Streszczenie na temat „Muzyka”, klasa 7

W średniowieczu w Europie pojawił się nowy typ kultury muzycznej – feudalna, łącząca sztukę profesjonalną, muzykowanie amatorskie i folklor. Ponieważ Kościół dominuje we wszystkich dziedzinach życia duchowego, podstawą profesjonalnej sztuki muzycznej jest działalność muzyków w kościołach i klasztorach. Świecką sztukę zawodową reprezentowali początkowo jedynie śpiewacy, którzy tworzyli i wykonywali epickie opowieści na dworze, w domach szlacheckich, wśród wojowników itp. (bardowie, skaldowie itp.). Z czasem rozwinęły się amatorskie i półprofesjonalne formy muzykowania rycerskiego: we Francji – sztuka trubadurów i truwerów (Adam de la Halle, XIII w.), w Niemczech – minnesingers (Wolfram von Eschenbach, Walter von der Vogelweide, XII-XIII w.), a także rzemieślników miejskich. W feudalnych zamkach i miastach kultywuje się wszelkiego rodzaju gatunki, gatunki i formy pieśni (epopeja, „świt”, rondo, ballady itp.).

W życiu codziennym pojawiają się nowe instrumenty muzyczne, także te przywiezione ze Wschodu (altówka, lutnia itp.), powstają zespoły (o niestabilnym składzie). Wśród chłopów kwitnie folklor. Są też „ludowi profesjonaliści”: gawędziarze, podróżujący artyści (żonglerzy, mimowie, minstrele, szpilmani, bufony). Muzyka pełni głównie funkcje użytkowe i duchowo-praktyczne. Kreatywność pojawia się w jedności z wykonaniem (zwykle w jednej osobie) i percepcją. Zbiorowość dominuje zarówno w treści muzyki, jak iw jej formie; zasada indywidualna jest podporządkowana zasadzie ogólnej, nie wyróżniając się od niej (mistrz muzyk jest najlepszym przedstawicielem wspólnoty). We wszystkim króluje ścisła tradycja i kanoniczność. Utrwalaniu, utrwalaniu i rozpowszechnianiu tradycji i standardów (ale także ich stopniowej aktualizacji) ułatwiło przejście od neum, które jedynie w przybliżeniu wskazywały naturę ruchu melodycznego, do notacji liniowej (Guido d'Arezzo, XI w.), która umożliwiło dokładne zarejestrowanie wysokości tonów, a następnie ich czasu trwania.

Stopniowo, choć powoli, wzbogaca się treść muzyki, jej gatunki, formy i środki wyrazu. W Zachodnia Europa z VI-VII w. ściśle regulowany system monofoniczny (monodyczny) muzyka kościelna opiera się na trybach diatonicznych (śpiew gregoriański), łączących recytację (psalmodia) i śpiew (hymny). Na przełomie I i II tysiąclecia zaczęła pojawiać się polifonia. Tworzą się nowe gatunki wokalne (chóralne) i wokalno-instrumentalne (chóralne i organowe): organum, motet, dyrygentura, a następnie msza. We Francji w XII w. przy katedrze Notre Dame (Leonin, Perotin) powstała pierwsza szkoła kompozytorska (twórcza). Na przełomie renesansu (styl ars nova we Francji i Włoszech, XIV w.) w muzyce zawodowej monofonię zastępuje polifonia, muzyka zaczyna stopniowo uwalniać się od funkcji czysto praktycznych (służba obrzędów kościelnych), znaczenie gatunków świeckich , w tym pieśni, wzrasta w nim (Guillaume de Masho). Muzyka średniowieczna Wielu muzykologów (w tym Pierre Aubry) poświęciło swoją twórczość Europie.

Sztuka muzyczna średniowiecza rozwijała się przez ponad 1000 lat. To napięty i pełen sprzeczności etap ewolucji myślenia muzycznego – od monodii (jednogłosowej) po najbardziej złożoną polifonię. W średniowieczu udoskonalono wiele europejskich instrumentów muzycznych, ukształtowały się gatunki zarówno muzyki kościelnej, jak i świeckiej, pojawiły się słynne europejskie szkoły muzyczne: holenderska, francuska, niemiecka, włoska, hiszpańska itp.

W średniowieczu istniały dwa główne kierunki rozwoju muzyki: muzyka sakralna i świecka, rozrywkowa. Jednocześnie muzyka świecka była potępiana przez religię i uznawana za „diabelską obsesję”.

Muzyka była jednym z instrumentów religii, „improwizowanym” środkiem służącym celom Kościoła, a także jedną z nauk ścisłych. Obok matematyki, retoryki, logiki, geometrii, astronomii i gramatyki umieszczono muzykę. Kościół rozwinął szkoły śpiewu i komponowania, kładąc nacisk na numerykę estetyka muzyczna(dla naukowców tamtej epoki muzyka była projekcją liczby na materię dźwiękową). Wpływ na to miał także późny hellenizm, idee Pitagorasa i Platona. W takim ujęciu muzyka nie miała samodzielnego znaczenia, była alegorią muzyki wyższej, boskiej.

Tak więc muzykę podzielono na 3 typy:

• Muzyka świata to muzyka sfer i planet. Według estetyki muzyczno-numerycznej średniowiecza każda planeta Układ Słoneczny został obdarzony własnym dźwiękiem, tonem, a ruch planet stworzył niebiańską muzykę. Oprócz planet, porom roku nadano także swój własny ton.
• Muzyka ludzka - każdy organ, część ciała, dusza ludzka została obdarzona własnym dźwiękiem, który tworzył harmonijną współbrzmienie.
• Muzyka instrumentalna to sztuka gry na instrumentach, muzyka rozrywkowa, najniższy typ hierarchii.

Muzyka sakralna była wokalna, chóralna, a muzyka świecka instrumentalno-wokalna. Muzykę instrumentalną uważano za lekką, niepoważną, a teoretycy muzyki tamtej epoki nie traktowali jej poważnie. Chociaż rzemiosło minstreli wymagało od muzyków wielkich umiejętności wykonawczych.

Okres przejścia od średniowiecza do epoki nowożytnej w Europie, który trwał prawie dwa i pół wieku. W tym okresie zaszły istotne zmiany w wielu dziedzinach życia; Nauka i sztuka przeżywały szybki rozkwit. Okres renesansu dzieli się na wiele składniki i fazy rozwojowe. Wiążą się z nim także różne przesądy, które są tak mocno zakorzenione, że nawet dziś trzeba nie lada wysiłku je obalić.

• Pierwszym i prawdopodobnie głównym błędnym przekonaniem jest postrzeganie renesansu (podobnie jak wielu ideologów renesansu) właśnie jako odrodzenia, odrodzenia kultury i cywilizacji, które nastąpiło po długim okresie barbarzyńskiego „średniowiecza”, mrocznym czasie, okres zerwania w rozwoju kultury. Uprzedzenie to opiera się na całkowitej nieznajomości średniowiecza i jego ścisłego związku z renesansem; Jako przykład wystarczy wymienić dwie zupełnie różne dziedziny – poezję i życie gospodarcze. Dante żył w XIII wieku, tj. u schyłku średniowiecza Petrarka - w XIV. Jeśli chodzi o życie gospodarcze, jego prawdziwy renesans nastąpił także w XIII wieku, w okresie szybkiego rozwoju handlu i bankowości. Mówią, że renesans zawdzięczamy ponownemu odkryciu starożytnych autorów, ale to także przesąd. Wiadomo, że w tym okresie odkryto jedynie dwa starożytne rękopisy greckie, reszta znajdowała się już na Zachodzie (głównie we Francji), gdyż w Europie Zachodniej w XII i XIII wieku nastąpił powrót do starożytności związany z zainteresowaniem człowiekiem i przyrodą .
• Drugi przesąd wiąże się z pomieszaniem dwóch składników renesansu, przeciwni przyjaciele przyjacielem, a mianowicie tzw. humanizmem i nową nauką przyrodniczą. Humanizm jest wrogi wszelkiej logice, wszelkiemu rozumowi, wszelkim naukom przyrodniczym, które uważa za pracę „mechaniczną”, niegodną kulturalna osoba powołany na pisarza, retora, polityka. Postać człowieka renesansu, łączącego w sobie Erazma z Rotterdamu i Galileusza, jest mityczna, a wiara w jeden obraz świata tkwiący w renesansie jest niczym innym jak przesądem.
• Trzecim przesądem jest pochwała filozofii renesansu jako „wielkiej” w porównaniu z poprzedzającą ją scholastyką.

Tak naprawdę, z wyjątkiem Mikołaja z Kuzy (dalekiego od ducha renesansu) i Galileusza (żyjącego u schyłku renesansu), filozofowie renesansu, zdaniem Kristellera, nie byli ani dobrzy, ani źli – byli wcale nie filozofowie. Wielu z nich było wybitnymi pisarzami, naukowcami, znawcami tekstów starożytnych, słynącymi z szyderczych i bystrych umysłów, umiejętności literackie. Ale nie miały one prawie nic wspólnego z filozofią. Zatem przeciwstawienie ich myślicielom średniowiecza jest czystym przesądem.

• • Innym błędnym przekonaniem jest postrzeganie renesansu jako gwałtownej rewolucji, całkowitego zerwania z przeszłością. Rzeczywiście, w tym okresie zachodzą głębokie zmiany, ale wszystkie są organicznie związane z przeszłością, a w każdym razie ich korzeni należy szukać w średniowieczu. Zmiany te mają tak głębokie korzenie w przeszłości, że jeden z największych znawców renesansu, Huizinga, miał podstawy nazywać tę epokę „jesienią średniowiecza”.

Wreszcie przesądem jest także opinia, jakoby ludzie żyjący w epoce renesansu, przynajmniej w większości, byli w duchu protestantami, monistami, ateistami lub racjonalistami. Tak naprawdę zdecydowana większość znanych przedstawicieli renesansu, a w dziedzinie filozofii prawie wszyscy, od Leonarda i Ficino po Galileusza i Campanellę, była katolikami, często gorliwymi zwolennikami i obrońcami wiary katolickiej. W ten sposób Marsilio Ficino w wieku 40 lat przyjął wiarę chrześcijańską i stworzył katolicką apologetykę New Age.

Średniowieczny teoretyk muzyki Guido Aretinsky (koniec X wieku) podaje następującą definicję muzyki:

„Muzyka to ruch dźwięków wokalnych”.

W tej definicji teoretyk muzyki średniowiecznej wyraził stosunek do muzyki całej europejskiej kultury muzycznej tamtej epoki.

Gatunki muzyczne muzyki kościelnej i świeckiej.

Źródłem muzyki sakralnej średniowiecza było środowisko klasztorne. Śpiewów uczono się ze słuchu w szkołach śpiewu i rozpowszechniano je wśród wspólnoty kościelnej. W związku z pojawieniem się szerokiej gamy melodii Kościół katolicki postanowił kanonizować i uregulować śpiewy odzwierciedlające jedność doktryny chrześcijańskiej.

W ten sposób pojawił się chorał, który stał się uosobieniem kościelnej tradycji muzycznej. Na jego podstawie powstały inne gatunki, stworzone specjalnie na określone święta i usługi.

