Znaczenie nazwy „Boska Komedia”

Interpretacja znaczenia wiersza jest możliwa z kilku perspektyw. W dosłownym sensie jest to prawdziwa podróż duszy po śmierci w innym świecie. Ale oprócz dosłowności uzasadnione jest także alegoryczne rozumienie wiersza, to znaczy każde wydarzenie, każdy szczegół ma dodatkowe znaczenie.

Według tradycyjnych wierzeń religijnych piekło to miejsce, w którym spotykają się grzesznicy. Cierpienie z powodu grzechów popełnionych w czyśćcu przeznaczone jest dla tych, którzy mają możliwość oczyszczenia i zbawienia do nowego życia. Raj jest nagrodą dla tych, którzy prowadzą prawe życie. Mówimy o moralnej ocenie czynów ludzi: to, gdzie dokładnie znajdzie się dusza człowieka po śmierci, zależy od jej ziemskiego życia.

Zatem nawet w dosłownej interpretacji wiersza świat ludzi dzieli się na sprawiedliwych i grzeszników. Jednak w Boskiej Komedii nie mówimy o jednostkach, ale obelgi stworzone przez autora symbolizują pewne zasady lub zjawiska. Zatem wizerunek Wergiliusza, który towarzyszy bohaterowi w podróży po kręgach piekielnych, jest nie tylko wizerunkiem poety Wergiliusza, ale ucieleśnia zasadę rozumienia świata pozbawionego wiary. Dante uznaje wielkość Wergiliusza, mimo to przedstawia go jako mieszkańca piekła. Beatrice to nie tylko obraz ukochanej kobiety, ale także alegoria miłości, zbawiającej i przebaczającej wszystko.

Alegorie w wierszu są również niejednoznaczne. Na przykład zwierzęta spotykane na ścieżce Dantego w gęstym lesie mają tradycyjne znaczenia dla średniowiecza: ryś symbolizuje zdradę, wilczyca - obżarstwo, lew - dumę. Istnieje inna interpretacja obrazów przedstawionych przez poetę: ryś to polityczni wrogowie Dantego, lew to król Francji, wilczyca to rzymskie papiestwo. Znaczenia alegorii nakładają się na siebie, nadając dziełu dodatkowy wymiar.

Rozwijającą się alegorią jest sama podróż - to poszukiwanie właściwej ścieżki duchowej dla osoby otoczonej grzechami, pokusami i namiętnościami. Wybór drogi jest poszukiwaniem sensu życia. Główna akcja rozgrywa się w duszy lirycznego bohatera. Cała podróż odbywa się w umyśle poety. Dowiedziawszy się, czym jest ruina, przechodząc przez kręgi piekła, w duszy poety zachodzą zmiany, dochodzi on do świadomości najważniejszych prawd o świecie i o sobie samym.

To właśnie w części przedstawiającej raj odkrywany jest główny sekret życia, jakim jest miłość. Nie tylko w miłości do pojedynczej i pięknej kobiety, ale w miłości wszystko trawiącej i przebaczającej, miłości w szerokim tego słowa znaczeniu. Miłość jest siłą napędową, siłą poruszającą ciała niebieskie. Dante prowadzi nas do wiary, że Bóg jest miłością.

Federalna Agencja Edukacji

Państwowa instytucja edukacyjna

Wykształcenie wyższe zawodowe

Państwowa Akademia Inżynierii i Ekonomii Kama

Dział „RiSo”

Test

w dyscyplinie „Historia literatury światowej”

w temacie: " Literatura renesansu.

Dante Alighieri „Boska komedia”

Ukończył: uczeń grupy 4197c

Dział korespondencyjny

Nevmatullina R.S.

Sprawdził: nauczyciel

Dział „RiSo”

Meshcherina E.V.

Nabierieżnyje Czełny 2008

Rozdział 2. „Boska komedia” Dantego Alighieri

2.3 Czyściec

2.5 Ścieżka Dantego

Rozdział 1. Literatura renesansu

Kres cywilizacji średniowiecznej w dziejach ludzkości kojarzony jest z genialnym okresem kultury i literatury zwanym renesansem. Jest to epoka znacznie krótsza niż starożytność czy średniowiecze. Ma on charakter przejściowy, lecz to właśnie dorobek kulturowy tego czasu każe wyróżnić go jako szczególny etap późnego średniowiecza. Renesans daje historii kultury ogromną konstelację prawdziwych mistrzów, którzy pozostawili po sobie największe dzieła nauki i sztuki - malarstwo, muzykę, architekturę - i literaturę. Petrarka i Leonardo da Vinci, Rabelais i Kopernik, Botticelli i Szekspir to tylko kilka przypadkowych imion geniuszy tej epoki, często i słusznie nazywanych tytanami.

