Malarstwo belgijskie XVII wieku. Artyści flamandzcy XVII wieku. Malarstwo artystów belgijskich

N. Stepanln (sztuki piękne); O. Shvidkovsky, S. Khan-Magomedov (architektura)

Już w ostatniej dekadzie XIX w. W sztuce Belgii pojawiają się pierwsze oznaki odchodzenia od demokratycznych, ludowych założeń, które ukształtowały twórczość największego belgijskiego artysty Constantina Meuniera. Żywotność i wielkość obrazów Meuniera były niedostępne dla jego młodszych współczesnych. Następnie losy sztuki belgijskiej rozwinęły się pod wieloma względami sprzecznie i dramatycznie.

Realistyczny kierunek, który pojawił się w malarstwie belgijskim w XIX wieku, został opracowany przez takich mistrzów jak Leon Frederic (1856–1940), Eugene Larmanet (1864–1940) i inni. Zwykli ludzie, ich codzienność – to temat twórczości tych mistrzów, jednak w jej interpretacji odchodzą od heroicznej monumentalności, aktywności i integralności, tak charakterystycznej dla rzeźby i malarstwa C. Meuniera. Ludzie na płótnach L. Frederica pojawiają się w dużo bardziej zwyczajny, codzienny sposób. Tendencje mistyczne łączą się w sztuce belgijskiej z elementami naturalizmu, fotograficzną dokładnością w oddawaniu pejzaży i typów, ze szczególnym smutkiem, który skłania widza do myślenia o wieczności tragicznej beznadziejności porządku świata. Nawet tak znaczące dzieło tematyczne, jak „Wieczór strajkowy” E. Larmansa (1894), nie mówiąc już o obrazie „Śmierć” (1904; oba - Bruksela, Muzeum Sztuki Nowoczesnej), wyróżnia się nastrojem rozpaczy i bezcelowość działania.

Najbardziej charakterystyczną cechą rozwoju sztuki belgijskiej jest twórczość Jamesa Ensora (1860-1949). Od obrazów realistycznych gatunkowo Ensor stopniowo przechodzi do symboliki. Fantastyczne, przerażające obrazy tego artysty, jego zamiłowanie do alegorii, przedstawień masek i szkieletów oraz wyzywająco jasna, niemal hałaśliwa kolorystyka były niewątpliwie rodzajem protestu przeciwko drobnomieszczańskiej ciasnocie i wulgarności mieszczańskiego świata. Satyra Ensora pozbawiona jest jednak określonej treści społecznej, wydaje się być satyrą na rodzaj ludzki i w tych właściwościach jego sztuki nie sposób nie dostrzec zalążka dalszych odchyleń formalistycznych w sztuce Belgii.

Szczególne miejsce w belgijskim kalendarzu zajmuje także J. Ensor. Jego oryginalne akwaforty, pełne nerwowej energii, są bardzo wyraziste, oddają atmosferę wewnętrznego podniecenia i niepokoju. Szczególnie dramatyczne są pejzaże „Widok Mariakerke” (1887) i „Katedra” (1886; oba w gablocie rycin Biblioteki Królewskiej w Brukseli), zbudowane na ostrym i paradoksalnym kontraście majestatycznego stworzenia człowieka i rojącego się tłumu jak zaniepokojone mrowisko u podnóża gotyckiej świątyni. Połączenie satyry z fantastyką – narodową tradycją sztuki belgijskiej, sięgającą czasów I. Boscha – znajduje tu nowe, ostre odbicie.

Symbolika literacka związana z nazwiskiem Maurice'a Maeterlincka, pojawienie się w architekturze i sztuce użytkowej Belgii nowych zjawisk stylistycznych związanych z ruchem secesyjnym (architekt A. van de Velde i inni) odegrało znaczącą rolę w sztukach pięknych Belgii . Pod ich wpływem w latach 1898-1899. powstała „1. Grupa Latham” (nazwana tak od miejsca osiedlenia się artystów, wioski Latham-Saint-Martin niedaleko Gandawy). Głową tej grupy był rzeźbiarz J. Minne, w jej skład wchodzili G. van de Wusteine, W. de Sadeler i inni. Ich twórczość opierała się na idei pierwszeństwa „wyższego” świata duchowego nad rzeczywistością. Pokonując tendencje impresjonistyczne, mistrzowie ci próbowali odejść „od powierzchni zjawisk” i „wyrazić duchowe piękno rzeczy”. „Latemianie” zwrócili się ku narodowym tradycjom artystycznym, ku prymitywom niderlandzkim z XIV–XVI w., jednak w swojej twórczości, która najpełniej wyrażała idee symboliki, a następnie rozwijała się pod znakiem coraz wzmagającego się ekspresjonizmu, byli w istocie , bardzo dalekie od tych tradycji, do których się odnosiły. II w surowych, pięknych pejzażach Valeriusa de Sadelera (1867-1914) oraz w twórczości mistycznej młodszego członka grupy – Gustava van de Wusteina (1881-1947) – nie ma miejsca na wizerunek osoby.

Na początku stulecia dość mocno rozwinął się także pointelizm, którego wybitnym przedstawicielem w Belgii był Theo van Ryselberghe (1862-1926).

Na początku lat 20. Powstała „2. Grupa Latham”, działająca pod wpływem ekspresjonizmu, choć sam ekspresjonizm w Belgii, kojarzony z tragicznymi wydarzeniami I wojny światowej, nabiera szczególnego kolorytu. Szefem tego kierunku był Constant Permeke (1886-1952). Na dużych, szeroko malowanych płótnach tego mistrza tematy znane ze sztuki belgijskiej – ziemia, morze, wizerunki chłopów – ukazane są w tonach tragedii i głębokiego zamętu psychicznego. Przez całą zamierzoną deformację, przebija się nacisk na duchowe ograniczenia i szorstkość chłopskich wizerunków Permeke, jego sympatia i współczucie dla ludzi, którzy pozwolili artyście tworzyć wywołujące emocje obrazy. Ponura, matowa kolorystyka, niewyraźna akcja i bezruch ludzkich postaci oddają nastrój żałobnych przeczuć i beznadziejności („Narzeczona”, 1923; Bruksela, Muzeum Sztuki Nowoczesnej).

Gustave de Smet (1877-1943), Jean Brusselmans (1884-1953) na swój sposób przepracowali zasady ekspresjonizmu, po pierwsze upraszczając formy, przywiązując dużą wagę do harmonii kompozycyjnej swoich obrazów, po drugie, zwiększając kolorystykę strukturę ich krajobrazów, nadając im przeszywającą moc. Zainteresowanie kolorem jako nośnikiem emocjonalnego oddziaływania w malarstwie związało Brusselmansa z grupą „Brabant Fauves”, do której należeli R. Woutsrs, E. Taitgat, F. Cox. Szczególnie cenna jest twórczość Ricka Woutersa (1882-1916). Dla tego artysty fascynacja jaskrawymi, dekoracyjnymi kombinacjami kolorów nie przesłania psychologicznych cech jego modeli; Wouters w przeciwieństwie do francuskich fowistów poszukuje plastyczności, wolumetryczności rzeczy – takie są jego „Lekcja” (1912; Bruksela, Muzeum Sztuk Pięknych), późny „Autoportret z czarnym bandażem” (1915; Antwerpia, zbiór L. van Bogaert), kolorowany dramatem, „Nele w czerwieni” (1915; zbiory prywatne).

Od lat 30. W Belgii rozwija się surrealizm, którego dwóch przedstawicieli staje się powszechnie znanych – R. Magritte (ur. 1898) i P. Delvaux (ur. 1897). Mistrzów tych charakteryzuje połączenie czysto salonowej urody z chorą wyobraźnią w samych kombinacjach poszczególnych części kompozycji, obsesjach o charakterze erotycznym itp. Jednocześnie pracowali z nimi „intymni” artyści - Albert van Dyck ( 1902-1951), Jacques Mas (ur. 1905), który swoją twórczość ograniczał do ram wąsko intymnych pejzaży i malarstwa gatunkowego. Początkowo malarze L. van Lint (ur. 1909) i R. Slabbinck (ur. 1914) byli kojarzeni z „intymistami”, którzy przeszli na okres powojenny, a zwłaszcza lata 50. XX wieku. do malarstwa abstrakcyjnego, które stało się powszechne i uznane w Belgii.