Muzykę sakralną średniowiecza reprezentują następujące gatunki: Chorał, chorał gregoriański – jednogłosowy śpiew religijny w języku łacińskim, ściśle regulowany, wykonywany przez chór, niektóre sekcje przez solistę

• • • Msza Święta jest głównym nabożeństwem Kościoła katolickiego, składającym się z 5 części stałych (zwykłych) – I. Kyrie eleison (Panie, zmiłuj się), II. Gloria (chwała), III. Credo (wierzę), IV. Sanctus (święty), V. Agnus Dei (baranek Boży).
    • Liturgia, dramat liturgiczny - nabożeństwo wielkanocne lub bożonarodzeniowe, podczas którego śpiewy gregoriańskie przeplatały się z niekanonizowanymi melodiami-tropami, liturgie wykonywał chór, partie postaci (Marii Ewangelisty) wykonywali soliści, czasem pewne pozory pojawiło się kostiumów
    • Misterium jest dramatem liturgicznym o rozbudowanym charakterze akcja sceniczna, garnitury
    • Rondel (rondo, ru) – gatunek polifoniczny dojrzałego i późnego średniowiecza, opierający się na melodii autora (w przeciwieństwie do kanonizowanego chorału), która była wykonywana w sposób improwizacyjny przez solistów na zmianę (wczesna forma kanoniczna )
    • Proprium – część gatunku mszy, zmieniająca się w zależności od kalendarza kościelnego (w odróżnieniu od niezmienionej części mszy – ordinarium)
    • Antyfona to najstarszy gatunek chóralnej muzyki kościelnej, oparty na naprzemienności głosów dwóch zespołów chóralnych

Próbki muzyki kościelnej:

1) Śpiew Kyrie Eleysona

2) Sekwencja ofiar Pashali

Muzyka świecka średniowiecza była głównie muzyką podróżujących muzyków i charakteryzowała się swobodą, indywidualnością i emocjonalnością. Również muzyka świecka była częścią dworskiej, rycerskiej kultury panów feudalnych. Ponieważ kodeks nakazywał rycerzowi wyrafinowane maniery, hojność, wielkoduszność i obowiązki w służbie Pięknej Damie, aspekty te nie mogły nie znaleźć odzwierciedlenia w pieśniach trubadurów i minnesingerów.

Muzykę świecką wykonywali mimowie, żonglerzy, trubadurowie lub truwerzy, minstrele (we Francji), minnesingers, shpilmans (w krajach niemieckich), hoglarzy (w Hiszpanii), bufony (na Rusi). Artyści ci musieli nie tylko umieć śpiewać, grać i tańczyć, ale także umieć się pokazać występy cyrkowe, sztuczki, sceny teatralne i musiał zabawiać publiczność w inny sposób.
Ze względu na to, że muzyka była jedną z nauk i wykładano ją na uniwersytetach, feudalni panowie i szlachta, którzy otrzymali wykształcenie, mogli zastosować swoją wiedzę w sztuce.
Tym samym muzyka rozwijała się także w środowisku dworskim. W przeciwieństwie do chrześcijańskiej ascezy muzyka rycerska gloryfikowała zmysłową miłość i ideał Pięknej Pani. Wśród szlachty za muzyków słynęli: Guillaume VII, hrabia Poitiers, książę Akwitanii, Jean z Brienne – król Jerozolimy, Pierre Moclair – książę Bretanii, Thibault z Szampanii – król Nawarry.

Główne cechy i cechy muzyki świeckiej średniowiecza:

• • • opiera się na folklorze, wykonywanym nie po łacinie, ale w rodzimych językach, dialektach,
    • Wśród podróżujących artystów nie stosuje się notacji; muzyka jest tradycją ustną (później pisarstwo muzyczne rozwinęło się w środowisku dworskim)
    • tematem przewodnim jest obraz człowieka w całej różnorodności jego ziemskiego życia, wyidealizowana miłość zmysłowa
    • monofonia - jako sposób wyrażania indywidualnych uczuć w formie poetyckiej i pieśniowej
    • wykonanie wokalno-instrumentalne, rola instrumentów nie jest jeszcze zbyt duża, instrumentalne były głównie wstępy, przerywniki i kody
    • melodia była różnorodna, ale rytm kanonizowany - na to wpływała muzyka kościelna; istniało tylko 6 odmian rytmu (trybów rytmicznych), a każdy z nich miał treść ściśle figuratywną

Trouvères, trubadurzy i minnesingers, grający dworską muzykę rycerską, stworzyli własne, oryginalne gatunki:

• • • Piosenki „Tkactwo” i „Majówka”.
    • Rondo – forma oparta na powtarzającym się refrenie
    • Ballada – forma utworu tekstowo-muzycznego
    • Virele - starofrancuska forma poetycka z trzywierszową zwrotką (trzecia linijka jest skrócona), tym samym rymem i refrenem
    • Epos heroiczny („Pieśń o Rolandzie”, „Pieśń o Nibelungach”)
    • Pieśni krzyżowców (pieśni Palestyny)
    • Canzona (minnesingerowie nazywali ją alba) – miłosna, liryczna piosenka

Dzięki rozwojowi kultury miejskiej w X – XI wieku. sztuka świecka zaczęła się aktywniej rozwijać. Podróżujący muzycy coraz częściej wybierają siedzący tryb życia i zaludniają całe dzielnice miast.

Interesujące jest to, że wędrowni muzycy z XII - XIII wieku. powrót do tematów duchowych. Przejście z łaciny na języki lokalne i ogromna popularność tych wykonawców pozwoliła im brać udział w przedstawieniach duchowych w katedrach w Strasburgu, Rouen i Reims. Cambrai. Z biegiem czasu część podróżujących muzyków otrzymała prawo organizowania występów w zamkach szlacheckich oraz na dworach Francji, Anglii, Sycylii i innych krajów.

W XII–XIII w. wśród wędrownych muzyków pojawiali się zbiegli mnisi, wędrowni studenci, ludzie z niższych warstw duchowieństwa – włóczęgi i goliardowie.

Osiadłi muzycy tworzyli w średniowiecznych miastach całe cechy muzyczne – Bractwo św. Juliana (Paryż, 1321), Bractwo św. Mikołaja (Wiedeń, 1288). Celem tych stowarzyszeń była ochrona praw muzyków, zachowanie i przekazywanie tradycji zawodowych.

W XIII - XVI wieku. Powstają nowe gatunki, które w epoce Ars Nova rozwijają się dalej:

• • • Motet (z francuskiego - „słowo”) to gatunek polifoniczny, wyróżniający się melodyczną odmiennością głosów, które jednocześnie intonowały różne teksty, czasem nawet w inne języki może mieć charakter zarówno świecki, jak i duchowy
    • Madrigal (z włoskiego – „pieśń w języku ojczystym”, czyli włoskim) – pieśni miłosno-liryczne, pastoralne,
    • Caccia (z włoskiego – „łowiectwo”) to utwór wokalny o tematyce łowieckiej.

Muzyka świecka trubadurów i kompozytorów zawodowych.

Dodatkowe informacje:

W naszym wieku informacyjnym, wieku zaawansowana technologia często zapominamy o trwałych wartościach duchowych. Jedną z takich wartości jest muzyka klasyczna – duchowe dziedzictwo naszych przodków. Czym jest muzyka klasyczna, dlaczego jest potrzebna? współczesnemu człowiekowi? Dlaczego wiele osób uważa, że ​​jest to bardzo nudne? Spróbujmy zrozumieć te trudne zagadnienia. Często można usłyszeć opinię, że muzyka klasyczna to ponoć muzyka, która powstała dawno temu. Tak nie jest, gdyż pod tym pojęciem kryje się wszystko, co najlepsze, co powstało w świecie muzyki przez cały okres jego istnienia ludzka cywilizacja. Sonata Beethovena, stworzona w XVIII wieku, i romans Sviridova, napisany 40 lat temu, to klasyka! Najważniejsze, że ta muzyka przetrwała próbę czasu. Zarówno w czasach Beethovena, jak i obecnie, istnieją handlarze dziełami sztuki produkującymi produkty muzyczne niskiej jakości. Produkt ten bardzo szybko się niszczy, ale prawdziwa sztuka z każdym dniem staje się coraz piękniejsza.

Wygląd notatek

Pismo, wielki wynalazek ludzkości, umożliwiło gromadzenie i przekazywanie myśli, idei i wrażeń przyszłym pokoleniom. Kolejny wynalazek, nie mniej wspaniały, zapis muzyczny, umożliwił przekazywanie dźwięków i muzyki potomkom. Przed nutami w muzyce europejskiej używano znaków specjalnych - neum.

Wynalazca nowoczesny system zapis muzyczny - benedyktyński mnich Guido Aretino (Guido d'Arezzo) (990-1050). Arezzo to małe miasteczko w Toskanii, niedaleko Florencji. W miejscowym klasztorze brat Guido uczył śpiewaków wykonywania pieśni kościelnych. Nie było to zadanie łatwe i długie. Cała wiedza i umiejętności były przekazywane ustnie w bezpośredniej komunikacji. Śpiewacy pod okiem nauczyciela i z jego głosu uczyli się kolejno każdego hymnu i każdego śpiewu katolickiej Mszy św. Dlatego pełny „kurs szkolenia” trwał około 10 lat.

Guido Arettini zaczął oznaczać dźwięki nutami (od łacińskiego słowa nota – znak). Nuty w postaci zacienionych kwadratów umieszczono na pięciolinii składającej się z czterech równoległych linii. Teraz jest pięć takich linii, a nuty są reprezentowane przez kółka, ale zasada wprowadzona przez Guido pozostała niezmieniona. Wyższe nuty są przedstawione na wyższej linijce. Jest siedem nut, tworzą one oktawę.

Guido nadał nazwę każdej z siedmiu nut oktawy: ut, re, mi, fa, sol, la, si. Są to pierwsze sylaby hymnu św. Jan. Każda linijka tego hymnu jest śpiewana o ton wyższy od poprzedniego.

Nuty następnej oktawy nazywane są tak samo, ale śpiewane są głosem wyższym lub niższym. Przechodząc z jednej oktawy do drugiej, częstotliwość dźwięku oznaczonego tą samą nutą zwiększa się lub zmniejsza o połowę. Na przykład instrumenty muzyczne są dostrojone do nuty A pierwszej oktawy. Ta nuta ma częstotliwość 440 Hz. Nuta A następnej, drugiej oktawy będzie odpowiadać częstotliwości 880 Hz.

Nazwy wszystkich nut, z wyjątkiem pierwszej, kończą się dźwiękiem samogłoskowym, co ułatwia ich śpiewanie. Sylaba ut jest zamknięta i nie da się jej zaśpiewać tak jak pozostałych. Dlatego też w XVI wieku nazwę pierwszej nuty oktawy ut zastąpiono słowem do (najprawdopodobniej od łacińskiego słowa Dominus – Pan). Ostatnia nuta oktawy, si, jest skrótem dwóch słów ostatniej linijki hymnu, Sancte Ioannes. W kraje anglojęzyczne nazwę nuty „B” zastąpiono literą „Ti”, aby nie mylić jej z literą C, stosowaną także w notacji muzycznej.

Po wynalezieniu nut Guido nauczył śpiewaków tego wyjątkowego alfabetu, a także nauczył ich śpiewać z nut. To jest to, co we współczesnych szkołach muzycznych nazywa się solfeggio. Teraz wystarczyło zapisać całą mszę w nutach, a śpiewacy mogli sami zaśpiewać wybraną melodię. Nie było już potrzeby osobistego uczenia wszystkich każdej piosenki. Guido musiał jedynie kontrolować proces. Czas szkolenia śpiewaków został skrócony pięciokrotnie. Zamiast dziesięciu lat - dwa lata!

Tablica pamiątkowa w Arezzo przy Via Ricasolli na domu, w którym urodził się Guido. Przedstawia kwadratowe notatki.

Trzeba powiedzieć, że mnich Guido z Arezzo nie był pierwszym, który wpadł na pomysł nagrywania muzyki za pomocą znaków. Przed nim w Europie Zachodniej istniał już system neum (od greckiego słowa „pneumo” – oddech), ikon umieszczanych nad tekstem psalmów, wskazujących wzrost lub spadek tonu pieśni. Na Rusi używano go w tym samym celu własny system„haki” lub „banery”.

Kwadratowe nuty Guido Aretinsky'ego, umieszczone na czterech liniach pięciolinii, okazały się najprostszym i najwygodniejszym systemem nagrywania muzyki. Podziękowania dla niej notacja muzyczna rozprzestrzenił się po całym świecie. Muzyka opuściła mury kościoła i udała się najpierw do pałaców władców i szlachty, a następnie do teatrów, sal koncertowych i placów miejskich, stając się własnością wszystkich.