Intensywny rozkwit literatury tego okresu wiąże się w dużej mierze ze szczególnym podejściem do dziedzictwa starożytnego. Stąd sama nazwa epoki, która stawia sobie za zadanie odtworzenie, „ożywienie” ideałów i wartości kulturowych rzekomo utraconych w średniowieczu. Tak naprawdę rozwój kultury zachodnioeuropejskiej nie następuje na tle wcześniejszego upadku. Ale w życiu kultury późnego średniowiecza zmienia się tak wiele, że ma się wrażenie, że należy do innych czasów i odczuwa się niezadowolenie z poprzedniego stanu sztuki i literatury. Przeszłość jawi się człowiekowi renesansu jako zapomnienie niezwykłych osiągnięć starożytności i przystępuje do ich przywracania. Wyraża się to w twórczości pisarzy tej epoki i w samym ich sposobie życia.

Renesans to czas intensywnego rozwoju nauki, a świecki światopogląd zaczyna w pewnym stopniu wypierać światopogląd religijny lub znacząco go zmieniać, przygotowując reformację Kościoła. Ale najważniejszy jest okres, w którym człowiek zaczyna w nowy sposób odczuwać siebie i otaczający go świat, często w zupełnie inny sposób odpowiadać na pytania, które zawsze go dręczyły, lub stawiać inne, złożone pytania. W nowej atmosferze duchowej nie ma miejsca dla średniowiecznej ascezy, cieszącej się wolnością i władzą człowieka jako istoty ziemskiej, naturalnej. Z optymistycznego przekonania o sile człowieka, jego możliwościach doskonalenia się, rodzi się pragnienie, a nawet potrzeba powiązania zachowania jednostki, własnego zachowania z konkretnym przykładem „idealnej osobowości” i pragnienia siebie -narodziny poprawy. W ten sposób w zachodnioeuropejskiej kulturze renesansu ukształtował się bardzo ważny, centralny ruch tej kultury, który nazwano „humanizmem”.

Szczególnie ważne jest, że w tym czasie humanistykę zaczęto cenić jako najbardziej uniwersalną, że w procesie kształtowania duchowego obrazu jednostki główną wagę przywiązywano do „literatury”, a nie do żadnej innej, być może bardziej „praktyczna”, dziedzina wiedzy. Jak napisał wspaniały włoski poeta renesansu Francesco Petrarca, „dzięki słowu twarz ludzka staje się piękna”.

W okresie renesansu zmienia się sposób myślenia człowieka. Nie średniowieczna debata scholastyczna, ale dialog humanistyczny, obejmujący różne punkty widzenia, ukazujący jedność i przeciwieństwo, złożoną różnorodność prawd o świecie i człowieku, staje się sposobem myślenia i formą komunikowania ludzi swoich czasów. To nie przypadek, że dialog jest jednym z popularnych gatunków literackich renesansu. Rozkwit tego gatunku, podobnie jak rozkwit tragedii i komedii, jest jednym z przejawów zainteresowania literatury renesansowej starożytną tradycją gatunkową. Ale renesans zna także nowe formacje gatunkowe: sonet w poezji, opowiadanie, esej w prozie. Pisarze tej epoki nie powtarzają autorów starożytnych, ale na podstawie swojego doświadczenia artystycznego tworzą w istocie inny, nowy świat literackich obrazów, wątków i problemów.

Stylistyczny wygląd epoki renesansu jest nowatorski i oryginalny. Chociaż postacie kultury tamtych czasów początkowo starały się wskrzesić starożytną zasadę sztuki jako „naśladowania natury”, w swojej twórczej rywalizacji ze starożytnymi odkryły nowe sposoby i środki takiego „naśladowania”, a później weszły z tą zasadą w polemikę. W literaturze obok kierunku stylistycznego zwanego „renesansowym klasycyzmem”, mającego na celu tworzenie „według zasad” autorów starożytnych, rozwija się także „realizm groteskowy”, oparty na dziedzictwie humorystycznej kultury ludowej. Zarówno jasny, swobodny, figuratywny i elastyczny styl renesansu, jak i - w późniejszych fazach renesansu - kapryśny, wyrafinowany, celowo skomplikowany i dobitnie wychowany „manieryzm”. Taka różnorodność stylistyczna w naturalny sposób pogłębia się w miarę ewolucji kultury renesansu od początku do końca.

