Biografia Griega. Edvard Grieg - piosenkarz legend skandynawskich Lista dzieł Edvarda Griega

Wpływ muzyki na człowieka 03.09.2016

Drodzy czytelnicy, dzisiaj kontynuujemy rozmowę w dziale. Zapraszam Cię do zanurzenia się w świat romantyzmu. Zapoznamy się z epoką romantyzmu i muzyką norweskiego kompozytora Edvarda Griega. W taką podróż zaprasza nas Lilia Shadkowski, czytelniczka mojego bloga i nauczycielka muzyki z dużym doświadczeniem. Ci, którzy często odwiedzają bloga, znają Lilię z niektórych artykułów.

Jesteśmy bardzo zadowoleni z Twojej odpowiedzi. Bardzo dziękuję Lilii za jej ciekawe historie. A ja gorąco polecam słuchanie z dziećmi fragmentów muzycznych, opowiadanie im o muzyce Griega, myślę, że one też będą chętnie słuchały. Kiedy pracowałam w szkole muzycznej, często z dziećmi włączaliśmy utwory do swojego repertuaru, często dawałam zespoły, a ja sama też lubiłam dotykać tej muzyki. A teraz oddaję głos Lilii.

Dzień dobry wszystkim czytelnikom bloga Iriny. Wspaniały sezon letni dobiegł końca. A w chłodny wieczór aż chce się zapalić świeczki, napić się gorącej herbaty, usiąść na ulubionej sofie i posłuchać muzyki.

Nasi drodzy czytelnicy! Myślę, że zainteresuje Cię, jak brzmi cudowna muzyka życia! Czy słyszysz? Szmer przejrzystego strumienia w letnim upale, śpiew ptaków, szelest wiatru w liściach, przebudzenie natury. Cudowna muzyka życia, odsłaniająca dla nas radość! Muzyka jest tak jasna i kolorowa, że ​​nawet bez słów staje się jasne, o co w niej chodzi. Zacznijmy naszą muzyczną podróż.

„Muzyka to jedyny uniwersalny język, nie trzeba jej tłumaczyć, dusza mówi nią duszą”. Bertholda Auerbacha

E.Grieg. Poranek. Ze suity „Peer Gynt”

Bardzo popularna melodia Griega, napisana do pierwszej części sztuki Ibsena Peer Gynt. Muzyka ta kojarzona jest obecnie ze scenami typowo skandynawskimi. Ale pierwotnie ta melodia miała przedstawiać wschód słońca na Saharze.

Cudowne obrazy świata marzeń epoki romantyzmu

Nie tylko triumf natury stał się obiektem kultu kompozytorów romantycznych. Ale także cudowne obrazy świata snów, człowieka, jego wzniosłych uczuć i duchowości – takimi kolorami maluje się kultura muzyczna epoki romantyzmu.

Romantyzm to ruch artystyczny, który rozwinął się pod koniec XVIII – na początku XIX wieku w Europie i Ameryce. Słowo „romantyzm” (franc. romantisme) oznacza fantastyczny, malowniczy. Rzeczywiście, ten kierunek wzbogacił świat o nowe kolory i dźwięki. Kompozytorzy, posługując się środkami muzycznymi, wyrażali głębokie zainteresowanie harmonią świata, osobowością człowieka, jego uczuciami i emocjami.

Najwybitniejsi przedstawiciele szkoła romantyczna kompozytorami byli Niccolo Paganini, Franz Liszt, Fryderyk Chopin, Franz Schubert, Robert Schumann, Giuseppe Verdi, Edvard Grieg. W Rosji w tym stylu pracowali A. Alabyev, P. Czajkowski, M. Glinka, M. Musorgski.

Krajów na świecie jest wiele, ale dziś za pomocą muzyki udamy się do Norwegii, aby odwiedzić Edvarda Griega, kompozytora epoki romantyzmu.

Muzyka Edwarda Griega

„Jeśli ktokolwiek mógłby pokazać światu dumnego i czystego ducha Norwegii, pełnego mrocznej mocy, namiętnego romansu i olśniewającego światła, to z pewnością jest to Edvard Hagerup Grieg”.

Norwegia jest bajecznie piękna i majestatyczna. Surowa, ale oszałamiająco piękna kraina, kraina olśniewających białych szczytów górskich i błękitnych jezior, kraina magiczna zorza polarna i błękitne niebo.

Muzyka ludowa, pieśni, tańce, fascynujące starożytne legendy i opowieści są bogate i oryginalne. Muzyka E. Griega wchłonęła całe bogactwo bajecznego folkloru skandynawskiego. Fantastyczne obrazy trolli i gnomów żyjących w ciemnych jaskiniach, wyczyny ludowych bohaterów w niezapomnianych melodiach są zapewne Wam znane.

„Piosenkarka legend skandynawskich”

Edvard Hagerup Grieg (1843-1907) był norweskim kompozytorem, postacią muzyczną, pianistą, dyrygentem, którego twórczość ukształtowała się pod wpływem norweskiej kultury ludowej. Język muzyczny Edvarda Griega jest głęboko narodowy i nic dziwnego, że Norwegowie bardzo kochają jego muzykę.

E.Grieg. Trochę biografii

Dzieciństwo i młodość. Edvard Grieg urodził się 15 czerwca 1843 roku w nadmorskim mieście Bergen, dużym ośrodku handlowym w zachodniej Norwegii. Ojciec Edwarda, Alexander Grieg, był konsulem brytyjskim w Bergen, a jego matka, Gesina Hagerup, była pianistką. Dawali swoim dzieciom doskonałe i gruntowne wykształcenie, uczyli muzyki, jak to było w zwyczaju w zamożnych rodzinach.

W domu często odbywały się wieczory muzyczne, które decydowały o pierwszych wrażeniach muzycznych przyszłe przeznaczenie Edwarda. Już w wieku czterech lat grał na fortepianie, a w wieku dwunastu lat zaczął komponować własną muzykę. Słynny norweski skrzypek i kompozytor Bull Ole, słysząc muzykę Edwarda, poradził rodzicom, aby wysłali młody talent na studia do Konserwatorium w Lipsku.

Nowy etap w życiu

Po szkoleniu Grieg wraca do ojczyzny i rusza do Kopenhagi, centrum kultury muzycznej. Wspaniałe koncerty, z których słynęła sala koncertowa Gewandhaus, pomogły Edwardowi zrozumieć i pokochać romantyzm.

Tutaj się spotyka największym gawędziarzem G. Andersena i dramaturga G. Ibsena. który dosłownie głosił ideę narodowości w sztuce, temat ten znalazł ciepły odzew w sercu kompozytora.

W 1865 r. E. Grieg wraz z towarzyszami zorganizował towarzystwo muzyczne „Euterpa”, które aktywnie propagowało sztukę ludową i organizowało koncerty. A w 1898 roku założył w Bergen pierwszy festiwal norweskiej muzyki ludowej (festiwal ten odbywa się do dziś). Grieg poczuł ogromny przypływ sił twórczych.

Magiczna moc muzyki Griega

Jedna po drugiej pojawiają się piękne dzieła: romanse, piosenki, wiersze, utwory na fortepian i koncerty, których muzyka łączy się z klimatem surowej północy, rodzima przyroda.

E. Grieg Koncert a-moll (1 część) na fortepian i orkiestrę

"Kompozytor opowiada Bogu o swoim postrzeganiu natury. Pan słucha i uśmiecha się, jest zadowolony: wśród jego dzieł znajdują się wspaniałe obrazy..."

Ale oto żywe, bezpośrednie szkice z życia: „Ptak”, „Motyl”, „Stream” z cyklu „Lyric Pieces” - ulubione dzieła wielu programy koncertowe, w tym programy koncertowe dziecięcych szkół muzycznych.

E.Grieg. Ptaszyna

„Ptak” to przykład rzadkiego daru kompozytora do tworzenia kilkoma pociągnięciami dokładny obraz ptaki zbudowane ze „śpiewających” trylów i rytmu „skakania”.

E.Grieg. zatoczka

Ale tu jest widok na dolinę, powietrze jest czyste i chłodne, a strumień błyszczy srebrem na kamieniach.

E.Grieg. Motyl

Kompozytor napisał go z niepowtarzalną łatwością i wdziękiem, oddając kruchość i wdzięk obrazu.

Obrazy fikcji ludowej

We współpracy z Andersonem i Ibsenem Grieg tworzy w swojej muzyce bohaterów skandynawskiego eposu, islandzkich legend i norweskich sag, niezapomniane obrazy trolli i krasnali. Słuchając muzyki Griega ma się wrażenie, że wśród kwiatów fruwają elfy, że za każdym kamieniem kryje się gnom, a z leśnej dziury zaraz wyskoczy troll.

E.Grieg. Procesja krasnoludów

Ten niezwykły baśniowy marsz znany jest niemal każdemu z nas ze swojej dynamiki i pogodnej melodii. Często używany w wielu baśniach, kreskówkach, produkcjach teatralnych i reklamach.

E.Grieg. Taniec Elfów

Dzień przed pójściem spać E. Grieg przeczytał bajkę Andersena „Calineczka”. Zasnął, a w jego głowie zabrzmiało: „Mała dziewczynka siedziała w kwiatku, a wokół niej latały motylki”… Tak powstała praca „Taniec elfów”.

Muzyka E. Griega do dramatu Ibsena „Peer Gynt”

Jednak najważniejszym dziełem, prawdziwym arcydziełem, była muzyka E. Griega do dramatu G. Ibsena „Peer Gynt”. Premiera tego kameralnego dzieła symfonicznego miała miejsce w 1876 roku i odniosła ogromny sukces. Co więcej, to historyczne przedstawienie stało się początkiem światowej sławy kompozytora i dramaturga.

Główny bohater Per w poszukiwaniu szczęścia wyruszył w podróż dookoła świata, odwiedził wiele krajów. Po drodze musiał przejść wiele prób. Per osiąga bajeczne bogactwo, ale traci wszystko. Czterdzieści lat później zmęczony i wyczerpany wraca do ojczyzny. Ogarnia go głęboka rozpacz – jego życie jest zmarnowane. Kiedy przyjechał, dowiedział się, że Solveig wiernie na niego czekała przez te wszystkie lata:

„Zima przeminie i wiosna minie, kwiaty zwiędną i pokryją się śniegiem. Ale wrócisz do mnie, mówi mi serce, pozostanę Ci wierny, będę żył tylko z Tobą…”

E.Grieg. Pieśń Solveiga

Ta przenikliwa, ekscytująca melodia stała się symbolem miłości i wierności. Zawiera bolesny smutek, poddanie się losowi i oświecenie. Ale najważniejsza jest wiara!

Wiele zaskakujących rzeczy spotyka Per. Znalazł się więc w królestwie trolli, fantastycznych, złych stworzeń, poddanych Króla Gór.

E.Grieg. W Jaskini Króla Gór

Fantastyczna procesja to jedna z najbardziej rozpoznawalnych melodii Griega. Jest również często używany w programach dla dzieci, reklamach i można go usłyszeć w filmach takich jak „Demony”, „Sensacja”, „Martwy śnieg”, „Stażyści”.

