycjach o tematyce historii sakralnej lub mitologii (Masaccio, D. Ghirlandaio, S. Botticelli). W pstrokatym tłumie ludzi ukazanych na ich obrazach wyróżnia się jedna, wpatrująca się uważnie bezpośrednio w widza – to sam artysta, uczestnik i świadek wydarzenia. Ideał pięknej i harmonijnej osobowości w „Autoportrecie” Rafaela (1510), nieograniczona siła myśli w graficznym „Autoportrecie” Leonarda da Vinci (1514) – to kluczowe obrazy Wysoki renesans. Późny renesans – czas utraty jasnych ideałów – rodzi obrazy mocne i tragiczne (autoportret Michała Anioła w „ Sąd Ostateczny" na ścianie Kaplica Sykstyńska, 1535–41), chwiejnego i zmiennego („Autoportret w wypukłym lustrze” Parmigianino, ok. 1524) i wręcz szokującego („Meduza” Caravaggia, 1598–99, gdzie artysta nadaje rysom autoportretowym odcięta głowa Gorgony). Mistrzowie Renesans północny często „szyfrują” swoje autoportrety. W „Para Arnolfinich” Jana van Eycka postać artysty jest ledwo widoczna w wypukłym lustrze zawieszonym na ścianie. Poniżej napis: „Van Eyck był tutaj”. Wielki niemiecki mistrz A. Dürer jako jeden z pierwszych stworzył całą galerię autoportretów (najsłynniejszy, 1500, namalowany w ikonografii wizerunków Chrystusa).

W XVII wieku pojawia się nowy motyw autoportretu – artysta przy pracy („Warsztat artysty”, czyli „Alegoria malarstwa”, J. Wermeer z Delft, ok. 1675). W Las Meninas Velazqueza (1656) temat ten rozwija się w prawdziwy hymn na cześć malarstwa i jego nieograniczonych możliwości. Autoportrety stały się dla Rembrandta intymną rozmową z samym sobą, który stworzył ponad 100 swoich obrazów. Chęć zrozumienia duszy ludzkiej w jej dynamice i zmienności odziedziczyli po Rembrandcie i rozwinęli w ich sztuce mistrzowie romantyzmu (T. Gericault, E. Delacroix, O. A. Kiprensky, K. P. Bryullov). Zasada autoportretu przenika twórczość P. A. Fiedotowa. Cechy artysty można rozpoznać po bohaterach wielu jego obrazów i rysunków. Autoportrety wędrowców (V. G. Perow, I. N. Kramskoj) władczo odwołują się do obywatelskiego sumienia widza. Przełom XIX i XX wieku. - czas jasnego rozkwitu autoportretu. Prace M. A. Vrubela, V. A. Serowa, M. V. Niestierowa, I. I. Maszkowa, K. S. Malewicza i innych odzwierciedlają złożony obraz artystycznego życia tamtych czasów, intensywne poszukiwania nowego języka obrazowego odpowiadającego epoce.

Wykład „Psychoterapia w sztuce. Sztuka w psychoterapii” (część pierwsza)

Autoportrety wielkich ludzi sztuki

Nikt już nie wątpi w skuteczność arteterapii.

Arteterapia wierzy, że to, co tworzymy obrazy artystyczne odzwierciedlają procesy zachodzące w nieświadomości. Ten symboliczny język pozwala na swobodne wyrażanie swoich lęków, pragnień, konflikty wewnętrzne, wspomnienia z dzieciństwa, niezrealizowane marzenia. Przeżywając je ponownie w ten sposób, jesteśmy w stanie je eksplorować i eksperymentować z nimi.

Za pomocą sztuki głębokie przeżycia wyrażają się swobodniej i łatwiej niż podczas racjonalnej psychoterapii.

AT ma pozytywny wpływ na leczenie nie tylko poważnych, zaburzenia psychiczne, ale też staje się część integralna wszelkie szkolenia i seminaria dotyczące rozwoju osobistego.