W procesie rozwoju historycznego rzeczywistość późnego renesansu stawała się coraz bardziej burzliwa i niespokojna. Rośnie rywalizacja gospodarcza i polityczna między krajami europejskimi, rozwija się ruch reformacji religijnej, co coraz częściej prowadzi do bezpośrednich starć militarnych między katolikami i protestantami. Wszystko to sprawia, że ​​współcześni renesansu mocniej odczuwają utopizm optymistycznych nadziei myślicieli renesansu. Nie bez powodu samo słowo „utopia” (można je przetłumaczyć z greckiego jako „miejsce, którego nie ma”) narodziło się w okresie renesansu – w tytule słynnej powieści angielskiego pisarza Thomasa More’a. Rosnące poczucie dysharmonii życia, jego niekonsekwencji, zrozumienie trudności urzeczywistnienia w nim ideałów harmonii, wolności i rozumu prowadzi ostatecznie do kryzysu kultury renesansu. Zapowiedź tego kryzysu pojawia się już w twórczości pisarzy późnego renesansu.

Rozwój kultury renesansowej przebiega w różnych krajach Europy Zachodniej na różne sposoby.

Renesans we Włoszech. To właśnie Włochy były pierwszym krajem, w którym narodziła się kultura klasyczna renesansu, która wywarła ogromny wpływ na inne kraje europejskie. Powodem tego były zarówno czynniki społeczno-ekonomiczne (istnienie niezależnych, potężnych gospodarczo państw-miast, szybki rozwój handlu na skrzyżowaniu Zachodu i Wschodu), jak i narodowa tradycja kulturowa: Włochy były historycznie i geograficznie szczególnie ściśle związane z Starożytność rzymska. Kultura renesansu we Włoszech przeszła kilka etapów: wczesny renesans XIV wieku. – to okres twórczości Petrarki – naukowca, humanisty, ale przede wszystkim w świadomości powszechnego czytelnika, wspaniałego liryka i Boccaccia – poety i znanego autora opowiadań. Dojrzały i wysoki renesans XV wieku. - To przede wszystkim etap humanizmu „naukowego”, rozwoju filozofii, etyki i pedagogiki renesansu. Dzieła artystyczne powstałe w tym okresie są obecnie najbardziej znane specjalistom, ale jest to czas powszechnego upowszechniania się idei i książek włoskich humanistów w całej Europie. Późny renesans - XVI wiek. - naznaczony procesem kryzysu idei humanistycznych. To czas świadomości tragizmu ludzkiego życia, konfliktu aspiracji i możliwości człowieka z realnymi trudnościami w ich realizacji, czas zmiany stylów i wyraźnego umocnienia się tendencji manierystycznych. Do najważniejszych dzieł tego czasu należy wiersz Ariosto „Wściekły Orlando”.

Renesans we Francji. Idee humanistyczne zaczęły przenikać do Francji z Włoch na przełomie XIV – XV wieku. Ale renesans we Francji był procesem naturalnym, wewnętrznym. Dla tego kraju starożytne dziedzictwo było organiczną częścią własnej kultury. A jednak literatura francuska nabrała cech renesansu dopiero w drugiej połowie XV wieku, kiedy powstały społeczno-historyczne warunki rozwoju renesansu. Wczesny renesans we Francji – lata 70. XV wiek - lata 20 XVI wiek Był to czas kształtowania się nowego systemu edukacji we Francji, powstawania kręgów humanistycznych, publikacji i studiowania książek autorów starożytnych. Dojrzały renesans - lata 20-60. XVI wiek - okres powstania zbioru opowiadań Margarity Nawarskiej „Heptameron” (wzorowany na „Dekameronie” Boccaccia), wydanie słynnej powieści Francois Rabelais „Gargantua” i „Pantagruel”. Późny renesans - koniec XVI wieku. - to, podobnie jak we Włoszech, czas kryzysu renesansu, szerzenia się manieryzmu, ale to także czas twórczości wspaniałych pisarzy późnego renesansu - poetów P. Ronsarda, Waiting Belle, filozofa i eseista M. Montaigne.

Przebudzenie w Niemczech i Holandii. W tych krajach renesans wyróżnia się nie tylko późniejszym momentem narodzin niż we Włoszech, ale także jego szczególnym charakterem: humaniści „północni” (jak zwykle nazywa się postacie renesansu w krajach na północ od Włoch) wyróżniają się większym zainteresowaniem w problemach religijnych chęć bezpośredniego udziału w działaniach na rzecz reformy Kościoła. Drukarstwo i rozwój „reformacji uniwersyteckiej” odegrały bardzo ważną rolę w rozwoju kultury renesansowej w tych krajach. Z drugiej strony nie mniej ważne były dyskusje religijne i ruch „chrześcijańskiego humanizmu”, który wyłonił się podczas tych dyskusji. Zarówno literatura niemiecka, jak i literatura holenderska starały się połączyć w swoim artystycznym wyglądzie satyrę i budowanie, dziennikarstwo i alegoryzm. Obie literatury łączy także postać wybitnego pisarza-humanisty Erazma z Rotterdamu.

