„Dziewczyna na balu” Picassa. O czym mówi obraz? Ciekawostki o obrazie Pabla Picassa „Dziewczyna na balu” Kto jest autorem obrazu „Dziewczyna na balu”

Jeden z najsłynniejszych obrazów Picassa.

W 1900 roku Picasso i jego przyjaciel, artysta Casajemas, wyjechali do Paryża.

To właśnie tam Pablo Picasso zetknął się z twórczością impresjonistów.

Jego życie w tym czasie było najeżone wieloma trudnościami, a samobójstwo Carlosa Casajemasa było głębokie

wywarło wpływ na młodego Picassa.

W tych okolicznościach na początku 1902 roku zaczął tworzyć dzieła w stylu, który później nazwano okresem błękitnym.

Picasso rozwinął ten styl po powrocie do Barcelony w latach 1903-1904.

Dzieło okresu przejściowego - od „niebieskiego” do „różowego” - „Dziewczyna na balu” 1905.
W twórczości Pabla Picassa obraz „Dziewczyna na balu” otwiera tak zwany „okres różowy”,

który zastąpił „niebieski” i nadal zachowuje swoje echa. .

Obraz „Dziewczyna na balu” nie należy do kubizmu (jak wiadomo, Picasso jest założycielem kubizmu).

Prawdziwy obraz okresu przejściowego. Klasyfikacja jest złożona, można ją przypisać stylowi secesyjnemu.

Na płótnie „Dziewczyna na balu” Picasso przedstawił podróżującą grupę akrobatów.

W centrum kompozycji znajduje się dwójka artystów – gimnastyczka i siłacz.

Dziecko balansuje na piłce, ćwicząc swój układ.

Postać dziewczyny jest wdzięcznie wygięta, uniosła ramiona, aby utrzymać delikatną równowagę.

Sportowiec siedzi nieruchomo, a jego potężne ciało wypełnia spokój.

Obaj artyści stanowią wobec siebie wyraźny kontrast.

Z jednej strony kruchość i impulsywność szczupłej dziewczyny na piłce, z drugiej siła, moc i statyczny charakter mężczyzny siedzącego na piłce

Głównym środkiem wyrazu Picassa pozostaje linia.

Ale w przeciwieństwie do obrazów z okresu „niebieskiego”, tutaj także widzimy perspektywę. Na płótnie „Dziewczyna na balu” jest budowana za pomocą

w tle kilka poziomych linii i małych postaci (kobieta z dzieckiem i śnieżnobiały koń). Z tego powodu

obraz nie wygląda płasko, ma lekkość i zwiewność.

Jako tło wybierany jest obraz przedstawiający nagą pustynię lub step. To ustawienie nie bardzo pasuje do nastroju cyrku.

Artystka podkreśla zatem, że życie tych ludzi nie składa się wyłącznie z zabawy, radości i aplauzu publiczności.

Jest też potrzeba, smutek, choroba.

Bardzo charakterystyczna jest także kolorystyka wybrana przez artystę.

Niebieski kolor, tak ukochany przez Picassa, pozostał tylko w ubraniach sportowców i gimnastyczek.

W pozostałej części obrazu dominują odcienie różu.

Obraz jest żywy i bardzo dynamiczny, Jak artysta osiągnął taką dynamikę?

Przyjrzyjmy się obrazowi szczegółowo i nie naruszając kompetencji historii sztuki, przestudiujmy rozwiązania wizualne.
Pierwszą rzeczą, na którą możesz zwrócić uwagę, jest kontrast między młodością i plastycznością dziewczyny a doświadczeniem i siłą sportowca. Piłka, na której dziewczyna utrzymuje delikatną równowagę, skontrastowana jest z sześciennym rekwizytem cyrkowym, na którym siedzi sportowiec.

Dochodzi zatem do kontrastu i konfliktu – nie tylko pomiędzy obydwoma postaciami, ale także pomiędzy dwoma stanami człowieka, które go spotykają w ciągu życia, konfliktem pokoleń.
Zwróćmy uwagę, że artysta nie stwierdza konfliktu w działaniach bohaterów, na zdjęciu relacje są raczej powiązane, być może są to brat i siostra, dziewczyna jest otwarta, spojrzenie sportowca jest spokojne.
Wszystko to jest dość oczywiste i powszechnie znane.

Przyjrzyjmy się bliżej.
Dziewczyna jest rysowana w zimnych kolorach, sportowiec w ciepłych kolorach.
Zwykle zimne odcienie wizualnie charakteryzują postać negatywnie i być może wygląda to dziwnie w przypadku ładnej dziewczyny, którą narysował wielki artysta. Ale jeśli pamiętasz swój okres nastoletni, czy przy żadnej okazji nie wdaliśmy się w konfrontację z dorosłymi? Czy nie naruszyli zasad ustalonych w społeczeństwie – formalnych i nieformalnych? Jest to mechanizm wpisany w naturę, który destabilizuje cały system społeczny, ale jednocześnie przesuwa granice powszechnej ludzkiej percepcji.

