Czym jest rzemiosło ludowe? Lista rzemiosła ludowego Rosji

Sztuka i rzemiosło ludowe sięga czasów starożytnych, rzemiosła domowego i rzemiosła wiejskiego. Później powstały rzemiosła pracujące na rynek, a także warsztaty prywatne, uwikłane w kapitalistyczny system rynkowy i często nie mogące wytrzymać konkurencji towarów fabrycznych. Na przełomie XIX i XX w. W wielu krajach rozpoczęło się odrodzenie ludowego rzemiosła artystycznego, m.in. w Rosji. W naszym kraju istnieje specjalny program państwowy mający na celu wspieranie i ożywianie oryginalnych rosyjskich rzemiosł ludowych, w tym: tace Khokhloma, Gzhel, Zhostovo, kora brzozy, pudełka Fedoskino, samowary, bałałajki, malarstwo Gorodets.

Ale przede wszystkim warto dowiedzieć się, skąd wzięły się te, słusznie, dzieła sztuki na Rusi, przebyte przez wieki i wiele trudności, przekazywane z pokolenia na pokolenie, z mistrza na mistrza, z ojca na ojca. synu, rzemiosło ludowe dotarło do naszych czasów!

Nad rzeką Uzolą, w starożytnych lasach regionu Zawołgi, znajdują się starożytne rosyjskie wioski - Nowopokrowsko, Chryaszy, Kuligino, Semino. To tutaj słynna na całym świecie rybołówstwo Khokhloma śledzi swoją historię. W tych wioskach do dziś mieszkają mistrzowie, którzy malują drewniane naczynia, kontynuując tradycje swoich ojców, dziadków i pradziadków.

Jednak badaczom nie udało się jeszcze ustalić czasu pojawienia się obrazu Khokhloma. W końcu drewniane naczynia i inne przybory nie były przechowywane przez długi czas. Od częstego użytkowania zużył się i stał się bezużyteczny. Został wyrzucony lub spalony i zastąpiony nowym. Wyroby mistrzów Khokhloma docierały do ​​nas głównie dopiero od XIX wieku. Jednak różne informacje dokumentalne wskazują, że rybołówstwo powstało wcześniej, być może w XVII wieku.

Oryginalna technika charakterystyczna dla Khokhloma, polegająca na malowaniu cynobrem i czarną farbą na złotym tle, znajduje analogie w starożytnej sztuce rosyjskiej.

Dokumenty wspominają, że na przełomie XVI i XVII wieku w Ławrze Trójcy-Sergiusa podczas uroczystego przyjęcia gości wręczano im drewniane chochle zdobione złotem i cynobrem oraz puchary.

Na początku XVII wieku ziemie Trans-Wołgi zostały przydzielone Ławrze Trójcy-Sergiusa, wśród których była Khokhloma. Chłopi nie tylko widzieli te złocone naczynia, ale także wiedzieli, jak je malować. Ale rzemieślnicy Khokhloma mieli własną metodę „złocenia”. Naczynia nacierano proszkiem cyny, pokrywano olejem suszącym i podgrzewano w rzeźbionych, złoconych piecach. Olej schnący zmienił kolor na żółty pod wpływem wysokiej temperatury, a prześwitująca przez niego puszka stała się złota.

Jeden z najlepsi mistrzowie Malarstwo Khokhloma tak opowiadało o tym rzemiośle: (Sam charakter obrazu, imitujący złote i srebrne naczynia, sugerowała sztuka dekoracyjna Starożytna Ruś...Khokhloma była prawdopodobnie jedynie późnym odbiciem tej wielkiej sztuki...)

W XIX wieku rybołówstwo rozwinęło się na tyle, że dostarczało swoje towary w dużych ilościach nie tylko na rynek krajowy, ale także za granicę, do krajów Azji Środkowej i Zachodnia Europa. Produkcją naczyń i innych artykułów gospodarstwa domowego zajmowało się kilka wiosek powiatów Semenowskiego i Bałaknińskiego w prowincji Niżny Nowogród, Makarinsky i Varnavinsky - Kostroma. Wśród nich panowało coś w rodzaju podziału pracy. W jednej wsi obrabiano drewno, w drugiej stosowano wzór.

Najwcześniejsze dzieła Khokhloma znajdujące się w zbiorach Muzeum Rosyjskiego pochodzą z drugiej połowy XIX wieku. Liczą około 170 artykułów gospodarstwa domowego o różnym przeznaczeniu. Naczynia reprezentowane są przez miski i kubki dowolnej wielkości: od małych, przypominających rozety deserowe, po ogromne o średnicy 70-80 centymetrów; różni dostawcy i beczki solniczki oraz różne łyżki.

Tanie dania codziennego użytku można było wyróżnić prostymi wzorami naniesionymi specjalnymi stemplami z filcowej tkaniny lub grzybkiem przeciwdeszczowym. Są to spirale, romby, małe rozety i liście.

Droższe przedmioty malowano ręcznie za pomocą pędzla, tworząc różnorodne kompozycje ziołowych wzorów, gdzie rytmicznie łączono lekko zakrzywione, cienkie czerwone i czarne gałązki z bujnymi, pierzastymi źdźbłami trawy.

Czasami czerwona i czarna puszysta trawa uzupełniała główny motyw ozdobny dużej kręconej łodygi, której każdy kłębek kończył się czerwoną jagodą.

W latach 60-tych zaczęto produkować wieloprzedmiotowe zestawy i usługi.

Współczesna Khokhloma słusznie zyskała szerokie uznanie nie tylko w naszym kraju, ale także daleko poza jego granicami. W wielu największych z nich wystawione są jaskrawo pomalowane zestawy sztućców, filiżanek, łyżek i mebli wystawy międzynarodowe. A ta wyjątkowa, wesoła sztuka zawsze znajduje miłość i zrozumienie wśród ludzi wszystkich narodowości.

W obwodzie moskiewskim jest wieś Zhostovo, której mieszkańcy od ponad półtora wieku opanowali sztukę dekorowania tylko jednej rzeczy - tacy. Pod pędzlem malarzy ludowych obiekt ten nabrał walorów dzieło sztuki. Zebrane w bukiety lub swobodnie rozłożone na błyszczącym czarnym tle, ogrodowe i polne kwiaty ozdabiają tacę i przynoszą ludziom poczucie radości duszy, poezję wiecznego rozkwitu natury. Nie ma przecież człowieka, który nie kochałby przyrody, byłby obojętny na kwiaty, ich piękno, aromat i wielką moc życia w nich zawartą. Temat ten jest bliski każdemu, dlatego jest tak wielu wielbicieli talentu Zhostovo nie tylko w naszym kraju, ale także za granicą.

A pewnego razu w początek XIX wieku, otwierając pierwszy warsztat do produkcji wyrobów z papieru-mache w Zhostowie, kupiec Filip Nikitiewicz Wiszniakow nawet nie podejrzewał, że założył nowe rzemiosło, które ostatecznie stało się jednym z unikalnych ośrodków rosyjskiego Kultura ludowa. Rozwinęła się tu oryginalna sztuka malarstwa zdobniczego, łącząca w sobie tradycje malarstwa ludowego na przedmiotach gospodarstwa domowego oraz malarstwa sztalugowego martwej natury, rozumianej i przerabianej na swój sposób przez twórców ludowych. Pierwsze tace wykonywano z papieru-mache, podobnie jak pudełka, tabakierki, pudełka vintage i pudełka z nich wykonane. Początkowo zdobiące je obrazy były takie same - pejzaże malowane z rycin i obrazów, letnie i zimowe trójkąty koni, wieczorki herbaciane przy stole. Umieszczone na czarnym tle w centrum pola sylwetki postaci i lokalne plamy barwne były wyraźnie czytelne.

W latach trzydziestych XIX wieku tace w Zhostowie zaczęto wykonywać z metalu. Pomysł zastąpienia papier-mache trwalszym materiałem został zainspirowany tacami Zhostovo z Niżnego Tagila, słynnego centrum ich produkcji jeszcze w XVIII wieku. W XIX wieku w Tagile wykonywano tace, dekorowane kwiatowymi wzorami charakterystycznymi dla ludowych naczyń malowanych na Uralu.

Innym znanym ośrodkiem produkcji tac był St. Petersburg. Modne były tu tace o kręconych kształtach i skomplikowanych wzorach przedstawiających kwiaty, owoce, ptaki wśród różnych muszli i fantazyjne loki.

Mistrzowie Zhostova wzięli pod uwagę doświadczenia malarzy z Niżnego Tagila i Petersburga, ale nie tylko wykorzystali ulubione style i techniki, ale na ich podstawie stworzyli własny, niepowtarzalny styl i charakter ozdabiania tac. Rozwinął się w latach 1870-1880.

W tym czasie w miastach wzrosło zapotrzebowanie na tace. W tawernach, lokalach gastronomicznych i hotelach tace służyły zgodnie z ich przeznaczeniem oraz jako dekoracja wnętrz. Produkcja tacek w Zhostowie stopniowo oddzielała się od miniatur lakierowych na papierze-mache. Powstało wiele warsztatów, które produkowały tace na sprzedaż w Moskwie, Petersburgu i innych rejonach. Od tego czasu i do dziś Zhostovo i okoliczne wsie stanowią swego rodzaju rezerwat tej wyjątkowej sztuki.

Kolekcja tac Zhostovo w Muzeum Rosyjskim jest niewielka. Zawiera jednak dzieła najwyższej klasy, wykonane w różnych okresach życia rzemiosła i wyraźnie oddające specyfikę i poziom sztuki swoich czasów.

Do najbardziej znanych dzieł należy owalna taca ozdobiona malowidłami z masy perłowej.

Prawie każda zabytkowa taca nosi ślad warsztatu, w którym została wykonana. Na podstawie tego znaku można poznać nazwisko właściciela warsztatu i na jego podstawie określić czas powstania tacy.

W odległości 50-60 kilometrów na północny wschód od Moskwy, w obwodzie rameńskim, wzdłuż autostrady Jegoriewskie, znajduje się dwadzieścia połączonych ze sobą pięknych wsi i przysiółków.

Gżel to nazwa jednej z wsi – dawnego ośrodka volost, który stał się kolektywem dla całego regionu, symbolem wyjątkowej sztuki i rzemiosła ludowego.

Gżel to nazwa nadawana wysoce artystycznym wyrobom porcelanowym wytwarzanym w tych miejscach, malowanym kobaltem na białym tle.

Pierwsza wzmianka o Gżelu w źródłach pisanych pochodzi z 1339 r., w liście duchowym Iwana Daniłowicza Kality. Odtąd na przestrzeni wieków, jako jeden z najbardziej dochodowych volostów, Gzhel został odziedziczony przez rodzinę wielkich moskiewskich książąt i carów, przynosząc im znaczne dochody.

Już w XVI wieku mieszkańcy Gżela przewozili nadwyżki sprzętu gospodarstwa domowego do Moskwy, a także do moskiewskich garncarzy w Jauzskiej Słobodzie, niektórzy zatrzymywali się tam do pracy. Bywali także na moskiewskich jarmarkach i aukcjach. Na aukcji zapoznaliśmy się z importowanymi wyrobami rzemieślników z innych miejsc w Rosji, z innych krajów.

Na bazie chłopskiego rzemiosła i handlu stopniowo wykształcił się nowy typ ludności chłopskiej w Gżelu.

W latach 70. i 80. XVIII wieku Gżel stał się centrum produkcji majoliki artystycznej w Rosji. Faktem jest, że od otwarcia manufaktury Afanasy'ego Grebenshchikowa w 1724 r. Wielu mieszkańców Gżela pracowało tam jako garncarze. Sprytni i sprawni, szybko pojęli tajniki nowej produkcji wyrobów z majoliki i wracając do ojczyzny, uruchomili swoje prymitywne, ale liczne nowe kuźnie, wytwarzali swoje wyroby nie tylko, jak dawniej, ze zwykłych czerwonych glinek, ale stosowali nowe technologia mas białych z domieszkami innych odmian iłów i dodatkami mineralnymi.

Oryginalne produkty Gzhel były stale poszukiwane. Chłopi zajmujący się rękodziełem pracowali od świtu do zmierzchu, zajmując się gliną i tworząc z niej przedmioty niezbędne do życia codziennego. Każdy z nich miał swój styl, a tworząc produkty przedstawiał własną wizję otaczającego go świata. Wartość naczyń i zabawek wyznaczana była przez gusta nabywców i kontrolowana przez ich popyt. Popularność wyrobów Gżela sprawiła, że ​​spełniały one wymagania odpowiadające celom utylitarnym i gustom artystycznym ówczesnej ludności. W połowie XVIII wieku produkcja ceramiki w Rosji zaczęła się dość szybko rozwijać, ale produkty Gzhel były stale poszukiwane. Stąd produkcja ceramiki rozprzestrzenia się na Kolomenską, Serpuchowską i inne dzielnice prowincji moskiewskiej.

Koniec XVIII wieku to okres rozkwitu majoliki Gżel; Szczególnie duże umiejętności miejscowi rzemieślnicy osiągnęli w wyrobie dzbanków, kumganów i kwasu chlebowego. Praca wymagała dużej cierpliwości i umiejętności. Obraz nie pozwalał na żadne poprawki ani przeróbki, gdyż został wykonany na miękkim, niewypalonym odłamku pokrytym białą emalią. Gżelianie wykonywali także osobno małe rzeźby z majoliki, które często przedstawiały typowe sceny z ich życia, kompozycje pełne humoru, zajętych różnymi sprawami żołnierzy, wieśniaczki, fashionistki i dandysów. Fabuły były wyraziste i zrozumiałe, urzekały klarownością planów i naiwnością ich twórców – prostych rzemieślników ludowych.

Przez wiele dziesięcioleci mieszkańcy Gzhel tworzyli płytki o niesamowitej urodzie i różnorodności obrazów do dekoracji pieców i kominków. Ermitaż przechowuje obecnie w swojej kolekcji ponad 500 ich próbek.