E.Grieg. Taniec Anitry

Podróżując przez pustynię arabską Peer Gynt trafia do przywódcy plemienia Beduinów. Córka przywódcy próbuje oczarować Pera swoją urodą.

Twórczość Griega powstała pod wpływem kultury ludowej, jej pięknych motywów pieśniowych i melodii tanecznych.

E.Grieg. Taniec norweski z baletu „Peer Gynt”

Marzenia się spełniają

Grieg naprawdę marzył o domu nad brzegiem morza, spokojnym i kreatywnym otoczeniu. I dopiero w czterdziestym drugim roku życia jego marzenie się spełniło.Wysoko w norweskich górach, w miejscu o bajecznej nazwie Trollhaugen (Wzgórze Trolli, czyli „Magiczne Wzgórze”) stoi ten piękny dom, w którym osiedliła się rodzina Griegów Źródłem inspiracji była lokalizacja osiedla, tu rodziły się nowe muzyczne obrazy.

E.Grieg. Dzień ślubu w Trollhaugen

„Dzień ślubu w Trollhaungen” to obraz życia ludowego, jedno z najradośniejszych i najbardziej radosnych dzieł Griega.

W tym domu Edvard Grieg i jego żona Nina Hageup spędzili ciepły sezon. Często razem spacerowali, podziwiali krajobrazy, a wieczorami omawiali nowe pomysły.

Griegowi bardzo podobał się zarówno ten dom, jak i otaczające go boskie piękno natury: „Widziałem takie piękno natury... ogromny łańcuch ośnieżonych gór o fantastycznych kształtach wyrósł prosto z morza, a w górach zaświtał świt, czwarta rano, jasna letnia noc, a cały krajobraz był jakby poplamiony krwią. To było wyjątkowe!”

Żadne inne malownicze miejsca nie były w stanie zastąpić surowego piękna jego ojczyzny. A ten „dziki” region swoim dziewiczym pięknem przyciąga miliony fanów kompozytora.

Dziś na terenie posiadłości powstało muzeum, w którym wielbiciele mogą nie tylko zobaczyć wyjątkową przyrodę, ale także usłyszeć wyjątkowe, magiczne dźwięki muzyki Edvarda Griega.

Zgodnie z wolą kompozytora Grieg został pochowany w grobie wykutym w stromej skale. Tam, 28 lat później, Nina, jedyna kobieta Griega i jego muza, odnalazła spokój.

To Edvard Grieg – bystry, potężny kompozytor, odsłaniający w swojej muzyce sekrety skandynawskich legend i pozostający na zawsze w światowej kulturze muzycznej. Muzyka E. Griega będzie brzmiała tak długo, jak długo stoją norweskie klify, dopóki morskie fale uderzają o brzeg.

Dziękuję Lilii za informację. Jak już pisałem na samym początku artykułu, muzyka Griega rzadko pozostawia nikogo obojętnym. Podobają się zarówno dzieciom, jak i dorosłym. I przypomniał mi się też koncert, kiedy pracowałam w szkole pedagogicznej przy ul Daleki Wschód. Na koncercie reportażowym zagraliśmy z kolegą koncert a-moll Griega na dwóch fortepianach. Lily właśnie wspomniała o nim w artykule. Cóż za niesamowita muzyka, jak nas wtedy przyjęto... I jak interesująca była dla nas wspólna praca. My również zdobyliśmy takie doświadczenie.

Życzę wszystkim wspaniałego nastroju, prostych radości życia, wszystkiego najserdeczniejszego i najmilszego.

Woda cytrynowa to prosty sposób na poprawę zdrowia

Edvard Grieg to norweski kompozytor, którego dziedzictwo twórcze jest niezwykłe ze względu na swój narodowy charakter. Kultywował swój talent pod ścisłym okiem matki, a następnie innych znanych muzyków. Los dał mu wiele znajomości z najlepszymi ludźmi tamtych czasów, a on zajął obok nich należne mu miejsce w historii kultury światowej i skandynawskiej. Twórcze i osobiste życie Edwarda było ściśle związane z trudnymi przeszkodami, ale Grieg nie cofnął się ani na krok od swojego celu. A jego cierpliwość została nagrodzona głośną sławą najwybitniejszego przedstawiciela norweskiej tradycji muzycznej. Ale Grieg był skromny i wolał samotne cieszenie się przyrodą i muzyką w posiadłości niedaleko swojego miejsca urodzenia.

Przeczytaj krótką biografię Edvarda Griega i wiele ciekawostek o kompozytorze na naszej stronie.

Krótka biografia Griega

Pełne imię i nazwisko kompozytora to Edvard Hagerup Grieg. Urodził się 15 czerwca 1843 roku w mieście Bergen w rodzinie wicekonsula brytyjskiego Aleksandra Griega i pianistki Gesiny Hagerup. Jego ojciec był trzecim w dynastii przedstawicieli Wielkiej Brytanii, którą zapoczątkował jego dziadek, zamożny kupiec, który przeniósł się do Norwegii w 1770 roku. Matka Edwarda miała niezwykłe zdolności muzyczne: ukończyła konserwatorium w Hamburgu, mimo że do tej placówki edukacyjnej przyjmowano wyłącznie młodych mężczyzn. To ona przyczyniła się do rozwoju talent muzyczny wszystkich pięciorga dzieci w rodzinie. Ponadto lekcje gry na fortepianie były częścią obowiązkowego programu edukacyjnego dla spadkobierców szanowanych rodzin. W wieku 4 lat Edward po raz pierwszy zasiadł do fortepianu, ale wtedy nikt nie przypuszczał, że muzyka stanie się jego przeznaczeniem.

Zgodnie z oczekiwaniami, w wieku dziesięciu lat chłopiec poszedł do zwykłej szkoły. Od pierwszych dni nie wykazywał się pilnością w nauce – przedmioty ogólne interesowały go znacznie mniej niż pisanie.

Z biografii Griega dowiadujemy się, że gdy Edward miał 15 lat, jego rodziców odwiedził słynny wówczas norweski muzyk Ole Bull. Chłopiec pokazał mu swoje pierwsze prace. Najwyraźniej dotknęli Byka, gdyż jego wyraz twarzy natychmiast stał się poważny i zamyślony. Pod koniec występu rozmawiał o czymś z rodzicami chłopca i powiedział mu, że jedzie do Lipska, aby zdobyć dobre wykształcenie muzyczne.

Edward pomyślnie zdał egzaminy wstępne do konserwatorium i w 1858 roku rozpoczął studia. Był niezwykle selektywny w stosunku do własnych nauczycieli, pozwalając sobie poprosić kierownictwo konserwatorium o zastąpienie go mentorem, z którym nie miał tych samych poglądów i preferencji muzycznych. A dzięki jego niezwykłemu talentowi i pracowitości w nauce ludzie zawsze spotykali go w połowie drogi. Przez lata studiów Edward uczestniczył w wielu koncertach, ciesząc się dziełami wielkich muzyków - Wagnera, Mozarta, Beethovena. W 1862 roku Konserwatorium w Lipsku ukończyło szkołę Edwarda Griega z doskonałymi ocenami i pełnymi podziwu rekomendacjami. W tym samym roku odbył się jego debiutancki koncert, który odbył się w Szwecji, w mieście Karlshamn. Znakomite ukończenie studiów przyćmił jedynie stan zdrowia Griega – nabyte w tym okresie zapalenie opłucnej towarzyszyło kompozytorowi przez całe życie, okresowo powodując poważne powikłania.

Kopenhaga i życie osobiste kompozytora

Wracając do rodzinnego Bergen, Grieg szybko zdał sobie sprawę, że nie ma perspektyw na jego rozwój zawodowy i w 1863 roku przeniósł się do Kopenhagi. Wybór miasta nie jest przypadkowy – to właśnie tu w tym czasie mieściło się centrum muzyczne i muzyczne życie kulturalne wszystkie państwa skandynawskie. Kopenhaga wywarła fatalny wpływ na twórczość Griega: znajomość z wieloma artystami tamtych czasów, działalność edukacyjna i zgłębianie historii narodów skandynawskich ukształtowały jego niepowtarzalny styl. Twórczość muzyczna Griega zaczęła nabierać wyraźnych cech narodowych. Grieg wraz z innymi młodymi muzykami propaguje „wśród mas” skandynawskie motywy muzyczne, a sam inspiruje się rytmami pieśni, tańcami, obrazami i formami ludowych szkiców.

W Kopenhadze Edvard Grieg spotyka główną kobietę swojego życia, Ninę Hagerup. Młoda odnosząca sukcesy piosenkarka odwzajemniła namiętne wyznanie Griega. Na drodze do ich nieograniczonego szczęścia była tylko jedna przeszkoda - więzi rodzinne. Nina była kuzynką Edwarda ze strony matki. Ich związek wywołał burzę oburzenia wśród krewnych i przez wszystkie kolejne lata stali się wyrzutkami we własnych rodzinach.

W 1867 roku ostatecznie pobrali się. To nie było tylko małżeństwo dwojga kochanków, to był także twórczy tandem. Nina wykonywała piosenki i przedstawienia teatralne do muzyki Griega i, jak wynika z obserwacji jej współczesnych, nie było drugiego wykonawcy, który tak dobrze wpisywałby się w nastrój jego kompozycji. Początek życia rodzinnego wiązał się z monotonną pracą, która nie przynosiła poważnych sukcesów ani dochodów. Mieszkając w Christianii (Oslo), Nina i Edward podróżowali po Europie, dając koncerty. Czasami dyrygował i udzielał lekcji gry na fortepianie.

W 1868 roku w młodej rodzinie urodziła się córka. Edward nazwał ją Aleksandrą na cześć ojca. Ale szczęście nie trwało długo - w wieku jednego roku dziewczynka zmarła na zapalenie opon mózgowych. To wydarzenie było fatalne dla rodziny Griega – żona opłakiwała stratę, a ich relacje już nigdy nie były takie same. Wspólna działalność koncertowa była kontynuowana, ale sukces nie przyszedł. Grieg był na skraju głębokiej depresji.

W 1872 roku jego sztuka „Sigurd Krzyżowiec” zyskała uznanie, a władze szwedzkie skazały go nawet na dożywocie. Nieoczekiwana sława, która nadeszła tak niespodziewanie, nie zadowoliła Griega - zaczął marzyć o spokojnym, wyważonym życiu i wkrótce wrócił do rodzinnego Bergen.

Jego mała ojczyzna zainspirowała Griega do nowych osiągnięć – skomponował muzykę do dramatu Ibsena „Peer Gynt”, który do dziś uważany jest za jeden z najwybitniejszych znaczące dzieła Griega i ważny aspekt kultury norweskiej jako całości. Odzwierciedlało to zarówno osobiste doświadczenia kompozytora, jak i jego pogląd na rytm życia współczesnych stolic europejskich. I bliskich – Griega motywy ludowe podkreślił swój podziw dla rodzinnej Norwegii.

