Biały mosiądz-rock, wczesny jazz-rock. Nowoczesny jazz-rock Jazz-rock w działalności znanych muzyków rockowych

Pierwsze zespoły, które zaczęły wykonywać muzykę zwaną „jazz-rockiem”, składały się z młodych wykonawców, którzy wyrastali w środowisku rockowym, ale skłaniali się ku estetyce jazzowej i improwizowanej muzyce instrumentalnej. Były to praktycznie zespoły rockowe z sekcją dętą.

Kierunek ten można przypisać pochodzeniu całego stylu fusion

Przede wszystkim zespoły tego gatunku wykorzystują wokale. Temat główny w każdym utworze jest śpiewany jako piosenka, a nie grany, jak w późniejszej muzyce instrumentalnej. Co prawda po partii wokalnej często grane są improwizowane solówki i oczywiście umiejętnie pisane fragmenty orkiestrowe na instrumenty dęte. Następnie, jak to zwykle bywa w muzyce pop, wokalista kończy utwór.

Ten schemat był typowy dla najwybitniejszych amerykańskich grup, które dały o sobie znać w 1968 roku - „” i „”. Sekcja dęta tych grup składała się tylko z trzech lub czterech różnych instrumentów, najczęściej trąbki, puzonu i saksofonu, a orkiestracje dla nich zostały wykonane w taki sposób, że w połączeniu z gitarą, gitarą basową i instrumentami klawiszowymi brzmiały jak prawdziwy duży zespół. Wkrótce grupa „”, stworzona przez trębacza Billa Chase’a, zyskała ogromną popularność. Osobliwością jej brzmienia było to, że sekcja dęta składała się z czterech trąbek grających w wysokim rejestrze. Niestety w 1974 roku Bill Chase i trzech jego kolegów zmarło w katastrofa lotnicza i grupa się rozpadła.

Zwykle wszystkie laury pionierów jazz-rocka trafiają do grup „Chicago” i „Blood, Sweat & Tears”, choć próby połączenia dwóch takich ruchów podejmowali inni muzycy, równolegle, a czasem nawet przed nimi. Na przykład w 1965 roku powstała nowojorska grupa „The Free Spirits” (z jakiegoś powodu tę nazwę zapożyczył John McLaughlin podczas tworzenia swojego trio w 1993 roku), już wtedy wykonującą coś, co można śmiało uznać za jazz-rock.gitarzysta Larry Coriell, który później stał się gwiazdą muzyki fusion, rozpoczął karierę.

Biały bluesman z Chicago Michael Bloomfield założył w 1967 roku grupę „The Electric Flag”, nazywając ją „The Orchestra of American Music”. Był to zespół składający się z zespołu blues-rockowego z dodaną sekcją dętą, co dodawało białemu bluesowi dodatkowej mocy.

Amerykańskie grupy tego typu miały własną ideologię - stworzyć w Stanach Zjednoczonych coś, co oparłoby się fali „brytyjskiej inwazji”, która ogarnęła Stany Zjednoczone.
W 1969 roku zaczął wykonywać i produkować instrumentalną muzykę rockową z improwizacją, jest wiecznym nihilistą i szokującym eksperymentatorem. Dzięki jego pomocy wielu muzyków fusion osiągnęło wysoki poziom sławy. Nie można nie wspomnieć o zespole rockowym „The Flock”, w którym grał skrzypek jazzowy, który później zasłynął dzięki udziałowi w pierwszym utworze „Mahavishnu Orchestra” Johna McLoughlina.

W 1970 roku perkusista jazzowy stworzył grupę „Dreams”, która początkowo była zauważalnie podobna w stylu orkiestracji do swoich poprzedników – „Chicago” i „Blood, Sweat & Tears”. Różnica polegała na tym, że brali w nich udział znakomici improwizatorzy jazzowi „Dreams”, jak Michael Brecker i Randy Brecker, którzy zagrali na pierwszej płycie Blood, Sweat & Tears, a także gitarzysta John Abercrombie, nie wspominając o samym Billym Cabhamie. Wszyscy ci muzycy zasłynęli. Wkrótce stali się gwiazdami stylu fusion, uczestnicząc w najsłynniejszych zespołach.

