Program etyczny i estetyczny

Wyjściową zasadą kodu estetycznego klasycyzmu jest naśladowanie pięknej natury. Piękno obiektywne dla teoretyków klasycyzmu (Boileau, Andre) to harmonia i prawidłowość wszechświata, którego źródłem jest duchowa zasada kształtująca materię i porządkująca ją. Piękno zatem, jako odwieczne prawo duchowe, jest przeciwieństwem wszystkiego, co zmysłowe, materialne, zmienne. Dlatego piękno moralne jest wyższe niż piękno fizyczne; dzieło ludzkich rąk jest piękniejsze niż surowe piękno natury.

Prawa piękna nie zależą od doświadczenia obserwacji, wywodzą się z analizy wewnętrznej aktywności duchowej.

Ideałem artystycznego języka klasycyzmu jest język logiki - dokładność, klarowność, konsekwencja. Językowa poetyka klasycyzmu unika, o ile to możliwe, obiektywnej figuratywności słowa. Jej zwykłym lekarstwem jest abstrakcyjny epitet.

Relacja pomiędzy poszczególnymi elementami dzieła sztuki budowana jest na tych samych zasadach, tj. kompozycja będąca zazwyczaj strukturą zrównoważoną geometrycznie, opierającą się na ścisłym symetrycznym podziale materiału. W ten sposób prawa sztuki porównuje się do praw logiki formalnej.

AA Blok – krytyk literacki

Już we wczesnym dzieciństwie Blok zaczął „komponować”. Biograf poety M.A. Beketova wyjaśnia pierwsze literackie hobby małego Bloka: „W wieku 6 lat Sasha rozwinęła upodobanie do bohaterstwa, fantazji…

Analiza podstaw filozoficznych i estetycznych poetyki BA Achmadulina

Bolesna tragedia F.M. Dostojewski

Bolesny efekt to niezwykle ostra reakcja estetyczna (na granicy antyestetyzmu), do której F.M. celowo zabiegał. Dostojewski budując swoją estetykę „cięcia prawdy”...

Ironia we współczesnej prozie rosyjskiej (na podstawie wiersza „Moskwa-Pietuszki” Jerofiejewa i opowiadania „Przez wzajemną korespondencję”)

Ironia (gr. eironeia, dosł. – pozory) to kategoria filozofii i estetyki, która oznacza wypowiedź lub obraz sztuki, który ma ukryte znaczenie przeciwne do tego, które jest bezpośrednio wyrażane lub wyrażane. W odróżnieniu od satyry...

Liceum Puszkina

Dzięki wysiłkom administracji i nauczycieli Liceum przekształciło się w nowoczesną i innowacyjną placówkę edukacyjną. Stworzona w nim atmosfera pozwoliła uczniom poczuć się jak w domu, w zjednoczonej rodzinie...

Aspekt moralny w powieści O. Wilde'a „Portret Doriana Graya”

Oscar Wilde wszedł do historii literatury jako najwybitniejszy przedstawiciel estetyzmu w sztuce. Trend ten powstał w latach 70. XIX wieku, a ukształtował się w latach 80. i 90. XX wieku. i utraciła swoją pozycję na początku XX wieku...

Obraz Petersburga w twórczości N.V. Gogola

„Portret”, „Newski Prospekt”, „Notatki szaleńca”, „Nos”, „Płaszcz” - opowiadania N.V. Gogola, które zwykle nazywane są Petersburgiem. Pomimo...

Oscar Wilde „Portret Doriana Graya”

W wykładzie „Odrodzenie sztuki angielskiej” (1882) Wilde po raz pierwszy sformułował podstawowe zasady programu estetycznego angielskiej dekadencji, które później rozwinął w swoich traktatach „Pędzel, pióro i trucizna” (1889): „ Prawda masek”…

Odbicie stanu duchowego społeczeństwa w dziennikarstwie F.M. Dostojewski („Dziennik pisarza”, 1873-1881)

Odbicie epoki sowieckiej w dziełach satyrycznych XX wieku

W XX wieku ugruntował się pogląd na satyrę jako rodzaj komicznej (ironicznej, sarkastycznej) negacji opisywanych zjawisk i moralności. „Satyra w misterny sposób łączy w sobie zjadliwą ironię i negację…

Koncepcja komiksu w sztuce Ostrowskiego

Komiks należy do głównych kategorii estetycznych. Istnieją różne interpretacje jego miejsca w systemie kategorii estetycznych. Czasami jest ona rozumiana jako kategoria odwrotna do tragicznej lub wzniosłej, na przykład...

Zastosowanie fikcji w biblioterapii

Biblioterapia to dyscyplina naukowa mająca na celu rozwiązywanie problemów rozwijania zdolności i umiejętności człowieka do radzenia sobie z sytuacjami nadzwyczajnymi (choroby, stres, depresja itp.), wzmacniania siły woli...

Klasycyzm

Klasycyzm to jeden z najważniejszych nurtów w sztuce przeszłości, styl artystyczny oparty na estetyce normatywnej, wymagający ścisłego przestrzegania szeregu zasad, kanonów i jedności. Zasady klasycyzmu mają ogromne znaczenie, ponieważ zapewniają główny cel - oświecać i pouczać społeczeństwo, zamieniając je na wzniosłe przykłady. Estetyka klasycyzmu odzwierciedlała chęć idealizowania rzeczywistości, wynikającą z odmowy przedstawienia rzeczywistości złożonej i wieloaspektowej. W sztuce teatralnej kierunek ten ugruntował się w twórczości przede wszystkim autorów francuskich: Corneille'a, Racine'a, Voltaire'a, Moliere'a. Klasycyzm wywarł wielki wpływ na rosyjski teatr narodowy (A.P. Sumarokov, V.A. Ozerov, D.I. Fonvizin i in.).

Historyczne korzenie klasycyzmu

Historia klasycyzmu rozpoczyna się w Europie Zachodniej pod koniec XVI wieku. W XVII wieku osiąga swój najwyższy rozwój, związany z rozkwitem monarchii absolutnej Ludwika XIV we Francji i najwyższym rozkwitem sztuki teatralnej w kraju. Klasycyzm nadal owocnie istniał w XVIII i na początku XIX wieku, dopóki nie został zastąpiony przez sentymentalizm i romantyzm.

Klasycyzm jako system artystyczny ukształtował się ostatecznie w XVII wieku, choć sama koncepcja klasycyzmu narodziła się później, w XIX wieku, kiedy romans wypowiedział mu wojnę nieprzejednaną. „Klasycyzm” (od łacińskiego „classicus”, czyli „wzorowy”) zakładał trwałą orientację nowej sztuki w kierunku stylu antycznego, co nie oznaczało prostego kopiowania starożytnych wzorów. Klasycyzm utrzymuje także ciągłość z koncepcjami estetycznymi renesansu, które były zorientowane na starożytność.