Ostatnie lata życia i twórczości

W Bergen stan zdrowia Griega znacznie się pogorszył – zapalenie opłucnej groziło przekształceniem się w gruźlicę. Ponadto rozpadł się związek z Niną, a w 1883 roku opuściła męża. Grieg znalazł siłę, by ją zwrócić, zdając sobie sprawę, że pomimo swojej powszechnej sławy, wokół niego było bardzo niewielu naprawdę bliskich ludzi.

Edward i Nina ponownie rozpoczęli trasę koncertową, ale jego stan był coraz gorszy - jego choroba płuc szybko się rozwijała. Odwiedziwszy niemal wszystkie stolice europejskie, Grieg zamierzał dać kolejny koncert w Londynie. Czekając na statek, on i Nina zatrzymali się w hotelu w Bergen. Nowy atak nie pozwolił Griegowi wyruszyć w drogę i po hospitalizacji zmarł 4 września 1907 roku.

Interesujące fakty na temat Griega

• Edward nie zabiegał o naukę w zwykłej szkole, za wszelką cenę unikając lekcji. Zdaniem części jego biografów, czasami celowo moczył ubranie, jakby złapał go deszcz, żeby odesłać go do domu na przebranie. Droga do domu była długa i Edward po prostu opuścił zajęcia.
• Pierwsze próby komponowania muzyki Grieg podjął już w wieku 12 lat.
• Któregoś dnia Edward zabrał do szkoły zeszyt ze swoimi pierwszymi esejami. Nauczyciele, którzy nie lubili chłopca za jego nieuważne podejście do nauki, wyśmiewali te notatki.

• Mieszkając w Kopenhadze, Grieg poznał i zaprzyjaźnił się z Hansem Christianem Andersenem. Kompozytor napisał muzykę do kilku swoich wierszy.
• Edward oświadczył się Ninie Hagerup w Wigilię Bożego Narodzenia 1864 roku w towarzystwie młodych osobistości kultury, ofiarowując jej zbiór swoich sonetów miłosnych zatytułowanych „Melodie serca”.
• Grieg zawsze podziwiał kreatywność Franciszek Liszt i pewnego dnia poznali się osobiście. W trudnym okresie życia Griega Liszt był na jego koncercie, a potem podszedł i życzył mu, żeby się nie zatrzymywał i żeby się niczego nie bał. Edward uznał to za swego rodzaju błogosławieństwo.
• Ulubionym domem Griega była posiadłość pod Bergen, którą kompozytor nazwał „Trollhaugen” – „Wzgórze Trolli”.
• Grieg brał czynny udział w otwarciu Akademii Muzycznej w Christianii w 1867 roku.
• Z biografii Griega wynika, że ​​w 1893 roku kompozytor otrzymał tytuł doktora uniwersytetu w Cambridge.
• Grieg miał swego rodzaju talizman - glinianą figurkę żaby. Zawsze zabierał ją ze sobą na koncerty, a przed wyjściem na scenę miał zwyczaj masować jej plecy.

• Biografia Griega mówi, że w 1887 roku Edward i Nina Hagerup poznali się Czajkowski. Rozpoczęła się między nimi korespondencja, a Grieg przez wiele lat dzielił się z nim swoimi planami twórczymi i osobistymi doświadczeniami.
• Wizyta Griega w Rosji nigdy nie doszła do skutku ze względu na chorobę Edwarda oraz wojnę rosyjsko-japońską, w warunkach której uważał za niewłaściwe przyjazd do przyjaciela Czajkowskiego.
• Sam Heinrich Ibsen poprosił Griega o skomponowanie muzyki do jego sztuki Peer Gynt, pisząc list do kompozytora na początku 1874 roku. Ibsen obiecał mu, że podzieli dochód na pół, jak pomiędzy równymi współautorami. Dramaturg przywiązywał tak wielką wagę do muzyki.
• Na jednym ze swoich koncertów w Christianii Grieg bez ostrzeżenia zastąpił ostatni numer kompozycją Beethovena. Następnego dnia krytyk, który nie lubił Griega, opublikował druzgocącą recenzję, zwracając zwłaszcza uwagę na przeciętność ostatniego dzieła. Edward nie wahał się, wezwał tego krytyka i oświadczył, że jest duchem Beethovena i to on jest autorem tego dzieła. Krytyk miał zawał serca.

• Król Norwegii, wielbiciel talentu Griega, wydał rozkaz nadania mu Orderu Honorowego. Edward nie znajdując nic lepszego, włożył zamówienie do tylnej kieszeni fraka. Królowi powiedziano, że Grieg potraktował swoją nagrodę w sposób bardzo nieprzyzwoity, czym monarcha poczuł się poważnie urażony.
• Edvard Grieg i Nina Hagerup są pochowani w tym samym grobie. Pomimo trudności we wspólnym życiu, nadal potrafili pozostać dla siebie najbliższymi ludźmi.

Twórczość Griega ma ogromne znaczenie zarówno dla światowej historii muzyki, jak i dla kultury narodowej Norwegii. Tak naprawdę stał się pierwszym norweskim kompozytorem, który zyskał światową sławę, a także wyniósł skandynawskie motywy ludowe na nowy poziom.

W 1889 roku Grieg podjął najodważniejszy krok, aby wypromować Norwegię na muzycznym Olimpie tamtych lat. Zorganizował pierwszy w Polsce festiwal muzyki ludowej rodzinne miasto Bergen, zapraszając słynną orkiestrę z Holandii. W wydarzeniu wzięło udział wiele znanych na całym świecie postaci muzycznych. Dzięki festiwalowi świat dowiedział się o istnieniu małego norweskiego miasteczka, kilku utalentowanych kompozytorów i wykonawców, a muzyka skandynawska wreszcie zajęła należne mu miejsce.

Dziedzictwo twórcze Edvarda Griega obejmuje ponad 600 piosenek i romansów, 20 sztuk teatralnych, symfonie, sonaty i suity na fortepian, skrzypce i wiolonczelę. Przez wiele lat pracował nad napisaniem własnej opery, ale okoliczności stale mu nie sprzyjały. Dzięki tym próbom świat muzyki został uzupełniony kilkoma równie znaczącymi dziełami.

Historia jednego arcydzieła – „Peer Gynt”

Trudno spotkać osobę, która nigdy nie słyszała najczulszych dźwięków spektaklu „Poranek” z suity Griega „ Peera Gynta„lub insynuującą procesję tajemniczych mieszkańców Jaskini Króla Gór. Nie jest to zaskakujące, ponieważ ta praca od dawna cieszy się niesamowitą popularnością i miłością publiczności. Reżyserzy filmowi często sięgają po to arcydzieło, włączając je do swoich filmów. Co więcej, w każdej szkole, klubie muzycznym i szkole rozwojowej dzieci z pewnością zapoznają się z jasnymi i niezwykle wyrazistymi utworami zawartymi w pakiecie.

„Peer Gynt” opiera się na tej samej nazwie filozoficzna zabawa Henryk Ibsen. Główny bohater dzieła to wizjoner i marzyciel, który wybrał podróż, wędrując bez celu po ziemi. Dlatego bohater woli unikać wszelkich trudności życiowych. Pracując nad swoją sztuką, Ibsen sięgnął do norweskiego folkloru, zapożyczając imię głównego bohatera i niektóre wersety dramatyczne z „Opowieści ludowych” i „Bajek” Asbjornsona. Akcja spektaklu rozgrywa się w odległych górach Norwegii, tajemniczej jaskini dziadka Dovra, w morzu, a także w piaskach Egiptu. Warto zauważyć, że sam Ibsen zwrócił się do Edvarda Griega z prośbą o napisanie muzyki do dramatu. Kompozytor natychmiast przystąpił do wypełniania zamówienia, okazało się to jednak dość trudne i kompozycja powstawała powoli. Griegowi udało się ukończyć partyturę wiosną 1875 roku w Lipsku. Premiera spektaklu, już z muzyką kompozytora, odbyła się z wielkim sukcesem w Chrześcijaństwie w lutym 1876 roku. Nieco później Grieg ponownie zaaranżował sztukę na potrzeby jej wystawienia w Kopenhadze w 1886 roku. Nieco później kompozytor ponownie sięgnął po to dzieło i skomponował dwie suity, z których każda zawierała po cztery numery z dwudziestu trzech, które napisał. Bardzo szybko suity te zachwyciły publiczność i zajęły mocne miejsce w wielu programach koncertowych.

Edvard Grieg całe swoje życie i pracę poświęcił ukochanej ojczyźnie. Nawet związek miłosny nie stała się dla niego ważniejsza niż wielka sprawa – gloryfikacja Norwegii i jej tradycje kulturowe. Jednak jego niesamowity talent nie pozostawił obojętnych przedstawicieli innych narodowości i do dziś porusza serca swoim urzekającym dźwiękiem, budząc ciepło i ekscytującą rozkosz. W jego życiu nie było głośnych romansów, nie przechwalał się swoim sukcesem, choć był z niego niesamowicie szczęśliwy duża ilość zaproszenia i oferty. A jednak jego życie to nie „targ próżności”, ale bezgraniczna służba ojczyźnie.

Wideo: obejrzyj film o Edwardzie Griegu

• Sonata fortepianowa e-moll op. 7 (1865)
• I Sonata na skrzypce i fortepian F-dur op. 8 (1865)
• „Jesienią” na fortepian na cztery ręce op. 11, także na orkiestrę (1866)
• „Sztuki liryczne”, 10 zbiorów, od 1866 (op. 12) do 1901 (op. 71).
• Sonata nr 2 na skrzypce i fortepian G-dur op. 13 (1867)
• Koncert na fortepian i orkiestrę op. 16 (1868)
• „Sygurd Krzyżowiec”, op. 22, muzyka do spektaklu Björnstjerne Björnson (1872)
• „Peer Gynt”, op. 23, muzyka do sztuki Henryka Ibsena (1875)
• Kwartet smyczkowy g-moll op. 27 (1877-1878)
• „Tańce norweskie” na fortepian na cztery ręce op. 35, także na orkiestrę (1881)
• Sonata na wiolonczelę i fortepian op. 36 (1882)
• Sonata nr 3 na skrzypce i fortepian c-moll op. 45 (1886-1887)
• Tańce symfoniczne op. 64 (1898).

Dziedzictwo Griega

Dziś twórczość Edvarda Griega cieszy się dużym szacunkiem, szczególnie w Norwegii. Jego utwory są aktywnie wykonywane jako pianista i dyrygent przez jednego z najsłynniejszych współczesnych muzyków norweskich, Leifa Ove Andsnesa. Sztuki Griega wykorzystywane są w wydarzeniach artystycznych i kulturalnych. Organizowane są różne występy muzyczne, scenariusze łyżwiarstwa figurowego i inne przedstawienia.

Trollhaugen, w którym kompozytor spędził część swojego życia, stało się muzeum domowym otwartym dla publiczności. Zwiedzającym prezentowane są tu rodzinne mury kompozytora, jego majątek i wnętrza. Rzeczy, które należały do ​​kompozytora – płaszcz, kapelusz i skrzypce – do dziś wiszą na ścianie jego domu pracy. Nieopodal osiedla znajduje się pomnik Griega rozmiar życia i tam jest jego chata robocza.

