Francuski artysta autor obrazu Blue Heat. Pablo Picasso. Genialny artysta i jego słynne obrazy. Artysta Pablo Picasso: dzieciństwo i lata nauki

„Błękitny okres” to bodaj pierwszy etap twórczości Picassa, w odniesieniu do którego można mówić o indywidualności mistrza, pomimo wciąż brzmiących nut wpływów. Jego pierwszy twórczy start został sprowokowany długą depresją: w lutym 1901 roku w Madrycie Picasso dowiedział się o śmierci swojego bliskiego przyjaciela Carlosa Casagemasa. 5 maja 1901 roku artysta po raz drugi w życiu przyjechał do Paryża, gdzie wszystko przypominało mu Casagemasa, z którym niedawno odkrył stolicę Francji. Pablo zamieszkał w pokoju, w którym Carlos spędził ostatnie dni swoich dni, rozpoczął romans z Germaine, przez co jego przyjaciel popełnił samobójstwo i komunikował się z tym samym kręgiem ludzi. Można sobie wyobrazić, w jaki skomplikowany węzeł splatała się dla niego gorycz straty, poczucie winy, poczucie bliskości śmierci... Wszystko to pod wieloma względami służyło za „śmieci”, z których nastał „niebieski okres” urósł. Picasso powiedział później: „Pogrążyłem się w smutku, gdy uświadomiłem sobie, że Casagemas nie żyje”.

Jednak w czerwcu 1901 roku, na pierwszej paryskiej wystawie Picassa, otwartej przez Vollarda, nadal nie było „niebieskiej” specyfiki: 64 zaprezentowane prace były jasne, zmysłowe i zauważalny był w nich wpływ impresjonistów. „Błękitny okres” stopniowo nastał: w pracach pojawiły się raczej sztywne kontury postaci, mistrz przestał dążyć do „trójwymiarowości” obrazów i zaczął odchodzić od klasycznej perspektywy. Stopniowo jego paleta staje się coraz mniej różnorodna, a akcenty błękitu stają się coraz mocniejsze. Za początek samego „niebieskiego okresu” uważa się „Portret Jaime’a Sabartesa” stworzony w tym samym 1901 roku. Sam Sabartes tak mówił o tej pracy: „Patrząc na siebie na płótnie, zdałem sobie sprawę, co dokładnie zainspirowało mojego przyjaciela - było to całe spektrum mojej samotności widziane z zewnątrz”.

Słowami-kluczami dla tego okresu twórczości Picassa są bowiem „samotność”, „ból”, „strach”, „poczucie winy”, czego przykładem jest „Autoportret” mistrza, powstały na kilka dni przed wyjazdem do Barcelony. W styczniu 1902 roku wróci do Hiszpanii, ale nie będzie mógł tam zostać – krąg hiszpański jest dla niego za mały, Paryż jest dla niego zbyt atrakcyjny, ponownie pojedzie do Francji i spędzi tam kilka desperackich miesięcy. Dzieła się nie sprzedawały, życie było bardzo trudne.

Musiał ponownie wrócić do Barcelony i po raz ostatni zostać na dłużej niż rok. Stolica Katalonii powitała Picassa z dużym napięciem, otoczona ze wszystkich stron biedą i niesprawiedliwością. Niepokoje społeczne, które ogarnęły Europę na przełomie wieków, dotknęły także Hiszpanię. To zapewne odbiło się także na myślach i nastrojach artysty, który niezwykle ciężko i owocnie pracował w swojej ojczyźnie. Powstały tu takie arcydzieła „niebieskiego okresu”, jak „Data (Dwie siostry)”, „Tragedia”, „Stary Żyd z chłopcem”. Wizerunek Casagemasa pojawia się ponownie w obrazie „Życie”: został namalowany na obrazie „Ostatnie chwile”, wystawionym na Wystawie Światowej w Paryżu w 1900 r., który stał się powodem pierwszej podróży Picassa i Casagemasa do stolicy Francja. W okresach braku pieniędzy artysta nieraz zamalowywał obrazy, ale być może w tym przypadku to „barbarzyństwo” miało także jakieś znaczenie symboliczne – jako znak pożegnania ze dawną sztuką i z Carlosem, który także na zawsze pozostał w sztuce. przeszłość.

Wiosną 1904 roku pojawiła się szansa ponownego wyjazdu do Paryża i Picasso nie wahał się. To w Paryżu czekały na niego nowe doznania, nowi ludzie, zainteresowania i nowy okres - okres „różowy”, który rozpoczął się jesienią 1904 roku.

Choć on sam pochodził ze środowiska mieszczańskiego, a jego nawyki i myśli były mieszczańskie, to jego malarstwo nie było mieszczańskie.

W 1896 roku ojciec Picassa wynajął warsztat dla swojego syna Pabla Picassa Ruiza przy Calle de la Plata, gdzie mógł teraz pracować bez przymusu i nadzoru i robić, co mu się podobało. W następnym roku rodzice wysłali go do Madrytu.