Studiując poetykę Arystotelesa i praktykę teatru greckiego, klasycy francuscy proponowali w swoich dziełach zasady konstrukcyjne, oparte na podstawach racjonalistycznego myślenia XVII wieku. Przede wszystkim jest to ścisłe trzymanie się praw gatunku, podział na gatunki wyższe – odę, tragedię, epicką i niższe – komedię, satyrę.

Prawa klasycyzmu

Prawa klasycyzmu najbardziej charakterystycznie wyrażają się w zasadach konstruowania tragedii. Autorowi spektaklu wymagano przede wszystkim, aby fabuła tragedii, a także namiętności bohaterów były wiarygodne. Ale klasycyści mają własne rozumienie prawdopodobieństwa: nie tylko podobieństwo tego, co jest przedstawiane na scenie z rzeczywistością, ale zgodność tego, co się dzieje, z wymogami rozumu, z pewną normą moralną i etyczną.

Koncepcja rozsądnej przewagi obowiązku nad ludzkimi uczuciami i namiętnościami stanowi podstawę estetyki klasycyzmu, która znacznie różni się od koncepcji bohatera przyjętej w okresie renesansu, kiedy proklamowano całkowitą wolność osobistą, a człowieka uznawano za „koronę Wszechświata." Jednak bieg wydarzeń historycznych obalił te idee. Przytłoczony namiętnościami człowiek nie mógł się zdecydować ani znaleźć wsparcia. I tylko służąc społeczeństwu, pojedyncze państwo, monarcha ucieleśniający siłę i jedność swojego państwa, człowiek mógł wyrazić siebie i ugruntować swoją pozycję, nawet za cenę porzucenia własnych uczuć. Tragiczne zderzenie zrodziło się na fali kolosalnego napięcia: gorąca pasja zderzyła się z nieubłaganym obowiązkiem (w przeciwieństwie do greckiej tragedii fatalnego przeznaczenia, kiedy ludzka wola okazała się bezsilna). W tragediach klasycyzmu rozum i wola odgrywały decydującą rolę i tłumiły spontaniczne, słabo kontrolowane uczucia.

Bohater tragedii klasycyzmu

Klasycyści prawdziwość charakterów bohaterów widzieli w ścisłym podporządkowaniu się wewnętrznej logice. Jedność charakteru bohatera jest najważniejszym warunkiem estetyki klasycyzmu. Uogólniając prawa tego kierunku, francuski autor N. Boileau-Depreo w swoim traktacie poetyckim Sztuka poetycka stwierdza: Niech twój bohater będzie dokładnie przemyślany, Niech zawsze pozostanie sobą.

Jednostronność i statyczność wewnętrzna bohatera nie wyklucza jednak manifestacji żywych ludzkich uczuć z jego strony. Ale w różnych gatunkach uczucia te manifestują się na różne sposoby, ściśle według wybranej skali - tragicznej lub komicznej. N. Boileau tak mówi o bohaterze tragicznym:

Bohater, w którym wszystko jest drobnostką, nadaje się tylko do powieści,

Niech będzie odważny, szlachetny,

Ale mimo to, bez słabości, nikt go nie lubi...

Płacze z powodu obelg - przydatny szczegół,

Abyśmy wierzyli w jego wiarygodność...

Abyśmy ukoronowali Cię entuzjastyczną pochwałą,

Twój bohater powinien nas wzruszyć i wzruszyć.

Niech będzie wolny od niegodnych uczuć

I nawet w słabościach jest potężny i szlachetny.

Ujawnienie charakteru ludzkiego w rozumieniu klasycystów oznacza ukazanie natury działania namiętności wiecznych, niezmiennych w swej istocie, ich wpływu na losy ludzi. Podstawowe zasady klasycyzmu. Zarówno gatunki wysokie, jak i niskie miały obowiązek pouczać publiczność, podnosić jej moralność i oświecać jej uczucia. W tragedii teatr uczył widza wytrwałości w walce o życie, a przykład pozytywnego bohatera służył za wzór moralnego postępowania. Głównym bohaterem był z reguły król lub postać mitologiczna. Konflikt pomiędzy obowiązkiem a pasją czy egoistycznymi pragnieniami zawsze był rozstrzygany na korzyść obowiązku, nawet jeśli bohater ginął w nierównej walce. W XVII wieku Dominowała koncepcja, że ​​tylko służąc państwu, jednostka zyskuje szansę na samoafirmację. Rozkwit klasycyzmu nastąpił wraz z ustanowieniem władzy absolutnej we Francji, a później w Rosji.

Z omówionych powyżej przesłanek merytorycznych wynikają najważniejsze standardy klasycyzmu – jedność akcji, miejsca i czasu. Aby dokładniej przekazać ideę widzowi i wzbudzić bezinteresowne uczucia, autor nie powinien niczego komplikować. Główna intryga powinna być na tyle prosta, aby nie dezorientować widza i nie pozbawiać obrazu jego integralności. Wymóg jedności czasu był ściśle powiązany z jednością działania, a w tragedii nie wydarzyło się wiele różnych wydarzeń. Jedność miejsca była również interpretowana na różne sposoby. Może to być przestrzeń jednego pałacu, jednego pokoju, jednego miasta, a nawet odległość, jaką bohater jest w stanie pokonać w ciągu dwudziestu czterech godzin. Szczególnie odważni reformatorzy postanowili rozciągnąć akcję na trzydzieści godzin. Tragedia musi mieć pięć aktów i być napisana wierszem aleksandryjskim (heksametr jamb). To, co widzialne, ekscytuje bardziej niż opowieść. Ale czego ucho toleruje, czasem oko nie toleruje. (N. Boileau)

Powiązana informacja.