We współczesnej kulturze

• Carl Stalling, kompozytor studia filmowego Warner Bros., często wykorzystywał melodię ze spektaklu „Poranek” do zilustrowania porannych scen w kreskówkach.
• Przedstawienie muzyczne Kominiarz wielu kolorów (1957), oparty na opowiadaniu braci Grimm, wykorzystywał wyłącznie muzykę Griega.
• Muzyczna Pieśń Norwegii (1970) oparta jest na wydarzeniach z życia Griega i wykorzystuje jego muzykę.
• Rainbow - Hall of the Mountain King (album Stranger in Us All, 1995) - hardrockowa kompozycja oparta na muzyce ze spektaklu „In the Cave of the Mountain King” do słów Candice Knight (żony Ritchiego Blackmore’a, założyciela zespołu gitarzysta). Piosenka Vikingtid rosyjskiego pogańskiego zespołu metalowego Butterfly Temple z albumu „Dreams of the North Sea” również zawiera fragmenty tego utworu Griega.
• Pierwsza część koncertu fortepianowego została wykorzystana w filmie Adriana Lyne’a Lolita (1997).

Edvard Grieg (1843-1907) był pierwszym norweskim kompozytorem, którego twórczość przekroczyła granice swojego kraju i stała się własnością kultury paneuropejskiej. Dzięki Griegowi norweska szkoła muzyczna dorównała innym narodowym szkołom w Europie, choć jej rozwój odbywał się w bardzo trudnych warunkach.

Przez długi czas (do 1905 r.) Norwegia nie mogła uzyskać niepodległości państwowej. Zależność polityczna od Danii (XIV-XVIII w.) i Szwecji (XIX w.) utrudniała rozwój gospodarki i kultury kraju (do połowy XIX w. nie istniała tam nie tylko profesjonalna sztuka, ale także jeden język państwowy) .

Życie i droga twórcza Griega zbiegły się z okresem niezwykle jasnego rozkwitu kultury norweskiej, związanego z przebudzeniem samoświadomości narodowej. W latach 60. i 70. XIX wieku czołowi norwescy artyści zwrócili się w stronę studiów nad epopeją narodową, ludowe opowieści, folklor muzyczny. W Bergen, ojczyźnie Griega, otwarto Narodowy Teatr Norweski, na którego czele stał Henrik Ibsen (najwybitniejszy norweski dramaturg, autor dramatu „Peer Gynt”). Wybitny skrzypek-improwizator Ole Byk zaczął promować norweską muzykę ludową, realizując własne fantazje koncertowe motywy folklorystyczne. Autor norweskiego hymnu narodowego Nurdrock Razem z Griegiem założył w Kopenhadze stowarzyszenie muzyczne „Euterpa”, którego celem było upowszechnianie i promocja twórczości młodych kompozytorów skandynawskich. Stał się autorem licznych romansów Hjerulf . A jednak to Griegowi udało się wynieść norweską szkołę muzyczną na światowy poziom. Obraz Norwegii stał się semantycznym centrum całej twórczości Griega. Jego ucieleśnienie kojarzy się albo z heroizmem norweskiej epopei, albo z obrazami narodowej historii i literatury, albo z fantazją skandynawskich baśni lub obrazami surowej północnej natury. Najgłębszym i najdoskonalszym artystycznie uogólnieniem epickiego obrazu ojczyzny były 2 suity orkiestrowe „Peer Gynt”, w których Grieg przedstawił swoją interpretację fabuły Ibsena. Pomijając charakterystykę Pera – poszukiwacza przygód, indywidualisty i buntownika – Grieg stworzył liryczno-epicki poemat o Norwegii, wyśpiewał piękno jej natury („Poranek”) i malował fantazyjne baśniowe obrazy („W jaskini Króla Gór”). Liryczne obrazy matki Pera, starego Ose i jego narzeczonej Solveig nabrały znaczenia wiecznych symboli.

Niezwykle oryginalny styl Griega ukształtował się pod wpływem norweskiego folkloru, który ma bardzo długą historię. Jego tradycje ukształtowały się w liryczno-epickich pieśniach skaldów, w pasterskich melodiach górskich ( blokada), w tańcach i marszach norweskich.

Grigowski melodie wchłonął najbardziej charakterystyczne cechy norweskich pieśni ludowych, jak połączenie ruchów pentatonicznych z trytonowymi, czy zwrot melodyczny T – ton wprowadzający – D. Intonacja ta, która stała się swoistą symbol muzyczny Norwegię bardzo często można spotkać w muzyce Griega (np. w wielu tematach, w „Nokturnie” z „Pieśni lirycznych”). Często „przechodzi” na inne stopnie skali, jak na przykład w Piosenka Solveiga, gdzie ten melodyczny ruch pochodzi od D (poprzez podwyższony stopień IV), a następnie od S.

Pod wpływem folkloru rozwinęły się także cechy charakterystyczne Harmonia Griga:

• obfitość punktów organowych;
• częste używanie trybów lidyjskiego i doryckiego;
• podniesienie czwartego stopnia trybu zarówno w dur, jak i moll to ulubiona przeróbka Griega;
• elastyczna zmienność modalna, jako rodzaj gry „światła i cienia” (moll D w dur, dur S w moll itp.) t. wolna część fp. koncert

Ogólnie rzecz biorąc, język harmoniczny dzieł Griega wyróżnia się szczególną kolorystyką i powszechnym stosowaniem akordów wielotertowych, co ponownie jest zakorzenione w norweskim folklorze (wiele norweskich melodii zawiera kilka trzecich ruchów w jednym kierunku).

Najbardziej bezpośrednio kojarzone z norweskim folklorem są liczne tańce Griega. Opierają się na swoistym rytmie języka norweskiego Hallingi, Springdanowie, Gangary. Gangara - To norweski marsz chłopski. Hallinga - solowy taniec męski o bardzo skomplikowanych, niemal akrobatycznych ruchach. Wiosenny taniec (lub springar) - dziarski „taniec skokowy”. Grieg często podkreśla typowe szczegóły rytmiczne wszystkich tych tańców - połączenie trioli i wzorów kropkowanych, nieoczekiwane akcenty na słabych uderzeniach, wszelkiego rodzaju synkopy.

W dziedzictwo twórcze Grieg prezentuje niemal wszystkie musicale gatunki - fortepianowy wokalny symfoniczny (uwertura „Jesienią”, suita „Z czasów Holberga” na orkiestrę smyczkową) i wokalno-symfoniczny (muzyka teatralna), kameralno-instrumentalny ( Kwartet smyczkowy, 3 sonaty na skrzypce i fortepian, 1 sonata na wiolonczelę i fortepian). A jednak najwyraźniej pokazał się na boisku miniatury - fortepian i wokal. Współcześni nazywali go genialnym miniaturzystą, mistrzem małych form.

Gdzie uchwycone są jego obserwacje z życia osobistego, wrażenia z otaczającego świata, przyrody, przemyślenia i uczucia, przemyślenia o Ojczyźnie. Kompozytor napisał około 150 miniatur fortepianowych. 66 z nich wchodzi w skład cyklu 10 zeszytów „Utwory liryczne”, które zajęły główne miejsce w jego twórczości fortepianowej (oprócz tego - „Obrazy poetyckie”, „Humoreski”, „Z życia ludowego”, „Arkusze albumów”, „ Walce-Kaprysy” „). Grieg poświęcił także fortepianowi 3 najważniejsze dzieła: sonatę w e-moll, balladę w formie wariacji oraz koncert fortepianowy, jeden z najlepszych w literaturze koncertowej.

Wraz z muzyką fortepianową (około 150 pieśni i romansów, m.in. pętle wokalne„Melodie serca” do słów H.H. Andersena, „Przez skały i fiordy”, „Norwegia”, „Dziecko gór”). Znamienne, że podstawą kompozycji wokalnych Griega była poezja norweska (wiersze Bjornsona, Paulsena, Ibsena).

Grieg sprawdził się nie tylko jako kompozytor. Był także znakomitym wykonawcą (występował jako dyrygent i pianista, najczęściej we współpracy z śpiewaczką Niną Hagerup, która była jego żoną); krytyk muzyczny; osoba publiczna (kierował Filharmonią w Christianii, zorganizował pierwszy festiwal muzyki norweskiej w Bergen itp.)

Do ostatnich lat życia Griega kontynuowała działalność edukacyjną (reżyserowanie koncertów zespołu Bergen towarzystwo muzyczne„Harmonia”, organizacja pierwszego norweskiego festiwalu muzycznego w 1898 r.). Skoncentrowaną pracę kompozytorską zastąpiły tournee (Niemcy, Austria, Anglia, Francja); przyczynili się do szerzenia muzyki norweskiej w Europie, przynieśli nowe kontakty, znajomości z największymi współczesnymi kompozytorami - J. Brahmsem, C. Saint-Saensem, M. Regerem, F. Busonim.

Jest to głównie muzyka do występy dramatyczne. Opera „Olav Trygvason” pozostała niedokończona.

Miejska instytucja budżetowa

dodatkowa edukacja

Dziecięca Szkoła Artystyczna nr 8

Uljanowsk.

Praca muzykologiczna nauczyciela gry na fortepianie

Tuarmińska Elena Anatolijewna

„Twórczość E. Griega i jego dzieła fortepianowe”

201 6 rok

„Twórczość E. Griega i jego dzieła fortepianowe”

Wprowadzenie……………………………………………………………………………...1

§1. Edvard Grieg – klasyk muzyki norweskiej……………………………2-5

§2. Zapoznanie uczniów z twórczością Griega w trakcie jej studiowania…..5-8

§3. Prace Griega w klasie fortepianu w szkole artystycznej. ……….8-23

Zakończenie……………………….……………….…………………………..23

Bibliografia…………………...……………………………………...23-24

Wstęp

Artysta o bystrym indywidualnym charakterze, Grieg zapisał się w historii światowej kultury muzycznej jako wielki norweski kompozytor, którego muzyka ucieleśniała wszystko, co najlepsze, co jego ojczyzna tworzyła przez wiele stuleci: bohaterstwo ludowej epopei i tajemniczej baśni, energię tańca ludowego i wspaniałych, delikatnych tekstów. Według słów Ibsena zawiera ona „zarówno pamięć o przeszłości, jak i siłę miłości”.

Na tym opiera się życie intelektualne i duchowe każdego człowieka Kultura narodowa do którego należy. Jego znaczenie dla rozwoju potencjał twórczy nie do przecenienia: „Istnieje prawo natury i kultury ludzkiej, na mocy którego wszystko, co wielkie, może być wypowiedziane przez osobę lub naród tylko na swój sposób, a wszystko, co genialne, zrodzi się właśnie w łonie narodowych doświadczenie, duch i sposób życia” (Ilyin I. A.). Praca Griega jest wyraźnym potwierdzeniem tego prawa i

znajomość dziedzictwa wielkiego kompozytora pomaga studentom-muzykom zrozumieć wiele wzorców nieodłącznie związanych z procesami kształtowania się stylu twórczego każdego mistrza.

