Obrazy pejzaż miejski autorstwa znanych artystów XIX wieku. Najlepsi artyści Rosji

Wśród rosyjskich artystów jest wiele utalentowanych osób. Ich twórczość jest wysoko ceniona na całym świecie i stanowi godną konkurencję dla takich światowych mistrzów jak Rubens, Michał Anioł, Van Gogh czy Picasso. W tym artykule zebraliśmy 10 najsłynniejszych rosyjskich artystów.

1. Iwan Aiwazowski

Iwan Aiwazowski jest jednym z najbardziej znanych rosyjskich artystów. Urodził się w Teodozji. Od dzieciństwa Aivazovsky pokazywał swoje niesamowite Umiejętności twórcze: Uwielbiał rysować i sam nauczył się grać na skrzypcach.

W wieku 12 lat młody talent rozpoczął naukę w Symferopolu na Akademii Malarstwa. Tutaj nauczył się kopiować ryciny i malować obrazy z życia. Rok później udało mu się wstąpić do Akademii Cesarskiej w Petersburgu, choć nie miał jeszcze 14 lat.

Artysta przez długi czas podróżował po Europie i mieszkał we Włoszech, gdzie doceniono także jego obrazy. Tak więc młody artysta z Teodozji stał się dość sławnym i bogatym człowiekiem.

Później Aiwazowski wrócił do ojczyzny, gdzie otrzymał mundur Ministerstwa Marynarki Wojennej i tytuł akademika. Artysta odwiedził także Egipt i był obecny na otwarciu nowego Kanału Sueskiego. Artysta wszystkie swoje wrażenia opisał na obrazach. W tym czasie wypracował już swój własny, niepowtarzalny styl i umiejętność pisania z pamięci. Elementy złożone Aivazovsky szybko szkicował w notatniku, aby później przenieść je na płótno. Jego obrazy „Odessa”, „Dziewiąta fala” i „Morze Czarne” przyniosły mu światową sławę.

Ostatnie lata Artysta spędził życie w Teodozji, gdzie zbudował sobie dom w stylu włoskim. Nieco później Aiwazowski dodał do niego małą galerię, aby każdy mógł swobodnie się nią cieszyć. niesamowite obrazy i utopić się w oceanie kolorów. Dziś ta rezydencja nadal służy jako muzeum i wielu gości przyjeżdża tu codziennie, aby na własne oczy przekonać się o umiejętnościach malarza morskiego, który żył długo i szczęśliwe życie.

2. Wiktor Wasniecow

Lista najsłynniejszych rosyjskich artystów jest kontynuowana przez Wiktora Wasniecowa. Urodził się wiosną 1848 roku w rodzinie księdza z małej wioski Lopyal. Jego pragnienie malarstwa obudziło się bardzo szybko młodym wieku, ale rodzice nie mogli zapewnić mu należytego wykształcenia z powodu braku pieniędzy. Dlatego w wieku 10 lat Victor rozpoczął naukę w bezpłatnym seminarium teologicznym.

W 1866 r., praktycznie bez pieniędzy, wyjechał do Petersburga. Wasnetsow z łatwością sobie z tym poradził Egzamin wstępny i wstąpił do Akademii Sztuk Pięknych. Od tego zaczęła się jego przyjaźń sławny artysta Repina, z którym później wyjechał do Paryża. Po powrocie do Petersburga Wasnetsow zaczął malować swoje najsłynniejsze obrazy: „Trzej bohaterowie”, „Śnieżna dziewica” i „Bóg zastępów”.

Artysta mógł w pełni ujawnić swój talent dopiero po przeprowadzce do Moskwy. Tutaj czuje się przytulnie i komfortowo, a każde kolejne zdjęcie okazuje się lepsze od poprzedniego. To właśnie w Moskwie Wasnetsow namalował takie obrazy jak „Alyonushka”, „Iwan Carewicz i szary Wilk” i „Nestor Kronikarz”.

3. Karol Bryulłow

Ten słynny rosyjski artysta urodził się w 1799 roku. Ojciec Karla był znany malarz i profesor Akademii Sztuk Pięknych w Petersburgu. Dlatego los chłopca był z góry przesądzony. Na szczęście Karlowi Bryullovowi udało się odziedziczyć talent artysty po ojcu.

Studia zakończyły się sukcesem do młodego artysty bardzo łatwe. Wielokrotnie przewyższał resztę uczniów w swojej klasie i ukończył Akademię Sztuk Pięknych z wyróżnieniem. Następnie Karl wyruszył w podróż po Europie, zatrzymując się na długi czas tylko we Włoszech. To właśnie tutaj stworzył swoje arcydzieło „Ostatni dzień Pompejów”, pisząc je przez około sześć lat.

Po powrocie do Petersburga na Karla Bryullova czekała sława i chwała. Cieszyli się, że wszędzie go widzieli i z pewnością podziwiali jego nowe obrazy. W tym okresie artysta stworzył kilka swoich nieśmiertelnych płócien: „Jeździec”, „Oblężenie Pskowa”, „Narcyz” i inne.

4. Iwan Szyszkin

Iwan Szyszkin to jeden z najsłynniejszych rosyjskich artystów pejzażu, który w swoich obrazach potrafił przedstawić każdy niepozorny krajobraz w najkorzystniejszym świetle. Wydaje się, że sama natura bawi się na płótnach tego artysty żywymi kolorami.

Iwan Szyszkin urodził się w 1832 r. w Ełabudze, która dziś należy do Tatarstanu. Ojciec chciał, aby jego syn ostatecznie objął stanowisko urzędnika miejskiego, ale Iwan skłaniał się ku rysowaniu. W wieku 20 lat wyjechał do Moskwy, aby studiować malarstwo. Po pomyślnym ukończeniu Moskiewskiej Szkoły Sztuk Pięknych Szyszkin wstąpił do Akademii Cesarskiej w Petersburgu.

Później długo podróżował po Europie, szkicując niesamowite krajobrazy. W tym czasie powstał obraz „Widok w okolicach Düsseldorfu”, który przyniósł mu wielką sławę. Po powrocie do Rosji Shishkin nadal tworzy z nową energią. Według niego rosyjska przyroda jest kilkaset razy lepsza od krajobrazów europejskich.

Iwan Szyszkin namalował w swoim życiu wiele wspaniałych obrazów: „Poranek Las sosnowy”, „Pierwszy śnieg”, „Las sosnowy” i inne. Nawet śmierć dogoniła tego malarza tuż za jego sztalugami.

5. Izaak Lewitan

Ten wielki rosyjski mistrz krajobrazu urodził się na Litwie, ale całe życie spędził w Rosji. Wielokrotnie żydowskie pochodzenie przysporzyło mu wielu upokorzeń, nigdy jednak nie zmusiło go do opuszczenia kraju, który ubóstwiał i wychwalał w swoich obrazach.

Pierwsze krajobrazy Lewitana otrzymały już wysokie oceny od Perowa i Savrasowa, a sam Tretiakow kupił nawet swój obraz „Dzień jesieni w Sokolnikach”. Ale w 1879 r. Izaak Lewitan wraz ze wszystkimi Żydami został wydalony z Moskwy. Tylko dzięki ogromnym wysiłkom przyjaciół i nauczycieli udaje mu się wrócić do miasta.

W latach osiemdziesiątych XIX wieku artysta namalował wiele wspaniałych obrazów, które uczyniły go bardzo sławnym. Były to „Sosny”, „Jesień” i „Pierwszy śnieg”. Jednak dalsze upokorzenia zmusiły autora do ponownego opuszczenia Moskwy i wyjazdu na Krym. Na półwyspie artysta maluje całą serię niesamowite dzieła i znacząco ją poprawia kondycja finansowa. Dzięki temu może podróżować po Europie i poznawać twórczość światowych mistrzów. Szczytem twórczości Lewitana był jego obraz „Powyżej Wieczny pokój».