Wielu mistrzów Gzhel uczestniczyło w tworzeniu ceramiki w innych miejscach Rosji.

Próbowano zrobić półfajans Gżel już w ostatnich latach XVIII wieku. Przedmioty wykonane z tego materiału, sprowadzone z zagranicy, były tak drogie, że tylko nieliczni mogli je kupić, ale mimowolnie zmusili mieszkańców Gżela do opanowania technologii ich produkcji.

Półfajans miał już biały, choć gruby odłamek, a malowanie prowadzono nie na surowej emalii, jak na wyrobach z majoliki, ale po wypaleniu, na twardym odłamku, co znacznie ułatwiło, przyspieszyło pracę i przyspieszyło defekty.

Półfajans stał się równie cudownym zjawiskiem artystycznym jak majolika. Mieszkańcom Gżela udało się zdobyć białe naczynia biały, przypominający ceramikę z początku XIX wieku. Dodając wapno do swojej gliny, Gżele uzyskali materiał zwany prostym fajansem lub półfajansem, z którego w XIX wieku stworzyli dziesiątki tysięcy niezbędnych artykułów gospodarstwa domowego.

Opracowanie własnego, niepowtarzalnego stylu malarstwa kobaltowego zajęło ludowi Gzhel trochę czasu, ale stopniowo osiągnął on doskonałość w półfajansie. Niebieski kolor staje się klasyczny, nierozerwalnie związany z półfajansem Gzhel. Zastąpił go nowy wizualny język obrazowy rysunek konturowy z polichromią, stosowaną wcześniej w majolice. Niebieska farba najlepiej łączy się z glazurą, przy wypaleniu wytwarza mniej defektów i emituje ponadczasowy blask. W obrazie pojawiają się także elementy humanizacji i uduchowienia rzeczy.

DO połowa 19 wieku Gzhel był największym dostawcą wyrobów ceramicznych w kraju.

W drugiej połowie XIX wieku nastąpiły istotne zmiany w rosyjskiej produkcji ceramiki. Obecnie prym wiodą duże, zmechanizowane fabryki. Ekonomiczna produkcja, wysoka jakość produktów i umiarkowane ceny pozwoliły wygrać walkę na rynkach zbytu.

W 1926 r. Liczba pracowników przemysłu porcelany i wyrobów ceramicznych w regionie Gżel wynosiła 506 osób.

Partnerstwo Gżel powstało w wyniku połączenia sześciu małych warsztatów z różnych wsi w 1972 roku.

We wsi Żyrowo produkują kominki ceramiczne, we wsiach Troszkowo i Fenino – naczynia ceramiczne i majolikowe. We wsi Fenino wraz z włoską firmą powstaje zakład produkcyjny do produkcji płytek i płytek. Zabawki porcelanowe powstają we wsi Kołomino-Fryazino, a nowoczesne zakłady produkcyjne we wsiach Turygino i Bakhteevo są głównymi ośrodkami produkcji porcelany artystycznej.

Mistrzowie Gzhel głęboko i w sposób święty zachowują tradycje swoich przodków, twórczo je rozwijają i pomnażają. W na wpół baśniowym świecie stworzonym przez ceramików dzisiejszego Gżelu trudno jest wytyczyć wyraźną granicę między sztuką przeszłości a teraźniejszością. Wiosna, która przed wiekami zrodziła się w duszy narodu rosyjskiego, nie wysycha; Przeszedłszy przez wieki, nadal pozostaje potężną siłą estetyczną i nie traci swojej czystości. Ciągłość tradycji rzemieślników ludowych i lojalność wobec nich jest zalążkiem sukcesu i popularności ceramiki Gżel w naszych czasach.

Historia Gzhel sięga wieków wstecz, a jego sztuka ludowa ma długie życie, dziś słynna rzemiosło ludowe zyskując nowe siły. Błękitniki z Gzhel latają do różnych części planety, aby udekorować życie ludzi i pielęgnować poczucie piękna.

Kora brzozy

Kora brzozowa Przez długi czas na Rusi kora brzozowa służyła do wyrobu przedmiotów użytku domowego i wygodnego - tkano kosze i pudełka. A w pojemnikach z kory brzozowej przechowywano miód i jagody, śmietanę i masło... W takich „opakowaniach” wszystko długo pozostawało świeże.

Wykonywali także skrzynie i szkatułki z kory brzozowej, wszelkiego rodzaju skrzynki, naczynia, a nawet buty łykowe. Malowano je jasnymi, wesołymi kolorami: malowano kwiaty i jagody, zielone gałązki i bajeczne ptaki, zwierzęta nieznane lub dobrze znane. Czasem pod pędzlem mistrza rodził się prawdziwy obraz: błazne żartownisie grały na bałałajkach, niedźwiedzie tańczyły... Oczy nie można oderwać od pięknego wzoru, kolorowego zdobienia...

Kora brzozy jest doskonałym materiałem do wycinania ostrym nożem cienkich wzorów koronkowych. Wygląda na to, że to piękno utkała utalentowana koronkarka. Taką ażurową „koronką” z kory brzozowej zdobiono trumny, szkatułki, puderniczki i pudełka, wazony i kubki. Aby podkreślić kapryśny wzór i design, rzemieślnicy czasami umieszczali kolorową folię lub kawałki miki pod „koronką” z kory brzozy.

Specjalnymi stemplami wyciskali także wzory na korze brzozy. Nazywa się to embossingiem. Dzięki tej metodzie wykonane z niej wyroby były wyjątkowo eleganckie.

Kora brzozy od dawna wykorzystywana jest do wyrobu różnych wyrobów gospodarstwa domowego i artystycznych. Do dziś zachowały się litery z kory brzozowej znalezione podczas wykopalisk w Nowogrodzie Wielkim i innych rosyjskich miastach. Wyroby z kory brzozowej dekorowano malowaniem, rzeźbieniem i tłoczeniem.

Handel korą brzozową był powszechny w całym kraju. Tradycje wytwarzania wyrobów artystycznych z kory brzozy zachowały się w północnych i północno-wschodnich regionach europejskiej części Rosji, w regionie Wołgi, na Syberii i Jakucji.

A dziś, w XXI wieku, zainteresowanie starożytnym rzemiosłem ludowym i sztuką naszych przodków nie osłabło. Podziwiamy talent mistrzów, którzy dali nam piękno. I nieważne, że jest wykonany nie ze złota i srebra, ale ze zwykłej, skromnej, ale i magicznej kory brzozy.

Pochodzenie malarstwa Mezen wciąż pozostaje tajemnicą. Niektórzy badacze porównują go do malarstwa Republiki Komi, inni uważają, że wywodzi się ono ze starożytnych greckich obrazów. Badacz malarstwa V.S. Woronow na przykład mówił o tym: „To ozdoba, która zachowała w swoich elementach najgłębsze pozostałości archaicznych stylów starożytnych Greków, pokrywając powierzchnie drewnianych przedmiotów grubą koronką”. Ustalenie tego w naszych czasach jest bardzo problematyczne, ponieważ od pojawienia się obrazu Mezena minęło być może ponad sto lat. Wiadomo było o tym już w 1904 roku, choć oczywiście malarstwo powstało znacznie wcześniej. Niezwykłość obrazu, jego graficzny charakter oraz prymitywno-konwencjonalna interpretacja wizerunków koni i ptaków zachęcają badaczy do poszukiwania początków malarstwa Mezen w sztuce sąsiadujących ludy północy i w malowidła naskalne. VS. Woronow, badając style malarstwa ludowego na drewnie w różnych regionach Rosji, wyróżnił Mezen jako „tajemniczy i ciekawy”, wskazując na jego powiązania ze stylami starożytnej Grecji.

Początki tego typu malarstwa sięgają dolnego biegu rzeki Mezen w obwodzie archangielskim. Malowano nim różne sprzęty gospodarstwa domowego - kołowrotki, chochle, pudełka, skrzynie, szkatułki. Od końca XIX wieku wieś Palashchelye stała się ośrodkiem malarstwa Mezen, dlatego też malarstwo na drewnie Mezen znane jest również jako „malarstwo Palashelye”.

Obszar malarstwa Mezen jest bardzo rozległy. Oprócz dorzecza Mezen z Waszką obejmuje na zachodzie obszary Pinegi i dolnego biegu Północnej Dźwiny do Półwyspu Onega, a na wschodzie - dorzecza Iżmy i Peczory. Można tu znaleźć kołowrotki z obrazem Mezen nie tylko z Palashchelye, ale także z innych wiosek.

Najczęściej obrazy Mezena przedstawiały postacie jeleni, koni, rzadziej ludzi, ale malowano jedynie sylwetkę człowieka. Pomimo tego, że wszystko na tym obrazie jest proste i zwięzłe, można napisać cały esej rysunkami, przekazać jakieś przesłanie za pomocą znaków. W końcu istnieje wiele znaków żywiołów, luminarzy, ziemi, a także ochrony i uzupełniania rodziny. Znając ich dekodowanie, możesz przeczytać każde dzieło.

W dawnych czasach malowano w zasadzie obracające się koła. Koła spinningowe Mezen były naprawdę wyjątkowe. Po pierwsze, jeśli zwykłe kołowrotki składały się z trzech części: dna, pionu i ostrza, to w Mezen robiono kołowrotki z jednej części, do których wybierano drzewa, których korzenie mogłyby stać się dnem.

Po drugie, same rysunki były wyjątkowe. Naukowcy uważają, że przednia część kołowrotka, przedstawiona bardzo ściśle, jest podzielona na trzy części za pomocą geometrycznych wzorów: niebo, ziemia i świat podziemny. Na niebie ukazano ptaki i tzw. „okno”, za pomocą którego można było komunikować się z Bogiem. Następnie przedstawiano rzędy za rzędami koni i jelenia lub drzewa, często z ptakiem siedzącym na czubku głowy. W podziemne królestwo Malowali także jelenie i konie, ale cieniowane czarną farbą. A na odwrotnej stronie artysta, ściśle zachowując poziomy, mógł wykonać napisy, na przykład: „Kogo kocham, daję”. Koła obrotowe z podobnymi przesłaniami mąż podarował żonie na ślub lub narodziny dziecka. Nawiasem mówiąc, malarstwem zajmowali się wyłącznie mężczyźni, przekazując tę ​​sztukę z pokolenia na pokolenie.

Tradycyjnie przedmioty malowane malarstwem Mezen mają tylko dwa kolory - czerwony i czarny (sadza i ochra, później czerwony ołów). Obraz nanoszono na niezagruntowane drewno za pomocą specjalnego drewnianego patyka (imadła), pióra głuszca lub cietrzewia lub pędzla z ludzkiego włosia. Następnie produkt wyschnął, co nadało mu złocisty kolor. Obecnie ogólnie rzecz biorąc technologia i technika malowania Mezen została zachowana, z tym wyjątkiem, że zaczęto częściej używać pędzli. Odczuwalna jest także pewna wewnętrzna różnica między współczesnym malarstwem Mezen a starym, ponieważ początkowo malowaniem zajmowali się wyłącznie mężczyźni, podczas gdy w naszych czasach zajmują się nim głównie kobiety.

Obecnie malarstwo Mezen jest praktykowane w prawie całej Rosji, a w niektórych szkołach jest uwzględnione w programie Dzieła wizualne.

Malarstwo na drewnie Gorodec, tradycyjne rzemiosło artystyczne, które rozwinęło się w połowie XIX wieku we wsiach położonych nad rzeką Uzole w okolicach Gorodca Obwód Niżny Nowogród.zero

Początki malarstwa wywodzą się z produkcji kołowrotków Gorodets, inkrustowanych dębem bagiennym i dekorowanych rzeźbami konturowymi. W przeciwieństwie do szeroko rozpowszechnionych kołowrotków, wykutych z jednego drewnianego monolitu, kołowrotki Gorodets składały się z dwóch części: dna i grzebienia. Dnem była szeroka deska, zwężająca się ku głowie z piramidalnym „palcem”, w otwór, w który włożono trzonek grzebienia. Kiedy nie pracowano na kołowrotku, grzebień wyjmowano z grzebienia, a jego spód wieszano na ścianie, stając się rodzajem dekoracyjnego panelu.

W połowie ubiegłego wieku rzemieślnicy zaczęli ożywiać inkrustowane spody, najpierw jedynie poprzez zabarwienie tła, potem rzeźbienie, a następnie wprowadzenie kolorowych rysunków fabularnych. Najwcześniejsze podobne dno, jakie przetrwało do dziś, wykonał mistrz Łazar Mielnikow w 1859 roku. Stopniowo malowanie, prostsze technologicznie, ostatecznie zastąpiło pracochłonne intarsje. Mistrzowie Gorodca przenieśli do malarstwa nie tylko tematykę wykorzystywaną wcześniej w inkrustacji, ale także uogólnioną interpretację obrazów sugerowaną przez techniki rzeźbiarskie. W obrazie zastosowano jasne, bogate kolory: czerwony, żółty, zielony, czarny, zmieszane z płynnym klejem do drewna. Z czasem asortyment się rozszerzył; Oprócz tradycyjnych kołowrotków Doniec zaczął wytwarzać i malować pudełka na pędzle, drewniane zabawki, meble, a nawet części domów, okiennice, drzwi i bramy. W 1880 r. rybołówstwem zajmowało się około 70 osób z siedmiu sąsiadujących wsi. Wśród najstarszych mistrzów, którzy stali się założycielami malarstwa Gorodets, zachowały się imiona braci Mielnikowa i G. Polakowa, później dołączyli do nich malarze, którzy na początku XX wieku zachowali tajemnice rzemiosła I. A. Mazin, F. S. Krasnoyarov, T. Belyaev, I. A. Sundukov.