Chcę porozmawiać o roli autoportretu w psychologii i rozwoju osobowości. Oraz przedstawić autoportret jako metodę psychoterapii, w szczególności terapii Gestalt.

AP to metoda o takim kierunku jak maskoterapia, którą stworzył psychiatra Gagik Mikaelovich Nazloyan.

W okresie istnienia tej metody specjaliści pomogli tysiącom osób z zaburzeniami takimi jak schizofrenia, organiczne choroby mózgu, epilepsja, nerwice, stany reaktywne, zaburzenia psychosomatyczne i inne.

Nazloyan G.M. stosował tę metodę w psychiatrii, Krawczenko S.A. z powodzeniem zaadaptowałem terapię maską do diagnozy psychologicznej, poradnictwa i psychoterapii jednostki i grupy osób, bardzo harmonijne dostosowanie metody Autoportretu widzę także w terapii Gestalt.

Na początek krótka historia Autoportretu:

Autoportret to wyjątkowy produkt kreatywny. Niezależnie od tego, czy jest ukończony, czy w formie szkiców, AP jest zawsze przedmiotem szczególnego zainteresowania badaczy kreatywności.

Seria autoportretów namalowanych w różnych latach może dać wrażenie życia artysty i poddać refleksji ważne kamienie milowe i punkty zwrotne. Stają się rodzajem pamiętnika.

Taki gatunek jak autoportret pojawia się dopiero w XVI wieku. Artyści potrafili nie tylko przedstawiać tematy religijne, ale także uwieczniać w autoportretach własne twarze i odzwierciedlać najgłębsze przeżycia.

Już sama potrzeba stworzenia własnego portretu jest szansą na zapanowanie nad własną biografią, życiem i przeznaczeniem.

Albrecht Dürer jako pierwszy w historii malarstwa niemieckiego (i w zasadzie całego europejskiego) zaczął malować autoportrety. Recenzja w sekwencja chronologiczna, tworzą wyjątkowa historia Ludzka wiedza o sobie, naturze i Bogu.

Albrecht Dürer (1471-1528) od młodości malował autoportrety.

Jedna z najwcześniejszych powstała w wieku 13 lat, później dodano dopisek: „Tak narysowałem siebie w lustrze w 1484 roku, będąc jeszcze dzieckiem”. 13-letni Dürer nie mógł zobaczyć żadnych próbek, tak jak nie mógł sobie wyobrazić, że kiedyś to dzięki niemu Sztuka europejska taki gatunek się ugruntuje - autoportret.

Z zainteresowaniem przyrodnika, tak charakterystycznym dla renesansu, Albrecht po prostu rejestrował obiekt, który go interesował – własną twarz – i nie próbował się ozdabiać, bohaterizować ani przebierać (jak to robił w miarę dojrzewania).

Na portretach młodzieńczych krytycy sztuki czytają „troskę, podekscytowanie, zwątpienie”. Wyraźny jest w nich już rys emocjonalny, który pozostanie we wszystkich kolejnych autoportretach artysty: na żadnym z nich nie przedstawił siebie radosnego ani nawet z cieniem uśmiechu. Po części był to hołd złożony tradycji obrazkowej (w średniowieczne malarstwo nikt się nie śmieje), częściowo odzwierciedlał charakter samego Dürera.

W w tym przypadku, zainteresowanie sobą, poszukiwanie własnego odbicia i istoty w lustrze charakteryzuje dalszą twórczość Dürera: jego innowacyjność i oryginalność technik, psychologizm i indywidualność jego portretów.

„Autoportret z Holly” Jest to pierwszy z autoportretów Durera namalowanych farbą olejną. Znane są trzy z nich: pierwszy znajduje się w Luwrze, drugi w Prado (Madryt), a trzeci i najbardziej znany znajduje się w Alte Pinakothek w Monachium.

Dürer ma tutaj 22 lata. Po raz pierwszy w autoportrecie jego zadaniem nie jest poznanie siebie, ale pokazanie się innym, „zaprezentowanie” światu swojego wyglądu i osobowości.