§1. Edvard Grieg – klasyk muzyki norweskiej

Narodowy i globalne znaczenie Z nich najlepiej widać twórczość Griega krótkie słowa, w którym starał się wyrazić swoje twórcze credo, swoje cele i zadania jako artysty: „Nagrywałem muzykę ludową mojego kraju. Bogate skarby czerpałem z pieśni ludowych mojej ojczyzny i z tego niezbadanego dotąd źródła norweskiej duszy ludowej próbowałem stworzyć sztukę narodową.”

Grieg opowiadał całemu światu o swoim kraju. O wyjątkowości norweskiej przyrody z jej klifami, fiordami i wąwozami. O dziwaczności klimatu: na wąskim pasie wybrzeża panuje ciepła, zielona wiosna, a w górach zimowy chłód. O trudnym życiu mieszkańców tego kraju – przyciśniętych przez góry do morza, którzy muszą osiedlać się nad wodą i wiecznie walczyć z kamieniami, budując domy na nagich, stromych skałach.

Grieg przekazał w muzyce wielkość norweskiej natury, niezłomność

duch ludzi, ich niesamowite sagi i baśnie.

Melodia norweskiej muzyki ludowej ma wiele charakterystycznych cech

cechy. Przede wszystkim imponuje niezwykłością występujących w nim sekwencji interwałowych. Często linia melodyczna rozwija się w formie złożonego ornamentu, w nawarstwieniu różnych przednutek, mordentów, tryli, melodycznych zatrzymań czy krótkich intonacji przywoławczych. Harmoniczny język muzyki norweskiej charakteryzuje się zmiennością modalną, powszechnym stosowaniem trybu lidyjskiego i modalnością. W rezultacie powstaje tonalna „wspólna gra”, która ożywia rytmiczną akcję, nadaje dźwiękowi ruchliwość, impulsywność i cierpkość. W norweskim folklorze muzycznym szczególne znaczenie ma rytm, którego charakterystyczną cechą, podobnie jak mod, jest zmienność. Kapryśna zmiana dwutaktów i trzech taktów, dziwaczne rozmieszczenie akcentów, zmiany w ugrupowaniach metrum – wszystko to jest typowe dla norweskiej muzyki ludowej. Ważnym czynnikiem jest w nim sam kontrast treści figuratywnych, nasycenie zmiennymi nastrojami, nagłe przejścia od patosu do ciężkich myśli, od melancholii

po lekki humor, który czasami nadaje specyficzny balladowy ton, wywodzący się w dużej mierze z kontrastów życia i krajobrazów Norwegii.

Typowe cechy Norweski folklor muzyczny znalazł swoje niepowtarzalne odzwierciedlenie w muzyce fortepianowej Griega i w dużej mierze zadecydował o oryginalności jej stylu. Interpretacja Griega różnych Tańce ludowe. W Norwegii tańce z metrum dwu- i trzytaktowym stały się powszechne.

Tańce trzyczęściowe – springar, springlake – różniły się od siebie odmiennym zastosowaniem synkopii, akcentów i charakterystycznymi zmianami metrum, co nadawało każdemu tańcowi niepowtarzalną oryginalność. Tańce z czasem dwóch taktów dzielą się na dwa typy: 2/4 i 6/8. Przede wszystkim są to gangar i haling. Gangar to taniec procesyjny w parach, Halling (zwykle ma szybsze tempo niż gangar) to solowy taniec męski, znany w większości kraju.

Muzyka Griega miała powiązania genetyczne nie tylko z muzyką norweską sztuka narodowa, ale także z Kultura zachodnioeuropejska ogólnie. Najlepsze tradycje Niemiecki romantyzm, ucieleśniony przede wszystkim w twórczości Schumanna, wywarł znaczący wpływ na ukształtowanie się metody twórczej Griega. Zauważył to sam kompozytor, nazywając siebie „romantykiem szkoły Schumanna”. Griegowi, podobnie jak Schumannowi, bliski jest romantyzm w sferze dążeń lirycznych i psychologicznych, odzwierciedlających świat złożonych i subtelnych ludzkich uczuć. W twórczości Griega odzwierciedlały się także inne aspekty romantyzmu Schumanna: wnikliwa obserwacja, przekazywanie zjawisk życiowych w ich wyjątkowej oryginalności – czyli cech, które definiują cechy charakterystyczne sztuka romantyczna.

Spadkobierca tradycji romantycznych Grieg przyjął ogólne zasady

„Schumannowska” programowość poetycka, która najpełniej objawia się w zbiorach „Utworów lirycznych”, do których kompozytor zwracał się przez niemal całe swoje twórcze życie. Miniatury fortepianowe Griega mają „tytuły opisowe”: są impresjami („W karnawale” op. 19 nr 3), szkicem pejzażowym („W górach” op. 19 nr 1), czasem wspomnieniami („To było kiedyś” Pewnego razu” op. 71 nr 1), płynącego z serca, grigowskiego światła i specyficznie „północnego”. Celem artystycznym kompozytora nie jest ucieleśnienie fabuły, ale przede wszystkim przekazanie nieuchwytnych nastrojów, które rodzą się w naszej głowie jako obrazy prawdziwego życia.

Należy zwrócić uwagę na cechy charakterystyczne pisarstwa kompozytora Griega. Jest to przede wszystkim melodia kompozytora, przesiąknięta intonacjami typowymi dla muzyki norweskiej: takimi jak na przykład charakterystyczne przejście od pierwszego stopnia trybu przez ton otwierający do kwinty (do dominującej trybu) . Intonacja ta odgrywa dużą rolę w wielu dziełach Griega (np. Koncert fortepianowy). Intonacja Griega. jako swoisty zwrot melodyczny stał się swoistym godłem narodowym kompozytora.

Rytm ma dla Griega ogromne znaczenie. Istotną cechą rytmów tańca norweskiego jest przewaga rytmów spiczastych, trójpunktowych, które Grieg szeroko stosował nie tylko w miniaturach gatunkowo-tanecznych, ale także w utworach o dużej formie – w momentach dramatycznego napięcia. Ludowe elementy rytmiczne w sposób organiczny i naturalny wkroczyły do ​​jego muzyki.

Styl kompozytora cechuje skrajna lakoniczność wyrazu, rygor i elegancja formy, a najmniejsze detale nasycone są znaczną wyrazistością semantyczną. Stąd charakterystyczne dla Griega powtórzenia – dosłowne, sekwencyjne, wariantowe.

§ 2. Zapoznanie uczniów z twórczością Griega w trakcie jej studiowania.

Zapoznając się z twórczością Griega należy zauważyć, że jego działalność jest nierozerwalnie związana z historycznym rozwojem kultury norweskiej oraz z kierunkami norweskiego życia społecznego połowy XIX wieku. Norwegia przez długi czas dźwigała ciężar silnej zależności od krajów sąsiednich - Danii, Szwecji, które ją tłumiły oryginalna kultura.

Druga połowa XIX wieku to okres rozwoju ruchu narodowowyzwoleńczego. Twórczość kompozytora zrodziła się z tego wspaniałego czasu, kiedy w walce o niezależność polityczną i kulturalną Norwegii rozwinęły się i umocniły jej tradycje artystyczne, rozkwitła literatura, dramat i poezja.

Do najwybitniejszych przedstawicieli odrodzenia narodowego w literaturze należeli G. Ibsen i B. Bjornson. Twórcza współpraca Griega z tymi pisarzami przyniosła norweskiej sztuce światową sławę. Obaj autorzy – każdy na swój sposób – wnieśli swój wkład zauważalny wpływ na temat kształtowania się poglądów estetycznych kompozytora.

Twórczość Griega wpisywała się w nowoczesną norweską sztukę piękną. Malarze pejzażu H. Dahl, Tiedemann i Gude poświęcili swoją twórczość rodzimej przyrodzie i życiu ludowemu.

N Norweski malarz krajobrazu H. Dahl, subtelny mistrz krajobrazu, wybiera przyjazny, jasny

zakątki rodzimej przyrody:

słoneczny skraj lasu latem, bujna łąka z pasterką i dziećmi. Idylliczny lud

sceny romantycznego malarza mimowolnie kojarzą się z muzycznymi pejzażami Griega: „Strumień” (op. 62, nr 4), „Locke” (op. 66, nr 1). W spektaklu „Poranek” (od I suity do „Peer Gynt”) lekka, przejrzysta melodia przypomina spokojną, pogodną melodię pasterską na zielonej łące.

Na płótnach artysty A. Tiedemanna możemy obserwować życie norweskich chłopów. W słynnym obrazie gatunkowym Tiedemanna „Procesja weselna w Hardanger” (1849), nasyconym oświeconym nastrojem lirycznym, żywo nawiązują do sztuk Griega z cyklu „Tańce chłopskie” op. 72, „Przechodzi procesja weselna” op. 19 nr 2. Wiosna nadchodzi. częsty gość na płótnach norweskich malarzy. Topniejący śnieg, płynące strumienie w lirycznych pejzażach F. Thaulova korespondują z miniaturowym „Potokiem” Griega (op. 62, nr 4). W spektaklu „Na wiosnę” (op. 43, nr 6) liryczny nastrój łączy się z subtelnością obrazu. Grieg nie raz gloryfikuje wiosnę, tworząc malownicze obrazy w dziełach wokalnych i fortepianowych, z których wiele to prawdziwe perły w swoim gatunku.

K. Krogh to artysta okresu późniejszego. Jego płótna przedstawiają pracującą Norwegię – wiejską i miejską. Krogh ma całą galerię wyrazistych portretów kobiecych, w których wizerunki wieśniaczek i mieszkanek miast, przedstawicieli inteligencji, przekazywane są z psychologicznym wglądem. Podobne portrety ma także Grieg – „Znam tę małą dziewczynkę” op. 17№16; „Pieśń Solveiga”, „Kołysanka Solveiga”.

Zapoznanie uczniów z przykładami malarstwa i literatury skandynawskiej z pewnością przyczynia się do rozwoju myślenia skojarzeniowego. Zasada edukacji rozwojowej realizowana jest w dwóch aspektach. Zasada edukacji rozwojowej realizowana jest w dwóch aspektach. Pierwsza dotyczy rozwoju świadomości artystycznej i estetycznej uczniów, wprowadzenia ich w zjawiska światowej kultury muzycznej poprzez studiowanie twórczości Griega. Drugi to aspekt muzyczny i wykonawczy – wpływa na wcielenie wiedzy w specyfikę muzycznych działań wykonawczych.