Stopniowo rozwijały się oryginalne techniki malarstwa Gorodets, które w swoim wieloetapowym charakterze zbliżały się do malarstwa zawodowego. Początkowo malowane jest tło, które służy również jako podkład. Na podstawie kolorowego tła mistrz wykonuje „podmalówkę”, nakładając za pomocą dużego pędzla główne plamy koloru, po czym modeluje kształt cieńszymi pędzlami. Obraz dopełnia „zamieszkanie” bielą i czernią, połączenie rysunku w jedną całość. Gotową fabułę zazwyczaj otaczamy ramką graficzną lub konturem. W malarstwie Gorodca występuje wiele prostych motywów zdobniczych róż, pąków i trawy.

Wraz z rozwojem rzemiosła znacznie wzbogaciła się także tematyka malarstwa, najwyraźniej zapożyczona z popularnych grafik. Oprócz tradycyjnych koni pojawiły się także podwieczorki, festyny, sceny z życia miasta, postacie z podań ludowych oraz sceny batalistyczne inspirowane wojną rosyjsko-turecką.

Rybołówstwo Gorodets istniało przez około pięćdziesiąt lat. Jego rozkwit przypadł na lata 90. XIX wieku, kiedy produkcja doniecka osiągnęła 4 tysiące rocznie, jednak na początku XX wieku rybołówstwo podupadło. Po I wojnie światowej produkcja obrazów została całkowicie wstrzymana, a nawet najsłynniejsi malarze zmuszeni byli szukać innych dochodów.

Odrodzenie malarstwa Gorodets wiąże się z nazwiskiem artysty I. I. Oveshkowa, który przybył do regionu Gorkiego w 1935 roku z Zagorska. Dzięki jego staraniom we wsi Koskowo otwarto publiczny warsztat zrzeszający starych malarzy. Oveshkov nie tylko przejął kierownictwo warsztatu, ale także zorganizował profesjonalna edukacja artyści. Dzięki jego bezpośredniemu udziałowi rozpoczęło się poszerzanie asortymentu produktów malowanych: pudełek, szafek ściennych na naczynia, krzesełek do karmienia i parawanów składanych. W 1937 r. Rzemieślnicy Gorodets wzięli udział w wystawie „Sztuka ludowa”, która odbyła się w Galerii Trietiakowskiej w Moskwie, gdzie obok ludu Don z XIX wieku zaprezentowano nowoczesne produkty

W 1951 r. We wsi Kurtsevo otwarto artel stolarsko-meblowy Stachanowiec, na którego czele stał dziedziczny malarz Gorodecki A.E. Konowaliow. Artel rozpoczął produkcję mebli z motywami tradycyjnego malarstwa na szafkach, stolikach nocnych, taboretach i stołach; asortyment stale się poszerzał. W 1960 roku artel został przekształcony w fabrykę malarstwa Gorodets.

Obecnie fabryka produkuje malowane zabawki na biegunach, meble dziecięce, panele dekoracyjne, naczynia i przybory do obracania. Choć zmieniło się przeznaczenie funkcjonalne wyrobów Gorodets, w ich malarstwie zachowały się tradycyjne motywy i obrazy, długonogie konie, jeźdźcy, magiczne ptaki i doniczki z kwiatami.

Historia bałałajki

Bałałajka to rosyjski ludowy, szarpany trzystrunowy instrument muzyczny z trójkątnym drewnianym korpusem. Bałałajka stała się integralnym muzycznym symbolem Rosji. Historia pochodzenia bałałajki sięga wieków wstecz i nie jest jednoznaczna. Niektórzy uważają, że instrument ten wynaleziono na Rusi, inni historycy twierdzą, że historia bałałajki wywodzi się od ludowego instrumentu kirgisko-kaisackiego – dombry. Również samo słowo „bałałajka” wywołuje wiele spekulacji i kontrowersji. Najbardziej podstawowa hipoteza jest taka, że ​​słowo „bałałajka” ma ten sam rdzeń, co takie słowa jak balacat, balabonit, balabolit, balagurit, co oznacza rozmawiać, pusty pierścień. Wszystkie te słowa oddają wyjątkowość tego ludowego instrumentu: lekki, zabawny, „brzęczący”, niezbyt poważny.

Większość historyków uważa, że ​​​​bałałajka została wynaleziona około 1715 r., Jednak istnieje wiele dokumentów historycznych, które mówią o wcześniejszej historii powstania bałałajki. Pierwsza pisemna wzmianka o bałałajce znajduje się w dokumencie z 13 czerwca 1688 r. „Pamięć od Streletskiego Prikazu do Małego Rosyjskiego Prikazu”, w którym wspomina się o chłopie Iwaszko Dmitrijewie grającym na bałałajce. Kolejny dokument przedstawiający historię bałałajki pochodzi z 1715 roku. To „Rejestr” podpisany przez Piotra I, datowany na rok 1715: w Petersburgu podczas uroczystości błazenskiego wesela „księcia-taty” N.M. Zołotowa, oprócz innych instrumentów noszonych przez mummerów, cztery bałałajki zostały nazwane.

Do tej pory bałałajka przeżywała różne okresy swojej historii. Albo zapomniano o tym ludowym instrumencie, albo z nową energią stał się popularny we wszystkich wioskach i przysiółkach. Dlaczego dźwięki tego instrumentu tak przyciągają Rosjan? Być może te wesołe, brzdąkające, lekkie i zabawne dźwięki pomogły naszym przodkom zapomnieć o wszystkich trudach chłopskiego życia, a może w tych dźwiękach przekazywała się cała istota życia na Rusi i teraz, słysząc dźwięk bałałajki, z łatwością możemy spojrzeć na historię oczami naszych przodków. Kto wie, jakie wzloty i upadki czekają ten wyjątkowy rosyjski instrument ludowy, ale teraz możemy śmiało powiedzieć, że bałałajka jest najbardziej rozpoznawalnym rosyjskim instrumentem ludowym na całym świecie.

Stosowanie materiałów naturalnych jest jedną z ogólnych i podstawowych tradycji sztuki ludowej. To jest zawarte w materiale cechy artystyczne. Rzeźba i malowanie w drewnie, tkactwo, haft, tkanie koronek, obróbka kory i korzeni brzozy, ceramika, kucie metali - przy całej różnorodności technik i materiałów współcześni rzemieślnicy ludowi tej starożytnej sztuki trzymają się tradycyjnych elementów, form i tematów.

Artystyczna obróbka drewna i kory brzozowej zajmuje wyjątkowe miejsce w historii rosyjskiej twórczości chłopskiej. Jest ściśle związana z całą sztuką starożytnej Rusi: z architekturą rzeźbiarską w drewnie, stolarstwem i rzemiosłem. Materiał i technika wykonania są nierozerwalnie związane z charakterem wytwarzanych przedmiotów. Decydują zarówno o ich gatunkowej przynależności, celu funkcjonalnym, jak i cechach formy. Gładko zakrzywiony pęd rośliny ze stromymi lokami to jeden z najczęstszych motywów współczesnej sztuki kory brzozowej. Czasem wzór rozprzestrzenia się swobodnie po płaszczyźnie, rozwijając się w kilku kierunkach, czasem podawany jest w formie rytmicznie powtarzających się gałęzi-spirali lub łodyg symetrycznie rozciągających się od środka na prawo i lewo z wieloma liśćmi i gałęziami, zwieńczonymi elegancko ukształtowanymi koniczynami , rozety, jabłka, stylizowane kwiaty i jagody. Mistrzowie sięgają także po inne techniki, umieszczając np. wśród bujnego kwiatowego wzoru ozdobnie zinterpretowany wizerunek ptaka, który pełni funkcję talizmanu..

Słynna lakowa miniatura Mstery wywodzi się ze szkoły malarstwa ikonowego XVII wiek. Przez ponad 200 lat, stosując unikalną technikę malarską, powstawały tu arcydzieła znane daleko poza granicami regionu – pudełka, puderniczki, etui na igły, szkatułki. Stworzenie miniaturowego produktu lakierniczego nie jest łatwe. Wymaga to wielkiego kunsztu. Kraina Mstera zaskakuje swoimi rzemieślnikami.Haft Mstera, znany od XVII wieku, doczekał się szerokiego rozwoju w nowoczesnym zdobnictwie sztuka stosowana. Jednym z najpiękniejszych i najbardziej eleganckich haftów jest biały ścieg satynowy z eleganckimi drobnymi wzorami kwiatowymi na cienkich tkaninach bawełnianych. Biała powierzchnia - haft białymi nitkami na białym polu - słynie z ażurowych oczek, krojów, wysokiej jakości, nie ma przodu ani tyłu, wygląda równie pięknie z obu stron. Rzemieślniczki umiejętnie tworzą najbardziej skomplikowane ozdoby, odtwarzają formy architektoniczne i wizerunki postaci ludzkich. Uważa się, że tylko hafciarki Mstera biegle władają tą skomplikowaną techniką (obejmującą aż 200 różnych krojów).

Rzemieślnicy z rosyjskiej północy od czasów starożytnych słyną ze sztuki obróbki drewna, od XVIII wieku - z Archangielska - z wyrobów złotego haftu, wzorzystego ręcznego tkania, ręcznego robienia na drutach, a od XIX wieku - ze wspaniałej glinianej zabawki, zwanej „Zabawka Kargopolu”. Ludowi mistrzowie artystycznej snycerki wykonują tradycyjne chochle - kaczki, szkatułki, solniczki, kandeiki, deski kuchenne, ozdobione motywami ludowych ozdób rosyjskiej Północy. Mistrzowie haftu ozdabiają produkty koralikami, ręczną koronką, ręcznym haftem, aplikacjami i mereżkami. Tradycje zabawek formowanych z gliny Kargopolu ucieleśniają wielofigurowe kompozycje „Spotkania” i „Wózki”. „Drwale”, „Trojka”, ptaki, zwierzęta, malowane gwizdki, odzwierciedlające starożytną kulturę Kargopola.

Na malowniczym wzgórzu nad brzegiem rzeki Kuny, lewego dopływu Dubnej, znajduje się wieś Bogorodskoje – miejsce narodzin wspaniałego rzemiosła ludowego rzeźbionego w drewnie zabawek i rzeźb . Bogorodskoje to starożytna wieś. W połowie XV wieku wieś należała do moskiewskiego bojara M.B. Pleszczejewa. Już w XV-XVI wieku chłopi z Bogorodska, wówczas chłopi pańszczyźniani, położyli podwaliny pod rozwijające się później artystyczne rzemiosło obróbki drewna. Wieś stała się jednym z ośrodków Sztuka ludowa w historii rosyjskiej sztuki użytkowej. W Siergijewie Posadzie istnieje legenda o tym, jak w połowie XVIII wieku jeden z mieszkańców osady wyrzeźbił lalkę o wymiarach 9 wershoków (40 cm) i sprzedał ją kupcowi Jerofiejewowi, który handlował w Ławrze. Umieścił go jako dekorację w sklepie. Zabawkę natychmiast zakupiono z dużym zyskiem dla kupca. Następnie Erofeev zamówił całą partię takich zabawek. Szczególnie ciekawe są zabawki z ruchem: na drążkach, z wagą, z przyciskiem. Te proste, ale zawsze dowcipne urządzenia sprawiają, że zabawka jest żywa, wyrazista i szczególnie atrakcyjna.

Pamiątka Wiatki sięga lipca 1930 roku, kiedy w mieście Nolińsk w obwodzie Wiatka utworzono artel pod nazwą „Wolność”. Głównymi wyrobami artelu były różne wyroby z drewna potrzebne w gospodarstwie oraz zabawki dla dzieci na obrotowej podstawie. Tradycyjny asortyment został poszerzony. Wyprodukowano produkty tokarskie „Beczka-skarbonka”, zestaw gospodyni domowej” i gwizdek „Słowik”. Kwalifikacje tokarzy w drewnie umożliwiły stworzenie najbardziej skomplikowanych produktów tokarskich - oryginalnych drewnianych lalek gniazdujących. Główną tajemnicą atrakcyjności drewnianej lalki lęgowej jest to, że jej zewnętrzny wizerunek rosyjskiej dużej kobiety-matki z wieloma dziećmi uzupełnia struktura wewnętrzna, w której powtórzenia-wkładki są ze sobą powiązane.

Malarstwo Gorodca - wyjątkowe zjawisko rosyjskie Kultura narodowa, jedno z najsłynniejszych rzemiosł artystycznych w Rosji, najjaśniejsze zjawisko sztuki „naiwnej”. Ta sztuka ludowa łączy w sobie cechy artystycznej oryginalności malarstwa ludowego, którego korzenie sięgają wieków. Historia wyjątkowej fabuły malarskiej sięga ponad półtora wieku. W swoich kompozycjach chłopscy artyści odkryli unikat świat figuratywny. Do najczęstszych tematów malarstwa należą uroczystości, podwieczorki, słynny koń i jeździec Gorodecki oraz święta ludowe. Motywy północne są wyraźnie ucieleśnione w malowanych pamiątkowych samowarach, szkatułkach, skrzyniach i skrzyniach łykowych, pomalowanych motywami Mezen, Pineża, Siewierodwińska, malarstwa Szenkur, prezentowych szachów i przyborów kuchennych, których tradycyjne technologie i techniki produkcyjne są starannie zachowane i przekazywane przez rzemieślników przedsiębiorstwa. Starożytne rzemiosło ludowe polegające na wykonywaniu drewnianej zabawki pomalowanej na postać jasnej, eleganckiej piękności z różowymi policzkami i szkarłatnymi różami na fartuchu pochodzi z utalentowanej ziemi Niżnego Nowogrodu na początku XX wieku. Dom handlowy Malarstwo Siemionowska - jedna z najstarszych fabryk w Rosji produkujących zabawki dla dzieci, pamiątki i tradycyjne rosyjskie lalki gniazdowe.

