Wykonawcy bluesa. Najsłynniejsi wykonawcy bluesowi. Najlepsze zespoły bluesrockowe

Lance jest jednym z nielicznych gitarzystów, którzy mogą pochwalić się tym, że karierę zawodową rozpoczął w wieku 13 lat (w wieku 18 lat dzielił już scenę z Johnnym Taylorem, Lucky Petersonem i Buddym Milesem). Już jako małe dziecko Lance zakochał się w gitarach: za każdym razem, gdy przechodził obok sklepu muzycznego, jego serce biło mocniej. Cały dom wujka Lance'a był wypełniony gitarami, a kiedy do niego przyszedł, nie mógł się oderwać od tego instrumentu. Jego główną inspiracją zawsze byli Stevie Ray Vaughan i Elvis Presley (nawiasem mówiąc, ojciec Lance'a służył z nim w armii i pozostali bliskimi przyjaciółmi aż do śmierci króla). Teraz jego muzyka to palna mieszanka blues-rocka Steviego Raya Vaughana, psychodelii Jimiego Hendrixa i melodyjności Carlosa Santany.

Jak wszystkich prawdziwych bluesmanów, jego życie osobiste to czarna, beznadziejna dziura, nie mówiąc już o problemach z narkotykami. Jednak to tylko pobudza jego kreatywność: pomiędzy długimi popijami nagrywa niespotykane dotąd albumy, które rzekomo napędzają go najbardziej. Od tego czasu Lance napisał większość swoich piosenek w trasie przez długi czas grał w zespołach znanych bluesmanów. Jego muzyczne wychowanie pozwala mu przechodzić z jednego gatunku do drugiego, nie tracąc przy tym swojego unikalnego brzmienia. Podczas gdy jego debiutancki album Wall of Soul był blues-rockiem, jego album Salvation From Sundown z 2011 roku mocno opierał się na tradycyjnym bluesie i R&B.

Jeśli myślisz, że prawdziwy blues można napisać tylko wtedy, gdy jego autora nieustannie nawiedzają nieszczęścia, to udowodnimy Ci, że jest odwrotnie. Tak więc w 2015 roku Lance pozbył się uzależnienia od narkotyków i alkoholu, następnie ożenił się i założył jedną z najfajniejszych supergrup Ostatnia dekada– Naddźwiękowa maszyna bluesowa. Na płycie można usłyszeć sesyjnego perkusistę Kenny'ego Aaronoffa (Chickenfoot, Bon Jovi, Alice Cooper, Santana), Billy'ego Gibbonsa (ZZ Top), Waltera Trouta, Robbena Forda, Erica Galesa i Chrisa Duarte. Zgromadziło się tu wielu wyjątkowych muzyków, ale ich filozofia jest prosta: grupa, podobnie jak maszyna, składa się z wielu części i siła napędowa dla nich wszystko jest bluesem.

Robina Trowera

Robin uważany jest za jednego z kluczowych muzyków, którzy ukształtowali wizję brytyjskiego bluesa lat 70-tych. Karierę zawodową rozpoczął w wieku 17 lat, kiedy stworzył swój ulubiony zespół The Toczące się kamienie tamtych czasów – The Paramounts. Jednak jego prawdziwy sukces przyszedł, gdy dołączył do Procol Harum w 1966 roku. Grupa wywarła ogromny wpływ na jego twórczość i skierowała go na właściwą drogę.

Ale grała klasycznego rocka, więc od razu cofamy się do 1973 roku, kiedy Robin zdecydował się rozpocząć karierę solową. W tym czasie pisał już dużo muzyki gitarowej, więc został zmuszony do opuszczenia grupy. Debiut Twice'a „Removed From Yesterday” ledwo znalazł się na listach przebojów, ale mimo to jego kolejny album, Bridge Of Sights, natychmiast wspiął się na pierwsze miejsca i do dziś sprzedaje się na całym świecie w 15 000 egzemplarzy rocznie.

Pierwsze trzy albumy power trio słyną z hendrixowskiego brzmienia. Z tego samego powodu – ze względu na umiejętne połączenie bluesa i psychodelii – Robin nazywany jest „białym” Hendrixem. W skład grupy wchodziło dwóch silnych członków – Robin Trower i basista James Dewar, którzy doskonale się uzupełniali. Szczyt ich twórczości przypadł na lata 1976-1978, wraz z albumami Long Misty Days i In City Dreams. Już na czwartym albumie Robin zaczął ponownie skupiać się na hard rocku i klasycznym rocku, spychając bluesowe brzmienie na dalszy plan. Jednak nie pozbył się go całkowicie.

Robin zasłynął także ze swojego projektu z basistą Cream Jackiem Brucem. Wydali dwa albumy, ale wszystkie zawarte w nich piosenki zostały napisane przez samego Trowera. Na albumach słychać zarówno rechot gitary Robina, jak i ostre, funkowe brzmienie basu Jacka, jednak muzykom nie spodobała się ta współpraca i ich projekt wkrótce przestał istnieć.

J.J. Cale’a

John jest dosłownie najbardziej skromnym i wzorowym muzykiem na świecie. To prosty chłopak o wiejskiej duszy, a jego piosenki, spokojne i nastrojowe, działają jak balsam na duszę wśród ciągłych zmartwień. Uwielbiali go ikony rocka Eric Clapton, Mark Knopfler i Neil Young, a ten pierwszy rozsławił jego twórczość na całym świecie (piosenki Cocaine i After Midnight napisał Cale, a nie Clapton). Prowadził spokojne i wyważone życie, w niczym nie przypominające życia gwiazdy rocka, za którą jest uważany.