Klasycyzm to znaczący estetycznie ruch w sztuce, który powstał w XVII wieku, rozwinął się w XVIII wieku i można go prześledzić w XIX wieku. Charakteryzuje się odwołaniem do antycznej klasyki jako ścisłego normatywnego przykładu doskonałej harmonii. Estetyczne idee klasycyzmu kształtują się w duchu szerzącego się w tamtej epoce racjonalizmu – doktryny filozoficzno-naukowej, według której rozum jest najwyższą zdolnością człowieka, pozwalającą mu poznawać, a nawet przekształcać świat, stając się częściowo na równi z Bogiem i reorganizację społeczeństw. Rozum z punktu widzenia racjonalizmu jest nie tylko główną, ale także jedyną w pełni adekwatną zdolnością ludzkiego umysłu. Uczucia są jedynie warunkiem racjonalnych wniosków, które same w sobie przesłaniają jasną prawdę; intuicja mistyczna jest cenna ze względu na jej włączenie do systemu racjonalnej argumentacji. Taki pogląd nie mógł nie wpłynąć na relacje między sferami kultury, które zaczęły kształtować się w najwyższych kręgach społeczeństwa w krajach europejskich: w szczególności nauka, filozofia i matematyka są głównymi siłami napędowymi postępu wiedzy; sztuce przypisuje się skromniejszą, drugorzędną rolę sentymentalnej przyjemności, lekkiej rozrywki i zrozumiałej, efektownej budowy; Religia tradycyjna, nie „oświecona” racjonalnymi ideami deizmu filozoficznego, to wiara prostych, niewykształconych ludzi, pożyteczna dla organizmu społecznego – swego rodzaju stabilizator w zakresie obyczajów społecznych.
Klasycyzm opiera się na normatywnej teorii estetycznej. Już Rene Descartes, francuski matematyk i filozof pierwszej połowy XVII wieku, w swoich oryginalnych ówczesnych dziełach „Rozprawa o metodzie”, „Kompendium muzyki” i innych przekonuje, że sztuka musi podlegać ścisłej regulacji rozumu . Jednocześnie język dzieł sztuki, zdaniem R. Kartezjusza, powinien wyróżniać się racjonalnością, kompozycja powinna być budowana na ściśle ustalonych zasadach. Głównym zadaniem artysty jest przede wszystkim przekonywanie siłą i logiką myśli. Normatywną teorię estetyczną klasycyzmu charakteryzuje racjonalizm, zweryfikowana klarowność, kalkulacja formalna z orientacją na proporcjonalność, integralność, jedność, równowaga i kompletność form, powiązanie z ideami absolutyzmu politycznego i imperatywu moralnego. Normatywne zasady klasycyzmu zakładały wyraźny podział na gatunki wysokie i niskie.
Te zasady klasycyzmu przejawiają się we wszystkich rodzajach sztuki: w teatrze, który trzymał się ideologicznych uogólnień N. Boileau (Cornel, Racine, Moliere, Lope de Vega itp.); w literaturze (La Fontaine) w architekturze, zwłaszcza świeckiej - pałacowo-parkowej (obraz Wersalu) oraz cywilnej i kościelnej (Levo, Hardouin-Mansart, Le Brun, Le Nôtre, Jones, Ren, Quarenghi, Bazhenov, Voronikhin, Kazakov, Rossiego itp.); w malarstwie (Poussin, Velazquez, Vermeer, Rembrandt, Van Dyck): W rzeźbie (Canova, Thorvaldsen itp.) W muzyce (Gluck, Haydn, Mozart, wczesny Beethoven itp.) Niektórzy z wymienionych wielkich twórców sztuki w swoich głęboka ekspresja, ich plany wykraczały poza ścisłą normatywność klasycyzmu, postulowany przez nią podział na gatunki wysokie i niskie, ale ich twórczość nadal łączyły charakterystyczne dla tej epoki zasady wyrazistości wyrazu, lakonizmu i harmonii stylu.
Najwybitniejszym przedstawicielem estetycznej teorii sztuki tamtej epoki był Nicolas Boileau (1636 - 1711) - francuski poeta satyryk, teoretyk klasycyzmu, którego normy i reguły określił w traktacie poetyckim „Sztuka poetycka” - swego rodzaju instrukcja dla początkującego poety i artysty.
N. Boileau jest zwolennikiem dominacji w twórczości poety (i w ogóle w sztuce) sfery intelektualnej nad emocjonalną. Uważa, że ​​dzieła sztuki adresowane są nie tyle do uczuć, ile do rozumu. Najważniejszymi przejawami piękna – tym, co łatwo uchwycić umysł – jest klarowność, wyrazistość. Wszystko jest niezrozumiałe i brzydkie jednocześnie. Idea dzieła, jego ucieleśnienie muszą być jasne, części i cała architektura dzieła muszą być jasne i wyraźne. Prostota i przejrzystość – to motyw słynnej zasady „trzech jedności”, którą N. Boileau rozciągnął na poezję i dramat w ich doskonałej kompozycji: jedność miejsca (akcja jest zlokalizowana geograficznie, choć wiąże się ze zmianą scen) , jedność czasu (akcja musi mieścić się w ciągu jednego dnia, jednego dnia), jedność akcji (kolejne sceny muszą odpowiadać czasowemu porządkowi wydarzeń). Jednocześnie przedstawione postacie nie powinny zmieniać się przez całą pracę. Zasady te, zdaniem N. Boileau, będąc bezpośrednim przejawem praw rozumu, dyscyplinują możliwości twórcze poety i pozwalają czytelnikowi lub widzowi łatwo, a więc zadowalająco, zrozumieć przekazywaną treść.
Wiarygodność jest kluczowym pojęciem w estetyce sztuki N. Boileau. Bo N. Boileau przedstawia piękno jako rozsądne i naturalne. Rozum jest podstawą powszechnej ważności norm smaku. Piękno jest zatem w jakiś sposób podporządkowane prawdzie. Ale prawda życia jest także normatywną idealizacją, a nie tylko poprawną refleksją. Piękno, zdaniem N. Boileau, sprowadzane jest na świat przez jakąś inteligentną zasadę duchową, a dzieło sztuki, jako wytwór inteligentnego działania, okazuje się doskonalsze od wytworów natury. Piękno duchowe stawiane jest nad pięknem fizycznym, a sztuka nad naturą.
N. Boileau konkretyzuje ustaloną w klasycyzmie teorię gatunków, dzieląc je na wyższe i niższe: Tragedia powinna zatem przedstawiać to, co wzniosłe i heroiczne, a komedia to, co niskie i okrutne. Bohaterami komedii są prości ludzie, którzy wyrażają swoje myśli nie pompatycznym językiem retoryki, ale lekkim, współczesnym, świeckim językiem.
Nowe idee Oświecenia były w dużej mierze związane z zasadami klasycyzmu i stanowiły z nim organiczną jedność w wielu zjawiskach kulturowych XVIII wieku. Wiek Oświecenia w swoich aksjomatycznych zasadach jest tak samo racjonalistyczny, jak rodzący się światopogląd XVII wieku... ale w odróżnieniu od wczesnego racjonalizmu, Oświecenie jest całym programem mającym na celu nie tyle opanowanie sił natury poprzez naukowe poznanie jej praw (proces ten rozpoczął się oczywiście w XVII wieku, był kontynuowany), jak i na przemianie całej kultury i całego społeczeństwa w oparciu o rozum, w oparciu o nową wiedzę naukową, która pod wieloma względami zaprzeczała duchowemu tradycją, zakorzenioną w postawach średniowiecznych. Projekt Oświecenie, którego autorami są myśliciele francuscy, angielscy i niemieccy (D. Diderot, Voltaire (M.F. Arouet), J.-J. Rousseau, J. Locke, D. Hume, I. Herder i inni, wielu z będący członkami tajnych stowarzyszeń mistycznych typu racjonalistycznego, takich jak Iluminaci (od łacińskiego iluminatio – oświecenie) – składała się z szeregu powiązanych ze sobą obszarów: konsolidacji wiedzy naukowej i szerzenia racjonalnej wiedzy nowego typu na tematy filozoficznego rozumienia człowieka, społeczeństwa, kultury, w tym także sztuki; upowszechnianie wiedzy naukowej i wartości nowego pokolenia wśród szerokich warstw społeczeństwa, zwracając się do wykształconej publiczności; doskonalenie praw, według których żyje społeczeństwo, aż do rewolucyjnych przemiany.
W tym względzie jednym z kierunków filozofii Oświecenia jest identyfikacja granic poznającego umysłu i jego powiązanie z innymi siłami poznawczymi i czynnymi człowieka, takimi jak uczucie ogarniające – stąd wyłonienie się estetyki filozoficznej jako samodzielna dyscyplina – taka jak wola, której sferę interpretowano jako sferę rozumu praktycznego. Relację między naturalnością a kulturą oświeceniowcy różnie rozumieli: dominującym ideom progresywizmu kulturowego i cywilizacyjnego przeciwstawiono tezę o naturalności człowieka, żywo wyrażoną w wezwaniu Jeana-Jacques’a Rousseau: „Powrót do natury”. Kolejnym aspektem związanym z realizacją celów programowych Oświecenia jest pojawienie się wiedzy na horyzontach kultury światowej, początek rozwoju pozaeuropejskiego doświadczenia kultury, sztuki i religii, a w szczególności pojawienie się koncepcja światowej kultury artystycznej (I. Goethe).