Początki rzemiosła Untsukul polegającego na wykonywaniu metalowych nacięć na drewnie sięgają odległej przeszłości – XVII-XVIII wieku. Pierwszym wytworem artystycznym typowym dla ówczesnych rzemieślników była rękojeść do bicza wykonana z derenia, ozdobiona artystycznym nacięciem. Później rzemieślnicy zaczęli ozdabiać ozdobne laski ozdobnymi metalowymi nacięciami, zaczęły pojawiać się artystyczne fajki i tabakierki. Wzór zdobniczy Untsukul opiera się na wyraźnie ustalonej, stabilnej strukturze kompozycyjnej zwanej „ishan” (wzór, znak). Podstawowym materiałem dzisiaj, podobnie jak poprzednio, jest dereń i drewno morelowe. Z drewna dereniowego, charakteryzującego się dobrą gęstością, twardością i lepkością, wykonuje się laski i łyżki do butów, a z moreli wykonuje się wazony, dzbanki itp.

Od kilku stuleci rzemiosło Khokhloma jest ważną częścią rosyjskiej kultury ludowej. Do malowania ikon stosowano złocenie proszkiem cynowym. Wyrób drewniany, pokryty cienką warstwą metalu i oleju schnącego, został wygrzany w piecu, dzięki czemu uzyskał złocisty odcień. Metoda ta została przyjęta przez rzemieślników z Zawołgi i ulepszona. Od XVII wieku malowane drewniane naczynia słyną w całej Rosji: naczynia „ceremonialne” wykonywano na specjalne zamówienie w małych partiach. Tradycją było wręczanie znakomitym gościom i zagranicznym ambasadorom naczyń wykonanych z różnych gatunków drewna, różnych kształtów i artystycznych dekoracji. Metoda technologii Khokhloma w swoich początkach związana jest z malowaniem ikon. Stamtąd rzemiosło odziedziczyło technikę malowania na złocie Khokhloma. Z biegiem czasu technika malowania ikon na złocie Khokhloma zanikła i dopiero trzy wieki później, pod koniec naszego stulecia, sztuka ta odrodziła się. Mistrzowie malarstwa Khokhloma opracowali trzy główne rodzaje malarstwa: trawę, malowanie „w tle” i Kudrina. Ciepło, oryginalność, poezja i bajeczne piękno tradycyjnego wzoru sprawiają, że produkty Khokhloma są niezwykle piękne. Każdy produkt jest od początku do końca malowany przez jednego artystę, bez użycia szablonów, czyli tak naprawdę każdy produkt jest dziełem autora, indywidualnym. Malarstwo Khokhloma stało się dziś niezwykle subtelne, wirtuozowskie i emocjonalne. W poszukiwaniu wyrazistych form produktów ich twórcy nawiązują do najlepszych tradycji rosyjskich drewnianych naczyń i mebli. Sztuka miniatur Palekh jest stosunkowo młoda. Narodziło się w czasach sowieckich. Po zakończeniu wojny domowej wymyślili rzemieślnicy Palekh nowy rodzaj zastosowanie Twojej sztuki. Dosłownie w ciągu pięciu lub sześciu lat narodziła się nowa sztuka wielkiego Palecha - miniatury lakieru na wszelkiego rodzaju przedmiotach używanych w życiu codziennym: pudełkach, papierośnicach, broszkach, notatnikach, puderniczkach i innych niezbędnych drobiazgach wykonanych z papier-mache . Nowa sztuka miała także nowe motywy - sceny z życie na wsi, wątki z rosyjskich opowieści ludowych, wątki zaczerpnięte z dzieł rosyjskich pisarzy i poetów. Pragnienie malarzy ikon Palech, aby gloryfikować piękno rodzimej natury, przekazywać nowym pokoleniom swoje bogate doświadczenie i tajemnice malarstwa, przechowywane przez wieki, doprowadziło do stworzenia specjalnego języka artystycznego. Wśród tematów malarstwa Palecha, obok okrągłych tańców, trojek koni, muzyków i scen myśliwskich, znajdują się bohaterowie bajek Kryłowa, baśni Puszkina i wspaniałe krajobrazy malowniczych miejsc ich ojczyzny. Mistrzowie Palekh opanowali nowe przejścia kolorów, koncentrując się na bardziej subtelnych relacjach między tonami. Wraz z rozwojem sztuki Palekh tradycyjne modelowanie objętości przedstawionych postaci ze złotymi przestrzeniami stało się rozwiązaniem innych problemów miniaturowe malarstwo- artyści zaczęli wykorzystywać złoto do wypełniania przestrzeni obrazu światłem i ciepłem. W wielostronnej i różnorodnej rosyjskiej sztuce i rzemiośle oraz sztuce ludowej preferowane jest miniaturowe malarstwo lakowe ze względu na jego wyjątkowość, piękno, talent artystów i ich „złote ręce”. Miniatury lakierowe są robione ręcznie, bardzo pracochłonne i skomplikowane zarówno w wykonaniu jak i zrozumieniu.

Lakowa miniatura Fedoskino ma ponad dwa wieki. Jest to wyjątkowe zjawisko w sztuce rosyjskiej i światowej. Pojawiając się w Rosji z zagranicy, zyskując popularność chociażby dzięki tak przemijającej modzie jak moda na wciąganie tytoniu, miniatury lakowe Fedoskino stały się niezależnym fenomenem życia artystycznego, łączącym doświadczenia rzemieślników ludowych, artystyczne wpływy malarstwa sztalugowego, i dekoracyjne rozkosze biżuterii, technologia, naiwna szczerość folkloru, magia rosyjskich bajek. To rzemiosło nabrało prawdziwie rosyjskiej duszy. Fabryki za granicą, które dały początek rosyjskiemu pisaniu miniaturowych lakierów, już dawno zniknęły, ale ono samo istnieje i rozwija się dzisiaj, pozostając wiernym starym tradycjom i otwierając nowe horyzonty kreatywności. Historia rzemiosła rozpoczyna się w 1795 roku, kiedy kupiec Piotr Iwanowicz Korobow, będąc w niemieckim mieście Brunszwik, w fabryce Johanna Stobwassera, zapoznał się z wytwarzanymi tam wyrobami lakierniczymi z papier-mache. Były to tabakierki z malowniczymi miniaturami na wieczkach. Tak mu się spodobały, że kupił taką produkcję, zatrudnił kilku mistrzów lakiernictwa z Brunszwiku i sprowadził ich do Rosji. Pięć, sześć lat później w fabryce pracowało już około pięćdziesięciu rzemieślników, a w szkole rysunkowej uczyło się aż dwudziestu uczniów. Asortyment fabryki poszerzył się - teraz pojawiły się różnorodne tabakierki i portfele, uchwyty na zapałki, pudełka po papierosach, pudełka i czajniki z obrazami z pięciu stron, specjalne okulary podróżne (kilka sztuk jedna w drugiej), i przybory do pisania, stoły szachowe i tace. Miło jest coś takiego podnieść, jest wygodne i funkcjonalne. Wyroby Łukutina noszą herb cesarski, jako dowód wybitnych zasług mistrzów laki. Miniatury lakieru Fedoskino wykonywane są farbami olejnymi w trzech lub czterech warstwach - cieniowanie (ogólny szkic kompozycji), malowanie lub przemalowywanie (bardziej szczegółowe prace), szkliwienie (modelowanie obrazu farbami przezroczystymi) i podkreślanie (wykończenie pracy jasnymi farbami które podkreślają podświetlenia obiektów) są wykonywane po kolei. Oryginalna technika Fedoskino polega na „pisaniu”: przed malowaniem na powierzchnię nakładany jest materiał odblaskowy - wykonywane są wstawki z proszku metalicznego, płatków złota lub potalu lub masy perłowej. Prześwitujące przez przezroczyste warstwy farb szkliwnych, te okładziny nadają obrazowi głębię i niesamowity efekt blasku. Oprócz malarstwa miniaturowego produkty zdobione są „scanią” (ozdobą wykonaną z miniaturowych kawałków folii pożądany kształt nałożony na mokry lakier), „tsirovka” (rysowanie wzoru za pomocą wzoru na lakierze umieszczonym na blasze na powierzchni produktu), „tartan” (złożona siatka nakładana płynnymi farbami za pomocą ołówka za pomocą linijki) itp. W lakierze Fedoskino miniaturowe obrazy są realistyczne, obszerne. Sceny codzienne i rodzajowe, rosyjskie baśnie, pejzaże, portrety, spontaniczny dobroduszny humor, historie inspirowane dzieła literackie, starożytne „trojki” i „przyjęcia herbaciane”, motywy folklorystyczne - ogromna różnorodność tematów w miniaturach Fedoskino. Miniaturowe malarstwo lakierowe jest sztuką kameralną, bardzo trudno je oglądać w salach wystawowych, gdzie nie da się dokładnie przyjrzeć szczegółom, dopiero uważne obejrzenie pozwala je zrozumieć i docenić.

Miniaturowe malarstwo Kholuy jest dokładnie takie, ale ma swoje własne charakterystyczne cechy. Jest realistyczny i jednocześnie dekoracyjny, dlatego jest zrozumiały. W Kholuy, jak nigdzie indziej, główną uwagę przywiązuje się do wizerunku człowieka. Osoba jest hiperbolicznie monumentalna, czy to wizerunek surowego „Proroczego Olega”, czy pełnej wdzięku „Śnieżnej Dziewicy”, zdesperowanego „Stepana Razina” czy potężnego „Bohatera Światogora”. Ta cecha jest specyficznie rosyjska i można ją wyraźnie zobaczyć we wszystkim. sztuka narodowa. Piękno miniaturowego malarstwa Kholuy jest również wyjątkowe, dyskretne, ale przekonująco miłe i atrakcyjne, począwszy od kształtu i proporcji samego produktu, a skończywszy na zdobniczym wzorze. Pod koniec XIX wieku na terenie współczesnego rejonu Chkalovsky rozwinął się specjalny rodzaj haftu „przez ciągnięcie”, to znaczy wykorzystujący dużą siatkę utworzoną przez wyciągnięcie podłużnych i poprzecznych nici tkaniny, tzw. „gipiura”. Haft ten swoją przezroczystością i miękkością przypomina koronkę. Głównym elementem wzoru, charakterystycznym dla gipiury z Niżnego Nowogrodu, są romby i „kwiaty”. Istnieje około 50 rodzajów szwów - nacięć, którymi wypełnione są „kwiaty”. Haft artystyczny stał się przedmiotem handlu i cała żeńska ludność wsi przesiadywała przy obręczach od świtu do zmierzchu, pokrywając białe płótno ażurowym wzorem. Hafty złote Gorodets to jeden z najstarszych i najbardziej unikalnych rodzajów wysoce artystycznej sztuki ludowej w Rosji. Rzemieślniczki Gorodets doskonale opanowały najtrudniejsze rzemiosło związane ze złotym haftem i miały duże wyczucie dekoracyjnych możliwości metalowych nici o różnych fakturach i splotach. Najlepsze rzemieślniczki znały ponad 100 skomplikowanych możliwości haftu, wykorzystując jedynie technikę wzorzystych załączników, a także starożytny ścieg pętelkowy („do pracy aksamitowej”), składający się ze złotych lub srebrnych elastycznych pętelek, gęsto wypełniających główne motywy zdobnictwa i wiele innych unikalne techniki haft O właścicielce złotej tabliczki wiedziała cała dzielnica, co podnosiło prestiż panny młodej. Często do gorodeckich rzemieślniczek przyjeżdżali ludzie z całej okolicy, aby zamówić takie szaliki. Gorodeccy kupcy również uwielbiali być fotografowani w starożytnych strojach.

Haft kadomski powstał w czasach Piotra Wielkiego, który nakazał bojarom i innym szlachcicom nosić stroje bogato zdobione koronką . Rosyjska szlachta za koronki brukselskie i weneckie musiała płacić złotem. Aby nie zabrakło skarbu państwa, car zakazał kupowania koronek za granicą i nakazał uczyć rosyjskich zakonnic koronkarstwa. Do klasztoru Kadoma sprowadzono z Wenecji kilka rzemieślniczek, które uczyły miejscowe szwaczki sztuki tworzenia cudownych wzorów. Po szybkim opanowaniu techniki haftu jubilerskiego, szwaczki zaczęły najpierw tkać cudowną koronkę wenecką, a wkrótce na jej podstawie stworzyły unikalny haft igłowy - „veniz”, pozostawiając nazwę opartą na słowie „wenecki”.