W praktyce nauczania wykonawstwa muzycznego głównymi metodami pracy z uczniami są metoda werbalna oraz bezpośrednia demonstracja wizualna i ilustracyjna na instrumencie. Oprócz wykonywania badanych utworów, uczęszczania na koncerty wybitnych wykonawców, ważne miejsce w rozwoju myślenia zawodowego młodych muzyków zajmuje ukierunkowane wykorzystanie nowoczesnych środków technicznych, w szczególności urządzeń odtwarzających dźwięk, pozwalających na niezbędne materiały audio i wideo do wykorzystania w procesie edukacyjnym, w tym przypadku nagrania utworów Griega, wykonane przez krajowych i zagranicznych muzyków-wykonawców (D. Adni, M. Pletnev, Ya Austbo i in.).

§3. Prace Griega w klasie fortepianu w szkole artystycznej.

Fortepian zawsze był ulubionym instrumentem Griega. To właśnie temu drogiemu mu instrumentowi przywykł od dzieciństwa zwierzać się ze swoich ukochanych myśli. W długim ciągu tworzonych przez niego kolekcji i cykli fortepianowych („Obrazy Poetyckie”, „Humoreski”, „Cykl z życia ludowego”, „Arkusze albumów”, „Walc-Kaprysy”, „Utwory liryczne”, „Nastroje”) od początków W ostatnich latach wyraźnie zarysowała się jedna ogólna sfera nastrojów lirycznych i jeden ogólny nurt programowania poetyckiego. Tendencję tę najpełniej ujawnia cykl „Utworów lirycznych”, do którego kompozytor sięgał przez niemal całe swoje twórcze życie.

„Utwory liryczne” stanowią większość twórczości fortepianowej Griega. Kontynuują typ kameralistyki fortepianowej reprezentowany przez „Muzyczne momenty” i „Impromptu” Schuberta oraz „Pieśni bez słów” Mendelssohna. Spontaniczność ekspresji, liryzm, ekspresja przeważnie jednego nastroju w spektaklu, zamiłowanie do małej skali, prostota i przystępność koncepcji artystycznej i środków technicznych – to cechy romantycznego

miniatury fortepianowe, charakterystyczne także dla Utworów lirycznych Griega. „Utwory liryczne” można nazwać „pamiętnikiem muzycznym kompozytora”, w którym Grieg „wpisał” całą gamę swoich wrażeń, uczuć i przemyśleń.

Z „Lyric Pieces” jasno wynika, ile myśli i uczuć Grieg dał swojej ojczyźnie. Temat Ojczyzny rozbrzmiewa w uroczystej „Pieśni Ojczystej” (op. 12), w spokojnej i majestatycznej pieśni „W Ojczyźnie” (op. 43), w scenie gatunkowo-lirycznej „Do Ojczyzny” (op. 62), w licznych pieśniach ludowych.

spektakle taneczne, rozumiane jako gatunkowe i codzienne skecze. Temat ojczyzny jest kontynuowany we wspaniałym „ Muzyczne krajobrazy„Grieg („Na wiosnę” – op. 43, „Nokturn” – op. 54), w oryginalnych motywach ludowych sztuk fantastycznych („Pochód krasnoludków”, „Kobalt”). Żywe, spontaniczne szkice „z życia” („Ptak”, „Motyl”), echa wrażeń artystycznych („Pieśń stróża”, pisana pod

inspirowany Makbetem Szekspira), portret muzyczny (Gadet), strony wypowiedzi lirycznych (Arietta, Waltz Impromptu, Pamiętniki) – to zakres obrazów tego cyklu. Impresje życiowe, okraszone liryzmem, żywe uczucie autora – oto treść i emocjonalny wydźwięk cyklu, który tłumaczy jego nazwę: „Utwory liryczne”. Cechy stylu „sztuki lirycznej” są tak różnorodne, jak ich treść.

Bardzo wiele przedstawień charakteryzuje się skrajną lakonizmem, oszczędnymi i precyzyjnymi akcentami miniatury; ale w niektórych sztukach pragnienie malowniczości ujawnia się szeroką, kontrastową kompozycją („Procesja krasnoludów”, „Gangar”, „Nokturn”). W niektórych sztukach słychać subtelność kameralny styl(„Taniec elfów”), inne mienią się jaskrawymi kolorami i zachwycają wirtuozowskim blaskiem koncertowego wykonania („Dzień ślubu w Trollhaugen”).

Cechy stylu „sztuki lirycznej” są tak różnorodne, jak ich treść. Bardzo wiele przedstawień charakteryzuje się skrajną lakonizmem, oszczędnymi i precyzyjnymi akcentami miniatury; ale w niektórych sztukach pragnienie malowniczości ujawnia się szeroką, kontrastową kompozycją („Procesja krasnoludów”, „Gangar”, „Nokturn”). W niektórych przedstawieniach słychać subtelność kameralnego stylu („Taniec Elfów”), inne mienią się jaskrawymi barwami i zachwycają wirtuozowskim blaskiem koncertowego wykonania („Dzień ślubu w Trollhaugen”).

„Sztuki liryczne” wyróżniają się dużą różnorodnością gatunkową. Znajdziemy tu elegię i nokturn, kołysankę i walc, pieśń i ariettę. Bardzo często Grieg sięga po gatunki norweskiej muzyki ludowej (springdance, Halling, Gangar). Wartość artystyczną cyklu „Utworów lirycznych” nadaje zasada programowości. Każde przedstawienie rozpoczyna się tytułem, który określa jego poetycki obraz, a każde przedstawienie uderza prostotą i subtelnością, z jaką jest ucieleśnione w muzyce.

„Zadanie z poezji”

Arieta

Uroczy temat tego utworu powraca w zmodyfikowanej formie w ostatnim utworze lirycznym Echoes op. 71, nr 7, kończąc w ten sposób ogromną ligę obejmującą cały cykl, wszystkie dziesięć Dzieł.

W Arietcie są trzy niezależne głosy, a tajemnica sukcesu tkwi w realizacji tej trójgłosu. Najpierw zwróć uwagę na delikatną, melancholijną melodię, ale nie zapominaj, że arpeggiowe wypełnienie faktury wymaga tutaj osobnej pracy. Wskazane jest wyróżnienie pary głosów w „Arietcie”: bas + melodia, bas + arpeggio, melodia + arpeggio. Wtedy wszystko ostatecznie zjednoczy się w nierozłączne trio, w którym jednak każdy głos zachowa swoją indywidualność. Zwróć szczególną uwagę na dynamikę linii basu, używając pedału, aby zapewnić jej obecność, nie będąc zbyt głośnym. Brzmi podobnie

figura harfy w głosie środkowym powinna być gładka i miękka, a sopran czule melodyjny. Uważaj także na sformułowania. Sekcja otwierająca składa się z dwutaktowych fraz, w których pierwszy takt jest podobny do optymistycznego. Po pierwszych czterech taktach przebieg melodii staje się bardziej zróżnicowany. Należy uniezależnić artykulację głosu środkowego od pozostałych głosów. To jedna z subtelności „Arietty”.

Walc

Jest to pierwszy z wielu walców zawartych w Utworach Lirycznych. Chociaż często grają na nim dzieci, nadaje się również do występów koncertowych. W tym przypadku wyobraźcie sobie delikatną porcelanę i powietrzny balet. Technicznie rzecz biorąc, wymaga to starannej artykulacji i lekkiego dotykania klawiszy opuszkami palców. Frazowanie prawa ręka pozostaje przez cały czas niezależny od typowego metrum walca 3/4 lewej ręki.

Nie odtwarzaj utworów oznaczonych forte, za głośno. Zapamietaj to

wykonaj miniaturę: zminiaturyzuj także dynamikę.

Subito na fortepianie z fermatą w t. 18 daje wspaniały efekt.

Zwróć uwagę, że motyw główny odtwarzany jest dwukrotnie fortepian, ale po raz trzeci - pianissimo. Ta subtelność jest istotna dla formy spektaklu. Ten sam kontrast dynamiczny występuje w kodzie - pianino w barze 71, pianissimo w takcie 77. Takt 63 i kolejne brzmią tak, jakby walc miał za chwilę przemienić się w norweskiego springara.

Wydaje się właściwe grać w ćwiartki staccato w wolnym rytmie.

Chociaż Grieg tego nie określił, możesz rozważyć zagranie kody nieco wolniej niż reszta utworu. Spróbuj nadać mu nieco duszpasterski charakter. W podobny sposób można zagrać środkową część A-dur. Różnice te powinny być jednak ledwo zauważalne.

Piosenka Strażnika

„Pieśń stróża” była w czasach Griega bardzo popularna i cieszy się nią do dziś. Proszę zwrócić uwagę na instrukcje wszystko jasne: Miernik powinien brzmieć bardziej jak 2/2 niż 4/4. Pomoże to również podkreślić prostotę, której wymaga Grieg. Wytrzymać legato na początku utworu, który brzmi unisono, czasem trzygłosowo, czasem czterogłosowo. Odegraj tę rolę skromnie, jakbyś nie miał pojęcia o fatalnym wydarzeniu, które ma się wkrótce wydarzyć.

Intermezzo z tej piosenki jest słynne. Wyobraź sobie krzyk sowy w chwili morderstwa popełnianego w ciemności nocy. Grieg napisał Pieśń stróża po wzięciu udziału w przedstawieniu Makbeta Szekspira, dlatego staraj się uchwycić w swoim przedstawieniu coś z grozy tego potężnego dramatu. Wyobraźcie sobie, że stróż podczas obchodu zauważa, a raczej dostrzega, popełniane przestępstwo. Czy coś usłyszał, czy też w pobliżu, kiedy przechodził, rozległ się sekretny cios? Być może lepsza jest ta druga interpretacja. Liczby z siódmej trzydziestej sekundy powinny być bardzo ciche, ale wyraźne. Niezbędny jest tu lekki ruch ręki, ale dłoń powinna pozostać jak najbardziej nieruchoma. Rosnące trojaczki nie powinny nagle stać się głośne. Zacząć od fortepian i stopniowo zwiększaj głośność.

Taniec Elfów

Ten uroczy, mały utwór wirtuozowski przywodzi na myśl muzykę Mendelssohna. Wszystkie nuty należy grać opuszkami palców, aby uzyskać łatwy i szybki efekt staccato. Będziesz potrzebować pomocy całego ramienia, ale trzymaj rękę nisko nad klawiszami. Boczne ruchy nadgarstków są pomocne przy wygrywaniu ósemek, ale należy je minimalizować, aby nie pogarszać koordynacji. Takie podejście może łatwo doprowadzić do

rozmyty dźwięk i nieprecyzyjny rytm. „Taniec elfów” powinien być miękki, lekki i precyzyjny rytmicznie. Nie przesadzaj forte. W końcu nie chcesz przestraszyć elfów! Musisz jednak ćwiczyć głośno, a następnie sprawić, aby dźwięk był nieco głośniejszy niż s.

Spróbuj wyraźnie wyobrazić sobie, jak elfy roją się, chowają, pojawiają się ponownie i wreszcie całkowicie znikają. Jedynie w taktach 29–30 i 70–72 Grieg używa pedału. Nadaje to spektaklowi dodatkowy wymiar – impresjonistyczną mgłę. może smugi mgły, w których znikają elfy.