Idee Oświecenia w sztuce znalazły wyraz w szeregu nowych zjawisk w życiu artystycznym XVIII wieku. - w demokracji - ruch sztuki poza świeckimi salonami, urzędami i pałacami do publicznych sal koncertowych, bibliotek, galerii, w podejmowaniu tematów życia ludowego i historii narodowej, w odrzuceniu bohaterskiej arystokracji i gloryfikacji wizerunków zwykłych ludzi, w mieszaniu się gatunków wysokich i niskich, w popularności gatunku codziennego i gatunku komediowego; zainteresowany życiem publicznym i postępem; w antyklerykalizmie i karykaturalnie ironiczną krytykę zniszczonych pozostałości średniowiecza i błędnej moralności, także tej maskowanej jako osobista pobożność; w liberalizmie – głoszenie wolności indywidualnej i zarazem moralne głoszenie prostoty i naturalności człowieka, skoordynowanej z dobrem społeczeństwa; szerokie zainteresowania encyklopedyczne i dbałość o kultury pozaeuropejskie; w realizmie - odzwierciedleniem prostej natury, kontekstu społecznego i psychologicznej aury ludzkich obrazów, w idyllicznym przywiązaniu do naturalności i wierności ludzkiemu uczuciu w opozycji do omylnego rozumu.
W literaturze i teatrze znalazło to odzwierciedlenie w twórczości Beaumarchais, Lessinga, Sheridana, Goldoniego, Gozziego, Schillera, Goethego, Defoe, Swifta; w malarstwie - Hogarth, Gainsborough, Reynolds, Chardin, Greuze, David, Goya, Levitsky; w rzeźbie - Houdon, Shubin itp.
Wiele idei oświecenia zostało zrealizowanych w formach sztuki wypracowanych przez estetykę klasycyzmu, można zatem mówić o rzeczywistej bliskości tych stylów z pewnym ideologicznym wyznaczeniem ich zasad. Niektóre motywy edukacyjne harmonizowały z figlarnym i wyrafinowanym dworskim stylem rokoko. W ramach idei późnego Oświecenia ukształtował się oryginalny styl sentymentalizmu (zwłaszcza w poezji i malarstwie), charakteryzujący się marzycielstwem, wrażliwością, szczególną rolą przekazywanych uczuć w rozumieniu życia i współczucia (sympatii) w moralności. edukacja, zgodność z naturą i idylla duszpasterska – w duchu filozofii J.J. Rousseau. Sentymentalizm z jednej strony oraz niezwykle wyraziste wizerunki symboliczne takich twórców sztuki końca XVIII wieku, jak F. Schiller, I. Goethe, F. Goya, J.-L. David pozwalają mówić o szczególnym etapie rozwoju preromantyzm, przygotowany w głębi estetyki i życia artystycznego Oświecenia.
Filozoficzne idee estetyki oświecenia zostały jasno wyrażone w dziełach wielu czołowych myślicieli XVIII wieku, m.in.:
Alexander Baumgarten (1714 - 1762) - niemiecki filozof, następca Leibniza i Wolfa, twórca estetyki niemieckiej filozofii klasycznej. W 1735 r
A. Baumgarten jako pierwszy wprowadził termin „estetyka”, którym określił filozoficzną naukę o wiedzy zmysłowej, która pojmuje i tworzy piękno oraz wyraża się w obrazach sztuki. Poglądy estetyczne Baumgartena zawarte są w dziełach: „Filozoficzne refleksje na temat niektórych zagadnień dotyczących dzieła poetyckiego”, „Estetyka”.
Gotthold Ephraim Lessing (1729 - 1781) - niemiecki filozof - pedagog, dramaturg, krytyk literacki, teoretyk sztuki, który opowiadał się za przybliżaniem do życia literatury i sztuki; o wyzwolenie ich z okowów normatywności klasowo-arystokratycznej. Sztuka, zdaniem Lessinga, jest naśladownictwem natury, szeroko rozumianym jako wiedza o życiu. Uzasadniając teorię sztuki realistycznej, w walce z klasycyzmem odwołuje się do terminologii Arystotelesa i twórczości Szekspira. Główna praca teoretyczna Lessinga: „Laokoon. Na pograniczu malarstwa i poezji.”
Johann Goethe (1749 - 1832) - niemiecki poeta, twórca niemieckiej literatury nowożytnej, myśliciel i przyrodnik. W młodości Goethe był jednym z przywódców ruchu Sturm i Drang. Sztuka, zdaniem Goethego, ma za zadanie przeciwstawiać się przestarzałym konwencjom, zachwianej moralności i walczyć z uciskiem jednostki. I. Goethe interpretował sztukę jako „naśladowanie” natury. W rzeczywistości sformułował ideę „Typizacji”. Aby określić jakąkolwiek siłę twórczą, Goethe wprowadził pojęcie „demonicznego”. Główne dzieła I. Goethego: „Prosta imitacja natury. Sposób. Styl”, „Doktryna światła”.
Immanuel Kant (1724 - 1804) - twórca niemieckiej filozofii klasycznej. Głównym dziełem Immanuela Kanta poświęconym problematyce estetyki jest „Krytyka władzy sądu”. U I. Kanta zasada estetyczna okazuje się podstawową formą aprioryczną (która określa konstytucję świadomości przed jakimkolwiek doświadczeniem empirycznym) - formą bezinteresownego sądu smaku, uniwersalną w swoim zastosowaniu. Ocena smaku wiąże się ze zdolnością odczuwania przyjemności lub nieprzyjemności w oparciu o zasadę „celowości bez celu”, której pochodnymi są: praktyczna celowość działania ludzkiej woli i legalność działania umysłu. Główne kategorie estetyki Kanta to celowość (harmonijne połączenie części i całości), piękno i wzniosłość. Kant rozwiał racjonalistyczne i utylitarne wyobrażenia o pięknie, sprowadzając poczucie piękna do „bezinteresownej” przyjemności, jaką daje kontemplacja estetycznej formy. Jednocześnie główną zaletą dzieła sztuki, zdaniem I. Kanta, jest nie tyle jego treść żywotna, ile doskonała forma, odwołująca się do wcześniej przeżytych zdolności estetycznych człowieka. Według Kanta istotą wzniosłości jest naruszenie zwykłej miary. Ocena wzniosłości wymaga rozwiniętej wyobraźni i wysokiej moralności. Do odbioru sztuki potrzebny jest smak, do stworzenia – geniusz – wyjątkowa osobowość, obdarzona wysokim stopniem twórczej wyobraźni.
Georg Hegel (1770 - 1831) to wybitny przedstawiciel niemieckiej filozofii klasycznej, której poglądy ukształtowały się pod wpływem charakterystycznego dla Oświecenia racjonalizmu. Jednak G. Hegel w swoim prawdziwie uniwersalnym systemie filozoficznym przekroczył ramy idei oświeceniowych. Tworząc swoją autorską metodologię, pozostawał pod wpływem także motywów wczesnoromantycznych, które były widoczne w koncepcjach filozofów niemieckich początku XIX wieku. I. Fichte i F. Schelling. G. Hegel udoskonalił metodę racjonalnej refleksji, zdolną do zrozumienia sprzeczności bytu i świadomości, integrując zarówno ściśle racjonalno-logiczne, jak i specyficznie estetyczne, a nawet mistyczne modele ruchu myśli, które zdaniem Hegla mieszczą się w szersze współrzędne logiki dialektycznej, zamieniając się w ten sposób w modalności umysłu. G. Hegel jest twórcą systemu obiektywnego idealizmu opartego na metodzie dialektyki.
W początkach swojej twórczości G. Hegel uważał, że najwyższym aktem rozumu, obejmującym wszelkie idee, jest akt estetyczny, a prawdę i dobro łączą więzy rodzinne jedynie w pięknie. Później estetyka pojawia się u G. Hegla jako filozofia sztuki. Sztuka zajmuje podrzędny w porównaniu z filozofią jako absolutną formą samowiedzy ducha etap w historycznym rozwoju świadomości historycznej.
Nowatorstwo estetyki okresu dojrzałego G. Hegla polegało na podkreśleniu związku sztuki i piękna z działalnością człowieka i rozwojem „ducha obiektywnego”, czyli inaczej kultury społeczeństwa. Piękno według Hegla jest zawsze ludzkie. Dla Hegla najbardziej ogólną kategorią estetyczną jest piękno. Estetykę Hegla charakteryzuje historyczna zasada uwzględnienia materiału. Dialektyczną triadę samorozwoju sztuki tworzą jej formy, sukcesywnie zastępowane na przestrzeni dziejów: symboliczne (starożytny Wschód), klasyczne (starożytność) i romantyczne (chrześcijańska Europa). Rodzaje sztuki zostały szczegółowo omówione w Estetyce Hegla. Wszędzie starał się uchwycić zasadę rozwoju. Głównym dziełem wyznaczającym koncepcję estetyczną G. Hegla są „Wykłady z estetyki”.