Ten rodzaj rzemiosła ludowego, który powstał za panowania Piotra 1, był w stanie przetrwać i dalej rozwijać się w naszych czasach. Fabryka haftu artystycznego Tarusa została pierwotnie założona jako artel hafciarzy przez głównego specjalistę w dziedzinie sztuki i rzemiosła ludowego N.Ya Davydova przy aktywnym udziale M.N. Gumilevskiej, która w 1924 roku oficjalnie zarejestrowała ją jako artel. Celem zorganizowania artelu było utrwalanie i rozwijanie umiejętności haftu ludowego, który na ziemi kałuskiej miał bogate tradycje. Próbki wzorów do artelu przywiozły wieśniaczki z regionu Tarusa, w hafcie wykorzystano tradycyjne motywy haftu ludowego Kaługi: geometryczne, kwiatowe, zoomorficzne, antropomorficzne. Już w pierwszym okresie rodzimym rzemieślnicy artelu pracowali nad próbkami ludowego haftu kałuskiego, rozwijając tradycyjne zdobnictwo i techniki (kolorowe tkanie i białe szycie) w innym kontekście tematycznym. Haft złoty jest jednym ze starożytnych tradycyjnych rzemiosł artystycznych Rosji. Istniejący od VIII wieku, nieustannie ewoluował, każda epoka wprowadzała coś nowego, zachowując przy tym tradycje, które rozwinęły się na przestrzeni wieków. W kompozycjach haftu złotego wykorzystywane są tradycyjne rosyjskie motywy: wzory geometryczne i kwiatowe, figurki ptaków i zwierząt, motywy architektoniczne. Złota nić, posłuszna ręce hafciarki, jest przezroczystą nicią pamięci, tradycji, kultury, cofającą się przed wiekami. Na Rusi złotym haftem ozdabiano ubrania, buty i przedmioty wyposażenia wnętrz o znaczeniu kultowym. A dzisiaj istnieje potrzeba piękna, które ukształtowało życie naszych przodków i które umiejętnie odtwarzają rzemieślniczki z Torzhok. Złote wyroby hafciarskie wykonujemy pozłacanymi, posrebrzanymi, metalizowanymi nićmi na skórze, zamszu, aksamicie, jedwabiu, wełnie i innych materiałach. Haft wykonywany jest za pomocą koralików, cekinów, pereł i trąbek. Haft złoty jest dość skomplikowanym rodzajem haftu. Wymaga dużej uwagi, cierpliwości, dokładności i dużej ilości czasu. Technika haftu złotego znacznie różni się od haftu konwencjonalnego. Haft wykonywany jest na przesuwanym drewnianym tamborku. Jako bazę stosuje się tkaninę bawełnianą lub lnianą, na którą naklejany jest materiał tła (skóra, zamsz, aksamit itp.). Szew główny to szew „kuty” (gładki), wykonany według wzoru tektury poprzez naklejenie złoconej nić ułożona w równych rzędach wzdłuż powierzchni szablonu i przymocowana w określonej kolejności precyzyjnymi szwami do materiału za pomocą bawełnianej nici. Aby stworzyć większą różnorodność tekstur haftu, hafciarze używają Różne rodzaje„kuty” szew. Różnorodność i łączenie tradycyjnych szwów to jedna z zasad twórczego urozmaicania wyrobów ze złotego haftu. Artyści i hafciarze są kreatywni w tworzeniu złotych wyrobów hafciarskich. Stosowanie różne rodzaje szwy tworzą niepowtarzalną grę światła i cienia na powierzchni haftu. Koronkarstwo na Rusi było znane na długo przed XV wiekiem. Cechy stylistyczne koronki Wołogdy, sądząc po zachowanych przykładach mierzonej koronki, powstały na początku XVIII wieku, a w pierwszej połowie XIX wieku zaczęto produkować do szerokiej sprzedaży sparowane i łączone koronki mistrzów Wołogdy . W połowie XIX w., zwłaszcza po reformie z 1861 r., w prowincji Wołogdy pracowało ponad 40 tys. koronkarek, którzy pracowali nie tylko w warsztatach, ale także w domu na zamówienia kupców, którzy chcieli przejąć kontrolę nad sprzedażą dużych produkty. Koronka Wołogdy stała się sławna na całym świecie. Popyt na nią rósł z roku na rok, a handel osiągnął znaczne rozmiary.

W połowie lat 80. ubiegłego wieku S.A. Davydova włożyła wiele wysiłku w rozwój przemysłu koronkarskiego w Rosji, przyczyniając się do otwarcia w 1883 roku Maryjskiej Szkoły Praktycznej w Petersburgu, której jednym z zadań było przygotować profesjonalni artyści koronkarstwo do pracy w prowincji Wołogdy. Jedną z pierwszych absolwentek tej szkoły była S.P. Bryantseva, która wraz z matką A.P. Bryantsevą wprowadziła nowe techniki koronkarstwa, znacznie różniące się od technik innych ośrodków. W 1919 r. wydano pierwszy dekret rządu radzieckiego dotyczący przemysłu rzemieślniczego. Ten rok wiąże się z pojawieniem się współpracy między rzemieślnikami, w tym koronkarkami z Wołogdy. Koronka Yelets, rodzaj rosyjskiej koronki tkanej na szpulkach. Wyróżnia się delikatnym kontrastem drobnego eleganckiego wzoru (kwiatowego i geometrycznego) oraz cienkim ażurowym tłem. Od tego czasu koronka Yelets jest znana w Rosji koniec XVII I wiek. Wtedy właśnie powstał jeden z ośrodków tutaj, w Yelets, gdzie Rosjanie zaczęli aktywnie opanowywać tę sztukę, która przyszła do nas z Europy. Wiadomo, że w dzielnicy Yelets, w promieniu do 25 wiorst, już na początku ubiegłego wieku niełatwe rzemiosło koronkarstwa opanowało kilkaset osób. Początkowo rysunki wzorów dostarczano mieszkańcom Yelets z zagranicy, jednak z czasem pojawili się tu ich autorzy, własny, niepowtarzalny styl, który do dziś wyróżnia koronki Yelets. Koronka riazańska jako całość jest głównym zjawiskiem w rosyjskiej sztuce użytkowej. Szczególnie oryginalny, charakterystyczny charakter nabył w mieście Michajłow i powiecie michajłowskim prowincji Ryazan. W XVI wieku, wraz z pojawieniem się linii obronnej państwa moskiewskiego, przesiedlono tu znaczną liczbę ludzi służby, o czym świadczą nazwy starożytnych osad miejskich Streletskaya, Pushkari, Plotniki. Wolni od pańszczyzny osadnicy moskiewscy aktywnie zajmowali się różnymi rzemiosłami. To właśnie wśród nich, prawdopodobnie w pierwszej połowie XIX wieku, narodziło się koronkarstwo jako rzemiosło.

W różnych okresach dominowały tu różne rodzaje tkactwa koronkowego. Początkowo była to najlepsza koronka wieloparowa „w stylu Ryazan” i „trawa”, a także sprzęgło. Trzecia metoda tkania związana jest z życiem zwykłych mieszkańców Michajłowa i okolic - numeryczna . To lokalna koronka numeryczna stała się powszechnie znana pod nazwą „Michajłowskie”. W drugiej połowie XIX wieku koronki Michajłowskie stały się przedmiotem handlu nie tylko w Rosji, ale także za granicą. Nigdzie, poza miastem, Michajłowem i dzielnicą, koronki nie uzyskały takiej oryginalności wzorów i kolorystyki. Nie bez powodu stał się tak powszechny w stroju chłopskim w różnych obszarach. Gęsty, jasny, doskonale komponował się z ubraniami wykonanymi z ciężkich tkanin techniki osadzania i grubego lnu, połączonych z jasnymi wzorami tkaniny i haftów.

Ponad 150 lat temu w starożytnej górskiej wiosce Gotsatl narodziła się sztuka obróbki metali (srebra, miedzi, miedzioniklu). Pod koniec XIX wieku rzadka górska kobieta wyszła za mąż bez dzbanka na wodę Gotsatlin z wygrawerowanym wzorem. Mistrz Gotsatlinsky'ego, podobnie jak mistrz Kubachi, ma kilka zawodów: musi znać topienie, wsiadanie, gonienie, grawerowanie, czernienie. Ale jeśli procesy pracy mistrzów są podobne, wówczas ich dzieła różnią się dekoracją. W przeciwieństwie do Kubachi, Gotsatlinsky nie zajmuje całej powierzchni powierzchni produktu, ale jest wykonany w ścisłej formie graficznej. Głównymi produktami produkowanymi są kumgany, sztućce, komplety do wina, rogi do wina, talerze dekoracyjne, łyżki i łyżeczki oraz różnorodna biżuteria damska.

Jednym z najstarszych rodzajów artystycznej obróbki metali jest filigran (od staroruskiego - do skręcania), lub jak nazywa się ten rodzaj techniki jubilerskiej - filigran (od włoskiego filigrana, z kolei słowo to pochodzi od łacińskiego filum ( nić) i granum (ziarno), ponieważ czasami wzór jest wykonany nie tylko ze skręconego drutu, ale z maleńkich metalowych kulek). Na Rusi filigran znany jest od bardzo dawna. W wykopaliskach kurhanów z IX wieku odnaleziono przedmioty filigranowe. W Rosji wieś Kazakowo w obwodzie niżnonowogrodzkim staje się jednym z największych ośrodków produkcji włókien. Tradycje emalii rostowskiej (emalii) cieszą się wyraźnym uznaniem w całym kraju. Szczególnie ważne jest, aby emaliarze z Rostowa Wielkiego zachowali swoje klasyczne umiejętności technika artystyczna miniaturowe pismo na emalii i kultura pracy z emalią jako cennym, specyficznym materiałem ręcznie robionego rzemiosła artystycznego. Sztuka malarstwa na emalii pojawiła się w Rostowie w drugiej połowie XVIII wieku. Zachowała się informacja o istnieniu w tym okresie warsztatu emalii na dworze biskupim w Rostowie oraz indywidualnych rzemieślników, którzy pracowali na zamówienie klasztorów i kościołów miasta. Według niektórych źródeł założycielem malarstwa miniaturowego „Finifti” jest metropolita Arsenij Motseevich . Rzemieślnicy zajmowali się produkcją granulatów emaliowanych do ozdabiania przedmiotów kościelnych. Od lat 70. XVIII wieku w Rostowie pojawiały się warsztaty, jednoczące rzemieślników według ich specjalności. Zorganizowano m.in. pracownię malarzy ikon, w której uczestniczyli mistrzowie emalii.

Czerń, jako rodzaj artystycznej obróbki metali, znana była na Rusi już od X wieku. Sztuka czerniowska rozwinęła się szeroko w drugiej połowie XVII wieku na północy, w Wielkim Ustiugu. Od drugiej połowy XVII w., a zwłaszcza w XVIII w. Wielki Ustyug był jednym z największych ośrodków handlowych i rzemieślniczych średniowiecznej Rusi. Pod względem wielkości Wielki Ustyug zajmował siódme miejsce wśród 125 rosyjskich miast, ustępując jedynie Moskwie, Kazaniu, Jarosławiowi, Niżnemu Nowogrodowi, Wołogdzie i Kostromie. Dla Wielkiego Ustyuga XVIII wiek był okresem największego rozkwitu sztuki kowalskiej. W połowie XVIII wieku mistrzowie kowalstwa Veliky Ustyug byli w stanie opanować szereg technik artystycznych i technicznych, które nadawały ich dziełom wyjątkową oryginalność. Dzięki utalentowanym rzemieślnikom tłum Ustyuga zyskał własną tożsamość, odmienną od sztuki innych ośrodków sztuki.

Historia rzemiosła Zhostovo sięga początków XIX wieku, kiedy w wielu wioskach pod Moskwą dawnego volostu Troickiego (obecnie rejon Mytishchi obwodu moskiewskiego) - Zhostovo, Ostaszkowo, Chlebnikowo, Troicki - powstały warsztaty do produkcji lakieru wyroby lakiernicze z papier-mache. Wygląd malowanej tacy Zhostovo wiąże się z nazwiskiem braci Wiszniakowów. W 1830 r. wzrosła produkcja tac w Zhostowie i okolicznych wsiach. Pojawiły się pierwsze kute tace metalowe, ozdobione malowidłami kwiatowymi. Żelazne tace stopniowo zastępowały tabakierki i inne produkty z masy papierowej. Korzystne położenie w pobliżu stolicy zapewniało rybołówstwu stały rynek zbytu i pozwalało obejść się bez pośrednictwa kupców. Wszystkie materiały niezbędne do produkcji zostały zakupione w Moskwie. Głównym motywem malarstwa Zhostovo jest bukiet kwiatów. W oryginalnej sztuce mistrzów Zhostova realistyczne poczucie żywej formy kwiatów i owoców łączy się z dekoracyjną ogólnością, przypominającą rosyjskie ludowe malowanie pędzlem na skrzyniach, skrzyniach z kory brzozowej, kołowrotkach itp. Od czasów starożytnych region Niżny Nowogród słynął z tradycji obróbki metali.

Starożytne miasto Pavlovo, położone nad brzegiem pięknej rzeki Oka, było i pozostaje jednym z ośrodków kowalstwa i wyrobu noży. Pod koniec XVII wieku w Pawłowie działało aż 50 kuźni. Jednym z najbardziej znanych był przemysł zbrojeniowy. Później przemysł metalowy rozwinął się w produkcji artykułów gospodarstwa domowego: noży, zamków, nożyczek. Ekspozycja Muzeum Historii Lokalnej w Pawłowsku starannie chroni unikalne wyroby pawłowskich rzemieślników: sztućce wykonane ze stali angielskiej, wypolerowane na lustrzany połysk i ozdobione drobnym grawerem, noże do otwierania ostryg, noże do sera, zamki o wielkości od 0,7 grama do 50 kilogramów i najwięcej różne formy: w postaci kogutów, zegarów, herbów, samochodów i innych. Nowoczesne eksponaty obejmują niewidzialny nóż i sprytną złotą mechaniczną pchłę. Twórcze poszukiwania rzemieślników dotyczyły także wytwarzania artystycznych wyrobów metalowych o orientacji cerkiewnej z wykorzystaniem emalii artystycznych i innych technologii tradycyjnych dla tych wyrobów. Ten wyjątkowy rodzaj sztuki zdobniczej i użytkowej narodził się jako sztuka zdobienia broni białej na początku XIX wieku, kiedy otwarto fabrykę broni Zlatoust. Do pracy w fabryce zaproszono niemieckich specjalistów z Solingen i Klingenthal, m.in słynny mistrz do dekoracji ostrzy - Wilhelm Schaf i jego synowie. Ozdobił pierwsze ostrza Zlatousta. Ale później zrobili to już artyści Zlatoust, którzy nie tylko opanowali techniki rysowania na metalu Shafa, ale także udoskonalili tę technikę, tworząc złożone kompozycje fabularne i wielofigurowe sceny bitewne. Zastosowanie słynnej stali damasceńskiej firmy P.P. do produkcji ostrzy. Stal Anosowa i Obuchowa, wysoki kunszt w ich zdobieniu, gloryfikowała zdobioną broń Zlatousta nie tylko w Rosji, ale także daleko poza jej granicami. Świadczą o tym liczne wystawy przemysłowe krajowe i zagraniczne, na których broń ta była stale prezentowana i zdobywała wysokie oceny, a najlepsze egzemplarze przechowywane są w Państwowy Ermitaż, Izba Zbrojowni Kremla Moskiewskiego, Państwowe Muzeum Historyczne, Muzeum Centralne marynarka wojenna, Muzeum Artylerii. Tematyka dekoracji jest bardzo różnorodna: ozdoby w stylu rosyjskim, zachodnioeuropejskim, arabskim i innych, obrazy przyrodnicze, sceny myśliwskie lub bitewne, portrety, symbole (monogramy, insygnia osobiste, herby). Zdobione ostrza mogą być wykonane z wysokiej jakości powlekanych stali narzędziowych, stali nierdzewnych lub stali damasceńskich. Pochwa może być wykonana ze skóry, drewna, metalu lub ich kombinacji.

