Starożytna grecka rzeźba z epoki klasycznej. Cechy rzeźby starożytnej Grecji Sztuka starożytnej Grecji. Rzeźby starożytnej Grecji: nazwy w epoce hellenistycznej

Z reguły posągi w tamtych czasach były rzeźbione z wapienia lub kamienia, następnie pokrywane farbą i dekorowane pięknymi kamieniami szlachetnymi, elementami złota, brązu lub srebra. Jeśli figurki były małe, wykonywano je z terakoty, drewna lub brązu.

Starożytna grecka rzeźba

Rzeźba starożytnej Grecji w pierwszych wiekach swojego istnienia doświadczyła dość poważnego wpływu sztuki egipskiej. Prawie wszystkie dzieła starożytnej rzeźby greckiej przedstawiały półnagich mężczyzn z opuszczonymi rękami. Po pewnym czasie greckie rzeźby zaczęły trochę eksperymentować z ubiorem, pozami i zaczęły nadawać indywidualne rysy swoim twarzom.

W okresie klasycznym rzeźba osiągnęła swój szczyt. Mistrzowie nauczyli się nie tylko nadawać posągom naturalne pozy, ale nawet przedstawiać emocje, których rzekomo doświadcza dana osoba. Może to być troskliwość, dystans, radość lub surowość, a także zabawa.

W tym okresie modne stało się przedstawianie mitycznych bohaterów i bogów, a także prawdziwych ludzi zajmujących odpowiedzialne stanowiska - mężów stanu, generałów, naukowców, sportowców czy po prostu bogatych ludzi, którzy przez wieki chcieli się uwiecznić.

Wiele uwagi poświęcano wówczas nagiemu ciału, gdyż istniejące w tamtym czasie i na tym obszarze pojęcie dobra i zła interpretowało piękno zewnętrzne jako odzwierciedlenie duchowej doskonałości człowieka.

O rozwoju rzeźby z reguły decydowały potrzeby, a także wymagania estetyczne ówczesnego społeczeństwa. Wystarczy spojrzeć na posągi z tamtych czasów, aby zrozumieć, jak kolorowa i żywa była wówczas sztuka.

Wielki rzeźbiarz Myron stworzył pomnik, który miał ogromny wpływ na rozwój sztuk pięknych. To słynna statua Dyskoteka – rzucającego dyskiem. Mężczyzna zostaje schwytany w momencie, gdy jego ręka jest nieco odrzucona, znajduje się w niej ciężki dysk, który jest gotowy rzucić w dal.

Rzeźbiarzowi udało się uchwycić sportowca w bardzo kulminacyjnym momencie, który zapowiada następny, kiedy pocisk wystrzeliwuje wysoko w powietrze, a sportowiec prostuje się. W tej rzeźbie Myron opanował ruch.

Był popularny w innych czasach mistrz – Poliklet, Który w powolnym kroku i odpoczynku ustaliła równowagę sylwetki ludzkiej. Tworząc rzeźbę rzeźbiarz dąży do znalezienia idealnie właściwych proporcji, na jakich można zbudować ludzkie ciało. Ostatecznie powstał wizerunek, który stał się pewną normą, a ponadto wzorem do naśladowania.

Poliklet w procesie tworzenia swoich dzieł matematycznie obliczał parametry wszystkich części ciała, a także ich wzajemne relacje. Jednostką był wzrost człowieka, gdzie głowa stanowiła jedną siódmą, dłonie i twarz jedną dziesiątą, a stopy jedną szóstą.

Polikleitos ucieleśniał swój ideał sportowca w posągu młodzieńca z włócznią. Obraz bardzo harmonijnie łączy idealne piękno fizyczne, a także duchowość. Rzeźbiarz bardzo wyraźnie wyraził w tej kompozycji ideał tamtej epoki - zdrową, różnorodną i integralną osobowość.

Autorem dwunastometrowego posągu Ateny był Fidiasz. Ponadto stworzył kolosalny posąg boga Zeusa dla świątyni, która znajduje się w Olimpii.

Sztuka mistrza Skopasa tchnie impulsem i pasją, walką i niepokojem, a także głębokimi wydarzeniami. Najlepszym dziełem sztuki tego rzeźbiarza jest posąg Menady. W tym samym czasie działał Praksyteles, który w swoich dziełach wyśpiewywał radość życia, a także niezwykle zmysłowe piękno ludzkiego ciała.

Lissip stworzył około 1500 posągów z brązu, wśród których są po prostu kolosalne wizerunki bogów. Ponadto istnieją grupy, które wyświetlają wszystkie prace Herkulesa. Oprócz obrazów mitologicznych rzeźby mistrza przedstawiały także wydarzenia tamtych czasów, które później przeszły do ​​historii.

Wśród różnorodnych arcydzieł dziedzictwa kulturowego starożytnej Grecji zajmuje szczególne miejsce. W posągach greckich ideał człowieka, piękno ludzkiego ciała, jest ucieleśniony i uwielbiony za pomocą środków wizualnych. Jednak nie tylko wdzięk i gładkość linii wyróżnia starożytne rzeźby greckie - kunszt ich autorów jest tak duży, że nawet w zimnym kamieniu potrafili oddać całą gamę ludzkich emocji i nadać postaciom szczególne, głębokie znaczenie, jak jeśli tchnie w nie życie i obdarzy każdego niepojętą tajemnicą, która wciąż przyciąga i nie pozostawia patrzącego obojętnym.

Podobnie jak inne kultury, starożytna Grecja przeżywała różne okresy swojego rozwoju, z których każdy wprowadzał pewne zmiany w procesie powstawania wszelkich typów, do których zalicza się także rzeźbę. Dlatego możliwe jest prześledzenie etapów powstawania tego typu sztuki, pokrótce opisując cechy starożytnej rzeźby greckiej starożytnej Grecji w różnych okresach jej historycznego rozwoju.
OKRES ARCHAICZNY (VIII-VI wiek p.n.e.).

Rzeźby tego okresu charakteryzują się pewną prymitywnością samych postaci, ponieważ zawarte w nich obrazy były zbyt uogólnione i nie różniły się różnorodnością (postacie młodych mężczyzn nazywano kuros, postacie dziewcząt nazywano kora ). Za najsłynniejszą rzeźbę, z kilkudziesięciu, które przetrwały do ​​dziś, uważa się posąg Apolla z Cieni, wykonany z marmuru (sam Apollo pojawia się przed nami jako młody człowiek z opuszczonymi rękami, palcami zaciśniętymi w pięści i szeroko otwartymi oczami otwarte, a jego twarz odbija się w typowym rzeźbiarskim, archaicznym uśmiechu tamtych czasów). Wizerunki dziewcząt i kobiet wyróżniały się długimi ubraniami i falowanymi włosami, ale przede wszystkim przyciągała je gładkość i elegancja linii - ucieleśnienie kobiecego wdzięku.

OKRES KLASYCZNY (V-IV wiek p.n.e.).
Jedną z najwybitniejszych postaci rzeźbiarzy tego okresu można nazwać Pitagorasem z Regii (480 -450). To on ożywił swoje dzieła i nadał im bardziej realistyczny charakter, choć niektóre jego prace uznano za nowatorskie i zbyt odważne (np. pomnik Chłopiec wyjmujący drzazgę). Jego niezwykły talent i żywotność umysłu pozwoliły mu na badanie znaczenia harmonii za pomocą algebraicznych metod obliczeniowych, które przeprowadził w oparciu o założoną przez siebie szkołę filozoficzno-matematyczną. Za pomocą takich metod Pitagoras badał harmonie o różnej naturze: harmonię muzyczną, harmonię ludzkiego ciała czy konstrukcję architektoniczną. Szkoła pitagorejska istniała na zasadzie liczby, która była uważana za podstawę całego świata.

Oprócz Pitagorasa okres klasyczny dał kulturze światowej tak wybitnych mistrzów jak Myron, Polikleitos i Fidiasz, których twórczość łączyła jedna zasada: ukazywanie harmonijnego połączenia idealnego ciała i zawartej w nim równie pięknej duszy. To właśnie ta zasada stała się podstawą do stworzenia rzeźb tamtych czasów.
Twórczość Myrona wywarła ogromny wpływ na sztukę edukacyjną V wieku w Atenach (wystarczy wspomnieć o jego słynnym rzucie dyskiem z brązu).

Twórczość Polikleitosa ucieleśniała jego umiejętność utrzymywania równowagi w postaci mężczyzny stojącego na jednej nodze z podniesioną ręką (przykładem jest posąg Doryforosa, młodego włócznika). W swoich pracach Poliklet starał się połączyć idealne cechy fizyczne z pięknem i duchowością. Pragnienie to zainspirowało go do napisania i wydania własnego traktatu, Kanonu, który niestety nie zachował się do dziś. Fidiasza można słusznie nazwać wielkim twórcą rzeźby V wieku, ponieważ potrafił doskonale opanować sztukę odlewania brązu. 13 rzeźbiarskich figur odlanych przez Fidiasza ozdobiło delficką świątynię Apolla. Do jego dzieł należy także dwudziestometrowy posąg Matki Boskiej Ateny w Partenonie, wykonany z czystego złota i kości słoniowej (ta technika wykonywania posągów nazywana jest chryso-elefantyną). Prawdziwą sławę Fidiasz przyniósł po wykonaniu posągu Zeusa dla świątyni w Olimpii (jego wysokość wynosiła 13 metrów).

OKRES HELLENIZMU. (IV-I wiek p.n.e.).
Rzeźba w tym okresie rozwoju starożytnego państwa greckiego nadal miała swoje główne przeznaczenie do ozdabiania obiektów architektonicznych, choć odzwierciedlała zmiany zachodzące w administracji rządowej. Ponadto w rzeźbie, jako jednej z wiodących form sztuki, pojawiło się wiele szkół i trendów.
Skopas stał się wybitną postacią wśród rzeźbiarzy tego okresu. Jego umiejętności ucieleśniały hellenistyczna statua Nike z Samotraki, nazwana tak na pamiątkę zwycięstwa floty rodezyjskiej w 306 rpne i zainstalowana na cokole, który swoim projektem przypominał dziób statku. Klasyczne obrazy stały się przykładami twórczości rzeźbiarzy tej epoki.

W rzeźbie hellenizmu wyraźnie widoczna jest tak zwana gigantomania (chęć ucieleśnienia pożądanego obrazu w posągu o ogromnych rozmiarach): uderzającym tego przykładem jest posąg boga Heliosa wykonany z pozłacanego brązu, który wzniósł się 32 metrów przy wejściu do portu na Rodos. Uczeń Lizypa, Hares, pracował niestrudzenie nad tą rzeźbą przez dwanaście lat. To dzieło sztuki słusznie zajęło zaszczytne miejsce na liście Cudów Świata. Po zajęciu starożytnej Grecji przez rzymskich zdobywców wiele dzieł sztuki (w tym wielotomowe zbiory bibliotek cesarskich, arcydzieła malarstwa i rzeźby) wywieziono poza jej granice, ponadto wielu przedstawicieli nauki i oświaty zostało wywiezionych poza jej granice złapany. Tym samym elementy kultury greckiej zostały wplecione w kulturę starożytnego Rzymu i wywarły znaczący wpływ na jej dalszy rozwój.

Różne okresy rozwoju starożytnej Grecji oczywiście dostosowały się do procesu powstawania tego rodzaju dzieł sztuki,

klasyczna rzeźba starożytnej Grecji

Starożytna grecka rzeźba z okresu klasycznego

Mówiąc o sztuce starożytnych cywilizacji, przede wszystkim pamiętamy i badamy sztukę starożytnej Grecji, a zwłaszcza jej rzeźbę. Naprawdę w tym małym, pięknym kraju ta forma sztuki osiągnęła taki poziom, że do dziś uważana jest za standard na całym świecie. Studiowanie rzeźb starożytnej Grecji pozwala nam lepiej zrozumieć światopogląd Greków, ich filozofię, ideały i aspiracje. W rzeźbie, jak nigdzie indziej, manifestuje się stosunek do człowieka, który w starożytnej Grecji był miarą wszystkiego. To rzeźba daje nam możliwość oceny idei religijnych, filozoficznych i estetycznych starożytnych Greków. Wszystko to pozwala nam lepiej zrozumieć przyczyny powstania, rozwoju i upadku tej cywilizacji.