W kolorach, którymi rysowana jest dziewczyna, jest niepokój. Jest to jej strach przed utratą równowagi, niepokój sportowca o dziewczynę i niepokój starszego o przyszłość młodych.

Plastyczność dziewczyny kontrastowo podkreśla statyczna, spokojna postawa sportowca. W zakrętach dziewczyny widać nie tylko chęć utrzymania równowagi, ale także porywczy charakter, gotowość do zabaw i prowokacji, w spojrzeniu sportowca solidność i chęć złapania i wsparcia, w mięśniach i samej pozie sportowca jest siła i gotowość do szybkich, zręcznych ruchów.

Kierunek dziewczyny skierowany jest do przodu, w stronę widza, w przyszłość. Sportowiec siedzi tyłem do widza, wzrok dojrzałego mężczyzny skierowany jest w przeszłość.
Pojawiający się ruch czasu podkreśla dziewczynka w czerwonej sukience, logicznie dopełniając czas w obrazie – dzieciństwo, dorastanie, dojrzałość.

Teraz przeprowadźmy kilka eksperymentów.

Za pomocą edytora graficznego zmieńmy ton dziewczyny na ciepły...

a także - usuniemy ludzi...

...i koń w tle.

Z każdym włączeniem się w pierwotny plan artysty, wewnętrzne napięcie i ruch obrazu zauważalnie maleje. „Zniknięcie” konia powoduje, że krajobraz staje się martwy i pozbawia obraz ważnego, ciepłego elementu emocjonalnego. Pasący się koń to ruch jednolity, spokojny, żywy i ciepły. Kolejnym ważnym ruchem jest sukienka dla małej dziewczynki powiewająca na wietrze, lekka i zwiewna. Pozbawiony tych akcentów obraz staje się suchym, niemal dokumentalnym szkicem, szkicem. I nic w nim nie prowokuje wyobraźni widza do zastanowienia się nad upływem czasu, relacjami między pokoleniami, nowymi trendami i wiecznymi wartościami. Obraz przestaje być głęboką przypowieścią filozoficzną.

Spróbuj w swojej wyobraźni usunąć także czerwoną kokardkę z głowy dziewczynki - obraz „całkowicie wyschnie”.

Następnie warto jeszcze raz ocenić decyzje artysty – z pozoru proste – które „naładowały” obraz wewnętrzną energią, ruchem i plastycznością.

źródło

Oto kolejna opinia...

Każdy może zobaczyć na tym zdjęciu coś innego.

Osoba posiadająca pozytywne emocje może widzieć w tym pozytywne znaczenie, natomiast osoba w przygnębionym nastroju dostrzeże w tym coś złowrogiego.

Świadczy o tym również fakt, że z obrazu powstało wiele karykatur i przejawów ich wizji obrazu.

Niektórzy zamiast dziewczyny przedstawiają gwóźdź na piłce, inni psa, ptaka, nagą kobietę – cokolwiek.

Istnieje nawet wiele rzeźb poświęconych temu obrazowi. Wielu autorów rzeźb chciało urzeczywistnić arcydzieło malarstwa w kamieniu lub brązie, inni w postaciach z kreskówek i karykaturach.

Temat obrazu jest poszukiwany i nadal zadziwia wyobraźnię ludzi.

Według oficjalnych źródeł obraz przedstawia życie wędrownego cyrku, arlekina siedzi na kamieniu, a dziewczyna z młodszego pokolenia trenuje na występy.

Twarz mężczyzny jest zmarszczona i poważna, myśli o czymś i jest pewny siebie. Dziewczyna jest wesoła, beztroska, ale jednocześnie balansuje niepewnie na piłce.

Na zdjęciu czułość kontrastuje z chamstwem, dziecięca beztroska wygląda kontrastowo w tle
mądrość przygnębiona doświadczeniem życiowym. Ruch ukazany jest na tle spokoju.

Istnieje także troska o młodsze pokolenie, a jednocześnie mężczyzna czuje się niepewnie co do własnej przyszłości. Mężczyzna jest lekko pochylony, co pokazuje jego smutek, jednocześnie cała sylwetka dziewczyny skierowana jest ku górze, jej dłonie są skierowane ku niebu, jako symbol pragnienia szczęśliwej przyszłości.

Miejsce akcji akrobatów znajduje się na otwartej przestrzeni, gdzieś w oddali widać kobietę z dzieckiem i koniem.

Przestrzenie są nieskończone, z kilkoma horyzontami w oddali, jak symbol wolności. Obraz ma głębokie znaczenie, w którym znajduje się każdy szczegół część jednej całości.

W 2012 roku w Rosji wyemitowano monetę przedstawiającą ten konkretny obraz Pabla Picassa.”

Sierowow A, S,

Pablo Picasso opuszcza ojczyznę i osiedla się w Paryżu. Jego życie staje się jaśniejsze, bardziej nasycone jasnymi kolorowymi obrazami, a „okres niebieski” w jego twórczości ustępuje miejsca „okresowi różowemu”.