Cale rozpoczął karierę w latach 50. w Tulsa, gdzie dzielił scenę ze swoim przyjacielem Leonem Russellem. Przez pierwsze dziesięć lat wędrował od południowego do zachodniego wybrzeża, aż w 1966 roku osiadł w klubie Whiskey A Go Go, gdzie grał jako support przed Love, The Doors i Timem Buckleyem. Krążą pogłoski, że to Elmer Valentine, właściciel legendarnego klubu, nadał mu ochrzczenie JJ, aby odróżnić go od Johna Cale'a, członka Velvet Underground. Jednak sam Cale nazwał to kaczką, ponieważ Velvet Underground było mało znane na zachodnim wybrzeżu. W 1967 roku John nagrał album A Trip Down the Sunset Strip z grupą Leathercoated Minds. Chociaż Cale nienawidził tej płyty i „gdyby mógł zniszczyć wszystkie te płyty, zrobiłby to”, album stał się psychodelicznym klasykiem.

Kiedy jego kariera zaczęła podupadać, John wrócił do Tulsy, ale los chciał, że w 1968 roku wrócił do Los Angeles, wprowadzając się do garażu domu Leona Russella, gdzie został pozostawiony sam sobie i swoim psom. Cale zawsze wolał towarzystwo zwierząt od ludzi, a jego filozofia była prosta: „życie wśród ptaków i drzew”.

Pomimo powoli rozwijającej się kariery, John wydał swój pierwszy solowy album Naturally w wytwórni Shelter Leona Russella. Album był równie łatwy do nagrania jak temperament Cale’a – był gotowy w dwa tygodnie. Prawie wszystkie jego albumy zostały nagrane w tym tempie, a niektóre z jego najsłynniejszych utworów to nagrania demo (np. Crazy Mama i Call Me the Breeze, do których Lynyrd Skynyrd nagrał później swój słynny cover). Następnie ukazały się albumy „Really, Oakie” i „Troubadour”, dzięki którym Eric Clapton i Karl Radle uzależnili się od swojej „kokainy”.

Po słynnym koncercie w Hammersmith Odeon w 1994 roku on i Eric zostali dobrymi przyjaciółmi (Eric był również znany ze skromności na początku swojej kariery) i pozostawali w stałym kontakcie. Owocem ich przyjaźni była wydana w 2006 roku płyta Road to Escondido. Ten nagrodzony Grammy album jest idealistyczną reprezentacją bluesa. Obaj gitarzyści równoważą się tak bardzo, że powstaje uczucie całkowitego spokoju.

JJ Cale zmarł w 2013 roku, zostawiając świat ze swoją twórczością, która do dziś inspiruje muzyków. Eric Clapton wydał album w hołdzie Johnowi, na który zaprosił swoich fanów – Johna Mayera, Marka Knopflera, Dereka Trucksa, Williego Nelsona i Toma Petty’ego.

Gary'ego Clarka Jr.

Ulubiony muzyk Baracka Obamy, Gary, jest najbardziej innowacyjnym artystą ostatniej dekady. Podczas gdy wszystkie dziewczyny w USA za nim szaleją (no cóż, John Mayer też, bez niego), Gary swoim fuzzem zmienia muzykę w psychodeliczną mieszankę bluesa, soulu i hip-hopu. Muzyk wychowywał się pod ścisłym okiem Jimmy'ego Vaughna, brata Steviego Raya, i słuchał wszystkiego, co wpadło mu w ręce - od country po blues. Wszystko to można usłyszeć na jego pierwszej płycie z 2004 roku, 110, na której słychać klasyczny blues, soul i country, a niczym nie odbiega od stylistyki albumu, black muzyka ludowa Missisipi, lata 50.

Po wydaniu albumu Gary zszedł do podziemia i grał z wieloma muzykami. Powrócił w 2012 roku z melodyjnym i elektrycznym albumem, który zachwycił wszystkich, od Kirka Hammetta i Dave'a Grohla po Erica Claptona. Ten ostatni napisał do niego dziękuję list i powiedział, że po jego koncercie chcę znowu chwycić za gitarę.

Od tego momentu stał się sensacją bluesa, „wybrańcem” i „przyszłością gitary bluesowej”, w której uczestniczy koncert charytatywny Crossroads Erica Claptona i zdobyła nagrodę Grammy za piosenkę „Please Come Home”. Po takim debiucie trudno się utrzymać wysoki pasek, ale Gary'ego nigdy nie przejmowała opinia innych. Swój kolejny album wydał „dla samej muzyki” i w jego przypadku ta filozofia się sprawdziła. The Story of Sonny Boy Slim okazał się mniej ciężki, ale jego elektryczny soul-blues idealnie komponuje się ze stylistyką całej płyty. Nawet jeśli niektóre jego utwory brzmią popowo, mają w sobie coś, czego brakuje współczesnej muzyce – indywidualność.

Ten album może mieć łagodniejsze brzmienie, ponieważ był tak osobisty (żona Gary'ego urodziła pierwsze dziecko podczas nagrywania, co zmusiło go do przemyślenia swojego życia), ale był równie bluesowy i melodyjny, co wyniosło jego twórczość na zupełnie nowy poziom .

Joe Bonamassa

Panuje popularna opinia, że ​​Joe to najnudniejszy gitarzysta świata (i z jakiegoś powodu Gary'ego Moore'a nikt nie nazywa nudnym), jednak z roku na rok staje się coraz bardziej popularny, wyprzedając swoje koncerty w Royal Albert Hall i podróżując po okolicy świat koncertami. Ogólnie rzecz biorąc, niezależnie od tego, co mówią, Joe jest utalentowanym i melodyjnym gitarzystą, który od początku swojej kariery zrobił ogromne postępy w swojej twórczości.