„Wspaniały Dürer”: autoportret z Prado „Namalowałem to od siebie. Miałem 26 lat. Albrechta Dürera.” Pomiędzy dwoma autoportretami – tym i poprzednim – minęło zaledwie pięć lat, a były to lata bardzo ważne w biografii Dürera.

W ciągu tych pięciu lat Dürer nie tylko ożenił się, ale także zasłynął, nie tylko dojrzał, ale także zdołał poznać się jako wielki artysta,

uniwersalna osobowość, dla której granice stały się ciasne rodzinne miasto, ponieważ teraz Dürer potrzebuje całego świata. W tym autoportrecie z Prado, w samym spojrzeniu Dürera, w jego spokojnej i pewnej pozie oraz w sposobie, w jaki opiera ręce na parapecie, jest szczególna, świadoma godność.

Nowy autoportret jest swego rodzaju deklaracją, że Dürer nie jest już rzemieślnikiem (a w rodzinnej Norymberdze artystów nadal uważa się za przedstawicieli klasy rzemieślniczej) – jest artystą, a więc wybrańcem Boga.

Dürer nie godzi się już uważać się za rzemieślnika prowincjonalnego, ograniczonego konwencjami czasu i przestrzeni.

Autoportret w ubraniu obszytym futrem („Autoportret w wieku 28 lat”, „Autoportret w futrze”).

Tę samą tendencję do postrzegania artysty nie jako prostego rzemieślnika, ale jako uniwersalnej osobowości, Dürer dochodzi do logicznego skrajności w obrazie, który później stał się najsłynniejszym z jego autoportretów.

Małymi literami widnieje napis: „Tak ja, Albrecht Durer z Norymbergi, w wiecznych barwach pomalowałem siebie w wieku 28 lat”.

Po raz pierwszy Dürer przedstawia siebie nie w rozłożeniu w trzech czwartych, ale ściśle frontalnie - nie był to zwyczajowy sposób malowania portretów świeckich, tylko świętych.

Rysunek Dürera przedstawiający odrzuconą do tyłu głowę zmarłego Jezusa przez niektórych nie bez powodu uważany jest za autoportret.

Mówią, że mniej więcej w „wieku Chrystusa” Dürer poważnie zachorował i był bliski śmierci. Przez kilka dni trząsł nim gorączka, Dürer leżał wyczerpany, z suchymi wargami i zapadniętymi oczami.

W tamtej chwili wszyscy myśleli, że pobożny artysta pośle po księdza. Ale zażądał przyniesienia duże lustro, położył go na piersi i ledwo znajdując siłę, by podnieść głowę, długo wpatrywał się w swoje odbicie. To przestraszyło bliskich Dürera: być może myśleli, że pod wpływem choroby oszalał, nikt bowiem nie pomyślał o podziwianiu się w lustrze na łożu śmierci. Kiedy Dürer wyzdrowiał, wykonał ten rysunek na podstawie tego, co zobaczył.

Frida Kahlo

Autor stara się przeanalizować i zrozumieć swoją przeszłość, zrozumieć znaczenie pewnych wydarzeń – i zrobić to nie dla rozgłosu w świecie, ale dla siebie. Przykładem tego typu biografii są liczne autoportrety Fridy Kahlo (1907-1954). Prace te odzwierciedlają twórcze zrozumienie i doświadczenie własnych doświadczeń życiowych.

Frida Kahlo to nie tylko genialna artystka, której większość prac to autoportrety, ale także pierwsza Latynoska, która stała się stałym bywalcem gabinetów psychoanalityków.

Tak jak w tej niezwykłej kobiecie ból i piękno współistniały, tak w jej obrazach, z reguły poświęconych wydarzeniom z życia artystki, rzeczywistość splata się z symbolami.

Jej autoportrety, opisy niesamowitych i ciężkie życie, w który artystka włożyła całą różnorodność swoich doświadczeń i sprzeczności.