Rozwój cywilizacji starożytnej Grecji dzieli się na kilka etapów - epok. Najpierw krótko opowiem o epoce archaicznej, ponieważ poprzedzała ona epokę klasyczną i „nadawała ton” rzeźbie.

Okres archaiczny to początek powstawania starożytnej rzeźby greckiej. Epokę tę podzielono także na wczesną archaiczną (650 - 580 p.n.e.), wysoką (580 - 530 p.n.e.) i późną (530 - 480 p.n.e.). Rzeźba była ucieleśnieniem idealnej osoby. Wywyższała jego urodę, jego fizyczną doskonałość. Wczesne pojedyncze rzeźby reprezentowane są przez dwa główne typy: wizerunek nagiego młodzieńca – kouros i postać dziewczyny ubranej w długi, obcisły chiton – kora.

Rzeźba tej epoki była bardzo podobna do egipskiej. I nie jest to zaskakujące: Grecy, zapoznając się z kulturą egipską i kulturami innych krajów starożytnego Wschodu, wiele zapożyczyli, a w innych przypadkach odkryli z nimi podobieństwa. W rzeźbie zachowano pewne kanony, dlatego były one bardzo geometryczne i statyczne: człowiek robi krok do przodu, ramiona są wyprostowane, a ramiona opuszczone wzdłuż ciała, na ustach zawsze igra głupi uśmiech. Dodatkowo namalowano rzeźby: złote włosy, niebieskie oczy, różowe policzki.

Na początku epoki klasycznej te kanony nadal obowiązują, później jednak autor zaczyna odchodzić od statyki, rzeźba nabiera charakteru i często dochodzi do zdarzenia, akcji.

Rzeźba klasyczna to druga era w rozwoju kultury starożytnej Grecji. Dzieli się go także na etapy: styl wczesnoklasyczny lub ścisły (490 - 450 p.n.e.), wysoki (450 - 420 p.n.e.), styl bogaty (420 - 390 p.n.e.), późny klasyk (390 - ok. 320 p.n.e.).

W epoce wczesnej klasyki następuje pewne przemyślenie życia. Rzeźba nabiera bohaterskiego charakteru. Sztuka uwalnia się ze sztywnych ram, jakie krępowały ją w epoce archaicznej, to czas poszukiwania nowego, intensywnego rozwoju różnych szkół i kierunków, tworzenia różnorodnych dzieł. Dwa typy figurek – kurosu i kore – są zastępowane przez znacznie większą różnorodność typów; rzeźby starają się oddać złożony ruch ludzkiego ciała.

Wszystko to dzieje się na tle wojny z Persami i to właśnie ta wojna tak zmieniła myślenie starożytnej Grecji. Centra kulturalne uległy przesunięciu i obecnie są to Ateny, Północny Peloponez i Grecki Zachód. W tym czasie Grecja osiągnęła najwyższy punkt wzrostu gospodarczego, politycznego i kulturalnego. Ateny zajęły czołowe miejsce w unii miast greckich. Społeczeństwo greckie było demokratyczne, zbudowane na zasadach równego działania. Wszyscy mężczyźni zamieszkujący Ateny, z wyjątkiem niewolników, byli równymi obywatelami. I wszyscy cieszyli się prawem do głosowania i mogli zostać wybrani na dowolny urząd publiczny. Grecy żyli w harmonii z naturą i nie tłumili swoich naturalnych pragnień. Wszystko, co dokonali Grecy, było własnością ludu. Posągi stały w świątyniach i na placach, na palestrach i na brzegu morza. Były obecne na frontonach i dekoracji świątyń. Podobnie jak w epoce archaicznej, rzeźby malowano.

Niestety rzeźba grecka dotarła do nas głównie w gruzach. Chociaż według Plutarcha w Atenach było więcej posągów niż żywych ludzi. Wiele posągów dotarło do nas w kopiach rzymskich. Są jednak dość prymitywne w porównaniu z greckimi oryginałami.

Jednym z najsłynniejszych rzeźbiarzy wczesnych klasyków jest Pitagoras z Regium. Niewiele jego dzieł dotarło do nas, a jego dzieła znane są jedynie z wzmianek o starożytnych autorach. Pitagoras zasłynął z realistycznego przedstawienia ludzkich żył, żył i włosów. Zachowało się kilka rzymskich kopii jego rzeźb: „Chłopiec wyciągając drzazgę”, „Hiacynt” itp. Ponadto przypisuje się mu słynny posąg z brązu „Woźnica”, znaleziony w Delfach. Pitagoras z Regium stworzył kilka posągów z brązu przedstawiających zwycięzców igrzysk olimpijskich i delfickich. I jest właścicielem posągów Apolla - Pogromcy Pytonów, Gwałtu na Europie, Eteoklesa, Polinejkesa i Rannego Filokteta.

Wiadomo, że Pitagoras z Regium był rówieśnikiem i rywalem Myrona. To kolejny znany rzeźbiarz tamtych czasów. I zasłynął jako największy realista i znawca anatomii. Ale mimo to Myron nie wiedział, jak nadać życie i wyraz obliczem swoich dzieł. Myron stworzył posągi sportowców – zwycięzców konkursów, reprodukował znanych bohaterów, bogów i zwierzęta, a szczególnie znakomicie przedstawiał trudne pozy, które wyglądały bardzo realistycznie.

Najlepszym przykładem takiej jego rzeźby jest słynny na całym świecie „Dyskobol”. Starożytni pisarze wspominają także o słynnej rzeźbie Marsjasza i Ateny. Ta słynna grupa rzeźbiarska dotarła do nas w kilku egzemplarzach. Oprócz ludzi Myron przedstawiał także zwierzęta, szczególnie znany jest jego wizerunek „Krowy”.

Myron pracował głównie w brązie, jego dzieła nie zachowały się i znane są ze świadectw autorów starożytnych oraz kopii rzymskich. Był także mistrzem toreutyki – wykonywał metalowe kubki z reliefowymi wizerunkami.

Innym znanym rzeźbiarzem tego okresu jest Kalamis. Tworzył posągi z marmuru, brązu i chryzelefantyny, przedstawiając głównie bogów, bohaterskie postacie kobiece i konie. Sztukę Kalamis można ocenić po zachowanej do nas z późniejszych czasów kopii posągu Hermesa niosącego barana, który wykonał dla Tanagry. Postać samego boga wykonana jest w stylu archaicznym, z charakterystyczną dla tego stylu bezruchem pozy i symetrią układu kończyn; ale baran niesiony przez Hermesa wyróżnia się już pewną żywotnością.

Ponadto frontony i metopy świątyni Zeusa w Olimpii należą do zabytków starożytnej greckiej rzeźby wczesnych klasyków. Kolejnym znaczącym dziełem wczesnych klasyków jest tzw. „Tron Ludovisi”. Jest to trójboczny marmurowy ołtarz przedstawiający narodziny Afrodyty, po bokach ołtarza znajdują się hetery i panny młode, symbolizujące różne hipostazy miłości lub obrazy służenia bogini.

Wysokie klasyki reprezentowane są przez imiona Fidiasza i Polikleita. Jego krótkotrwały rozkwit wiąże się z pracami na ateńskim Akropolu, czyli z dekoracją rzeźbiarską Partenonu. Szczytem starożytnej rzeźby greckiej były najwyraźniej posągi Ateny Partenos i Zeusa Olimpijskiego autorstwa Fidiasza.

Fidiasz jest jednym z najlepszych przedstawicieli stylu klasycznego, a o jego znaczeniu wystarczy powiedzieć, że uważany jest za twórcę sztuki europejskiej. Kierowana przez niego szkoła rzeźby na poddaszu zajmowała czołowe miejsce w sztuce wysokiej klasyki.

Fidiasz miał wiedzę o osiągnięciach optyki. Zachowała się opowieść o jego rywalizacji z Alkamenesem: w obu przypadkach zamówiono posągi Ateny, które miały być wzniesione na wysokich kolumnach. Fidiasz wykonał swój posąg zgodnie z wysokością kolumny - na ziemi wydawał się brzydki i nieproporcjonalny. Szyja bogini była bardzo długa. Kiedy oba posągi postawiono na wysokich cokołach, słuszność Fidiasza stała się oczywista. Zwracają uwagę na ogromną umiejętność Fidiasza w interpretacji ubioru, w której przewyższa on zarówno Myrona, jak i Polikleta.

Większość jego dzieł nie zachowała się, możemy je sądzić jedynie na podstawie opisów starożytnych autorów i kopii. Niemniej jednak jego sława była kolosalna. A było ich tak dużo, że zostało już bardzo dużo. Najsłynniejsze dzieła Fidiasza – Zeusa i Ateny Partenos zostały wykonane w technice chryzoelefantyny – złota i kości słoniowej.

Wysokość posągu Zeusa wraz z cokołem wynosiła według różnych źródeł od 12 do 17 metrów. Oczy Zeusa były wielkości pięści dorosłego człowieka. Peleryna zakrywająca część ciała Zeusa, berło z orłem w lewej ręce, posąg bogini Nike w prawej oraz wieniec na jego głowie są wykonane ze złota. Zeus zasiada na tronie, a na nogach tronu przedstawiono cztery tańczące Nike. Przedstawiono także: centaury, lapity, wyczyny Tezeusza i Herkulesa, freski przedstawiające bitwę Greków z Amazonkami.

Atena Partenon była, podobnie jak posąg Zeusa, ogromna i wykonana w technice chryzoelefantyny. Tylko bogini, w przeciwieństwie do swojego ojca, nie siedziała na tronie, ale stała na pełnej wysokości. „Sama Atena jest wykonana z kości słoniowej i złota... Posąg przedstawia ją w pełnej wysokości w tunice aż do podeszew stóp, na jej piersi znajduje się głowa Meduzy wykonana z kości słoniowej, w dłoni trzyma wizerunek Nike, około czterech łokci, a w drugiej ręce - włócznię. U jej stóp leży tarcza, a obok jej włóczni jest wąż; ten wąż to prawdopodobnie Erichtoniusz. (Opis Hellady, XXIV, 7).

Hełm bogini miał trzy herby: środkowy ze sfinksem, boczny z gryfami. Jak pisze Pliniusz Starszy, na zewnątrz tarczy odbyła się bitwa z Amazonkami, od wewnątrz walka bogów z olbrzymami, a na sandałach Ateny widniał wizerunek centauromachii. Podstawę ozdobiono historią Pandory. Tunika, tarcza, sandały, hełm i biżuteria bogini są wykonane ze złota.

Na marmurowych kopiach dłoń bogini z Nike wsparta jest na filarze; to, czy istniała w oryginale, jest przedmiotem wielu dyskusji. Nika wydaje się malutka, w rzeczywistości jej wzrost wynosił 2 metry.

Atena Promachos to kolosalny wizerunek bogini Ateny wymachującej włócznią na ateńskim Akropolu. Wzniesiony na pamiątkę zwycięstw nad Persami. Jej wysokość sięgała 18,5 metra i górowała nad wszystkimi okolicznymi budynkami, świecąc z daleka nad miastem. Niestety ta spiżowa bogini nie przetrwała do dziś. A wiemy o tym jedynie ze źródeł kronikarskich.

Atena Lemnia – z kopii znana jest nam także wykonana z brązu statua bogini Ateny, autorstwa Fidiasza. Jest to posąg z brązu przedstawiający boginię opierającą się na włóczni. Został nazwany na cześć wyspy Lemnos, dla której mieszkańców został stworzony.

Ranna Amazonka, posąg, który zajął drugie miejsce w słynnym konkursie rzeźbiarskim na Świątynię Artemidy w Efezie. Oprócz powyższych rzeźb Fidiaszowi przypisuje się także inne, bazując na podobieństwie stylistycznym: posąg Demeter, posąg Kory, płaskorzeźba z Eleusis, Anadumen (młody mężczyzna zawiązujący bandaż na głowie), Hermes Ludovisi, Apollo tyberyjski, Apollo z Kassel.

Pomimo talentu, a raczej boskiego daru Fidiasza, jego stosunki z mieszkańcami Aten wcale nie były ciepłe. Jak pisze Plutarch w swoim Życiu Peryklesa, Fidiasz był głównym doradcą i asystentem Peryklesa (ateńskiego polityka, słynnego mówcy i dowódcy).