6. Wasilij Tropinin

Niesamowity los pochodził od wielkiego rosyjskiego malarza portretowego Wasilija Tropinina. Urodził się w rodzinie poddanych hrabiego Markowa w 1780 roku i dopiero w wieku 47 lat otrzymał prawo do bycia wolny człowiek. Już jako dziecko mały Wasilij wykazywał skłonność do rysowania, ale hrabia wysłał go na studia, aby zostać cukiernikiem. Później zostaje jednak wysłany do Akademii Cesarskiej, gdzie pokazuje swój talent w całej okazałości. Za swoje portrety „Koronkarz” i „Stary żebrak” Wasilij Tropinin otrzymał tytuł akademika.

7. Petrov-Vodkin Kuzma

Słynnemu artyście udało się pozostawić po sobie bogate dziedzictwo malarstwa światowego. Rosyjski artysta Pietrow-Wodkin. Urodził się w 1878 roku w Chwalińsku iw jego wczesne lata miał zostać kolejarzem. Jednak los uczynił go malarzem światowej sławy.

8. Aleksiej Sawrasow

Obrazy tego rosyjskiego artysty sprzedawały się dobrze już, gdy miał zaledwie 12 lat. Nieco później wstąpił do Moskiewskiej Szkoły Malarstwa i od razu stał się jednym z najlepszych uczniów. Wyjazd na Ukrainę pomógł Savrasovowi ukończyć studia przed terminem i otrzymać tytuł artysty.

Obrazy „Kamień w lesie” i „Kreml moskiewski” uczyniły z tego malarza akademika w wieku 24 lat! Zainteresowany młodymi talentami rodzina królewska, a sam Tretiakow kupuje wiele swoich dzieł wystawy międzynarodowe. Były wśród nich „Zima”, „Przybyły gawrony”, „Rasputica” i inne.

Śmierć dwóch córek i późniejszy rozwód mają ogromny wpływ na Savrasowa. Dużo pije i wkrótce umiera w szpitalu dla biednych.

9. Andriej Rublow

Andriej Rublow to najsłynniejszy rosyjski malarz ikon. Urodził się w XV wieku i pozostawił po sobie wielkie dziedzictwo w postaci ikon „Trójca”, „Zwiastowanie”, „Chrzest Pański”. Andrei Rublev wraz z Daniilem Czernym ozdobili freskami wiele kościołów, a także namalowali ikony do ikonostasów.

10. Michaił Wrubel

Naszą listę najsłynniejszych rosyjskich artystów uzupełnia Michaił Wrubel, który za życia stworzył wiele arcydzieł w różne tematy. Namalował Świątynię Kijowską, a później w Moskwie zaczął tworzyć swój słynny cykl obrazów „demonicznych”. Twórcze wędrówki tego artysty nie znalazły odpowiedniego zrozumienia wśród współczesnych. Dopiero kilkadziesiąt lat po śmierci Michaiła Wrubla historycy sztuki przyznali mu należny mu tytuł, a Kościół zgodził się z jego interpretacjami wydarzeń biblijnych.

Niestety życie osobiste artysty spowodowało, że rozwinęła się u niego ciężka postać zaburzenia psychiczne. Tytuł akademika dogonił go w szpitalu psychiatrycznym, z którego nigdy nie było mu przeznaczone opuścić. Niemniej jednak Michaiłowi Vrubelowi udało się wiele stworzyć niesamowite dzieła sztukę godną prawdziwego podziwu. Wśród nich na szczególną uwagę zasługują obrazy „Siedzący demon”, „Księżniczka łabędzi” i „Faust”.

). Jednakże na potrzeby tego artykułu rozważymy jedynie sztukę obiektową.

Historycznie rzecz biorąc, wszystkie gatunki dzieliły się na wysokie i niskie. DO wysoki gatunek do malarstwa historycznego zaliczano dzieła o charakterze monumentalnym, niosące ze sobą jakąś moralność, znaczącą ideę, ukazujące wydarzenia historyczne, militarne związane z religią, mitologią lub fikcją artystyczną.

DO niski gatunek obejmowało wszystko, co wiąże się z życiem codziennym. Są to martwe natury, portrety, malowanie domu, krajobrazy, zwierzęcość, wizerunki nagich ludzi itp.

Animalizm (łac. zwierzę - zwierzę)

Gatunek zwierzęcy powstał w czasach starożytnych, kiedy pierwsi ludzie malowali na skałach drapieżne zwierzęta. Stopniowo ten kierunek przekształcił się w niezależny gatunek, sugerujący wyraziste przedstawienie dowolnych zwierząt. Animaliści zazwyczaj bardzo interesują się światem zwierząt, na przykład mogą być doskonałymi jeźdźcami, hodować zwierzęta lub po prostu przez długi czas studiować swoje nawyki. W zamyśle artysty zwierzęta mogą wyglądać realistycznie lub w formie obrazów artystycznych.

Wśród rosyjskich artystów wielu dobrze znało się na przykład na koniach i. Tak, dalej sławny obraz Bohaterskie konie Wasnetsowa zostały przedstawione z największą umiejętnością: kolory, zachowanie zwierząt, uzdy i ich związek z jeźdźcami są szczegółowo przemyślane. Sierow nie lubił ludzi i pod wieloma względami traktował konie lepszy od człowieka, dlatego często portretował ją w różnych scenach. choć malował zwierzęta, nie uważał się za malarza zwierząt, dlatego niedźwiedzie na jego słynnym obrazie „Poranek w sosnowym lesie” stworzył malarz zwierząt K. Savitsky.

W czasach carskich szczególną popularnością cieszyły się portrety ze zwierzętami, które były bliskie człowiekowi. Na przykład na obrazie pojawiła się cesarzowa Katarzyna II ze swoim ukochanym psem. Zwierzęta pojawiały się także na portretach innych rosyjskich artystów.

Przykłady obrazów znanych rosyjskich artystów w gatunku codziennym

Malarstwo historyczne

Gatunek ten obejmuje monumentalne obrazy, które mają na celu przekazanie społeczeństwu wielka wizja jakiejkolwiek prawdy, moralności lub przedstawienia znaczących wydarzeń. Znajdują się w nim dzieła o tematyce historycznej, mitologicznej, religijnej, folklorystycznej, a także sceny militarne.

W starożytnych stanach mity i legendy przez długi czas uważano za wydarzenia z przeszłości, dlatego często przedstawiano je na freskach lub wazach. Później artyści zaczęli oddzielać rozgrywające się wydarzenia od fikcji, co wyrażało się przede wszystkim w przedstawianiu scen batalistycznych. W Starożytny Rzym, Egipcie i Grecji sceny bohaterskich bitew często przedstawiano na tarczach zwycięskich wojowników, aby zademonstrować ich triumf nad wrogiem.

W średniowieczu ze względu na dominację dogmatów kościelnych dominowała tematyka religijna, w okresie renesansu społeczeństwo zwracało się w stronę przeszłości głównie w celu gloryfikacji swoich państw i władców, a od XVIII wieku gatunek ten często zwracał się ku przeszłości. w celu wychowania młodzieży. W Rosji gatunek ten rozpowszechnił się w XIX wieku, kiedy artyści często próbowali analizować życie rosyjskiego społeczeństwa.

W twórczości rosyjskich artystów prezentowane było na przykład malarstwo batalistyczne i. W swoich obrazach poruszał tematy mitologiczne i religijne. Wśród nich dominowało malarstwo historyczne, wśród nich folklor.

Przykłady obrazów znanych rosyjskich artystów z gatunku malarstwa historycznego

Martwa natura (francuska natura - natura i morte - martwa)

Ten gatunek malarstwa kojarzony jest z obrazem obiekty nieożywione. Mogą to być kwiaty, owoce, naczynia, dziczyzna, przybory kuchenne i inne przedmioty, z których artysta często tworzy kompozycję według swojego planu.