Zaczęła rysować w wieku 18 lat, po strasznym wypadku. Jej ciało było poważnie połamane: uszkodzony był kręgosłup, połamane kości miednicy, obojczyk i żebra, a tylko na jednej nodze było jedenaście złamań. Życie Fridy było w równowadze, ale młodej dziewczynie udało się wygrać i, co dziwne, rysunek jej w tym pomógł. Nawet w sali szpitalnej ustawiono przed nią duże lustro i Frida się rysowała.

Na prawie wszystkich autoportretach Frida Kahlo przedstawiała siebie jako poważną, ponurą, jakby zamrożoną i zimną, o surowym wyrazie twarzy. pokerowa twarz jednak wszystkie emocje i przeżycia emocjonalne artystki można wyczuć w otaczających ją szczegółach i postaciach. Każdy z obrazów zawiera uczucia, jakich doświadczyła Frida pewien moment czas.

Za pomocą autoportretu zdawała się próbować zrozumieć siebie, odkryć siebie wewnętrzny świat, aby uwolnić się od szalejących w niej namiętności.

Fridę niemal przez całe życie dręczył ciągły i silny ból. I to doświadczenie zostało symbolicznie ucieleśnione w jej autoportretach.

Zrozumienie siebie szczegółowa analiza jej ciało i los trafnie i lakonicznie oddane są na tle jej obrazów.

Na autoportretach przelatuje całe życie – wypadek drogowy, lata spędzonych w szpitalu, małżeństwo z Diego Riverą, pasja twórczego rozumienia własnego losu, samopoznanie, doświadczenia niewierności męża, ważne spotkania, niemożność posiadania dzieci, coraz bardziej skomplikowane operacje, wyrok na ciągłe przebywanie w gorsetowej klatce, pasja, zaabsorbowanie pięknem. Intensywność wydarzeń życiowych i silne przeżycia emocjonalne oddane są w wieloaspektowym cyklu autoportretów – odzwierciedleniem losów Fridy Kahlo.

Vincent van Gogh

Istnieje wiele autoportretów Vincenta Van Gogha. Oprócz „charyzmatycznego” autoportretu z odciętym uchem artysta pozostawił po sobie ponad dwadzieścia własnych portretów, z których każdy jest charakterystyczny dla konkretnego okresu życia autora i odzwierciedla przebieg choroby psychicznej.

Na wstępie zaznaczę, że prace te mają charakter nieco „obsesyjny”. Van Gogh niezmiennie nawiązuje do tych samych kątów – półprofilu po prawej lub lewej stronie oraz tych samych dodatków – kapelusza i fajki.

Być może fakt ten można porównać do listów Van Gogha do brata Theo, w których uskarża się na przeczucie zachodzących w nim zmian i obawia się zbliżającej się choroby. I w tym sensie jego autoportrety – czyli utrwalenie swojego wizerunku na określonym nośniku – służyły jako rodzaj środka komunikacji z rzeczywistością, trzymały artystę, nie pozwalały na upadek jego wyobrażeń o sobie.

Autoportrety Van Gogha
Przecież to na tle pozornie nieistotnych atrybutów życie nabiera kształtu, a pamięć wykorzystuje je jako wskazówki lub wskazówki. I opisywanie komuś nieznajomy, charakteryzujemy go na podstawie jego nawyków, drobnych rzeczy, takich jak fajka lub upodobanie do kapeluszy zamiast innych kapeluszy.

Autoportrety Vincenta Van Gogha
Dlatego Van Gogh, na skraju szaleństwa, zdając sobie sprawę ze swojej choroby, stara się nie zatracić przynajmniej siebie, swoich nawyków i cech. W autoportretach utrwala swoje przyzwyczajenia i cechy, po których można go ocenić.

Jaspers, podsumowując swoją analizę twórczości Van Gogha, pisze: „Granica rozwoju przypada na początek 1888 roku, co zbiega się z początkiem psychozy. Dzieła, które wywarły tak wielki wpływ na nas i nasze czasy, datowane są na lata 1888-1890. W tym czasie zostało to napisane więcej zdjęć niż we wszystkich poprzednich latach.” Ale na przestrzeni lat najbardziej duża liczba autoportrety.