A grupy „Dreams” nie można już nazwać białym „brass rockiem”, ponieważ była ona mieszana rasowo i pomimo zewnętrznego podobieństwa do „Chicago” bardziej przypominała „rock-jazz”, czyli jazz przypominający głaz. (Przypomina się czytelnikowi, że w języku angielskim pierwsze z tych dwóch słów jest definicją drugiego.) W tym samym okresie, to znaczy zaraz po tym, jak pionierzy jazz-rocka zyskali natychmiastową sławę, kilku znanych amerykańskich jazzmanów zaczęło grać w nowy sposób, wykorzystując rytmy zapożyczone z muzyki rytmicznej i bluesowej, soulowej i funkowej.
Nie sposób nie zauważyć pojawienia się na przełomie lat 60. i 70. szeregu projektów, których celem było nie tyle tworzenie zasadniczo nowej muzyki, ile popularyzacja jazzu poprzez wykonywanie w nowy sposób utworów zaczerpniętych z popkultury i muzyki klasycznej . Puzonista jazzowy Don Sebesky dokonał następnie szeregu interesujących nagrań eksperymentalnych z dużymi orkiestrami.

Krytycy, którzy nie rozumieli jeszcze, co się dzieje, nazywali tę muzykę „pop-jazzem”, mimo że jej struktura była nieporównanie bardziej złożona niż to, co mieści się w określeniu „pop”. Szereg wybitnych muzyków jazzowych grających w latach 60., w pierwszej połowie lat 70. pod batutą Grida Taylora „soul jazz” i „hard bop”, dokonał szeregu nagrań, które śmiało można zaliczyć do form jazz rocka. . To przede wszystkim George Benson, Freddie Hubbard, Stanley Turrentine, Hubert Laws. Ale ta linia wczesnego jazz-rocka nie doczekała się dalszego rozwoju.
Z biegiem czasu, kiedy kulturę rockową zmieciła era disco, klasyka jazz rocka weszła do historii jazzu, a ich nazwiska zaczęto pojawiać się w encyklopediach jazzowych, podręcznikach i słownikach. Zastąpienie terminu „Jazz-rock” słowem „Fusion” wynikało w dużej mierze z pojawienia się w jazz-rocku czarnych muzyków, którzy nie chcieli być kojarzeni z kulturą białego rocka, i nadało całemu ruchowi charakter „funku”. muzyka.

Termin „fuzja” ma nie tylko konotacje muzyczne, ale także społeczne, co wskazuje, że „fuzja” zachodziła nie tylko na poziomie kultur muzycznych, ale także pomiędzy różnymi grupami etnicznymi słuchaczy i wykonawców.
Szczególnie wyraźnie pokazał to Miles Davis, który występował na koncertach w Fillmor West przed publicznością złożoną z białych hippisów, przy awangardowej muzyce funky, z udziałem białych wykonawców.

W Wielkiej Brytanii

W Anglii obraz pojawienia się tego, co umownie nazwalibyśmy jazz-rockiem, był nieco inny, przede wszystkim dlatego, że nie było sprzeczności rasowych, nie było dwóch równoległych kultur – białej i czarnej. Kiedy czarni bluesmani z USA - Big Bill Broonzie i Muddy Waters - odwiedzili Anglię w 1957 roku, narodził się tak zwany „brytyjski blues”. Jej pionierami byli londyńscy jazzmani Chris Barber, Cyril Davis, Alexis Corner i inni.