Pierwsze martwe natury pojawiły się w krajach starożytnych. W Starożytny Egipt Zwyczajowo przedstawiano ofiary bogom w postaci różnych potraw. Jednocześnie na pierwszym miejscu było rozpoznanie przedmiotu, dlatego starożytni artyści nie przywiązywali szczególnej wagi do światłocienia czy faktury martwych natur. W Starożytna Grecja a w Rzymie kwiaty i owoce znaleziono na obrazach i domach do dekoracji wnętrz, dzięki czemu były przedstawiane bardziej autentycznie i malowniczo. Powstanie i rozkwit tego gatunku nastąpiło w XVI i XVII wieku, kiedy martwe natury zaczęły zawierać ukryte znaczenia religijne i inne. Jednocześnie pojawiło się wiele ich odmian, w zależności od tematu obrazu (kwiat, owoc, naukowiec itp.).

W Rosji malarstwo martwej natury rozkwitło dopiero w XX wieku, gdyż wcześniej było wykorzystywane głównie do celów edukacyjnych. Ale rozwój ten był szybki i uchwycony, obejmując sztukę abstrakcyjną ze wszystkimi jej kierunkami. Na przykład tworzył piękne kompozycje kwiatowe, preferował, pracował i często „rewitalizował” swoje martwe natury, dając widzowi wrażenie, że naczynia za chwilę spadną ze stołu lub że wszystkie przedmioty zaczną się obracać.

Na przedmioty przedstawiane przez artystów z pewnością wpływały ich poglądy teoretyczne czy światopoglądowe, stan umysłu. Były to więc przedmioty ukazane według odkrytej przez niego zasady perspektywy sferycznej oraz martwe natury ekspresjonistyczne, zadziwiające swoją dramaturgią.

Wielu rosyjskich artystów wykorzystywało martwą naturę głównie do celów edukacyjnych. A więc nie tylko szlifowane umiejętności artystyczne, ale także przeprowadził wiele eksperymentów, aranżując przedmioty na różne sposoby, pracując ze światłem i kolorem. eksperymentował z kształtem i kolorem linii, czasem odchodząc od realizmu w czysty prymitywizm, czasem mieszając oba style.

Inni artyści łączyli w martwych naturach to, co wcześniej przedstawili, z ulubionymi rzeczami. Na przykład na obrazach można znaleźć jego ulubiony wazon, nuty i stworzony wcześniej portret żony, a także przedstawiał swoje ulubione kwiaty z dzieciństwa.

Na przykład wielu innych rosyjskich artystów pracowało w tym samym gatunku i innych.

Przykłady obrazów znanych rosyjskich artystów z gatunku martwej natury

Akt (francuski akt - nagość, w skrócie nu)

Gatunek ten ma na celu przedstawienie piękna nagiego ciała i pojawił się przed naszą erą. W świat starożytny zwracał dużą uwagę rozwój fizyczny, gdyż od tego zależało przetrwanie całego rodzaju ludzkiego. Tak więc w starożytnej Grecji sportowcy tradycyjnie rywalizowali nago, aby chłopcy i młodzi mężczyźni mogli zobaczyć swoje dobrze rozwinięte ciała i dążyć do tej samej doskonałości fizycznej. Około VII-VI w. pne mi. Pojawiły się także posągi nagich mężczyzn, uosabiające fizyczną siłę mężczyzny. Wręcz przeciwnie, postacie kobiece zawsze pojawiały się przed publicznością w szatach, gdyż dla wyeksponowania kobiece ciało nie został przyjęty.

W kolejnych epokach zmieniał się stosunek do nagości. Tak więc w czasach hellenizmu (od końca VI w. p.n.e.) wytrzymałość zeszła na dalszy plan, ustępując miejsca podziwowi postać męska. W tym samym czasie zaczęły pojawiać się pierwsze nagie postacie kobiece. W epoce baroku kobiety o krągłej sylwetce uchodziły za idealne, w czasach rokoka zmysłowość stała się najważniejsza, a w XIX-XX wiek często zakazano malowania lub rzeźb przedstawiających nagie ciała (zwłaszcza męskie).

Rosyjscy artyści wielokrotnie sięgali w swoich pracach do gatunku aktu. Są to więc tancerze o teatralnych atrybutach, pozujący dziewczęta lub kobiety w centrum monumentalnych scen. Jest tu mnóstwo zmysłowych kobiet, także w parach, jest tu cała seria obrazów przedstawiających nagie kobiety za plecami różne aktywności, a ty jesteś dziewczynami pełnymi niewinności. Niektórzy na przykład przedstawiali zupełnie nagich mężczyzn, chociaż takie obrazy nie były mile widziane przez społeczeństwo tamtych czasów.

Przykłady obrazów znanych rosyjskich artystów z gatunku aktu

Krajobraz (francuski Paysage, z płatów - teren)

W tym gatunku priorytetem jest przedstawienie tego, co naturalne lub stworzone przez człowieka środowisko: obszary naturalne, widoki miast, wsi, zabytków itp. W zależności od wybranego obiektu wyróżnia się krajobrazy naturalne, przemysłowe, morskie, wiejskie, liryczne i inne.

Pierwsze krajobrazy autorstwa starożytnych artystów odkryto w r sztuka naskalna epoki neolitu i były wizerunki drzew, rzek i jezior. Później do dekoracji domu wykorzystano motyw naturalny. W średniowieczu krajobraz został prawie całkowicie zastąpiony motywami religijnymi, a w renesansie wręcz przeciwnie, wyszły na pierwszy plan harmonijne relacje człowiek i przyroda.

W Rosji pejzaż rozwijał się od XVIII wieku i początkowo był ograniczony (w tym stylu powstawały np. pejzaże), ale później cała plejada utalentowanych rosyjskich artystów wzbogaciła ten gatunek technikami z różne style i wskazówki. stworzył tzw. pejzaż low-key, czyli zamiast gonić za spektakularnymi widokami, ukazywał najbardziej intymne momenty rosyjskiej przyrody. i doszliśmy do lirycznego pejzażu, który zadziwił publiczność subtelnie oddanym nastrojem.

I to jest epicki krajobraz, w którym widzowi ukazuje się cała wspaniałość otaczającego świata. bez końca zwracał się do starożytności, E. Wołkow wiedział, jak zamienić każdy dyskretny krajobraz w poetycki obraz, zadziwił widza swoim cudownym światłem w krajobrazach i mógł bez końca podziwiać leśne zakątki, parki, zachody słońca i przekazywać tę miłość widzowi.

Każdy z pejzażystów skupiał swoją uwagę na pejzażu, który szczególnie go fascynował. Wielu artystów nie mogło zignorować dużych projektów budowlanych i malowało wiele pejzaży przemysłowych i miejskich. Wśród nich znajdują się dzieła,

Dziś przedstawiamy Państwu dwadzieścia obrazów godnych uwagi i uznania. Te obrazy zostały namalowane znany artysta, a powinni je znać nie tylko ci, którzy zajmują się sztuką, ale także zwykli śmiertelnicy, sztuka bowiem barwi nasze życie, a estetyka pogłębia spojrzenie na świat. Daj sztuce należne miejsce w swoim życiu...

1. „Ostatnia wieczerza”. Leonardo Da Vinci, 1495-1498

Monumentalny obraz Leonarda da Vinci przedstawiający scenę ostatniego posiłku Chrystusa z uczniami. Powstał w latach 1495-1498 w klasztorze dominikanów Santa Maria delle Grazie w Mediolanie.

Obraz został zamówiony przez Leonarda u jego patrona, księcia Ludovico Sforzy i jego żony Beatrice d'Este. Lunety nad obrazem, utworzone przez sufit z trzema łukami, są pomalowane herbem Sforzów. Malowanie rozpoczęto w 1495 r., a ukończono w 1498 r.; prace toczyły się z przerwami. Data rozpoczęcia prac nie jest pewna, gdyż „archiwum klasztorne uległo zniszczeniu, a znikoma część dokumentów, którymi dysponujemy, pochodzi z roku 1497, kiedy malowanie było już prawie ukończone”.