Dlaczego właśnie w chwilach kryzysu, w obawie przed zbliżającym się szaleństwem artysta zwraca się ku portretowaniu siebie? Prawdopodobną odpowiedzią jest próba ugruntowania swojego zdrowego, kontrolowanego i autentycznego „ja”. Van Gogh bał się zagubienia w chorobie, utraty obrazu swojego „ja”. Porównując swoje autoportrety, uspokaja go ich podobieństwo. W jego rękach jest iluzja panowania nad swoim umysłem i sobą.
„Zasadniczo moja praca należy do ciebie. – pisze do brata. „Włożyłem w to swoje życie i połowę mojego zdrowego rozsądku…” Ale trzyma swój autoportret w dłoniach i może czuć się cały, zjednoczony, a nie zniszczony.

JAK. Puszkin

Szczególne miejsce w rysunkach Puszkina zajmują jego autoportrety. „Zrobił sobie trzy razy więcej zdjęć niż wszyscy mu współcześni razem wzięci” – zauważył Efros (ponad 60 autoportretów).

JESTEM. Efros traktował autoportrety Puszkina jako „autobiografie na rysunkach”
„Jego dbałość o swój wygląd była uporczywa i miała ogromne znaczenie” – uważa krytyk

Efros wyróżnił zatem dwa typy autoportretów Puszkina – pracując nad swoim wyglądem zewnętrznym (dotyczy to wizerunków samego siebie z wąsami, bez wąsów, z baczkami, które następnie pojawiły się kilka lat później w wyglądzie poety) lub – wewnętrzny świat.

Według Efrosa „autoportrety Puszkina mają ogromną wartość dokumentalną. Jest to najbardziej wiarygodny dowód na oznaki i cechy wyglądu Puszkina”. Z Efrosem zgadza się także Lia Pevzner, która uważa, że ​​rysunki portretowe samego Puszkina są „nie tylko dokumentem przeszłości”, ale także „częścią biografii poety”.

Krytyczna analiza grafiki autoportretowej poety niezmiennie wiąże się z wnikliwym studiowaniem jego biografii i skrupulatną pracą z danymi archiwalnymi.

Efros nie porównuje po prostu autoobrazów geniusza z treścią powstałych obok nich wersów, ale bada sam okres życia poety i związane z nim nastroje i dopiero wychodząc od tego podejmuje próbę psychologicznego wyjaśnienia wyglądu autoportretu i jego cech graficznych, co jest bardzo udane.

Tak więc w trakcie swoich badań dowiaduje się, że pierwszy obraz samego siebie Puszkina pojawia się nie wcześniej niż „od fatalnej daty, od roku 1820, który przyniósł mu pierwszą katastrofę”. Zatem do Twojego pierwszego linku.

Puszkin, który przedstawił liczne sylwetki aktorek, gwardzistów i towarzyszy, nie oddaje własnego wyglądu.

Uwaga na do świata zewnętrznego zwyciężyło nad uwagą skupioną na sobie. Uporczywa myśl o sobie pojawia się w okresie zesłania na południe, kiedy poeta „stał się dla siebie głównym przedmiotem niepokojów”.

To trwałe zainteresowanie własną osobowością trwa do 1831 roku, aż do ślubu poety i według Efrosa ma w istocie charakter „graficznego wyznania”, a te obrazy siebie mają zawsze „czysto intymny charakter”.

Za autoportretem kryje się chęć wpływania na rzeczywistość, historię swojego życia i cechy swojego wewnętrznego świata.

Literatura:

1. Wczorajsza Anna Durer: Autoportrety jako wiedza człowieka
2. Artykuł Autoportrety A.S. Puszkin w krytyce A.M. Efros
3. Efros AM Autoportrety Puszkina
4. Efros AM Mistrzowie różnych epok.
5. Shalina O. S. Związek poczucia własnej wartości z doświadczeniem lustrzanego odbicia

To wstępna część wykładu „Psychoterapia w sztuce. Sztuka w psychoterapii”