„Ponieważ był przyjacielem Peryklesa i cieszył się u niego wielką władzą, miał wielu osobistych wrogów i zazdrosnych ludzi. Namówili jednego z pomocników Fidiasza, Menona, aby potępił Fidiasza i oskarżył go o kradzież. Fidiasza nękała zazdrość o chwałę jego dzieł... Gdy jego sprawa była rozpatrywana w Zgromadzeniu Ludowym, nie stwierdzono żadnych śladów kradzieży. Ale Fidiasz został wtrącony do więzienia i tam zmarł z powodu choroby”.

Polikleitos Starszy to starożytny grecki rzeźbiarz i teoretyk sztuki, współczesny Fidiaszowi. W przeciwieństwie do Fidiasza nie było to tak duże. Jednak jego rzeźba ma pewien charakter: Poliklet uwielbiał przedstawiać sportowców w stanie spoczynku, a specjalizował się w przedstawianiu sportowców, zwycięzców igrzysk olimpijskich. Jako pierwszy wpadł na pomysł ułożenia postaci w taki sposób, aby opierały się na dolnej części tylko jednej nogi. Poliklet umiał ukazać ciało ludzkie w stanie równowagi – jego postać ludzka w spoczynku lub w zwolnionym tempie sprawia wrażenie ruchomej i ożywionej. Przykładem tego jest słynny posąg Polikleita „Doriphoros” (włócznika). To w tej pracy ucieleśnione są idee Polikleitosa dotyczące idealnych proporcji ludzkiego ciała, które są względem siebie proporcjonalne liczbowo. Uważano, że postać powstała w oparciu o przepisy pitagoreizmu, dlatego w starożytności posąg Doryfora często nazywano „kanonem Polikleita”. Formy tego posągu powtarzają się w większości dzieł rzeźbiarza i jego szkoły. Odległość od podbródka do czubka głowy w posągach Polikleita wynosi jedną siódmą, odległość od oczu do podbródka wynosi jedną szesnastą, a wysokość twarzy stanowi jedną dziesiątą całej figury. Poliklet jest mocno związany z tradycją pitagorejską. „Kanon Polikleita” to teoretyczny traktat rzeźbiarza, stworzony przez Polikleita, aby mogli z niego korzystać inni artyści. Rzeczywiście, Kanon Polikletosa wywarł ogromny wpływ na kulturę europejską, mimo że zachowały się jedynie dwa fragmenty dzieła teoretycznego, informacje na jego temat są fragmentaryczne, a podstawy matematyczne nie zostały jeszcze ostatecznie wydedukowane.

Oprócz włócznika znane są inne dzieła rzeźbiarza: „Diadumen” („Młody człowiek zawiązujący bandaż”), „Rana Amazonka”, kolosalny posąg Hery w Argos. Został wykonany w technice chryzoelefantyny i był postrzegany jako pandan Fidiasza, Zeusa Olimpijskiego, „Discophoros” („Młody człowiek trzymający dysk”). Niestety rzeźby te przetrwały jedynie w starożytnych rzymskich kopiach.

Na etapie „Bogaty styl” znamy nazwiska takich rzeźbiarzy jak Alkamen, Agorakrit, Callimachus itp.

Alkamenes, grecki rzeźbiarz, uczeń, rywal i następca Fidiasza. Alkamenes uchodził za równego Fidiaszowi, a po jego śmierci stał się czołowym rzeźbiarzem w Atenach. Jego Hermes w formie hermy (filaru zwieńczonego głową Hermesa) znany jest w wielu egzemplarzach. Niedaleko, niedaleko świątyni Ateny Nike, znajdował się posąg Hekate, który przedstawiał trzy postacie połączone plecami. Na Akropolu w Atenach odnaleziono także grupę należącą do Alkamena – Procne, unoszącą nóż nad swoim synem Itisem, który szukał zbawienia w fałdach jej ubrania. W sanktuarium na zboczu Akropolu znajdował się posąg siedzącego Dionizosa należący do Alkamena. Alkamen stworzył także posąg Aresa dla świątyni na agorze oraz posąg Hefajstosa dla świątyni Hefajstosa i Ateny.

Alkamenes pokonał Agorakryta w konkursie na stworzenie posągu Afrodyty. Jednak jeszcze bardziej znana jest siedząca „Afrodyta w ogrodach”, u północnego podnóża Akropolu. Jest przedstawiana na wielu wazonach na poddaszu z czerwonymi figurami, otoczonych Erosa, Peyto i innymi ucieleśnieniami szczęścia, jakie przynosi miłość. Prawdopodobnie z tego posągu skopiowano często powtarzaną przez starożytnych kopistów głowę, zwaną „Safoną”. Ostatnim dziełem Alkamena jest kolosalny relief z Herkulesem i Ateną. Alkamenes prawdopodobnie zmarł wkrótce potem.

Agorakritos był także uczniem Fidiasza i, jak mówią, jego ulubieńcem. On, podobnie jak Alkamen, brał udział w tworzeniu fryzu Partenonu. Dwa najsłynniejsze dzieła Agorakritosa to kultowy posąg bogini Nemezis (przerobiony przez Atenę po pojedynku z Alkamenesem), podarowany świątyni Ramnos oraz posąg Matki Bogów w Atenach (czasami przypisywany Fidiaszowi). . Spośród dzieł wspomnianych przez starożytnych autorów jedynie posągi Zeusa-Hadesa i Ateny w Koronei niewątpliwie należały do ​​Agorakritosa. Z jego dzieł zachowała się jedynie część głowy kolosalnego posągu Nemezis oraz fragmenty płaskorzeźb zdobiących podstawę tego posągu. Według Pauzaniasza baza przedstawiała młodą Helenę (córkę Nemezisa) z karmiącą ją Ledą, jej mężem Menelaosem i innymi krewnymi Heleny i Menelaosa.

Ogólny charakter rzeźby późnoklasycznej zdeterminował rozwój tendencji realistycznych.

Scopas jest jednym z największych rzeźbiarzy tego okresu. Skopas, zachowując tradycje sztuki monumentalnej wysokiej klasyki, nasyca swoje dzieła dramatyzmem, odsłania złożone uczucia i przeżycia człowieka. Bohaterowie Skopasu nadal ucieleśniają doskonałe cechy silnych i walecznych ludzi. Skopas wprowadza jednak do sztuki rzeźbiarskiej motywy cierpienia i wewnętrznego załamania. Są to wizerunki rannych wojowników z frontonów Alei Świątyni Ateny w Tegei. Plastyczność, ostra, niespokojna gra światłocienia podkreśla dramaturgię tego, co się dzieje.

Skopas wolał pracować w marmurze, niemal rezygnując z preferowanego przez mistrzów wysokiej klasyki materiału – brązu. Marmur umożliwił oddanie subtelnej gry światła i cienia oraz różnych kontrastów fakturowych. Jego Maenada (Bachany), która przetrwała w niewielkim, zniszczonym zabytkowym egzemplarzu, ucieleśnia obraz człowieka opętanego gwałtownym porywem namiętności. Taniec menady jest szybki, głowa odchylona do tyłu, włosy opadające ciężką falą na ramiona. Ruch zakrzywionych fałd jej chitonu podkreśla szybki impuls ciała.

Obrazy Skopasa są albo głęboko przemyślane, jak młody człowiek z nagrobka nad rzeką Ilissa, albo żywe i pełne pasji.

W oryginale zachował się fryz Mauzoleum w Halikarnasie przedstawiający bitwę Greków z Amazonkami.

Wpływ sztuki Skopasa na dalszy rozwój greckiej sztuki plastycznej był ogromny i można go porównać jedynie z wpływem sztuki jego współczesnego, Praksytelesa.

W swojej twórczości Praksyteles zwraca się ku obrazom przesiąkniętym duchem jasnej i czystej harmonii, spokojnej zamyślenia i pogodnej kontemplacji. Praksyteles i Skopas uzupełniają się, odsłaniając różne stany i uczucia człowieka, jego wewnętrzny świat.

Ukazując harmonijnie rozwiniętych, pięknych bohaterów, Praksyteles ujawnia także powiązania ze sztuką wysokiej klasyki, jednak jego obrazy tracą heroizm i monumentalną wielkość dzieł epoki świetności, ale zyskują bardziej wyrafinowany lirycznie i kontemplacyjny charakter.

Mistrzostwo Praksytelesa najpełniej objawia się w grupie marmurowej „Hermes z Dionizosem”. Pełen wdzięku krągłości sylwetki, zrelaksowana pozycja spoczynkowa młodego, smukłego ciała i piękna, duchowa twarz Hermesa zostały oddane z wielką umiejętnością.

Praksyteles stworzył nowy ideał kobiecego piękna, ucieleśniając go w obrazie Afrodyty, ukazanej w momencie, gdy po zdjęciu ubrania ma wejść do wody. Choć rzeźba przeznaczona była do celów kultowych, wizerunek pięknej nagiej bogini został uwolniony od uroczystego majestatu. „Afrodyta z Knidos” powodowała w kolejnych czasach wiele powtórzeń, jednak żadne z nich nie mogło równać się z oryginałem.

Rzeźba „Apollo Sauroctona” przedstawia pełnego wdzięku nastolatka celującego w jaszczurkę biegnącą po pniu drzewa. Praksyteles na nowo zastanawia się nad obrazami mitologicznymi, pojawiają się w nich cechy życia codziennego i elementy gatunku.

Jeśli w sztuce Skopasa i Praksytelesa nadal istnieją namacalne powiązania z zasadami wysokiej sztuki klasycznej, to w kulturze artystycznej ostatniej trzeciej IV wieku. pne tj. więzi te są coraz bardziej osłabiane.

Macedonia nabrała wielkiego znaczenia w życiu społeczno-politycznym starożytnego świata. Podobnie jak wojna z Persami zmieniła i na nowo przemyśleła kulturę Grecji na początku V wieku. pne mi. Po zwycięskich kampaniach Aleksandra Wielkiego i podboju przez niego greckich miast-państw, a następnie rozległych terytoriów Azji, które weszły w skład państwa macedońskiego, rozpoczął się nowy etap w rozwoju starożytnego społeczeństwa - okres hellenizmu. Okres przejściowy od późnej klasyki do właściwego okresu hellenistycznego wyróżnia się swoimi specyficznymi cechami.

Lysippos to ostatni wielki mistrz późnej klasyki. Jego twórczość rozgrywa się w latach 40-30. V wiek pne e. za panowania Aleksandra Wielkiego. W sztuce Lizypa, a także w twórczości jego wielkich poprzedników, rozwiązano zadanie ujawnienia ludzkich doświadczeń. Zaczął wprowadzać wyraźniej wyrażone cechy wieku i zawodu. Nowością w twórczości Lysipposa jest zainteresowanie charakterystyczną dla człowieka ekspresją, a także poszerzanie wizualnych możliwości rzeźby.

Lysippos ucieleśniał swoje rozumienie obrazu człowieka w rzeźbie młodzieńca zgarniającego piasek po zawodach – „Apoxiomenes”, którego przedstawia nie w chwili wysiłku, ale w stanie zmęczenia. Smukła sylwetka sportowca ukazana jest w skomplikowanym ujęciu, zmuszającym widza do obejścia rzeźby. Ruch jest swobodnie rozmieszczany w przestrzeni. Twarz wyraża zmęczenie, głęboko osadzone, przyćmione oczy patrzą w dal.

Lysippos umiejętnie przekazuje przejście od stanu spoczynku do działania i odwrotnie. To jest obraz odpoczywającego Hermesa.

Twórczość Lysipposa miała ogromne znaczenie dla rozwoju portretu. W stworzonych przez niego portretach Aleksandra Wielkiego widać głębokie zainteresowanie odkrywaniem duchowego świata bohatera. Najbardziej godna uwagi jest marmurowa głowa Aleksandra, która oddaje jego złożoną, sprzeczną naturę.