Obraz stał się kamieniem milowym w historii renesansu: poprawnie odwzorowana głębia perspektywy zmieniła kierunek rozwoju malarstwa zachodniego.

Uważa się, że w tym obrazie kryje się wiele tajemnic i wskazówek - na przykład zakłada się, że wizerunek Jezusa i Judasza został skopiowany od tej samej osoby. Kiedy Da Vinci malował obraz, w swojej wizji Jezus uosabiał dobro, podczas gdy Judasz był czystym złem. A kiedy mistrz odnalazł „swojego Judasza” (pijaka z ulicy), okazało się, że według historyków ten pijak kilka lat wcześniej służył za prototyp do namalowania wizerunku Jezusa. Można zatem powiedzieć, że ten obraz oddaje człowieka różne okresy jego życie.

2. „Słoneczniki”. Vincenta Van Gogha, 1887

Tytuł dwóch cykli obrazów Holenderski artysta Vincent van Gogh. Pierwsza seria powstała w Paryżu w 1887 roku. Poświęcony jest kwiatom leżącym. Druga seria została ukończona rok później w Arles. Przedstawia bukiet słoneczników w wazonie. Dwa Malowidła paryskie zakupiony przez przyjaciela van Gogha, Paula Gauguina.

Artysta namalował słoneczniki jedenaście razy. Pierwsze cztery obrazy powstały w Paryżu w sierpniu - wrześniu 1887 roku. Duże cięte kwiaty leżą jak jakieś dziwne stworzenia umierające na naszych oczach.

3. „Dziewiąta fala”. Iwan Konstantinowicz Aiwazowski?, 1850.

Jeden z najbardziej znane obrazy Rosyjski malarz morski Iwan Aiwazowski, przechowywany w Muzeum Rosyjskim.

Malarz przedstawia morze po silnej nocnej burzy i rozbitków. Promienie słońca oświetlają ogromne fale. Największy z nich – dziewiąty szyb – gotowy jest zawalić się na ludzi próbujących uciec na wraku masztu.

Pomimo tego, że statek zostaje zniszczony i pozostaje tylko maszt, ludzie na maszcie żyją i nadal walczą z żywiołami. Ciepłe kolory obrazu sprawiają, że morze nie jest tak surowe i dają widzowi nadzieję na uratowanie ludzi.

Powstały w 1850 roku obraz „Dziewiąta fala” natychmiast stał się najsłynniejszym ze wszystkich jego przystani i został zakupiony przez Mikołaja I.

4. „Macha nago”. Francisco Goya, 1797-1800

Obraz hiszpańskiego artysty Francisco Goyi, namalowany około 1797-1800. Pasuje do obrazu „Maja ubrana” (La maja westida). Obrazy przedstawiają Machę, hiszpańską mieszczankę żyjącą w XVIII-XIX w., jeden z ulubionych tematów artysty. „Maha Nude” jest jednym z nich wczesne prace Sztuka zachodnia, przedstawiający zupełnie nagą kobietę bez konotacji mitologicznych i negatywnych.

5. „Lot kochanków”. Marca Chagalla, 1914-1918

Prace nad obrazem „Nad miastem” rozpoczęły się w 1914 roku i ostatnie poprawki Mistrz zastosował go dopiero w 1918 roku. W tym czasie Bella z kochanki zmieniła się nie tylko w uwielbianą żonę, ale także matkę ich córki Idy, stając się na zawsze główną muzą malarza. Związek bogatej córki dziedzicznego jubilera i prostego żydowskiego młodzieńca, którego ojciec utrzymywał się z wyładunku śledzi, można nazwać jedynie mezaliansem, ale miłość była silniejsza i przezwyciężyła wszelkie konwencje. To właśnie ta miłość ich zainspirowała, unosząc ich do nieba.

Karina portretuje jednocześnie dwie miłości Chagalla – kochaną jej sercu Bellę i Witebsk. Ulice przedstawione są w formie domów oddzielonych wysokim, ciemnym płotem. Widz nie od razu zauważy kozę pasącą się po lewej stronie środka obrazu i prostego mężczyznę ze spuszczonymi spodniami pierwszoplanowy- humor ze strony malarza, wyrwanie się z ogólnego kontekstu i romantyczny nastrój dzieła, ale to wszystko Chagall...

6. „Oblicze wojny”. Salvadora Dali, 1940.

Obraz hiszpańskiego artysty Salvadora Dali, namalowany w 1940 roku.

Obraz powstał w drodze do USA. Pod wrażeniem tragedii rozgrywającej się na świecie i krwiożerczości polityków kapitan rozpoczyna pracę na statku. Znajduje się w Muzeum Boijmans-van Beuningen w Rotterdamie.

Straciwszy wszelką nadzieję na normalne życie w Europie artysta z ukochanego Paryża wyjeżdża do Ameryki. Wojna ogarnia Stary Świat i ma na celu przejęcie reszty świata. Mistrz jeszcze nie wie, że ośmioletni pobyt w Nowym Świecie uczyni go prawdziwą sławą, a jego dzieła staną się arcydziełami malarstwa światowego.

7. „Krzyk” Edvarda Muncha, 1893

„Krzyk” (norweski Skrik) to seria obrazów norweskiego artysty ekspresjonisty Edvarda Muncha, powstałych w latach 1893–1910. Przedstawiają krzyczącą z rozpaczy postać ludzką na tle krwistoczerwonego nieba i niezwykle uogólnionego tła pejzażowego. W 1895 roku Munch stworzył litografię na ten sam temat.

Czerwone, ogniście gorące niebo pokryło zimny fiord, co z kolei rodzi fantastyczny cień, podobny do pewnego potwór morski. Napięcie zniekształca przestrzeń, linie są łamane, kolory niespójne, perspektywa zniszczona.

Wielu krytyków uważa, że ​​fabuła obrazu jest owocem chorej wyobraźni osoby chorej psychicznie. Niektórzy widzą w dziele zapowiedź katastrofy ekologicznej, inni decydują, która mumia zainspirowała autora do stworzenia tego dzieła.

8. „Dziewczyna z perłą”. Jana Vermeera, 1665

Obraz „Dziewczyna z perłą” (Holandia: „Het meisje met de parel”) został namalowany około 1665 roku. W dany czas przechowywany w Muzeum Mauritshuis w Hadze w Holandii i jest wizytówka muzeum. Obraz, nazywany holenderską Mona Lisą lub Mona Lisą Północy, jest namalowany w gatunku Tronie.

Dzięki filmowi Petera Webbera „Dziewczyna z perłą” z 2003 roku ogromna liczba osób dalekich od malarstwa dowiedziała się o wspaniałym holenderskim artyście Johannesie Vermeerze, a także o jego najsłynniejszym obrazie „Dziewczyna z perłą”.

9. „Wieża Babel”. Pietera Bruegla, 1563

Słynny obraz artysty Pietera Bruegla. Artysta stworzył co najmniej dwa obrazy o tej tematyce.

Obraz znajduje się w Kunsthistorisches Museum w Wiedniu.

W Biblii jest opowieść o tym, jak mieszkańcy Babilonu próbowali zbudować wysoką wieżę, aby sięgnąć nieba, ale Bóg kazał im mówić różnymi językami, przestali się rozumieć, a wieża pozostała niedokończona.

10. „Algierskie kobiety”. Pabla Picassa, 1955

„Kobiety Algierii” to cykl 15 obrazów powstałych przez Picassa w latach 1954–1955 na podstawie obrazów Eugene'a Delacroix; obrazy wyróżniają się literami nadanymi przez artystę od A do O. „Wersja O” została namalowana 14 lutego 1955 roku; przez pewien czas należał do słynnego amerykańskiego kolekcjonera sztuki XX wieku Victora Ganza.

Obraz Pabla Picassa „Kobiety Algierii (wersja O)” został sprzedany za 180 milionów dolarów.