Obraz „Dziewczyna na piłce” jest pierwszą kreacją i otwiera nowy cykl obrazów największego artysty sztuki współczesnej.

Temat niższych klas społecznych, wyrzutków, aktorów i artystów cyrkowych stał się bardzo popularny w sztukach wizualnych wraz z pojawieniem się takiego ruchu jak naturalizm.

Ludzie i ich siedliska zostali przedstawieni szczerze i szczegółowo, zbadano życie różnych populacji i przedstawiono je w sztuce. Prace były w większości bardzo pesymistyczne.

Prawdopodobnie w cyrku i jego aktorach Picassa najbardziej interesował kontrast: jasne występy i okrutne życie po nich, bogactwo kwiatów i kolorów oraz bieda artystów, niesamowita popularność przedstawienia i miłość artysty publicznej, graniczącej z pogardą, jak dla najniższych warstw społeczeństwa.

Jednocześnie podczas występów można było zobaczyć kontrastujące liczby, w których wzięły udział duże przerażające zwierzęta i lekcy akrobatorzy, wielcy siłacze, śmieszni klauni i straszne krasnoludki. W swoim obrazie „Dziewczyna na balu” Pablo Picasso próbował właśnie ten kontrast oddać – kontrast we wszystkim.

Zawód dwóch postaci zajmujących niemal całe płótno jest dość łatwy do odgadnięcia - są to artyści cyrkowi. Ale teraz nie dają już przedstawienia pełnego kolorów i świateł.

Prawdopodobnie podróżują z jednego miasta do drugiego i zatrzymują się gdzieś na pustyni, gdzie nie ma ludzi, domów, roślin ani zwierząt. Tylko w oddali spaceruje jeden z cyrkowców z czarnym psem, a biały koń próbuje znaleźć choć trochę roślinności.

Taki krajobraz napawa smutkiem, życie wydaje się bardzo trudne, pełne ubóstwa i biedy. Za blaskiem i jasnością kryje się twarda, głodna codzienność. Ale umiejętności muszą być utrzymywane, a artyści stale ćwiczą swoje numery.

Ogromny sportowiec strongman odpoczywa, siedząc na sześcianie, a nastolatka trenuje. Istnieje wiele różnic między tymi dwoma postaciami. On jest ogromny i potężny, ma dobrze rozwinięte mięśnie, ona jest szczupła i delikatna, ma wdzięczne linie i wspaniały wdzięk.

Innym kontrastem między tymi artystami cyrkowymi jest to, że siedzi i odpoczywa. Wszystkie jego mięśnie są rozluźnione, sportowiec jest uosobieniem spokoju i solidności, podczas gdy poza dziewczyny jest napięta.

Próbuje stanąć na dużej kuli, a każda komórka jej ciała jest w napięciu. Jednocześnie, aby podkreślić różnicę między tymi dwoma polarnikami, Pablo Picasso umieszcza kulkę i sześcian.

Kontrastowa jest także kolorystyka obrazu. Kolor niebieski, preferowany przez Picassa w poprzednim cyklu obrazów, widoczny jest jedynie w strojach dziewczynki i sportowca, a podstawę stanowią różne odcienie różu.

Pablo Picasso. Dziewczyna na piłce. 1905

Na obrazie Picassa widzimy artystów cyrkowych. Dziewczyna akrobatka i silna sportsmenka. Na początku XX wieku wiele cyrków było cyrkami objazdowymi. Można powiedzieć, że byli w wiecznej trasie.

Z tego też powodu zawód cyrkowca uznawano za marginalny. Byli to ludzie ubodzy, bez stałego miejsca zamieszkania. I nie dla lepszego życia dostali się do tego zawodu. Sieroctwo lub skrajna potrzeba rodziny, która nie jest w stanie wyżywić wszystkich dzieci.

Z reguły artyści cyrkowi nie mieli przyjaciół i krewnych poza swoją cyrkową „rodziną”. A każda krzywda może pozbawić ich nie tylko skromnych dochodów, ale także wrzucić w otchłań samotności.

Kiedy patrzysz na bohaterów, od razu staje się oczywiste: sportowiec to rozumie. Jest pochłonięty swoimi myślami. Jego wzrok skierowany jest gdzieś w głąb siebie.

A akrobatka jest wciąż w tym beztroskim wieku, kiedy ludzie nie myślą o takich rzeczach. Cieszy się swoją zręcznością i towarzystwem, które ją otacza.

Pablo Picasso. Dziewczyna na piłce (fragment). 1905 Muzeum Puszkina w Moskwie

Wiele szczegółów podkreśla żałosną sytuację tych ludzi. Niebo ma brudny, szaro-żółty kolor. Plecy sportowca przypominają pustynne grzbiety, które służą jako tło. Kostka i kula również mają kolor ziemisty.