Można powiedzieć, że urodził się z gitarą w rękach: w wieku 8 lat otwierał już koncert dla B.B. Kinga, a w wieku 12 lat grał już na pełny etat w nowojorskich klubach. Swoją debiutancką płytę wydał dość późno – w wieku 22 lat (wcześniej grał w zespole Bloodline wraz z synami Milesa Davisa). A New Day Yesterday ukazało się w 2000 roku, ale na listy przebojów trafiło dopiero w 2002 roku (osiągając szczyt na 9. miejscu wśród albumów bluesowych), co nie jest zaskakujące: składało się głównie z coverów. Jednak dwa lata później Joe wydał swój najbardziej kultowy album „So, It’s Like That”, który pokochał każdy, kto tylko mógł.

Od tego czasu Joe regularnie co rok lub dwa wydawał albumy, które były ostro krytykowane, ale według magazynu Billboard znajdowały się co najmniej w pierwszej piątce. Jego płyty (zwłaszcza Blues Deluxe, Sloe Gin i Dust Bowl) brzmią lepko, ciężko i bluesowo, nie wypuszczając słuchacza do samego końca. Tak naprawdę Joe jest jednym z niewielu muzyków, których światopogląd ewoluuje z albumu na album. Jego piosenki stają się krótsze i żywsze, a albumy stają się konceptualne. Jego najnowsze wydawnictwo zostało nagrane dosłownie po raz pierwszy. Według Joe współczesny blues jest zbyt elegancki, muzycy nie wkładają w to wiele wysiłku, ponieważ wszystko można sformatować lub zagrać od nowa, stracili całą energię i zapał. Właśnie dlatego ten album został nagrany podczas pięciodniowego jamowania i słychać wszystko, co się tam wydarzyło (bez drugich ujęć i minimalnej postprodukcji, aby zachować atmosferę).

Dlatego kluczem do jego twórczości nie jest słuchanie piosenek z albumów (zwłaszcza wczesne prace: mózg zostanie zgwałcony przez niekończące się solówki i napięcie, które wzrasta dopiero pod koniec albumu). Jeśli jesteś fanem muzyki technicznej i krętych solówek, z pewnością pokochasz Joe.

Filip mówi

Philip Says to gitarzysta mieszkający w Toronto, którego gra jest tak imponująca, że ​​został zaproszony do wzięcia udziału w festiwalu gitarowym Crossroads Erica Claptona. Dorastał słuchając muzyki Ry Coodera i Marka Knopflera, podobnie jak jego rodzice ogromna kolekcja albumy bluesowe, które nie mogły nie wpłynąć na jego twórczość. Ale swój przełom Philip zawdzięcza scenie zawodowej legendarnemu gitarzyście Geoffa Healy’ego, który wziął go pod swoje skrzydła i zapewnił doskonałe wykształcenie muzyczne.

Jeff był kiedyś na koncercie Philipa w Toronto i tak mu się spodobała jego gra, że ​​przy następnym spotkaniu zaprosił go na scenę, żeby jammował. Philip był w klubie ze swoim menadżerem i gdy tylko usiedli, Jeff podszedł do nich i zaprosił Philipa do swojego zespołu, obiecując, że postawi go na nogi i nauczy, jak występować w dużych salach.

Następne trzy i pół roku Philip spędził w trasie koncertowej z Geoffem Healy. Występował także w słynnym festiwal jazzowy w Montreux, gdzie dzielił scenę z takimi gigantami bluesa jak B.B. King, Robert Cray i Ronnie Earle. Jeff dał mu niesamowitą szansę uczenia się od najlepszych, grania z najlepszymi i samodzielnego stawania się lepszym człowiekiem. Grał koncerty dla ZZ Top i Deep Purple, a jego muzyka to niekończąca się pasja.

Philip wydał swój pierwszy solowy album Peace Machine w 2005 roku i ten jest jego najlepsza kreatywność do dzisiaj. Łączy w sobie surową energię blues-rockowej gitary i soulu. Jego kolejne albumy (wyróżnić należy Inner Revolution i Steamroller) stają się cięższe, ale nadal zachowują ten bluesowy napęd w stylu Steviego Raya Vaughna, który jest częścią jego stylu - widać to choćby po szalonym vibrato, którego używa grając na żywo.

Wiele osób znajdzie podobieństwa między Philipem Sayce’em i Steviem Rayem – tym samym obnażonym Stratocasterem, shuffle i szalonymi programami – a niektórzy uważają, że jest do niego zbyt podobny. Jednak brzmienie Philipa różni się od jego geniusza: brzmi bardziej nowocześnie i ciężej.

Susan Tedeschi i Derek Trucks

Jak powiedział ikona gitary slide z Luizjany, Sonny Landreth, w ciągu pięciu sekund wiedział, że Derek Trucks będzie najbardziej obiecującym gitarzystą na scenie białego bluesa. Bratanek perkusisty Allman Brothers, Butcha Trucksa, w wieku 9 lat kupił sobie gitarę akustyczną za pięć dolarów i zaczął uczyć się gry na gitarze slide. Szokował wszystkich swoją techniką gry, bez względu na to, z kim grał. Pod koniec lat 90. był zdobywcą nagrody Grammy za swój solowy projekt, grał z The Allman Brothers Band i koncertował z Erikiem Claptonem.