11. „Nowa planeta”. Konstantin Yuon, 1921

Rosyjski Malarz radziecki, mistrz krajobrazu, artysta teatralny, teoretyk sztuki. Akademik Akademii Sztuk Pięknych ZSRR. Artysta Ludowy ZSRR. Laureat Nagroda Stalina pierwszy stopień. Od 1951 członek Ogólnounijnej Partii Komunistycznej.

Ten niesamowity obraz „Nowa planeta”, powstały w 1921 roku i wcale nie typowy dla realistycznego artysty Yuona, jest jednym z jasne prace, ucieleśniając obraz zmian, jakie nastąpiły w drugiej dekadzie XX wieku Rewolucja Październikowa. Nowy system, nowy sposób I nowy wygląd myśląc o nowo powstającym społeczeństwie sowieckim. Co teraz czeka ludzkość? Świetlana przyszłość? Wtedy o tym nie myśleli, ale co sowiecka Rosja a cały świat wkracza oczywiście w erę zmian, podobnie jak szybkie narodziny nowej planety.

12. „Madonna Sykstyńska”. Rafael Santi, 1754

Obraz Rafaela, znajdujący się od 1754 roku w Galerii Starych Mistrzów w Dreźnie. Należy do powszechnie uznawanych szczytów wysokiego renesansu.

Obraz o ogromnych rozmiarach (265 × 196 cm, jak wskazuje rozmiar obrazu w katalogu Galerii Drezdeńskiej), został wykonany przez Rafaela na ołtarz kościoła klasztoru św. Sykstusa w Piacenzy, na zlecenie papieża Juliusz II. Istnieje hipoteza, że ​​obraz powstał w latach 1512-1513 na cześć zwycięstwa nad Francuzami, którzy najechali Lombardię podczas wojen włoskich i późniejszego włączenia Piacenzy do Państwa Kościelnego.

13. „Pokutująca Maria Magdalena”. Tycjan (Tiziano Vecellio), namalowany około 1565 roku

Obraz namalowany około 1565 roku Włoski artysta Tycjan Vecellio. Należy Państwowe Muzeum Ermitażu w Petersburgu. Czasami jako datę powstania podaje się „lata 60. XVI wieku”.

Modelką obrazu była Julia Festina, która zadziwiła artystę burzą złocistych włosów. Gotowe płótno zrobiło na księciu Gonzagi ogromne wrażenie, dlatego zdecydował się zamówić jego kopię. Później Tycjan, zmieniając tło i pozę kobiety, napisał jeszcze kilka podobnych prac.

14. „Mona Lisa”. Leonardo Da Vinci, 1503-1505

Portret pani Lisy del Giocondo (wł. Ritratto di Monna Lisa del Giocondo) - obraz Leonarda da Vinci, znajdujący się w Luwrze (Paryż, Francja), jedno z najsłynniejszych dzieł malarstwa na świecie, za które uważa się portret Lisy Gherardini, żony florenckiego kupca jedwabiu Francesco del Giocondo, malowany około 1503-1505.

Według jednej z proponowanych wersji „Mona Lisa” jest autoportretem artystki.

15. „Poranek w sosnowym lesie”, Szyszkin Iwan Iwanowicz, 1889.

Malarstwo rosyjskich artystów Iwana Szyszkina i Konstantina Sawickiego. Savitsky malował niedźwiedzie, ale kolekcjoner Paweł Tretiakow usunął swój podpis, tak że autor obrazu często jest wskazywany sam.

Pomysł na obraz podsunął Szyszkinowi Savitsky, który później był współautorem i przedstawił postacie niedźwiadków. Te niedźwiedzie, z pewnymi różnicami w pozach i liczbie (początkowo były dwa), pojawiają się w rysunki przygotowawcze i szkice. Savitsky tak dobrze wyhodował zwierzęta, że ​​nawet podpisał obraz razem z Szyszkinem.

16. „Nie spodziewaliśmy się tego.” Ilja Repin, 1884–1888

Obraz rosyjskiego artysty Ilji Repina (1844-1930), namalowany w latach 1884-1888. Jest częścią kolekcji Państwowej Galerii Trietiakowskiej.

Obraz prezentowany na XII wystawie objazdowej wpisuje się w cykl narracyjny poświęcony losom rosyjskiego rewolucyjnego populisty.

17. „Bal w Moulin de la Galette”, Pierre Auguste Renoir, 1876.

Obraz namalowany przez francuskiego artystę Pierre'a Auguste'a Renoira w 1876 roku.

Miejscem, w którym znajduje się obraz jest Musée d’Orsay. Moulin de la Galette jest niedroga cukinia na Montmartrze, gdzie gromadziła się młodzież studencka i pracująca Paryża.

18. „Gwiaździsta noc”. Vincenta Van Gogha, 1889.

De sterrennacht- obraz holenderskiego artysty Vincenta van Gogha, namalowany w czerwcu 1889 roku, przedstawiający widok przedświtowego nieba nad fikcyjnym miasteczkiem ze wschodniego okna domu artysty w Saint-Rémy-de-Provence. Od 1941 r. przechowywany jest w Muzeum Sztuka współczesna w Nowym Jorku. Uważany za jedno z najlepszych dzieł Van Gogha i jedno z najbardziej znanych znaczące dzieła Malarstwo zachodnie.

19. „Stworzenie Adama”. Michał Anioł, 1511.

Fresk Michała Anioła, namalowany około 1511 roku. Fresk jest czwartym z dziewięciu kompozycje centralne sufit Kaplica Sykstyńska.

„Stworzenie Adama” to jedna z najwybitniejszych kompozycji malarstwa Kaplicy Sykstyńskiej. Bóg Ojciec leci w nieskończonej przestrzeni, otoczony bezskrzydłymi aniołami, w zwiewnej białej tunice. Prawa ręka wyciągnięta w stronę dłoni Adama i prawie jej dotyka. Ciało Adama leżące na zielonej skale stopniowo zaczyna się poruszać i budzi się do życia. Cała kompozycja skupia się na geście dwóch rąk. Ręka Boga daje impuls, a ręka Adama go przyjmuje, przekazując go całemu ciału energia życiowa. Przez to, że ich ręce się nie stykają, Michał Anioł podkreślił niemożność połączenia tego, co boskie i ludzkie. W obrazie Boga, zgodnie z planem artysty, króluje nie cudowna zasada, ale gigantyczna energia twórcza. Na obraz Adama Michał Anioł celebruje siłę i piękno Ludzkie ciało. Tak naprawdę nie pojawia się przed nami samo stworzenie człowieka, ale moment, w którym otrzymuje on duszę, żarliwe poszukiwanie boskości, głód wiedzy.

20. „Pocałunek w gwiaździstym niebie”. Gustaw Klimt, 1905-1907

Obraz austriackiego artysty Gustava Klimta, namalowany w latach 1907-1908. Płótno należy do okresu twórczości Klimta, zwanego „złotym”, ostatni kawałek autora w jego „złotym okresie”.

Na skale, na skraju kwietnej łąki, w złotej aurze, zakochani stoją całkowicie w sobie zanurzeni, odgrodzeni od całego świata. W związku z niepewnością miejsca wydarzeń wydaje się, że ukazana na zdjęciu para przechodzi w kosmiczny stan niepodlegający czasowi i przestrzeni, po drugiej stronie wszelkich historycznych i społecznych stereotypów oraz kataklizmów. Całkowita samotność i odwrócona twarz mężczyzny tylko podkreślają wrażenie izolacji i oderwania w stosunku do obserwatora.