Jedynie kontury ciał oddzielają bohaterów od otaczającej przestrzeni. A niebieski kolor ich ubrań w jakiś sposób wyróżnia ich na tle nudnego krajobrazu. Nie pozwala rozpuścić się w niej, w otchłani. Ich życie jest kruche, pomimo zręczności jednego i siły drugiego.

Tak, kolor niebieski odgrywa w obrazie bardzo ważną rolę.

Na pierwszym planie znajduje się bogaty niebieski kolor spodenek siłacza. Pośrodku jasnoniebieski kolor stroju dziewczynki. I szaroniebieski kolor kobiecej spódnicy w tle.

Kolor wydaje się tracić nasycenie z pierwszego planu na tło. Dzięki temu oko może wędrować po obrazie po przekątnej.

Od osoby silnej do osoby kruchej. Od męskiego do żeńskiego. Od ciężkiego do lekkiego. Istnieje uczucie wahadła: tam i z powrotem, tam i z powrotem.

To doskonale podkreśla fakt, że dziewczyna balansuje na piłce. Zaczynasz odczuwać kołysanie, chęć utrzymania równowagi.

Obraz balansowania pasuje także do opisu życia podróżujących artystów cyrkowych. Z jednego dochodu na drugi. Z jednego miasta do drugiego. Niekończąca się kolejka widzów. Brak stabilności. Żadnych gwarancji.

I dotyczy to nie tylko bohaterów filmu „Dziewczyna na balu”. A wszyscy artyści cyrkowi to Picasso.

Pablo Picasso. Dwóch akrobatów z psem. 1905 Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Nowym Jorku (MOMA)

Ale życie toczy się dalej. A Picasso wnosi odrobinę radości. Blady szkarłatny kwiat we włosach dziewczyny. Spokojnie pasący się biały koń. Dziecko w ramionach kobiety. Jasny strój na dziewczynie obok kobiety. Zatem nie wszystko stracone. I nie taki smutny.

Cyrk był przedstawiany jeszcze przed Picassem. Na przykład, . Ale jeśli postacie Picassa są raczej fikcyjne. Następnie Degas namalował prawdziwe gwiazdy cyrkowe. W najbardziej ekstrawaganckich strojach. Na szczycie chwały.

Zupełnie inne uczucie pojawia się, gdy patrzy się na jego Miss La-La.

Szczupła postać linoskoczka – wyraźny kontrast z masywną sylwetką siłacza na pierwszym planie – zwieńczona jest ramionami skierowanymi ku niebu. W ten sposób bohaterka próbuje odnaleźć równowagę na niestabilnej piłce. Sam obraz nie jest wyjątkowy: okres róży Picassa (około 1904-1906) nazywany jest często także okresem cyrku; wiele jego dzieł z tego okresu stanowią artyści cyrkowi, w tym akrobaci i linoskoczki. Niemniej jednak w „Dziewczynie na balu” artystce udało się znaleźć ciekawe rozwiązanie kompozycyjne: gest głównej bohaterki zdaje się łączyć jej sylwetkę z niebem – łatwo zauważyć, że kolor jej rajstop jest najbliższy niebieskawemu odcień nieba.

Pablo Picasso. Rodzina komików. 1905
Narodowa Galeria Sztuki w Waszyngtonie

Pablo Picasso. Aktor. 1904-1905
Wikimedia Commons

Pablo Picasso. Akrobata i młody arlekin. 1905
Wikimedia Commons

Sportowiec wrócił

W przeciwieństwie do szczupłej, bezcielesnej sylwetki dziewczyny, monumentalne plecy sportowca, które zajmują dobrą połowę pierwszego planu obrazu, utrzymane są w kolorze ochry, „suchotniczym”, zdaniem Apollinaire’a, tonami, które odbijają się echem w ziemiste wzgórza krajobrazu tła. Centralna dla „Dziewczyny na balu” opozycja zostaje zatem zaakcentowana na wielu płaszczyznach jednocześnie: nie tylko „kobiecość – męskość”, nie tylko „młodość – dojrzałość”, nie tylko „kruchość – stabilność”, ale także „niebo – ziemia”, „duch jest materią”.

Piłka i sześcian

Według niektórych badaczy wizerunek dziewczyny na piłce nawiązuje do renesansowej ikonografii bogini losu, Fortuny, natomiast stabilna kostka, na której siedzi sportowiec, kojarzona jest z koncepcją Waleczności. Łacińskie przysłowie mówi: „Sedes Fortunae rotunda, sedes Virtutis quadrata” (dosłownie: „Siedziba fortuny jest okrągła, siedziba męstwa jest kwadratowa”). Nie wiadomo, czy Picasso miał na myśli taką interpretację obrazów na obrazie, wydaje się to jednak całkiem prawdopodobne, biorąc pod uwagę jego zamiłowanie do alegorii artystycznych, a także fakt, że już od 1905 roku poruszał się już od kilku lat w paryskich kręgach intelektualnych i uczęszczał wykłady poety Moreasa, który głosił powrót do ideałów literatury grecko-łacińskiej.