Co to jest niepokój?

Tryby są jednym z głównych terminów w teorii muzyki. Zrozumienie ich budowy i umiejętne wykorzystanie ich otwiera przed muzykiem nieograniczone możliwości. Często nie da się dokładnie wyjaśnić, w jaki sposób powstaje ciekawe przejście w konkretnej kompozycji - jeśli dana osoba nie rozumie, czym jest tryb. Jest jednak pewien haczyk: sami muzycy używają terminu „tryb” i często nie oznaczają tego samego. Dlaczego? A co w ogóle jest w porządku? Zamieszanie wynikało z faktu, że w różnych epokach słowo to miało bardzo różne znaczenia.

Nie zdajemy sobie sprawy, jak bardzo nasza percepcja jest wykształcona i związana z muzyką klasyczną. (Z kolei koncepcja „muzyki współczesnej” jest odejściem od zasad klasycznych). Era klasycyzmu to wielki historyczny przełom w ludzkim postrzeganiu świata. Po średniowieczu ludzie odkryli sztukę starożytną i zafascynowali się nią. Każde dzieło klasycyzmu opiera się na ścisłych kanonach, odsłaniając w ten sposób harmonię i logikę samego wszechświata. Klasycyzm stworzył porządek strukturalny - wyraźną hierarchię wyższego i niższego, głównego i wtórnego, centralnego i podrzędnego. Dlatego na przykład zaczynając od Klasyka wiedeńska i romantyczną, myślimy w systemie „dur-moll”. Co to jest i jak wpływa na naszą percepcję?

Major i minor to tryby tonalne. Tryb tonalny to pewien system relacji między tonami. Co to znaczy? Co to jest ton? Spróbujmy to rozgryźć. Załóżmy, że masz przed sobą fortepian: spójrz na klawiaturę: zwykła do-re-mi-fa-sol-la-si, 7 białych klawiszy i między nimi 5 kolejnych czarnych, w sumie 12. Odległość między nimi dwa z nich to półton. Pomiędzy sąsiednią czernią i bielą zawsze występuje półton. Pomiędzy sąsiadującymi białymi znajduje się ton (są wyjątki mi-fa i si-do to półtony).

Skalą jest dowolny zbiór tonów i półtonów. W epoce klasycyzmu zaczęto go budować, ściśle podporządkowując wszystkie tony tonikowi - tonowi głównemu. Jest to tryb główny lub poboczny. Cała muzyka tonalna (cała muzyka klasyczna) zbudowana jest właśnie na relacji pomiędzy harmoniami głównymi i podrzędnymi. Ze słuchu intuicyjnie rozróżniamy dur i moll na podstawie ich zabarwienia – „radosnego” lub „smutnego”. Tryb naprzemienny ma miejsce wtedy, gdy jeden element zawiera jednocześnie zarówno cechy główne, jak i mniejsze. Ale mają wspólną zasadę - tonalną.

Zasada ta nie jest jednak jedyną możliwą. Przed erą klasycyzmu, kiedy wszystko zostało wreszcie uporządkowane w harmonijny system tonacji, myślenie muzyczne wyglądało inaczej. Joński, Dorycki, Frygijski, Lidyjski, Mixolidyjski, Liparyjski, Lokryjski... To są sposoby oktawowe Greków. Były też kościelne odmiany muzyki gregoriańskiej. Wszystko to są tryby modalne. Komponowali muzykę starożytną, średniowieczną i modalną wschodnią tradycję muzyczną (na przykład indyjskie ragi czy arabski maqam). W muzyce renesansowej Europy dominowała także modalność.

Jaka jest główna różnica w stosunku do wyglądu tonalnego, do którego jesteśmy przyzwyczajeni? W trybach tonalnych istnieje ścisłe rozróżnienie między funkcjami głównych harmonii i akordów, ale w muzyce modalnej są one znacznie bardziej rozmyte. W przypadku trybu modalnego ważna jest sama skala oraz znaczenia i kolory, jakie może ona wnieść do muzyki. Dlatego muzykę indyjską od średniowiecznych chorałów łatwo odróżnić ze słuchu – po pewnych harmoniach i ruchach muzycznych.

Wydawało się, że w XX wieku kompozytorzy wypróbowali każdą opcję dźwiękową w muzyce tonalnej. „Nudzę się, demonie!” powiedzieli i w poszukiwaniu nowych kolorów zwrócili się ku starym - modalnym zwrotom i ruchom. W ten sposób powstała nowa moda. We współczesnej muzyce pojawiły się nowe tryby - na przykład blues. Ponadto powstał szczególny gatunek - modalny jazz. Na przykład Miles Davis nazwał muzykę modalną „odchyleniem od normalnej skali siedmiodźwiękowej, w której każda nuta wydaje się nieostra”. I powiedział, że „podążając w tym kierunku, zmierzasz do nieskończoności”. Rzecz w tym, że zasady tonalne i modalne nie wykluczają się wzajemnie. W jednej grze ich cechy mogą być mieszane. Modalność jest jak kolejna warstwa nałożona na „większy/mniejszy”, do którego jesteśmy przyzwyczajeni. A zastosowanie różnych trybów modalnych zmienia koloryt muzyki: np. zakręty trybu frygijskiego są ponure, bo jego skala składa się głównie z niższych stopni. Znajomość tych funkcji modalnych może pomóc w uzyskaniu interesującego dźwięku podczas pisania muzyki.

Kolor, nastrój, charakter – to oznaki harmonii, które słyszymy, ale często nie zdajemy sobie z tego sprawy. Często w piosenkach naszą uwagę przykuwają frazy modalne – bo są niezwykłe. Ucho wytrenowane na muzyce klasycznej rozpoznaje to odejście od codzienności. Wszystko to i wiele więcej otwiera się, gdy rozumiesz język muzyki.

Muzyka średniowiecza to okres rozwoju kultury muzycznej, obejmujący okres od około V do XIV wieku naszej ery.

Średniowiecze to wielka epoka w historii ludzkości, czas dominacji systemu feudalnego.

Periodyzacja kultury:

Wczesne średniowiecze - V - X wieki.

Dojrzałe średniowiecze - XI - XIV wiek.

W 395 roku Cesarstwo Rzymskie podzieliło się na dwie części: Zachodnią i Wschodnią. W zachodniej części, na ruinach Rzymu, w V-IX wieku istniały państwa barbarzyńskie: Ostrogoci, Wizygoci, Frankowie itp. W IX wieku w wyniku upadku imperium Karola Wielkiego powstały trzy państwa powstały tutaj: Francja, Niemcy, Włochy. Stolicą części wschodniej był Konstantynopol, założony przez cesarza Konstantyna na miejscu greckiej kolonii Bizancjum – stąd nazwa państwa.

W średniowieczu w Europie pojawił się nowy typ kultury muzycznej – feudalna, łącząca sztukę profesjonalną, muzykowanie amatorskie i folklor. Ponieważ Kościół dominuje we wszystkich dziedzinach życia duchowego, podstawą profesjonalnej sztuki muzycznej jest działalność muzyków w kościołach i klasztorach. Świecką sztukę zawodową reprezentowali początkowo jedynie śpiewacy, którzy tworzyli i wykonywali epickie opowieści na dworze, w domach szlacheckich, wśród wojowników itp. (bardowie, skaldowie itp.). Z czasem rozwinęły się amatorskie i półprofesjonalne formy muzykowania rycerskiego: we Francji – sztuka trubadurów i truwerów (Adam de la Halle, XIII w.), w Niemczech – minnesingers (Wolfram von Eschenbach, Walter von der Vogelweide, XII-XIII w.), a także rzemieślników miejskich. W feudalnych zamkach i miastach kultywuje się wszelkiego rodzaju pieśni, gatunki i formy pieśni (epopeja, „świt”, rondo, le, virele, ballady, canzones, laudas itp.).

W życiu codziennym pojawiają się nowe instrumenty muzyczne, także te przywiezione ze Wschodu (altówka, lutnia itp.), powstają zespoły (o niestabilnym składzie). Wśród chłopów kwitnie folklor. Są też „fachowcy ludowi”: gawędziarze, podróżujący artyści syntetyczni (żonglerzy, mimowie, minstrele, szpilmani, bufony). Muzyka ponownie pełni głównie funkcje użytkowe i duchowo-praktyczne. Kreatywność pojawia się w jedności z wykonaniem (zwykle w jednej osobie).

Stopniowo, choć powoli, wzbogaca się treść muzyki, jej gatunki, formy i środki wyrazu. W Europie Zachodniej od VI do VII wieku. Wykształcił się ściśle uregulowany system jednogłosowej (monodycznej) muzyki kościelnej, opartej na modach diatonicznych (chanał gregoriański), łączącej recytację (psalmodia) i śpiew (hymny). Na przełomie I i II tysiąclecia zaczęła pojawiać się polifonia. Tworzą się nowe gatunki wokalne (chóralne) i wokalno-instrumentalne (chóralne i organowe): organum, motet, dyrygentura, a następnie msza. We Francji w XII w. przy katedrze Notre Dame (Leonin, Perotin) powstała pierwsza szkoła kompozytorska (twórcza). Na przełomie renesansu (styl ars nova we Francji i Włoszech, XIV w.) w muzyce zawodowej monofonię zastępuje polifonia, muzyka zaczyna stopniowo uwalniać się od funkcji czysto praktycznych (służba obrzędów kościelnych), znaczenie gatunków świeckich , w tym pieśni, wzrasta w nim (Guillaume de Masho).

Materialną podstawą średniowiecza były stosunki feudalne. Kultura średniowieczna powstał w warunkach osiedla wiejskiego. W dalszej kolejności społeczną podstawą kultury staje się środowisko miejskie – mieszczanie. Wraz z powstawaniem państw tworzą się główne klasy: duchowieństwo, szlachta i lud.

Sztuka średniowiecza jest ściśle związana z kościołem. Doktryna chrześcijańska jest podstawą filozofii, etyki, estetyki i całego życia duchowego tamtych czasów. Przepełniona symboliką religijną sztuka kieruje się od ziemskiego, przemijającego - do duchowego, wiecznego.

Obok oficjalnej kultury kościelnej (wysoka) istniała kultura świecka (niższa) - folklor (niższe warstwy społeczne) i rycerska (dworska).

Główne ogniska profesjonalna muzyka wczesnego średniowiecza – katedry, przyległe do nich szkoły śpiewu, klasztory – jedyne ówczesne ośrodki edukacyjne. Uczyli się greki i łaciny, arytmetyki i muzyki.

Głównym ośrodkiem muzyki kościelnej w Europie Zachodniej w średniowieczu był Rzym. Pod koniec VI - na początku VII wieku. powstaje główna odmiana zachodnioeuropejskiej muzyki kościelnej - chorał gregoriański, nazwany na cześć papieża Grzegorza I, który przeprowadził reformę śpiew kościelny, gromadząc i organizując różne pieśni kościelne. Chorał gregoriański to monofoniczny śpiew katolicki, który łączy w sobie wielowiekowe tradycje śpiewacze różnych krajów Bliskiego Wschodu i narody europejskie(Syryjczycy, Żydzi, Grecy, Rzymianie itp.). Było to płynne, monofoniczne rozwinięcie pojedynczej melodii, która miała uosabiać jedną wolę, kierunek uwagi parafian zgodnie z zasadami katolicyzmu. Charakter muzyki jest surowy, bezosobowy. Chorał wykonał chór (stąd nazwa), niektóre sekcje – solista. Dominuje ruch progresywny oparty na modach diatonicznych. Chorał gregoriański dopuszczał wiele gradacji, poczynając od mocno powolnej psalmodii chóralnej, a kończąc na jubilacjach (melizmatycznym śpiewaniu sylaby), wymagającym wirtuozowskich umiejętności wokalnych.