Źródło – Wikipedia, muzei-mira.com, say-hi.me

20 obrazów, które każdy powinien znać (historia malarstwa) aktualizacja: 23 listopada 2016 r. przez: strona internetowa

Bryulłow Karol Pawłowicz- wybitny malarz rosyjski. Profesor Akademii Sztuk Pięknych w Petersburgu (od 1836), członek honorowy akademii w Mediolanie, Bolonii, Florencji i Parmie.
Urodził się w zrusyfikowanej niemieckiej rodzinie w Petersburgu (ojciec przyszłego mistrza sam był snycerzem) 12 (23) 1799 r. Studiował w Akademii Sztuk Pięknych (1809–1821), w szczególności u A. I. Iwanowa ( ojciec A. A. Iwanowa). W latach 1823–1835 Karl Bryullov pracował we Włoszech, udając się tam jako „emeryt” Towarzystwa Zachęty Sztuki i doświadczając głębokiego wpływu sztuki starożytnej, a także włoskiego renesansu i baroku.
Włoskie obrazy Bryullova przepojone są zmysłową błogością. W tym okresie ostatecznie ukształtował się jego talent rysownika. Jest także mistrzem portretu świeckiego, przekształcając swoje obrazy w światy promiennej, „niebiańskiej” urody. Artysta powrócił do ojczyzny w 1835 roku jako żywy klasyk.
Ważnym obszarem jego twórczości były także monumentalne projekty projektowe, w których udało mu się organicznie połączyć talenty dekoratora i dramatopisarza.
Coraz słabszy chorobą, od 1849 roku Bryullov mieszkał na Maderze, a od 1850 roku we Włoszech. Bryulłow zmarł w miejscowości Mandziana (niedaleko Rzymu) 23 czerwca 1852 r.

Portret Wielka Księżna Elena Pawłowna z córką Marią, 1830 r

Jeździec, 1832

„Dziewczyna zbierająca winogrona” 1827

„Portret hrabiny Julii Samoilovej z adoptowaną córką”

„Śmierć Inessy de Castro” 1834

Portret M. A. Becka z córką, 1840 r

Erminia z pasterzami

Portret dzieci Wołkonskich z czarną miłością, 1843

Portret hrabiny Julii Pawłownej Samoilovej ze swoją uczennicą i blackamoorem, 1832-1834

Portret hrabiny O.I. Orłowej-Davydovej z córką, 1834 r

Portret Teresy Michele Tittoni z synami, 1850-1852

Wenecjanow Aleksiej Gawrilowicz- Rosyjski malarz Pochodzenie greckie, jeden z założycieli gatunek codzienny w malarstwie rosyjskim.
Z rodzina kupiecka Twerskie usta. Urodzony w Moskwie 7 lutego 1780 r.
Będąc w młodości urzędnikiem, był zmuszony w dużej mierze samodzielnie studiować sztukę, kopiując obrazy z Ermitażu. W latach 1807-1811 pobierał lekcje malarstwa u V. L. Borovikovsky'ego.
Uważany za twórcę rosyjskiej karykatury drukowanej. Podczas Wojna Ojczyźniana W 1812 r. wraz z I. I. Terebenevem stworzył serię obrazów propagandowych i satyrycznych na temat powszechnego oporu wobec francuskich okupantów.
Od 1811 Venetsianov jest członkiem honorowym Akademii Sztuk Pięknych.
Po przejściu na emeryturę w 1819 r. Venetsianov A.G. osiedlił się we wsi. Safonowka, rejon Wyszniewolotski, obwód Twerski, gdzie zaczął malować obrazy rodzajowe z życia wiejskiego o idyllicznym charakterze.
Założona w jego wiosce Szkoła Artystyczna, w którym przeszkolonych zostało ponad 70 malarzy. Venetsianov wraz z V. A. Żukowskim i K. P. Bryullowem przyczynili się do uwolnienia T. G. Szewczenki z pańszczyzny.

Zacharka, 1825

Oto obiad ojca, 1824

Portret A. A. Venetsianovej, córki artysty, 1825-1826

Śpiący Pasterz, 1823-182

Chłopskie dzieci na polu, lata 20. XIX w.

Portret Nastenki Chawskiej, 1826

Chłop zakładający sandały, lata 20. XIX w.

Kiprensky Orest Adamowicz- rosyjski artysta, malarz i grafik, mistrz malarstwo portretowe.
Urodzony 13 marca (24) 1782 r. W dworze Nieżyńskim (obecnie obwód leningradzki). Prawdopodobnie było Nieślubnym synem właściciel gruntu A.S. Dyakonova. Rok po jego urodzeniu jego matka, chłopka pańszczyźniana, wyszła za mąż za chłopa pańszczyźnianego Adama Schwalbe. Nazwisko Kiprensky zostało wymyślone.
Kiedy chłopiec miał sześć lat, Dyakonov dał mu wolność i wysłał do szkoły edukacyjnej w Akademii Sztuk Pięknych w Petersburgu.
Dziewięć lat później Kiprensky został przyjęty do klasy malarstwa historycznego, która wówczas była brana pod uwagę najwyższy gatunek Dzieła wizualne.
W 1805 r. O. A. Kiprensky podsumowuje swoje studia w akademii obrazem „Dmitrij Donskoj o zwycięstwie nad Mamai”, za który otrzymał Wielką Nagrodę złoty medal oraz prawo do wyjazdów za granicę. Jednak ze względu na działania militarne armii napoleońskich rejs ten musiał zostać przełożony.
Po ukończeniu Akademii portret stał się głównym przedmiotem twórczości artysty. Kiprensky O. A. jako jeden z pierwszych w Rosji zaczął opracowywać kompozycję portretową, w której prestiż społeczny i klasowy modela został ostatecznie zastąpiony zainteresowaniem osobowością człowieka, uznaniem jego własnej wartości. W rzeczywistości jest jednym z twórców stylu romantycznego w malarstwie rosyjskim.
Kiprensky mieszka w Moskwie (1809), Twerze (1811), Petersburgu (od 1812).
W tym okresie najbardziej znane prace w jego twórczości znajdują się: portrety chłopca A. A. Cheliszczewa (1810-1811), E.D. Dawidow (1809), E.P. Rostopchina (1809), PA Olenin (1813), małżonkowie V. S. Chwostow i D. N. Chwostowa (1814) i V. A. Żukowski (1816) itp.
W 1816 r. O. A. Kiprensky wyjechał za granicę. Podróż służbowa do Włoch okazała się dla malarza owocna. Został zasypany rozkazami. Doceniając kunszt rosyjskiego artysty, Galeria Uffizi we Florencji zamówiła dla niego autoportret (1820).
DO najlepsze prace Do tego okresu zalicza się obraz „Włoski ogrodnik” (1817), portrety A.M. Golicyna (ok. 1819 r.) i E.S. Avdulina (około 1822 r.) itp.
Należy wspomnieć o „Portrecie Mariucci”, który odegrał rolę w losach artysty znacząca rola. Wzorem dla niego była urocza dziewczyna Mariuccie Falkucci. Jej matka nie była inna w sposób godnyżycie. Kiprensky opuszczając Włochy, kupił Mariuccię od rozpustnej matki i umieścił ją w klasztornej szkole z internatem.
Rosja przyjęła artystę nieprzyjaźnie. Jednak w 1824 r., Po kolejnej publicznej wystawie w Akademii Sztuk Pięknych, gdzie Kiprensky pokazał swoje prace, przywrócono mu reputację.
W 1827 roku artysta namalował słynny portret A.S. Puszkin. „Widzę siebie jak w lustrze, Ale to lustro mi schlebia…” – napisał w przesłaniu wdzięczności słynny poeta.
W 1828 r. O. A. Kiprensky ponownie wyjechał do Rzymu, gdzie poślubił swoją byłą uczennicę Mariuccię. Aby się ożenić, musiał w tajemnicy przejść na katolicyzm. Jednakże życie rodzinne nie przyniosło artyście szczęścia. Nie stworzył już nic znaczącego.
17 października 1836 roku Orest Adamowicz Kiprensky zmarł w Rzymie na zapalenie płuc i tam został pochowany w kościele Sant’Andrea delle Fratte. Po jego śmierci urodziła się jego córka Clotilde.

Dziewczyna w makowym wianku z goździkiem w dłoni (Mariuccia)

Chłopcy rybacy z Neapolu

Neapolitańska dziewczyna z owocami

Portret Awdotyi Iwanowna Mołczanowej z córką Elżbietą, 1814 r

Matka z dzieckiem (Portret Madame Pres?)