Sztuka Lizypa zajmuje pogranicze epoki klasycznej i hellenistycznej. Nadal pozostaje wierny klasycznym koncepcjom, jednak już podważa je od środka, tworząc podstawę do przejścia w coś innego, bardziej zrelaksowanego i bardziej prozaicznego. W tym sensie orientacyjna jest głowa wojownika na pięści, należąca nie do Lysipposa, ale być może do jego brata Lysistratusa, który także był rzeźbiarzem i, jak mówiono, jako pierwszy użył do celów masek wziętych z twarzy modela portrety (co było powszechne w starożytnym Egipcie, ale zupełnie obce sztuce greckiej). Możliwe, że przy użyciu maski wykonano także głowę pięściarza; jest to dalekie od kanonu, dalekie od idealnych idei fizycznej doskonałości, które Hellenowie ucieleśniali w wizerunku sportowca. Ten zwycięzca walki na pięści wcale nie przypomina półboga, jest po prostu artystą dla bezczynnego tłumu. Jego twarz jest szorstka, nos spłaszczony, uszy spuchnięte. Tego typu obrazy „naturalistyczne” stały się później powszechne w hellenizmie; jeszcze bardziej brzydki wojownik na pięści został wyrzeźbiony przez rzeźbiarza attyckiego Apoloniusza już w I wieku p.n.e. mi.

To, co wcześniej rzucało cień na jasną strukturę helleńskiego światopoglądu, pojawiło się pod koniec IV wieku p.n.e. e.: rozkład i śmierć demokratycznego polis. Zaczęło się od powstania Macedonii, północnego regionu Grecji, i faktycznego zajęcia wszystkich państw greckich przez macedońskiego króla Filipa II.

Aleksander Wielki w młodości skosztował owoców najwyższej kultury greckiej. Jego nauczycielem był wielki filozof Arystoteles, a nadwornymi artystami Lizyp i Apelles. Nie przeszkodziło mu to jednak, po zdobyciu państwa perskiego i objęciu tronu egipskich faraonów, ogłoszenie się bogiem i zażądanie, aby także w Grecji przyznano mu boskie honory. Nieprzyzwyczajeni do wschodnich zwyczajów Grecy zachichotali i powiedzieli: „No cóż, jeśli Aleksander chce być bogiem, niech nim będzie” - i oficjalnie uznali go za syna Zeusa. Jednak demokracja grecka, na której wyrosła jej kultura, umarła za Aleksandra i nie odrodziła się po jego śmierci. Nowo powstałe państwo nie było już greckie, ale grecko-wschodnie. Nadeszła era hellenizmu - zjednoczenie pod auspicjami monarchii kultur greckiej i wschodniej.

Kultura i sztuka Hellenów od zawsze przyciągała uwagę ludzi, dla których była już historią. W średniowieczu, w epoce renesansu i w wiekach nowożytnych artyści widzieli w sztuce starożytnych Greków wspaniały przykład, niewyczerpane źródło uczuć, myśli i inspiracji. Przez cały czas człowiek ze swoją charakterystyczną dociekliwością starał się zgłębić tajemnicę doskonałości starożytnej sztuki greckiej, próbując rozumem i wyczuciem zrozumieć istotę helleńskich zabytków.

"Trzeba przenieść się w epokę Homera, stać się mu współczesnym, żyć z bohaterami i królami-pasterzami, żeby ich dobrze zrozumieć. Następnie Achilles, który na lirze śpiewa o bohaterach i sam piecze barany, szaleje nad zmarłym Hektorem, a jego ojciec, Priam, tak hojnie ofiarowuje zarówno kolację, jak i nocleg w swoim buszu, nie wyda nam się postacią fantastyczną, przesadną wyobraźnią, ale prawdziwym synem, doskonałym przedstawicielem wielkich bohaterskich wieków, kiedy wola a siła ludzkości rozwinęła się z całą wolnością... Wtedy świat, który istniał przez trzy tysiące lat, nie będzie dla nas martwy i obcy pod każdym względem.

Po podboju przez Dorów plemion Achajów, osłabionych wojną trojańską, następuje okres homerycki w dziejach sztuki starożytnej Grecji (XI-VIII w. p.n.e.), charakteryzujący się patriarchalnym życiem, rozdrobnieniem drobnych gospodarstw i prymitywnością kultura, która zaczęła nabierać kształtu. Z tego czasu nie zachowały się już prawie żadne zabytki architektury, gdyż materiałami, z których korzystano, było głównie drewno i niewypalona, ​​a jedynie surowa cegła suszona na słońcu. Wyobrażenie o architekturze u jej początków mogą dać jedynie słabo zachowane pozostałości fundamentów, rysunki na wazach, terakotowe urny pogrzebowe przyrównane do domów i świątyń oraz niektóre wersety wierszy Homera:

„Przyjacielu, z pewnością dotarliśmy do wspaniałego domu Odyseusza,

Można go łatwo rozpoznać wśród wszystkich innych domów:

Długi rząd pokoi, przestronnych, szerokich i czysto wybrukowanych

Dziedziniec otoczony blankami, podwójne bramy

Mając mocny zamek, nikomu nie przyszłoby do głowy włamywać się do nich na siłę.

W tej epoce powstawały także rzadkie rzeźby, proste w kształcie i niewielkich rozmiarach. Szczególnie rozpowszechnione stało się zdobienie naczyń, które starożytni Grecy traktowali nie tylko jako przedmioty niezbędne w życiu codziennym. W różnorodnych, czasem dziwacznych, ceramicznych formach, prostych, ale wyrazistych.

W formach i wzorach waz, które powstały przed IX wiekiem p.n.e. e. pojawiła się prostota wyrażania uczuć ludzi, którzy je stworzyli. Naczynia pokrywano najczęściej zdobieniami w postaci prostych figur: kół, trójkątów, kwadratów, rombów. Z biegiem czasu wzory na naczyniach stawały się coraz bardziej złożone, a ich kształty coraz bardziej zróżnicowane. Pod koniec IX - początek VIII wieku p.n.e. mi. pojawiły się wazony z powierzchnią całkowicie wypełnioną ozdobami. Korpus amfory z Muzeum Sztuki Stosowanej w Monachium podzielony jest na cienkie pasy - fryzy, pomalowane w figury geometryczne, niczym koronka leżąca na naczyniu. Starożytny artysta postanowił pokazać na powierzchni tej amfory, oprócz wzorów, zwierzęta i ptaki, dla których przeznaczył specjalne fryzy, jeden w górnej części gardła, drugi na samym początku korpusu, a trzeci blisko dna. Zasada powtarzalności, charakterystyczna dla wczesnych etapów rozwoju sztuki różnych ludów, pojawia się także wśród Greków w malarstwie ceramicznym, malarz wazowy zastosował tu w szczególności powtórzenia w przedstawieniu zwierząt i ptaków. Jednak nawet w prostych kompozycjach różnice są zauważalne na gardle, tułowiu i pupie. W koronie jelenie są spokojne; pasą się spokojnie, skubią trawę. W miejscu ciała, gdzie ramiona zaczynają się unosić i kształt naczynia gwałtownie się zmienia, zwierzęta ukazane są inaczej – jakby w zastraszeniu odwróciły głowy i ożywiły się. Zakłócenie płynnego rytmu konturu statku odbija się echem w obrazie daniela.

Amfora Dipylon pochodzi z VIII wieku i służyła jako nagrobek na cmentarzu w Atenach. Jego monumentalne formy są wyraziste; Ciało jest szerokie i masywne, a wysokie gardło dumnie unosi się. Wydaje się nie mniej majestatyczny niż smukła kolumna świątyni lub posąg potężnego sportowca. Cała jego powierzchnia podzielona jest na fryzy, z których każdy ma swój własny wzór, z często powtarzającym się meandrem różnego typu. Przedstawienie zwierząt na fryzach opiera się na tej samej zasadzie, co na amforze monachijskiej. W najszerszym miejscu znajduje się scena pożegnania zmarłego. Po prawej i lewej stronie zmarłego znajdują się żałobnicy z rękami założonymi nad głową. Smutek rysunków na wazach, które służyły za nagrobki, jest niezwykle powściągliwy. Przedstawione tu uczucia wydają się ostre, bliskie tym, których doświadczał Odyseusz, słuchając emocjonującej historii Penelopy, która płakała i jeszcze go nie poznała:

„Ale jak rogi lub żelazo, oczy stały nieruchomo

Przez wieki. I nie dał upustu łzom, będąc ostrożnym!”

W lakonizmie obrazów z X-VIII wieku ukształtowały się cechy, które później rozwinęły się w bogatych plastycznie formach sztuki greckiej. Ta epoka była szkołą dla greckich artystów: ścisła przejrzystość rysunków w stylu geometrycznym wynika z powściągliwej harmonii obrazów archaicznych i klasycznych.

Styl geometryczny odzwierciedlał uczucia estetyczne ludzi, którzy rozpoczynali wędrówkę na szczyt cywilizacji, a którzy później tworzyli pomniki, które przyćmiły chwałę egipskich piramid i pałaców Babilonu. Determinacja i wewnętrzny spokój Hellenów w tamtym czasie odbiły się echem w skrajnej lakoniczności obrazów o nieubłaganym rytmie, przejrzystości i ostrości linii. Konwencjonalny charakter obrazów i prostota form wynikają nie z wyrafinowania, ale z chęci wyrażenia za pomocą znaku graficznego ogólnej koncepcji jakiegoś bardzo specyficznego przedmiotu realnego świata. Ograniczeniem tej zasady obrazu jest brak specyficznych, indywidualnych cech obrazu. Jego wartość polega na tym, że człowiek już na wczesnym etapie rozwoju zaczyna wprowadzać element systemu i porządku do świata, który wciąż wydaje się niezrozumiały i chaotyczny. Schematyczne obrazy geometrii będą w przyszłości nasycane coraz większą konkretnością, jednak greccy artyści nie zatracą osiągniętej w tej sztuce zasady uogólnienia. Pod tym względem obrazy z okresu homeryckiego są pierwszymi krokami w rozwoju starożytnego myślenia artystycznego.

Sztuka attycka, reprezentowana przez wazony dipilońskie, szczęśliwie łączy formy wypracowane na przestrzeni wieków w różnych regionach Grecji – na wyspach, w ośrodkach doryckich, w Boeotii. W Attyce powstają szczególnie piękne naczynia z wymownymi i żywymi obrazami. W Argos kompozycje są niezwykle lakoniczne, w Beocji wyraziste, a na wyspach Morza Egejskiego eleganckie. Ale wszystkie szkoły artystyczne, których oryginalność była widoczna już w okresie homeryckim, a zwłaszcza poddaszu, charakteryzują się wspólnymi cechami - wzrostem zainteresowania ludzkim wizerunkiem, pragnieniem harmonijnej zgodności form i przejrzystości kompozycji .

Rzeźba w stylu geometrycznym jest nie mniej oryginalna niż malowanie waz. Drobne ozdoby plastikowe zdobiły ceramikę, gdy figurki zwierząt wykonane z gliny lub brązu mocowano do pokrywek naczyń i pełniły funkcję uchwytów. Nie zabrakło także figurek o charakterze kultowym, niezwiązanych z naczyniami, które były poświęcone bóstwom, umieszczane w świątyniach lub przeznaczone na groby. Najczęściej były to figurki wykonane z wypalanej gliny, posiadające jedynie zarysowane rysy twarzy i kończyn. Tylko sporadycznie rzeźbiarze podejmowali się skomplikowanych zadań i rozwiązywali je, stosując dość oryginalne w swoim stylu metody. W większości figurki geometryczne są przeznaczone do oglądania z profilu i wyglądają płasko, podobnie jak obrazy na wazonach. Sylwetka ma w nich ogromne znaczenie, dopiero później zainteresowanie mistrza objętością zacznie się budzić. Elementy plastycznego pojmowania świata przez artystę są jedynie zarysowane.

W rzeźbie stylu geometrycznego takie dzieła o charakterze narracyjnym są wciąż rzadkie, jak np. brązowy wizerunek centaura i mężczyzny, przechowywany w Metropolitan Museum w Nowym Jorku, przeznaczony do oglądania z boku. Jednak już tutaj wyraźnie widać to, co pojawi się później w archaiczności greckiej – nagość męskiej sylwetki, podkreślone mięśnie bioder i ramion.

W drugiej połowie VIII w. p.n.e. mi. W stylu geometrycznym pojawiają się cechy wskazujące na odrzucenie jego rygorystycznych zasad. Istnieje chęć ukazania postaci człowieka, zwierzęcia, różnych przedmiotów, nie schematycznie, ale bardziej obrazowo. Można to uznać za początek odchodzenia od konwencji malarstwa i rzeźby. Stopniowo greccy mistrzowie przechodzą do bardziej pełnokrwistych, żywotnie konkretnych obrazów. Już u schyłku stylu geometrycznego zarysowały się pierwsze oznaki procesu, który z konwencjonalności form wczesnej starożytności w stylu geometrycznym miał doprowadzić do jak największej konkretności reprodukcji świata w zabytkach późnego antyk. Wraz z pojawieniem się dojrzalszych ludzkich wyobrażeń o świecie pojawia się potrzeba nie schematycznego, ale szczegółowego obrazu, co prowadzi do kryzysu stylu geometrycznego i pojawienia się nowych form w zabytkach archaicznego okresu VII-VII w. VI wiek p.n.e. mi.