Fajans Semikarakorski jest uderzającym zjawiskiem ludowej kultury artystycznej ziemi dońskiej . Wchłonął wszystkie kolory tego pięknego i potężnego regionu, jego lokalną kulturę duchową, tradycje sztuki dońskiej, inspirowane miłującym wolność duchem Kozaków. Rzemiosło wywodzi się z wielowiekowych tradycji garncarskich z kozackiej wsi Semikarakorskaja. Liczne badania archeologiczne w okolicach dzisiejszego miasta Semikarakorsk potwierdzają, że od czasów przedchrześcijańskich wszędzie spontanicznie powstawały warsztaty rękodzieła garncarskiego, wykorzystujące bogate lokalne zasoby surowców: różnorodne gliny i piasek. Fajans malowany na śnieżnobiały kolor z ażurową koronką, rzeźby z gatunku sztukaterii w połączeniu z formami to nowy kierunek w sztuce użytkowej Dona. Małe plastikowe rzeźby o różnych rozmiarach przeznaczone są do samodzielnego użytku. skład fabuły poprzez odlewanie i ręczne rzeźbienie.

Charakterystycznymi cechami wyrobów porcelanowych Gzhel są dekoracyjność, elegancja, estetyczna i funkcjonalna ekspresja, a także różnorodność kształtów . Malowanie wyrobów wyróżnia się jasnością i kontrastem farby kobaltowej z białym tłem dzięki zastosowaniu ręcznie wykonanego malowania podszkliwnego kobaltem na złomie. W wyniku wypalenia czerni kobalt staje się jasny i niebieski. Produkt malowany jest pędzlem wiewiórczym z określonym zestawem farb tylko po jednej stronie pędzla (tzw. „pociągnięcie z cieniami”), gdzie każde kolejne pociągnięcie różni się od poprzedniego i ma szeroką gamę tonalną: od głębokich i ciemnych tonów po jasne i jasne. Oprócz tradycyjnych elementów malarstwa (florysty, ozdoby fabularne) wykorzystuje się także wijące się wąsy, spiralne loki, wypełnienia kropkowane i przerywane, siatki i paski o prostych wzorach geometrycznych. Skala zdobnictwa odpowiada wielkości wyrobów, a charakter ułożenia wzoru podkreśla piękno formy. Specjalna technologia gwarantuje, że jasność i świeżość kolorów pozostaną na zawsze. W 1766 roku Anglik Franz Gardner w Verbiltsy (a obecnie Verbiltsy) zaczął wytwarzać wysokiej jakości wyroby porcelanowe, których biel przewyższała pokrywy śnieżne rosyjskiej zimy. Po pomyślnym wykonaniu zamówienia dworu cesarskiego na produkcję 4 usług porządkowych - św. Jerzego, św. Andrzeja, Aleksandra i Włodzimierza w latach 1778-1785, marka porcelany Werbilkowski zyskała szeroką popularność i bezwarunkowe uznanie. W 1892 roku fabrykę kupił M.S. Kuzniecow. Po rewolucji 1917 roku przedsiębiorstwo zostało znacjonalizowane i stało się znane jako Fabryka Porcelany Dmitrow.

Technika ręcznego rzeźbienia miała na ćwierć wieku określić oblicze produkcji porcelany w Kisłowodzku. . Nie bez powodu możemy powiedzieć, że w tym przypadku wirtuozowskie mistrzostwo techniki rozwinęło się w kierunek twórczy. Pod złotymi rękami mistrzów na naszych oczach rodzą się delikatne róże, wdzięczne stokrotki i konwalie oraz inne kwiaty zaskakująco przypominające te prawdziwe. Oprócz genialnych modeli modelarskich, w ostatnim czasie zastosowano inne modele. znane gatunki zdobienie porcelany. Stosowane są skomplikowane technologie malowania angobowego, podszkliwnego, miniaturowego i lustrzanego. Porcelana kisłowodzka reprezentuje nowe możliwości dekoracyjne starożytnego materiału, różnorodność form plastycznych, organiczne połączenie zalet artyzmu i funkcjonalności.

O starożytność Ceramika bałkańska świadczy, wraz z pozostałościami matriarchatu w jej organizacji (tylko rzemieślniczki), o starożytnych motywach dekoracji. W procesie długiego rozwoju i udoskonalania malarstwa ceramicznego w formach zdobniczych Bałcharianie rozwinęli bardzo ciekawe osobliwe cechy właściwe tylko temu rodzajowi sztuki. Cały obraz, począwszy od pasów poziomych, a skończywszy na szczegółach wzoru, nakładany jest na koło garncarskie, obracając je powoli, bez żadnych wstępnych planów i przemyśleń. To z kolei przesądza o absolutnej wyjątkowości i nieskończonej zmienności kompozycji zdobniczych malarzy bałkarskich. Wypalanie odbywa się w domowych piecach kopułowych przy użyciu obornika. Uzyskany dzięki takiemu paliwu mieszany charakter redoks okazał się przyczyną osobliwego zabarwienia odłamków naczyń bałkarskich: od różowo-terakotowej do matowej czerni. Ta charakterystyczna cecha ceramiki Balkhar w połączeniu z koronką malowaną w kolorze angoby potęguje poczucie ręcznego wykonania i niepowtarzalności każdego przedmiotu. Obecnie produkowanych jest ponad 30 rodzajów różnych produktów. Każdy jest wyjątkowy ze względu na swoje niepowtarzalne piękno i kompletność formy, która odpowiada jego celowi w życiu codziennym. Najczęściej spotykane są duże dzbanki domowe bez uchwytów, dzbanki specjalne na wodę, dzbanki na masełko, miseczki na mleko, dzbanki z dziobkiem do mycia, dzbanki na wodę małe, miski otwarte na nabiał, talerze dekoracyjne, kubki, wazony, oryginalne stiukowe rzeźby zwierzęta i ludzie, pomalowane w tradycyjne bałkańskie ozdoby.

Dymkowska gliniana zabawka- jedno z najjaśniejszych i najbardziej oryginalnych rzemiosł sztuki ludowej regionu Vyatka. Przez ponad cztery stulecia zabawka Dymkowo uosabiała życie i sposób życia wielu pokoleń mieszkańców Vyatcha. Rzemiosło powstało w osadzie Dymkowo w obwodzie Wiatka (obecnie obwód kirowski), stąd nazwa zabawki. Pierwszymi zabawkami w Dymkowie były gwizdki, wyrzeźbione na coroczny wiosenny festiwal „Swistuni”, odbywający się „na cześć poległych” w bitwie w 1418 r. pomiędzy Wiatchanami i Ustiużanami pod murami Kremla Chłynowskiego. Od połowy XX wieku rybołówstwo żyło i rozwijało się tylko w mieście Kirow (obwód kirowski) na przeciwległym brzegu rzeki Wiatki od osady Dymkowo. Jedynym tradycyjnym miejscem istnienia tego ludowego rzemiosła artystycznego jest miasto Kirow. W Dymkowie zabawkę wykonały całe rodziny. Latem kopali i ugniatali glinę, ręcznie ubijali kredę grudkową i mielili kredę grudkową w młynkach do farb, od jesieni do wiosny rzeźbili, suszyli, wypalali wyroby, bliżej „Swistunyi” bielyli kredą rozcieńczoną w odtłuszczonym mleku krowim, malowali farbami jajecznymi, ozdobionymi diamentami w kolorze złota, złocisty pocony. W ciągu czterystu lat istnienia i rozwoju rybołówstwa Dymkowo rozwinęło się tradycyjne motywy, wykresy i obrazy, znalezione wyświetlanie i konsolidacja środki wyrazu, charakterystyczne dla bardzo plastycznej czerwonej gliny ceramicznej, proste (wzór geometryczny) wzory malarskie, w których dominuje czerwień, żółć, pomarańcz, błękit, zielone kolory. Półtony i niezauważalne przejścia są obce zabawce Dymkowo. Wszystko to jest przepełnioną pełnią poczucia radości życia.

Przemysł ceramiczny w Pskowie (Łukowskim) sięga ponad 300 lat swojego istnienia. Pierwszy szczegółowy opis tego rybołówstwa został opublikowany w „Esejach statystycznych” Wojewódzkiego Komitetu Statystycznego Pskowa za rok 1884. Zrównoważone, długotrwałe istnienie rybołówstwa w jednym miejscu można częściowo wytłumaczyć faktem, że w tych miejscach (wzdłuż brzegów rzeki Czerekhy) występują znaczne złoża gliny nadającej się do wyrobu wyrobów ceramicznych. W okresie istnienia rzemiosła rozwinęło się wiele cech artystycznych i stylistycznych charakterystycznych dla ceramiki pskowskiej. Przede wszystkim jest to malarstwo angobowe, które było szeroko stosowane już w XVII wieku. Istnieją różne metody nakładania angobu na produkty - za pomocą pędzla, dmuchawy lub przez opryskiwanie. Tradycyjne motywy malarskie, zarówno dawnych mistrzów, jak i współczesnych - kompozycje roślinne, styl zwierzęcy, wzory geometryczne, które opierają się na konwencjonalnych wizerunkach słońca, drzew itp. Metoda malowania angobem daje mistrzowi niemal nieograniczone możliwości wariacji. Malowanie angobe jest szczególnie szeroko stosowane w dekorowaniu zastaw stołowych. Połączenie czerwono wypalonej gliny z białymi i czarnymi angobami jest wyjątkowe. Jednym z tradycyjnych trendów jest reliefowy ornament połączony z kolorem. Źródłem tego trendu są płytki pskowskie na piecach i kominkach, ceramidy peczerskie. To jest jeden z starożytne tradycje Ceramika pskowska.

Rzemiosło garncarskie Skopińskiego to tradycyjne centrum sztuki ludowej na ziemi Ryazan. Rybołówstwo zawdzięcza swoje pochodzenie glinie, która się w nich znajduje duże ilości w okolicach miasta Skopin. Ceramikę w miejscach, gdzie później powstało miasto Skopin, wytwarzano już w czasach Rusi Kijowskiej. W tym naczyniu ubijano masło, fermentowano ciasto, przechowywano mleko, wodę i kwas chlebowy. Za rok urodzenia ceramiki Skopińskiego uważa się rok 1640. W tym roku w spisie ludności pojawiło się imię garncarza Skopińskiego - Demka Kireev, syn Berdnikowa. Ceramika Skopińskiego, podobnie jak wiele innych w Rosji, rozwinęła się, produkując ceramikę dla życia chłopskiego, rury piecowe, cegły i kafle. Ale w drugiej połowie XIX wieku w Skopinie pojawił się przemysł, który wysławiał go daleko poza jego granicami, produkcja przeszklonych naczyń figurowych i świeczników, wielopoziomowych, ozdobionych skomplikowanym sztukaterią, wykonanych w postaci dziwnego zwierzęcia lub z postaciami ptaków, ryb i zwierząt.

Góra Turyńska to niezwykłe łowisko. Podstawą wytwarzanych przez niego wyrobów nie jest tradycja pielęgnowana i przekazywana z pokolenia na pokolenie, jak na przykład w Palekh czy Khokhloma, ale twórcza oryginalność artystycznej wizji i myślenia każdego mistrza. Nie oznacza to jednak, że w Górze Turyńskiej nie ma tradycji. Zachowując indywidualność, większość artystów skupia swoją twórczość na wizualnych podstawach kultur archaicznych. Nazwa rzemiosła związana ze starożytną kulturą ludzkości odzwierciedla jej główną orientację stylistyczną, która organicznie wpisuje się w nowoczesny proces artystyczny. Mieszkańcy Turinogorska czerpią inspirację z symboliki sztuki starożytnego Wschodu, z pogańskiej kultury starożytnej Rusi i ludów Syberii, sięgając po motywy i formy antycznej klasyki. Z zainteresowania kulturami archaicznymi, sztuką starożytnych Turków, Ałtaju Scytów, a także tradycyjną sztuką współczesnych Ałtajów, którzy zachowali archaiczne korzenie, stopniowo kształtowało się artystyczne credo rzemiosła, które nadało jego wyrobom niepowtarzalność i uznanie. Zabawkę Filimonowa nazywa się „perłą sztuki ludowej”. Zachwyca prostotą i jednocześnie elegancją form, pięknem i wyrazistością zdobienia oraz niepowtarzalnością brzmienia. Obraz monolityczny, skąpy w szczegółach: wąska spódnica w kształcie dzwonu płynnie przechodzi w krótki, wąski korpus i kończy się stożkową głową, integralną z szyją. W rękach gwizdek ptaka i dziecko. Skąpość formy znakomicie rekompensuje elegancja i radość prostego ornamentu: wielokolorowe kreski, plamy, gałązki, rozety... Przed nami wizerunek młodej damy Filimonowskiej - potomkini jednego z najstarszych ( według niektórych źródeł ma około siedmiuset lat) zabawki w Rosji. Wiek cudu Filimonowa jest dość dowolny. Eksperci twierdzą, że sztuka rzeźbienia i malowania skomplikowanych glinianych rymowanek przybyła do regionu Odoevsky z odległego paleolitu, a podczas wykopalisk kopców i osad Zhemchuzhnikovsky i Snedkovsky w Odoev odkryto odłamki ceramiki pochodzące z IX - XI wieku, z rysunkami i znakami używanymi do malowania dzisiejszej zabawki Filimonovskaya. Tradycyjny zestaw działek w zabawce Filimonowa to dama, jeździec, koń, jeleń. Charakteryzują się wydłużonymi proporcjami, związanymi z plastycznymi właściwościami miejscowej czarnoniebieskiej gliny – „sinika”, występującej wyłącznie w okolicach Filimonowa. Kolor niebiesko-czarny, tłusty, lepki, zupełnie nie przypomina gliny ceramicznej ani gliny, z której robi się zabawki w Kirowie, Kargopolu i innych miejscach. „Sinika” sama proponuje metodę pracy z nią, techniki ręcznego rzeźbienia. Lepka, jednorodna niczym ciasto masa łatwo się marszczy, formuje, pozwala swobodnie rozciągać cały kształt zabawki, bez konieczności rzeźbienia jej w częściach, smarując ją wzajemnie. A teraz w znajomych rękach, w zapamiętanych ruchach bryła tej gliny staje się najpierw dzwonkiem spódnicy i z niej unosi się pełna wdzięku postać damy, zręcznie rozciąga się w małą główkę i jednocześnie kończy się zgniecionym szpicem kapelusz. W rękach rzemieślniczki nie pozostaje ani jedna dodatkowa bryła - wszystko jest precyzyjnie wyliczone. Tylko gwizdek pod pachą pani jest zawsze rzeźbiony osobno. Inne zabawki są wykonane w ten sam sposób. Jeśli rzemieślniczka chce zrobić gwizdek – konia czy krowę – oddziela potrzebny kawałek gliny i jak zwykle zręcznie zgina go w gruby sznur. A potem z jednej jego połowy wyciąga cztery mocne nogi rekwizytu i gwizdek, a z drugiej długą, bardzo długą szyję z maleńką główką dziwnego zwierzęcia.