Melodia ludowa

Grieg miał niesamowitą umiejętność tworzenia melodii o iście norweskim brzmieniu. Choć „Folk Tune” niewątpliwie inspirowany jest nieskończonymi skarbami muzyki ludowej w jego rodzinnym kraju, jest to niewątpliwie jego własne dzieło. Nie należy grać „Śpiewu ludowego” zbyt wolno: zwróć uwagę na to, co napisał Grieg Silnik przeciwny. Jedną z cech norweskiego temperamentu jest melancholia, dlatego aby oddać ten stan, sztukę należy zagrać prosto, bez sztuki, szczerze. Połącz na początku dwie czterotaktowe frazy w ośmiotaktową kropkę, tak aby druga fraza brzmiała jak odpowiedź na pierwszą. Możesz stopniowo zwiększać głośność w pierwszych czterech taktach, a następnie pozwolić jej opaść w taktach 5 - 8: wtedy ośmiotaktowy komunikat będzie brzmiał jak pojedyncza kropka.

W taktach 3 i 4 naturalne jest nadanie tonowi nieco jaśniejszego odcienia. W takcie 7 robi się ciemniej. spróbuj naśladować głos klatki piersiowej. „Folk Chant” od początku do końca jest jak sen. Henrik Wergeland powiedział kiedyś o swoim rodzinnym kraju, że jest to piękna, majestatyczna lira, pełna nadziei, że stanie się czymś ciepłym i muzykalnym. Tę nadzieję słychać w dźwiękach „Śpiewu ludowego” Griega.

Liść albumu

Z jakiego albumu mógłby pochodzić ten utwór? Może sekretny list miłosny z młodości Griega? Spektakl oddaje niestabilność charakterystyczną dla wczesnej młodości. Nie wiadomo, czy on pisze do niej, czy ona do niego, ale jasne jest, że w sprawę zaangażowani są oboje. Dialog słychać szczególnie wyraźnie w okresach ośmiotaktowych. Niewątpliwie „on” (melodia w głosie tenorowym) przemawia przez szesnaście ciągłych taktów, ale mimo to „ona” (melodia w głosie sopranowym) zastrzega sobie zarówno pierwszy, jak i ostatnie słowo. Przednutki nie powinny być zbyt długie, w przeciwnym razie utwór zacznie brzmieć archaicznie. aby je skrócić, „pomyśl w prawo”, to znaczy pomyśl o nich jako o przynależności do następnej, a nie poprzedniej nuty. Ćwicząc, graj je niemal jednocześnie, a następnie stopniowo je rozdzielaj. W dialogu pomiędzy prawą i lewą ręką nigdy nie graj danej melodii dwa razy w ten sam sposób. Użyj swojej wyobraźni! Możesz zamienić sztukę w fascynującą krótką rozmowę, potajemnie zapisaną na stronie czyjegoś osobistego albumu.

Kobold
w mitologii Europy Północnej był dobroduszny duszek . Jednak w odpowiedzi na zaniedbania potrafił stworzyć w domu chaos i nieporządek. W mitologii germańskiej Kobold jest gatunkiem szczególnym elfy Lub Alwow . Wiadomo, że koboldy płatają ludziom figle, ciągle się denerwują i hałasują. Są one opisane w formularzu krasnoludki , zwykle brzydki; ich kolor od ognia w palenisku jest jaskrawoczerwony.

Menuet („Miłe dni”)

Spektakl napisany jest w złożonej formie trzech części i opiera się na kontrastowym porównaniu części pierwszej, mniejszej i środkowej, większej. Pomimo ostrej zmiany nastroju i kontrastu tonalnego, sztuka stanowi kompletną całość, dzięki jedności motywowo-tematycznej poszczególnych części.

Pierwsza część Menueta jest napisana w prostej dwuczęściowej formie. Druga część to powtórka pisemna, tyle że w nieco zmienionej formie.

Temat pierwszej części Menueta składa się z dwóch elementów: żywiołowego, tanecznego i spokojniejszego, wyważonego. Główne trudności wykonawcze pierwszej części części pierwszej: precyzja rytmiczna (rytm punktowany, triole, polirytm); dobra wymowa podwójnych nut (z przewagą dźwięku wyższego), zachowanie długiej linii dźwiękowej, trafna dynamika. Co więcej, tutaj następuje pierwsza kulminacja.

Drugą część pierwszej części cechuje duża żywiołowość, jaką wnosi lewa ręka oraz bardzo jasny rozwój kulminacji, któremu towarzyszy niestabilność tonalna, zastosowanie technik oktawowych i akordowych oraz duże przejścia dynamiczne od pianissimo do fortissimo. Swobodne, jasne wykonanie oktaw i akordów wymaga dużo pracy. Szczególną trudność stanowi ostatni fragment tematu, kończący część pierwszą, usuwający intensywność kulminacyjną i przywracający nastrój pierwotny. Środkowa część Menueta (siringar) również składa się z dwóch części, z których każda z kolei podzielona jest na 3 zdania. Najbardziej uderzającym, impulsywnym i kulminacyjnym zdaniem jest zdanie trzecie. Zbudowany jest w oparciu o technikę oktawową i akordową, zastosowano tu technikę stretto. Mam wrażenie, że temat osiąga tu swój szczyt i nagle i niespodziewanie kończy się na ostatnim, ostatnim akordzie. Aby powrócić do pierwotnego nastroju, Grieg stosuje tu małe połączenie w D-dur, powinno być grane pianissimo i w wolniejszym tempie. Druga część środkowej części całkowicie powtarza część pierwszą, tyle że w żywszym tempie, z jaśniejszym akcentem

dźwięczność.

Piosenka o ojczyźnie

Była Wigilia i podobno Bjornstjorn Bjornson wbiegł po schodach mieszkania Griega w Oslo, krzycząc: „Znalazłem tekst norweskiego hymnu!” Grieg napisał już numer 8 i zagrał go dla Bjornsona; Spektakl tak mu się spodobał, że postanowił napisać do niego słowa – nie mniej niż 32 linijki! Utwór nie stał się ostatecznie hymnem Norwegii, ale tak należy go grać. Musi być rytmiczny, pasujący do nazwy i wskazania maestoso. Graj swobodnie półnuty

sposób i przy wystarczającym użyciu pedału, aby uzyskać dźwięk przypominający dzwonek, należy je utrzymywać przez cały czas ich działania.

Kontrastowe fortepian od taktu 9 powinien brzmieć tak głośno, jak to możliwe legato- jak orkiestra dęta grająca cicho i jednomyślnie.

„Samotny wędrowiec”

Wyobraźcie sobie majestatyczne norweskie klify, wirujące wodospady, które latem z hukiem i rykiem spływają z klifów, a zimą zamarzają, tworząc dziwaczne przezroczyste posągi. Gruby lód na jeziorach jest tak przezroczysty, że widać pod nim przemykające spłoszone ryby. Posłuchaj odtwarzanej muzyki. Nazywa się „Samotny wędrowiec”. Czy to nie tak, jakby człowiek spacerujący po górzystym kraju Norwegii z podziwem spoglądał na otaczający go świat?

"Motyl"

Jeden z najlepszych przykładów wyrafinowanego stylu chromatycznego Griega. Muzyka (z grą harmonijnych barw) jest bardzo elegancka i stanowi przykład lekkich, przezroczystych, ażurowych stron pianistyki Griega. Ta muzyka jest w kontakcie z Chopinem. Nie jest to repertuar najłatwiejszy, ale niezbędny do opanowania pianistyki romantycznej. Znalezienie techniki wykonania tej złożonej tekstury jest ważne, gdyż tylko dzięki dokładności tej techniki możliwe jest odpowiednie artystyczne ucieleśnienie wizerunku motyla. Poczucie pozycyjności jest bardzo ważne i konieczne także dla rozwoju legato palcowego, które stanowi podstawę melodyki w repertuarze romantycznym, jak u Chopina, Debussy'ego, Griega. Jedną z trudności w grze jest zmiana zadań związanych z teksturami. Od wykonawcy wymagana jest umiejętność przebudowy i zmiany technik, aby uzyskać adekwatny efekt artystyczny.

"Ptak"

Przykład rzadkiego talentu Griega do tworzenia precyzyjnego i subtelnego rysunku kilkoma pociągnięciami. Melodia utworu utkana jest z krótkich „śpiewających” trylów i „skaczącego” rytmu. Konsystencja jest niezwykle skąpa i przezroczysta; dominują jasne, dzwoniące dźwięki górnego rejestru. Ponure tony środkowej części tylko rozjaśniają klarowność początkowego obrazu. „Powiewające” figury kodowe tworzą wrażenie lekkości i przestronności. W „Ptaszku” Grieg, posługując się kunsztownymi środkami, w początkowych taktach namalował galopujące i skaczące ptaki z motywami ich ćwierkania. Ten materiał motywacyjny jest budowany i różnicowany w trakcie utworu muzycznego jednocześnie naturalnie i logicznie – tak, że całość jawi się jako arcydzieło harmonia muzyczna, ale sztuka ma tylko 36 taktów! To przykład prawdziwej wielkości w małych rzeczach. W tej muzyce odbija się świat i natura. Autor podyktował zadanie motoryczne. Utwór rozwija w muzyce poczucie przestrzenności i pozwala poczuć swobodę i radość przenoszenia ręki z jednego rejestru do drugiego, radość ruchu, polegania na obrazie. Ta zabawa jest przydatna dla zestresowanego dziecka.

"Na wiosnę"

To cały wiersz o krótkim, ale bardzo wyrazistym rozwinięciu. Urokowi tego uogólnionego, poetyckiego obrazu wiosny nie można się oprzeć. Powściągliwe środki wyrazu różnicowane są z wielką, wymagającą kunsztem: tutaj każda zmiana rejestru, każdy obrót harmonii, każde rozszerzanie i kurczenie faktury odgrywa tu swoją rolę. Obraz wiosny przedstawiony w tym spektaklu stał się jednym z najbardziej „griegowskich” – nie tylko ze względu na zwyczajową charakterystykę wielu zwrotów intonacyjnych, ale także jako wyraz najwyższej spontaniczności w całkowicie rygorystycznej formie. W istocie nie sposób nie zauważyć innowacyjności tego obrazu. Źródło Griega nie tylko tchnie świeżą radością, nie tylko płynie strumieniami, ale cały czas „kapie”. Ta intonacyjna cecha „kapania” jest doskonale widoczna już od pierwszych taktów i nadaje całej muzyce integralność lokalnego kolorytu.