Masywność plastikowych brył w rzeźbie archaicznej jest zwykle łagodzona przez dekoracyjne detale i kolorystykę. Loki włosów Meduzy, sploty jej węży, warkocze i loki opadające na pierś potwora są ozdobnie zaprojektowane. Węże opasujące Meduzę tworzą skomplikowany i złożony wzór. Drapieżne, ale nie straszne pantery, których skóra pokryta jest jaskrawymi kółkami, dotykają grzbietem dachu i są postrzegane jako jego podpora. Tutaj, podobnie jak w innych kompozycjach archaicznych frontonów, zauważalne jest silne podporządkowanie rzeźby architekturze, postacie narożne są zwykle mniejsze niż postacie środkowe. Preferuje się symetrię z naciskiem na figurę środkową umieszczoną pod kalenicą frontonu. Zachowały się niektóre kompozycje frontonów świątyń, które w czasach archaicznych stały na Akropolu w Atenach. Za jeden z najstarszych uważany jest wizerunek Herkulesa pokonującego hydrę Lerneńską. Herkules walczący z morskim potworem Trytonem w innej świątyni na Akropolu – Hekatompedon – jest pokazany pochylony i przygniatający wroga do ziemi. Świątyni tej przypisuje się także posąg tritopatora, dobrego demona z trzema ludzkimi torsami. Spokojne, zachęcające twarze demona mają dobrze zachowaną kolorystykę, włosy na jego głowie i brodzie są niebieskie, jego oczy są zielone, a uszy, usta i policzki czerwone. Grube warstwy farby zakryły szorstkość wapienia (porowatość).

Tematem przewodnim sztuki greckiej jest przede wszystkim człowiek, przedstawiany jako bóg, bohater, sportowiec. Już na początku okresu archaicznego nastąpił krótki wybuch gigantyzmu przy przedstawianiu osoby pod koniec VII wieku p.n.e. mi. na Fazos, Naxos, Delos. W pomnikach rzeźby archaicznej wzrasta plastyczność, zastępując schematyzm nieodłącznie związany z obrazami geometrycznymi. Cecha ta pojawia się w brązowej figurce Apolla z Teb, gdzie zauważalna jest okrągłość ramion, bioder i powściągliwa ozdoba włosów.

W połowie VII wieku p.n.e. mi. rzeźbiarze sięgają po marmur, najodpowiedniejszy materiał do przedstawienia ludzkiego ciała, lekko przezroczysty na powierzchni, czasem biały, czasem kremowy z piękną patyną, przywołujący poczucie cielesnej rzeczywistości. Rzemieślnicy zaczynają odchodzić od konwencji, które umocniły się przy użyciu kolorowego wapienia.

Jeden z pierwszych marmurowych posągów znalezionych w głównym ośrodku religijnym Greków, Delos, posąg Artemidy, jest pełen ogromnej siły oddziaływania. Obraz jest prosty, a jednocześnie monumentalny i uroczysty. Symetria pojawia się we wszystkim: włosy są podzielone na cztery rzędy loków po lewej i prawej stronie, ramiona są mocno dociśnięte do ciała. Z największą lakonizmem form mistrz osiąga wrażenie spokojnego autorytetu bóstwa.

Pragnienie ukazania w rzeźbie osoby pięknej, doskonałej, albo zwycięskiej w konkursie, albo dzielnie poległej w walce o rodzinne miasto, albo posiadającej siłę i piękność bóstwa, doprowadziło do pojawienia się pod koniec VII wieku marmuru rzeźby nagich młodych mężczyzn - kouros. Kleobis i Biton są przedstawiani przez Polimedesa z Argos jako muskularni i silni, pewni siebie. Rzeźbiarze zaczynają przedstawiać postać w ruchu, a młodzi mężczyźni występują lewą nogą do przodu.

Archaiczni mistrzowie pragną przekazać ruch uczuć, uśmiech na twarzy osoby lub bóstwa. Naiwny, archaiczny uśmiech dotyka rysów Hery, której dużą głowę wyrzeźbioną z wapienia odnaleziono w Olimpii. Mistrz pokazał krzywiznę jej ust, być może dlatego, że patrząc na wysoki posąg od dołu, ich kontury wydawałyby się surowe.

Późni archaiczni mistrzowie sięgają po skomplikowane zadania plastyczne, próbując ukazać osobę w akcji - galopującą na koniu lub przyprowadzającą zwierzę do ołtarza.

Marmurowy posąg Moschofora przedstawia Greka z cielęciem leżącym posłusznie na ramionach. Twarz Ateńczyka rozjaśnia się blaskiem radości. Wydaje się, że nie składa w ofierze cielęcia, ale poświęca bóstwu swoje najcenniejsze uczucia.

Artyści VII-VI wieku p.n.e mi. użył różnych materiałów. Swoje kompozycje tworzyli na glinianych metopach, drewnianych deskach (scena ofiarna z Sikionu), małych glinianych tabliczkach poświęconych bogom (Ateny), ścianach malowanych glinianych sarkofagów (Clazomenae), na wapiennych i marmurowych nagrobkach (Stela Lizjasza, stela z Sunion ). Niewiele jednak zachowało się takich pomników, w których malowanie malowano na płaskiej powierzchni, a lepiej zachowały się rysunki na kulistych powierzchniach wypalanych waz, co przyczyniło się do trwałości farby.

Pod koniec VIII wieku p.n.e. mi. W społeczeństwie greckim ukształtowały się nowe gusta i zainteresowania. Uproszczone, konwencjonalne obrazy geometryczne nie są już satysfakcjonujące; na rysunkach na wazach artystów z VII wieku p.n.e. mi. zaczęto obficie wprowadzać motywy roślinne i sceny fabularne. Bliskość Azji Mniejszej Wschodu wyrażała się w dekoracyjnych i barwnych kompozycjach, które wymusiły miano stylu malarstwa wazowego z VII wieku p.n.e. mi. orientalizujący lub dywanowy. Doskonałe artystycznie naczynia powstawały na Krecie, wyspach Delos, Melos, Rodos oraz w miastach Azji Mniejszej. Głównym ośrodkiem produkcji waz w VII i na początku VI wieku było miasto Korynt, a w VI wieku – Ateny.

W VII wieku kształty waz stały się bardziej zróżnicowane, jednak zauważalna była tendencja do zaokrąglonych konturów. Podobny wzrost bogactwa wolumenowego nastąpił w rzeźbie i architekturze. Cienkie drewniane podpory ustąpiły miejsca pulchnym kamiennym kolumnom z entazją. Technika nakładania wzorów na wazony z VII wieku również stała się bardziej złożona, a paleta artysty wzbogaciła się. Oprócz czarnego lakieru do uwydatnienia detali wykorzystano białą farbę, fiolet w różnych odcieniach i zarysowania.

Apollo z muzami i Artemidą przedstawiony na naczyniu melijskim nie jest ukazany tak schematycznie, jak w kompozycjach geometrycznych. Na obrazach tego czasu widoczny jest podziw mistrzów dla jasnych kolorów świata. Rysunki są tak dekoracyjne i bogate w ozdoby, jak hymny homeryckie z tamtego okresu wypełnione efektownymi epitetami. Jest w nich mniej męskości niż w scenach geometrycznych, ale zasada liryczna jest silniejsza. Charakter kompozycji na wazach z tego okresu nawiązuje do poezji Safony.

W wdzięku wzorów palmet, kół, kwadratów, meandrów, spiralnych wąsów pojawia się aromat stylizowanej natury, przekazywany przez zmysł dekoratora - malarza wazowego. Ozdobność, będąca cechą charakterystyczną rysunków tego okresu, przenika figuralne obrazy i wchłania je, rozpuszczając je w melodyjnych rytmach ich motywów. Kontury ludzi i zwierząt są ozdobne, a przestrzenie pomiędzy postaciami i przedmiotami starannie wypełnione wzorami.

Malowidło na statkach wyspiarskich leży jak kolorowy dywan. Powierzchnię soczystego i pulchnego dzbanka Odos – oinochoi – podzielono na fryzy – paski, na których regularnie wystają zwierzęta. Wazony Odos szczególnie często przedstawiają zwierzęta i ptaki pasące się lub spokojnie spacerujące jedno po drugim, czasem prawdziwe, ale często fantastyczne - sfinksy, syreny z pięknymi dynamicznymi liniami o elastycznych konturach.

1.1 Rzeźba w starożytnej Grecji. Warunki wstępne jego rozwoju

Wśród wszystkich sztuk pięknych starożytnych cywilizacji sztuka starożytnej Grecji, w szczególności jej rzeźba, zajmuje szczególne miejsce. Grecy cenili przede wszystkim żywe ciało, zdolne do wykonywania wszelkich zadań mięśniowych. Brak ubrań nikogo nie zdziwił. Traktowali wszystko zbyt prosto, żeby się czegokolwiek wstydzić. A jednocześnie oczywiście czystość na tym nie straciła.

1.2 Archaiczna rzeźba grecka

Okres archaiczny to okres powstawania starożytnej rzeźby greckiej. Dążenie rzeźbiarza do oddania piękna idealnego ludzkiego ciała, które w pełni objawiło się w dziełach późniejszej epoki, jest już zrozumiałe, jednak wciąż zbyt trudno było artyście odejść od kształtu kamiennego bloku, a liczby z tego okresu są zawsze statyczne.

Pierwsze zabytki starożytnej rzeźby greckiej epoki archaicznej wyznacza styl geometryczny (VIII w.). Są to szkicowe figurki znalezione w Atenach w Olimpii , w Beocji. Epoka archaiczna starożytnej rzeźby greckiej przypada na VII - VI wiek. (wczesny archaiczny - około 650 - 580 pne; wysoki - 580 - 530; późno - 530 - 500/480). Początki rzeźby monumentalnej w Grecji sięgają połowy VII wieku. pne mi. i charakteryzuje się orientalizacją style, z których najważniejszy był styl daedalski, kojarzony z imieniem na wpół mitycznego rzeźbiarza Dedala . W kręgu rzeźb „Daedalian” znajdują się posąg Artemidy z Delos oraz posąg kobiety przedstawiający dzieło kreteńskie, przechowywane w Luwrze („Pani z Auxerre”). Połowa VII wieku pne mi. Pierwsze kourosy również pochodzą z dawnych czasów . Z tego samego okresu pochodzi pierwsza rzeźbiarska dekoracja świątyni. - ulgi i posągi z Prini na Krecie. Następnie dekoracja rzeźbiarska wypełnia pola podkreślone w świątyni przez samą jej konstrukcję – frontony i metopy VŚwiątynia dorycka, fryz ciągły (zophorus) - w języku jońskim. Najwcześniejsze kompozycje frontonów w rzeźbie starożytnej Grecji pochodzą z ateńskiego Akropolu oraz ze Świątyni Artemidy na wyspie Kerkyra (Korfu). Posągi nagrobne, poświęcone i kultowe są reprezentowane w archaicznym typie kouros i kora . Archaiczne płaskorzeźby zdobią podstawy posągów, frontony i metopy świątyń (później płaskorzeźby w frontonach zastąpiły okrągłe rzeźby) oraz nagrobki . Do słynnych pomników archaicznej okrągłej rzeźby należy głowa Hery znaleziona w pobliżu jej świątyni w Olimpii, posąg Kleobisa i Beatona z Delfy, Moschofor („Nosiciel Byka”) z ateńskiego Akropolu, Hera z Samos , posągi z Didymy, Nikka Arherma i in. Ostatni posąg przedstawia archaiczny projekt tzw. „biegu klęczącego”, służącego do przedstawienia lecącej lub biegnącej postaci. W rzeźbie archaicznej przyjmuje się także cały szereg konwencji – na przykład tzw. „archaiczny uśmiech” na twarzach rzeźb archaicznych.