Zszokowani bliskim kontaktem z prawdziwym bluesem, ci jazzmani zaczęli tworzyć własną wersję białego bluesa.
W londyńskich klubach powstało wiele grup, z których najbardziej znane to „Blues Incorporated”, „Graham Bond Organisation” i „Blue Flames”. Przyszłe gwiazdy różnych kierunków otrzymały dobrą szkołę w tym środowisku - Mick Jagger, Brian Jones ( Brian Jones), Dicka Heckstal-Smitha, Johna McLoughlina, Jacka Bruce’a i wielu innych.

W drugiej połowie lat 60. w Wielkiej Brytanii pojawiło się wiele zespołów rockowych o różnej estetyce, wykorzystujących instrumenty dęte i elementy improwizacji. Tradycyjnie klasyfikuje się ich jako „rocka progresywnego” lub „art rocka”, jednak w istocie są to typowi przedstawiciele wczesnego jazz rocka. Są to grupy „Soft Machine”, „Colosseum”, „If”, „Jethro Tull”, „Emerson, Lake & Palmer”, „Air Force”, „The Third Ear Band” i wiele innych.

Brytyjska szkoła wczesnego art rocka (progresywnego lub jazz rocka) końca lat 60. charakteryzuje się z jednej strony zauważalnym wpływem rytmu i bluesa, z drugiej zaś – szczególną głębią i treścią właściwą w wielowiekowej kulturze europejskiej.
Muzyka tego typu, powstająca w tym krótkim okresie w Anglii, jest pod wieloma względami wyjątkowa i niedoceniana przez masową publiczność.
Początkowy okres powstawania jazz rocka charakteryzuje się poszukiwaniem czegoś nowego, zarówno ze strony niewielkiej liczby jazzmanów, jak i ze strony oczywistych wykonawców rockowych. Powstały wówczas dość nietypowe połączenia muzyków. Wybitny przedstawiciel hard rocka, gitarzysta Deep Purple Tommy Bolin poszukuje kontaktów z jazzmanami, nagrywając na płytę Spectrum z Billym Kobhamem. Gitarzysta rockowy Jeff Beck nagrywa z klawiszowcem Ianem Hammerem, który po udziale w Mahavishnu Orchestra stał się wybitną postacią jazz rocka.Rockowy basista Jack Bruce, znany z udziału w krótkim życiu supergrupy „Cream”, gra dla jakiś czas w „Soft Machine”, a następnie nagrywa w projekcie amerykańskiego perkusisty jazzowego Tony’ego Williamsa (Tony Williams) „Lifetime”. Perkusista Genesis Phil Collins współpracuje z gitarzystą Alem Di Meolą i gra w zespole Brand X. A takich przykładów jest wiele.

Jednak już w tym okresie zauważalna była tendencja do stopniowego przekształcania jazz-rocka w muzykę czysto instrumentalną. Wokalistę zastępuje wirtuoz improwizacji. Sekcja mosiężna staje się opcjonalna. Skład zespołów jazzowo-rockowych tworzony jest zgodnie z zasadą zespołów jazzowych - grupa rytmiczna plus soliści. Instrumenty akustyczne są zastępowane instrumentami elektronicznymi. Zamiast kontrabasu używa się gitary basowej, a zamiast fortepianu instrumentów klawiszowych (fortepian Wutlitzera, fortepian Rhodesa, a później syntezatory). Gitara elektryczna z dzwonkami i gwizdkami zastępuje jazzową gitarę akustyczną.

We wczesnym okresie jazz-rocka dominowała koncepcja rytmiczna wywodząca się z kultury rockowej, czyli opartej na rytmie i bluesie, na muzyce soul. Dalsze losy jazz-rocka w procesie jego stopniowej transformacji w muzykę „fusion” wiążą się z przejściem do zupełnie innego poczucia rytmu, do koncepcji stylu „funk”. Jazz-rock staje się muzyką improwizatorów, gdy jego los przechodzi w ręce wybitnych osobistości jazzu, takich jak Miles Davis, Chick Corea, Joe Zavinul, John McLoughlin, Herbie Hancock, Herbie Hancock), Wayne Shorter.

Aleksiej Kozłow.