Susan zasłynęła nie tylko dzięki umiejętnej grze na gitarze, ale także magicznemu głosowi, który urzeka słuchaczy od pierwszej chwili. Od czasu wydania swojego debiutanckiego albumu Just Won't Burn Susan niestrudzenie koncertuje, nagrywa z Double Trouble, dzieli scenę z Britney Spears podczas rozdania nagród Grammy, występuje z Buddym Guyem i B.B. Kingiem, a nawet śpiewa u boku Boba Dylana.

Kilkadziesiąt lat po rozpoczęciu kariery Susan i Derek nie tylko pobrali się, ale także stworzyli własny zespół o nazwie Tedeschi Trucks Band. Właściwie cholernie trudno znaleźć słowa, które wyraziłyby, jak dobrzy są: Derek i Susan są jak dzisiejsi Delaney i Bonnie. Fani bluesa wciąż nie mogą uwierzyć, że dwie legendy bluesa stworzyły własny zespół, i to niezwykły: Tedeschi Trucks Band składa się z 11 najlepszych muzyków współczesnej sceny bluesowej i soulowej. Zaczęli jako pięcioosobowy zespół i stopniowo dodawali więcej muzyków. Na ich najnowszym albumie występuje dwóch perkusistów i pełna sekcja dęta.

Błyskawicznie wyprzedają wszystkie swoje koncerty w USA i wszyscy są po prostu zachwyceni ich występami. Ich grupa kultywuje wszelkie tradycje amerykańskiego bluesa i soulu. Gitara slide doskonale uzupełnia aksamitny głos Tedeschiego i jeśli pod względem technicznym Derek jest pod pewnymi względami lepszy od swojej żony gitarzysty, to wcale jej nie przyćmiewa. Ich muzyka to doskonała fuzja bluesa, funku, soulu i country.

Johna Mayera

Nawet jeśli słyszysz to nazwisko po raz pierwszy, uwierz mi, John Mayer jest bardzo znany. Jest tak sławny, że zajmuje 7. miejsce pod względem liczby obserwujących na Twitterze, a prasa w Ameryce omawia jego życie osobiste w taki sam sposób, jak żółta prasa w Rosji omawia Allę Pugaczową. Jest tak sławny, że wszyscy Amerykańskie dziewczyny, kobiety i babcie nie tylko wiedzą, kim jest, ale także pragną, aby wszyscy gitarzyści na świecie podziwiali go, a nie Jeffa Hannemana.

Jest także jedynym instrumentalistą, który dorównuje współczesnym idolom popu. Jak sam powiedział kiedyś brytyjskiemu magazynowi: „Nie można tworzyć muzyki i być popularnym. Gwiazdy tworzą naprawdę, naprawdę złą muzykę, więc piszę swoją jako muzyk.

John po raz pierwszy sięgnął po gitarę w wieku 13 lat, zainspirowany twórczością bluesmana z Teksasu, Steviego Raya Vaughna. Grał w swoich lokalnych barach rodzinne miasto Bridgeport, dopóki nie ukończył szkoły średniej i nie poszedł do Berklee College of Music. Tam studiował przez dwa semestry, aż wyjechał do Atlanty z 1000 dolarów w kieszeni. Grał w barach i po cichu pisał piosenki na swój debiutancki album z 2001 roku, Room For Squares, który pokrył się wieloma platyną.

John ma na swoim koncie wiele nagród Grammy, a połączenie nienagannych melodii, wysokiej jakości tekstów i przemyślanych aranżacji uczyniło go tak wielkim, jak Stevie Wonder, Sting i Paul Simon – muzycy, którzy zamienili muzykę pop w formę sztuki.

Jednak w 2005 roku odwrócił się od ścieżki artysty popowego, nie bał się stracić słuchaczy, zastąpił akustycznego Martina Fenderem Stratocasterem i dołączył do grona legend bluesa. Grał z Buddy Guyem i B.B. Kingiem, a nawet został zaproszony przez samego Erica Claptona na Crossroads Guitar Festival. Krytycy byli sceptycznie nastawieni do tej zmiany scenerii, ale John bardzo zaskoczył wszystkich: jego elektryczne trio (wraz z Pino Palladinem i Stevem Jordanem) wyprodukowało niespotykany dotąd blues-rock z zabójczym rytmem. Na albumie Try! John skupił się na delikatniejszej stronie Jimiego Hendrixa, Steviego Raya Vaughana i B.B. Kinga, a swoimi melodyjnymi solówkami znakomicie bawił się wszystkimi bluesowymi kliszami.

John zawsze był melodyjny, nawet jego ostatnia płyta z 2017 roku okazała się zaskakująco miękka: słychać tu soul, a nawet country. Swoimi piosenkami John nie tylko doprowadza do szaleństwa 16-letnie dziewczyny w USA, ale także pozostaje prawdziwym profesjonalnym muzykiem, stale się rozwijającym i za każdym razem wnoszącym coś nowego do swojej muzyki. Doskonale równoważy swoją reputację artysty popowego z rozwojem jako muzyka. Jeśli weźmiesz nawet jego najbardziej popowe piosenki i rozłożysz je na części, zdziwisz się, ile się tam dzieje.

Jego piosenki są o wszystkim - miłości, życiu, relacjach osobistych. Gdyby śpiewał je ktoś inny, najprawdopodobniej stałyby się zwykłymi pieśniami ludowymi, ale delikatny głos Johna w połączeniu z bluesem, soulem i innymi gatunkami czyni je tym, czym są. I których na pewno nie chcesz wyłączyć.

Śpiewaków bluesowych można nazwać śpiewakami wolności. W swoich piosenkach i muzyce śpiewają o samym życiu, bez upiększeń, ale jednocześnie z nadzieją na lepsze czasy. Przed Tobą najlepsi wykonawcy bluesa wszech czasów – podaje portal JazzPeople.