Ślady drugiej stopy i prawego kolana

Pomimo tego, że artysta pokazuje sportowca od tyłu i widzimy tylko jedną z jego nóg, jeśli przyjrzysz się uważnie, na zdjęciu można rozróżnić drugą stopę i prawe kolano: początkowo poza strongmana była nieco inna, ale potem Picasso zmienił kompozycję. Według jednej z hipotez wynikało to z troski malarza o temat wsparcia – zarówno w sensie moralnym (artyści cyrkowi, jak i artyści awangardowi byli uważani za wyrzutków społeczeństwa i mogli liczyć jedynie na siebie) inne) i materialno-fizyczne. W ostatecznej wersji „Girls on a Ball” okazuje się, że linoskoczek częściowo polega na sportowcu: jeśli usuniesz w myślach jego postać z obrazu, krucha równowaga zostanie zniszczona i dziewczyna upadnie. Najwyraźniej druga noga osłabiła ten efekt, dlatego zdecydowano się z niej zrezygnować. Motyw wsparcia jest wyraźnie ucieleśniony w innych pracach Picassa, np. w „Starym Żydzie z chłopcem”. Z drugiej strony czasami w swoich pracach traktował ludzkie kończyny dość swobodnie: w późniejszym „Portrecie Pawła w kostiumie arlekina” synowi artysty zdaje się wyrastać dodatkowa noga.

Postacie w tle

Cyrkowcy Picassa nigdy nie są pokazywani przy pracy – sceny z ich udziałem przenoszone są w przestrzeń pewnego konwencjonalnego pustynnego krajobrazu. Tak właśnie dzieje się w przypadku „Dziewczyny na balu”: krajobraz za plecami głównych bohaterów przedstawiony jest w formie sekwencji poziomych planów w różnych kolorach - na tym tle pionowa dynamika sportowca i liny walker są postrzegane szczególnie żywo. Postacie ludzkie w tle to typowy sztafaż: malarze XVI-XVII w. przyjęli zasadę przedstawiania ich na swoich płótnach dla ożywienia krajobrazu. Charakterystyczne jest, że postacie te są odwrócone plecami do głównej sceny obrazu i wyraźnie oddalają się, obojętne na sztuczki ćwiczone przez siłacza i linoskoczka. Według jednej wersji jest to wypowiedź artysty o braku popytu na swoją sztukę, którą w dużej mierze porównał do swojej.

Koń

„Dziewczyna na balu” to rzadki przykład kompozycji Picassa, w której sukcesywnie otwierają się przed widzem plany przestrzenne: w pierwszej występuje sportowiec; z drugiej - ekwilibrysta; na trzeciej postać matki z dziećmi i psem; wreszcie w ostatnim, czwartym, w krajobrazie pasie się biały koń. Koń jest powracającym obrazem w malarstwie artysty z tego okresu: pojawia się także w „Chłopcu prowadzącym konia” oraz w dużej liczbie szkiców – np. „Arlekin na koniu” i „Rodzina komediantów”.

Obraz Picassa „Dziewczyna na balu” to jedno z arcydzieł sztuki pięknej. Chwaląc obraz, badacze zwykle nie wykraczali poza wskazanie kontrastu pomiędzy głównymi postaciami, wątłą dziewczyną i potężnym sportowcem. Tymczasem zadziwiająca doskonałość i głębia tych obrazów pozwala mówić o istotnej, wieloaspektowej treści obrazu, która wymaga jego nowego, dokładniejszego i wszechstronnego zbadania. Konieczne jest także ujawnienie figuratywnego znaczenia porównania dwóch postaci na pierwszym planie i ich związku z całą sceną, a także prześledzenie powiązań obrazu z innymi wczesnymi dziełami Picassa. Artykuł ten jest próbą wypełnienia tej luki.
Obraz powstał w 1905 roku, czyli w przenośni „różowego okresu” twórczości Picassa. Ale artysta nie od razu doszedł do rozwiązania figuratywnego i kompozycyjnego. Początkowo dziewczyna balansowała na kamieniu, co widać na rysunku piórem zatytułowanym „Ekwilibrysta” (Paryż). Bliższe przedstawienie postaci na pierwszym planie, bliższe wersji ostatecznej, zarysowują dwa rysunki z 1905 roku (Paryż, zbiory prywatne), będące szkicami do malarstwa moskiewskiego. Głowę akrobaty i sylwetkę dziewczyny rozwinął także szkic wykonany na odwrotnej stronie gwaszu „Chłopiec z psem” (1905). W pracy graficznej „Rodzina akrobaty”, wykonanej techniką suchego pędzla, dziewczynę na kuli otacza już wiele postaci. Sugerowano, że Picasso stworzył w tym czasie dwie duże kompozycje opowiadające o życiu aktorów w podróży: obraz „Wędrowni komedianci” (1905, Waszyngton, National Gallery) i „Zatrzymanie komediantów”.