Jazz-rock(Język angielski) jazz-rocka) - kierunek muzyczny, którego nazwa mówi sama za siebie. Ta wyjątkowa mieszanka jazzu i rocka pojawiła się stosunkowo niedawno – w latach 60. XX wieku, kiedy niektórzy jazzmani o postępowych poglądach uznali, że zakres ich rozbudowanego stylu jest zbyt wąski. Tradycyjnie pojawienie się jazz rocka przypisuje się geograficznie Stanom Zjednoczonym, ale w Starym Świecie nie zabrakło też samorodków, którzy niezależnie od swoich kolegów z zagranicy opanowali nowe brzmienie.

Już na początku lat 60. w Wielkiej Brytanii istniały takie grupy jak Georgie Fame i Blue Flames oraz Graham Bond Organisation, których muzycy próbowali łączyć w swojej twórczości jazz i rytm i blues. Echa jazz rocka można usłyszeć także na płycie Manfreda Manfreda Manna „The Five Faces of Manfred Mann” z 1964 roku. Jednak szanowni krytycy muzyczni skłonni są uważać za pierwsze dzieło w jazz rocku płytę amerykańskiego wibrafonisty jazzowego Gary'ego Burtona (Gary Burton) „Duster”, która trafiła do sprzedaży w 1967 roku. Na tej płycie gitarzystą był młody muzyk z Teksasu Larry Coryell. To on stoi u podstaw stylu potocznie zwanego jazz-rockiem.

Na rok przed współpracą z wielkim Garym Burtonem Larry zdążył już zaistnieć w grupie The Free Spirits, która w swoich eksperymentach także próbowała mieszać jazz z rockiem. Kiedy stało się jasne, że te dwa niezależne gatunki muzyczne są w miarę kompatybilne, na listach przebojów pojawił się utwór Milesa Davisa „Miles in the Sky”. Od tego momentu jazz-rock zaczął nabierać rozpędu. Grupy grające w nowym duchu powstały niezależnie od siebie po obu stronach oceanu i brzmiały bardzo różnorodnie. A o tej różnorodności decydowała szeroka rama obu gatunków. Porównanie np. Amerykanów Blood, Sweat and Tears z brytyjskim The Soft Machine to zupełnie inne podejście do muzyki, jednak obie grupy w pewnych momentach swojej twórczości można w pełni przypisać temu kierunkowi.

Jazz-rock charakteryzuje się znacznym czasem trwania kompozycji, improwizacją, jazzową podstawą ze wszystkimi wynikającymi z tego konsekwencjami oraz wykorzystaniem instrumentów rockowych. W okresie świetności tego ruchu w latach 70. pojawiły się takie grupy jak The Mahavishnu Orchestra, Weather Report, Brand X, Chicago, Return to Forever – grupy, które do dziś uważane są za klasykę gatunku. Kolejne lata nieco poszerzyły granice jazz rocka, dodając elementy muzyki world, funk i pop, w tym elektronikę. Pojawiło się wiele podgatunków, ale ich podstawą jest ten sam, niezmienny jazz.

Jazz rock jest czasami określany także terminem „fusion” ( język angielski fusion), którego pojawienie się wiąże się z pojawieniem się w jazz-rocku czarnych muzyków, którzy nie chcieli wiązać się z kulturą białego rocka. Cechą charakterystyczną fusion jest nastawienie na funk. Jednak w większym stopniu termin „fusion” nie ma konotacji muzycznej, ale społeczną, oznaczającą realizację „fuzji” nie tylko na poziomie kultur muzycznych, ale także pomiędzy różnymi grupami etnicznymi wykonawców i słuchaczy. Uderzającym przykładem takiej fuzji społecznej był występ czarnego Milesa Davisa na koncertach w Fillmore West w 1970 roku przed publicznością złożoną z białych hipisów w składzie z białymi i czarnymi wykonawcami.