Wzorzyste tkactwo lecznicze, starożytny rodzaj rzemiosła ludowego, rozwinęło się w wielu wioskach obwodu Niżnego Nowogrodu, zwłaszcza na jego północnych obrzeżach. Chłopki dekorowały dywany, ubrania, narzuty, obrusy, blaty i ręczniki samodziałowymi wzorami. Materiałami używanymi do tkania był len, wełna i bawełna. Tkactwo Niżnego Nowogrodu wyróżniało się dużymi wzorzystymi wzorami geometrycznymi i subtelnością koloru. Liczba kolorów w tkaninie jest niewielka, harmonijna i szlachetna w odcieniach. Są to głównie kolory biały, czerwony, niebieski. Dzięki trafnie znalezionemu rozwiązaniu kompozycyjnemu koloru i zdobnictwa wyroby tkaczy miały szczególne wyrafinowanie. Są to wysoce artystyczne obrusy, zasłony, serwetki, narzuty na sofy i fotele, ręczniki, fartuchy wykonane z przędzy bawełnianej i lnianej, wiskozy, mieszanki wełnianej z wykorzystaniem przędzy syntetycznej. Wszystkie produkowane produkty posiadają certyfikaty. Ludzie potrzebują pięknych i praktycznych produktów tkaczy Shakhun na co dzień, na wakacje i zadowolą każdy gust. Ożywiają wnętrze, nadają mu szczególnej atrakcyjności i narodowego charakteru, wypełniają je ciepłem i komfortem.

Historia kamieniarstwa sięga odległej przeszłości i jest nierozerwalnie związana z tajemniczą „marmurową” jaskinią, położoną nad brzegiem rzeki Piana we wsi. Bornukowo, rejon Buturlinski. Jaskinia ta od dawna słynie z kamienia ozdobnego - anhydrytu lub, jak ją nazywano, „marmuru Niżnego Nowogrodu”. Występował w różnych odcieniach: różowym, białym, niebieskawym, brązowym, szarym i zielonkawym, z różnymi wzorami i wzorami. Za czasów Katarzyny II kamień wydobyty w jaskini wysyłano do Petersburga w celu dekoracji pałaców. Rozkwit sztuki kamieniarskiej Bornuko nastąpił w latach 30-tych XX wieku, kiedy to we wsi. W Bornukowie powstała fabryka artystycznych wyrobów do cięcia kamienia „Jaskinia Bornukowska”. Początkowo pracowała jako oddział Stowarzyszenia Biżuterii Kazakovsky, następnie samodzielnie. Kilka lat później, przejmując doświadczenie mistrzów uralskich, rzeźbiarze z Bornukowa osiągnęli szczyt umiejętności i wielokrotnie otrzymywali najwyższe nagrody na wystawach rosyjskich i międzynarodowych, w tym na wystawie w Paryżu w 1937 roku. Podczas obróbki kamienia toczenie stosuje się w połączeniu z rzeźbami wolumetrycznymi i reliefowymi oraz grawerowaniem. Próbki zwierząt i ptaków wyróżniają się lakonizmem, a jednocześnie wyjątkowymi „charakterami”, które pozwalają wydobyć naturalne piękno materiału. Wyrazista sylwetka, miękka plastyczność, liryzm i naiwność tworzonych próbek oddają piękno i oryginalność świata zwierząt oraz dobroć rosyjskiej duszy. Oprócz rzeźb ptaków i zwierząt rzemieślnicy firmy produkują szeroką gamę artykułów gospodarstwa domowego: eleganckie świeczniki, wazony, pudełka, zestawy do pisania.

Tobolskie rzemiosło rzeźbiarskie, jedno z czterech tradycyjnych rzemiosł rzeźbiarskich w Rosji, powstało na początku XVII wieku za panowania pierwszego namiestnika tobolskiego, Matwieja Gagarina. Pojawienie się rzeźb kostnych w Tobolsku było spowodowane obfitością mamutowej kości słoniowej, którą znaleziono wzdłuż brzegów północnych rzek. W XIX w. rzeźbieniem w kościach w Tobolsku zajmowali się wygnańcy polscy, którzy w latach 60. XIX w. zajęli się wyrabianiem broszek, tabakierek, spinek do włosów, a także wizerunków Madonny. Pod koniec lat 60. XIX w. w mieście działała grupa miejscowych rzeźbiarzy kostnych, a w 1874 r. otwarto Syberyjską Pracownię Wyrobów Z Kości Mamuta S. I. Oveshkovej. Tobolskie noże do kości były poszukiwane w Petersburgu, Moskwie, Kazaniu, Kijowie, Niżnym Nowogrodzie. W połowie lat siedemdziesiątych XIX wieku rzeźbienie w kościach w Tobolsku stało się praktycznie zajęciem, ze wszystkimi nieodłącznymi cechami organizacji produkcji i sprzedaży. Główną linią rozwoju rzemiosła tobolskiego była miniaturowa rzeźba trójwymiarowa. Figury wyróżniają się uogólnioną plastycznością, ujawnia się faktura materiału, którego powierzchnia pozostaje gładka i starannie wypolerowana. Motyw północny uznawany jest za tradycyjny dla rzeźbionej kości z Tobolska. Powstała w 1931 roku pracownia rzeźbienia w kościach w Uelen zrzeszała czukockich i eskimoskich rzeźbiarzy, którzy pasjonowali się rzeźbą lub specjalizowali się w zdobieniu kości kolorowym grawerowaniem. Pracownia jest jednym z największych na świecie ośrodków sztuki plastycznej rdzennej ludności Arktyki.

Unikalna technika kolorowego grawerowania na kłach morsa powstała w Uelen na początku stulecia i jest stosowana wyłącznie przez lokalnych rzeźbiarzy w kościach Czukczów i Eskimosów. Rzeźby, wykonane w lakoniczny i wyrazisty sposób, to wielofigurowe kompozycje przedstawiające sceny z życia ludów Północy – polowania, łapanie jeleni, renifery i psie zaprzęgi. Dzieła utalentowanych mistrzów rzeźbienia są głęboko indywidualne, łączą liryzm z ekspresją, tradycje z nowoczesnymi trendami w rozwoju sztuki rzeźbienia w kościach.

Rosyjskie rzemiosło ludowe to szczególna twórczość, która rozwinęła się w miastach i wsiach Rosji, najczęściej reprezentowana przez figurki lub obrazy na temat życia ludowego lub opowieści folklorystycznych. To jest narodowy skarb narodu rosyjskiego.

Rosyjska zabawka ludowa

Rosyjskie zabawki w postaci ludzi, zwierząt lub scen baśniowych były już wcześniej tworzone do celów magicznych i rytualnych, zwłaszcza na północy i w środkowej Rosji. Niektóre rzemiosła istnieją od 700 lat, na przykład gwizdki Filimonowa, które są wykonane z gliny, a następnie pomalowane. Z XV-XVI wieku pochodzi także słynna gliniana zabawka Dymkowo, a w XVII wieku ze wsi Bogorodskoje w Siergijewie Posadzie pojawiły się drewniane, zwane zabawkami Bogorodsk.

Główne zabawki rosyjskiego rzemiosła ludowego:

Rosyjskie malarstwo ludowe

Sprzęty gospodarstwa domowego tradycyjnie można było malować, więc zwykłe przedmioty gospodarstwa domowego miały rozpoznawalny charakter rysunek narodowy- obraz. Ze znanych metod malowania Palekh , ich motywy są różne – od scen biblijnych i wizerunków świętych po obrazy z prawdziwego życia lub baśni. Styl rozwinął się w XVIII wieku. Szczególnie dobrze wygląda na pudełkach. Malarstwo Zhostovo pochodzi ze wsi Zhostovo. Istnieje od 1825 roku. Głównym wzorem są kwiaty. Nadaje się do malowania naczyń i łyżek drewnianych. Oraz unikalne niebiesko-białe malowanie ceramiki i porcelany Gzhel, głównie naczyń i figurek.

Główne obrazy rosyjskiego rzemiosła ludowego:

Rosyjskie rzemiosło

Motywy ludowe w rzemiośle są nie tylko tradycją, ale także ozdobą życia codziennego. Każdy zna rosyjskie rzemiosło, lalki gniazdujące to drewniane lalki o określonym kształcie. różne rozmiary, ale są też inne: chusty wełniane (Orenburg słynie z nich od XVIII wieku), pierniki Tula (polewane są polewą i wypełnione konfiturą lub skondensowanym mlekiem) oraz samowary z fabryki P. N. Fomina, znane od 1870 roku ( każdy słyszał przysłowie o wycieczce „do Tuły z samowarem”, odlewaniu Kasli – specyficznych żeliwnych figurek (wykonanych w miejscowości Kasli w obwodzie czelabińskim).

W naszym ogromnym kraju, bogatym w różnorodne surowce naturalne i międzynarodowe zasoby ludzkie, z biegiem czasu wyłoniło się wiele nowych kierunków rzemiosło ludowe. Nawet rzemiosło pożyczone od „sąsiadów” nabrało pewnej niepowtarzalności, motywów charakterystycznych czasem tylko na określonym obszarze. Rosyjskie rzemiosło ludowe to nasze dziedzictwo, które trzeba znać i szanować, aby zachować tradycyjną rosyjską kulturę i wnieść do niej wiele nowych rzeczy.

Osobnego opisu wymagają artystyczne rzemiosła ludowe. Istnieje niezliczona ilość rodzajów rzemiosła, ale nie wszystkie wytwarzane produkty są wysoce artystyczne. Ale tutaj granica jest bardzo niewyraźna, jeśli w ogóle istnieje. Rozwiążmy to.

Brak jasnej definicji rzemiosła artystycznego i wytworów artystycznych wskazuje jedynie, że temu zagadnieniu poświęca się coraz mniej uwagi. mniej ludzi. - działalność twórcza rzemieślników, mająca na celu tworzenie przedmiotów niepowtarzalnych i niepowtarzalnych przy użyciu ręcznych narzędzi, umiejętności, pomysłowości i wewnętrznego wyczucia piękna. Zatem produkty artystyczne są efektem pracy twórczej rzemieślnika.

Dlaczego stawiam kreatywność na pierwszym miejscu? Wierzę, że gdy produkty zaczną być stemplowane i kopiowane, automatycznie przestają być artystyczne. Jakże nieprzyjemnie jest dla mnie widzieć egzemplarze tego samego przedmiotu w sklepie ze sztuką! To jest stemplowanie! Artysta ciągle szuka, nie może mieć tego samego obrazu. Podobnie dla każdego rzemieślnika każdy produkt jest wyjątkowy. Rzemieślnik potrafi rozpoznać swoje dzieło wśród całej gamy pozornie identycznych obiektów.

Zwrócił się więc do mnie z pytaniem mistrz, który zobaczył zdjęcie produktu w galerii na stronie internetowej. To zdjęcie zrobiłem w przedszkolu w mojej rodzinnej wsi. Mistrz zidentyfikował swoje dzieło i wspólnie dowiedzieliśmy się, jak ten przedmiot mógł znaleźć się na mojej stronie.

Podsumujmy. W każdym rzemiośle można wyróżnić indywidualne kierunki artystyczne, każde rzemiosło artystyczne może zostać utracone wraz z zapałem twórczym. Wcale nie twierdzę, że przenośnik taśmowy jest zły. Na to też jest miejsce, ale nie można stracić chęci stworzenia czegoś nowego i niepowtarzalnego.

Klasyfikacja rodzajów rzemiosła

Niektóre rodzaje rzemiosła są już zaznajomione. Oczywiście słyszałeś o produktach wykonanych z kory brzozowej, drewna i metalu. Tak więc powstają przede wszystkim rodzaje rzemiosła ludowego materiał produktu. Obejmuje to obróbkę metalu, drewna, kamienia, gliny i innych materiałów.

Kolejna gradacja rodzajów rzemiosła ludowego jest już węższa od poprzedniej – podział metodą przetwarzania ten czy inny materiał.W tym artykule przyjrzymy się kilku głównym rodzajom rzemiosła. W przyszłości artykuł ten zostanie uzupełniony o bardziej szczegółowe informacje, jednak na razie będzie to jedynie krótki materiał wprowadzający.