Klasycyzm to ruch artystyczny epoki absolutyzmu. Klasycyzm ukształtował się we Francji w XVII wieku, za czasów Ludwika XIV, który przeszedł do historii słynnym stwierdzeniem: „Państwo to ja”. Największymi przedstawicielami klasycyzmu w literaturze francuskiej są tragicy Corneille i Racine, komik Moliere i bajkopisarz La Fontaine. Program estetyczny klasycyzmu został nakreślony w traktacie poetyckim Nicolasa Boileau „Sztuka poetycka”.

Temat sztuki, zdaniem klasycystów, może być tylko wzniosły i piękny. „Unikaj bazy, zawsze jest to brzydota…” – napisał Boileau. W prawdziwym życiu niewiele jest wzniosłych i pięknych, dlatego klasycy zwrócili się ku sztuce starożytnej jako o źródle piękna. Cechą charakterystyczną klasycyzmu jest zapożyczanie wątków i postaci z literatury antycznej.

Patos klasycyzmu, który ukształtował się w epoce, gdy państwo w postaci monarchii absolutnej odgrywało postępową rolę, polega na stwierdzeniu prymatu interesów państwowych nad osobistymi. Ten obywatelski patos wyrażał się różnie w różnych gatunkach.

Klasycyści stworzyli ścisły system gatunkowy. Gatunki podzielono na wysokie (m.in. tragedia, poemat epicki, oda) i niskie (komedia, baśń, satyra). Wszystkie gatunki były wyraźnie od siebie oddzielone, dla każdego istniały prawa, których pisarze musieli przestrzegać. I tak za tragedię klasycyzmu, konflikt uczuć i obowiązku, prawo trzech jedności („Niech wszystko wydarzy się w tym dniu i tylko w jednym miejscu…”, pisał Boileau), pięcioaktową kompozycję i werset aleksandryjski jako forma narracji była obowiązkowa. Normatywny charakter estetyki klasycystycznej nie stał się przeszkodą dla artystów, z których najlepsi, w ramach ścisłych praw klasycyzmu, potrafili tworzyć jasne, przekonujące artystycznie dzieła.

Cechy tragedii klasycyzmu. Tragedia Corneille’a „Cyd”

Tragedia była wiodącym gatunkiem literatury klasycystycznej.

W estetyce klasycyzmu starannie rozwinięto teorię tragedii. Jego podstawowe prawa są następujące. 1. U podstaw tragedii leży wewnętrzny konflikt uczuć i obowiązków. Konflikt ten jest w zasadzie nierozwiązywalny, a tragedia kończy się śmiercią bohaterów. 2. Fabuła tragedii podlega prawu trzech jedności: jedności miejsca (wszystkie wydarzenia rozgrywają się w jednym miejscu), jedności czasu (wszystkie wydarzenia rozgrywają się w ciągu 24 godzin), jedności akcji (w tragedii nie ma wątków pobocznych nie wnoszących wkładu w główny konflikt). 3. Tragedia jest zapisana wierszem. Rozmiar jest również określony: werset aleksandryjski.

Jedną z pierwszych wielkich klasycznych tragedii jest „Cyd” Pierre’a Corneille’a (1637). Bohaterem tragedii jest odważny i szlachetny rycerz Rodrigo Diaz, uwielbiony w hiszpańskim eposie heroicznym „Pieśń mojego Cyda” i licznych romansach. Akcja tragedii Corneille’a napędzana jest konfliktem uczuć i obowiązków, który realizuje się poprzez system prywatnych konfliktów, które na siebie napływają. Są to konflikt uczuć i obowiązków publicznych (fabuła Infantki), konflikt uczuć i obowiązków rodzinnych (fabuły Rodrigo Diaza i Jimeny) oraz konflikt obowiązków rodzinnych i obowiązków publicznych (fabuła króla Fernando). Wszyscy bohaterowie tragedii Corneille’a po bolesnych zmaganiach wybierają obowiązek. Tragedia kończy się akceptacją idei długu publicznego.