Historia zna wiele przykładów, gdy idee innowatorów nie były akceptowane przez społeczeństwo, czasem wręcz prześladowane, ale ostatecznie pionierzy ci zostali uznani za geniuszy, a z ich osiągnięć korzystał cały świat. To samo działo się w jazzie – muzycy wyszli poza tradycyjny styl i często nie byli źle rozumiani. Przedstawiciele nowych trendów, na przykład Miles Davis, Tony Williams, czy grupy Weather Report i Return to Forever, tworzyli swoje najlepsze albumy jazzowo-rockowe, nie myśląc, że staną się światowymi hitami. A jednak tak właśnie się stało...

Najlepsze albumy jazzowo-rockowe

Miles Davis – album Bitches Brew

Podwójny album amerykańskiego trębacza jazzowego ukazał się na początku 1970 roku nakładem Columbia Records. Album ten jest efektem eksperymentów z wykorzystaniem instrumentów elektronicznych – gitary i syntezatora.

Album ten uważany jest za protoplastę kierunku jazz-rockowego. Tradycyjne standardy jazzowe zostają zastąpione lepką, nieoczekiwanie eksplodującą improwizacją. Muzycy odbywali próby bezpośrednio przed nagraniem, co wymuszało na nich większe zanurzenie się w wykonywanej muzyce. Z instrukcji otrzymali jedynie metrum, podstawowe akordy i niewielki fragment melodii, z którego później wyrosła improwizacja. Nawiasem mówiąc, kompozycje „Taniec faraona” i ballada „Sanctuary” nie są autorstwa Davisa.

Po wydaniu albumu opinie na jego temat były podzielone. Już sam fakt, że Columbia Records wydała płytę Bitch Brew, był skandaliczny.

Treść nie odbiegała od nazwy – kierunek stylistyczny bliski jazz fusion czy jazz rockowi, eksperymenty z dźwiękiem i efektami specjalnymi, instrumenty elektroniczne – wszystko to pozwoliło nie tylko podzielić społeczeństwo na dwie części – za i przeciw, ale także aby album zyskał ogromną popularność. Album szybko stał się pierwszym złotem w karierze Davisa, a nieco później zdobył nagrodę Grammy.

Return to Forever – album Romantyczny wojownik

Return to Forever to amerykańska grupa jazz fusion z lat 70. Wydany w 1976 roku album „Romantic Warrior” stał się szóstym i najbardziej znanym w historii grupy. Muzyka albumu, stylizowana na średniowiecze, jest różnorodna, począwszy od okładki. Album otwiera „Medieval Overture”, który jest w całości akustyczny.

„Czarodziejka” z jednej strony sprawia wrażenie przygotowanej w formie uwertury, z drugiej zaś jest przeciwieństwem stylu, a wśród kompozycji instrumentalnej pojawia się syntezator. Kompozycja „Majestic Dance” w całości opiera się na rockowych riffach i przesterowanym brzmieniu gitary „prowadzącej”, które wsparte jest szybkimi, przypominającymi klawesyn pasażami.

Część krytyków potwierdzała, że ​​płyta zasługuje na miano najlepszych płyt jazzowo-rockowych w historii, inni twierdzili, że wszystkie kompozycje są zbyt klasyczne i pompatyczne, a sama płyta jest niemal najgorsza w historii.

Herbie Hancock – album Head Hunters

Head Hunters to dwunasty album studyjny, który ukazał się w 1973 roku nakładem tej samej wytwórni Columbia Records. Album został wpisany do Krajowego Rejestru Biblioteki Kongresu.

Album „Headhunters” trudno jednoznacznie zaliczyć do jazz-rocka. Ta płyta jest raczej wyraźnym wskaźnikiem tego, jak rytmy RNB, zaakcentowane afroamerykańskimi instrumentami perkusyjnymi, można niezwykle skutecznie połączyć ze spokojnymi rytmami funkowymi.