Podróżujący komedianci

Odpoczynek komediantów

Plan drugiej kompozycji znany jest ze szkiców i prac przygotowawczych. Szkic z muzeum w Baltimore przedstawia obóz odpoczywających aktorów: kobiety bawią się z dziećmi lub wykonują prace domowe, obok cyrkowego wozu widać konia, a pośrodku akrobata obserwuje balansującą dziewczynę na piłce. Picasso nie stworzył tak kompletnej kompozycji, ale prawie wszystkie motywy malarstwa moskiewskiego sięgają szkicu z Baltimore. Pokazuje także miejsce odpoczynku artystów na opuszczonym terenie: dziewczyna balansuje na piłce, ćwicząc jeden z popularnych występów cyrkowych, podczas gdy w pobliżu odpoczywa potężny sportowiec, obserwując ją; w oddali widać matkę z dziećmi, psa i pasącego się białego konia.

Charakter pejzażu na szkicu i w naszym malarstwie też jest bliski. Ale krajobrazy z „Podróżujących komediantów” i „Dziewczyny na balu” są jeszcze bardziej podobne, co także świadczy o jedności ich pierwotnej koncepcji.

Pomyślany prawdopodobnie jako dzieło przygotowawcze do niezrealizowanego „Odpoczynku komediantów”, obraz „Dziewczyna na balu” stał się ukończonym i jednym z najdoskonalszych dzieł okresu różanego Picassa.

Moskiewski film na pierwszy rzut oka odtwarza tylko epizod z codziennego życia podróżujących komików. Jednak imponująca wielkość, majestatyczna struktura obrazu, w którym obrazy milczą, niezwykłe położenie (pustynny płaskowyż) i geometryczne „cokoły” postaci przyczyniają się do wyniesienia obrazów ponad codzienną rzeczywistość. Próba zaczyna przypominać wydarzenie rytualne i nabiera tajemniczego znaczenia.

Wykluczenie obrazu z jego poprzedniego, znajomego otoczenia i przeniesienie do nowego, abstrakcyjnego środowiska jest ważną cechą (wczesnej) twórczości Picassa. W nowym kontekście obraz nabiera dodatkowych znaczeń, wyraża pojęcia bardziej ogólne, często o charakterze uniwersalnym, ukazując wielkie pytania dotyczące ludzkiego losu, życia i śmierci. Cechę tę tłumaczy się przede wszystkim skłonnością Picassa od pierwszych lat jego twórczości do myślenia alegorycznego i obrazów symbolicznych. Jednocześnie Picasso często sięgał po motywy ikonograficzne sztuki dawnej, przede wszystkim chrześcijańskiej. Jest to szczególnie charakterystyczne dla obrazów z okresu niebieskiego, ale spotykane jest także w okresie różowym, choć wraz z pojawieniem się tematu podróżujących komediantów analogie takie stopniowo zaczynają zanikać w twórczości artysty.

Obraz „Dziewczyna na balu” powstał w przededniu „pierwszego okresu klasycznego” Picassa (druga połowa 1905 r. - połowa 1906 r.), dlatego można się spodziewać, że artysta zwróci się w stronę kręgu klasycznych idei i związanej z nimi ikonografii. motywy, które były dla niego nowe. W dalszej analizie postaramy się wykazać, że rzeczywiście są w nim obecne.

Kontrast plastyczny odgrywa ważną rolę w ukazaniu treści tej pracy. Porównanie dwóch przeciwstawnych sobie cech (słabości i siły, starości i młodości itp.) jest istotną cechą poetyki wczesnego Picassa. W „Dziewczynie na balu” dwa bieguny, wokół których rozmieszczone są pozostałe momenty treści, to koncepcje kobiecości i męskości, uosobione w głównych postaciach: na jednym biegunie – młodość, lekkość, wdzięk, kruchość, ruchliwość; z drugiej - dojrzałość, siła, masywność, stabilność, ciężkość.

Dziewczyna jest w złożonym ruchu. Podniesione ramiona szukają wsparcia w powietrzu, dłonie ściskają się jak druga, niewidzialna piłka. Głowa z różowym kwiatkiem we włosach pochylona delikatnie na bok, oczy półprzymknięte, na twarzy wędrujący uśmiech, radość niepostrzeżenie zamienia się w smutek. Balansowanie dziewczyny wydaje się być niezależne od jej ludzkiej woli, poddane losowemu obrotowi piłki, jej pozycja jest niepewna i niestabilna. Podporządkowanie jakiejś pozaosobowej sile, niestabilność, nieświadomość działania, zniewalanie i kruchość - wszystkie te cechy omawianego obrazu są różnymi aspektami klasycznej koncepcji „fortuny” (czyli szczęścia, przypadku, losu). Balansowanie na piłce jest symbolem szczęścia co najmniej od czasów renesansu. Symbolizowało to nietrwałość ludzkiego szczęścia.