Niewielu mistrzów malarstwa belgijskiego pozostało w XX wieku. na realistycznych pozycjach. Najważniejszym z nich jest Isidore Opsomer (ur. 1878), autor portretów ostrych, żywotnych i głęboko psychologicznych („Portret K. Huysmansa”, 1927; Antwerpia, Królewskie Muzeum Sztuk Pięknych). Opsomer stworzył także wiele martwych natur, bardzo malowniczych, świeżych i jasnych kolorów.

Wątki społeczne, wątki walki narodu belgijskiego o swoje prawa można usłyszeć w twórczości Pierre'a Polusa (ur. 1881) i Kurta Peysera (1887-1962), a zwłaszcza młodego postępowego artysty Rogera Somville'a (ur. 1923), który także zajmuje się malarstwem monumentalnym oraz witrażem i sztuką dywanów. Duże obrazy tematyczne na tematy walki narodu belgijskiego są autorstwa E. Dubrenfaulta, L. Deltoura, R. Somville'a, artyści ci współpracują w ścisłym kontakcie z architektami.

Nowoczesną belgijską szkołę graficzną charakteryzuje odważne formułowanie nowych tematów i nowych problemów stylistycznych. Oprócz wspomnianego już D. Ensora największym rytownikiem w Belgii był Jules de Breuker (1870-1945). Jego strony poświęcone są życiu miejskich slumsów i kontrastom społecznym współczesnego świata kapitalistycznego. Przenikliwe spojrzenie Breakera dostrzega tragikomiczne strony życia, które mimo analitycznego charakteru jego prac przepełnione są głębokim współczuciem dla ludzi. W tym sensie wiele arkuszy Breukera (Śmierć szybuje nad Flandrią, 1916) kojarzy się z ludowymi tradycjami sztuki belgijskiej.

Najwybitniejszym przedstawicielem współczesnej grafiki belgijskiej jest France Maserel (ur. 1889), który zajmował się także malarstwem monumentalnym i sztalugowym. Twórczość Maserela jest nierozerwalnie związana z zainteresowaniami zaawansowanych kręgów inteligencji nie tylko belgijskiej, ale także francuskiej i niemieckiej. Począwszy od I wojny światowej, kiedy Maserel wykonał serię ostrych antymilitarystycznych rysunków prasowych, dał się poznać jako mistrz, który całkowicie poświęcił swoją twórczość walce ludzkości o wzniosłe ideały humanistyczne. W tym okresie Maserel był blisko związany z czołowymi dziennikarzami i artystami, przyjaźnił się z Romainem Rollandem; W tym samym czasie rozpoczęła się jego praca jako ilustratora, powstały pierwsze serie drzeworytów („Droga krzyżowa człowieka”, 1918; „Moja księga godzin”, 1919 itd.) - w tych seriach, podobnie jak w cicha kronika, podąża droga życia współczesnego człowieka, jego zmagania, wzrost jego świadomości, jego radości i smutki. Ostrość kontrastów, zwięzłość i wyrazistość środków wizualnych często przybliżają ryciny Maserelle’a do plakatu.

Wraz z największymi mistrzami współczesnej kultury europejskiej F. Maserel dąży do organicznego rozwoju tradycji kultury demokratycznej XIX wieku, tradycji realizmu i humanizmu oraz wysokiej, skutecznej miłości do człowieka. Jednocześnie Maserel, rozwiązując podstawowe problemy społeczne naszych czasów w sztuce, nieustannie dążył do poszerzania środków sztuki realistycznej, aby stworzyć nowy realistyczny język wizualny zgodny ze współczesnym światopoglądem.

Język rycin Masereille'a cechuje zwięzłość, zwięzłość i bogactwo metaforyczne w głębokich skojarzeniach. Arkusze Maserelle’a posiadają podtekst, mimo całej swojej wyrazistości, stopniowo rozwijają swoją treść. Głębia zamysłu autora kryje się nie tylko w każdym arkuszu, ale także w relacjach pomiędzy arkuszami poszczególnych serii tematycznych, w ich kolejności, w fabule i różnicach emocjonalnych oraz jedności ideowej i artystycznej. Charakterystyczny dla ryciny język kontrastu staje się w rękach Maserela elastyczną bronią charakteryzującą społeczeństwo, służącą przekazywaniu najbardziej subtelnych przeżyć lirycznych i bezpośredniemu przekazowi propagandowemu.

Wspaniała seria rycin poświęconych współczesnemu miastu („Miasto”, 1925). Wyrazistość rysunku i całej kompozycji nigdy nie przeradza się w nadmierną deformację, język Masereela jest jasny. Nawet sięgając po symbolikę („Syrena”, 1932) artysta nie odbiega od malarskiej konkretności, świadomie dąży do przejrzystości, do umiejętności przemawiania swoją sztuką do ludzi. Nuty optymizmu wybrzmiewają szczególnie mocno w najnowszych pracach Maserela, w cyklach „Od czerni do bieli” (1939), „Młodość” (1948) oraz w malarstwie artysty. Odsłaniając wady współczesnego społeczeństwa burżuazyjnego, Maserel nigdy nie traci jasnego kryterium społecznego, wierzy w siły postępowe, wierzy w ostateczne zwycięstwo i wielkość człowieka. Głęboko ludowa sztuka Maserela przesiąknięta jest ideą walki o pokój; Maserel jest przykładem artysty-bojownika, który swoją sztuką służy wzniosłym ideałom sprawiedliwości. „Nie jestem na tyle estetą, aby być jedynie artystą” – powiedział Maserel.

W grafice belgijskiej nieco wyróżnia się L. Spilliaert (1881-1946), niemal nie pozostający pod wpływem ekspresjonizmu, mistrz lirycznej, powściągliwej akwareli („Podmuch wiatru”, 1904; „Białe szaty”, 1912).

Najważniejszą postacią belgijskiej rzeźby XX wieku jest Georges Minnet (1866-1941). Minne, uczeń Rodina, miał niewielki związek z zasadami twórczymi swojego nauczyciela, znacznie większy wpływ na kształtowanie się jego indywidualności miała przyjaźń z Maeterlinckiem. Opierając się na abstrakcyjnych, ogólnych pomysłach, Minne nadaje swoim pracom nieco abstrakcyjną duchowość. To mistrz subtelnego i precyzyjnego przekazu gestu; ciągła chęć wyrażania pojęć, a nie konkretnych przejawów ludzkich uczuć, prowadzi rzeźbiarza do pewnej sztuczności obrazów, zniekształcenia plastycznej formy. Są to jego „Matka opłakująca swoje dziecko” (1886, brąz; Bruksela, Muzeum Sztuki Nowoczesnej), „Młody człowiek na kolanach” (1898, marmur; Essen, Muzeum Folkwang). W latach 1908-1912 Minne zwraca się ku nowoczesności, jego portrety belgijskich robotników opierają się na uważnej obserwacji natury i kontynuują tradycje XIX-wiecznej rzeźby. U schyłku życia w rysunkach o tematyce religijnej ponownie pojawiają się cechy symboliczne i mistyczne charakterystyczne dla twórczości Minne’a.

W ogóle współczesna rzeźba belgijska rozwija się pod znakiem poszukiwań naturalistycznych i formalistycznych, z wyjątkiem twórczości C. Leple'a (ur. 1903), tworzącego emocjonalne, piękne popiersia portretowe i kompozycje rzeźbiarskie, oraz O. Jespersa (ur. 1887), mistrz świadomie naśladujący czarnych prymitywów.

Tradycyjna sztuka medalierska tego kraju przeżywa ogromny rozwój w Belgii. Nowoczesna belgijska ceramika dekoracyjna (warsztat w Dura), rzeźba dekoracyjna (mistrz P. Kay; ur. 1912), malowane naczynia dekoracyjne z dążeniem do dekoracyjnej jasności, naturalności form i wystroju, organicznego połączenia z nowoczesną architekturą architektoniczną, charakterystyczną dla nowoczesności sztuka użytkowa, kojarzona jest także ze sztuką plastyczną wnętrz.

Na przełomie XIX i XX w. w Belgii następuje szybki rozwój miast przemysłowych i handlowych, oparty na intensywnym zagospodarowaniu zasobów naturalnych kraju (rudy żelaza i węgla) oraz drapieżnej eksploatacji rozległych kolonii afrykańskich. Spontaniczna lokalizacja przemysłu, prywatna własność gruntów i niezależność administracyjna przedmieść (gmin), charakterystyczna dla Belgii, utrudniały normalny rozwój i rozwój dużych miast, których prace rekonstrukcyjne ograniczały się głównie do ulepszenia centrum i infrastruktury rozwój transportu miejskiego. Pogłębiający się kryzys mieszkaniowy spowodował powstawanie różnorodnych form budownictwa mieszkaniowego „tanich” budynków mieszkalnych dla pracowników: towarzystw akcyjnych, spółdzielczych i charytatywnych.