„Cid” Corneille’a został entuzjastycznie przyjęty przez publiczność, stał się jednak przedmiotem ostrej krytyki w środowisku literackim. Faktem jest, że dramaturg naruszył podstawowe prawa klasycyzmu: prawo jedności gatunku (w „Sidzie” tragiczny konflikt zostaje pomyślnie rozwiązany), prawo trzech jedności (w „Sidzie” akcja toczy się ponad 36 godzin w trzech różnych miejscach), prawo jedności wersetu

(Zwrotki Rodrigo nie są napisane wierszem aleksandryjskim). Z biegiem czasu zapomniano o odstępstwach od klasycystycznych norm dokonanych przez Corneille’a, ale sama tragedia nadal żyje w literaturze i na scenie.

WSTĘP

Wśród licznych ruchów i ruchów artystycznych i estetycznych zidentyfikowanych przez współczesnych kulturoznawców klasycyzm zajmuje szczególne miejsce. To on stał się pierwszym w historii kultury europejskiej systemem holistycznym i samoświadomym.

Znaczenie tego nurtu dla późniejszego rozwoju sztuki i literatury New Age było bardzo ważne; wystarczy wspomnieć, że pod znakiem różnych modyfikacji klasycyzmu proces ewolucji kulturowej w krajach Europy, Ameryki Północnej i Łacińskiej przebiegał na przestrzeni dwóch stuleci, a tendencje neoklasyczne mogą być prześledzone przez poszczególnych specjalistów nawet w kultura różnorodnego XX wieku.

I choć upadek klasycyzmu nastąpił w XIX wieku, jego znaczenie i rola w historii kultury wciąż są przedmiotem dyskusji, a artyści i pisarze wciąż sięgają do jego skarbnicy po inspiracje i tematy.

KONCEPCJA KLASYCYZMU

Klasycyzm (od łac. classicus - wzorowy; termin ten wprowadzili romantycy w XIX wieku w procesie walki z klasycyzmem) to styl artystyczny w sztuce europejskiej XVII - początków XIX wieku, którego jedną z najważniejszych cech jest było odwołanie się do form sztuki starożytnej jako idealnego standardu estetycznego. Kontynuując tradycje renesansu (podziw dla starożytnych ideałów harmonii i proporcji, wiara w siłę ludzkiego umysłu), klasycyzm był także jego antytezą, gdyż wraz z utratą renesansowej harmonii, jedności uczucia i rozumu, tendencja zatracono możliwość estetycznego doświadczania świata jako harmonijnej całości. Pojęcia takie jak społeczeństwo i osobowość, człowiek i natura, żywioł i świadomość w klasycyzmie ulegają polaryzacji i wzajemnie się wykluczają, co przybliża go (przy zachowaniu wszystkich zasadniczych różnic ideowych i stylistycznych) do baroku, przenikniętego także świadomością ogólna niezgoda wywołana kryzysem ideałów renesansu.

Artystyczna koncepcja świata klasycyzmu jest racjonalistyczna, ahistoryczna i zawiera w sobie idee państwowości i stabilności (zrównoważonego rozwoju).
Klasycyzm powstał pod koniec renesansu, z czym ma wiele powiązanych cech:

1) naśladownictwo starożytności;

2) powrót do zapomnianych w średniowieczu norm sztuki klasycznej (stąd jej nazwa).

Zwykle rozróżnia się klasycyzm XVII-wieczny. i klasycyzm XVIII - początków XIX wieku. (ten ostatni w historii sztuki zagranicznej nazywany jest często neoklasycyzmem), natomiast w sztukach plastycznych nurty klasycyzmu pojawiły się już w 2. połowie XVI wieku. we Włoszech – w teorii i praktyce architektonicznej Palladia, traktaty teoretyczne Vignoli, S. Serlio; bardziej konsekwentnie – w twórczości J. P. Belloriego (XVII w.), a także w standardach estetycznych akademików szkoły bolońskiej. Jednak w XVII w. klasycyzm, który rozwinął się w ostrej polemicznej interakcji z barokiem, rozwinął się dopiero w spójny system stylistyczny we francuskiej kulturze artystycznej. Klasycyzm XVIII wieku, który stał się stylem paneuropejskim, ukształtował się przede wszystkim w łonie francuskiej kultury artystycznej. Zasady racjonalizmu leżące u podstaw estetyki klasycyzmu (te same, które zdeterminowały idee filozoficzne R. Kartezjusza i kartezjanizmu) zdeterminowały pogląd na dzieła sztuki jako owoc rozumu i logiki, triumfujący nad chaosem i płynnością życia zmysłowego. W klasycyzmie wartość estetyczną ma tylko to, co trwałe i ponadczasowe. Przywiązując dużą wagę do społecznej funkcji sztuki, klasycyzm wysuwa nowe normy etyczne, które kształtują wizerunek jej bohaterów: odporność na okrucieństwo losu i zmienne koleje życia, podporządkowanie tego, co osobiste, temu, co ogólne, namiętności obowiązkowi, rozumowi, najwyższe interesy społeczeństwa, prawa wszechświata. Utrwaleniu teoretycznych doktryn klasycyzmu sprzyjała działalność założonych w Paryżu Akademii Królewskich – malarstwa i rzeźby (1648) oraz architektury (1671).

W połowie XVIII w. zasady klasycyzmu zostały przekształcone w duchu estetyki oświeceniowej. W architekturze odwoływanie się do „naturalności” stawiało wymóg konstruktywnego uzasadnienia elementów porządku kompozycji, we wnętrzu – opracowania elastycznego układu wygodnego budynku mieszkalnego. Idealną oprawą dla domu był krajobraz „angielskiego” parku. Ogromny wpływ na klasycyzm XVIII wieku. nastąpił szybki rozwój wiedzy archeologicznej na temat starożytności greckiej i rzymskiej (wykopaliska w Herkulanum, Pompejach itp.); Do teorii klasycyzmu wnieśli dzieła I. I. Winkelmana, I. V. Goethego i F. Militsiya.

Klasycyzm starał się wszystko uporządkować w kategorie, ustalić dla wszystkiego miejsce i rolę. To nie przypadek, że program estetyczny klasycyzmu ustalił hierarchię gatunków - „wysoką” (tragedia, epos, oda, historia, mitologia, malarstwo religijne itp.) I „niską” (komedia, satyra, bajka, malarstwo gatunkowe, itp.) .

Zasady klasycyzmu najpełniej wyrażają tragedie P. Corneille'a, J. Racine'a i Voltaire'a, komedie J.B. Moliere, satyra N. Boileau, bajki J. Lafontaine'a, proza ​​F. La Rochefoucauld (Francja), w twórczości I.V. Goethe i F. Schiller (Niemcy), oda do M.V. Łomonosow i G.R. Derzhavin, tragedie A.P. Sumarokov i Ya.B. Księżniczka (Rosja).

Sztukę teatralną klasycyzmu charakteryzuje uroczysta, statyczna struktura przedstawień i wyważone czytanie poezji. Wiek XVIII nazywany jest często „złotym wiekiem” teatru.