W rzeźbie epoki archaicznej dominują posągi szczupłych, nagich młodzieńców i udrapowanych młodych dziewcząt – kouros i koras. Ani dzieciństwo, ani starość nie przyciągały wówczas uwagi artystów, bo dopiero w dojrzałej młodości siły życiowe są w pełnym rozkwicie i równowadze. Wczesna sztuka grecka tworzy obrazy mężczyzny i kobiety w ich idealnej formie. W tamtej epoce horyzonty duchowe niezwykle się poszerzyły, człowiek zdawał się czuć, że stoi twarzą w twarz ze wszechświatem i chciał pojąć jego harmonię, tajemnicę jego integralności. Szczegóły umykały, pomysły na temat specyficznego „mechanizmu” wszechświata były jak najbardziej fantastyczne, ale patos całości, świadomość uniwersalnych powiązań – to właśnie stanowiło o sile filozofii, poezji i sztuki archaicznej Grecji*. Tak jak filozofia, wówczas jeszcze bliska poezji, sprytnie odgadła ogólne zasady rozwoju, a poezja - istotę ludzkich namiętności, tak sztuka piękna stworzyła uogólniony ludzki wygląd. Spójrzmy na kouros lub, jak się je czasem nazywa, „archaicznym Apollosem”. Nie jest tak istotne, czy artysta rzeczywiście zamierzał przedstawić Apolla, bohatera czy sportowca.Mężczyzna jest młody, nagi, a jego czysta nagość nie potrzebuje wstydliwych okryć. Zawsze stoi prosto, jego ciało jest przepojone gotowością do ruchu. Struktura nadwozia jest pokazana i podkreślona z najwyższą wyrazistością; Od razu widać, że długie, umięśnione nogi mogą zginać się w kolanach i biegać, mięśnie brzucha mogą się napinać, a klatka piersiowa może puchnąć przy głębokim oddychaniu. Twarz nie wyraża żadnego konkretnego doświadczenia ani indywidualnych cech charakteru, ale kryją się w niej możliwości różnorodnych przeżyć. A konwencjonalny „uśmiech” - lekko uniesione kąciki ust - to tylko możliwość uśmiechu, nuta radości z bycia tkwiącą w tej pozornie nowo stworzonej osobie.

Posągi Kouros powstawały głównie na terenach, gdzie dominował styl dorycki, czyli na terenie Grecji kontynentalnej; posągi kobiet - kora - głównie w miastach Azji Mniejszej i na wyspach, ośrodkach stylu jońskiego. Podczas wykopalisk na archaicznym ateńskim Akropolu, zbudowanym w VI wieku p.n.e., odnaleziono piękne postacie kobiece. e., kiedy rządził tam Pizystrat, i został zniszczony w czasie wojny z Persami. Przez dwadzieścia pięć wieków skorupy marmuru zakopywano w „perskich śmieciach”; W końcu je stamtąd wywieziono, na wpół połamane, ale nie tracąc przy tym swojego niezwykłego uroku. Być może część z nich wykonywali mistrzowie jońscy zaproszeni przez Pizystrata do Aten; ich sztuka wpłynęła na plastyczność poddasza, która obecnie łączy w sobie cechy doryckiej surowości z jońskim wdziękiem. W korze ateńskiego Akropolu ideał kobiecości wyraża się w jego nieskazitelnej czystości. Uśmiech jest jasny, spojrzenie ufne i jakby radośnie zdumione spektaklem świata, postać jest schludnie udrapowana peplos - welonem lub lekką szatą - chitonem (w epoce archaicznej postacie kobiece, w odróżnieniu od męskie, nie były jeszcze przedstawiane nago), włosy opadają na ramiona w kręconych pasmach. Kora te stały na cokołach przed świątynią Ateny, trzymając w dłoni jabłko lub kwiat.

Rzeźby archaiczne (i klasyczne) nie były tak monotonnie białe, jak sobie je teraz wyobrażamy. Na wielu zachowały się ślady malarstwa. Włosy marmurowych dziewcząt były złote, ich policzki różowe, a oczy niebieskie. Na tle bezchmurnego nieba Hellady wszystko to powinno wyglądać bardzo odświętnie, ale jednocześnie surowo, dzięki przejrzystości, stonowaniu i konstruktywności form i sylwetek. Nie było nadmiernej kwiatowości i różnorodności. Poszukiwanie racjonalnych podstaw piękna, harmonii opartej na mierze i liczbie, jest bardzo ważnym punktem w estetyce Greków. Filozofowie pitagorejscy starali się uchwycić naturalne zależności liczbowe w harmoniach muzycznych i układzie ciał niebieskich, wierząc, że harmonia muzyczna odpowiada naturze rzeczy, porządkowi kosmicznemu, „harmonii sfer”. Artyści poszukiwali matematycznie zweryfikowanych proporcji ludzkiego ciała i „ciała” architektury. Pod tym względem wczesna sztuka grecka zasadniczo różniła się od obcej jakiejkolwiek matematyce sztuce kreteńsko-mykeńskiej.

Bardzo żywa scena rodzajowa: W ten sposób w epoce archaicznej położono podwaliny pod starożytną rzeźbę grecką, kierunki i możliwości jej rozwoju. Już wtedy główne cele rzeźby, ideały estetyczne i aspiracje starożytnych Greków były jasne. W późniejszych okresach te ideały i umiejętności starożytnych rzeźbiarzy rozwinęły się i udoskonaliły.

1.3 Klasyczna rzeźba grecka

Klasyczny okres starożytnej rzeźby greckiej przypada na V - IV wiek p.n.e. (wczesny klasyczny lub „styl ścisły” - 500/490 - 460/450 pne; wysoki - 450 - 430/420 pne; „styl bogaty” - 420 - 400/390 pne; Późny klasyk - 400/390 - OK. 320 pne mi.). Na przełomie dwóch epok – archaicznej i klasycznej – stoi rzeźbiarski wystrój świątyni Ateny Afai na wyspie Egina . Rzeźby frontonu zachodniego pochodzą z powstania świątyni (510 - 500 pne p.n.e.), rzeźby drugiej wschodniej, zastępujące poprzednie, - do czasów wczesnoklasycznych (490 - 480 p.n.e.). Centralnym pomnikiem starożytnej greckiej rzeźby wczesnego klasyka są frontony i metopy świątyni Zeusa w Olimpii (około 468 r.) - 456 pne mi.). Kolejne znaczące dzieło wczesnych klasyków - tzw. „Tron Ludovisi”, ozdobione reliefami. Z tego czasu zachowało się także wiele oryginałów z brązu – „Delficki Woźnica”, posąg Posejdona z Cape Artemisium, brąz z Riace . Najwięksi rzeźbiarze wczesnych klasyków - Pitagoras Regian, Kalamid i Miron . Twórczość znanych greckich rzeźbiarzy oceniamy głównie na podstawie dowodów literackich i późniejszych kopii ich dzieł. Wysoki klasycyzm reprezentują imiona Fidiasza i Polikleita . Jego krótkotrwały rozkwit wiąże się z pracami na Akropolu Ateńskim, czyli z dekoracją rzeźbiarską Partenonu (Przetrwały frontony, metopy i zofory, 447 - 432 p.n.e.). Szczytem starożytnej rzeźby greckiej była najwyraźniej chryzoelefantyna Posągi Ateny Partenos i Zeus z Olimpu autorstwa Fidiasza (oba nie zachowały się). „Bogaty styl” jest charakterystyczny dla dzieł Kallimacha, Alkamenesa, Agorakrit i inni rzeźbiarze V wieku. pne Jego charakterystycznymi zabytkami są płaskorzeźby balustrady małej świątyni Nike Apteros na ateńskim Akropolu (ok. 410 r. p.n.e.) oraz szereg stel nagrobnych, wśród których najbardziej znana to stela Hegeso . Najważniejsze dzieła starożytnej rzeźby greckiej późnej klasyki – dekoracja świątyni Asklepiosa w Epidauros (ok. 400 - 375 p.n.e.), świątynia Alei Ateny w Tegei (ok. 370 - 350 p.n.e.), Świątynia Artemidy w Efezie (ok. 355 - 330 p.n.e.) i Mauzoleum w Halikarnasie (ok. 350 p.n.e.), nad dekoracją rzeźbiarską, nad którą pracowali Scopas, Briaxides, Tymoteusz i Leohara . Temu ostatniemu przypisuje się także posągi Apolla Belvedere i Diana z Wersalu . Istnieje również wiele oryginałów z brązu z IV wieku. pne mi. Najwięksi rzeźbiarze późnej klasyki – Praxiteles, Scopas i Lysippos, pod wieloma względami antycypując następną erę hellenizmu.

Rzeźba grecka częściowo przetrwała w gruzach i fragmentach. Większość posągów znana jest nam z rzymskich kopii, które wykonano w dużych ilościach, ale nie oddały piękna oryginałów. Kopiści rzymscy szorstkowali je i suszyli, a przerabiając przedmioty z brązu na marmur, zniekształcali je niezgrabnymi podpórkami. Wielkie postacie Ateny, Afrodyty, Hermesa, Satyra, które obecnie widzimy w salach Ermitażu, to tylko blade przeróbki greckich arcydzieł. Przechodzisz obok nich niemal obojętnie i nagle zatrzymujesz się przed jakąś głową ze złamanym nosem, z uszkodzonym okiem: to grecki oryginał! I nagle z tego fragmentu wypłynęła niesamowita moc życia; Sam marmur różni się od tego z rzymskich posągów – nie zabójczo biały, ale żółtawy, przezroczysty, świetlisty (Grecy nacierali go też woskiem, co nadawało marmurowi ciepłą barwę). Tak delikatne są przejścia światła i cienia, tak szlachetna jest miękka rzeźba twarzy, że mimowolnie przywołuje się na myśl rozkosze greckich poetów: te rzeźby naprawdę oddychają, naprawdę żyją*. W rzeźbie pierwszej połowy stulecia, kiedy toczyły się wojny z Persami, dominował odważny, surowy styl. Powstała wówczas statuetka grupy tyranobójców: dojrzały mąż i młody mężczyzna, stojąc obok siebie, wykonują gwałtowny ruch do przodu, młodszy podnosi miecz, starszy osłania go płaszczem. Jest to pomnik postaci historycznych – Harmodiusza i Arystogeitona, którzy kilkadziesiąt lat wcześniej zamordowali ateńskiego tyrana Hipparcha – pierwszy pomnik polityczny w sztuce greckiej. Jednocześnie wyraża bohaterskiego ducha oporu i umiłowania wolności, który rozkwitł w epoce wojen grecko-perskich. „Nie są niewolnikami śmiertelników, nikomu nie podlegają” – mówią Ateńczycy w tragedii Ajschylosa „Persowie”. Bitwy, potyczki, wyczyny bohaterów... Sztuka wczesnych klasyków jest pełna tych wojowniczych tematów. Na frontonach świątyni Ateny na Eginie - walka Greków z Trojanami. Na zachodnim frontonie świątyni Zeusa w Olimpii znajduje się walka Lapitów z centaurami, na metopach znajduje się wszystkie dwanaście prac Herkulesa. Kolejnym ulubionym zestawem motywów są zawody gimnastyczne; w tamtych odległych czasach sprawność fizyczna i opanowanie ruchów ciała decydowały o wyniku bitew, dlatego igrzyska lekkoatletyczne nie były tylko rozrywką. Motywy walki wręcz, zawodów jeździeckich, zawodów biegowych i zawodów w rzucie dyskiem nauczyły rzeźbiarzy dynamicznego przedstawiania ludzkiego ciała. Archaiczna sztywność postaci została przezwyciężona. Teraz działają, poruszają się; pojawiają się złożone pozy, odważne kąty i szerokie gesty. Najbystrzejszym innowatorem był rzeźbiarz na poddaszu Myron. Głównym zadaniem Myrona było jak najpełniejsze i najpotężniejsze wyrażenie tego ruchu. Metal nie pozwala na tak precyzyjną i delikatną pracę jak marmur i być może dlatego zwrócił się w stronę odnalezienia rytmu ruchu. Równowaga, dostojny „etos”, została zachowana w rzeźbie klasycznej o surowym stylu. Ruch postaci nie jest ani chaotyczny, ani nadmiernie podekscytowany, ani zbyt szybki. Nawet w dynamicznych motywach walki, biegania i upadku nie ginie poczucie „olimpijskiego spokoju”, holistycznej plastycznej pełni i samozamknięcia.