W tym okresie w miastach Belgii rozpoczęła się masowa budowa nowych typów budynków przemysłowych, biznesowych i publicznych, co odzwierciedlało zarówno rozwój gospodarki, jak i pojawienie się nowego klienta, w szczególności takiego jak klasa robotnicza zorganizowana w związkach zawodowych - budowa na zasadach spółdzielczych tzw. domów ludowych (np. w Brukseli według projektu architekta V. Horty w latach 1896-1899), gdzie w jednym budynku połączono pomieszczenia handlowe, kulturalne, oświatowe i biurowe.

Na początku lat 90. XIX w. Belgia staje się jednym z głównych (w architekturze europejskiej) ośrodków walki z kanonami klasycyzmu i eklektyzmu (w tym tzw. romantyzmu narodowego). U początków nowego „stylu” – europejskiej secesji – byli belgijscy architekci A. van de Velde, V. Horta, P. Ankar, których twórczość w tym okresie charakteryzowała się odrzuceniem stylistycznego eklektyzmu XIX wieku architektura. i ciągłe próby znalezienia nowoczesnego stylu w oparciu o zastosowanie nowych materiałów, wzorów i nowych wymagań funkcjonalnych budynków.

Henri van de Velde (1863-1957) był jednym z największych przedstawicieli i ideologów europejskiej nowoczesności. Sprzeciwiał się kanonom klasyki i „fasadyzmowi”, walczył o trójwymiarową kompozycję, o nowe podejście do tworzenia wnętrz i przedmiotów gospodarstwa domowego. Jednocześnie był przeciwny wprowadzaniu przemysłowych metod masowej produkcji do samych procesów wznoszenia budynków i wytwarzania artykułów gospodarstwa domowego, bronił rzemieślniczych metod wytwarzania artykułów gospodarstwa domowego i opowiadał się za indywidualnością każdego projektu.

Drugim co do wielkości zwolennikiem secesji był Victor Horta (1861-1947), architekt, który nie tylko jako pierwszy wprowadził w życie twórcze zasady secesji (rezydencja przy Rue de Turenne w Brukseli, 1892-1893), ale także w dużej mierze wyznaczyła kierunek poszukiwań dekoracji architektonicznej tego „stylu”. Na przełomie lat 1880-1890. przez kilka lat prowadził intensywne laboratoryjne poszukiwania formalno-estetyczne nowego dekoru i jako pierwszy zastosował elastyczną wijącą się linię „uderzenia bicza” (linia Orta), która stała się wówczas jedną z charakterystycznych cech wszelkiej sztuki zdobniczej secesji i stała się najbardziej rozpowszechniona w prawie wszystkich krajach europejskich pod koniec lat 90. XIX w. i na początku XX w.

O rozwoju twórczych trendów w belgijskiej architekturze lat 20-30. Fakt, że przed wojną Belgia była jednym z głównych ośrodków rozwoju secesji, nie mógł nie mieć wpływu, a tak wybitni architekci jak van de Velde i Horta w latach powojennych nadal intensywnie pracowali i choć przenieśli się z dala od ortodoksyjnej secesji, byli bardzo dalecy od radykalnych innowacji w swojej twórczości. To prawda, że ​​van de Velde próbował w tym okresie rozwinąć racjonalistyczne aspekty nowoczesności. Jednak faktycznie przeżywał etap w swojej twórczości, który w zasadzie minął już przed racjonalistycznymi nurtami architektury europejskiej w latach przedwojennych. Horta pod wpływem architektury amerykańskiej (przebywał w USA w latach 1916-1919) próbował szerzyć neoklasycyzm w architekturze belgijskiej, stosując uproszczony porządek pozbawiony elementów dekoracyjnych (Pałac Sztuk Pięknych w Brukseli, 1922-1928).

Kierunek racjonalizm w architekturze Belgii lat 20-30 XX wieku. kojarzona była przede wszystkim z twórczością młodych architektów, których głównym polem działalności była tzw. „społeczna” budowa tanich mieszkań, prowadzona przez gminy i spółdzielnie przy wykorzystaniu pożyczek rządowych. Budowa ta, ze względu na niezwykle ograniczone środki na nią przeznaczone, wymagała od architektów zastosowania w swoich projektach nowych, wydajnych materiałów i konstrukcji budowlanych oraz stworzenia racjonalnego rozkładu mieszkań. Budowa tanich domów była właściwie laboratorium twórczym, w którym architekci, w warunkach oszczędności, próbując stworzyć w miarę wygodne mieszkania dla pracowników, starali się wykorzystać zasady typizacji i osiągnięcia nauk stosowanych (np. wymóg nasłonecznienia, który czyli oświetlenie bezpośrednim światłem słonecznym), wprowadził do mas mieszkaniowych nowoczesny sprzęt sanitarny, centralne ogrzewanie, energię elektryczną, zsypy na śmieci i zabudowę meblową, a także starał się powiązać wizerunek architektoniczny budynku z jego nowymi podstawami funkcjonalno-konstrukcyjnymi.

Jeden z pierwszych nowoczesnych zespołów mieszkaniowych nie tylko w Belgii, ale i w Europie powstał według projektu Victora Bourgeois (1897-1962) pod Brukselą w latach 1922-1925. wieś Cité Modern (nowoczesne miasto). Zastosowano tu nowatorskie na tamte lata techniki planowania: w blokach zapewniono specjalne zielone miejsca do wypoczynku, urządzono place zabaw dla dzieci, domy usytuowano uwzględniając najkorzystniejszą orientację. Co więcej, Bourgeois był tak konsekwentny w realizowaniu zasady najkorzystniejszej orientacji mieszkań, że zaprojektował szereg domów, których ze względu na ogólną kompozycję układu wsi nie można było sytuować w kierunku północ-południe (np. stworzyć zamkniętą przestrzeń na centralnym placu) z półkami (w rzucie w kształcie zębów piły). Mieszkania w domach wsi zaprojektowano z wentylacją krzyżową i obowiązkowym doświetleniem wszystkich pomieszczeń światłem dziennym. Wygląd zewnętrzny domów odzwierciedla takie charakterystyczne cechy żelbetu jak płaski dach, okna narożne i cofnięte oraz lekkie daszki nad wejściami.

strona zdjęcia 166

strona zdjęcia 166

Dużym zainteresowaniem z punktu widzenia rozwoju nurtów racjonalistycznych w powojennej architekturze belgijskiej cieszy się budownictwo szkolne, w którym poszukuje się rozwiązania funkcjonalnego planu i kompozycji wolumetryczno-przestrzennej budynku, z uwzględnieniem nowych wymagań proces edukacyjny, prowadzony był w taki sam sposób, jak przy budowie tanich mieszkań, w warunkach ścisłych oszczędności.

Nowe trendy w architekturze, choć z trudem, przedostały się jednak do budowy wyjątkowych budynków użyteczności publicznej. Międzynarodowa Wystawa 1935 w Brukseli stała się wyjątkową areną walki trendów racjonalistycznych z neoklasycyzmem i eklektyzmem, których tradycyjny wygląd wielu pawilonów ukrywał ich nowoczesne podstawy konstrukcyjne. Takim jest na przykład Pałac Wielkiego Stulecia, zaprojektowany przez architekta Jeana van Pecka. Odważna konstrukcja sufitu ogromnej sali (żelbetowe łuki o parabolicznym kształcie) w żaden sposób nie objawia się w wyglądzie zewnętrznym budynku, którego fasada jest kompozycją schodkową, stylizowaną w duchu neoklasycyzmu. Jednak nawet na tej wystawie, w szeregu pawilonów (choć nie głównych), odważnie zastosowano nowe materiały i konstrukcje (szkło, żelbet), aby stworzyć wrażenie nowoczesnego budynku.