Najlepsi artyści bluesowi

Mówią, że blues jest wtedy do dobrego człowiekaŹle. Zebraliśmy najsłynniejszych wokalistów bluesowych, których twórczość odzwierciedla strukturę tego trudnego świata.

B.B. Kinga

King nazwał wszystkie swoje gitary „Lucille”. Z tą nazwą wiąże się pewna historia działalność koncertowa. Któregoś dnia podczas występu dwóch mężczyzn wszczęło bójkę i przewróciło piec naftowy. Spowodowało to pożar, wszyscy muzycy pospiesznie opuścili lokal, lecz B.B. King, ryzykując własne życie, wrócił po gitarę.

Później, dowiedziawszy się, że przyczyną bójki była kobieta o imieniu Lucille, nazwał tak swoją gitarę na znak, że żadna kobieta nie jest warta takich bzdur.

King przez ponad 20 lat zmagał się z cukrzycą, co spowodowało jego śmierć 14 maja 2015 roku w wieku 89 lat.

Roberta Leroya Johnsona

- jasna, ale szybko przemijająca gwiazda świata muzyki bluesowej - urodziła się 8 maja 1911 roku. W młodzieńcze lata poznał znanych muzyków bluesowych Sun House'a i Williego Browna i postanowił zacząć profesjonalnie grać bluesa.

Kilkumiesięczne treningi z drużyną sprawiły, że chłopak pozostał dobrym amatorem. Potem Robert przysiągł, że zagra świetnie i zniknął na kilka miesięcy. Kiedy pojawił się ponownie, jego poziom gry stał się zauważalnie wyższy. Sam Johnson powiedział, że skontaktował się z diabłem. Legenda o muzyku, który zaprzedał duszę za umiejętność grania bluesa, rozeszła się po całym świecie.

Robert Leroy Johnson zmarł w wieku 28 lat 16 sierpnia 1938 r. Podobno został otruty przez męża swojej kochanki. Jego rodzina nie miała pieniędzy, więc został pochowany na cmentarzu miejskim. Dziedzictwo Johnsona jest trudne do zliczenia – choć sam niewiele nagrał, jego piosenki często wykonywało wiele gwiazd światowej sławy (Eric Clapton, Led Zeppelin, The Rolling Stones, The Doors, Bob Dylan).

Błotniste wody

- założyciel szkoły chicagowskiej - urodzony 4 kwietnia 1913 roku w małym miasteczku Rolling Fork. Jako dziecko uczył się grać na harmonijce ustnej, a jako nastolatek opanował grę na gitarze.

Prosty gitara akustyczna nie bardzo pasowało Muddy'emu. Tak naprawdę zaczął grać dopiero w momencie, gdy przerzucił się na gitarę elektryczną. Potężny dudnienie i gwałtowny głos gloryfikowały początkującego piosenkarza i wykonawcę. W istocie twórczość Muddy'ego Watersa balansuje na granicy bluesa i rock and rolla. Muzyk zmarł 30 kwietnia 1983 roku.

Gary’ego Moore’a

– słynny irlandzki gitarzysta, piosenkarz i autor tekstów – urodzony 4 kwietnia 1952 r. W swojej karierze dużo eksperymentował z różnymi rodzajami muzyki, ale nadal preferował bluesa.

W jednym z wywiadów Moore przyznał, że w bluesie podoba mu się dialog, jaki pojawia się pomiędzy wokalem a gitarą. Otwiera to szerokie pole do eksperymentów.

Co ciekawe, choć Gary Moore był leworęczny, gry na gitarze uczył się jako praworęczny od dzieciństwa i grał w ten sposób przez całe życie, aż do swojej śmierci 6 lutego 2011 roku.

Erica Claptona

- jedna z najbardziej wpływowych postaci Brytyjski rock– urodzony 30 marca 1945 r. Jedyny muzyk, który trzykrotnie został wprowadzony do Rock and Roll Hall of Fame – dwukrotnie jako członek zespołu i raz jako artysta solowy. Clapton grywał w różnych gatunkach, jednak zawsze skłaniał się ku bluesowi, co czyniło jego grę rozpoznawalną i charakterystyczną.

Sonny Boy Williamson I i II

Sonny Boy Williamson, amerykański harmonijkarz i piosenkarz bluesowy, urodził się 5 grudnia 1912 roku.

Na świecie jest dwóch słynnych Sonny Boy Williamsonów. Faktem jest, że Sonny Boy Williamson II przyjął pseudonim o tym samym imieniu na cześć swojego idola – Sonny Boy Williamson I. Sława drugiej Sonyi mocno przyćmiła dziedzictwo pierwszej, choć to on był innowatorem w swoim pole.

Sonny Boy był jednym z najsłynniejszych i najbardziej oryginalnych harmonijkarzy. Wyróżnia go szczególny styl wykonawczy: prosty, melodyjny, płynny. Teksty jego piosenek są subtelne i liryczne.

Williamson II cenił sobie wygodę osobistą bardziej niż sławę, dlatego czasami pozwalał sobie zniknąć na kilka miesięcy, aby odpocząć, a następnie ponownie pojawić się na scenie. Sonny Boy Williamson II zmarł 25 maja 1965 r.

Teraz przyjrzymy się najlepszym zespołom bluesrockowym z całego świata. Dodatkowo podam listę dobrych albumów i rosyjskich zespołów tego gatunku.

Najlepsze zespoły bluesrockowe

Połączenie bluesa i wczesny rock Rozwój gatunku blues rock nie nastąpił w próżni. Jest to w dużej mierze wynalazek białych brytyjskich dzieci. Byli zakochani w importowanych do Wielkiej Brytanii płytach bluesowych Muddy Watersa, Howlin' Wolfa i innych artystów.