„Komedia” jest głównym owocem geniuszu Dantego. Jest napisana terzą – zwrotką składającą się z trzech linijek. Fabuła „Komedii” to podróż po życiu pozagrobowym, gdyż był to bardzo popularny motyw artystyczny wśród klasyków: Lukana, Statiusa, Owidiusza, Wergiliusza i innych. Fabuła wiersza jest dosłownie rozumiana - stan duszy po śmierci; rozumiany alegorycznie, jest to osoba, która na mocy swej wrodzonej wolnej woli podlega sprawiedliwości, nagradzaniu lub karaniu. Jeśli mówimy o budowie, wiersz składa się z trzech kantyk: „Piekło”, „Czyściec” i „Raj”. Każda kantika jest podzielona na pieśni, a każda pieśń na terzy. Komedia jest wielką alegorią. Nad jego cudowną, wręcz niewiarygodną pod względem precyzyjnych obliczeń konstrukcją jaśnieje magia liczb, wywodząca się od pitagorejczyków, interpretowana na nowo przez scholastyków i mistyków. Liczby 3 i 10 zyskują szczególne znaczenie, a wiersz przedstawia nieskończenie różnorodne wariacje na temat symboliki liczbowej. Wiersz podzielony jest na trzy części. Każdy z nich zawiera 33 utwory, w sumie 99, wraz z początkowymi 100; wszystkie liczby są wielokrotnościami 3 i 10. Zwrotka to terza, czyli trzywierszowy wers, w którym pierwsza linijka rymuje się z trzecią, a druga z pierwszą i trzecią linijką następnego wersu. Każda krawędź kończy się tym samym słowem - „luminarze”. Z punktu widzenia pierwotnego znaczenia Komedii, pomyślanej jako poetycki pomnik Beatrycze, centralnym punktem wiersza powinna być pieśń, w której Dante po raz pierwszy spotyka „szlachetnego”. To jest XXX kantyk „Czyśćca”. Liczba 30 jest jednocześnie wielokrotnością 3 i 10. Jeśli policzysz z rzędu od początku, ta piosenka będzie 64. w kolejności; 6 + 4 = 10. Przed nim są 63 pieśni; 6 + 3 = 9. Piosenka ma 145 wersetów; 1 + 4 + 5 = 10. Ma dwa punkty środkowe. Pierwsza ma miejsce, gdy Beatrice, zwracając się do poety, nazywa go „Dante” – jest to jedyne miejsce w całym wierszu, w którym poeta umieścił swoje imię. To jest werset 55; 5 + 5 = 10. Przed nim są 54 wersety; 5 + 4 = 9. Po nim jest 90 wersetów; 9 + 0 = 9. Drugim równie ważnym dla Dantego miejscem jest miejsce, w którym Beatrice po raz pierwszy mówi do siebie: „Spójrz na mnie. To ja, to ja, Beatrice. To jest werset 73; 7 + 3 = 10. A poza tym to środkowa zwrotka całej piosenki. Przed i po nim są 72 wersety; 7+2=9. Ta gra liczb wciąż wprawia w zakłopotanie wielu komentatorów, którzy próbowali zrozumieć, jakie sekretne znaczenie nadał jej Dante. Nie ma tu potrzeby przedstawiania różnych hipotez dotyczących tej tajemnicy, warto wspomnieć jedynie o głównej alegorii fabularnej wiersza.