Artystą, który w dużej mierze zdeterminował charakter sztuki zachodnioeuropejskiej i amerykańskiej XX wieku, był Pablo Picasso, Hiszpan, który większość życia spędził we Francji.

W 1900 roku Picasso i jego przyjaciel Casajemes wyjechali do Paryża. Zamieszkali w pracowni niedawno opuszczonej przez innego katalońskiego malarza, Isidre'a Nonella. To właśnie tam, w Paryżu, Pablo Picasso zetknął się z twórczością impresjonistów. Jego życie w tym czasie było najeżone wieloma trudnościami, a samobójstwo jego przyjaciela Casajemesa głęboko wpłynęło na młodego Picassa. W tych okolicznościach na początku 1902 roku zaczął tworzyć dzieła w stylu, który później nazwano okresem błękitnym. Picasso rozwinął ten styl po powrocie do Barcelony w latach 1903-1904. Bohaterkami jego obrazów z okresu „niebieskiego” i „różowego” są proste kobiety, akrobaci, podróżujący aktorzy cyrkowi i żebracy. Nawet prace poświęcone tematyce macierzyństwa przesiąknięte są nie szczęściem i radością, ale matczynym niepokojem i troską o los dziecka.

Niebieski okres.

Początek „okresu błękitnego” kojarzony jest zwykle z drugą podróżą artysty do Paryża. Rzeczywiście, wrócił do Barcelony na Boże Narodzenie 1901 roku z ukończonymi i rozpoczętymi obrazami, namalowanymi w zupełnie inny sposób niż ten, nad którym pracował do tej pory.

W 1900 roku Picasso zapoznał się z grafiką Théophile’a Steinlena. Interesowała go agresywność kolorów artystów z północy, jednak w tym czasie znacznie ograniczył własny materiał kolorystyczny. Wszystko działo się u niego szybko, czasem nawet jednocześnie. Obrazy, pastele czy rysunki ulegały ciągłym zmianom w stylu i wyrazie. Temat i charakter pracy, którą dzieli kilka tygodni, a czasem dni, mogą być diametralnie różne. Picasso miał doskonałą pamięć wzrokową i wrażliwość. Jest bardziej mistrzem cienia niż koloru. Dla artysty malarstwo opiera się przede wszystkim na grafice.

Ze smutku rodzi się sztuka, przekonuje teraz swoich przyjaciół. Na jego obrazach pojawia się błękitny świat cichej samotności, ludzi odrzuconych przez społeczeństwo – chorych, biednych, kalekich, starszych.

Picasso już w tych latach był podatny na paradoksy i niespodzianki. Lata 1900-1901 w twórczości artysty nazywane są zwykle „Lautrain” i „Steilen”, wskazując tym samym na bezpośredni związek ze sztuką jemu współczesnych paryskich. Ale po wycieczce do Paryża w końcu zrywa ze swoim hobby. „Błękitny okres” pod względem postaw, problematyki i sztuki plastycznej kojarzy się już z hiszpańską tradycją artystyczną.

W zrozumieniu sytuacji pomagają dwa obrazy – „Kochanek absyntu” i „Data”. Stoją u progu „niebieskiego okresu”, antycypując wiele jego tematycznych aspektów, a jednocześnie kończąc cały okres poszukiwań Picassa, jego ruchu w stronę własnej prawdy.

Można śmiało powiedzieć, że Picasso w wieku 15 lat posiadał już doskonałe mistrzostwo artystyczne w akademickim tego słowa znaczeniu. A potem daje się ponieść duchowi eksperymentu w poszukiwaniu własnej drogi w skomplikowanym splocie kierunków i kierunków sztuki europejskiej przełomu XIX i XX wieku. Poszukiwania te ujawniły jedną z niezwykłych cech talentu Picassa - umiejętność asymilacji, asymilacji różnych nurtów i trendów w sztuce. W „Date” i „Absinthe Drinker” pojawiają się kolejne źródła pierwotne (paryska szkoła artystyczna). Ale młody Picasso zaczyna już mówić własnym głosem. To, co go niepokoiło i dręczyło, wymagało teraz innych rozwiązań artystycznych. Poprzednie załączniki zostały wyczerpane.

Z nieustraszonością prawdziwego wielkiego artysty 20-letni Picasso zwraca się ku „dnu” życia. Odwiedza szpitale, szpitale psychiatryczne i schroniska. Tutaj odnajduje bohaterów swoich obrazów – żebraków, kalek, pokrzywdzonych, wykorzystywanych i wyrzucanych przez społeczeństwo. Nie tylko sentymentalne współczucie dla nich artysta chciał wyrazić swoimi płótnami. Błękitny świat ciszy, w który zanurza swoich bohaterów, to nie tylko symbol cierpienia i bólu, to także świat dumnej samotności i czystości moralnej.