Zniszczenia spowodowane II wojną światową wymagały szeroko zakrojonych prac restauratorskich. Ponadto, w przeciwieństwie do budownictwa restauratorskiego po I wojnie światowej, kiedy dominowała chęć przywrócenia wielu elementów do dawnego kształtu, w nowych warunkach renowację połączono z pracami rekonstrukcyjnymi, zwłaszcza w starych obszarach miast, gdzie zagmatwane układy i wąskie uliczki spowodował trudności w transporcie. Rozgłoszone plany urbanistyczne, tworzone masowo w powojennej Belgii, ostatecznie sprowadzały się do konkretnych działań mających na celu oddzielenie ruchu w centralnej części Brukseli, zbiegających się w czasie z organizacją Międzynarodowej Wystawy w Brukseli w 1958 roku. W celu odciążenia sieci komunikacyjnej centralnej części miasta od tranzytowego przewozu pasażerów pomiędzy dwoma ślepymi stacjami kolejowymi w Brukseli, wykonano kompleksowe połączenie ich torów tunelem z budową stacja metra w centrum miasta.

Budownictwo mieszkaniowe w powojennej Belgii cieszy się dużym zainteresowaniem. Tutaj możemy zauważyć przełamanie tradycji budowania miast za pomocą domów jednorodzinnych z mieszkaniami „pionowymi”, których poszczególne lokale znajdują się na kilku piętrach i zdecydowane przejście do budowy nowoczesnych typów budynków mieszkalnych (sekcyjnych, galeria, wieża), połączone w zespoły mieszkalne, obejmujące szereg budynków użyteczności publicznej (głównie komunalnych i handlowych). Tego typu zespoły mieszkalne lokalizowane są najczęściej na terenach niezabudowanych: zespoły Kilońskie w Antwerpii (architekci R. Bram, R. Mas i V. Marmans, 1950-1955), na Place des Maneuvers w Liege (projekt architektów z grupy EGAU, 1956) i inne. Zespoły mieszkalne budowane są z reguły z domów kilku typów, a aby zwiększyć powierzchnię terenu niezabudowanego, wiele domów osadza się na podporach, często w kształcie litery V, co nadaje kompozycji nowych belgijskich zespołów mieszkaniowych przestrzenność, pewną ostrość formalną i oryginalność.

strona zdjęcia 168

strona zdjęcia 168

W gęsto zabudowanych starych dzielnicach miast, gdzie ulice zabudowane są rzędami domów z różnych epok o wąskich, wielopiętrowych fasadach, w ten „tort” trzeba wbudować nowe domy. Co więcej, belgijscy architekci nie starają się w tych przypadkach naśladować wyglądu sąsiednich domów, ale odważnie wprowadzają do szeregu domów z różnych epok nowoczesną zabudowę z betonu i szkła, co nadaje szczególnego smaczku całej inwestycji. Te nowe budynki to z reguły apartamentowce, przy projektowaniu których architekci muszą wykazać się naprawdę mistrzowskim kunsztem i pomysłowością, gdyż wąska działka pozwala na rozmieszczenie otworów okiennych jedynie po bokach domu (w kierunku ulicy i na podwórko).

Od drugiej połowy lat 50. W architekturze belgijskiej zwiększył się wpływ amerykańskiej wersji funkcjonalizmu – szkoły Miesa van der Rohe. Dotyczy to przede wszystkim budowy budynków biurowych, z których jednym jest budynek Ubezpieczeń Społecznych w Brukseli, wybudowany w 1958 roku według projektu architekta Hugo van Kuijka. Budynek ten, dogodnie zlokalizowany w jednym z najwyższych punktów miasta, to płaski, wysoki szklany pryzmat o prostokątnej podstawie, jakby wyrastający z szerszego stylobatu. Budynek zamyka perspektywę jednej z głównych arterii miasta i stanowi centrum kompozycyjne złożonego, ale wyrazistego zespołu, obejmującego otaczającą go wielookresową zabudowę oraz malowniczo rozplanowany, zacieniony plac znajdujący się przed budynkiem, w którym znajdują się liczne rzeźby Msniera ustawione są na świeżym powietrzu. Te realistyczne rzeźby ostro kontrastują z nowoczesnym wyglądem budynku, którego miejski charakter dodatkowo podkreśla potok samochodów pędzących szybko nowoczesną autostradą, wiodącą do tunelu w pobliżu budynku.

Jednym z najbardziej znanych i niewątpliwie jednym z najlepszych dzieł architektury belgijskiej okresu powojennego jest budowa nowego terminalu lotniczego w Brukseli, wybudowana w związku z wystawą z 1958 roku autorstwa architekta M. Brunfauta. Układ i kompozycja wolumetryczno-przestrzenna tej budowli skutecznie rozwiązała zarówno problemy czysto użytkowe, jak i artystyczne. Największe wrażenie robi wnętrze głównej sali operacyjnej. Hala pokryta jest wspornikowymi kratownicami aluminiowymi o długości 50 m, wspartymi na wspornikach w kształcie litery ^. Jedna z podłużnych ścian sali została zamieniona w ogromny szklany ekran skierowany w stronę letniego pola.

strona zdjęcia 169

strona zdjęcia 169

Znaczącym wydarzeniem w życiu architektonicznym Belgii była Międzynarodowa Wystawa Brukselska z 1958 roku. Belgijscy architekci byli bezpośrednio zaangażowani w powstanie wielu pawilonów wystawienniczych i innych budynków, których budowa wiązała się z jej otwarciem. Wśród tych budowli można wyróżnić tak wyjątkowe budowle, jak „Atomium” (inż. A. Waterkein, architekci A. i J. Polak), które można zaliczyć do pomników symbolicznych; pawilon „Żelbetowa Strzała” – z przedłużeniem konsoli o 80 m (inż. A. Paduard, architekt J. van Dorselaar), prezentujący możliwości konstrukcyjne żelbetu, a także Pawilon Centrum Informacyjnego zbudowany w centrum Brukseli, którego strop stanowi skorupa siodłowa wsparta na dwóch żelbetowych wspornikach w formie paraboloidy hiperbolicznej, wykonana z drewnianej płyty trójwarstwowej laminowanej (architekci L. J. Beauchet, J. P. Blondel i O. F. Philippon, inż. R. Sarget).

Wśród nich można zobaczyć także portret jednego z najsłynniejszych mistrzów Flandrii tamtej epoki, Adriana Brouwera (1606-1632) , którego obrazy zebrał sam Rubens (w jego kolekcji było ich siedemnaście). Każde dzieło Brouwera to perła malarstwa. Artysta obdarzony był ogromnym talentem kolorystycznym. Jako temat swojej twórczości wybrał codzienność flamandzkiej biedoty – chłopów, żebraków, włóczęgów – nudną swoją monotonią i pustką, nędzną rozrywką, czasem zakłócaną wybuchem dzikich zwierzęcych namiętności. Brouwer kontynuował w sztuce tradycje Boscha i Bruegla, aktywnie odrzucając brud i brzydotę życia, głupotę i zwierzęcą podłość ludzkiej natury, a jednocześnie żywo interesując się tym, co niepowtarzalne. Nie ma na celu odsłaniania widzowi szerokiego tła życia społecznego. Jego siła tkwi w przedstawieniu konkretnych sytuacji gatunkowych. Szczególnie ma zdolność wyrażania mimiką różnych skutków uczuć i wrażeń doświadczanych przez osobę. W przeciwieństwie do Rubensa, van Dycka, a nawet Jordanesa nie myśli o żadnych ideałach i szlachetnych namiętnościach. Sarkastycznie obserwuje osobę taką, jaka jest. W muzeum można zobaczyć jego obraz „Pijący kumple”, wyróżniający się delikatną, świetlną kolorystyką, efektownie oddającą oświetlenie i stan atmosferyczny. Nędzny pejzaż miejski w pobliżu murów obronnych wraz z wędrownymi graczami wywołuje w duszy przeszywającą melancholię. Ten nastrój samego artysty, mówiącego o nudnej beznadziejności istnienia, jest z pewnością głęboko dramatyczny.