„W połowie ziemskiej egzystencji” w Wielki Piątek „Jubileuszu” roku 1300 - to fikcyjna data początku wędrówek, które pozwoliły Dantemu zostać prorokiem, gdzie więcej, gdzie mniej niż dziesięć lat - poeta zgubił się w gęstym lesie. Tam zostaje zaatakowany przez trzy zwierzęta: panterę, lwa i wilczycę. Ratuje go przed nimi Wergiliusz, wysłany przez Beatrice, która w tym celu zstąpiła z raju do otchłani, dlatego Dante nieustraszenie podąża za nim wszędzie. Prowadzi go przez podziemne tunele piekielne na przeciwległą powierzchnię globu, gdzie wznosi się góra czyśćca, a na progu ziemskiego raju oddaje go samej Beatrice. Razem z nią poeta wspina się po coraz wyższych sferach niebieskich, aż w końcu zostaje obdarzony widokiem bóstwa. Gęsty las to powikłania ludzkiego życia. Zwierzęta to jego pasja: pantera to zmysłowość, lew to żądza władzy i dumy, wilczyca to chciwość. Wergiliusz, który ratuje przed zwierzętami, jest rozumem. Beatrice - boska nauka. Znaczenie wiersza to moralne życie człowieka: rozum chroni go przed namiętnościami, a znajomość teologii daje wieczną błogość. Na drodze do odrodzenia moralnego człowiek przechodzi przez świadomość swojej grzeszności (piekło), oczyszczenie (czyściec) i wstąpienie do błogości (raj). W wierszu fantazja Dantego opierała się na eschatologii chrześcijańskiej, rysuje więc pejzaże piekła i nieba według zarysu, a pejzaże czyśćca są wytworem jego własnej wyobraźni. Dante przedstawia piekło jako ogromny lejek prowadzący do środka ziemi. Piekło jest podzielone na dziewięć koncentrycznych kręgów. Czyściec to góra otoczona morzem z siedmioma półkami. Zgodnie z katolicką nauką o pośmiertnym przeznaczeniu ludzi, Dante przedstawia piekło jako miejsce kary dla zatwardziałych grzeszników. W czyśćcu są grzesznicy, którym udało się pokutować przed śmiercią. Po próbach oczyszczenia przenoszą się z czyśćca do nieba – siedziby czystych dusz.

Dla potomności „Komedia” jest wspaniałą syntezą feudalno-katolickiego światopoglądu i równie wspaniałym wglądem w nową kulturę. Wiersz Dantego to cały świat, a ten świat żyje, ten świat jest prawdziwy. Niezwykła organizacja formalna Komedii jest efektem wykorzystania doświadczeń zarówno poetyki klasycznej, jak i poetyki średniowiecznej. „Komedia” to przede wszystkim dzieło bardzo osobiste. Nie ma w tym ani krzty obiektywizmu. Od pierwszego wersu poeta mówi o sobie i ani na chwilę nie pozostawia czytelnika bez siebie. Głównym bohaterem wiersza jest Dante, człowiek pełen miłości, nienawiści i namiętności. Pasja Dantego czyni go bliskim i zrozumiałym dla ludzi wszystkich czasów. Opisując inny świat, Dante opowiada o naturze i ludziach. Najbardziej charakterystyczną cechą pozostałych obrazów Komedii jest ich dramatyzm. Każdy z mieszkańców zaświatów ma swój dramat, który nie został jeszcze przezwyciężony. Zmarli dawno temu, ale żaden z nich nie zapomniał o ziemi. Obrazy grzeszników Dantego są szczególnie żywe. Poeta szczególnie współczuje grzesznikom skazanym za miłość zmysłową. Opłakując dusze Paola i Franceski, Dante mówi:

„Och, czy ktoś wiedział

Co za rozkosz i marzenie, co

Sprowadziła ich na tę ścieżkę!

Następnie zwracając się do milczących,

Powiedział: „Francesca, twoja skarga

Słucham ze łzami, współczuciem.”

Mistrzostwo Dantego polega na prostocie i wyczuciu dotyku, a dzięki tym poetyckim technikom przyciąga nas „Komedia”.

Dante umieścił papieży i kardynałów w piekle, wśród chciwych ludzi, oszustów i zdrajców. Potępianie przez Dantego papiestwa zrodziło tradycje antyklerykalnej satyry renesansu, która stała się niszczycielską bronią humanistów w walce z władzą Kościoła katolickiego. Nie bez powodu cenzura kościelna nieustannie zakazała niektórych fragmentów Boskiej Komedii i do dziś wiele jej wierszy budzi gniew Watykanu.

Również w Boskiej komedii można dostrzec przebłyski nowego spojrzenia na etykę i moralność. Przedzierając się przez gąszcz kazuistyki teologicznej, Dante zmierza w stronę zrozumienia relacji pomiędzy tym, co etyczne, a tym, co społeczne. Ciężkie scholastyczne rozumowanie filozoficznych części poematu jest od czasu do czasu rozświetlane przebłyskami śmiałej myśli realistycznej. Dante nazywa zachłanność „chciwością”. Motyw potępiania chciwości można było usłyszeć zarówno w popularnej satyrze, jak i w oskarżycielskich kazaniach niższego duchowieństwa. Ale Dante nie tylko potępia. Próbuje zrozumieć społeczne znaczenie i korzenie tego występku. Dante nazywa chciwość „matką nieuczciwości i wstydu”. Chciwość przynosi okrutne katastrofy społeczne: wieczne konflikty, anarchię polityczną, krwawe wojny. Poeta piętnuje sługi chciwości i zadaje im wyrafinowane tortury. Po odzwierciedleniu w swoim potępieniu „chciwości” protestu biednych, znajdujących się w niekorzystnej sytuacji ludzi przeciwko zachłanności możnych, Dante przyjrzał się głęboko temu występkowi i dostrzegł w nim znak swojej epoki.