Twórcami tego gatunku są ojcowie chrzestni bluesa, Alexis Korner i John Mayall. Do dziś rozbrzmiewa w sercach wielu słuchaczy. Oto najwcześniejsi i najlepsi artyści bluesrockowi.

Alexis Korner (Alexis Korner)

Znany jako " ojciec brytyjskiego bluesa" Muzyk i lider zespołu Alexis Korner był integralną częścią angielskiej sceny bluesowej lat 60.

Jego własne zespoły pomogły w spopularyzowaniu bluesa. A na początku tej dekady Korner występował z długą listą brytyjskiej muzyki królewskiej.

W całej swojej twórczości nigdy nie odniósł wielkiego sukcesu komercyjnego. Tym samym jego wpływ na rozwój blues rocka nie ulega wątpliwości. Nie można tego samego powiedzieć o jego rówieśnikach i młodszych asystentach.

John Mayall (John Mayall)

Brytyjski muzyk John Mayall w swojej pięćdziesięcioletniej karierze wniósł znaczący wkład w rozwój takich gatunków jak jazz, blues i blues rock.

Odkrył i zaczął rozwijać talenty instrumentalne Erica Claptona, Petera Greena i Mike'a Taylora.

Mayall ma w bagażu mnóstwo albumów. Zawierają blues, blues rock, jazz i afrykańskie style muzyczne.

Petera Greena i Fleetwooda Maca

Fleetwood Mac jest znany na całym świecie przede wszystkim jako przełomowy zespół poprockowy, który zajmował pierwsze miejsca na listach przebojów. Grupa prowadzona przez gitarzystę Petera Greena zasłynęła jako zespół psychodelicznego bluesa.

Grupa powstała w 1967 roku. A swoją pierwszą wydała w 1968 roku. Album będący połączeniem oryginalnych kompozycji i bluesowych okładek stał się sukcesem komercyjnym w Wielkiej Brytanii, spędzając rok na listach przebojów.

W 1970 roku z powodu choroby Peter Green opuścił grupę. Jednak nawet po jego odejściu Fleetwood Mac nadal występował i pracował nad nowymi kompozycjami.

Rory Gallagher i smak

W drugiej połowie lat 60., u szczytu brytyjskiej mody bluesrockowej, pod wpływem publiczności Rory Gallagher pokazywał występy swojego zespołu Taste.

Dzięki dynamicznemu występowi grupa koncertowała z supergwiazdami Yes i Blind Faith. Wystąpiła nawet w 1970 roku na Isle of Wight.

Zespół został założony w 1966 roku przez Rory'ego Gallaghera, basistę Erica Keatherina i perkusistę Normana Damery'ego.

Po koncercie w Wielkiej Brytanii zespół Rory'ego Gallaghera rozpadł się.

Po przeprowadzce do Londynu dwudziestoletni gitarzysta założył nową wersję swojego zespołu Taste z basistą Richardem McCrackenem i perkusistą Johnem Wilsonem. Po podpisaniu kontraktu z Polydorem rozpoczęły się nagrania i trasy koncertowe po całych Stanach Zjednoczonych i Kanadzie.

Przez dziesięciolecia The Rolling Stones byli najfajniejszym zespołem rockowym na świecie. Miała najlepiej sprzedające się albumy. Zwłaszcza w USA. Dlatego muzycy odnoszą duże sukcesy. Ich wkład w rozwój muzyki rockowej jest ogromny.

The Yardbirds i brytyjski blues rock

The Yardbirds byli jednym z najbardziej wpływowych i innowacyjnych brytyjskich zespołów bluesrockowych początku lat 60. Ich wpływ jest odczuwalny daleko poza przelotnymi sukcesami komercyjnymi.

Założony na początku lat 60. jako kwartet Blues Metropolis, w 1963 roku był już znany jako Yardbirds.

W skład którego wchodzą wokalista Keith Relf, ​​gitarzysta Chris Drach i Andrew Topham, basista Paul Samwell-Smith i perkusista Jimi McCarthy, zespół szybko zyskał sławę dzięki elektryzującej mieszance klasycznego bluesa i R&B.

Pierwsza płyta The Yardbirds nosiła tytuł Five Live Yardbirds. Został nagrany w 1964 roku w klubie Marquee. Wykonawcy zaczęli dodawać elementy muzyki pop, rock i jazz.

Eric Clapton opuścił zespół w 1965 roku, aby grać czystego bluesa z Bluesbreakers Johna Mayalla. Nowy gitarzysta Jeff Beck nadał nowe brzmienie zespołowi. W 1968 roku zespół się rozpadł.

Najlepsze albumy bluesrockowe

Poniżej chcę zaprezentować najlepsze albumy bluesrockowe. Polecam posłuchać ich w wolnej chwili. Oto lista:

Gdzie grano: Jefferson Airplaine, Jefferson Starship, Starship, Wielkie społeczeństwo

Gatunki: klasyczny rock, blues rock

Co jest fajne: Grace Slick jest wokalistką legendarnego psychodelicznego zespołu Jefferson Airplane. Posiadając nie tylko urzekający głos, ale także atrakcyjny wygląd (same oczy są tego warte!), stała się prawdziwym symbolem seksu lat 60., a skomponowane przez nią piosenki White Rabbit i Somebody to Love stały się klasyką rocka. Potężny głos Grace Slick otworzył nowe wymiary w kobiecym rocku i wyniósł ją na 20. miejsce na liście „Setki najwspanialsze kobiety rock and rolla.” Niestety upodobanie do szokujących zachowań oraz uzależnienie od alkoholu i narkotyków znacząco zamazały jej karierę. Jednak po opuszczeniu świata muzyki w 1990 roku Grace odnalazła się w nim sztuki piękne. Znacząca jego część kreatywność artystyczna tworzą portrety kolegów ze sceny rockowej.