Portret AA Cheliszczewa, 1808 - początek 1809

<Tropinin Wasilij Andriejewicz- rosyjski artysta, akademik, przedstawiciel romantyzmu w rosyjskich sztukach pięknych, mistrz portretu.
Urodzony we wsi Karpowka (prowincja nowogrodzka) 19 marca (30) 1776 r. w rodzinie poddanych hrabiego A. S. Minicha; Później został oddany do dyspozycji hrabiego II Morkowa jako posag dla córki Minicha.
Tropinin V. A. Już jako chłopiec wykazał się umiejętnością rysowania, ale mistrz wysłał go do Petersburga, aby studiował jako cukiernik. Uczęszczał na zajęcia w Akademii Sztuk Pięknych, najpierw potajemnie, a od 1799 r. – za pozwoleniem Morkowa; Na studiach poznałem O. A. Kiprensky’ego.
W 1804 roku właściciel wezwał młodego artystę do siebie i odtąd mieszkał on na przemian na Ukrainie, w nowej marchwiowej posiadłości Kukawka, a następnie w Moskwie, jako malarz pańszczyźniany.
W 1823 r. Tropinin V.A. otrzymał wolność i tytuł akademika, porzucając jednak karierę w Petersburgu, pozostał w Moskwie. ()

Chłopiec z toporem, 1810 r

Portret Arseniusza Wasiljewicza Tropinina, około 1818 r

Portret chłopca, lata 20. XIX w

Portret V.I. Erszowa z córką, 1831 r

Chłopak z litością

Portret księcia Michaiła Aleksandrowicza Oboleńskiego (?) w dzieciństwie, ok. 1812 r

Chłopiec ze szczygłem, 1825

Dziewczynka z lalką, 1841

Chłopiec z martwym szczygiełkiem, 1829

Portret Dmitrija Pietrowicza Wojkowa z córką Barbarą Dmitriewną i Angielką Miss Forty, 1842

<Makowski Konstantin Jegorowicz(20.06 (2.07.1839 - 17 (30.09.1915), artysta rosyjski, członek zwyczajny Akademii Sztuk Pięknych w Petersburgu (1898).
Urodzony w Moskwie, w rodzinie jednego z organizatorów Moskiewskiej Szkoły Malarstwa, Rzeźby i Architektury, E. I. Makowskiego. Starszy brat artysty Władimira Makowskiego.
Studiował w MUŻHWZ (1851-58) u S. K. Zaryanki i w Akademii Sztuk Pięknych (od 1858).
Jeden z uczestników „buntu czternastu” (Kramskoj, Korzukhin, Lemokh, Venig, Grigoriev itp.), Konstantin Makovsky opuścił Akademię Sztuk Pięknych w 1863 r., Stając się jednym z członków Artelu Artystów, a następnie został członkiem Stowarzyszenia Wędrowców (zobacz artyści Wędrowcy).
Twórczość Konstantina Makowskiego można podzielić na dwa etapy. W latach 60. i 70. XIX w., pod wpływem idei Pieriedwiżników, zwrócił się ku scenom z życia ludowego („Dziewczyna śledziowa” 1867, „Buki na placu Admiralicji” 1869, oba obrazy w Państwowym Muzeum Rosyjskim w Petersburgu, „ Mali kataryniarze przy płocie zimą” 1868, zbiory prywatne).
Za punkt zwrotny w twórczości artysty można uznać podróż do Egiptu i Serbii (połowa lat 70. XIX w.). Po tym wydarzeniu Makowski zaczął coraz bardziej skłaniać się ku akademizmowi („Powrót świętego dywanu z Mekki do Kairu”, 1876, Muzeum Rosyjskie).
W 1883 roku nastąpiło ostateczne zerwanie z Wędrowcami. Od tego momentu malował głównie spektakularne wizualnie portrety i sceny o charakterze gatunkowo-historycznym (portret żony artysty, 1881, „Obrzęd pocałunku”, 1895, oba w Muzeum Rosyjskim; „Książę Repnin na uczcie z Iwanem Groźnym, ” Regionalne Muzeum Sztuki w Irkucku). Obrazy Konstantina Makowskiego odniosły ogromny sukces w wyższych sferach. Był jednym z najbardziej cenionych artystów tamtych czasów.
Konstantin Jegorowicz Makowski zginął w wypadku (tramwaj zderzył się z załogą) w 1915 roku w Petersburgu. Artysta pozostawił po sobie ogromną spuściznę artystyczną.

Dzieci uciekające przed burzą, 1872 r

Chłopski obiad na polu. 1871

Portret syna w warsztacie

Mali kataryniarze przy płocie zimą, 1868

W pracowni artysty, 1881

Portret rodzinny Wołków

Księżniczka Maria Nikołajewna

Portret dzieci artysty, 1882

Portret rodzinny, 1882

Dzieci pana Balashova

Opowieści dziadka. 1881(?)

Anegdociarz

<Makowski Władimir Jegorowicz(26 stycznia (7 lutego) 1846, Moskwa - 21 lutego 1920, Piotrogród) - wybitny rosyjski artysta, akademik (1873), członek zwyczajny petersburskiej Akademii Sztuk (1893).
Jeden z największych mistrzów gatunku codziennego w malarstwie realistycznym XIX wieku.
Urodzony w Moskwie, w rodzinie jednego z organizatorów Moskiewskiej Szkoły Malarstwa, Rzeźby i Architektury, E. I. Makowskiego. Brat K.E. Makovsky'ego.
Od 1861 do 1866 Władimir studiował w Moskiewskiej Szkole Malarstwa, Rzeźby i Architektury u następcy szkoły Wenecjanowa S.K. Zaryanko, E.S. Sorokina i samego V.A. Tropinina.
Studia ukończył ze srebrnym medalem i tytułem klasowego artysty III stopnia za pracę „Czytanie Literackie”. W tym okresie, który zbiegł się z powstaniem realistycznego gatunku codziennego w malarstwie rosyjskim, określono jego kierunek twórczy.
W 1869 roku za obraz „Chłopcy strzegący koni” Makowski otrzymał tytuł „artysty klasowego pierwszego stopnia ze złotym medalem Vigee-Lebruna za ekspresję”. W 1873 r. Za obraz „Miłośnicy słowika” V. E. Makovsky został awansowany na stanowisko akademika przez Akademię Sztuk Pięknych.
Od 1872 członek Stowarzyszenia Objazdowych Wystaw Artystycznych.
Od 1894 r. Makovsky V. E. mieszkał w Petersburgu. Z powodzeniem działał także jako ilustrator książek i czasopism oraz pedagog (od 1882 wykładał w Moskiewskiej Szkole Malarstwa i Malarstwa, a następnie w Akademii Sztuk Pięknych).

W swojej twórczości V. E. Makovsky kontynuował i rozwijał najlepsze tradycje twórców rosyjskiego gatunku - A. G. Venetsianova i V. A. Tropinina, wybitnych rosyjskich artystów gatunkowych P. A. Fedotova i V. G. Perova.