Ludzie nie zawsze byli niewolnikami chciwości, ona jest bogiem współczesności, zrodziła się z rosnącego bogactwa, pragnienia jego posiadania. Króluje w pałacu papieskim, założyła sobie gniazdo w republikach miejskich i osiedliła się w zamkach feudalnych. Wizerunek chudej wilczycy o rozpalonym do czerwoności spojrzeniu – symbol chciwości – pojawia się w Boskiej Komedii od pierwszych linijek i niczym złowieszczy duch przewija się przez cały wiersz.

W alegorycznym obrazie lwa Dante potępia pychę, nazywając ją „przeklętą dumą szatana”, zgadzając się z chrześcijańską interpretacją tej cechy.

„...Wyszedł mi na spotkanie lew z uniesioną grzywą.

To było tak, jakby na mnie nadepnął

Z głodu, warcząc, wpadł we wściekłość

A samo powietrze jest zmarznięte ze strachu.”

Potępiając pychę szatana, Dante akceptuje jednak dumną samoświadomość człowieka. W ten sposób wojownik-bog Capaneus budzi współczucie Dantego:

„Kim jest ten wysoki facet, leżący tam ponuro,

Gardząc ogniem płonącym zewsząd.

Widzę, że nawet deszcz go nie łagodzi.

A on, wiedząc, że dziwię się cudowi,

Jego duma, odpowiedział krzycząc:

„Jak żyłem, tak też będę w śmierci!”

Taka uwaga i współczucie dla pychy oznacza nowe podejście do jednostki, jej wyzwolenie od duchowej tyranii Kościoła. Dumny duch balu jest nieodłącznym elementem wszystkich wielkich artystów renesansu, a przede wszystkim samego Dantego.

Ale „Komedia” wpływa nie tylko na zdradę, chciwość, oszustwo, grzeszność i ruinę, ale także na miłość, ponieważ wiersz jest poświęcony Beatrice. Jej wizerunek żyje w „Komedii” jako jasne wspomnienie wielkiej, jedynej miłości, jej czystości i inspirującej mocy. W tym obrazie poeta ucieleśnia swoje dążenie do prawdy i moralnej doskonałości.

Komedia nazywana jest także swego rodzaju kroniką życia Włochów. Historia Włoch jawi się w Boskiej Komedii przede wszystkim jako historia życia politycznego ojczyzny poety, w głęboko dramatycznych obrazach walki walczących stron, obozów, grup oraz w oszałamiających ludzkich tragediach, jakie ta walka wywołała . W wierszu odsłania się tragiczny zwój włoskiej historii: od piosenki do piosenki: gminy miejskie w ogniu wojen domowych; odwieczna wrogość Gwelfów i Gibelinów, której korzenie sięgają samych początków; cała historia florenckiego sporu między „białymi” i „czarnymi” od chwili jego powstania aż do dnia, w którym poeta stał się bezdomnym wygnańcem... Ognista, wściekła namiętność wybucha w niekontrolowany sposób z każdej linijki. Poeta wniósł do królestwa cieni wszystko, co go w życiu paliło – miłość do Włoch, nieprzejednaną nienawiść do przeciwników politycznych, pogardę do tych, którzy skazali jego ojczyznę na wstyd i ruinę. Wiersz przywołuje tragiczny obraz Włoch widzianych oczami wędrowca przemierzającego całą ich krainę, spaloną ogniem krwawych wojen:

Włochy, niewolniku, ognisko boleści,

W czasie wielkiej burzy statek bez steru,

Nie dama narodów, ale tawerna!

A bez wojny nie da się żyć

Twoi żyją i kłócą się,

Otoczony jednym murem i rowem.

Ty, nieszczęsny, powinieneś spojrzeć wstecz.

Do waszych wybrzeży i miast:

Gdzie można znaleźć spokojne domy?