Chorał gregoriański dystansuje słuchacza od rzeczywistości, wywołuje pokorę, prowadzi do kontemplacji i mistycznego oderwania. Oddziaływanie to ułatwia także tekst w języku łacińskim, który dla większości parafian jest niezrozumiały. Rytm śpiewu wyznaczał tekst. Jest niejasny, nieokreślony, zdeterminowany charakterem akcentów recytacji tekstu.

Różne typy chorału gregoriańskiego zostały zebrane w głównym nabożeństwie Kościoła katolickiego – Mszy, w której ustalono pięć stałych części:

Kyrie eleison (Panie, zmiłuj się)

Gloria (chwała)

Credo (wierzę)

Sanctus (święty)

Agnus Dei (baranek Boży).

Z biegiem czasu elementy muzyki ludowej zaczynają przenikać do chorału gregoriańskiego poprzez hymny, sekwencje i tropy. Jeśli psalmodie wykonywał zawodowy chór śpiewaków i duchowieństwa, wówczas hymny początkowo wykonywali parafianie. Stanowiły one element kultu oficjalnego (miały cechy muzyki ludowej). Wkrótce jednak hymniczne części mszy zaczęły wypierać psalmodyczne, co doprowadziło do powstania mszy polifonicznej.

Pierwsze sekwencje były podtekstem dla melodii rocznicowej, tak aby jeden dźwięk melodii miał osobną sylabę. Sekwencja staje się gatunkiem powszechnym (najpopularniejsze to „Veni, sancte Spiritus”, „ Umrze„, „Stabat mater”). „Dies irae” był używany przez Berlioza, Liszta, Czajkowskiego, Rachmaninowa (bardzo często jako symbol śmierci).

Pierwsze przykłady polifonii pochodzą z klasztorów – organym (ruch w kwintach równoległych lub kwintach), gimmel, fauburdon (równoległe akordy sekstowe), przewodzenie. Kompozytorzy: Leonin i Perotin (12-13 w. - Katedra Notre Dame).

Nosicielami świeckiej muzyki ludowej w średniowieczu byli mimowie, żonglerzy, minstrele we Francji, spilmani w krajach kultury niemieckiej, hoglarzy w Hiszpanii, bufony na Rusi. Ci podróżujący artyści byli mistrzowie uniwersalni: połączyli śpiew, taniec, grę na różnych instrumentach z magią, sztuka cyrkowa, Teatr kukiełkowy.

Drugą stroną kultury świeckiej była kultura rycerska (dworska) (kultura świeckich panów feudalnych). Prawie wszyscy szlachcice byli rycerzami - od biednych wojowników po królów. Tworzył się specjalny kodeks rycerski, wedle którego rycerz oprócz odwagi i męstwa miał posiadać wyrafinowane maniery, być wykształcony, hojny, wspaniałomyślny i wiernie służyć Pięknej Pani. Wszystkie aspekty życia rycerskiego znalazły odzwierciedlenie w sztuce muzycznej i poetyckiej trubadurów (Prowansja – południowa Francja), trouvères (północna Francja) i minnesingers (Niemcy). Sztuka trubadurów kojarzona jest przede wszystkim z tekstami miłosnymi. Najpopularniejszym gatunkiem tekstów miłosnych była canzona (wśród Minnesingers - „Morning Songs” - albumy).

Trouvères, korzystając szeroko z doświadczeń trubadurów, stworzył własne, autorskie gatunki: „pieśni tkackie”, „pieśni majowe”. Ważnym obszarem gatunków muzycznych trubadurów, trouvèresów i minnesingerów były gatunki pieśni i tańca: rondo, ballada, virele (formy refrenowe), a także epopeja heroiczna ( Epopeja francuska„Pieśń o Rolandzie”, po niemiecku – „Pieśń Nibelungów”). Pieśni krzyżowców były szeroko rozpowszechnione wśród Minnesingerów.

Cechy charakterystyczne sztuki trubadurów, truwerów i minnesingerów:

Monofonia jest konsekwencją nierozerwalnego związku melodii z tekstem poetyckim, co wynika z samej istoty sztuki muzycznej i poetyckiej. Z monofonią wiązało się także skupienie na zindywidualizowanym wyrażaniu własnych przeżyć, na osobistej ocenie treści wypowiedzi (często ekspresja osobistych przeżyć była oprawiona w ukazanie obrazów natury).

Głównie występy wokalne. Rola instrumentów nie była znacząca: sprowadzała się do wykonywania wstępów, przerywników i postludiów tworzących melodię wokalu.

Sztuki rycerskiej nie można jeszcze nazwać profesjonalną, ale po raz pierwszy w warunkach świeckiego muzykowania powstał potężny kierunek muzyczno-poetycki z rozwiniętym zespołem środków wyrazu i stosunkowo doskonałym pisarstwem muzycznym.

Jeden z ważne osiągnięcia Dojrzałe średniowiecze, począwszy od X-XI w., to okres rozwoju miast (kultury mieszczańskiej). Głównymi cechami kultury miejskiej była antykościelna, wolnościowa orientacja, powiązania z folklorem oraz jej śmiech i karnawałowy charakter. Ewoluujący gotyk styl architektoniczny. Tworzą się nowe gatunki polifoniczne: od XIII-XIV do XVI wieku. - motet (z francuskiego - „słowo”. Motet charakteryzuje się melodyczną odmiennością głosów, które jednocześnie intonowały różne teksty - często nawet w różnych językach), madrygał (z języka włoskiego - „pieśń w języku ojczystym”, tj. włoskim. Teksty miłosno-liryczny, pastoralny), caccia (z języka włoskiego „polowanie” – utwór wokalny oparty na tekście przedstawiającym polowanie).

Podróżujący muzycy ludowi przechodzą z koczowniczego trybu życia na osiadły, zasiedlają całe dzielnice miast i tworzą wyjątkowe „gildie muzyków”. Począwszy od XII wieku włóczęgi i goliardy deklasowały ludzi różne klasy(uczniowie, zbiegli mnisi, wędrowni duchowni). W odróżnieniu od niepiśmiennych kuglarzy – typowych przedstawicieli sztuki tradycji ustnej – włóczęgi i goliardy posiadali umiejętność czytania i pisania: znali język łaciński i zasady wersyfikacji klasycznej, komponowali muzykę – pieśni (zakres obrazów związany jest z nauka szkolna i życie studenckie), a nawet skomplikowane eseje jak dyrygenci i motety.

Uniwersytety stały się znaczącym ośrodkiem kultury muzycznej. Muzyka, a dokładniej akustyka muzyczna, wraz z astronomią, matematyką i fizyką, wchodziła w skład quadrium, czyli tzw. cykl czterech dyscyplin studiowanych na uniwersytetach.

I tak w średniowiecznym mieście istniały ośrodki kultury muzycznej o różnym charakterze i orientacji społecznej: stowarzyszenia muzyków ludowych, muzyka dworska, muzyka klasztorów i katedr oraz uniwersytecka praktyka muzyczna.

Teoria muzyki średniowiecza była ściśle związana z teologią. W nielicznych traktatach teoretycznych o muzyce, które do nas dotarły, muzykę postrzegano jako „służebnicę Kościoła”. Wśród wybitnych traktatów wczesnego średniowiecza wyróżnia się 6 książek „O muzyce” Augustyna, 5 książek Boecjusza „O powstaniu muzyki” itp. Wspaniałe miejsce traktaty te skupiały się na abstrakcyjnych zagadnieniach scholastycznych, doktrynie o kosmicznej roli muzyki itp.

System trybu średniowiecznego został opracowany przez przedstawicieli kościelnej zawodowej sztuki muzycznej - dlatego też modom średniowiecznym nadano nazwę „tryby kościelne”. Mody joński i eolski stały się głównymi modami.

Teoria muzyki średniowiecza wysunęła doktrynę heksakordów. W każdym trybie w praktyce stosowano 6 kroków (przykładowo: do, re, mi, fa, salt, la). Następnie unikano Si, ponieważ wraz z F stanowiło przejście w stronę podwyższonej kwarty, którą uznano za bardzo dysonansową i w przenośni nazwano „diabłem w muzyce”.

Powszechnie stosowano nagrywanie niewzajemne. Guido Aretinsky ulepszył system notacji muzycznej. Istota jego reformy była następująca: obecność czterech linii, trzeci stosunek pomiędzy poszczególnymi liniami, znak kluczowy (pierwotnie alfabetyczny) czy kolorystyka linii. Wprowadził także zapis sylabiczny dla pierwszych sześciu stopni trybu: ut, re, mi, fa, sol, la.

Wprowadzono notację menzuralną, w której każdej nucie przypisano określoną miarę rytmiczną (łac. mensura – miara, miara). Nazwy czasów trwania: maxima, longa, brevis itp.

Wiek XIV to okres przejściowy pomiędzy średniowieczem a renesansem. Sztukę Francji i Włoch XIV wieku nazywano „Ars nova” (z łac. – nowa sztuka), a we Włoszech posiadała wszystkie właściwości wczesnego renesansu. Główne cechy: odmowa posługiwania się wyłącznie gatunkami muzyki kościelnej na rzecz świeckich kameralnych gatunków wokalno-instrumentalnych (ballada, caccia, madrygał), zbliżenie się do pieśni codziennej, wykorzystanie różnorodnych instrumentów muzycznych. Ars nova jest przeciwieństwem tzw. ars antiqua (łac. ars antiqua – sztuka dawna), czyli sztuka muzyczna przed początkami XIV wieku. Najwięksi przedstawiciele ars nova to Guillaume de Machaut (XIV w., Francja) i Francesco Landino (XIV w., Włochy).

Zatem kultura muzyczna średniowiecza, pomimo względnych ograniczeń środków, reprezentuje więcej wysoki poziom w porównaniu z muzyką Świat starożytny i zawiera przesłanki wspaniałego rozkwitu sztuki muzycznej w okresie renesansu.

muzyka średniowiecza gregoriański trubadur

Muzyka epoka średniowiecza - okres rozwojukultura muzycznaobejmujący okres od ok V do XIV wieku naszej ery .
W średniowieczu w Europie wyłania się nowy typ kultury muzycznej - feudalny , łączącą sztukę profesjonalną, amatorskie muzykowanie i folklor Ponieważ kościół dominuje we wszystkich obszarach życia duchowego, podstawą profesjonalnej sztuki muzycznej jest działalność muzykówświątynie i klasztory . Świecką sztukę profesjonalną reprezentowali początkowo jedynie śpiewacy, którzy tworzyli i wykonywali epickie opowieści na dworze, w domach szlacheckich, wśród wojowników itp. ( bardowie, skaldowie itd.). Z czasem rozwijają się amatorskie i półprofesjonalne formy muzykowania rycerskość: we Francji – sztuka trubadurów i truwerów (Adam de la Halle, XIII w.), w Niemczech – minnesingers ( Wolframa von Eschenbacha, Waltera von der Vogelweide’a, XII - XIII wiek ), jak i miejskie rzemieślnicy W zamkach feudalnych a w miastach uprawia się wszelkiego rodzaju gatunki, gatunki i formy piosenek (epopeja, „dawn”, rondo, le, virele, ballady, canzones, laudas itp.).
Nowe pojawiają się w codziennym życiuinstrumenty muzyczne, łącznie z tymi, którzy przybyli Wschód (altówka, lutnia itp.), powstają zespoły (o kompozycjach niestabilnych). Wśród chłopów kwitnie folklor. Są też „ludowi profesjonaliści”: gawędziarze , podróżujący artyści zajmujący się syntezatorami (żonglerzy, mimowie, minstrele, szpilmani, bufony ). Muzyka ponownie pełni głównie funkcje użytkowe i duchowo-praktyczne. Twórczość działa w jedności zwydajność(zazwyczaj jedna osoba).
Dominuje zarówno w treści muzyki, jak iw jej formie zbiorowość ; zasada indywidualna jest podporządkowana zasadzie ogólnej, nie odstając od niej (najlepszym przedstawicielem jest mistrz muzyk społeczności ). We wszystkim panuje surowość Tradycja i kanoniczność . Konsolidacja, konserwacja i dystrybucja tradycje i standardy.
Stopniowo, choć powoli, zawartość muzyki jest wzbogacana, jej gatunki, formy , środki wyrazu. W Europa Zachodnia od VI do VII wieku . wyłania się ściśle regulowany system jednogłosowy (monodyczny) ) oparta na muzyce kościelnej tryby diatoniczne ( chorał gregoriański), łącząc recytację (psalmodia) i śpiew (hymny ). Na przełomie I i II tysiąclecia polifonia . Tworzą się nowe wokal (chór ) i wokalno-instrumentalny (chór i organy) gatunki: organum, motet, dyrygentura, następnie msza. We Francji w XII w powstaje pierwszy szkoła kompozytorska (twórcza) przy ul Katedra Notre Dame(Leonin, Perotyna). Na przełomie renesansu (styl ars nova we Francji i Włoszech, XIV w.) profesjonalna muzykawypierana jest monofonia polifonia muzyka zaczyna stopniowo uwalniać się od funkcji czysto praktycznych (służba kościelna). rytuały ), to wzmacnia znaczenieświecki gatunki, w tym utwory ( Guillaume’a de Machauta).