„Dwie siostry” były jednym z pierwszych dzieł tego okresu. W „Siostrach” i w ogóle w twórczości „Błękitnego Okresu” autorka skupia się na niektórych tradycjach sztuki średniowiecznej. Fascynuje go styl gotycki, zwłaszcza gotycka sztuka plastyczna z jej duchową wyrazistością form. W tych latach Picasso odkrył El Greco i Moralesi. W ich pracach odnajduje psychologiczną ekspresję, symbolikę koloru, wyrazistą ekspresję form i wysublimowaną duchowość obrazów zgodną z ówczesnymi nastrojami i poszukiwaniami.

„Dwie siostry” to dzieło charakterystyczne pod każdym względem „Błękitnego Okresu”. W wieloaspektowej treści „Siostry” ponownie słychać temat komunikacji między ludźmi i przyjaźni dwóch istot jako gwarancji ochrony przed przeciwnościami losu i wrogością świata.

Innym typowym obrazem Picassa z epoki błękitnej jest „Stary Żyd z chłopcem”. Sąsiadują one z serią dzieł, których bohaterami są biedni, niewidomi i kalecy. Artysta zdaje się rzucać w nich wyzwanie światu zamożnych, obojętnych worków z pieniędzmi i filisterów. W swoich bohaterach Picasso chciał widzieć nosicieli pewnych prawd ukrytych przed zwykłymi ludźmi, dostępnych jedynie dla wewnętrznego spojrzenia, wewnętrznego życia człowieka. Nie bez powodu większość bohaterów obrazów z „niebieskiego okresu” wydaje się być ślepa i pozbawiona własnej twarzy. Żyją swoim wewnętrznym światem, ich cienkie „gotyckie” palce uczą się nie zewnętrznych form przedmiotów, ale ich wewnętrznego, sekretnego znaczenia.

W Madrycie w lutym 1901 roku Picasso po raz pierwszy zaczął poważnie studiować nową sztukę, która rozpoczynała wówczas swój zwycięski marsz po niemal całej Europie. Kilka miesięcy spędzonych w Madrycie okazało się decydujących dla dalszego rozwoju jego życia. Ten moment naznaczony jest nawet zmianą czysto zewnętrzną: wcześniej swoje rysunki podpisywał P. Ruiz Picasso, ale teraz na jego pracach widać tylko imię jego matki.

W tym okresie Picasso pracował owocnie. Jego wystawy organizowane są w Barcelonie. 24 czerwca 1901 roku zorganizowano pierwszą wystawę w Paryżu, gdzie obecnie mieszkał. Nowy styl nabiera tu rozpędu, przełamując trend ograniczania koloru do chłodnych tonów. Paryż naciskał na Picassa, aby znacznie ożywił swoją paletę. Coraz częściej pojawiały się obrazy z bukietami kwiatów i nagimi modelkami. O ile w Madrycie artysta pracował głównie w kolorze niebieskim, teraz czyste, często kontrastujące kolory sąsiadują z błękitem i zielenią. Na powierzchnię wypłynął nowy styl. Szerokie płaszczyzny kolorystyczne artysta czasami obrysowywał błękitem, fioletem i zielenią. Styl ten nazwano „okresem szkła okiennego”.

Na początku 1903 roku Picasso wrócił do Barcelony i zaczął malować pejzaże, prawie wszystkie w kolorze niebieskim. Malarstwo pejzażowe zawsze było przez artystę nieco zaniedbywane. Picasso nie jest na tyle romantykiem, aby postrzegać naturę jako źródło niewyczerpanej inspiracji. Tak naprawdę interesuje go tylko osoba i to, co bezpośrednio ją otacza lub dotyka.

Niebieski kolor jest teraz złagodzony przez bliskość ochry i delikatnych kolorów bzu, połączonych wspólnym różowym odcieniem. Okres Błękitny wkroczył w nową, przejściową fazę, czas wędrówek ludzi teatru i cyrku.

Obrazy Picassa z „Błękitnego Okresu” są kwintesencją bólu, samotności i wyniszczającej depresji. Paradoksalnie główne wydarzenia tego okresu rozegrały się w mieście miłości i stolicy sztuki – Paryżu. Dlaczego te smutne, ponure tony pojawiły się już na samym początku życia i kariery twórczej Picassa? Jakie wydarzenia na zawsze zmieniły życie artysty?

Zobacz Paryż i nie umieraj

W przeddzień swoich dziewiętnastych urodzin Picasso udał się do Paryża ze swoim przyjacielem artystą Carlosem Casagemasem. Młodzi ludzie nie znali ani słowa po francusku, ale to nie przeszkodziło im w szybkim nawiązaniu znajomości z miejscowymi Katalończykami i znalezieniu mieszkania na wynajem. Całe dnie spędzali w kawiarniach, w Luwrze, na Wystawie Światowej, w burdelach i kabaretach. Jednak musiałem też dużo pracować. W jednym ze swoich listów Casagemas pisze: „Gdziekolwiek jest światło – mam na myśli słońce, nie ma ucieczki przed sztucznym światłem przez całą dobę – jesteśmy w pracowni, rysujemy”.