Eklektyczne brzmienie albumu nie tylko w dalszym ciągu torowało drogę muzyce całkowicie elektronicznej, ale znacząco wpłynęło na inne gatunki muzyczne, stając się kolejnym zwycięzcą w walce o tytuł najlepszych albumów jazzowo-rockowych wszechczasów.

Weather Report – album Heavy Weather

Po raz kolejny kalifornijska płyta wydana przez Columbia Records w 1977 roku, tym razem zespołu Weather Report.

Po raz kolejny mamy do czynienia z jedną z najlepszych płyt w historii jazzu, która ukazała się w momencie, gdy fenomen jazz-rocka „zaczął wymykać się spod kontroli” – jak komentował krytyk Richard Ginell.

Jedną z najbardziej uderzających kompozycji na albumie jest Birdland. To jest absolutnie niesamowite, bo jest w całości instrumentalne. Błyskawicznie stając się standardem jazzowym i znacząco przyczyniając się do popularności albumu, Birdland stanowi szczyt kreatywności grupy.

Ciekawe, że chociaż sama kompozycja nie otrzymała nagrody Grammy, piosenka później nie tylko weszła do repertuaru wielu znanych wykonawców, ale jej wersje zostały trzykrotnie nagrodzone Grammy.

Tony Williams – album Wierzcie w to

Jazz-rockowy album Believe It (1975) Tony'ego Williamsa i jego zespołu The Tony Williams Lifetime został ponownie nagrany przez Columbia Records. Jest to pierwsza płyta grupy. Pierwsza, nie najsłynniejsza, ale jednocześnie niezwykle ciekawa.

Warto zaznaczyć – pierwszy dopiero na nowym etapie Williamsa, pierwszy w nowym składzie grupy. Do tego momentu, do 1974 roku, ukazały się już aż cztery albumy stale rozpadającego się tria Williamsa.

John Swanson pisze, że album Believe it przypomina „szaloną degustację fusion”. Nowy brytyjski gitarzysta Allan Holdsworth stał się niemal sensacją, zapadającą w pamięć zarówno ze względu na wyrazisty język muzyczny – miękki, harmonijny i bardzo liryczny, jak i mistrzowskie posługiwanie się instrumentem. Fuzję jazzu i rocka jednak zawdzięczamy my, a oni także Williamsowi, z jego koncepcją swobody rytmicznej i niesamowitą pomysłowością.

Miles Davis „W cichy sposób” (1969)

Koneserzy wciąż mogą spierać się o korzenie i pochodzenie jazz-rocka (fusion). Jednak moment, w którym jazz rock stał się sławny, nie podlega dyskusji. Geniusz muzyczny Mile Davis jako pierwszy zmontował złożone utwory instrumentalne z różnych sesji. A co najważniejsze, zachęcał swoich kolegów do poszukiwania nowej ścieżki w muzyce. Ta i kolejna płyta Davisa „Bitches Brew” to absolutna klasyka gatunku.

Orkiestra Mahavishnu „Wewnętrzny wschodzący płomień” (1971)

Gitarzysta John McLaughlin, który brał udział w nagraniu dwóch wspomnianych płyt Milesa Davisa, zgromadził grono wybitnych instrumentalistów – perkusisty Billy’ego Cobhama i skrzypka Jean-Luca Ponty’ego. Album Inner Mounting Flame był lekcją mistrzowskiego wykonania dla wielu gwiazd rocka, od Deep Purple po Metallicę i Dream Theater. Posłuchaj, co McLaughlin robi ze swoją gitarą.

Herbie Hancock „Mwandishi” (1971)

Na słynnego klawiszowca i kompozytora Herbiego Hancocka duży wpływ miała także współpraca z Milesem Davisem. Na początku lat 70. muzyk opuścił wytwórnię Blue Note i zaczął kolekcjonować nowe instrumenty elektroniczne. Mwandishi to własne imię Hancocka w języku suahili i był on pionierem integracji syntezatorów z tkanką jazzową. Ci, którym brzmienie „Mwandishi” wydaje się zbyt awangardowe i improwizacyjne, powinni sięgnąć po funkowy projekt Hancocka „Head Hunters” (1973), który spotkał się z szerokim odzewem publiczności.