Odrodzenie.

Muzyka okresu XV-XVII wieku.
W średniowieczu muzyka była domeną Kościoła, dlatego też większość dzieł muzycznych miała charakter sakralny, oparty na pieśniach kościelnych (chórze gregoriańskim), które były częścią wiary od początków chrześcijaństwa. Na początku XVII w. ostatecznie kanonizowano melodie kultowe, przy bezpośrednim udziale papieża Grzegorza I. Chorał gregoriański wykonywali profesjonalni śpiewacy. Po rozwoju polifonii w muzyce kościelnej, chorał gregoriański pozostał podstawą tematyczną polifonicznych dzieł religijnych (msze, motety itp.).

Po średniowieczu nastąpił renesans, który był dla muzyków erą odkryć, innowacji i eksploracji, erą renesansu wszystkich warstw kulturowych i naukowych przejawów życia, od muzyki i malarstwa po astronomię i matematykę.
Chociaż muzyka pozostała w dużej mierze religijna, osłabienie kontroli kościoła nad społeczeństwem otworzyło kompozytorom i wykonawcom większą swobodę wyrażania swoich talentów.
Wraz z wynalezieniem prasy drukarskiej możliwe stało się drukowanie i rozpowszechnianie nut i od tego momentu zaczęło się to, co nazywamy muzyką klasyczną.
W tym okresie pojawiły się nowe instrumenty muzyczne. Najpopularniejszymi instrumentami były te, na których miłośnicy muzyki mogli grać łatwo i prosto, nie wymagając specjalnych umiejętności.
To właśnie w tym czasie pojawiła się altówka, poprzedniczka skrzypiec. Dzięki progom (drewniane listwy na gryfie) grało się na nim łatwo, a jego dźwięk był cichy, delikatny i dobrze brzmiał w małych pomieszczeniach.
Popularne były także instrumenty dęte – flet prosty, flet i róg. Najbardziej złożona muzyka została napisana na nowo powstały klawesyn, virginel (klawesyn angielski, wyróżniający się niewielkimi rozmiarami) i organy. Jednocześnie muzycy nie zapomnieli o komponowaniu muzyki prostszej, nie wymagającej wysokich umiejętności wykonawczych. Jednocześnie nastąpiły zmiany w piśmiennictwie muzycznym: ciężkie drewniane bloki drukarskie zastąpiono ruchomymi, metalowymi czcionkami, wynalezionymi przez Włocha Ottaviano Petrucciego. Publikowane dzieła muzyczne szybko się wyprzedały, a muzyką zainteresowało się coraz więcej osób.
Koniec renesansu upłynął pod znakiem najważniejszego wydarzenia w historii muzyki - narodzin opery. Grupa humanistów, muzyków i poetów zebrała się we Florencji pod patronatem swojego przywódcy, hrabiego Giovanniego De Bardiego (1534 - 1612). Grupę nazywano „cameratą”, jej głównymi członkami byli Giulio Caccini, Pietro Strozzi, Vincenzo Galilei (ojciec astronoma Galileo Galilei), Giloramo Mei, Emilio de Cavalieri i Ottavio Rinuccini w młodości.
Pierwsze udokumentowane spotkanie grupy odbyło się w 1573 r., a najaktywniejsze lata pracy”Camerata florencka „były lata 1577 - 1582. Wierzyli, że muzyka „pogorszyła się” i starali się powrócić do formy i stylu starożytnej Grecji, wierząc, że sztukę muzyczną można ulepszyć, a co za tym idzie, ulepszyć się także społeczeństwo. Camerata krytykowała istniejącą muzykę za nadmierne stosowanie przez nią polifonii kosztem zrozumiałości tekstu i utratę komponentu poetyckiego utworu oraz zaproponował stworzenie nowego stylu muzycznego, w którym tekstowi w stylu monodycznym towarzyszyła muzyka instrumentalna. Ich eksperymenty doprowadziły do ​​powstania nowej formy wokalno-muzycznej – recytatywu, użytego po raz pierwszy przez Emilio de Cavalieri, co później zostało bezpośrednio powiązane z rozwojem opery.
Pierwszy oficjalnie uznanyopera odpowiadającą współczesnym standardom była opera „Daphne” (Daphne), wystawiona po raz pierwszy w 1598 roku. Autorami „Daphne” byli Jacopo Peri i Jacopo Corsi, libretto Ottavio Rinucciniego. Opera ta nie zachowała się. Pierwszą zachowaną operą jest „Eurydyka” (1600) tych samych autorów – Jacopo Peri i Ottavio Rinucciniego. Ta unia twórcza stworzyła także wiele dzieł, z których większość zaginęła.

Muzyka wczesnobarokowa (1600-1654)

Stworzenie przez włoskiego kompozytora Claudio Monteverdiego (1567-1643) jego stylu recytatywnego i konsekwentny rozwój włoskiej opery można uznać za umowny punkt przejścia między epoką baroku i renesansu. Początek przedstawień operowych w Rzymie, a zwłaszcza w Wenecji, oznaczał już rozpoznanie i rozpowszechnienie nowego gatunku w całym kraju. Wszystko to było tylko częścią większego procesu, który objął całą sztukę, a szczególnie wyraźnie objawił się w architekturze i malarstwie.
Kompozytorzy renesansowi zwracali uwagę na opracowanie poszczególnych części dzieła muzycznego, praktycznie nie zwracając uwagi na porównanie tych części. Każda część osobno mogła brzmieć doskonale, ale harmonijny wynik dodania był raczej kwestią przypadku niż regularności. Pojawienie się basu figurowanego wskazywało na istotną zmianę w myśleniu muzycznym – a mianowicie na to, że harmonia, czyli „składanie części w jedną całość”, była równie ważna jak same partie melodyczne (polifonia). Coraz częściej polifonia i harmonia wyglądały jak dwie strony tej samej idei komponowania muzyki eufonicznej: przy komponowaniu sekwencje harmoniczne poświęcano taką samą uwagę, jak trytony w tworzeniu dysonansu. Myślenie harmoniczne istniało także u niektórych kompozytorów poprzedniej epoki, np. Carlo Gesualdo, ale w epoce baroku zostało ono powszechnie przyjęte.
Te części utworów, których modalności i tonalności nie da się jednoznacznie rozdzielić, określił jako mieszane durowe lub mieszane mollowe (później wprowadził dla tych pojęć odpowiednio określenia „monal-dur” i „monal-moll”). Tabela pokazuje, jak harmonia tonalna już we wczesnym okresie baroku praktycznie wypiera harmonię epoki poprzedniej.
Włochy stają się centrum nowego stylu. Papiestwo, choć uwikłane w walkę z reformacją, posiadające jednak ogromne środki finansowe uzupełniane kampaniami wojskowymi Habsburgów, poszukiwało możliwości szerzenia wiary katolickiej poprzez ekspansję wpływów kulturowych. Przy przepychu, wielkości i złożoności architektury, sztuk pięknych i muzyki katolicyzm zdawał się kłócić z ascetycznym protestantyzmem. Bogate republiki i księstwa włoskie aktywnie rywalizowały także w dziedzinie sztuk pięknych. Jednym z ważnych ośrodków sztuki muzycznej była Wenecja, będąca wówczas pod mecenatem zarówno świeckim, jak i kościelnym.
Wybitną postacią wczesnego baroku, zajmującą stanowisko po stronie katolicyzmu, przeciwstawiającego się rosnącym wpływom ideologicznym, kulturowym i społecznym protestantyzmu, był Giovanni Gabrieli. Jego dzieła należą do stylu „wysokiego renesansu” (rozkwitu renesansu). Jednak niektóre jego innowacje w dziedzinie instrumentacji (przypisywanie konkretnemu instrumentowi własnych, specyficznych zadań) wyraźnie wskazują, że był jednym z kompozytorów, którzy wpłynęli na pojawienie się nowego stylu
Jednym z wymogów stawianych przez Kościół komponowaniu muzyki sakralnej była czytelność tekstów w utworach wokalnych. Wymagało to odejścia od polifonii na rzecz technik muzycznych, w których na pierwszy plan wysuwały się słowa. Wokale stały się bardziej złożone i kwieciste w porównaniu z akompaniamentem. W ten sposób rozwinęła się homofonia.
Monteverde Claudio(1567-1643), włoski kompozytor. Nic nie pociągało go bardziej niż ukazanie wewnętrznego, duchowego świata człowieka w jego dramatycznych zderzeniach i konfliktach ze światem zewnętrznym. Monteverdi jest prawdziwym twórcą dramaturgii konfliktu o charakterze tragicznym. Jest prawdziwym śpiewakiem ludzkich dusz. Uparcie dążył do naturalnej wyrazistości muzyki. „Mowa ludzka jest panią harmonii, a nie jej sługą”.
„Orfeusz” (1607) - Muzyka opery skupia się na odsłonięciu wewnętrznego świata tragicznego bohatera. Jego rola jest niezwykle wieloaspektowa, łączy w sobie różne nurty emocjonalne i ekspresyjne oraz linie gatunkowe. Z entuzjazmem nawołuje do swoich rodzimych lasów i wybrzeży lub opłakuje utratę swojej Eurydyki w pozbawionych sztuki pieśniach ludowych.