Cytat:Śpiewałam wtedy z taką siłą i złością, że ówczesne kobiety bały się to okazywać. Sama przekonałam się, że kobieta może ignorować stereotypy i robić, co jej się podoba.

Mariska Veres

Gdzie grano:: Szokujący błękit, kariera solowa

Gatunki: rytm i blues, klasyczny rock

Co jest fajne: Mariska Veres to właścicielka jednego z najpotężniejszych i najpiękniejszych głosów w muzyce rockowej, oszałamiającej urody i... niesamowicie nieśmiałej i wrażliwej dziewczyny. Biorąc pod uwagę moralność końca lat 60. i początku 70., można sobie wyobrazić, jakie to było dla niej trudne. Tak czy inaczej, Shocking Blue osiągnęli szczyt muzycznej sławy i uwiecznili siebie i swoją twórczość w dużej mierze dzięki Marisce. Nawet zwierzęta domowe w każdym domu znają swoją wszechobecną Wenus niemal na pamięć.

Cytat: Wcześniej byłam tylko malowaną lalką, nikt nie mógł się do mnie zbliżyć. Teraz jestem bardziej otwarta na ludzi.

Janis Joplin

Gdzie grano: Big Brother & The Holding Company, Kozmic Blues Band, Full Tilt Boogie Band

Gatunki: blues-rocka

Co jest fajne: Jedna z członkiń okrytego złą sławą Klubu 27. Janis Joplin w swoim krótkim życiu wydała zaledwie cztery albumy, z czego jeden ukazał się już po jej śmierci, nie przeszkadza to jednak krytykom na całym świecie uznać ją za najlepszą wokalistkę białego bluesa i jeden z najwybitniejszych wokalistów w historii rocka. Joplin otrzymała kilka ważnych nagród, ale ponownie pośmiertnie – w 1995 roku została wprowadzona do Rock and Roll Hall of Fame, w 2005 otrzymała nagrodę Grammy za wybitne osiągnięcia, a w 2013 roku odsłonięto ku jej czci gwiazdę w Alei Gwiazd Sława w Hollywood. Jej działalność twórcza rozpoczęła się w 1961 roku, w dużej mierze pod wpływem popularnych wówczas beatników, w towarzystwie których młoda dziewczyna spędziła lato 1960 roku. Joplin uchodziła za niezwykłą, jeśli nie dziwną - na zajęcia na uniwersytecie przychodziła w dżinsach Levi'sa, chodziła boso i wszędzie nosiła ze sobą cydrę na wypadek, gdyby chciała śpiewać. Punkt zwrotny Kariera Joplin obejmowała występ w ramach Big Brother & The Holding Company na festiwalu w Montreuil. Następnie grupa wystąpiła nawet dwukrotnie, ponieważ reżyser Pennebaker chciał je nagrać na filmie. O osiągnięciach Janice można dużo mówić: mimo krótkiego życia osiągnęła wiele. Z czym warto wziąć udział w kultowym festiwalu Woodstock w 1969 roku na tej samej scenie WHO i Hendrixa. Wciąż trwają spory na temat przyczyny śmierci piosenkarza. Niektórzy mówią, że to wszystko wina uzależnienie od narkotyków niektórzy twierdzą, że było to samobójstwo. Tak czy inaczej, wielu zgadza się, że spontaniczna i przedwczesna śmierć była bardzo okrutnym żartem losu, ponieważ w tym momencie życie Joplin zaczęło się poprawiać – wychodziła za mąż i przez długi czas nie brała heroiny. Ale nadal nie była szczęśliwa.

Cytat: Kocham się na stadionie z dwudziestoma pięcioma tysiącami ludzi, a potem idę sam do domu.

Annie Haslam

Gdzie grano: Renesans, kariera solowa

Gatunki: rock progresywny, rock klasyczny

Co jest fajne: Wszystkie ankiety, takie jak „Najlepszy wokalista prognostyczny”, szybko tracą zainteresowanie, jeśli na liście znajduje się Annie. I nie jest to dla ciebie zaskakujące, jeśli słyszałeś przynajmniej jedną piosenkę jej śpiewaną. Czysty, wznoszący się do transcendentalnych wyżyn, pozornie kruchy, ale jednocześnie dość potężny pięciooktawowy wokal Haslam przyciągnął ją i renesansowe rzesze fanów w latach 70-tych. Dalej - udana kariera solowa jako piosenkarki i artysty, na szczęście zwycięska walka z rakiem i okresowe zjazdy grupy w celu występów na żywo.

Cytat: Zawsze się zastanawiałem: byliśmy tak wyjątkowi i nadal jesteśmy, więc czy nie powinniśmy byli zrobić więcej, niż zrobiliśmy? Przynajmniej powinniśmy byli nagrywać wszystkie nasze występy. Trzeba było jak najwięcej napisać. Praktycznie nic nie zrobiliśmy.

Świat bluesa jest pełen genialnych muzyków, którzy na każdym albumie dawali z siebie wszystko, a niektórzy z nich stali się legendami, nie wydając ani jednej płyty! JazzPeople wybrało 5 najlepszych albumów bluesowych nagranych przez znakomitych muzyków, którzy wywarli wpływ nie tylko na ich twórczość własne życie i kreatywności, ale także wpłynął na cały rozwój muzyki tego gatunku.