Fransa Halsa

Dział malarstwa holenderskiego jest stosunkowo niewielki, ale znajdują się w nim obrazy Rembrandta, Jacoba Ruisdaela, małych Holendrów, mistrzów pejzażu, martwej natury i scen rodzajowych. Ciekawy portret kupca Willema Heythuissena, dzieło wielkiego holenderskiego artysty Fransa Halsa (1581/85-1666) . Heythuissen był człowiekiem bogatym, ale ograniczonym i niezwykle próżnym. Z natury rustykalny, niemniej jednak starał się upodobnić do szlachetnych arystokratów elegancją, na którą zdawało się pozwalać mu bogactwo. Twierdzenia tego nowicjusza są śmieszne i obce Khalsowi. Dlatego tak uparcie, z pewną dozą sarkazmu, nadaje obrazowi portretu niejednoznaczność. Najpierw zauważamy zrelaksowaną pozę Heythuissena, jego bogaty, elegancki garnitur, kapelusz ze elegancko zakręconym rondem, a potem - pozbawioną wyrazu, bladą, już w średnim wieku twarz o matowym wyrazie. Prozaiczna esencja tego człowieka ujawnia się pomimo wszelkich sztuczek mających ją ukryć. Wewnętrzną sprzeczność i niestabilność obrazu ujawnia przede wszystkim oryginalna kompozycja portretu. Heythuissen z biczem w dłoni, jak po przejażdżce konnej, siada na krześle, które zdaje się kołysać. Ta poza sugeruje, że artysta szybko i w krótkim czasie uchwycił stan modelki. Ta sama poza nadaje obrazowi nutę wewnętrznego relaksu i letargu. Jest coś żałosnego w tym człowieku, który stara się ukryć przed sobą nieuchronny rozkład, próżność pragnień i wewnętrzną pustkę.

Łukasza Cranacha

W dziale malarstwa niemieckiego Muzeum Brukselskiego uwagę przyciąga genialne dzieło Lucasa Cranacha Starszego. (1472-1553) . To jest portret doktora Johanna Scheringa, datowany na rok 1529. Wizerunek silnego człowieka o silnej woli jest typowy dla sztuki niemieckiego renesansu. Jednak Cranach za każdym razem oddaje indywidualne cechy umysłu i charakteru i ujawnia je w fizycznym wyglądzie modela, ostro uchwyconym w jego wyjątkowości. W surowym spojrzeniu Sheringa, na jego twarzy można wyczuć jakąś zimną obsesję, sztywność i bezkompromisowość. Jego wizerunek byłby po prostu nieprzyjemny, gdyby jego ogromna siła wewnętrzna nie budziła poczucia szacunku dla wyjątkowego charakteru tego człowieka. Wirtuozeria warsztatu graficznego artysty jest zdumiewająca, gdyż tak wyraziście oddał brzydkie, duże rysy twarzy i wiele drobnych szczegółów portretu.

zbiory włoskie i francuskie

Kolekcja obrazów włoskich artystów może wzbudzić zainteresowanie zwiedzających muzeum, gdyż zawiera dzieła Tintoretta, wielkiego malarza, ostatniego tytana włoskiego renesansu. „Egzekucja św. Marka” to obraz z cyklu poświęconego życiu świętego. Obraz przesiąknięty jest burzliwym dramatem i namiętnym patosem. Nie tylko ludzie, ale także niebo w poszarpanych chmurach i szalejące morze zdawały się opłakiwać śmierć człowieka.

Arcydzieła kolekcji francuskiej to portret młodego mężczyzny autorstwa Mathieu Lenaina i pejzaż autorstwa Claude'a Lorraina.

Sekcja sztuki dawnej obejmuje obecnie ponad tysiąc sto dzieł sztuki, z których wiele jest w stanie dostarczyć widzowi głęboką przyjemność estetyczną.

Jacques’a Louisa Davida

Druga część Królewskiego Muzeum Sztuk Pięknych to kolekcja dzieł sztuki z XIX i XX wieku. Znajdują się w nich głównie dzieła mistrzów belgijskich. Najwybitniejszym dziełem szkoły francuskiej przechowywanym w muzeum jest „Śmierć Marata” Jacques’a Louisa Davida (1748-1825) .

Dawid jest znanym artystą francuskim, przywódcą rewolucyjnego klasycyzmu, którego obrazy historyczne odegrały ogromną rolę w rozbudzeniu świadomości obywatelskiej współczesnych w latach poprzedzających francuską rewolucję burżuazyjną. Większość przedrewolucyjnych obrazów artysty opierała się na tematyce z historii starożytnej Grecji i Rzymu, jednak rewolucyjna rzeczywistość zmusiła Dawida do zwrócenia się w stronę nowoczesności i znalezienia w niej bohatera godnego ideału.

„Maratu – Dawid. Rok drugi” – tak lakoniczny napis znajduje się na obrazie. Jest postrzegany jako epitafium. Marat – jeden z przywódców rewolucji francuskiej – zginął w 1793 r (według rewolucyjnych obliczeń w drugim roku) rojalistka Charlotte Corday. „Przyjaciel Narodu” ukazany jest w chwili śmierci bezpośrednio po zadanym ciosie. Zakrwawiony nóż rzucono w pobliżu łaźni leczniczej, gdzie pracował pomimo cierpień fizycznych. Obraz wypełnia surowa cisza, która brzmi jak requiem dla poległego bohatera. Jego postać jest silnie wyrzeźbiona światłocieniem i porównana do posągu. Odrzucona głowa i opadła dłoń zdawały się zamrożone w wiecznym, uroczystym spokoju. Kompozycja zadziwia rygorem doboru obiektów i wyrazistością liniowych rytmów. Śmierć Marata była przez Dawida postrzegana jako bohaterski dramat losów wielkiego obywatela.

Uczeńem Davida został Belg Francois Joseph Navez, który ostatnie lata życia spędził na emigracji i w Brukseli. (1787-1863) . Do końca życia Navez pozostał wierny tradycji stworzonej przez swojego nauczyciela, zwłaszcza w portrecie, choć wprowadził do tego gatunku pewien akcent romantycznej interpretacji obrazu. Jedno ze słynnych dzieł artysty „Portret rodziny Pustych” zostało namalowane w 1816 roku. Widzowi mimowolnie przekazuje się, że młodą i piękną parę łączy uczucie miłości i szczęścia. Jeśli wizerunek kobiety jest pełen spokojnej radości, wizerunek mężczyzny jest pełen romantycznej tajemnicy i lekkiego odcienia smutku.

Malarstwo belgijskie XIX i XX wieku

W salach muzeum można zobaczyć dzieła największych belgijskich malarzy XIX wieku: Henri Leysa, Josepha Stevensa, Hippolyte'a Boulangera. Jana Stobbartsa reprezentuje jeden ze swoich najlepszych obrazów „Farm w Kreiningen”, który zgodnie z prawdą przedstawia pracę chłopską w Belgii. Choć artysta był samoukiem, obraz charakteryzuje się znakomitą kompozycją i wyróżnia się wysokim poziomem malarstwa. Być może jego motyw inspirowany był obrazem Rubensa „Powrót syna marnotrawnego”. Stobbarts był jednym z pierwszych XIX-wiecznych malarzy, którzy głosili zasady realizmu.

Początki jego kariery artystycznej były trudne. Przyzwyczajona do romantycznej koncepcji obrazu artystycznego publiczność w Antwerpii z oburzeniem odrzuciła jego prawdziwe obrazy. Ten antagonizm był tak silny, że Stobbarts został ostatecznie zmuszony do przeniesienia się do Brukseli.

W muzeum znajduje się dwadzieścia siedem obrazów słynnego belgijskiego artysty Henri de Braquelaere (1840-1888) , który był bratankiem i uczniem A. Leysa, wybitnego malarza historycznego. Wzmożone zainteresowanie De Brakera narodową historią Belgii, jej tradycjami, sposobem życia i kulturą łączyło się z dziwnym uczuciem miłości, pełnym lekkiego żalu i tęsknoty za przeszłością. Jego sceny rodzajowe przesiąknięte są wspomnieniami przeszłości, jego bohaterowie przypominają ludzi z minionych stuleci, otoczeni starożytnymi rzeczami i przedmiotami. W twórczości de Braklera niewątpliwie jest moment stylizacji. W szczególności jego obraz „Geograf” przypomina dzieła XVII-wiecznych holenderskich mistrzów G. Metsu i N. Masa. Na zdjęciu widzimy starszego mężczyznę siedzącego na XVII-wiecznym aksamitnym stołku, pogrążonego w kontemplacji starożytnej malowanej satyny.

Malarstwo Jamesa Ensora (1860-1949) „Pani w błękicie” (1881) nosi ślady silnego wpływu francuskiego impresjonizmu. Malownicza gama składa się z odcieni niebieskiego, niebieskawo-szarego i zielonego. Żywy i swobodny skok przenosi wibracje i ruch powietrza.