Muzyka dojrzałego baroku (1654-1707)

Okres centralizacji władzy najwyższej w Europie nazywany jest często absolutyzmem. Absolutyzm osiągnął apogeum za panowania króla Francji Ludwika XIV. Dla całej Europy dwór Ludwika był wzorem do naśladowania. W tym muzyka wykonywana na dworze. Zwiększona dostępność instrumentów muzycznych (zwłaszcza klawiatur) dała impuls do rozwoju muzyki kameralnej.
Dojrzały barok różni się od wczesnego baroku powszechnym upowszechnieniem nowego stylu i wzmożonym oddzieleniem form muzycznych, zwłaszcza w operze. Podobnie jak w literaturze, możliwość strumieniowego przesyłania utworów muzycznych doprowadziła do poszerzenia grona odbiorców; zintensyfikowała się wymiana między ośrodkami kultury muzycznej.
Wybitnym przedstawicielem kompozytorów nadwornych dworu Ludwika XIV był Giovanni Battista Lulli (1632-1687). Już w wieku 21 lat otrzymał tytuł „nadwornego kompozytora muzyki instrumentalnej”. Twórczość Lully'ego od początku była ściśle związana z teatrem. Po zorganizowaniu dworskiej muzyki kameralnej i utworzeniu „airs de cour” zaczął pisać muzykę baletową. Sam Ludwik XIV tańczył w baletach, które były wówczas ulubioną rozrywką szlachty dworskiej. Lully był znakomitym tancerzem. Miał okazję brać udział w przedstawieniach, tańczyć z królem. Znany jest ze współpracy z Molierem, do którego sztuk napisał muzykę. Ale najważniejszą rzeczą w twórczości Lully'ego było nadal pisanie oper. Co zaskakujące, Lully stworzył kompletny typ opery francuskiej; tak zwane we Francji tragedia liryczna(francuska tragedie lyrique), a niewątpliwą dojrzałość twórczą osiągnął już w pierwszych latach swojej twórczości w Opera. Lully często posługiwał się kontrastem pomiędzy majestatycznym brzmieniem sekcji orkiestrowej a prostymi recytatywami i ariami. Język muzyczny Lully'ego nie jest zbyt skomplikowany, ale z pewnością nowy: klarowność harmonii, energia rytmiczna, klarowność podziału formy, czystość faktury mówią o zwycięstwie zasad myślenia homofonicznego. Do jego sukcesu w dużej mierze przyczyniła się także umiejętność doboru muzyków do orkiestry i praca z nimi (sam prowadził próby). Integralnym elementem jego twórczości była dbałość o harmonię i instrument solowy.
W Anglii dojrzały barok naznaczył genialny geniusz Henry'ego Purcella (1659-1695). Zmarł młodo, w wieku 36 lat, napisał wiele dzieł i za życia stał się powszechnie znany. Purcell znał twórczość Corellego i innych włoskich kompozytorów baroku. Jednak jego patronami i klientami byli ludzie innego pokroju niż włoska i francuska szlachta świecka i kościelna, dlatego pisma Purcella bardzo różnią się od szkoły włoskiej. Purcell zajmował się wieloma gatunkami; od prostych pieśni religijnych po muzykę marszową, od wielkoformatowych dzieł wokalnych po muzykę inscenizowaną. Jego katalog zawiera ponad 800 dzieł. Purcell stał się jednym z pierwszych kompozytorów muzyki klawiszowej, którego wpływ sięga czasów współczesnych.
W odróżnieniu od powyższych kompozytorów Dietrich Buxtehude (1637-1707) nie był kompozytorem nadwornym. Buxtehude pracował jako organista najpierw w Helsingborgu (1657-1658), następnie w Elsinore (1660-1668), a następnie od 1668 roku w kościele św. Marii w Lubece. Zarabiał nie na wydawaniu swoich utworów, ale na ich wykonywaniu, preferując komponowanie muzyki na podstawie tekstów kościelnych i wykonywanie własnych utworów organowych pod patronatem szlachty. Niestety, nie wszystkie dzieła tego kompozytora zachowały się. Muzyka Buxtehudego zbudowana jest w dużej mierze na skali jego planów, bogactwie i swobodzie wyobraźni, zamiłowaniu do patosu, dramatyzmu i nieco oratorskiej intonacji. Jego twórczość wywarła silny wpływ na takich kompozytorów jak J. S. Bach i Telemann.

Muzyka późnobarokowa (1707-1760)

Dokładna granica między dojrzałym a późnym barokiem jest przedmiotem dyskusji; leży gdzieś pomiędzy 1680 a 1720 rokiem. Duża część złożoności jego definicji polega na tym, że w różne kraje style zmieniane asynchronicznie; innowacje, które w jednym miejscu zostały już z reguły przyjęte, w innym były nowymi odkryciami
Formy odkryte przez poprzedni okres osiągnęły dojrzałość i dużą zmienność; koncert, suita, sonata, Concerto Grosso, oratorium, opera i balet nie miały już jasno określonych cech narodowych. Wszędzie ustalone są ogólnie przyjęte schematy dzieł: powtarzalna forma dwuczęściowa (AABB), prosta forma trzyczęściowa (ABC) i rondo.
Antonio Vivaldi (1678-1741) - Włoski kompozytor urodzony w Wenecji. W 1703 roku przyjął święcenia kapłańskie. To właśnie do tych, wówczas wciąż rozwijających się gatunków instrumentalnych (barokowa sonata i koncert barokowy) Vivaldi wniósł swój największy wkład. Vivaldi skomponował ponad 500 koncertów. Niektórym swoim utworom nadał także tytuły programowe, jak np. słynne „Pory roku”.
Domenico Scarlatti (1685-1757) był jednym z czołowych kompozytorów i wykonawców klawiszowych swoich czasów. Ale być może najsłynniejszym kompozytorem nadwornym był Jerzy Fryderyk Handel (1685-1759). Urodził się w Niemczech, przez trzy lata studiował we Włoszech, jednak w 1711 roku opuścił Londyn, gdzie rozpoczął błyskotliwą i odnoszącą sukcesy komercyjne karierę jako niezależny kompozytor operowy, wykonujący zamówienia dla szlachty. Posiadając niestrudzoną energię, Handel przerabiał materiał innych kompozytorów i stale przerabiał swój własne kompozycje. Na przykład znany jest z przeróbki słynnego oratorium „Mesjasz” tak wiele razy, że obecnie nie ma wersji, którą można nazwać „autentyczną”.
Po śmierci został uznany za czołowego kompozytora europejskiego, a studiowali go muzycy epoki klasycznej. Handel łączył w swojej muzyce bogate tradycje improwizacji i kontrapunktu. Sztuka dekoracji muzycznej osiągnęła w jego twórczości bardzo wysoki poziom rozwoju. Podróżował po całej Europie, studiując muzykę innych kompozytorów, dlatego miał bardzo szeroki krąg znajomości wśród kompozytorów innych stylów.
Jana Sebastiana Bacha urodził się 21 marca 1685 w Eisenach w Niemczech. W ciągu swojego życia skomponował ponad 1000 dzieł różnych gatunków, z wyjątkiem opery. Ale w ciągu swojego życia nie odniósł żadnego znaczącego sukcesu. Wielokrotnie przeprowadzając się, Bach zmieniał jedno niezbyt wysokie stanowisko na drugie: w Weimarze był muzykiem nadwornym księcia weimarskiego Johanna Ernsta, następnie został stróżem organów w kościele św. Bonifacy w Arnstadt, kilka lat później przyjął stanowisko organisty w kościele św. Błażeja w Mühlhausen, gdzie pracował zaledwie przez około rok, po czym wrócił do Weimaru, gdzie objął stanowisko nadwornego organisty i organizatora koncertów. Na tym stanowisku pozostał przez dziewięć lat. W 1717 roku Leopold, książę Anhalt-Köthen, zatrudnił Bacha jako kapelmistrza, a Bach zaczął mieszkać i pracować w Köthen. W 1723 Bach przeniósł się do Lipska, gdzie pozostał aż do swojej śmierci w 1750. W ostatnich latach życia Bacha i po śmierci Bacha jego sława jako kompozytora zaczęła słabnąć: jego styl uznano za przestarzały w porównaniu z rozwijającym się klasycyzmem. Bardziej znany i pamiętany był jako wykonawca, nauczyciel i ojciec młodszych Bacha, zwłaszcza Carla Philippa Emmanuela, którego muzyka była bardziej znana.
Dopiero wykonanie Pasji według św. Mateusza Mendelssohna, 79 lat po śmierci J. S. Bacha, ożywiło zainteresowanie jego twórczością. Obecnie J. S. Bach jest jednym z najpopularniejszych kompozytorów
Klasycyzm
Klasycyzm to styl i kierunek w sztuce XVII - początku XIX wieku.
Słowo to pochodzi od łacińskiego słowa classicus – wzorowy. Klasycyzm opierał się na wierze w racjonalność istnienia, w to, że natura ludzka jest harmonijna. Klasycy swój ideał upatrywali w sztuce starożytnej, którą uważali za najwyższą formę doskonałości.
W XVIII wieku rozpoczął się nowy etap w rozwoju świadomości społecznej – Wiek Oświecenia. Stary porządek społeczny zostaje zniszczony; ogromnego znaczenia nabierają idee poszanowania godności ludzkiej, wolności i szczęścia; jednostka zyskuje niezależność i dojrzałość, wykorzystuje swoją inteligencję i krytyczne myślenie. Ideały epoki baroku z jej przepychem, przepychem i powagą zastępują nowy styl życia oparty na naturalności i prostocie. Nadchodzi czas idealistycznych poglądów Jeana-Jacques’a Rousseau, wzywających do powrotu do natury, do naturalnych cnót i wolności. Wraz z naturą idealizuje się starożytność, ponieważ wierzono, że to w starożytności ludziom udało się zrealizować wszystkie ludzkie aspiracje. Sztuka starożytna nazywana jest klasyczną, uznawana jest za wzorową, najbardziej prawdziwą, doskonałą, harmonijną i, w przeciwieństwie do sztuki epoki baroku, uważaną za prostą i zrozumiałą. Nacisk, obok innych ważnych aspektów, położony jest na edukację, pozycję zwykłych ludzi w porządku społecznym i geniusz jako własność ludzką.

Rozum króluje także w sztuce. Chcąc podkreślić szczytny cel sztuki, jej rolę społeczną i obywatelską, francuski filozof i pedagog Denis Diderot pisał: „Każde dzieło rzeźbiarskie czy malarskie powinno wyrażać jakąś wielką zasadę życia, powinno uczyć”.

Teatr był jednocześnie podręcznikiem życia i samym życiem. Poza tym w teatrze akcja jest bardzo uporządkowana i wyważona; podzielona jest na akty i sceny, które z kolei dzielą się na indywidualne repliki postaci, tworząc tak bliski XVIII wieku ideał sztuki, w której wszystko jest na swoim miejscu i podlega logicznym prawom.
Muzyka klasycyzmu jest niezwykle teatralna, zdaje się kopiować sztukę teatralną, naśladować ją.
Podział klasycznej sonaty i symfonii na duże części – części, w których każda zawiera wiele muzycznych „zdarzeń” – przypomina podział spektaklu na akcje i sceny.
W muzyce wiek klasyczny Często sugeruje się fabułę, pewną akcję, która rozgrywa się przed publicznością w taki sam sposób, jak akcja teatralna rozgrywa się przed publicznością.
Słuchacz musi tylko włączyć swoją wyobraźnię i rozpoznać bohaterów klasycznej komedii lub tragedii w „muzycznych strojach”.
Sztuka teatralna pomaga także wyjaśnić wielkie zmiany w wykonawstwie muzycznym, jakie zaszły w XVIII wieku. Wcześniej głównym miejscem, w którym rozbrzmiewała muzyka, była świątynia: w niej znajdował się człowiek na dole, w ogromnej przestrzeni, gdzie muzyka zdawała się pomagać mu podnosić wzrok i poświęcać swoje myśli Bogu. Dziś, w XVIII wieku, muzykę rozbrzmiewają w salonach arystokratycznych, w sali balowej dworu szlacheckiego czy na placu miejskim. Słuchacz Wieku Oświecenia zdaje się traktować muzykę po imieniu i nie doświadcza już zachwytu i nieśmiałości, jakie budziła w nim, gdy brzmiała w kościele.
W muzyce nie ma już potężnego, uroczystego brzmienia organów, a rola chóru zmalała. Muzyka stylu klasycznego brzmi lekko, ma znacznie mniej dźwięków, jakby „ważyła mniej” niż ciężka, wielowarstwowa muzyka przeszłości. Dźwięk organów i chóru został zastąpiony dźwiękiem orkiestry symfonicznej; wysublimowane arie ustąpiły miejsca lekkiej, rytmicznej i tanecznej muzyce.
Dzięki bezgranicznej wierze w możliwości ludzkiego umysłu i siłę wiedzy, wiek XVIII zaczęto nazywać wiekiem rozumu lub wiekiem oświecenia.
Rozkwit klasycyzmu rozpoczął się w latach 80. XVIII wieku. W 1781 r. J. Haydn stworzył kilka nowatorskich dzieł, m.in. Kwartet smyczkowy op. 33; Odbywa się premiera opery V.A. „Uprowadzenie z Seraju” Mozarta; Ukazuje się dramat F. Schillera „Zbójcy” i „Krytyka czystego rozumu” I. Kanta.