(„Czyściec”, pieśń VI)

A jednak istnieje zainteresowanie tą osobą; do swojej pozycji w przyrodzie i społeczeństwie; zrozumienie jego duchowych impulsów, rozpoznanie i uzasadnienie ich jest najważniejsze w Komedii. Sądy Dantego na temat człowieka wolne są od nietolerancji, dogmatyzmu i jednostronnego, scholastycznego myślenia. Poeta nie powstał z dogmatu, ale z życia, a jego osoba nie jest abstrakcją, nie schematem, jak to miało miejsce u pisarzy średniowiecznych, ale żywą osobowością, złożoną i sprzeczną. Jego grzesznik może być jednocześnie sprawiedliwy. Takich „sprawiedliwych grzeszników” jest w „Boskiej Komedii” wielu i to są najbardziej wyraziste, najbardziej ludzkie obrazy poematu. Uosabiały szerokie, prawdziwie ludzkie spojrzenie na człowieka - spojrzenie poety, któremu drogie jest wszystko, co ludzkie, który potrafi podziwiać siłę i wolność jednostki, dociekliwość ludzkiego umysłu, który rozumie pragnienie ziemskich radości i męka ziemskiej miłości.

Kompozycja

„Boska Komedia” uznawana jest za szczyt twórczości najsłynniejszego włoskiego poety, twórcy literatury włoskiej Dantego Alighieri. Współcześni poecie wśród zwykłych ludzi wierzyli nawet, że stworzył prawdziwy przewodnik po tamtym świecie, ale tak naprawdę treść wiersza nie ogranicza się jedynie do artystycznego ucieleśnienia mistycznych idei o życiu po śmierci. Treść tego dzieła można interpretować na różne sposoby: zarówno dosłownie (własny opis podróży lirycznego bohatera przez bohatera w tamten świat), jak i alegorycznie, a także moralnie i etycznie.

W tradycyjnym rozumieniu religijnym piekło jest miejscem karania beznadziejnych grzeszników. Czyściec jest dla tych, którzy wciąż mają szansę na zbawienie, podczas gdy Raj jest nagrodą za prawe życie. Mówimy o pewnej moralnej ocenie działań: dokładnie to, gdzie człowiek trafi, zależy od jego ziemskiego życia:

Tutaj każda dusza przechodzi swoją własną próbę:
Powiedziała, usłyszała i poszła do dołu.

Zatem nawet aspekt dosłowny dzieli ludzi na dobrych i złych. Ale w „Boskiej komedii” Dantego przeważnie nie mówimy o konkretnych osobach; obrazy ukazane w wierszu symbolizują jednocześnie pewne zasady lub zjawiska. Wizerunek Wergiliusza, który towarzyszy lirycznemu bohaterowi w piekle, jest nie tylko (i nie tylko) wizerunkiem konkretnej osoby, ale ucieleśnieniem zasad poznania świata pozbawionego wiary. Dante rozpoznaje w nim swojego nauczyciela, ale Wergiliusz musi pozostać w piekle. To nie przypadek, że jako zbawienie zapraszany jest do oczekiwania na przybycie Beatrice – nie tylko kobiety, ale alegorii miłości, a według niektórych interpretacji – wiary, a nawet teozofii.
Alegorie w dziele również nie są jednoznaczne, np. zwierzęta blokujące poecie drogę w ciemnym lesie są przedstawione według tradycyjnych interpretacji symboli: lampart – oszustwo, lew – okrucieństwo, wilczyca – obżarstwo, pożądanie, ale istnieje inna interpretacja: lampart - polityczni wrogowie Dantego, lew to król Francji, wilczyca to rzymskie papiestwo. Znaczenia alegorii nakładają się na siebie, odsłaniając treść jakby w dodatkowym wymiarze.

Sama podróż jest rozbudowaną alegorią – to poszukiwanie właściwej drogi dla ludzkiej duszy, otoczonej grzechami, pokusami i namiętnościami. Szukaj sensu życia. Główna akcja rozgrywa się na ogół właśnie w duszy lirycznego bohatera. Dowiedziawszy się, czym jest zło, przechodząc przez kręgi piekła, zmienia się, dochodzi do zrozumienia najważniejszych prawd o świecie i o sobie:

Moje skrzydła były bardzo słabe;
Ale jasność blasku przyszła tutaj,
A siła umysłu i woli wzrosła.

To w części poświęconej Rajowi (najmniej kompletnej z artystycznego punktu widzenia) określa się główną wartość: miłość. Nie tylko miłości, której liryczny bohater szukał na początku swojej drogi, ale miłości w szerszym znaczeniu tego słowa, „Miłości, która prowadzi słońce i gwiazdy na niebie”. Nawet Ewangelia stwierdza, że ​​Bóg jest miłością, jednak przez długie okresy historyczne przywódcy kościelni starali się nie skupiać na tym aspekcie.