Sportowiec, w przeciwieństwie do dziewczyny, ma silną pozycję, niewzruszoną przez wpływy zewnętrzne. Jego sylwetka sprawia wrażenie opanowania, pewności siebie i siły, co podkreśla stabilny kształt sześcianu, na którym siedzi. Sportowiec jest pokazany myślący i nieaktywny. Swoim wyglądem przypomina postacie młodych mężczyzn z fresków Kaplicy Sykstyńskiej Michała Anioła, a duchowym skupieniem – „Melancholię” Durera. Jest nie tylko siłaczem, ale także myślicielem. Sportowiec niejako łączy w sobie cnoty, które jednostka może przeciwstawić zmienności losu: siłę, inteligencję, odwagę, samokontrolę. W końcu jest artystą. Mamy tu prawdziwą realizację klasycznego ideału Virtus, czyli Waleczności lub Cnoty.

Dziewczyna i sportowiec są nie tylko indywidualnie obdarzeni cechami Fortuny i Waleczności, ale ich relacja także przypomina relację Fortuny i Waleczności. Kontrast między Fortuną i Walecznością, jak między dziewczyną a sportowcem, to przede wszystkim kontrast między przypadkowym a celowym, spontanicznym i rozsądnym. Kontrast między dziewczyną a sportowcem można również zdefiniować jako „działanie bez myśli” i „myśl bez działania”. Fortuna i męstwo zawsze były rozumiane łącznie, ze sobą powiązane. Wszystko, co najlepsze w życiu, mogłoby zostać osiągnięte przez Valora, jako towarzysza, przywódcę i przewodnika Fortune. Według idei filozofii klasycznej w życiu człowieka walczą ze sobą, zawierają sojusz lub pokonują dwie zasady: siły zewnętrzne, bezosobowe (los, przypadek) oraz własna wola, godność człowieka, rozum. Rozwiązanie sprzeczności między nimi było jednym z najważniejszych zagadnień literatury starożytnej. Cyceron już stwierdził: „Odwaga prowadzi, szczęście podąża”. Innym sformułowaniem tej samej myśli, przepojonym wiarą w ludzkie możliwości, są słowa Pliniusza Starszego przed wejściem na Wezuwiusz: „Fortuna sprzyja silnym”.

W sztuce renesansu i nowożytności nie istniała stabilna ikonografia łącznego obrazu Fortuny i Waleczności. Istnieje jednak znane łacińskie przysłowie, które mówi o rzeczach uderzająco przypominających nasz obraz:

Rotunda Sedes Fortunae,
Scdes Virtutis quadrata.

(tj.: „siedziba (siedziba) Fortuny jest okrągła, siedziba Odwagi jest kwadratowa”).

Trudno przyznać, że mamy do czynienia z przypadkowym zbiegiem okoliczności tłumaczonym prostotą motywu. Przecież jeśli każdy z dwóch motywów obrazu, wziętych osobno, postać kobieca na kuli i postać męska na sześcianie, są rzeczywiście elementarne, to ich połączenie w jednym dziele jest zupełnie wyjątkowe.

W roku 1905, do którego należy obraz, Picasso znalazł się w gronie koneserów literatury klasycznej, w którego twórczości właśnie pojawiły się tendencje i obrazy klasycyzujące. Picasso wraz z Apollinaire’em często przychodził na wykłady swojego bliskiego przyjaciela, poety J. Moreasa, założyciela „szkoły romańskiej”, której celem było wskrzeszenie tradycji grecko-łacińskiej w opozycji do wszelkich współczesnych nurtów i zasad w sztuce . Jest zatem prawdopodobne, że artysta był świadomy podstawowych idei i powiedzeń autorów klasycznych na temat Fortuny i Waleczności, w tym przytoczonego powyżej przysłowia łacińskiego. Wszystko to świadczy o niewątpliwym wykorzystaniu przez Picassa klasycznych wyobrażeń o Fortunie i Waleczności oraz związanych z nimi motywów ikonograficznych. Ale obraz Picassa „Dziewczyna na balu” nie jest dosłowną alegorią szczęścia i męstwa, jego treść jest znacznie szersza. Treść obrazu moskiewskiego ujawnia się przede wszystkim na podstawie analizy relacji bohaterów, ich cech figuratywnych, a także uwzględnienia cech plastycznych dzieła.

Główne postacie obrazu nie tylko przeciwstawiają się sobie, ale także tworzą na płaszczyźnie jedną konfigurację, w której drżący ruch dziewczyny jest równoważony i uspokajany „kwadratowością” sportowca. Przesuwne, płynne linie krępowane są ścisłymi prostokątnymi konturami, przekształcają się w nie i dzięki temu zyskują stabilność. Tak więc noga dziewczyny wizualnie spoczywa na kolanie akrobaty. Sportowiec wspiera dziewczynę nie tylko kompozycyjnie, ale także znaczeniowo: jest jej mentorem, a dziewczyna balansuje na piłce jak pod jego okiem; to nie przypadek, że oboje ukazani są w komunikacji, zwróceni do siebie twarzą. Jednocześnie bezczynność sportowca, jego zamyślenie, napięty obrót jego sylwetki w przestrzeni wyraźnie wskazują, że jego energia wewnętrzna jest ograniczana przez ciężar własnego ciała. Wszystko to, nałożone na początkowe wrażenie pewności siebie i siły, rodzi poczucie, że sportowiec również nie może istnieć bez dziewczyny, że on także potrzebuje jej kruchości, lekkości, mobilności, jako duchowego wsparcia.