W tym spektaklu, podobnie jak w poprzednich, utrzymany jest nastrój liryczny

w połączeniu z subtelnością obrazu. Jeden z najważniejszych

Środkiem wyrazu jest tu z powodzeniem odnaleziona, nabożnie dźwięczna faktura instrumentalna (próby towarzyszących akordów w lekkim i dźwięcznym górnym rejestrze, na tle którego rozwija się śpiewająca, swobodnie rytmiczna melodia), tworząca wrażenie powietrza, światła i przestrzeni . Bez uciekania się do skomplikowanych technik technicznych Grieg osiąga nowe i świeże, imponujące efekty dźwiękowe. Między innymi z tego wynika ogromna popularność utworu Griega, który wraz z „Nokturnem” (op. 54) stał się jedną z najbardziej lubianych i powszechnie znanych miniatur fortepianowych kompozytora. W tym utworze ważne jest opanowanie uderzenia „apartamentowego”, a także śpiewającego „legato” w melodii. Główna trudność pojawia się, gdy melodia jest powielana w innym rejestrze. Trzeba grać tak zróżnicowaną pianistycznie. W utworze pojawia się trzecia linia – wibracja akordów. Długi pedał jest tutaj ważny, aby zapewnić długi czas trwania dźwięków. Grieg myśli orkiestrowo. Trzy linijki sprzyjają podejściu do faktury fortepianu jako partytury orkiestrowej. Poczucie otaczającego nas życia, połączenie z muzycznym ucieleśnieniem – to jest niesamowite u Griega. Sprawia, że ​​wierzysz w dokładność obrazu i podążasz za muzyką w swojej percepcji emocjonalnej. Spektakl napisany jest w wariacyjnej, trzyczęściowej formie, przeznaczonej dla klasy VII Szkoła Muzyczna.

„Procesja krasnoludów”

Jeden ze wspaniałych przykładów fantazji muzycznej Griega. W kontrastowej kompozycji spektaklu skontrastowano ze sobą kapryśność baśniowego świata, podziemnego królestwa trolli oraz urzekające piękno i przejrzystość natury. Spektakl napisany jest w formie trzech części. Części zewnętrzne wyróżniają się żywą dynamiką: w szybkim ruchu migają fantastyczne zarysy „procesji”. Środki muzyczne są niezwykle oszczędne: rytm motoryczny i na jego tle kapryśny i ostry wzór akcentów metrycznych, synkopa; chromatyzm skompresowany w harmonii tonicznej i rozproszony, ostro brzmiący, duże akordy septymowe; „pukająca” melodia i ostre „gwiżdżące” figury melodyczne; dynamiczne kontrasty (pp-ff) między dwoma zdaniami z tego okresu i szerokie ligi wzlotów i upadków dźwięczności. Obraz części środkowej ukazuje się słuchaczowi dopiero po zniknięciu fantastycznych wizji (długie „A”, z którego zdaje się wylewać się nowa melodia). Lekkie brzmienie tematu, proste w konstrukcji, kojarzy się z dźwiękiem melodia ludowa. Jego czysta, przejrzysta struktura znajduje odzwierciedlenie w prostocie i surowości struktury harmonicznej (na przemian tonika durowa i jej paralela).

Tajemniczy „Pochód krasnoludów” kontynuuje tradycję fantastycznych scen z „Peer Gynt. Grieg nadaje jednak tej miniaturze odcień subtelnego, przebiegłego humoru, którego nie ma i nie może być w charakterystyce ponurego podziemnego królestwa Ibsena „Króla Gór”. Tutaj małe trolle - zabawne dziwadła - nie przypominają już złych „duchów ciemności”. Promień światła przenika do tajemniczego magicznego królestwa: prosta ludowa melodia wielkiego tria, szemrzące pasaże niczym strumyki strumyka mówią o otoczeniu bohaterowie baśni natura – całkiem realna, czarująco jasna i piękna. Spektakl niesie wyzwolenie, odwagę niezbędną do właściwej realizacji planu. Odważne poruszanie formułą pięciu palców w różnych rejestrach sprzyja wyzwoleniu i zdobyciu pewności siebie. W lewej ręce potrzebna jest dokładność uderzeń w procesji oktawowej, trzeba to ustawić, trzeba znaleźć technikę, żeby lewa ręka była jednakową składową obraz artystyczny. Ważne jest, aby unikać dodawania techniki oktawowej. Wymagane są ruchy eliptyczne – nacisk na pierwsze uderzenie, potem rzut w dół, ale nie obciążony, nie konkurujący z głosem wiodącym, ruch do przodu o mocnym uderzeniu.

"Nokturn"

Niezwykle subtelny pejzaż liryczny. Wydaje się, że najważniejsze cechy natury są tu przedstawione z malowniczą wyrazistością, ale żaden „malowniczy” szczegół nie wymyka się z ogólnego, głęboko lirycznego tonu „obrazu”. „Nokturn” napisany jest w dynamicznej, trzyczęściowej formie. Podstawą pierwszej części jest melodia liryczna. „Otwarte” frazy melodyczne skierowane w górę, napięcie chromatyczności w harmonii, odchodzące od wyraźnej powagi i stabilności toniki, nieoczekiwane miękkie i kolorowe zwroty tonalne - wszystko to nadaje obrazowi romantyczną niestabilność i subtelność niuansów. Ale pamiętajmy początek melodii: wyrasta ona z krótkiej melodii ludowej, jakby dobiegała z daleka. Prosta i zrozumiała, budząca skojarzenia figuratywne (pejzażowe), nie wpisuje się w dalszy rozwój melodii, jakby pozostawała żywą, „obiektywną” impresją. Równie naturalnie, kontynuując liryczny obraz, powstają malownicze obrazy: tryle ptaków, lekki wietrzyk. Dzięki umiejętnościom kolorysty Grieg był w stanie nadać definicję koloru i barwy każdemu tematowi. Początkowa melodia przywołuje na myśl barwę rogu, liryczny przebieg melodii – ciepłe brzmienie smyczkowych instrumentów, lekkie opalizujące tryle – dźwięczne i czyste brzmienie fletu. W ten sposób do brzmienia fortepianu wprowadzane są cechy orkiestrowe. W „Nokturnie” można prześledzić lakonizm stylu Griega. Tutaj ekspresyjne znaczenie najmniejszego szczegółu muzycznego jest ogromne: kontrasty rejestrów, zmiany wielkości od gładkiej, płynnej do lżejszej i bardziej ruchliwej, kontrasty intensywnego rozwoju harmonii na początku, statyka w temacie „trylu” i kolorowe porównania harmoniczne w środek (Piu mosso, bezakordy w proporcji tert-tryton), kontrasty figuratywne i ich muzyczne powiązanie. W „Nocturnie” ważne są także proporcje w stosunkach części: część środkowa, lekka, zwiewna, jest znacznie skompresowana w stosunku do części zewnętrznych. W repryzie przepływ tekstów jest mocniejszy, jaśniejszy. Krótka i mocna kulminacja tematu brzmi jak wyraz całkowitego, ekstatycznego uczucia. Interesująca jest końcówka „Nokturnu”: intensywny rozwój melodii przekłada się na sferę barwnych harmonii (sekwencja na długim łańcuchu chromatycznie opadających akordów septymowych). Motyw „trylu” pojawia się nagle, gdy ucho czeka na pojawienie się początkowej melodii. Pozbawiony już harmonijnej barwności, ze smutną repetycją – „echem” (o pół tonu niżej), brzmi jak odległe echo.

„Nocturne” stwarza wrażenie wiosennej lub letniej natury i przestrzeni dźwiękowej. Postawiono trudne zadanie opanowania polirytmu. Środkowa część spektaklu to wschód północnego słońca. Utwór jest nieoceniony w zakresie pedałowania i pomaga opanować sztukę pedałowania. W „Nocturne” pojawiają się specyficzne obrazy, które charakteryzują się bogatą barwą i kolorowym brzmieniem.

„Ringing Bells” to najczystsze ćwiczenie w nagrywaniu dźwięku. Harmonijnie ten śmiały impresjonistyczny eksperyment nie ma odpowiednika we współczesnej muzyce Griega. Celem kompozytora nie jest piękno melodyczne, ale niemal realistyczne odtworzenie wrażenia wywołanego biciem dzwonów, uczucia statycznego, żeby nie powiedzieć monotonnego. Seria równoległych kwint jest synkopowana względem siebie w lewej i prawej ręce, a pedał tworzy bogate w alikwoty masy dźwiękowe, które dosłownie wibrują w powietrzu. Spektakl ten jest zjawiskiem odosobnionym w twórczości Griega. Tutaj wyraźnie zidentyfikowano nowe trendy w impresjonistycznym malarstwie dźwiękowym.

Kompozytorowi szczególnie upodobał się ten utwór, inspirowany, jego zdaniem, wrażeniem porannego bicia dzwonów Bergen. Nie niszcząc funkcjonalnych podstaw harmonii, Grieg jednocześnie wydobywa na pierwszy plan czysto dźwiękową, kolorową ekspresję. Zaburzona zostaje także zwykła struktura akordów: utwór zbudowany jest z kombinacji i warstw kwintowych, które pełnią odmienne funkcje (nakładanie się subdominanty na tonikę, dominanta na subdominantę).

Kolorowy blask piątych harmonii tworzy malowniczy efekt odległego dźwięku dzwonka słyszanego w górskiej dolinie. W spektaklu „Ringing Bells” specyfika obrazu dyktuje rozwiązanie problemów technicznych pedałów. To jest kształcenie słuchu, obrazy skojarzeniowe.

Wniosek

Dzieła Griega, ze względu na bogatą i wieloaspektową obrazowość,

malownicza ilustracyjność i kolorowa kolorystyka stwarzają optymalne warunki do kształtowania artystycznego i wyobraźniowego myślenia uczniów szkół muzycznych, pomagają wzmacniać w ich umysłach powiązania skojarzeniowe między muzyką a innymi rodzajami sztuki oraz inicjują rozwój całego zespołu ogólnych i specjalnych zdolności muzycznych.

Dzieła fortepianowe Griega w naturalny sposób wprowadzają ucznia w dziedzinę

kultura pianistyczna drugiej połowa XIX wieku– początek XX w.; praca nad tymi kompozycjami znacznie poszerza arsenał ekspresyjnych i technicznych (wykonawczych) technik i środków niezbędnych do działalność zawodowa muzycy.

Dzieła fortepianowe: „Obrazy poetyckie” (1863). „Ballada” (1876). „Zabawy liryczne” (10 zeszytów). „Norweskie tańce i pieśni”.

Bibliografia

1. Asafiev, B.V. Grig - L.: Muzyka: oddział w Leningradzie, 1986.

2. Alekseev A.D. Metody nauczania gry na fortepianie. – M.: 1961.

3. Benestad F., Schjelderup-Ebbe D. Edvard Grieg – człowiek i artysta; - M.:

Tęcza, 1986.

4. Demenko N.V. Muzyka E. Griega w procesie edukacyjnym w

wydziały muzyczne o charakterze pedagogicznym instytucje edukacyjne: NA

materiał do lekcji muzyki i zajęć wykonawczych. – M., 2002.

5. Druskin M. S. Grieg i kultura norweska. M., „Muzyka”, 1964.

6. Ibsen G. Wybrane prace. M.: Sztuka, 1956.

7. Ilyin I. A. Ścieżka duchowej odnowy. – M., „Republika”, 1993.

8. Levasheva O. E. Edvard Grieg. Esej o życiu i twórczości. M., „Muzyka”,

9. Steen-Nockleberg, E. Na scenie z Griegiem: Interpretacja fortepianu

dzieła kompozytora. - M.: „Verge-AV”, 1999.