W średniowieczu, kiedy powstawał poemat, konkluzja ta była bardzo odważna i trudno się z nią nie zgodzić: to miłość jest wartością główną.

Inne prace dotyczące tego dzieła

Struktura kompozycyjna poematu Dantego „Boska komedia”

„Boska komedia” Dantego napisany na początku XIV w. Łączyła w sobie dorobek myśli filozoficznej, religijnej, artystycznej średniowiecza oraz nowe spojrzenie na człowieka, jego wyjątkowość i nieograniczone możliwości.

Sam autor nazwał swój wiersz „komedią”, gdyż w poetyce średniowiecznej komedią nazywano każdy utwór mający smutny początek i szczęśliwe zakończenie. Ale epitet „Boski” dodał w 1360 roku Giovanni Boccaccio, pierwszy biograf poety.

Rosyjski poeta Osip Mandelstam powiedział, że aby przeczytać Komedię, należy zaopatrzyć się w „parę butów z gwoździami”. Ostrzegł więc czytelnika, ile siły umysłowej trzeba włożyć, aby pójść za Dantem w tamten świat i pojąć sens wiersza.

Obraz Dantego opiera się na Wszechświecie, w środku którego znajduje się nieruchoma kula - Ziemia. Dante uzupełnił Wszechświat o trzy regiony: Piekło, Czyściec i Raj. Piekło jest lejkiem na półkuli północnej, sięgającym do środka Ziemi i powstał w wyniku upadku Lucyfera.Część lądu wypchnięta na powierzchnię ziemi na półkuli południowej utworzyła Górę Czyściec, a znajduje się tam ziemski raj nieco powyżej „odciętego” szczytu Czyśćca.

Kompozycja wiersza uderza swoją wielkością i jednocześnie harmonią. „Komedia” składa się z trzech dużych części. Liczba trzy ma dla poety znaczenie mistyczne. To przede wszystkim ucieleśnia ideę Trójcy Świętej: Boga Ojca, Boga Syna i Ducha Świętego. Można też przywołać baśnie, w których jest trzech braci, gdzie bohaterowie trafiają na skrzyżowanie trzech dróg i gdzie muszą przejść trzy próby.

Każda część wiersza składa się z 33 pieśni zapisanych w trzywersowych zwrotkach. I łącznie z dodatkową piosenką wprowadzającą „Hell” ich liczba wynosi 100. Aby znaleźć się w niebie, trzeba zejść i przejść przez dziewięć kręgów piekła, w których przebywają grzesznicy. Na bramach piekielnych widnieje straszliwy napis: „Porzućcie nadzieję wszyscy, którzy tu wchodzą”. W pierwszym kręgu marnieją dusze nieochrzczonych niemowląt, a także sławni poganie: greccy poeci, filozofowie. Im niżej schodzimy, tym straszniejsza jest kara grzeszników. Na samym dnie, w lodowatym jeziorze, Lucyfer trzyma w ustach trzech zdrajców: Judasza, który zdradził Jezusa Chrystusa, Brutusa i Kasjusza, który zabił Juliusza Cezara. Po przejściu wszystkich kręgów piekła, czyśćca i dziewięciu jaśniejących niebios raju, gdzie sprawiedliwi są umieszczani w zależności od ich zasług, Dante znajduje się w siedzibie Boga - Empireum.

Symbolika liczb ukryta jest nie tylko w kompozycji wiersza, ale także w samej opowieści. Poeta ma trzech przewodników po tamtym świecie: Wergiliusza, który symbolizuje mądrość ziemską, Beatrycze – mądrość niebiańską, oraz średniowiecznego filozofa – Bernarda z Clairvaux. Dante na początku swojej podróży spotyka trzy zwierzęta: lwa (symbol żądzy władzy), panterę (pożądanie), wilczycę (duma).

Pomimo tego, że dzieło zostało napisane w gatunku wizji, współcześni byli pewni, że poeta naprawdę odwiedził inny świat. Wiarygodność tego faktu nie budziła wśród średniowiecznego czytelnika najmniejszych wątpliwości.

Sam Dante zaproponował interpretację wiersza „z czterech różnych stanowisk”. Pierwsza ma charakter dosłowny, tj. tekst jest postrzegany i rozumiany tak, jak jest napisany. Drugi ma charakter alegoryczny, gdy tekst należy porównać z wydarzeniami w świecie zewnętrznym. Trzeci jest moralny, gdy tekst postrzegany jest jako opis przeżyć i namiętności ludzkiej duszy. Trzecia ma charakter mistyczny, gdyż celem autora jest ukazanie duszy czytelnika, odwrócenie jego uwagi od grzechu i przyciągnięcie go do Boga.