Dziewczyny i sportowca nie można postrzegać bez siebie, nie można ich sobie wyobrazić oddzielnie. Jednak główni bohaterowie nie tylko są od siebie zależni, zdają się także podlegać działaniu niewidzialnych, bezosobowych sił, które stawiają ich w wymuszonej pozycji, wbrew własnej woli. Te pozaosobowe siły działają jak los, próbując pozbawić człowieka prawa do bycia sobą.

Temat losu nie jest przypadkowy we wczesnych pracach Picassa. Sprzeciw człowieka wobec losu, opór siłom próbującym go złamać są charakterystyczne dla wielu dzieł Niebieskiego Okresu. W okresie róży wizerunki podróżujących komików przyciągnęły także artystę, dając możliwość ponownego poruszenia tematu losu. Picasso obnaża w komediorze niespójność swego stanowiska oraz dualizm aktora i człowieka. Aktorstwo krępuje człowieka, czasem przebiera go w kostium błazna, zmusza do odgrywania zapamiętanej roli, niezależnie od osobowości i indywidualności człowieka. Komik nie ma wolności wyboru i nie może podążać własną drogą, w pożądanym kierunku. Na przykład we wspomnianym już obrazie „Podróżujący komedianci”, a także w szkicu do niego wydaje się, że jakaś niewidzialna siła dociska aktorów do ziemi i nie pozwala im się poruszać: ich nogi są ułożone w taki sposób przypominają pozycje „baletowe”. Komicy niewątpliwie podlegają nieustannemu obowiązkowi, obowiązkowi zawodowemu, ale jednocześnie przeciwstawiają się swojej pozycji – to ludzie, którymi nie można sterować jak marionetkami, ciągnąc za sznurki.

W okresie róży Picassa przedstawienie nigdy nie odbywa się na arenie cyrkowej, a jedynie w abstrakcyjnym otoczeniu. Miejsce i czas akcji nie są lokalne ani ograniczone. Pole działania może rozciągać się na cały świat. Aktor Picasso nie jest indywidualny i ma wiele twarzy, reprezentuje obraz całej ludzkości i jest powołany do ucieleśniania sprzeczności świata. Picasso trafnie powtarza motto teatru Szekspira „Cały świat gra”.

Wygląda na to, że dziewczyna i sportowiec odgrywają przedstawienie o Fortunie i Waleczności.

Aby zrozumieć treść „Dziewczyn na balu”, trzeba także wrócić do faktu, że w nim wątek alegoryczny rzutowany jest na wizerunek artystów cyrkowych. Na tym obrazie Picasso przedstawia w tle matkę z dziećmi, a obok nich błąkający się pies i pasący się koń. Stanowią niezbędne uzupełnienie głównych postaci; artysta ukazuje całą rodzinę aktorów, mały, prężny zespół prowadzący zamkniętą, niezależną egzystencję. Aktorzy Picassa to przedstawiciele szczególnego świata, którego egzystencja nie przypomina życia mieszkańców miast i niesie ze sobą inną treść. Ich życie toczy się na opuszczonym terenie, gdzie nie ma śladów współczesnej cywilizacji. W „Dziewczynie na balu”, podobnie jak w innych pracach podejmujących temat podróżujących komediantów, Picasso dąży do stworzenia mikrospołeczeństwa, rodziny aktorów jako świata szczególnego, przeciwstawionego społeczeństwu współczesnego artysty, zbudowanego na zupełnie innych zasadach, zasady człowieczeństwa i sztuki. Sam Picasso odczuwał szczególną bliskość z aktorami, akrobatami i sportowcami. I tak w obrazie „Podróżujący komedianci” Picasso nadał Arlekinowi cechy autoportretu, a staremu klaunowi nadał rysy twarzy i sylwetki poety G. Apollinaire’a. Artysta namalował także Autoportret w kostiumie arlekina w kawiarni (1905, Nowy Jork). Świadczy to o wadze, jaką przywiązywał Picasso i jak wysoko cenił ludzi w bliskim mu zawodzie.

Człowiek w oczach Picassa okresu róży jest artystą, osobą twórczą, wirtuozem swojego rzemiosła i to właśnie jego „wirtuozeria”, czyli wysokie przymioty ludzkie, pozwalają mu przeciwstawić się losowi. Kreatywność człowieka pomaga mu zawrzeć sojusz ze szczęściem i szczęściem.