Atena, którą wykonał na zlecenie Platejów i która bardzo drogo kosztowała to miasto, ugruntowała sławę młodego rzeźbiarza. Zlecono mu wykonanie kolosalnego posągu Ateny, patronki Akropolu. Osiągał 60 stóp wysokości i był wyższy niż wszystkie otaczające go budynki; Z daleka, z morza, świeciła jak złota gwiazda i królowała nad całym miastem. Nie był on akrolityczny (kompozytowy), jak plateajski, lecz w całości odlany z brązu. Inny posąg Akropolu, Dziewica Atena, wykonany dla Partenonu, został wykonany ze złota i kości słoniowej. Atena została przedstawiona w stroju bojowym, w złotym hełmie z płaskorzeźbionym sfinksem i sępami po bokach. W jednej ręce trzymała włócznię, w drugiej kawałek zwycięstwa. U jej stóp zwinął się wąż – strażnik Akropolu. Posąg ten uważany jest za najlepszą pewność Fidiasza po Zeusie. Służył jako oryginał dla niezliczonych kopii. Ale szczyt doskonałości wszystkich dzieł Fidiasza uważany jest za jego Zeusa Olimpijskiego. To było największe dzieło jego życia: palmę dali mu sami Grecy. Na współczesnych zrobił nieodparte wrażenie.

Zeus został przedstawiony na tronie. W jednej ręce trzymał berło, w drugiej obraz zwycięstwa. Ciało było wykonane z kości słoniowej, włosy były złote, szata była złota i emaliowana. Tron składał się z hebanu, kości i kamieni szlachetnych. Ściany między nogami namalował kuzyn Fidiasza, Panen; podstawa tronu była cudem rzeźby. Podziw Greków dla piękna i mądrej budowy żywego ciała był tak wielki, że estetycznie myśleli o nim jedynie w posągowej kompletności i kompletności, pozwalając im docenić majestat postawy i harmonię ruchów ciała. Ale mimo to ekspresja polegała nie tyle na wyrazie twarzy, ile na ruchach ciała. Patrząc na tajemniczo spokojną Moirę z Partenonu, na szybką i figlarną Nike rozwiązującą sandał, niemal zapominamy, że im głowy zostały odłamane – plastyczność ich postaci jest tak wymowna.

Rzeczywiście, ciała greckich posągów są niezwykle duchowe. Francuski rzeźbiarz Rodin tak powiedział o jednym z nich: „Ten bezgłowy młodzieńczy tors uśmiecha się do światła i wiosny radośniej niż oczy i usta”. Ruchy i postawy w większości przypadków są proste, naturalne i niekoniecznie kojarzone z niczym wzniosłym. Głowy posągów greckich z reguły są bezosobowe, to znaczy mało zindywidualizowane, zredukowane do kilku odmian ogólnego typu, ale ten ogólny typ ma duże zdolności duchowe. W greckim typie twarzy triumfuje idea „człowieka” w jej idealnej wersji. Twarz podzielona jest na trzy części o jednakowej długości: czoło, nos i dolną część. Prawidłowy, delikatny owal. Prosta linia nosa stanowi kontynuację linii czoła i tworzy prostopadłą do linii poprowadzonej od początku nosa do otworu ucha (prosty kąt twarzy). Podłużna część dość głęboko osadzonych oczu. Małe usta, pełne wypukłe wargi, górna warga jest węższa od dolnej i ma piękne gładkie wycięcie niczym łuk kupidyna. Podbródek jest duży i okrągły. Falowane włosy miękko i ściśle przylegają do głowy, nie zaburzając widoczności zaokrąglonego kształtu czaszki. To klasyczne piękno może wydawać się monotonne, ale reprezentując wyrazisty „naturalny wygląd ducha”, poddaje się zmianom i jest w stanie ucieleśnić różne typy starożytnego ideału. Trochę więcej energii w ustach, w wystającym podbródku - przed nami surowa dziewica Atena. W konturach policzków jest więcej miękkości, usta są lekko półotwarte, oczodoły przyćmione – przed nami zmysłowa twarz Afrodyty. Owal twarzy jest bliżej kwadratu, szyja jest grubsza, usta są większe – to już wizerunek młodego sportowca. Ale podstawa pozostaje ta sama, ściśle proporcjonalna, klasyczny wygląd.

Po wojnie… Zmienia się charakterystyczna poza stojącej postaci. W epoce archaicznej posągi stały całkowicie prosto, frontalnie. Dojrzałe klasyki ożywiają je i ożywiają zrównoważonymi, płynnymi ruchami, zachowując równowagę i stabilność. A posągi Praksytelesa – odpoczywającego Satyra, Apolla Sauroctona – z leniwym wdziękiem opierają się na filarach, bez nich musiałyby upaść. Udo z jednej strony jest bardzo mocno wygięte, a bark obniżony nisko w stronę uda – Rodin porównuje tę pozycję ciała do harmonijki ustnej, kiedy miech jest z jednej strony ściśnięty, a z drugiej rozciągnięty. Aby zachować równowagę, potrzebne jest wsparcie zewnętrzne. To wymarzona pozycja spoczynkowa. Praksyteles nawiązuje do tradycji Polikleitosa, wykorzystuje odnalezione przez siebie motywy ruchów, ale rozwija je w taki sposób, aby przebijała się w nich inna treść wewnętrzna. „Rana Amazonka” Polykletai również opiera się o półkolumnę, ale bez niej mogłaby stanąć, jej silne, energiczne ciało, nawet cierpiące z powodu rany, twardo stoi na ziemi. Apollo Praksytelesa nie zostaje trafiony strzałą, on sam celuje w jaszczurkę biegnącą po pniu drzewa – czynność, która zdawałoby się wymagać opanowania i silnej woli, a jednak jego ciało jest niestabilne jak kołysząca się łodyga. I nie jest to przypadkowy szczegół, nie kaprys rzeźbiarza, ale swego rodzaju nowy kanon, w którym wyraża się odmieniony pogląd na świat. Jednak w rzeźbie IV wieku p.n.e. zmienił się nie tylko charakter ruchów i póz. mi. Dla Praksytelesa zmienia się zakres ulubionych tematów, odchodzi od tematów heroicznych w „świetlny świat Afrodyty i Erosa”. Wyrzeźbił słynny posąg Afrodyty z Knidos. Praksyteles i artyści z jego kręgu nie lubili przedstawiać muskularnych torsów sportowców, pociągało ich delikatne piękno kobiecego ciała z miękkim przepływem objętości. Woleli typ młodości, wyróżniający się „pierwszą młodością i zniewieściałym pięknem”. Praksyteles słynął ze szczególnej miękkości modelowania i umiejętności obróbki materiału, umiejętności przekazywania ciepła żywego ciała w zimnym marmurze2.

Za jedyny zachowany oryginał Praksytelesa uważa się marmurowy posąg „Hermes z Dionizosem”, znaleziony w Olimpii. Nagi Hermes, wsparty na pniu drzewa, na którym niedbale rzucono jego płaszcz, na jednym zgiętym ramieniu trzyma małego Dionizosa, a w drugim kiść winogron, do której dziecko sięga (ręka trzymająca winogrona zaginęła). Cały urok obrazowej obróbki marmuru kryje się w tym posągu, zwłaszcza w głowie Hermesa: przejścia światła i cienia, najwspanialsze „sfumato” (mgła), które wiele wieków później osiągnął w malarstwie Leonardo da Vinci. Wszystkie pozostałe dzieła mistrza znane są jedynie z wzmianek o starożytnych autorach i późniejszych kopii. Jednak duch sztuki Praksytelesa utrzymuje się przez IV wiek p.n.e. e., a co najlepsze, można to wyczuć nie w rzymskich kopiach, ale w małym greckim plastiku, w glinianych figurkach Tanagra. Produkowano je pod koniec stulecia w dużych ilościach, była to produkcja masowa z głównym ośrodkiem w Tanagra. (Bardzo duża ich kolekcja znajduje się w Ermitażu w Leningradzie.) Niektóre figurki odtwarzają słynne duże posągi, inne po prostu dają różne darmowe wariacje udrapowanej sylwetki kobiecej. Żywy wdzięk tych postaci, marzycielski, zamyślony, zabawny, jest echem sztuki Praksytelesa.

1.4 Rzeźba hellenistycznej Grecji

Samo pojęcie „hellenizmu” zawiera pośrednią wskazówkę na zwycięstwo zasady helleńskiej. Nawet w odległych rejonach świata hellenistycznego, w Baktrii i Partii (dzisiejsza Azja Środkowa), pojawiają się wyjątkowo przetworzone starożytne formy sztuki. Ale Egipt trudno rozpoznać, jego nowe miasto Aleksandria jest już prawdziwym oświeconym centrum kultury starożytnej, w którym kwitną nauki ścisłe, humanistyczne i szkoły filozoficzne, wywodzące się od Pitagorasa i Platona. Hellenistyczna Aleksandria dała światu wielkiego matematyka i fizyka Archimedesa, geometry Euklidesa, Arystarcha z Samos, który osiemnaście wieków przed Kopernikiem udowodnił, że Ziemia kręci się wokół Słońca. Szafy słynnej Biblioteki Aleksandryjskiej, oznaczone greckimi literami od alfa do omega, zawierały setki tysięcy zwojów – „dzieł, które zabłysły we wszystkich dziedzinach wiedzy”. Stała tam wspaniała latarnia morska Faros, uważana za jeden z siedmiu cudów świata; tam powstał Museyon, pałac muz - prototyp wszystkich przyszłych muzeów. W porównaniu z tym bogatym i zamożnym miastem portowym, stolicą ptolemejskiego Egiptu, miastem greckiej metropolii, nawet Ateny wyglądały zapewne skromnie. Ale te skromne, małe miasta były głównymi źródłami skarbów kultury, które zostały zachowane i szanowane w Aleksandrii, tych tradycji, które nadal były przestrzegane. O ile nauka hellenistyczna wiele zawdzięczała dziedzictwu starożytnego Wschodu, o tyle sztuki plastyczne zachowały przeważnie grecki charakter.

Podstawowe zasady formacyjne zaczerpnięto z klasyki greckiej, treść uległa zmianie. Istniała wyraźna granica pomiędzy życiem publicznym i prywatnym. W monarchiach hellenistycznych ustanowił się kult jednego władcy, utożsamiany z bóstwem, na wzór tego, jaki panował w starożytnych despotyzmach wschodnich. Ale podobieństwo jest względne: „prywatny człowiek”, na którego burze polityczne nie wpływają lub ulegają jedynie niewielkim wpływom, nie jest tak bezosobowy jak w starożytnych państwach wschodnich. Ma swoje życie: jest kupcem, jest przedsiębiorcą, jest urzędnikiem, jest naukowcem. Poza tym często jest z pochodzenia Grekiem – po podbojach Aleksandra rozpoczęła się masowa migracja Greków na wschód – wychowane przez kulturę grecką koncepcje godności ludzkiej nie są mu obce. Nawet jeśli zostanie odsunięty od władzy i spraw rządowych, jego odizolowany prywatny świat potrzebuje i znajduje wyraz artystyczny, którego podstawą są tradycje późnej klasyki greckiej, przerobione w duchu większej intymności i gatunku. A w sztuce „państwowej”, oficjalnej, w dużych budynkach użyteczności publicznej i pomnikach te same tradycje są przetwarzane, wręcz przeciwnie, w stronę przepychu.