Najwybitniejszymi przedstawicielami okresu klasycznego są kompozytorzy wiedeńskiej szkoły klasycznej Josepha Haydna, Wolfganga Amadeusza Mozarta i Ludwiga van Beethovena. W ich twórczości podziwia się doskonałość techniki kompozytorskiej, humanistyczną orientację twórczości i, szczególnie zauważalną w muzyce W.A. Mozarta, chęć ukazania doskonałego piękna za pomocą środków muzycznych.

Sama koncepcja wiedeńskiej szkoły klasycznej zrodziła się wkrótce po śmierci L. Beethovena. Sztukę klasyczną wyróżnia delikatna równowaga między uczuciami i rozumem, formą i treścią. Muzyka renesansu odzwierciedlała ducha i oddech swojej epoki; w epoce baroku tematem przedstawienia w muzyce była kondycja ludzka; muzyka epoki klasycznej gloryfikuje działania i czyny człowieka, emocje i uczucia, których doświadcza, uważny i holistyczny ludzki umysł.

Ludwiga Van Beethovena (1770–1827)
Niemiecki kompozytor często uważany za największego kompozytora wszechczasów.
Jego twórczość zaliczana jest do klasycyzmu i romantyzmu.
W przeciwieństwie do swojego poprzednika Mozarta, Beethoven miał trudności z komponowaniem. Notatniki Beethovena pokazują, jak stopniowo, krok po kroku, z niepewnych szkiców wyłania się wspaniała kompozycja, naznaczona przekonującą logiką konstrukcji i rzadkim pięknem. To właśnie logika jest głównym źródłem wielkości Beethovena, jego niezrównanej umiejętności organizowania kontrastujących elementów w monolityczną całość. Beethoven wymazuje tradycyjne cezury pomiędzy odcinkami formy, unika symetrii, łączy części cyklu i rozwija rozbudowane konstrukcje z motywów tematycznych i rytmicznych, które na pierwszy rzut oka nie wnoszą nic ciekawego. Innymi słowy, Beethoven tworzy przestrzeń muzyczną siłą swojego umysłu, własnej woli. Przewidział i stworzył te ruchy artystyczne, które stały się decydujące dla sztuki muzycznej XIX wieku.

Romantyzm.
obejmuje mniej więcej lata 1800-1910
Kompozytorzy romantyczni starali się wyrazić głębię i bogactwo wewnętrznego świata człowieka za pomocą środków muzycznych. Muzyka staje się bardziej wyrazista i indywidualna. Rozwijane są gatunki piosenek, w tym ballady.
Główni przedstawiciele romantyzmu w muzyce to: Austria - Franza Schuberta ; w Niemczech - Ernesta Theodora Hoffmanna, Karola Marii Webera, Ryszard Wagner, Feliks Mendelssohn, Robert Schumann, Ludwig Spohr; V
itp.................

Muzyka średniowiecza

Kultura muzycznaŚredniowiecze to niezwykle obszerne i wszechstronne zjawisko historyczne, chronologicznie umiejscowione pomiędzy epokami starożytności i renesansu. Trudno sobie wyobrazić to jako jeden okres, ponieważ w różnych krajach rozwój sztuki podążał własnymi, specjalnymi ścieżkami.

Specyfiką średniowiecza, która odcisnęła swoje piętno na wszystkich ówczesnych sferach życia ludzkiego, była wiodąca rola Kościoła w polityce, etyce, sztuce itp. Tego losu nie uniknęła także muzyka: nie była to jeszcze oddzielony od religii i pełnił głównie funkcję duchową. Jej treść, obrazowość i cała jej esencja estetyczna ucieleśniała zaprzeczenie wartości życia ziemskiego na rzecz nagrody po śmierci, głoszenie ascezy i oderwania się od dóbr zewnętrznych. Sztuka ludowa, która w dalszym ciągu nosiła piętno wierzeń pogańskich, była często atakowana przez „oficjalną” sztukę Kościoła katolickiego.

Pierwszy okres – wczesne średniowiecze – liczony jest zazwyczaj od epoki, która nastąpiła bezpośrednio po upadku Cesarstwa Rzymskiego, czyli od VI w. n.e. mi. W tym czasie na terytorium Europy istniało i migrowało wiele plemion i ludów, na różnych etapach rozwoju historycznego. Jednakże zachowane zabytki sztuki muzycznej tego okresu to jedynie muzyka Kościoła chrześcijańskiego (głównie w późniejszym zapisie), dziedziczącego z jednej strony kulturę Cesarstwa Rzymskiego, a z drugiej muzykę Wschodu. (Judea, Syria, Armenia, Egipt). Przyjmuje się, że tradycje wykonawcze śpiewu chrześcijańskiego – antyfona (sprzeciw dwóch zespołów chóralnych) i responsorstwo (naprzemienność śpiewu solowego i „odpowiedzi” chóru) – rozwinęły się w oparciu o wzorce wschodnie.

Do VIII wieku kraje europejskie ach, stopniowo kształtuje się tradycja śpiewu liturgicznego, której podstawą jest chorał gregoriański – zespół monofonicznych śpiewów chóralnych usystematyzowany przez papieża Grzegorza I. W tym miejscu powinniśmy bardziej szczegółowo przyjrzeć się osobowości samego Grzegorza, który ze względu na znaczenie swojej postaci w historii otrzymał tytuł Wielkiego.

Urodził się w Rzymie w roku 540 w rodzinie szlacheckiej, która nie doświadczała trudności finansowych. Po śmierci rodziców Grzegorz otrzymał bogate dziedzictwo i mógł w swoim rodzinnym domu założyć kilka klasztorów na Sycylii i jeden w Rzymie, na Wzgórzu Caelian. Na miejsce zamieszkania wybrał ostatni klasztor, zwany klasztorem św. Andrzeja Apostoła.

W 577 Grzegorz przyjął święcenia diakonatu, w 585 został wybrany rektorem założonego przez siebie klasztoru, w 590 jednomyślną decyzją rzymskiego Senatu, duchowieństwa i ludu został wybrany na tron ​​papieski, który piastował aż do śmierci w 604 .

Grzegorz już za życia cieszył się na Zachodzie wielkim szacunkiem i nie zapomniano o nim nawet po jego śmierci. Istnieje wiele opowieści o dokonanych przez niego cudach. Zasłynął także jako pisarz: biografowie utożsamiają go pod tym względem z wielkimi filozofami i mędrcami. Ponadto Grzegorz Wielki jest jedną z najważniejszych postaci w rozwoju muzyki kościelnej. Przypisuje mu się rozbudowę systemu modów amw-rosyjskich i utworzenie specjalnej szkoły śpiewu zwanej cantus gregorianus.

Gregory zbierał melodie z różnych kościoły chrześcijańskie, tworząc następnie ich zbiór zwany „Antyfonarzem”, który jako przykład śpiewu chrześcijańskiego został przykuty łańcuchem do ołtarza kościoła św. Piotra w Rzymie.

Papież wprowadził system oktaw, zastępując grecki system tetrachordów, i nazwał tony, które wcześniej były greckie, łacińskimi literami A, B, C itd., przy czym ton ósmy ponownie otrzymał nazwę pierwszego . Cała skala Grzegorza Wielkiego składała się z 14 tonów: A, B, c, d, e, f, g, a, b, c 1, d 1, e 1, f 1, g 1. Litera B (b) miała podwójne znaczenie: B okrągłe (B rotundum) i B kwadratowe (B quadratum), czyli B płaskie i B bekar, w zależności od potrzeby.

Wróćmy jednak do papieża Grzegorza, który między innymi został założycielem szkoły śpiewu w Rzymie, gorliwie uczęszczał na szkolenie, a nawet sam się uczył, surowo karząc uczniów za zaniedbania i lenistwo.

Należy zauważyć, że stopniowo chorał gregoriański, składający się z dwóch rodzajów pieśni – psalmodii (mierzona recytacja tekstu Pismo Święte, głównie na jednej wysokości dźwięku, na której przypada jedna nuta pieśni na sylabę tekstu) i hymny rocznicowe (swobodne śpiewanie sylab słowa „allelujah”) wyparły z kościoła śpiew ambrozjański. Różniła się od tej ostatniej tym, że była płynna i niezależna od tekstu. Dzięki temu melodia płynęła naturalnie i płynnie, a rytm muzyczny usamodzielnił się, co było najważniejszym wydarzeniem w historii muzyki.

Wpływ śpiewu chóralnego na parafian został wzmocniony przez możliwości akustyczne kościołów z ich wysokimi sklepieniami, odbijającymi dźwięk i tworzącymi efekt Boskiej obecności.

W kolejnych stuleciach, wraz z rozprzestrzenianiem się wpływów Kościoła rzymskiego, chorał gregoriański został wprowadzony (czasami narzucony siłą) do nabożeństw niemal wszystkich krajów europejskich. W rezultacie pod koniec XI wieku cały Kościół katolicki był zjednoczony wspólnymi formami kultu.

Nauka o muzyce rozwinęła się w tym czasie w ścisłym powiązaniu z kulturą monastyczną. W VIII – IX w. na bazie chorału gregoriańskiego ukształtował się system średniowiecznych trybów kościelnych. System ten kojarzony jest z jednogłosową strukturą muzyczną, z monodią i reprezentuje osiem skal diatonicznych (doryjska, hipodorska, frygijska, hipofrygijska, lidyjska, hipolidyjska, miksolidyjska, hipomiksolidyjska), z których każda była postrzegana przez średniowiecznych teoretyków i praktyków jako połączenie pewnych możliwości ekspresyjnych (pierwszy próg – „zręczny”, drugi – „poważny”, trzeci – „szybki” itp.).

W tym samym okresie zaczęła kształtować się notacja, reprezentowana początkowo przez tzw. neumy – ikony, które wyraźnie pokazywały ruch melodii w górę lub w dół. Znaki muzyczne rozwinęły się później z neum. Reformę notacji muzycznej przeprowadził w drugiej ćwierci XI wieku włoski muzyk Guido D'Arezzo, urodzony w 990 roku. Niewiele wiadomo o jego dzieciństwie. Po osiągnięciu dorosłości Guido został mnichem w klasztorze benedyktynów w Pompozie niedaleko Rawenny.

Guido D'Arezzo

Natura hojnie obdarzyła go różnymi talentami, co dało mu możliwość łatwego prześcignięcia swoich towarzyszy w nauce. Ci drudzy zazdrościli mu sukcesu i tego, jak dobrze Guido pokazał się jako nauczyciel śpiewu. Wszystko to wiązało się z ostro negatywnym, a częściowo nawet wrogim nastawieniem otaczających go osób do Guido, w wyniku czego ostatecznie został zmuszony do przeniesienia się do innego klasztoru - do Arezzo, od którego imienia otrzymał przydomek Aretino.

Guido był więc jednym z najwybitniejszych muzyków swoich czasów, a jego innowacje w dziedzinie nauczania śpiewu sakralnego przyniosły znakomite rezultaty. Zwrócił uwagę na zapis i wynalazł system czterowierszowy, na podstawie którego dokładnie określił położenie półtonów (od nich zależało, mieszczących się pomiędzy stopniami modów gregoriańskich). cechy charakteru ten czy inny tryb, a także melodia oparta na tym trybie).

Starając się jak najdokładniej nagrać melodię, Guido wymyślił różne zasady, które sformalizował w złożony i skomplikowany system z nowymi nazwami tonów: ut, re, mi, fa, sol, la. Pomimo różnych trudności, jakie powodowało stosowanie takiego systemu, przetrwał on bardzo długo, a jego ślady odnaleźć można w XVIII-wiecznych teoretykach.

Co ciekawe, początkowo Guido D’Arezzo był prześladowany za swoje innowacje. Ale od systemu utalentowany muzyk znacznie ułatwił nagrywanie i czytanie melodii, papież zwrócił go z honorami do klasztoru w Pomposa, gdzie Guido D’Arezzo mieszkał aż do swojej śmierci, czyli do roku 1050.