Pierwsza wizyta w Paryżu dała dwóm młodym ludziom...kobietom. Picasso wykorzystywał cały swój urok i magnetyzm, aby romansować z kobietami – i ani bariera językowa, ani ogólna niestabilność nie mogły mu w tym przeszkodzić. Najczęściej młodzi ludzie spędzali czas w towarzystwie swoich modelek. Jedna z nich – Odette – została dziewczyną Picassa. Druga to Francuzka o hiszpańskich korzeniach, Germaine Gargallo – Casagemas. I chociaż Germaine była zamężna, nieodparte pragnienie wolności i przygód nieustannie wplątało ją w relacje z nowymi mężczyznami.

„Artyści Casagemas i Picasso ścigają dwie dziewczyny”, 1900

Casagemas i Picasso byli bliskimi przyjaciółmi, ale mieli zupełnie odmienne charaktery. Impulsywny, niepewny siebie, wątpiący w swoją męskość Carlosowi ciężko było, gdy Germaine nie zwracała na niego uwagi lub nie flirtowała z innymi. Aby uspokoić zazdrosne serce i odwrócić uwagę od złych myśli, obciążył się pracą: „Od przyszłego tygodnia, czyli od jutra, będziemy wypełniać nasze życie spokojem, spokojem, pracą i wszystkim, co przynosi spokój ducha i siłę cielesną . Podjęliśmy tę decyzję po oficjalnym spotkaniu z paniami.”

Pierwszy patron

Petrus Manache, którego Picasso poznali hiszpańskojęzyczni przyjaciele, był słynnym paryskim kolekcjonerem i handlarzem dziełami sztuki. Manash był zafascynowany twórczością Picassa i zaproponował układ: sto pięćdziesiąt franków miesięcznie za wszystkie obrazy, które artysta stworzył w tym czasie, oraz jego osobisty patronat Manasha. Pablo zgodził się. Z jednej strony propozycja dała Picassowi wyjątkową szansę na ucieczkę od biedy, w której zawsze się znajdował. Aby zrozumieć hojność oferty Manasza, należy powiedzieć, że na przykład wynajęcie warsztatu kosztowało 15 franków miesięcznie, a na codzienne potrzeby wystarczały dwa franki dziennie.

Z drugiej strony wkrótce to uzależnienie od pieniędzy Petrusa zaczęło ranić dumę Picassa: uparty, rozpieszczony chłopak, który nigdy nikomu nic nie był winien, popadł w bardzo uciążliwą dla niego niewolę. I nawet na odległość – kiedy Picasso zdecydował się na jakiś czas wrócić do ojczyzny, Hiszpanii – Manash próbował go kontrolować i nieustannie domagał się nowych obrazów.

I dość szybko wrócił do domu. Bliżej Świąt Bożego Narodzenia Picasso i Casagemas zdali sobie sprawę, że tęsknią za bliskimi. Byli zmęczeni Paryżem – ze wszystkimi jego światłami, hałasem, jasnymi plakatami reklamowymi, niekończącymi się imprezami i burdelami. Młodzi ludzie postanowili wrócić do Barcelony. Ale gdy już dotarli do stolicy Katalonii, szybko zdali sobie sprawę: tutaj czekała na nich tylko bieda, nieuzasadnione nadzieje na sławę i te same niekończące się burdele. Casagemas umierał na jego oczach z tęsknoty za kochanką, którą zostawił we Francji. Daremnie Picasso miał nadzieję, że miejscowym tancerzom uda się odwrócić jego uwagę od myśli o fatalnej Germaine. Wkrótce Carlos ogłosił, że wraca do Paryża.

Zanurz się w ciemność

W lutym 1901 roku Picasso otrzymał list, który zrujnował jego dotychczasowe życie. Poinformowano, że zmarł Carlos Casagemas, jego najbliższy przyjaciel i twórczy współpracownik.

17 lutego – przed wyjazdem do Barcelony – Carlos zorganizował pożegnalną kolację w restauracji Hippodrome. Jak się później okazało, Casagemas przygotował się na to wydarzenie wcześniej i wiedział, że kolacja będzie ostatnią w jego życiu. Młody człowiek, mający obsesję na punkcie Germaine, przyniósł ze sobą naładowany rewolwer i krzycząc: „Proszę bardzo!” - strzelił do znienawidzonej kochanki. Jednak tęsknił. Drugi punktor z napisem „A to jest dla mnie!” - wysłał to do swojej głowy. Germaine nie odniósł obrażeń, ale Carlos Casagemas zmarł w szpitalu kilka godzin później.