Założycielem europejskiej komedii klasycznej jest francuski komik, aktor i postać teatralna, reformator sztuk performatywnych Moliere (prawdziwe nazwisko Jean-Baptiste Poquelin) (1622-1673). Przez długi czas Moliere podróżował z trupą teatralną po prowincji, gdzie zapoznawał się z techniką sceniczną i gustami publiczności. W 1658 roku otrzymał od króla pozwolenie na występy ze swoją trupą w teatrze dworskim w Paryżu. Czerpiąc z tradycji teatru ludowego i zdobyczy klasycyzmu stworzył gatunek komedii społecznej, w której slapstick i plebejski humor łączył się z wdziękiem i kunsztem. Przełamując schematyzm włoskich komedii dell'arte (włoska commedia dell'arte - komedia masek; głównymi maskami są Arlekin, Pulcinella, stary kupiec Pantalone itp.), Moliere tworzył realistyczne obrazy, wyśmiewając uprzedzenia klasowe arystokratów, ciasnotę burżuazji, obłudę szlachty („Filistyn wśród szlachty”) Ze szczególną bezkompromisowością Moliere demaskował obłudę, ukrywając się za pobożnością i ostentacyjną cnotą: „Tartuffe, czyli Zwodziciel”, „ Don Juan”, „Mizantrop”. Dziedzictwo artystyczne Moliera wywarło głęboki wpływ na rozwój światowego dramatu i teatru.

Za najbardziej dojrzałe ucieleśnienie komedii obyczajowej uznawany jest „Cyrulik sewilski” i „Wesele Figara” wielkiego francuskiego dramaturga Pierre'a Augustina Beaumarchais (1732-1799). Przedstawiają konflikt pomiędzy stanem trzecim a szlachtą. Na podstawie fabuły sztuk pisano opery V.A. Mozarta i G. Rossiniego.

Klasyczna komedia rozwinęła się także we Włoszech i Anglii. A w XVIII wieku, pomimo recesji gospodarczej, Wenecja pozostała stolicą karnawałów, teatrów i beztroskiej zabawy. W tym małym mieście działało siedem teatrów – tyle, ile w Paryżu i Londynie razem wziętych. Weneckie karnawały wówczas, podobnie jak dwieście lat później, przyciągały ludzi z całej Europy. Działał tu Carlo Goldoni (1707-1793), twórca komedii narodowej. Przeprowadził reformę edukacyjną włoskiego dramatu i teatru, zastępując sztuczny gatunek komedii dell'arte dramatem realistycznym, z żywymi postaciami i dowcipną krytyką wad społecznych. Napisał 267 sztuk, w tym „Sługa dwóch panów”, „Przebiegła wdowa” i „Karczmarz”. Współczesnym Goldoniemu był Carlo Gozzi (1720-1806). Dla teatru pisał baśnie (fiaby) z motywami folklorystycznymi i elementami komedii dell'arte: „Miłość do trzech pomarańczy”, „Turandot” i inne o życiu teatralnej Wenecji.

Największym dramaturgiem angielskim XVIII wieku był Richard Brinsley Sheridan (1751-1816). Do najsłynniejszych należą jego komedie obyczajowe, zwłaszcza „Szkoła skandalu”, skierowane przeciwko niemoralności „wyższego” społeczeństwa i purytańskiej hipokryzji burżuazji.

Jeśli Moliera nazywa się twórcą klasycznej komedii, to dwóch innych Francuzów uważa się za twórców klasycznej tragedii. Sztuki Pierre'a Corneille'a (1606-1684) i Jeana Racine'a (1639-1699) ściśle wpisują się w złotą zasadę dramatu klasycznego - jedność miejsca, czasu i akcji. Język bohaterów ich dzieł przesiąknięty jest patosem i patosem. Sercem większości sztuk jest tragiczny konflikt między pasją a obowiązkiem. W tragedii „Horacy” Corneille’a rozwija się temat państwa jako najwyższej zasady życia (ucieleśnienia rozumu i interesów narodowych). W tragediach „Mitrydates” i „Fedra” Racine’a podany jest poetycki obraz tragicznej miłości i konfrontacji namiętności w duszy ludzkiej oraz afirmacja konieczności dopełnienia wymogów obowiązku moralnego. Według Racine’a rodzina, państwo i monarchia są niewzruszone i każdy obywatel musi im pozostać wierny. Teatr francuski epoki klasycyzmu, kierując się gustem dworskiej publiczności, przeniósł na scenę ideały absolutyzmu, stworzył typ bohatera, który pokonuje samego siebie, podporządkowuje swoje uczucia interesom państwa i walczy o honor i chwała.

Literatura klasycyzmu rozwijała się pod znakiem dominacji racjonalizacji myśli artystycznej, treścią procesu literackiego było bowiem wyzwolenie ludzkich uczuć, myśli i idei z hipnozy irracjonalnej pojednania przeszłości. Nowa świadomość, jako dynamicznie działająca siła, przeciwstawiona została otaczającej rzeczywistości, bezwładnemu i nieruchomemu światu rzeczy.Umysł oświeconego człowieka zostaje ustanowiony jako zasada przewyższająca obiektywną rzeczywistość. Logika jest dana jedynie świadomości i jest zaprzeczana rzeczom i zjawiskom. Intelekt wolicjonalny dominuje nad rzeczywistością materialną, świat zewnętrzny jawi się w spontaniczności, nieoświeconej świadomością. Dlatego bohaterowie literatury klasycznej pogrążeni są w głębokich myślach, rozważaniach i dyskusjach, polemizując z nieakceptowalnymi poglądami.

Twórczość literacka jako całość zachowuje charakter uporządkowany, podporządkowany świadomości, jej temat wydaje się jasny i rozcięty. Poezję zbudowano na harmonijnej korelacji człowieka ze światem, na ich wzajemnej korespondencji, na bezgraniczności wiedzy. Pisarze klasycystyczni zbiegli się w swoich wyobrażeniach o osobie z określonej normy. Bohater musi skorelować swoje działania z normą, tylko pod tym warunkiem będzie mógł poruszać się zarówno po sztucznym świecie poezji, jak i naturalnym świecie natury. Sztuka jest powołana do kształtowania ideałów, które stoją ponad tym, co przemijające i zmienne.

Czytelnik epoki klasycyzmu stopniowo zapoznaje się ze starożytną poezją i historią, która wraz z filozofią i architekturą zaczęła przeciwstawiać się biblijnym legendom i żywotom.

Zdecydowane zmiany wiążą się z nowymi zasadami słowa pisanego. Traci swój kultowy charakter i zostaje nasycony funkcjami biznesowymi i domowymi. Akt czytania nie jest już przywilejem duchowieństwa. Rozwój druku, który znacznie zintensyfikował mechanizm korespondencji i przedruku, przyczynił się do zerwania ścisłego związku autora z tekstem, który nie jest już bezpośrednio związany z kryjącym się za nim rytuałem. Świecki charakter branży wydawniczej pozwala na większą aktywność indywidualnych form i przedsięwzięć autorskich.