Pompa i intymność to cechy przeciwne; Sztuka hellenistyczna jest pełna kontrastów - gigantycznych i miniaturowych, ceremonialnych i codziennych, alegorycznych i naturalnych. Świat stał się bardziej złożony, a potrzeby estetyczne stały się bardziej zróżnicowane. Głównym nurtem jest odejście od uogólnionego typu ludzkiego na rzecz rozumienia człowieka jako istoty konkretnej, indywidualnej, a co za tym idzie coraz większe zainteresowanie jego psychologią, zainteresowanie wydarzeniami i nowa czujność na przejawy narodowe, wiekowe, społeczne i inne. osobowość. Ponieważ jednak wszystko to zostało wyrażone w języku odziedziczonym po klasykach, który nie stawiał sobie takich zadań, w nowatorskich dziełach epoki hellenistycznej wyczuwalna jest pewna nieorganizacja, nie osiągają one integralności i harmonii swoich wielkich poprzedników. Portretowa głowa bohaterskiego posągu „Diadochi” nie pasuje do jego nagiego torsu, który powtarza typ klasycznego sportowca. Dramatowi wielopostaciowej grupy rzeźbiarskiej „Byk Farnese” przeczy „klasyczna” reprezentatywność postaci, ich pozy i ruchy są zbyt piękne i płynne, aby wierzyć w prawdziwość ich przeżyć. W licznych rzeźbach parkowych i kameralnych tradycje Praksytelesa są pomniejszone: Eros, „wielki i potężny bóg”, zamienia się w figlarnego, figlarnego Kupidyna; Apollo - w zalotnego i zniewieściałego Apolla; wzmocnienie gatunku nie jest dla nich korzystne. A słynne hellenistyczne posągi przedstawiające stare kobiety niosące prowiant, pijaną staruszkę, starego rybaka o wiotkim ciele nie mają mocy figuratywnego uogólnienia; sztuka opanowuje te nowe typy zewnętrznie, bez wnikania w głąb - wszak dziedzictwo klasyczne nie dostarczyło do nich klucza. Posąg Afrodyty, tradycyjnie zwanej Wenus z Milo, odnaleziono w 1820 roku na wyspie Melos i od razu zyskał światową sławę jako doskonałe dzieło sztuki greckiej. Tak wysokiej oceny nie zachwiało wiele późniejszych odkryć greckich oryginałów – wśród nich szczególne miejsce zajmuje Afrodyta z Milo. Najwyraźniej stracony w II wieku p.n.e. mi. (autorstwa rzeźbiarza Agesandra lub Aleksandra, jak głosi na wpół zatarty napis na cokole) w niewielkim stopniu przypomina współczesne posągi przedstawiające boginię miłości. Hellenistyczne afrodyty najczęściej wracały do ​​typu Afrodyty z Knidos autorstwa Praksytelesa, czyniąc ją zmysłowo uwodzicielską, a nawet odrobinę uroczą; taką jest na przykład słynna Afrodyta Medycyny. Afrodyta z Milo, półnaga, udrapowana do bioder, jest surowa i niezwykle spokojna. Uosabia nie tyle ideał kobiecego piękna, co ideał mężczyzny w ogólnym i najwyższym znaczeniu. Rosyjski pisarz Gleb Uspienski znalazł udane określenie: ideał „człowieka wyprostowanego”. Posąg był dobrze zachowany, ale jego ręce były odłamane. Pojawiło się wiele spekulacji na temat tego, co robiły te ręce: czy bogini trzymała jabłko? czy lustro? czy też trzymała rąbek swojej szaty? Nie znaleziono żadnej przekonującej rekonstrukcji; właściwie nie ma takiej potrzeby. „Bezręka” Afrodyty z Milo stała się z biegiem czasu niejako jej atrybutem, bynajmniej nie zakłóca to jej urody, a wręcz potęguje wrażenie majestatu jej sylwetki. A ponieważ nie zachował się ani jeden nienaruszony grecki posąg, w tym częściowo uszkodzonym stanie Afrodyta pojawia się przed nami jako „marmurowa zagadka”, przekazana nam przez starożytność, jako symbol odległej Hellady.

Kolejnym wspaniałym pomnikiem hellenizmu (z tych, które do nas przybyły, a ilu zniknęło!) jest ołtarz Zeusa w Pergamonie. Szkoła pergamońska bardziej niż inne skłaniała się ku patosowi i dramatowi, kontynuując tradycje Skopasa. Jej twórcy nie zawsze sięgali po tematykę mitologiczną, jak miało to miejsce w epoce klasycznej. Na placu Akropolu Pergamońskiego znajdowały się grupy rzeźbiarskie, które utrwaliły autentyczne wydarzenie historyczne - zwycięstwo nad „barbarzyńcami”, plemionami Galii, które oblegały królestwo Pergamonu. Pełne ekspresji i dynamiki grupy te wyróżniają się także tym, że artyści składają hołd pokonanym, ukazując ich zarówno walecznych, jak i cierpiących. Przedstawiają Gala zabijającego swoją żonę i siebie, aby uniknąć niewoli i niewolnictwa; przedstawiają śmiertelnie rannego Gala leżącego na ziemi z nisko pochyloną głową. Z jego twarzy i sylwetki od razu widać, że jest „barbarzyńcą”, obcokrajowcem, ale umiera bohaterską śmiercią i to jest pokazane. Grecy w swojej sztuce nie zniżali się do poniżania swoich przeciwników; Ta cecha humanizmu etycznego ujawnia się szczególnie wyraźnie, gdy przeciwnicy – ​​Galowie – zostaną przedstawieni realistycznie. Po kampaniach Aleksandra w ogóle wiele się zmieniło w podejściu do obcokrajowców. Jak pisze Plutarch, Aleksander postrzegał siebie jako tego, który pojednał wszechświat, „powodując, że wszyscy piją… z tego samego kielicha przyjaźni i mieszają życie, maniery, małżeństwa i formy życia”. Moralność i formy życia, a także formy religii naprawdę zaczęły się mieszać w epoce hellenistycznej, ale przyjaźń nie zapanowała i pokój nie nastał, konflikty i wojny nie ustały. Wojny Pergamonu z Galami to tylko jeden z epizodów. Kiedy w końcu odniesiono zwycięstwo nad Galami, na jej cześć wzniesiono ołtarz Zeusa, ukończony w 180 roku p.n.e. mi. Tym razem długotrwała wojna z „barbarzyńcami” objawiła się jako gigantomachia – walka bogów olimpijskich z gigantami. Według starożytnego mitu giganci - giganci żyjący daleko na zachodzie, synowie Gai (Ziemi) i Urana (Nieba) - zbuntowali się przeciwko Olimpijczykom, ale zostali przez nich pokonani po zaciętej bitwie i pogrzebani pod wulkanami, w głębokie wnętrzności matki ziemi, skąd przypominają nam o sobie erupcjami wulkanów i trzęsieniami ziemi. Podstawę ołtarza otaczał okazały marmurowy fryz o długości około 120 metrów, wykonany w technice płaskorzeźby. Pozostałości tej budowli odkopano w latach siedemdziesiątych XIX wieku; Dzięki żmudnej pracy konserwatorów udało się połączyć tysiące fragmentów i uzyskać w miarę pełny obraz ogólnej kompozycji fryzu. Potężne ciała są spiętrzone, splecione jak kłębek węży, pokonanych olbrzymów dręczą lwy z kudłatymi grzywami, psy gryzą zęby, konie depczą im pod nogami, ale olbrzymy walczą zawzięcie, ich przywódca Porfyrion nie cofa się przed grzmot Zeusa. Matka gigantów, Gaja, błaga o oszczędzenie swoich synów, ale oni jej nie słuchają. Bitwa jest straszna. Jest coś proroczego Michała Anioła w napiętych kątach ciał, w ich tytanicznej mocy i tragicznym patosu. Choć bitwy i walki były częstym tematem starożytnych płaskorzeźb, począwszy od archaicznych, nigdy nie były przedstawiane tak jak na Ołtarzu Pergamońskim – z tak drżącym poczuciem kataklizmu, walki na życie i śmierć, gdzie wszystkie siły kosmiczne, wszystkie demony uczestniczcie w ziemi i niebie. Zmieniła się struktura kompozycji, straciła ona swą klasyczną klarowność, stała się zagmatwana i zagmatwana. Przypomnijmy sobie postacie Skopasa na płaskorzeźbie mauzoleum w Halikarnasie. Przy całej swojej dynamice usytuowane są w tej samej płaszczyźnie przestrzennej, oddzielają je rytmiczne odstępy, każda figura posiada pewną niezależność, masy i przestrzeń są zrównoważone. Inaczej jest we fryzie pergamońskim – walczący tutaj są ciasni, masa zagłusza przestrzeń, a wszystkie postacie są tak splecione, że tworzą burzliwą mieszaninę ciał. A ciała są nadal klasycznie piękne, „czasami promienne, czasem groźne, żywe, martwe, triumfujące, umierające postacie”, jak powiedział o nich I. S. Turgieniew*. Olimpijczycy są piękni, podobnie jak ich wrogowie. Ale harmonia ducha jest zmienna. Twarze wykrzywione cierpieniem, głębokie cienie w oczodołach, wężowe włosy... Olimpijczycy wciąż triumfują nad siłami podziemnych żywiołów, jednak to zwycięstwo nie potrwa długo - zasady żywiołów grożą wysadzeniem w powietrze harmonii, harmonijny świat. Tak jak sztuki archaicznej greckiej nie należy oceniać jedynie jako pierwszych zwiastunów klasyki, tak Sztuki hellenistycznej jako całości nie można uważać za późne echo klasyki, nie doceniając zasadniczo nowych rzeczy, które przyniosła. Ta nowość wiązała się zarówno z poszerzaniem horyzontów sztuki, jak i z jej dociekliwym zainteresowaniem osobą ludzką i specyficznymi, realnymi warunkami jej życia. Stąd przede wszystkim rozwój portretu, portretu indywidualnego, który był prawie nieznany wysokim klasykom, a późni klasycy dopiero się do niego zbliżali. Artyści hellenistyczni, wykonując nawet portrety osób od dawna nieżyjących, nadawali im interpretację psychologiczną i starali się ukazać wyjątkowość zarówno wyglądu zewnętrznego, jak i wewnętrznego. Nie współcześni, ale potomkowie pozostawili nam twarze Sokratesa, Arystotelesa, Eurypidesa, Demostenesa, a nawet legendarnego Homera, natchnionego niewidomego gawędziarza. Portret nieznanego starego filozofa zachwyca realizmem i wyrazem - najwyraźniej nieprzejednanego, namiętnego polemisty, którego pomarszczona twarz o ostrych rysach nie ma nic wspólnego z typem klasycznym. Wcześniej uznawano go za portret Seneki, jednak słynny stoik żył później, niż wyrzeźbiono to popiersie z brązu.

Poddanym operacji plastycznej po raz pierwszy zostaje dziecko ze wszystkimi cechami anatomicznymi dzieciństwa i całym charakterystycznym dla niego wdziękiem. W epoce klasycznej, jeśli przedstawiano małe dzieci, były to raczej miniaturowe osoby dorosłe. Nawet w grupie Praksytelesa „Hermes z Dionizosem” Dionizos swoją anatomią i proporcjami niewiele przypomina dziecko. Wydaje się, że dopiero teraz zauważyli, że dziecko jest istotą zupełnie wyjątkową, zabawną i przebiegłą, mającą swoje szczególne nawyki; zauważyli i byli nim tak zafascynowani, że sam bóg miłości Eros zaczął być przedstawiany jako dziecko, co zapoczątkowało tradycję ugruntowaną przez wieki. Pulchne, kręcone dzieci hellenistycznych rzeźbiarzy są zajęte najróżniejszymi sztuczkami: ujeżdżaniem delfina, zabawą z ptakami, a nawet duszeniem węży (to mały Herkules). Szczególną popularnością cieszył się posąg chłopca walczącego z gęsią. Takie posągi ustawiano w parkach, dekorowano fontanny, ustawiano w sanktuariach boga uzdrawiania Asklepiosa, a czasami używano ich do budowy nagrobków.

Wniosek

Badaliśmy rzeźbę starożytnej Grecji przez cały okres jej rozwoju. Widzieliśmy cały proces jej powstawania, rozkwitu i upadku - całe przejście od ścisłych, statycznych i wyidealizowanych form archaicznych, poprzez zrównoważoną harmonię rzeźby klasycznej do dramatycznego psychologizmu posągów hellenistycznych. Rzeźba starożytnej Grecji przez wiele stuleci słusznie była uważana za wzór, ideał, kanon, a teraz nigdy nie przestaje być uznawana za arcydzieło światowej klasyki. Nic takiego nie zostało osiągnięte ani wcześniej, ani później. Całą współczesną rzeźbę można uznać w pewnym stopniu za kontynuację tradycji starożytnej Grecji. Rzeźba starożytnej Grecji przeszła trudną drogę w swoim rozwoju, przygotowując grunt pod rozwój rzeźby w kolejnych epokach w różnych krajach. W późniejszych czasach tradycje starożytnej rzeźby greckiej zostały wzbogacone o nowe osiągnięcia i osiągnięcia, natomiast starożytne kanony posłużyły za niezbędny fundament, podstawę rozwoju sztuki plastycznej we wszystkich kolejnych epokach.