W XI – XII wieki w rozwoju kultura artystyczna W średniowieczu nastąpił punkt zwrotny, spowodowany nowymi procesami społeczno-historycznymi (rozwój miast, wyprawy krzyżowe, pojawienie się nowych warstw społecznych, w tym rycerstwa, powstanie pierwszych ośrodków kultury świeckiej itp.). Nowe zjawiska kulturowe rozprzestrzeniają się w całej Europie. Następuje powstawanie i rozprzestrzenianie się powieści średniowiecznej oraz stylu gotyckiego w architekturze, w muzyce rozwija się pismo polifoniczne, powstają świeckie teksty muzyczne i poetyckie.

Główną cechą rozwoju sztuki muzycznej w tym okresie było powstanie i rozwój polifonii, która opierała się na chorale gregoriańskim: śpiewacy dodawali drugi głos do głównej melodii kościelnej. We wczesnych przykładach dwugłosów, zapisanych w nutach z IX–XI w., głosy poruszają się równolegle w jednym rytmie (w odstępach kwartowych, kwintowych lub oktawowych). Później pojawiają się wzorce nierównoległego ruchu głosów („Jeden śpiewak prowadzi główną melodię, drugi pomysłowo wędruje po innych dźwiękach” – pisze teoretyk Guido D’Arezzo). Ten rodzaj dwu- i polifonii nazywany jest organum od nazwy głosu dodanego. Później dodany głos zaczął być ozdabiany melizmatami i zaczął poruszać się rytmicznie swobodniej.

Rozwój nowych form polifonii nastąpił szczególnie aktywnie w XII – XIII wieku w Paryżu i Limoges. Okres ten wszedł do historii kultury muzycznej jako „era Notre Dame” (od nazwy znanego na całym świecie zabytku architektury, w którym działała śpiewająca kaplica). Wśród autorów, których nazwiska utrwaliły się w historii, są Leonin i Perotin, autorzy organów i innych dzieł polifonicznych. Leonin stworzył „Wielką Księgę Organum”, przeznaczoną dla corocznego kręgu śpiewu kościelnego. Nazwa Perotin wiąże się z przejściem na trzy- i czterogłosy, co oznacza dalsze wzbogacenie pisma melodycznego. Należy zauważyć, że znaczenie szkoły Notre Dame jest znaczące nie tylko dla Francji, ale także dla całej sztuki europejskiej tamtych czasów.

Powstanie gatunków świeckich w tym okresie przygotowała twórczość wędrownych muzyków ludowych - żonglerów, minstreli i szpilmanów. Odrzuceni, a nawet prześladowani przez oficjalny kościół, wędrowni muzycy byli pierwszymi nosicielami świeckiej liryki, a także tradycji czysto instrumentalnej (używali różnych instrumentów dętych i smyczkowych, harfy itp.).

W tamtych czasach artyści byli aktorami, artystami cyrkowymi, śpiewakami i instrumentalistami w jednym. Jeździli od miasta do miasta, występując na festynach na dworach, zamkach, jarmarkach itp. Do żonglerów, szpilmanów i minstreli przyłączali się także włóczęgi i goliardy – pechowi studenci i zbiegły mnisi, dzięki którym szerzyła się umiejętność czytania i pisania. Stopniowo w tych środowiskach wykształciła się specjalizacja, podróżujący artyści zaczęli tworzyć cechy i osiedlać się w miastach.

W tym samym okresie wyłoniła się wyjątkowa warstwa „intelektualna” – rycerstwo, wśród którego (w okresach rozejmu) wzrosło także zainteresowanie sztuką. W XII wieku w Prowansji pojawiła się sztuka trubadurów, która stała się podstawą szczególnego ruchu twórczego. W większości trubadurowie pochodzili z najwyższej szlachty i posiadali wiedzę muzyczną. Tworzyli złożone dzieła muzyczne i poetyckie, w których śpiewali ziemskie radości, bohaterstwo wypraw krzyżowych itp.

Trubadur był przede wszystkim poetą, często zapożyczał melodie z życia codziennego i twórczo je reinterpretował. Czasami trubadurzy zatrudniali minstreli, którzy zapewniali im akompaniament instrumentalny do ich śpiewu, oraz zatrudniali żonglerów do wykonywania i komponowania muzyki. Wśród trubadurów, których nazwiska dotarły do ​​nas przez zasłonę stuleci, są Juafre Rudel, Bernard de Ventadorn, Bertrand de Born, Rambout de Vaqueiras i inni.

Poezja trubadurów miała bezpośredni wpływ na kształtowanie się twórczości truwerów, która była bardziej demokratyczna, gdyż większość trubadurów pochodziła od mieszkańców miast. Niektórzy trouvères tworzyli dzieła na zamówienie. Najsłynniejszym z nich był pochodzący z Arras Adam de la Halle, francuski poeta, kompozytor i dramaturg drugiej połowy XIII wieku.

Sztuka trubadurów i truwerów rozprzestrzeniła się po całej Europie. Pod jego wpływem, sto lat później (XIII w.), w Niemczech rozwinęły się tradycje szkoły Minnesinger, której przedstawiciele, utalentowani muzycy i kompozytorzy, zasiadali głównie na dworach.

Wiek XIV można uznać za swego rodzaju przejście do renesansu. Okres ten w odniesieniu do muzyka francuska Zwyczajowo nazywa się „Аrs Nova” („Nowa sztuka”) z nazwy Praca naukowa, stworzony około 1320 roku przez paryskiego teoretyka i kompozytora Philippe'a de Vitry'ego.

Należy zauważyć, że w tym czasie w sztuce pojawiają się zasadniczo nowe elementy: na przykład afirmacja (w tym na poziomie teoretycznym) nowych zasad podziału rytmicznego i dźwięczności, nowych systemów modalnych (w szczególności przeróbek i grawitacji tonalnej) - czyli „sharps” i „flats”), nowe gatunki, wkraczające na nowy poziom warsztatu zawodowego.

Do największych muzyków XIV wieku, oprócz Philippe’a de Vitry’ego, który tworzył motety na podstawie własnych tekstów, należy zaliczyć także Guillaume de Machaut, urodzonego w mieście Machaut w Szampanii około 1300 roku.

Guillaume de Machaut służył swego czasu na dworze Joanny z Nawarry, żony Filipa Pięknego, później został osobistym sekretarzem króla czeskiego Jana Luksemburskiego, a pod koniec życia przebywał na dworze Karola V. Francja. Współcześni cenili jego niezwykły talent muzyczny, dzięki któremu był nie tylko znakomitym wykonawcą, ale także znakomitym kompozytorem, który pozostawił po sobie ogromną liczbę dzieł: swoich motetów, ballad, ronda, kanonów i innych pieśni (pieśni i tańca) formy do nas dotarły.

Muzyka Guillaume de Machaut wyróżnia się wyrafinowaną ekspresją, wdziękiem i zdaniem badaczy jest wyrazicielką ducha epoki Ars Nova. Główną zasługą kompozytora jest to, że napisał pierwszą w historii mszę z okazji wstąpienia na tron ​​Karola V.

Z książki Paryż [przewodnik] autor Autor nieznany

Łaźnie Cluny i Muzeum Średniowiecza Ruiny i średniowieczny mur na skrzyżowaniu bulwarów Saint-Germain i Saint-Michel – dawna rezydencja opatów najpotężniejszego burgundzkiego klasztoru w Cluny, zbudowana na miejscu Łaźnie galijsko-rzymskie (łaźnie publiczne) w II wieku naszej ery. mi. W

Z książki Paryż. Przewodnik przez Eckerlina Petera

Śladami średniowiecza Wzdłuż wąskiej uliczki Rue du Pr?v?t można znaleźć się w jednym z najcichszych miejsc w tętniącym życiem Marais. Na końcu Rue Figuier znajduje się Hotel de Sens (69), jeden z ostatnich zachowanych średniowiecznych pałaców. Pałac został zbudowany około 1500 roku dla arcybiskupa Sens, do

Z książki Sztokholm. Przewodnik przez Kremera Birgita

Wyspa Helgeandsholmen i Muzeum Średniowiecza Jeśli teraz udasz się od zamku na północ, to przechodząc przez mały most Stallbron, znajdziesz się na Helgeandsholmen (8), czyli na Wyspę Ducha Świętego, na której wznoszą się potężne budowle banku królewskiego i

Z książki Średniowieczna Francja autor Polo de Beaulieu Marie-Anne

Z książki Wszystko o Rzymie autor Choroszewski Andriej Juriewicz

Z książki Wszystko o Paryżu autor Biełoczkina Julia Wadimowna

Z książki Poznaję świat. Wielkie Podróże autor Markin Wiaczesław Aleksiejewicz

Z książki Encyklopedia symboliki: malarstwo, grafika i rzeźba przez Cassou Jeana K

Rzym w średniowieczu „Drodzy Rzymianie, jesteście szanowanymi patrycjuszami i wy, których los przeznaczył na miano plebsu! Mamy zaszczyt poinformować Cię, że w Twoim życiu zaszły duże zmiany. Czasy Imperium minęły, starożytność należy już do przeszłości! Dalej

Z książki Kiedy możesz klaskać? Poradnik dla zakochanych muzyka klasyczna przez Hope Daniel

Paryż we wczesnym średniowieczu Jednym z najważniejszych mechanizmów ciągłości kulturowej Cesarstwa Rzymskiego był kościół, który zachował tę samą organizację, zarządzanie, język łaciński komunikację, a także połączenia z Rzymem. Clovis był założycielem królestwa Franków.

Z książki 200 słynnych zatruć autor Antsyshkin Igor

Średniowiecze, tysiąclecie bez odkryćGeografia po arabskuPrzełom na Zachód z ChinWłosi w Złotej OrdziePodróż braci PoloPowrót na Wschód„Romans Wielkiego Chana”Żeglarze z fiordówKraina Lodu i Kraj ZielonyPięć wieków wcześniej

Z książki Popularna historia muzyki autor Gorbaczowa Ekaterina Gennadievna

Muzyka symbolistyczna: Muzyka symbolistyczna? „Incydent Wagnerowski” Jeśli trudno bez dowodów przyjąć fakt istnienia muzyki symbolistycznej, nie da się zaprzeczyć, że niektórzy kompozytorzy budzili szczególny podziw dla przedstawicieli symboliki literackiej. Największa

Z książki Muzeum domowe autorka Parch Susanna

NOWA MUZYKA TO INNA MUZYKA Wątpiłem, czy ta trójka zna mój repertuar i czy nazwiska takie jak Adès, Turnage, Takemitsu, Kurtag, Lindberg czy Müller-Wieland coś dla nich znaczą. Ale mimo to ich wymieniłem, kompozytorów XX i XXI wieku, którzy piszą muzykę współczesną. NA

Z książki autora

OD WIEKÓW ŚREDNICH DO WSPÓŁCZESNOŚCI „Apteczny: Wsyp ten proszek do dowolnego płynu i wypij całość. Jeśli masz więcej Siły niż dwudziestu ludzi, natychmiast umrzesz. V. Szekspir. "Romeo i Julia". FUNDACJA POLSKI I KIELICH TRUCINY Legendarny król polski z VIII w. Leszek przekazał po

Z książki autora

OD ŚREDNIOWIECZA DO WSPÓŁCZESNOŚCI Balezin S. Nad wielkimi jeziorami Afryki. – M.: Nauka, 1989. -208 s. Bogdanow A. Pokora według Joachima // Nauka i religia. -1995. – nr 7. Wielka Encyklopedia Radziecka: T. 40. – M.: Gosnauchizdat, 1955. – 760 s. Borysow Yu. Dyplomacja Ludwika XIV. – M.: Międzynarodowy.

Z książki autora

Kultura muzyczna starożytności, średniowiecza i renesansu Muzyka starożytności Za najwcześniejszy historyczny etap rozwoju europejskiej kultury muzycznej uważa się muzykę starożytną, której tradycje wywodzą się z bardziej starożytnych kultur Bliskiego Wschodu.