W dobie klasycyzmu filologia zyskała szczególną rolę, będąc w centrum nauk humanistycznych. Poeci studiują nie tylko teksty starożytne, ale sięgają także do języka pisanego legislacji prawnej, refleksji filozoficznych, deklaracji publicznych i traktatów retorycznych; Wyłania się zupełnie nowy typ pisarza, świeckiego intelektualisty, wyróżniającego się miłującym wolność i wszechstronnym charakterem swoich duchowych potrzeb i sposobów myślenia. Literatura klasycyzmu realizuje semantyczny potencjał obrazu w słowie artystycznym, nadchodzi era profesjonalizacji poetów, artystów i muzyków.

Muzyka utrwala swoje niezależne istnienie w dźwięku, malarstwo w malarstwie i kompozycji. Nowe trendy są szczególnie aktywne w architekturze i rzeźbie, gdyż są niezwykle konsekwentnie zgodne z zasadą rozrywki. Prawie wszystkie rodzaje sztuki stopniowo tracą funkcje kultowe i zyskują charakter powszechnie świecki.

W malarstwie nurty klasycyzmu pojawiały się już we Włoszech w drugiej połowie XVI wieku. Jednak swój rozkwit osiągnął dopiero we francuskiej kulturze artystycznej, gdzie z odrębnych elementów uformował się w spójny system stylistyczny. Podstawą teorii klasycyzmu był racjonalizm, oparty na systemie filozoficznym Kartezjusza. Zasady racjonalizmu przesądziły o postrzeganiu dzieła sztuki jako owocu rozumu i logiki, triumfującego nad chaosem i płynnością percepcji zmysłowej. Przedmiotem sztuki klasycystycznej zostało uznane jedynie to, co piękne i wzniosłe. Ideałem estetycznym była starożytność. Klasycyzm najwyraźniej reprezentowany jest przez dzieła francuskich malarzy i rzeźbiarzy N. Poussina, C. Lorraina, J.-L. David, J.O.D. Ingres i E.M. Falcone.

Czasami eksperci rozróżniają klasycyzm akademicki pierwszej połowy XVII wieku od neoklasycyzmu końca XVIII i początku XIX wieku.

Przedstawicielem akademickiego klasycyzmu w malarstwie francuskim był Nicolas Poussin (1594-1665). Jego klienci należeli do kręgu intelektualistów burżuazyjnych w Paryżu, zafascynowanych filozofią starożytnych stoików. Tematyka obrazów Poussina jest różnorodna: mitologia, historia, Stary i Nowy Testament. Bohaterowie Poussina to ludzie o silnych charakterach i majestatycznych czynach, o wysokim poczuciu obowiązku. Poussin był twórcą klasycznego krajobrazu idealnego w jego heroicznej formie. Pejzaż Poussina to nie prawdziwa natura, ale natura „ulepszona”, stworzona przez artystyczną wyobraźnię artysty. Jego obrazy, zimne, surowe, spekulatywne, nazywano „rzeźbami zamrożonymi”. Wzorem dla nich była starożytna sztuka plastyczna i świat starożytnych bohaterów. Claude Lorrain (1600-1682), w którego uroczystych kompozycjach „idealne” krajobrazy przepełnione są liryzmem i marzycielstwem, uważany jest za jednego z twórców klasycyzmu w sztuce europejskiej XVII wieku.

Po 100 latach inny znany Francuz, malarz David (1748-1825), powrócił do zimnych i wzniosłych ideałów sztuki starożytnej. Powrót klasycyzmu będzie nazywany neoklasycyzmem. Syn ważnego paryskiego kupca, David otrzymuje „Nagrodę rzymską” jako najlepszy student Akademii, po czym wyjeżdża do Włoch, aby zapoznać się z zabytkami starożytności. Podczas pobytu w Rzymie rozwinął surowy styl wizualny oparty na dokładnych studiach nad rzeźbą klasyczną. W Przysiędze Horatii (1784), zamówionej u Dawida przez Ludwika XVI, ściśle heroiczna interpretacja fabuły zaczerpniętej z historii Rzymu podkreśla jej etyczny wymiar: bracia Horatii składają ojcu przysięgę wierności obowiązkowi i gotowości do walki ich wrogowie. Słynny obraz Dawida „Brutus” poświęcony jest starożytnemu tematowi miłości do ojczyzny, w którym główny bohater jest przedstawiony w momencie, gdy nakazuje egzekucję własnych synów, dowiedziawszy się o ich spisku przeciwko państwu. David jest jednym z najwybitniejszych malarzy portretów historycznych. Kończy stary wiek (XVIII) i rozpoczyna nowy (XIX).

Pomiędzy dwoma klasycyzmami – wczesnym (akademickim) i późnym (neoklasycyzmem) dominował styl rokoko.

GŁÓWNI PRZEDSTAWICIELE KLASYCYZMU

Do głównych przedstawicieli klasycyzmu można zaliczyć R. Kartezjusza, P. Corneille’a („Rozprawy o poezji dramatycznej” i inne teksty), F. d'Aubignaca („Praktyka teatru”), N. Boileau („Poetyckie Sztuka”), Batteux i in. Opierając się na „Poetyce” Arystotelesa i „Nauce o poezji” Horacego oraz ich licznych komentarzach włoskich z XVI w., a także na przykładach sztuki i literatury starożytnej, teoretycy klasycyzmu próbowali opracować idealny system reguł (rodzaj idealnej poetyki, czyli estetyki), w oparciu o który powinna kierować się prawdziwa sztuka wysoka. Opierała się na starożytnych zasadach piękna, harmonii, wzniosłości i tragiczności. Klasycyści zwracali szczególną uwagę na sztuki dramatyczne, jako najważniejsze w ich rozumieniu. Jedną z podstawowych zasad klasycyzmu była arystotelesowska kategoria „wiarygodności”, rozumianej jako tworzenie uogólnionych, wyidealizowanych i alegorycznych obrazów znaczących wydarzeń z życia postaci legendarnych lub epizodów mitologii starożytnej w sensie budującym i dydaktycznym. „Nie oznacza to, że z teatru wydalane jest to, co autentyczne i możliwe; ale są tam akceptowane o tyle, o ile są prawdopodobne, i żeby je wprowadzić do spektaklu teatralnego, trzeba pominąć lub zmienić okoliczności niemające wiarygodności i przekazać to wszystkiemu, co ma zostać przedstawione” [F. d’Aubignac // 10, s. 338].

Opis pracy

Znaczenie tego nurtu dla późniejszego rozwoju sztuki i literatury New Age było bardzo ważne; wystarczy wspomnieć, że pod znakiem różnych modyfikacji klasycyzmu proces ewolucji kulturowej w krajach Europy, Ameryki Północnej i Łacińskiej przebiegał na przestrzeni dwóch stuleci, a tendencje neoklasyczne mogą być prześledzone przez poszczególnych specjalistów nawet w kultura różnorodnego XX wieku.