Matka młodego mężczyzny nie mogła poradzić sobie z tą wiadomością. Picasso potrzebował kilku miesięcy, zanim zdał sobie sprawę, co się stało. Jego pierwszą pracą po tragedii był portret Carlosa Casagemasa do nekrologu opublikowanego w lokalnej gazecie.

Z książki „Picasso” Henriego Gidela: „Nawiedzany obsesyjnymi wspomnieniami Casagemasa, które nieustannie pojawiały się w jego pamięci jako wyrzut, próbował wypędzić z siebie ten ból. Przez kilka miesięcy Picasso stosował najlepszą metodę samoobrony – swoją sztukę. I żeby w pełni wyzdrowieć, postanowił odtworzyć dramat z 17 lutego... w całej jego grozy. Przedstawia młodego mężczyznę okrytego całunem, płonąca w pobliżu świeca oświetla jego śmiertelnie bladą twarz. Na prawej skroni jest ciemna plama, w miejscu, w które wbiła się kula. Obraz ten został namalowany – i nieprzypadkowo – na wzór Van Gogha, który w podobny sposób popełnił samobójstwo.”

„Śmierć Casagemasa”, 1901

Od tego momentu Picasso popadł w straszliwą depresję, która zaczęła go zżerać od środka. Próbując zapomnieć, rzucił się w wir pracy, decydując się pokonać smutek poprzez kreatywność. Teraz cel musiał uzasadniać wszystkie środki - i wkrótce Picasso postanowił wrócić do Paryża. Zawarł pakt ze swoim ego i ponownie udał się do Manasza, który z kolei nie mógł się doczekać powrotu swojego podopiecznego. Wynajął nawet dla Picassa pracownię zmarłego Casagemasa, zlokalizowaną obok nieszczęsnej restauracji Hippodrome.

W tej samej pracowni Picasso namalował portret swojego patrona, na którym ten silny i pewny siebie mężczyzna przypomina matadora, „gotowego rzucić się do walki z dzikim bykiem, z góry akceptując każdy wynik walki”.

„Petrus Manasz”, 1901

Jednak wkrótce bardzo doświadczony Manash stanął przed bardzo nieprzyjemnym odkryciem: Picasso był znacznie bardziej złożony i nieprzewidywalny, niż myślał. Zamiast jasnych, wesołych płócien, na które czekał, artysta stworzył ponure, pesymistyczne obrazy przepełnione bólem i cierpieniem, w nieoczekiwanej niebiesko-niebieskiej kolorystyce.

„Niebieski okres”

Przez cały ten czas Picasso myślał tylko o stracie przyjaciela. Ból straty nie osłabł, a jedynie nabrał nowego impetu. Obrazy zamieszkiwali wycieńczeni ludzie, chorzy kaleki i samotnie wędrujący artyści. Każde dzieło tego czasu jest napisane w przenikliwych niebieskich odcieniach i oddaje niekończące się poczucie samotności bohaterów. Wygląda na to, że wszystkie czekają na mężczyznę, który już nigdy nie powróci. Autoportret artysty z tego okresu znacznie różni się od poprzednich: istotą tego obrazu jest pustka, mrok i beznadzieja.

„Autoportret”, 1901

Być może Picasso celowo pogrążył się w cierpieniu, przesiąknięty inspiracją Błękitnego Okresu. Obraz „Pogrzeb Casagemasa” – największy spośród obrazów powstałych w Paryżu – zajmował znaczną część jego pracowni i jednocześnie pełnił funkcję ekranu. Wielokrotnie rysował swojego zmarłego przyjaciela, jakby próbując poczuć jego umierający ból i cierpienie.

„Germaine”, 1902

Tymczasem życie toczyło się dalej. Kochankiem Germaine został ich wspólny znajomy z Carlosem – Manolo. I wkrótce sam Picasso stał się jednym. Po co? Nie będziemy już mogli się tego dowiedzieć. Być może związek z tą kobietą był kolejną próbą przetrwania bólu zmarłego przyjaciela, chęcią zrozumienia go. Cień Germaine, która ostatecznie poślubiła Manolo, był z Picassem przez całe jej życie. Pisarka Gertrude Stein tak powiedziała o artyście: „To osoba, która potrzebuje ciągłego opróżniania się i do tego potrzebuje potężnej zachęty do działania, do całkowitego opróżnienia”.

„Dwie siostry”, 1902

Obraz „Dwie siostry” przedstawia prostytutkę i zakonnicę (inna interpretacja sugeruje, że jest to prostytutka i jej matka). Tym dziełem artysta pokazał swój stosunek do kobiet: wszystkie jego zdaniem dzielą się na święte i nierządnice. Picasso nadal spędzał czas w burdelach i kabaretach, ale szczelnie zamknął swoje serce i tak naprawdę nie zbliżał się do kobiet na dłużej niż jedną noc.