Powrót na zawsze: Hymn siódmej galaktyki (1973)

Inny pianista, Chick Corea, po współpracy z Milesem w latach 70. zmienił kierunek swoich zainteresowań z awangardy na jazz-rock. Album Return To Forever projektu zawiera Coreę na gitarze, Billa Conorsa, Stanleya Clarke'a na basie i Lenny'ego White'a na perkusji. Hymn of the Seventh Galaxy to już nie jazz-rock, ale rock-jazz. Wirtuozi tworzą prawdziwą hardrockową mieszankę. Nieznana dotąd fuzja elektro, jazzu, funku i hard rocka, czyli m.in. prawdziwa fuzja (fuzja - stop).

Druga połowa lat 60. ubiegłego wieku to okres rozkwitu kultury rockowej na Zachodzie, co wiązało się z niesamowitym rozkwitem ruchu hippisowskiego.

W tych latach pojawiło się wiele nowych rzeczy. I to nie tylko w muzyce, ale w sztuce w ogóle i w estetyce życia młodych ludzi. Grały tu regularne zespoły rockowe i zespoły jazzowo-rockowe. Nowe grupy, które pojawiły się w tym okresie, można śmiało porównać do liczby grzybów rosnących po deszczu.

Pojawienie się jazz-rocka

W tych latach pojawiło się wiele nowych nurtów, grup i nazw muzycznych. Beatlesi utorowali drogę od Mersbeat do różnorodnych złożonych kompozycji. W ślad za nimi zaczęły pojawiać się takie nurty jak Acid-Rock, Psi-rock, Folk-rock, Classic-Rock, Country rock, Rock Opera, Blues-rock i oczywiście Jazz-rock.

W oparciu o gramatykę angielską termin jazz-rock można przetłumaczyć jako „jazz rock”, ponieważ w gramatyce pierwsze słowo określa związek z drugim. Dlatego też pierwsze zespoły jazzowo-rockowe stały się odskocznią do powstania kultury rockowej, a nie jazzowej.

Jazz-rock stał się istotną częścią muzyki niekonwencjonalnej. Jego gwiazdy trafiały do ​​encyklopedii rockowych, podręczników i słowników.

Pierwsze zespoły jazzowo-rockowe

Krytycy doszli wówczas do wniosku, że chicagowska grupa składała się z muzyków rockowych, którzy próbowali grać jazz. Przeciwnie, ich zdaniem grupa Blood of Tiars składała się z jazzmanów, którzy połączyli siły z muzyką rockową. Należy również pamiętać, że w Stanach Zjednoczonych rock był pierwotnie uważany za muzykę białą.

Z tego powodu obraz gatunku jazz-rock określano jako: „biały zespół rockowy, w skład którego wchodzi sekcja instrumentów dętych blaszanych”. Nie tylko te dwie grupy dały się wówczas poznać. Wykonywali nowe harmonie i rytmy, improwizowali i grali na instrumentach elektronicznych. Należy pamiętać, że Ameryka była poddana bezprecedensowej presji ze strony zespołów rockowych z Anglii.

Mike Bloomfield to młody bluesman z Chicago. Założył blues-rockową grupę Electric Flag. Była tam sekcja dęta. Ale jednocześnie mówiono, że grupa będzie grać prawdziwą amerykańską muzykę. Można zatem stwierdzić, że w początkach jazz-rock miał podłoże ideologiczne. Jednym z najbardziej efektownych zespołów tamtych czasów była grupa Chase, utworzona przez trębacza Billa Chase'a. Zginął tragicznie w 1974 r.