Malarska interpretacja obrazu zamienia codzienny motyw w poetycką scenę. Wyostrzona percepcja obrazowa artysty, zamiłowanie do fantazji i ciągła chęć przekształcenia tego, co widzi, w coś niezwykłego, znajdują odzwierciedlenie także w jego błyskotliwych martwych naturach, których najbardziej udanym przykładem jest brukselski „Scat”. Ryba morska jest odrażająco piękna, ma ostry różowy kolor i kształt, który zdaje się rozpływać przed oczami, a w jej urzekająco przenikliwym spojrzeniu skierowanym bezpośrednio na widza jest coś nieprzyjemnego i niepokojącego.

Ensor żył długo, jednak aktywność jego twórczości przypadła na lata 1879–1893. Ironia Ensora i odrzucenie brzydkich cech ludzkiej natury z bezlitosnym sarkazmem objawia się w licznych obrazach przedstawiających maski karnawałowe, które można oglądać także w Muzeum Brukselskim. Niezaprzeczalna jest ciągłość Ensora ze sztuką Boscha i Bruegla.

Najwspanialszy kolorysta i utalentowany rzeźbiarz, który zginął podczas I wojny światowej, Rick Wouters (1882-1916) prezentowane w muzeum zarówno w formie obrazów, jak i rzeźb. Artysta doświadczył silnego wpływu Cezanne’a, związał się z ruchem tzw. „brabantyńskiego fowizmu”, mimo to stał się mistrzem niezwykle oryginalnym. Jego temperamentna twórczość przesiąknięta jest żarliwą miłością do życia. W „Damie z żółtym naszyjnikiem” rozpoznajemy jego żonę Nel, siedzącą na krześle. Świąteczny dźwięk żółtych zasłon, koca w czerwoną kratkę, zielonych girland na tapecie i niebieskiej sukienki wywołuje poczucie radości istnienia, które chwyta całą duszę.

W muzeum znajduje się kilka dzieł wybitnego belgijskiego malarza Permeke (1886-1952) .

Constant Permeke jest powszechnie znany jako szef belgijskiego ekspresjonizmu. Belgia była drugim po Niemczech krajem, w którym ruch ten zyskał ogromne wpływy w środowisku artystycznym. Bohaterowie Permeke, głównie ludzie z ludu, przedstawieni są z celową szorstkością, która w zamyśle autora powinna ujawnić ich naturalną siłę i moc. Permeke sięga po deformację i uproszczoną kolorystykę. Niemniej jednak w „Narzeczonej” pojawia się swoista monumentalizacja, choć prymitywnych, obrazów, chęć ukazania charakteru i relacji marynarza z jego dziewczyną.

Wśród mistrzów ruchu realistycznego XX wieku wyróżniają się Isidore Opsomer i Pierre Polus. Pierwszy znany jest jako wspaniały portrecista („Portret Julesa Destre”), drugi – jako artysta, który, podobnie jak C. Meunier, poświęcił się przedstawieniu trudnego życia belgijskich górników. W salach muzeum prezentowane są także prace belgijskich artystów należących do innych nurtów sztuki współczesnej, głównie surrealizmu i abstrakcjonizmu.

Współczesna belgijska artystka Debora Missoorten urodziła się i nadal mieszka w Antwerpii w Belgii, gdzie pracuje jako niezależna artystka profesjonalna. Ukończyła Akademię Sztuk Pięknych, uzyskując dyplom z projektowania kostiumów dla teatru.

Współcześni artyści Belgii. Sukienka Jean-Claude'a

Jean-Claude to jeden z nielicznych artystów naszych czasów, który czerpiąc ze wspaniałych przykładów z przeszłości, potrafił je zrewidować i zredagować zgodnie ze swoją osobistą wizją. Swoje prace wypełnia emocjami w taki sposób, aby powrócić widza do źródła tej emocjonalności, wzbogaconego staraniem autora, starannie opracowanej koncepcji obrazu, koloru i harmonii. Artysta robi to po to, abyśmy mogli cieszyć się odkrywaniem tajemnic otaczających to źródło.

Próbuję pokazać to, co niewidzialne. Juana Marii Bolle’a

Juan Maria Bolle to znany flamandzki (belgijski) artysta, urodzony w Vilvoorde niedaleko Brukseli w Belgii w grudniu 1958 roku. W 1976 roku ukończył Liceum Królewskie w Ateneum w swoim rodzinnym mieście. W 1985 ukończył studia w St. Lucas Institute of Arts w Brukseli.

Pasja nie potrzebuje etykiety. Piotr Seminck

Peter Seminck to znany belgijski artysta urodzony w Antwerpii w 1958 roku. Kształcił się w Akademii Sztuk Pięknych Schoten, uzyskując najpierw tytuł licencjata, a następnie magistra sztuk pięknych. Nie ogranicza się do tematów, maluje różnorodne obrazy, głównie w technice olejnej na płótnie. Obecnie mieszka i pracuje w Malle, na przedmieściach Antwerpii w Belgii.

Współczesny artysta belgijski. Debora Missoorten

Współczesna belgijska artystka Debora Missoorten urodziła się i nadal mieszka w Antwerpii w Belgii, gdzie pracuje jako niezależna artystka profesjonalna. Ukończyła Akademię Sztuk Pięknych, uzyskując dyplom z projektowania kostiumów dla teatru.

Współcześni artyści Belgii. Fryderyka Dufoora

Artysta współczesny Frédéric Dufort urodził się w 1943 roku w Tournai w Belgii, kształcił się w Instytucie Saint-Luc w Tournai, a następnie w Akademii Mons. Po krótkiej przerwie został zapisany do pracowni Louisa Van Linta w Instytucie Saint-Luc w Brukseli. Od 1967 roku, po ukończeniu studiów, przez 10 lat wykładał w Instytucie Komunikacji Graficznej, a następnie objął stanowisko dydaktyczne w Instytucie Saint-Luc w Brukseli, gdzie pracował do grudnia 1998 roku.

Moussin Irjan. Malarstwo współczesne

Musin Irzhan, nowoczesny artysta, urodzony w Ałmaty w Kazachstanie w 1977 r. W latach 1992-1995 studiował w szkole artystycznej w Ałmaty. Następnie w 1999 roku wstąpił i pomyślnie ukończył Akademię Sztuk Pięknych I. E. Repina w Petersburgu. Następnie przez kilka lat studiował nowoczesne technologie obraz w RHoK Art School w Brukseli i na Akademii Sztuk Pięknych w Antwerpii.
Od 2002 roku wielokrotnie wystawiał i brał udział w różnych konkursach, w których wielokrotnie zdobywał nagrody i otrzymywał wyróżnienia. Jego obrazy znajdują się w kolekcjach prywatnych w Anglii, Francji, Holandii, USA, Kolumbii, Belgii i Rosji. Obecnie mieszka i pracuje w Antwerpii w Belgii.

Pola Ledenta. Współczesny artysta samouk. Krajobrazy i kwiaty

Głównym tematem obrazów tego artysty jest przyroda, krajobrazy i porami roku, ale Paweł wiele swoich dzieł poświęcił sile, energii i pięknu ludzkiego ciała.

Pola Ledenta. Współczesny artysta samouk. Ludzie

Paul Legent urodził się w 1952 roku w Belgii. Ale nie od razu zajął się malarstwem, dopiero w 1989 roku. Zaczął od akwareli, ale szybko zdał sobie sprawę, że to nie jest to, czego potrzebuje, malarstwo olejne byłoby bardziej zgodne z jego sposobem myślenia.
Głównym tematem obrazów Paula jest przyroda, krajobrazy i porami roku, ale wiele dzieł poświęcił sile, energii i pięknu ludzkiego ciała.

Sw pas belgijskiego artysty. Christiane Vleugels

Stephana Heuriona. Rysunki akwarelowe

Paul Ledent urodził się w 1952 roku w Belgii. Nie od razu zdecydował się zająć malarstwem, dopiero po kilku latach pracy jako inżynier, w 1989 roku. Paul zaczynał od akwareli, ale szybko uznał, że malarstwo olejne będzie bardziej odpowiadać jego sposobowi myślenia.

Cedric Leonard młody projektant z Belgii. Urodzony w 1985 roku. Ukończył St. Luc School of the Arts z tytułem licencjata w dziedzinie sztuk pięknych. Wkrótce potem rozpoczął pracę w małej firmie jako webmaster. Obecnie pracuje jako niezależny projektant. Cedric szuka oryginalności we wszystkim, co robi i wierzy w atrakcyjność nowoczesnych efektów wizualnych.