„Kochankowie”, 1904

Pisarz Palau i Fabre poruszył ten temat w swojej książce „Życie Picassa, 1881–1907”, opisując obraz „Kochankowie”: „...dwa robaki, splecione i splecione... Picasso, który ukrywa twarz Zakopując się w ciele kobiety, prawdopodobnie kryje już coś przed sobą – coś, czego nie chce widzieć w całości, o czym stara się nie myśleć.”

Przez te lata Picasso stworzył wiele prac graficznych, w których narodził się jego nowy, niepowtarzalny styl: szkice w jednej ciągłej linii, bez podnoszenia ołówka. Obrazy wydają się niedokończone, ale nawet one oddają fizyczną i duchową udrękę artysty w tym trudnym czasie.

„Życie”, 1903

„Życie” to centralne dzieło Niebieskiego Okresu, wypełnione niejednoznacznymi symbolami. Po lewej stronie wyidealizowany wizerunek Casagemasa, do którego przylega naga kobieta. Po prawej stronie kobieta z dzieckiem, która patrzy na młodego mężczyznę z wyrzutem: być może jest to matka Casagemasa. W tle dwa płótna: u góry - przytulająca się para, obraz miłości; na dole - przykucnięta kobieta, ucieleśnienie bólu i samotności.

Głównym motywem wszystkich dzieł Błękitnego Okresu jest samotność i nieuchronność ludzkiego cierpienia; męka biednych, chorych, starych i kalekich. Rzeczywistość istnienia spadła na beztroskiego wcześniej Picassa jak nieznośny ciężar: refleksje nad znaczeniem tego, co się z nim i jego bliskimi działo (ich trosk i smutków), ucieleśniały się w obrazach tego okresu – najciemniejszego okresu w twórczości artysty praca.

Odkrywanie arcydzieł epoki błękitnej

Dzieła o tak głębokiej, a zarazem trudnej wymowie były prawie niemożliwe do sprzedania. Pewnego dnia Picasso zwinął wszystkie swoje prace i po prostu dał je swojemu przyjacielowi Ramonowi Pichotowi. I postąpił słusznie: odpowiedzialny towarzysz zdołał ocalić paczkę i to dzięki niemu dziś możemy oglądać arcydzieła Picassa z tamtego okresu.

„Gdyby paczka zaginęła, nie byłoby Niebieskiego Okresu, ponieważ wszystko, co wtedy namalowałem, już tam było.” Pablo Picasso

Jakiś czas później (w 1905 r.) Picasso spotkał pisarza i poetę Guillaume’a Apollinaire’a, a dwa dni później pokazał mu dzieła Błękitnego Okresu. Apollinaire, który nigdy wcześniej nie widział czegoś takiego, stał się swego rodzaju tłumaczem wizualnego języka Picassa na ludzki, dla nas zrozumiały język. Cóż mogę powiedzieć: nawet sam artysta, dla którego własne obrazy były czymś intuicyjnym i podświadomym, potrafił zinterpretować ich znaczenie. Artykuły Apollinaire'a są wspaniałym przykładem tego, jak tekst z artystycznego płótna staje się pełnoprawnym dziełem literackim.

„Te dzieci, które nie otrzymały uczucia, wszystko rozumieją. Te kobiety, których nikt nie kocha, o niczym nie zapominają. Wygląda na to, że ukrywają się w cieniu jakiejś starożytnej świątyni. Znikają o świcie, pocieszeni ciszą. Otuliła ich lodowata mgła. Ci starcy mają prawo, bez upokorzenia, prosić o jałmużnę…” – napisał Apollinaire. „...Mówią, że w pracach Picassa panuje poczucie przedwczesnego rozczarowania. Ale wierzę, że w rzeczywistości wszystko jest dokładnie odwrotnie. Picasso jest zafascynowany tym, co widzi, a prawdziwy talent pozwala jego wyobraźni mieszać zachwyt i wstręt, podłość i wzniosłość. Po drugiej stronie naturalizmu Picassa, jego delikatnej dbałości o szczegóły, kryje się mistycyzm nieodłączny nawet od religii Hiszpanów... Szczupli, obdarci akrobaci, otoczeni lśniącą aureolą, to prawdziwi synowie ludzkości: kapryśni, zdradzieccy , zręczny, biedny, podstępny”.

Zdjęcie: Getty Images Rosja, RIA Nowosti

Niepowtarzalny styl i boski talent Picassa pozwoliły mu wpłynąć na ewolucję sztuki współczesnej i całego świata artystycznego.

Pablo Picasso urodził się w 1881 roku w hiszpańskim mieście Malaga. Wcześnie odkrył swój talent i już w wieku 15 lat rozpoczął naukę w Szkole Sztuk Pięknych.

Artysta większość życia spędził w ukochanej Francji. W 1904 przeniósł się do Paryża, a w 1947 na słoneczne południe kraju.

Twórczość Picassa podzielona jest na wyjątkowe i ciekawe okresy.