Myślę, że nie ma jasnego podziału, a niektóre rzemiosła można sformułować jedynie względnie. Ponadto obecnie rodzaje rzemiosła ludowego w Rosji zostały uzupełnione o nowe kierunki. Nie wiem, czy rzemiosło, które zakorzeniło się w naszych czasach, można nazwać rzemiosłem tradycyjnym. Wróćmy jednak do tego, co wiem. Zbuduję listę rodzajów rzemiosła dokładnie tak, jak chciałem: główne sekcje według nazwy materiału, a podkategorie według sposobu obróbki. Wszystkie wymienione typy mogą być artystycznym rzemiosłem ludowym.

1. Drzewo

Na rozległej ziemi rosyjskiej jest dużo bogactwa. Jednym z dostępnych jest niewątpliwie drewno. Jest dostępny nie tylko dlatego, że obejmuje większość terytorium, ale także ze względu na metody przetwarzania. Zgadzam się, niektóre rodzaje przetwarzania nie wymagają skomplikowanych urządzeń i urządzeń. Stąd różnorodność rodzajów i podtypów rzemiosła związanego z wykorzystaniem drewna.

• Rzeźbienie w drewnie. Istnieje kilka rodzajów rzeźbienia w drewnie:
  • Gwint płaski (konturowy, zszywkowy, geometryczny itp.);
  • Rzeźba reliefowa (rzeźba płaskorzeźbiona, rzeźba ślepa, rzeźba Kudrinskaya itp.);
  • Gwint przelotowy (szczelinowy i piłowany);
  • Rzeźba rzeźbiarska (objętościowa);
  • Rzeźba w domu (można łączyć kilka typów);
• Przemiał. Przetwarzanie włączone tokarka, mrożone;
• Rzeźba z kory brzozy;
• Tłoczenie na korze brzozy;
• Produkcja wtorków;
• Produkcja pamiątek(amulety, biżuteria, akcesoria, zabawki i obrazy);

2. Metal

Kiedy odkryto metal i jego właściwości, nastąpiła rewolucja technologiczna. Wiele artykułów gospodarstwa domowego i narzędzi zastąpiono metalowymi. Nie wyparło to innych materiałów, wręcz przeciwnie, umożliwiło ich wydajniejszą obróbkę. A dzięki właściwościom metalu asortyment wyrobów rękodzielniczych powiększył się kilkukrotnie. Obróbka metalu jest technicznie znacznie bardziej skomplikowana niż drewno, ale warto i na chwilę obecną możemy jasno sformułować metody obróbki metalu:

• Kucie;
• Rytownictwo;
• Waluta;
• Czernienie;
• Odlew;
• Filigran(lutowane, ażurowe, wolumetryczne);
• Przemiał. Obróbka na tokarce, frezarce.

3. Glina

Naturalny materiał, który jest nie mniej rozpowszechniony niż drewno. Ten rodzaj materiału podlega niewielkiej liczbie rodzajów obróbki, co wpływa również na różnorodność produktów glinianych. Bardzo Produkty zajmują naczynia, resztę stanowią rzeźby i pamiątki. Ale plastyczność i łatwość obróbki materiału, a także jego dostępność pozwalają niewielkiej liczbie rodzajów produktów nadawać najbardziej niesamowite kształty.

• Sztuka ceramiki;

4. Kamień.

Bardzo trudny w obróbce. Ze względu na rzadkość niektórych materiałów i trudności w obróbce, koszt produktów jest tak wysoki. Weźmy na przykład rzeźbę. Dzieła sztuki średniowiecza są bezcenne, mimo że wykonane są z marmuru lub gipsu. Liczba rzemieślników jest znacznie mniejsza niż liczba, powiedzmy, snycerzy. I nie każdy kamień nadaje się do obróbki. Jednak wyroby z kamienia, czy klejnot czy ogromny granit, robią naprawdę wrażenie i zachwycają.

• Rzeźba;
• Nitka;
• Gips(odpływ reliefów i figur wolumetrycznych);

5. Kość

Rzeźbione pudełka z kości są niesamowite. Skomplikowane wzory i fabuły można oglądać bez końca. Ale dystrybucja tego rodzaju rzemiosła ludowego w dużym stopniu zależy od terytorium. Nie każda kość nadaje się do obróbki, nie wszystkie zwierzęta mają niezbędne, cenne części ciała, a wszystko to pogarsza fakt, że wiele gatunków zwierząt jest rzadkich i należy je chronić.

• Nitka;

6. Wątek

Niewiele rodzajów rzemiosła ludowego można nazwać wyłącznie kobiecymi. Jedną z nich można uznać za pracę z wątkiem. Wykonywanie przedmiotów z nici wymaga niesamowitej wytrwałości i koncentracji. Tworząc najbardziej skomplikowane wzory i przedmioty, nie można obejść się bez umiejętności arytmetyki i kroju, ponieważ pętelki uwielbiają liczyć, a większość produktów to odzież, do której odnoszą się pewne ważne wymagania mody, wygody, praktyczności i piękna.

• Robienie na drutach;
• Tkactwo;
• Sznurówka;
• Haft;

7. Skóra

Wyroby skórzane można spotkać coraz rzadziej. Cena i możliwość zastąpienia sztucznymi polimerami wpłynęła na upowszechnienie się tego typu rzemiosł. Nie pamiętam, żebym ostatnio widział prawdziwe, ręcznie robione dzieło sztuki skórzanej. Niemniej jednak w ostatnim czasie materiał ten zaczęto wykorzystywać do ręcznego tworzenia wyrobów artystycznych. W większości zwykłe przedmioty ozdabiano wstawkami z wielobarwnej skóry, tworzono kompozycje i wzory.

• Produkcja odzieży i obuwia;
• Tłoczenie;
• Nitka;

Często rzemieślnicy łączyli kilka rodzajów rzemiosła w jednym produkcie. W ten sposób korę brzozową można było ozdobić tłoczeniem, rzeźbieniem, malowaniem, a także ich drewnianymi wieczkami, rzeźbiony kamień zamknięto w metalowej ramie, a wyroby gliniane uzupełniano różnymi materiałami, tworząc fantazyjne kompozycje.

To nie jest pełna lista rodzajów rzemiosła. Istnieje wiele podgatunków, których cechy mają swoje korzenie zarówno w odniesieniu do narodowości narodów, jak i położenie geograficzne, a nawet gatunki zwierząt i roślin pospolite w pobliżu wiosek rzemieślniczych.

Postaramy się rozważyć wiele wymienionych rzemiosł ludowych, korzystając z przykładów i kursów mistrzowskich, które odzwierciedlają cechy technologii i metod pracy. I zwracam się do Ciebie, drogi czytelniku, z prośbą o przysługę: jeśli masz możliwość przyczynić się do rozwoju tradycyjnego rzemiosła i sztuki, koniecznie powiedz o tym innym. Można to zrobić na tym zasobie. Strona o rzemiośle ludowym poszukuje talentów.

Twórczość narodu rosyjskiego, dzięki talentom miejscowych rzemieślników, rozsławiła go na całej Rusi i daleko poza jej granicami. Wiele produktów do dziś pozostaje symbolami Rosji.

Wyroby mistrzów są cenne nie tylko ze względu na materiały, z których zostały wykonane i unikalne technologie ich ręcznego przetwarzania, ale odzwierciedlają moralność, sposób życia i tradycje całego narodu.

Główne rzemiosła rosyjskiego rzemiosła ludowego:

Jako rzemiosło koronkarstwo na Rusi zaczęło się rozwijać już na początku XIX wieku. W tym czasie w pobliżu Wołogdy powstała fabryka koronek. Rosnące zapotrzebowanie na koronki wołogdzkie nie tylko w Rosji, ale także w krajach europejskich spowodowało popularność tej działalności, a tkanie ażurowych tkanin było praktykowane w całej Wołogdzie.

Charakterystyczną cechą koronki Wołogdy były jej ozdoby. Głównymi motywami były stylizowane rysunki ptaków i drzewa życia. Sama koronka składała się z tła i wzoru. Miał fakturę, jej kształty i wzory podkreślała szeroka, ciągła linia.

Historia szali Pawłoposad sięga końca XVII wieku. Zaczęto je produkować w manufakturze, której założycielami byli Gryaznov i Labzin. Surowcem do produkcji były nici wełniane, przez długi czas barwienie szalików odbywało się wyłącznie ręcznie.

Głównymi wzorami szalików są kwiaty. Oprócz nich wykorzystano zapożyczone ozdoby: tureckie ogórki, lotos, antyczne wazony i starożytne symbole. Tradycyjny układ reprezentowały owale i gwiazdy. Duże rysunki znajdowały się na krawędziach, zmniejszając się w kierunku środka.

Popularność tradycyjnego szalika puchowego Orenburg wynika z jego wyjątkowych właściwości. Są to najwspanialsze szale z naturalnej wełny, z ażurami i pięknymi wzorami, bardzo ciepłe. Do ich produkcji początkowo wykorzystuje się unikalny puch kóz Orenburg.

Pierwsza oficjalna wzmianka o szalikach znajduje się w pracach koniec XVIII wieku, którego autorem jest Rychkov, znany miejscowy historyk. To oni umożliwili poznanie wyjątkowych szali w Petersburgu i Moskwie i stworzyli na nie popyt zarówno w Rosji, jak i za granicą.

rosyjska lalka

Oryginalna rosyjska lalka gniazdująca po raz pierwszy ujrzała światło dzienne w Siergijewie Posadzie pod koniec XIX wieku. Został wykonany z drewna przez tokarza Wasilija Zwiezdoczkina. Włożone w siebie postacie namalował Siergiej Malyutin.

Pierwsza kopia przyszłego symbolu Rosji w postaci dziewczynki o okrągłej twarzy i szkarłatnym rumieńcu składała się z ośmiu lalek. Najmniejszym było niemowlę.

Charakterystyczną cechą kryształu Gusiewa są unikalne krawędzie produktów. Promienie światła, załamane przez nie, tworzą grę przypominającą blask szlachetnych kamieni.

Miejsce narodzin kryształu Gusiewa to Gus-Chrustalny. Fabryka szkła na jego terenie została założona przez kupca Malcewa w 1756 roku. Produkowali wazony i karafki, a następnie pojawiły się unikalne naczynia kryształowe, które dostarczano do bogatych domów kupieckich i dworów królewskich.

Samowar Tuła

Samowar to produkt wyjątkowy, nie mający odpowiednika na świecie. Miejsce narodzin samowarów to Tula. Miasto zyskało taką sławę nie bez powodu, sprzyjała temu obfitość hutników, złoża rud żelaza i bliskość Moskwy.

Samowary Tula robiono z mosiądzu i miedzi i sprzedawano na wagę. Ich kształt był czasami dość dziwny. Wyroby wyglądały jak beczki i wazony z uchwytami, były też samowary z unikalnymi kranami w kształcie delfinów.

Piernik Tula. Kwaśne, świeże, puszyste i bogate. Dawano je jako prezenty pożegnalne, pamiątki, a także pieczono i kupowano na uroczystości weselne i wieczory pamięci. Do produkcji kształtowanych wypieków używano odkładnic wycinanych z naturalnego drewna.

Piernik był ulubionym przysmakiem Rosjan. Wykonywano je w formie ptaków, ryb, liter, a nawet imion. Nie wiadomo, kto jako pierwszy upiekł słynne pierniki Tula. Pierwsze wzmianki o wypieku znajdują się w dziełach z końca XVII wieku.

Ural słynie ze złóż minerałów i pokrewnych gałęzi przemysłu. Kasli artystyczny casting rosyjskich mistrzów rozsławił ich na całym świecie w 1900 roku na wystawie w Paryżu. Sam kierunek powstał na długo przed tym wydarzeniem, w XVIII wieku.

Z żeliwa odlano przedmioty gospodarstwa domowego i elementy dekoracyjne wnętrz, uzupełnione miniaturowymi rzeźbami zwierząt. Na liście produkowanych towarów znalazły się płyty, kraty, ławki, donice i wiele innych.

Historia produkcji wyrobów malachitowych rozpoczyna się w latach 40. XVIII wieku. Na początku tak było Biżuteria, następnie dodano do nich tabakierki i szkatułki. Wraz z rozkwitem branży malachitowej całe pokoje zostały wyłożone pięknymi wzorzystymi minerałami.

Rosyjscy rzemieślnicy słynęli z unikalnej technologii obróbki kamienia. Malachit pocięli na bardzo cienkie płytki, a następnie sklejając je, dobrali wzór i wypolerowali, tworząc wrażenie produktu monolitycznego.

Rzeźba Abramcewa-Kudrinskiej

Rzeźba Abramcewo-Kudrinskaya była uważana za szczególny rodzaj rzemiosła wśród rosyjskich rzemieślników końca XIX wieku. Rzemieślnicy pracowali z naturalnym drewnem, tworząc z niego nie tylko przedmioty gospodarstwa domowego, ale dzieła sztuki. Na liście ich produktów znalazły się wazony, naczynia dekoracyjne, chochle, solniczki, pudełka itp.

Tym, co wyróżniało te wyroby na tle innych rzeźbionych artykułów dekoracyjnych i gospodarstwa domowego, było połączenie rzeźb geometrycznych i płaskorzeźbionych.

Ceramika skopińska przez długi czas nie cieszyła się dużym zainteresowaniem, była surowa i prymitywna w formie. Przełom nastąpił w połowie XIX wieku, kiedy miejscowi mistrzowie garncarstwa poznali tajniki wytwarzania wyrobów figuralnych i nakładania glazury na ich powierzchnię.

Uzupełnieniem szeregu wyrobów glinianych były piękne ozdobne wazony, fantazyjne figurki zwierząt i inne elementy dekoracyjne.