Jan van Eyck to kluczowa postać północnego renesansu, jego twórca.

Van Eycka uważano za wynalazcę farb olejnych, chociaż w rzeczywistości je tylko udoskonalił. Jednak dzięki niemu olej zyskał powszechne uznanie.

Przez 16 lat artystę był nadwornym malarzem księcia Burgundii, Filipa Dobrego, mistrza i wasala łączyła także silna przyjaźń, książę brał czynny udział w losach artysty, a van Eyck stał się pośrednikiem w procesie małżeństwo mistrza.

Jan van Eyck był prawdziwą „osobowością renesansu”: dobrze znał geometrię, miał pewną wiedzę z chemii, lubił alchemię, interesował się botaniką, a także z powodzeniem realizował zadania dyplomatyczne.

Gdzie mogę kupić: Galeria De Jonckheere, Galeria Oscar De Vos, Galeria Jos Jamar, Galeria Harold t’Kint de Roodenbeke, Galeria Francis Maere, Galeria Pierre Mahaux, Galeria Guy Pieters

René Magritte (1898, Lessines— 1967, Bruksela)

Wielki żartowniś i oszust Rene Magritte powiedział kiedyś: „Spójrz, rysuję fajkę, ale to nie jest fajka”. Artysta, posługując się absurdalnym połączeniem zwykłych przedmiotów, wypełnia swoje obrazy metaforami i ukrytymi znaczeniami, które każą pomyśleć o zwodniczości tego, co widzialne, tajemnicy codzienności.

Jednak Magritte zawsze trzymał się z daleka od innych surrealistów, ale raczej uważał się za realistę magicznego, w szczególności dlatego, że, co zaskakujące, nie dostrzegał roli psychoanalizy.

Matka artysty popełniła samobójstwo, skacząc z mostu, gdy miał on 13 lat; część badaczy uważa, że ​​„podpisowy” wizerunek tajemniczego mężczyzny w płaszczu i meloniku narodził się pod wrażeniem tego tragicznego wydarzenia.

Gdzie patrzeć:

W 2009 roku Królewskie Muzea Sztuk Pięknych w Brukseli wydzieliły kolekcję artysty w odrębne muzeum poświęcone jego twórczości.

Gdzie mogę kupić: Galeria De Jonckheere, Galeria Jos Jamar, Galeria Harold t’Kint de Roodenbeke, Galeria Pierre Mahaux, Galeria Guy Pieters

Paul Delvaux (1897, Ante - 1994, Woerne, Flandria Zachodnia)

Delvaux był jednym z odnoszących największe sukcesy artystów surrealistycznych, mimo że nigdy nie był oficjalnie członkiem tego ruchu.

W smutnym i tajemniczym świecie Delvaux centralne miejsce zawsze zajmuje kobieta. Szczególnie głęboka cisza otacza kobiety na obrazach, zdają się czekać, aż mężczyźni je obudzą.

Klasycznym tematem w obrazach Delvaux jest postać kobieca na tle miejskiego lub wiejskiego krajobrazu, ujęta w perspektywie, otoczona tajemniczymi elementami.

Pisarz i poeta Andre Breton zauważył nawet kiedyś, że artysta czyni „nasz świat Królestwem Kobiety, kochanki serc”.

Delvaux studiował jako architekt w Królewskiej Akademii Sztuk Pięknych w Brukseli, ale następnie przeniósł się do klasy malarstwa. Jednak architektura w jego obrazach zawsze bierze czynny udział.

Gdzie mogę kupić: Galeria Jos Jamar, Galeria Harolda t'Kint de Roodenbeke, Galeria Lancz, Galeria Guy Pieters

Wima Delvoye’a (rodzaj. 1965)

Nowatorskie, często prowokacyjne i ironiczne prace Wima Delvoye’a ukazują zwykłe przedmioty w nowym kontekście. Artysta łączy tematykę nowoczesną i klasyczną w subtelne odniesienia i paralele.

Do najsłynniejszych prac artysty można zaliczyć „Cloaca” (2009-2010), maszynę parodiującą działanie układu trawiennego człowieka, oraz „Art Farm” pod Pekinem, gdzie Delvoye tworzy tatuaże na grzbietach świń.

Największą popularnością cieszył się cykl rzeźb pseudogotyckich, w których ażurowe rzeźby łączą się z tematyką współczesną, a jedna z nich („Cement Truck”) stoi w pobliżu brukselskiego teatru KVS.

Gdzie patrzeć:

W styczniu w Królewskim Muzeum Sztuk Pięknych w Brukseli, M HKA (Antwerpia) w Maison Particuliere Wim Delvoye będzie gościnnym artystą na wystawie zbiorowej „Taboo”. Również rzeźba „Betoniarka” została zainstalowana przed teatrem KVS (Królewski Teatr Flamandzki) na placu pomiędzy ulicami Hooikaai / Quai au Foin i Arduinkaai / Quai aux pierres de taille.

Większość jego prac nieustannie podróżuje po całym świecie, wystawiana w najlepszych placówkach artystycznych.

Gdzie mogę kupić:

Jan Fabre (ur. 1958, Antwerpia)

Wszechstronnie utalentowany Jan Fabre znany jest ze swoich prowokacyjnych występów, ale jest także pisarzem, filozofem, rzeźbiarzem, fotografem i twórcą wideo, uważanym za jednego z najbardziej radykalnych współczesnych choreografów.

Artysta jest wnukiem niestrudzonego badacza motyli, owadów i pająków

Jean-Henri Fabre. Być może dlatego świat owadów jest jednym z kluczowych tematów jego twórczości, obok ludzkiego ciała i wojny.

W 2002 roku Fabre na zlecenie królowej Belgii Paoli ozdobił sufit Sali Lustrzanej Pałacu Królewskiego w Brukseli (swoją drogą, po raz pierwszy od czasów Auguste'a Rodina) milionami skrzydeł chrząszczy. Kompozycja nosi tytuł Niebo rozkoszy (2002).

Jednak za opalizującą powierzchnią artysta przypomina rodzinie królewskiej o straszliwym hańbie – ogromnych ofiarach ludzkich wśród miejscowej ludności Konga podczas kolonizacji króla Leopolda II w imię wydobycia diamentów i złota.

Zdaniem artysty konserwatywnemu społeczeństwu belgijskiemu, delikatnie mówiąc, nie spodobało się to: „Zwykłego człowieka często denerwuje pomysł, że Pałac Królewski dekoruje artysta, który otwarcie nawołuje do niegłosowania na prawicę”.

Gdzie patrzeć:

Oprócz Pałacu Królewskiego prace Jana Fabre można oglądać w Królewskim Muzeum Sztuk Pięknych w Brukseli, gdzie zainstalowana jest między innymi jego instalacja „Blue Look”, Muzeum Sztuki Współczesnej w Gandawie (S.M.A.K.), M. HKA (Antwerpia), Belfius Art Collection (Bruksela), Museum Ixelles (Bruksela), a także na kuratorskich wystawach czasowych w Maison Particuliere, Villa Empain, Vanhaerents Art Collection itp.

Gdzie mogę kupić: Galeria Josa Jamara, Galeria Guya Pietersa

Kto stoi na czele belgijskiego rynku sztuki? Jana Fabre, Luca Tuymansa i Francisa Alusa

W 2011 roku na europejskim rynku sztuki ze skromnym udziałem wynoszącym 1,11% Belgia zajęła dopiero szóste miejsce, za Wielką Brytanią, Francją i Niemcami, ale także Szwecją i Włochami. Jednak niska pozycja belgijskiego rynku sztuki wcale nie odzwierciedla sukcesu, jaki belgijscy artyści osiągnęli na arenie międzynarodowej. Czterech Belgów znalazło się w 2011 roku na liście 30 najlepszych współczesnych autorów europejskich, co czyni Belgię trzecim najliczniej reprezentowanym krajem w rankingu, po Wielkiej Brytanii i Niemczech.