Jego wczesny „niebieski okres” rozpoczął się w 1901 roku i trwał około trzech lat. Wiele dzieł sztuki powstałych w tym czasie charakteryzuje się ludzkim cierpieniem, biedą i odcieniami błękitu.

Okres róż trwał około roku, począwszy od 1905 roku. Faza ta charakteryzuje się jaśniejszą paletą różowo-złotą i różowo-szarą, a bohaterami są głównie podróżujący artyści.

Obraz namalowany przez Picassa w 1907 roku oznaczał przejście do nowego stylu. Artysta w pojedynkę zmienił bieg sztuki współczesnej. Były to „Les Demoiselles d’Avignon”, które wywołały wiele wstrząsów w ówczesnym społeczeństwie. Kubistyczne przedstawienie nagich prostytutek stało się skandalem, ale posłużyło jako podstawa późniejszej sztuki konceptualnej i surrealistycznej.

W przededniu II wojny światowej, podczas konfliktu w Hiszpanii, Picasso stworzył kolejne genialne dzieło – obraz „Guernica”. Bezpośrednim źródłem inspiracji było bombardowanie Guerniki, płótno ucieleśnia protest artysty potępiającego faszyzm.

W swojej twórczości Picasso dużo czasu poświęcił zgłębianiu komedii i fantasy. Realizował się także jako grafik, rzeźba, dekorator i ceramik. Mistrz stale pracował, tworząc ogromną liczbę ilustracji, rysunków i projektów o dziwacznej treści. W końcowym etapie swojej kariery malował wariacje na temat słynnych obrazów Velazqueza i Delacroix.

Pablo Picasso zmarł w 1973 roku we Francji w wieku 91 lat, stworzył 22 000 dzieł sztuki.

Obrazy Pabla Picassa:

Chłopiec z fajką, 1905

Obraz wczesnego Picassa z „Okresu Róż” namalował wkrótce po przybyciu do Paryża. Oto zdjęcie chłopca z fajką w dłoni i wieńcem kwiatów na głowie.

Stary gitarzysta, 1903

Obraz należy do „niebieskiego okresu” twórczości Picassa. Przedstawia starego, niewidomego i biednego muzyka ulicznego z gitarą. Praca utrzymana jest w odcieniach błękitu i opiera się na ekspresjonizmie.

Les Demoiselles d'Avignon, 1907

Być może najbardziej rewolucyjny obraz w sztuce współczesnej i pierwszy obraz w stylu kubistycznym. Mistrz zignorował ogólnie przyjęte zasady estetyczne, zszokował purystów i w pojedynkę zmienił bieg sztuki. W unikalny sposób przedstawił pięć nagich prostytutek z burdelu w Barcelonie.

Butelka rumu, 1911 r

Picasso ukończył ten obraz we francuskich Pirenejach, ulubionym miejscu muzyków, poetów i artystów, ulubionym przez kubistów przed I wojną światową. Dzieło zostało wykonane w złożonym stylu kubistycznym.

Głowa, 1913

To słynne dzieło stało się jednym z najbardziej abstrakcyjnych kolaży kubistycznych. Profil głowy można prześledzić w półkolu obrysowanym węglem, jednak wszystkie elementy twarzy zredukowane są znacznie do figur geometrycznych.

Martwa natura z kompotem i szkłem, 1914-15.

Czyste kształty kolorów i fasetowane obiekty są ze sobą zestawiane i nakładane, tworząc harmonijną kompozycję. Picasso na tym obrazie ukazuje praktykę kolażu, którą często wykorzystuje w swojej twórczości.

Dziewczyna przed lustrem, 1932

To portret młodej kochanki Picassa, Marie-Therese Walter. Modelka i jej odbicie symbolizują przejście od dziewczynki do uwodzicielskiej kobiety.

Guernika, 1937

Obraz ten przedstawia tragiczny charakter wojny i cierpienie niewinnych ofiar. Dzieło jest monumentalne w swojej skali i znaczeniu i jest postrzegane na całym świecie jako symbol antywojenny i plakat pokojowy.

Płacząca kobieta, 1937

Picassa interesował temat cierpienia. Ten szczegółowy obraz z wykrzywioną, zdeformowaną twarzą uważany jest za kontynuację Guerniki.

Okres „niebieski”.

„Pogrążyłem się w smutku, gdy uświadomiłem sobie, że Casagemas nie żyje” – przyznał później Picasso. „Okres od 1901 do 1904 roku w twórczości Picassa nazywany jest zwykle okresem „niebieskim”, ponieważ większość obrazów tego czasu została namalowana w zimnej niebiesko-zielonej palecie, zaostrzając nastrój zmęczenia i tragicznej biedy”. Okres, który później nazwano „niebieskim”, zwielokrotniony został przez obrazy scen smutnych, obrazy pełne głębokiej melancholii. Wszystko to na pierwszy rzut oka nie da się pogodzić z ogromną żywotnością samego artysty. Ale pamiętając autoportrety młodego mężczyzny o wielkich smutnych oczach, rozumiemy, że płótna z „niebieskiego” okresu przekazują emocje, jakie towarzyszyły wówczas artyście. Osobista tragedia wyostrzyła jego postrzeganie życia i smutku ludzi cierpiących i pokrzywdzonych.