Jazz rock w działalności znanych muzyków rockowych

Do wczesnych przejawów jazz rocka zalicza się ogromną liczbę grup, w których grali muzycy, którzy wcześniej nie mieli nic wspólnego z takim ruchem jak jazz. Ginger Baker, perkusista The Cream, po rozpadzie grupy stworzył nową grupę, Air Force Band. Zaczęły powstawać grupy, w których młodzi jazzmani współpracowali z muzykami rockowymi.

W nagrywaniu nowych gatunków muzyki aktywnie brali udział znani muzycy rockowi. Niektórzy znani muzycy zaczynają nagrywać w studiach z innymi. Na przykład Jeff Beck nagrywał z Janem Hammerem i Stanleyem Clarkiem. Jack Bruce dołączył do The Tony Williams Lifetime. Jakiś czas później perkusista zespołu Genesis został członkiem grupy Brand X.

Towarzyszył także Alowi Di Meoli. Tommy Bolin, gitarzysta Deep Purple, nagrał ze słynnym perkusistą jazzowym Billym Cubhamem. Ponadto sam przyciągał wykonawców jazz-rockowych do wspólnego nagrywania jego solowych płyt. Wszyscy muzycy zjednoczyli się, aby znaleźć i wymyślić coś nowego. Każdy, kto nie dał się wciągnąć w ten sam sposób grania, w monotonnym stylu.

Jeśli spojrzeć na początki jako całość, można jednoznacznie stwierdzić, że w środowisku jazzu połowy lat 60. ukształtował się tzw. „próg” jazz rocka. To Adderley Brothers Quintet, Messengers Jazz, Horace Silver i perkusista Art Blakey. Muzyka tego kwintetu zaliczana jest do soul jazzu i funky jazzu.

Elementy tej muzyki aktywnie wykorzystuje znakomity aranżer Quincy Jones. Funky soulową muzykę promował na wszelkie możliwe sposoby producent Grid Taylor. Współpracował z Jimmym Smithem, Wesem Montgomerym i innymi jazzmanami.

Byli także innowatorami samymi w sobie, oferując nową estetykę, znacznie różniącą się od standardów funky i hard bopu. Już w 1965 roku Larry Coryell jako jeden z pierwszych przemyślał podejście do brzmienia na własnym instrumencie, zmienił frazowanie i próbował zbliżyć się do gitary rockowej.

Ale prawdziwą rewolucję spowodował John McLoughin. Dlatego nad kierunkiem jazz-rocka pracowało jednocześnie kilka sił. Jeśli mówimy o jazzie tradycyjnym, to w zasadzie pojawiło się i wychowało tutaj całe pokolenie słuchaczy.

Z drugiej strony jazz bardzo się zmienił przez ten czas. Przestał podążać w kierunku komercyjnym. Era swingu tanecznego zakończyła się w okresie powojennym. Bebop szybko przekształcił się w hard bop. Pod koniec lat 60. dotknął awangardowego jazzu, opuszczając szeroką publiczność i zaczynając się głębiej rozwijać.

Z czasem jazz stał się ruchem bardzo złożonym, przestał być sztuką modną. Bo takie okoliczności zmusiły biznes muzyczny do zmian. Nawet znani jazzmani zostali bez pracy. Tym samym narodził się antagonizm w sferze muzyki rockowej i środowiska jazzowego.

U większości jazzmanów, którzy kontynuowali swój rozwój, smaki młodości wywołały uśmiech. Wszystko wydawało im się zbyt proste i prymitywne. Muzycy grający rocka odnosili się do jazzmanów z szacunkiem. Ale z ich strony była też pewna wrogość wynikająca z niechęci tego ostatniego do wszystkiego, co nowe.

Jeśli mówimy o tym ogólnie, to oba te kierunki były w pewnym stopniu rywalami w zakresie zazdrości o sukces. Z tych powodów jazz rock nie wywołał większego entuzjazmu wśród ogółu społeczeństwa. Krytyka jazzowa stwierdziła, że ​​kierunek ten nie ma przyszłości i wartości artystycznej.

Wideo: muzyka funk-jazz-rock-groove