10 najlepszych wyników aukcji współczesnych artystów belgijskich w 2011 roku

W 2011 roku wśród belgijskich artystów Luc Tuymans był nie tylko najlepiej sprzedającym się, ale i najbardziej hojnym artystą. Tak naprawdę dwa z trzech jego najlepszych wyników w tym roku pochodziły z aukcji charytatywnych. Jego dzieło „Deal - No Deal” („Szczęśliwy czy pechowy”) zostało zaoferowane kupującym 22 września na aukcji Christie’s „Artists for Haiti” w Nowym Jorku (dochód został przeznaczony na pomoc ofiarom trzęsienia ziemi w 2010 r.). Obraz Tuymansa został kupiony za 956 500 dolarów, znacznie więcej niż szacowano na 600-800 tysięcy dolarów. Praca „Deal - No Deal” została stworzona przez Tuymansa w Brugii. Autor twierdzi, że zainspirował go samotny mężczyzna grający na automacie w kącie nocnego baru po północy W dużej skali (200 x 130) na obrazie Tuymansa gracz znajduje się w zamęcie i zamęcie.

LUKA TUYMANSA Umowa – brak umowy. 2011 Źródło: christies.com

LUKA TUYMANSA Brzeg. 2011 Źródło: arcadja.com

Kilka tygodni później Takashi Murakami zorganizował aukcję charytatywną na rzecz ofiar trzęsienia ziemi w Japonii, podczas której praca Tuymansa „The Shore” (2011) została sprzedana za 260 000 dolarów. Na tym obrazie olejnym artysta przerobił swój wcześniejszy sitodruk „Shore” z 2005 roku, oparty na zdjęciu polaroidowym przedstawiającym nocne fale. W nowej wersji fala spływająca na brzeg i nocne niebo nabrały odcieni szarości i bieli. W pracy tej autor wyraził swój osobisty stosunek do tragedii kraju dotkniętego trzęsieniem ziemi i tsunami.

Kolejna praca Tuymansa – „Wielkanoc” (2006) – została sprzedana w maju na aukcji Sotheby's w Nowym Jorku za 800 tys. dolarów. Obraz należy do serii prac Tuymansa badających wpływ zakonu jezuitów na różne systemy decyzyjne ( Dzięki tym rekordowym wynikom ceny Tuymansa niemal powróciły do ​​szczytowego poziomu z 2005 roku, kiedy w Tate Modern odbyła się jego retrospektywa. Francisco.

USZKODZENIE VIMA Modele ciężarówki i koparki Caterpillar 5C. 2004 Źródło: m.sothbys.com

USZKODZENIE VIMA Modele ciężarówek i koparek Caterpillar 5C (fragment). 2004 Źródło: m.sothbys.com

Trzecie miejsce w rankingu zajmuje belgijski artysta Wim Delvoye ze swoim „Models of a Caterpillar 5C Truck and Excavator” (2004), sprzedanym na aukcji Sotheby's w Londynie 13 października za 297,7 tys. dolarów. Mała ciężarówka wykonana w kultowym stylu artysty oraz koparka stały się najdroższe dzieło Delvaux sprzedane na aukcji publicznej. Wycinane laserowo ażurowe gotyckie wzory ze stali przypominają o flamandzkich korzeniach artysty. Delvaux od dawna uważany jest za „złego chłopca” belgijskiej sztuki współczesnej – to on próbował tatuować świnie i wynalazł maszynę do produkcji odchodów „Cloaca”. W ciągu ostatniego roku artysta oprócz skandalicznej sławy odniósł także sukces komercyjny: trzy jego prace zostały sprzedane za ponad 150 tysięcy dolarów – tyle samo co przez poprzednie cztery lata .

Jana Fabre’a, podobnie jak Delvaux, nie można zaliczyć do aniołów, ale reputacja prowokatora nie przeszkodziła mu w zajęciu czterech miejsc w rankingu odnoszących największe sukcesy autorów belgijskich. Jego najlepszym wynikiem w 2011 roku jest piąte miejsce w krajowej klasyfikacji. Rynek wtórny twórczości Fabre’a zaczął wreszcie dorównywać poziomowi międzynarodowego uznania, jaki artysta osiągnął w ostatnim czasie (np. Jan Fabre był gościnnym artystą w pawilonie belgijskim na Biennale w Wenecji). Brązowy posąg „Człowiek mierzący chmury” (1998) na aukcji Christie's 15 października osiągnął cenę młotkową 252,4 tys. dolarów - najlepszą dla artysty w 2011 roku. W sumie Fabre wykonał 8 odlewów tej rzeźby, z czego jeden poszedł z młotek za około 230 tysięcy dolarów, a kolejny już w tym roku, 16 lutego, został sprzedany za 267 tysięcy, co zaktualizowało ubiegłoroczny rekord życiowy artysty i potwierdziło wzrost cen na rynku jego dzieł.Jest ich jeszcze kilka. rzeźby Jana Fabre'a w aktualnym rankingu: „Człowiek, który daje ogień” (233,6 tys. dolarów, Christie's, Londyn) i „Anthropology of the Planet” (197,9 tys. dolarów, Sotheby's, Amsterdam). Co ciekawe, jedno z najdroższych dzieł Fabre'a w 2011 roku jest „The Battle in the Hour Blue” (221,6 tys. dolarów, Christie's, Londyn) - rysunek, podczas gdy wszystkie dotychczasowe wyniki prac graficznych Fabre'a nie przekraczały 28 tys. dolarów. Praca przedstawia trzy jelonki umieszczone pośrodku kartki papieru, w całości zamalowane długopisem. To najstarsze dzieło w rankingu - Fabre stworzył je w 1989 roku.

Od listopada 2004 do maja 2008 roku 12 dzieł Francisa Alysa zostało sprzedanych na aukcji za ponad 150 tysięcy dolarów. Od czerwca 2008 do maja 2011 tylko jedno z jego dzieł osiągnęło wynik ponad 80 tys. dolarów. Kryzys miał dramatyczny wpływ na rynek dzieł Alusa: w latach 2008–2010 ceny jego dzieł spadły o 37 proc. W 2011 roku Tate Modern było gospodarzem jednej z najbardziej wszechstronnych wystaw w Belgii, A History of Deception. Teraz popyt na dzieła Alusa ponownie wzrósł: w 2011 roku bez nabywców pozostało jedynie 21 proc. jego dzieł, podczas gdy w 2009 r. odsetek ten wynosił 40 proc. Nic więc dziwnego, że w obecnym rankingu znalazły się aż dwie z nich. Zaczynając jako architekt, Francis Alus w swoich pracach bada interakcję między człowiekiem a przestrzenią, używając różnych technik – od malarstwa po performance. Na wspomnianej już aukcji charytatywnej „Artyści dla Haiti” duży obraz olejny Alusa „Le juif errant” („Wieczny Żyd”) wraz z kilkoma rysunkami przygotowawczymi do niego został sprzedany za 248 tysięcy dolarów. Obraz przedstawia temat migracji z perspektywy mitologicznej. Kolejny znakomity wynik przyniosła praca „Bez tytułu” („Mężczyzna/kobieta z butem na głowie”): z dość odważnym oszacowaniem na 100–150 tys. dolarów (jeśli weźmiemy pod uwagę ostatnią sprzedaż tego dzieła w 2004 r. za 70 tys. dolarów), dzieło sprzedano za dwukrotnie wyższą cenę – za 200 tys. dolarów.

Jak dotąd najlepsze wyniki na aukcjach belgijscy artyści osiągali poza domem. Niemniej jednak na Belgię przypada jedna czwarta wszystkich egzemplarzy sprzedanych przez tych czterech autorów, co odpowiada 11 procentom całkowitych wpływów z aukcji ich dzieł.

Materiał przygotowany przez Marię Onuchinę,sztuczna inteligencja

Przeczytaj także o belgijskich artystach:
Jan Fabre - artysta i entomolog;
Trzecie Biennale Sztuki Współczesnej w Moskwie. Luc Tuymans;
10 najlepszych „Newsweeka”. Francis Alus: Sztuka jako komentarz do istnienia.

Uwaga! Wszelkie materiały znajdujące się w serwisie oraz znajdująca się w serwisie baza danych wyników aukcji, w tym ilustrowane informacje referencyjne o dziełach sprzedanych na aukcjach, przeznaczone są do użytku wyłącznie zgodnie z art. 1274 Kodeksu cywilnego Federacji Rosyjskiej. Wykorzystywanie w celach komercyjnych lub z naruszeniem zasad określonych w Kodeksie cywilnym Federacji Rosyjskiej jest niedozwolone. Serwis nie ponosi odpowiedzialności za treść materiałów udostępnionych przez osoby trzecie. W przypadku naruszenia praw osób trzecich administracja serwisu zastrzega sobie prawo do usunięcia ich z serwisu oraz z bazy danych na żądanie uprawnionego organu.