B.V. King – Dlaczego śpiewam bluesa

„Król Bluesa” przez wiele lat karierę twórczą wydał ponad 40 albumów i na zawsze pozostał w sercach milionów fanów na całym świecie. W 1983 roku ukazał się jego 17. album „Why I Sing the Blues”, który dosłownie odpowiadał na pytanie, dlaczego King śpiewa bluesa.

Lista utworów obejmuje: słynne kompozycje muzyk taki jak Ain't Nothing Home, Ghetto Woman, Why I Sing the Blues, To Know You is To Kocham cię i oczywiście pierwszym z nich był słynny The Thrill is Gone, który swego czasu zyskał ogromną popularność i wiele nagród. Muzyka mistrza bluesa zawsze wywoływała emocje głębokie emocje i wzajemnych uczuć, a na tej płycie zebrano najbardziej „cierpkie” utwory Kinga, co w zasadzie pozwoliło nam „nawiązać rozmowę” z bluesmanem i wysłuchać jego ekscytującej historii, w w tym przypadku, nie sam.

Robert Johnson – król śpiewaków bluesowych Delta

Wielki Robert Johnson, który według legendy zaprzedał duszę diabłu w zamian za naukę gry bluesa, w swoim krótkim życiu nie nagrał ani jednej płyty (Johnson zmarł w wieku 27 lat), ale mimo to jego muzyka nie tylko żyje do dziś nawiedza zarówno znanych muzyków, jak i fanów bluesa. Całe życie gitarzysty spowijała aura mistycyzmu i dziwnych zbiegów okoliczności, co bezpośrednio znalazło odzwierciedlenie w jego twórczości.

Oprócz licznych przeróbek i reedycji jego utworów, na uwagę zdecydowanie zasługuje płyta z 1998 roku (oficjalna reedycja albumu z 1961 roku). Król śpiewaków bluesowych z Delty. Już sama okładka płyty nastraja do samotnego słuchania i całkowitego zanurzenia się w skomplikowanym świecie Roberta Johnsona, jakby wciąż żył. Jeśli chcesz spróbować zrozumieć bluesa, zacznij od Johnsona z jego poruszającym duszę Cross Road Blues, Walking Blues, Me i Devil Blues, Hellhound on My Trail, Traveling Riverside Blues.

Stevie Ray Vaughan – Powódź w Teksasie

Zginął tragicznie (rozbił się w helikopterze w 1990 roku w wieku 35 lat), mimo to pozostawił ogromny ślad w historii muzyki bluesowej. Twórczość wokalisty i gitarzysty wyróżniała się oryginalnością i mocnym sposobem wykonania. Muzyk współpracował i występował na koncertach z wieloma równie znanymi postaciami bluesa, na przykład Buddy Guy, Albertem Kingiem i innymi.

W każdej improwizacji Vaughn z błyskotliwością i prawdziwą otwartością przekazywał swoje uczucia i emocje, dzięki czemu światowy blues uzupełniany był nowymi hitami.

Na jego barwnej płycie Texas Flood, nagranej z zespołem Double Trouble i wydanej w 1983 roku, znalazły się najsłynniejsze kompozycje, które później przyniosły muzykowi największą popularność, m.in. Duma i Joy, Texas Flood, Mary Had a Little Lamb, Lenny i oczywiście leniwa, spokojna Tin Pan Alley. Bluesman dzieli się ze swoimi słuchaczami nie tylko swoją muzyką, ale częścią swojej duszy w każdym wykonywanym utworze, a każdy z nich z pewnością zasługuje na szczególną uwagę.

Buddy Guy – Cholera, mam bluesa

Nic dziwnego, że bluesman z takim talent muzyczny Szybko to zauważył i wziął go pod swoją opiekę. Wyjątkowa, wirtuozowska gra i charyzma Buddy'ego szybko przyniosły mu sławę i szacunek wśród kolegów i słuchaczy na całym świecie oraz album o krzykliwym tytule Cholera jasna, mam bluesa otrzymał nagrodę Grammy w 1991 roku.

Płyta pełna jest doskonałych tekstów, wyjątkowych wykonań i przekazu emocjonalnego w kompozycjach, a także stylistycznie - electro-blues, Chicago, a miejscami nawet archaiczny blues. Dynamikę i charakter płyty wyznacza już pierwszy utwór – Damn Right, I've Got the Blues, kontynuacja w Five Long Years, There Is Something on Your Mind, przenosi nas w nocny świat muzyka w Black Night, po który budzi nas dynamicznym Let Me Love Ty, kochanie, a na końcu płyty muzyk w utworze Rememberin’ Stevie składa hołd zmarłemu w 1990 roku Steviemu Rayowi Vaughnowi.

T-Bone Walker – Dobre samopoczucie

W ducha prawdziwego teksańskiego bluesa można wczuć się słuchając nagranej w 1969 roku płyty temperamentnego T-Bone Walkera Good Feelin’, która rok później otrzymała nagrodę Grammy. Na płycie znalazły się świetne utwory artysty – Good Feelin’, Every Day I Have the Blues, Sail On, Little Girl, Sail On, See You Next Time, Vacation Blues.

Bluesman wywarł znaczący wpływ na twórczość wielu utalentowanych muzyków, m.in. Otisa Rusha, Jimiego Hendrixa, BB Kinga, Freddiego Kinga i wielu innych. Album odkrywa prawdziwy charakter Walkera, demonstrując całą wielkość swojej gry, wirtuozerię i technikę wokalną. Wyjątkowość tej płyty polega na tym, że zaczyna się i kończy nieformalną narracją Walkera, w której akompaniuje sobie na fortepianie. Muzyk wita się z publicznością i zachęca do skupienia się na tym, co będzie dalej.