To paradoksalne, ale prawdziwe: niesprawiedliwość struktury życia dotkliwie odczuwają nie tylko ci, którzy od dzieciństwa doświadczyli ucisku trudów życia lub, co gorsza, niechęci do bliskich, ale także ludzie całkiem zamożni. Picasso jest tego najlepszym przykładem. Jego matka uwielbiała Pabla i ta miłość stała się dla niego nieprzeniknioną zbroją aż do śmierci. Ojciec, który nieustannie borykał się z trudnościami finansowymi, wiedział, jak zrobić wszystko, co w jego mocy, aby pomóc synowi, choć czasami podążał zupełnie w złym kierunku, który wskazywał Don Jose. Ukochany i zamożny młody człowiek nie popadł w egocentryzm, choć wydaje się, że przyczyniła się do tego atmosfera dekadenckiej kultury, w której się wychował w Barcelonie. Wręcz przeciwnie, z wielką siłą odczuwał nieład społeczny, ogromną przepaść między biednymi i bogatymi, niesprawiedliwość struktury społeczeństwa, jego nieludzkość – słowem wszystko, co doprowadziło do rewolucji i wojen XX wieku .

„Zajmijmy się jednym z głównych dzieł Picassa tamtych czasów - obrazem „Stary żebrak z chłopcem”, ukończonym w 1903 roku i obecnie znajdującym się w Państwowym Muzeum Sztuk Pięknych. A.S. Puszkin. Na płaskim, neutralnym tle przedstawiono dwie siedzące postacie - zgrzybiały, niewidomy starzec i mały chłopiec. Obrazy ukazane są tu w ostro kontrastującej opozycji: twarz starca, pokryta zmarszczkami, jakby wyrzeźbiona potężną grą światłocienia, z głębokimi zagłębieniami ślepych oczu, jego koścista, nienaturalnie kanciasta sylwetka, załamujące się linie jego nogi i ramiona oraz, w przeciwieństwie do niego, szeroko otwarte oczy na delikatną, miękko wymodelowaną twarz chłopca, gładkie, płynne linie jego ubrania. Chłopiec stojący u progu życia i zniedołężniały starzec, na którym śmierć odcisnęła już swoje piętno – te skrajności łączy na obrazie pewnego rodzaju tragiczna wspólność. Oczy chłopca są szeroko otwarte, ale wydają się równie niewidzące jak straszne zagłębienia oczodołów starca: pogrążony jest w tej samej pozbawionej radości myśli. Matowy niebieski kolor dodatkowo wzmacnia nastrój smutku i beznadziejności, który wyraża się na smutnie skupionych twarzach ludzi. Kolor nie jest tu kolorem rzeczywistych obiektów, ani nie jest kolorem prawdziwego światła wypełniającego przestrzeń obrazu. Picasso oddaje twarze ludzi, ich ubrania i tło, na którym są przedstawieni, w równie matowych, zabójczo zimnych odcieniach błękitu”.

Obraz jest realistyczny, ale jest w nim wiele konwencji. Proporcje ciała starca są przerysowane, niewygodna poza podkreśla jego załamanie. Chudość jest nienaturalna. Rysy twarzy chłopca zostały przekazane zbyt prosto. „Artysta nie mówi nam nic o tym, kim są ci ludzie, z jakiego kraju lub epoki pochodzą i dlaczego siedzą skuleni razem na tej błękitnej ziemi. A jednak obraz mówi wiele: w kontraście między starym mężczyzną i chłopcem widzimy smutną, pozbawioną radości przeszłość jednego i beznadziejną, nieuchronnie ponurą przyszłość drugiego oraz tragiczną teraźniejszość obojga. Swoimi smutnymi oczami z obrazu patrzy na nas bardzo smutna twarz biedy i samotności. W swoich pracach powstałych w tym okresie Picasso unika fragmentacji i szczegółowości, starając się w każdy możliwy sposób podkreślić główną ideę tego, co jest przedstawiane. Idea ta pozostaje wspólna dla zdecydowanej większości jego wczesnych dzieł; podobnie jak w „Starym żebraku z chłopcem” polega na ukazaniu nieporządku, żałobnej samotności ludzi w tragicznym świecie biedy.

W okresie „niebieskim”, oprócz wspomnianych już obrazów („Stary żebrak z chłopcem”, „Kufel piwa (Portret Sabartesa)” i „Życie”), „Autoportret”, „Data (Dwie siostry) )”, „Głowa kobiety”, „Tragedia” itp.