Chłopiec sprzedający kwas chlebowy, 1861 r

Spotkanie, 1883

Chłopi chłopscy, 1880

Z deszczu, 1887

Gra Babci, 1870

Pasterki, 1903

Rybaczki, 1886

Chłopskie dzieci, 1890

Chłopi pilnujący koni w nocy, 1869

<Perow Wasilij Grigoriewicz- malarz rosyjski, mistrz malarstwa codziennego, portrecista, malarz historyczny.
Urodzony w Tobolsku 21 lub 23 grudnia 1833 r. (2 lub 4 stycznia 1834 r.). Był nieślubnym (ponieważ jego rodzice pobrali się już po jego urodzeniu) synem miejscowego prokuratora, barona G. K. Kridenera, a nazwisko „Perov” nadał przyszłemu artyście jako przydomek jego nauczyciel umiejętności czytania i pisania, skromny kościelny.
Część dzieciństwa spędził w Arzamas, gdzie uczył się w szkole A.V. Stupina (1846-1849, z przerwami).
W 1853 wstąpił do Moskiewskiej Szkoły Malarstwa i Rzeźby. Nauczycielami Perowa byli Scotty M.I., Mokritsky A.N., Zaryanko S.K., kolega z klasy i przyjaciel - Pryanishnikov I.M.
W 1858 r. jego obraz „Przybycie Stavoya do śledztwa” (1857) został nagrodzony Dużym Srebrnym Medalem, następnie otrzymał Mały Złoty Medal za obraz „Pierwsza ranga. Syn sekstona, awansowany na sekretarza kolegialnego” ( 1860, miejsce nieznane). Pierwsze prace Perowa odniosły duży sukces na wystawach. Na konkurs dyplomowy V. G. Perow przygotował obraz „Kazanie we wsi” (1861, Galeria Trietiakowska). Autor został odznaczony Wielkim Złotym Medalem i prawem do wyjazdów zagranicznych.
Po wyjeździe za granicę artysta osiadł w Paryżu. Jednak „nie znając ani ludzi, ich sposobu życia, ani charakteru”, Perow nie widział korzyści z pracy we Francji i poprosił o pozwolenie na powrót do domu przed planowanym terminem. Otrzymał pozwolenie na dalszą emeryturę w Rosji i w 1864 roku przybył do Moskwy.
Perow V. G. wszedł do historii sztuki jako lider ruchu krytycznego w rosyjskim malarstwie codziennym lat 60. XIX wieku, łącząc w swojej twórczości sympatię dla „upokorzonych i obrażonych” oraz gniewny patos satyrycznej twarzy rządzących. Twórczość artysty wywarła znaczący wpływ na rozwój sztuki rosyjskiej, zwłaszcza moskiewskiej, drugiej połowy XIX wieku.
Był jednym z członków-założycieli Stowarzyszenia Wędrowców (1870).
W latach 1871–1882 V. G. Perow wykładał w Moskiewskiej Szkole Malarstwa, Rzeźby i Architektury, gdzie wśród jego uczniów byli N. A. Kasatkin, S. A. Korovin, M. V. Nesterov, A. P. Ryabushkin.
Perow V.G. zmarł we wsi Kuzminki (w tamtych latach - pod Moskwą) 29 maja (10 czerwca) 1882 r. ()

Odprawianie zmarłego

Śpiące dzieci

Trójka

Dziewczyna z dzbankiem

Chłopiec rzemieślnik wpatrujący się w papugę

Wędkarstwo

<Korzuchin Aleksiej Iwanowicz(1835 - 1894) - rosyjski malarz gatunkowy. Przyszły artysta urodził się 11 marca (23) 1835 roku w fabryce Uktus (obecnie Jekaterynburg) w rodzinie pańszczyźnianego handlarza złotem. Wcześnie odkrył swoje zdolności artystyczne. Już w młodości malował portrety bliskich i brał udział w malowaniu ikon dla miejscowego kościoła Przemienienia Pańskiego (lata 40. XIX w.).
W 1857 roku Korzukhin przybył do Petersburga, a rok później został studentem Akademii Sztuk Pięknych. Tutaj studiował od 1858 do 1863. Jego obraz „Pijany ojciec rodziny” został nagrodzony przez Akademię Małym Złotym Medalem w 1861 roku. Odmówił jednak rywalizacji o wielki złoty medal i prawo do wyjazdu emerytalnego: wraz z innymi uczestnikami słynnego buntu czternastu lat w 1863 roku opuścił Akademię i został członkiem Artelu Artystów (szczególnie m.in. , Konstantin Makovsky, Lemokh itp.).
W 1868 roku za obraz „Powrót ojca rodziny z jarmarku” Korzukhin otrzymał tytuł akademika Akademii Sztuk Pięknych.
Członek założyciel Partnerstwa Wędrowców: jego podpis znajdował się na Statucie Partnerstwa, przyjętym przez rząd w 1870 r.
Twórczość Korzukhina nie ograniczała się tylko do malarstwa rodzajowego. Artysta malował także portrety i często realizował zamówienia kościelne ( brał udział w dekoracji malowniczej katedry Chrystusa Zbawiciela, malowaniu katedry w Yelets oraz wykonał szereg obrazów dla katedry w Rydze).
Zabójstwo cesarza Aleksandra II przez Narodną Wolę w charakterze mimowolnego świadka, którym malarz stał się w 1881 roku, wywołało dla niego ogromny szok i poważnie odbiło się na zdrowiu artysty. Kontynuował jednak aktywną pracę twórczą.
Aleksiej Iwanowicz Korzukhin zmarł w Petersburgu 18 (30) października 1894 r.

Powrót z miasta

Chłopskie dziewczyny zagubione w lesie

Ptasi wrogowie

Dziewczyna

Babcia z wnuczką

Na skraju chleba

Głównym źródłem wiedzy jest strona internetowa webstarco.narod.ru, uzupełniona reprodukcjami z różnych galerii sztuki: arttrans.com.ua, rita-redsky.livejournal.com i wielu innych.

Rosyjska kultura artystyczna, której początki rozpoczęły się od klasycyzmu, nabrała potężnego brzmienia ludowego, ponieważ wysoki klasycyzm, który znalazł odzwierciedlenie w malarstwie, stopniowo przechodził od romantyzmu do realizmu w rosyjskiej sztuce pięknej. Współcześni szczególnie docenili kierunek malarstwa artystów rosyjskich, w którym dominował gatunek historyczny z naciskiem na tematykę narodową.

Ale jednocześnie w sztuce malarstwa historycznego nie nastąpiły żadne znaczące zmiany w porównaniu z mistrzami drugiej połowy XVIII wieku i od samego początku historii portretu rosyjskiego. Rosyjscy artyści często dedykowali swoje prace prawdziwym bohaterom starożytnej Rusi, których wyczyny zainspirowały ich do malowania płócien historycznych. Rosyjscy malarze początku XIX wieku ustalili własną zasadę opisu portretów i obrazów, rozwijając własne kierunki w malarstwie, w przedstawianiu człowieka i natury, wskazując na całkowicie niezależną koncepcję figuratywną.

Rosyjscy artyści w swoich obrazach odzwierciedlali różne ideały wzniesienia narodowego, stopniowo porzucając surowe zasady klasycyzmu narzucone przez fundacje akademickie. XIX wiek charakteryzował się rozkwitem malarstwa rosyjskiego, w którym rosyjscy artyści pozostawili potomnym niezatarty ślad w historii rosyjskiej sztuki pięknej, przepojony duchem wszechstronnej refleksji nad życiem narodu.

Najwięksi badacze malarstwa rosyjskiego w ogóle zauważają wybitną rolę w wysokim rozkwicie twórczości wielkich rosyjskich artystów i sztuk pięknych XIX wieku. Osiągnięcia i podboje malarstwa XIX wieku, w których pokazali się artyści krajowi, mają ogromne znaczenie i wyjątkową wartość w sztukach pięknych; obrazy tworzone przez rosyjskich artystów zawsze wzbogacały rosyjską kulturę.

Znani artyści XIX wieku

(1782-1836) Wspaniale i subtelnie namalowane portrety artysty Kiprensky'ego przyniosły mu sławę i prawdziwe uznanie wśród współczesnych. Jego prace Autoportret, A. R. Tomiłowa, I. W. Kusow, A. I. Korsakow 1808 Portret chłopca Chelishchev, Golitsin A. M. 1809 Portret Denisa Davydova, 1819 Dziewczyna z wiankiem makowym, najbardziej udany portret A. S. Puszkina i innych z 1827 roku.

Jego portrety odzwierciedlają piękno emocji, wyrafinowany wewnętrzny świat obrazów i stan umysłu. Współcześni porównywali jego twórczość z gatunkami poezji lirycznej, poetyckim oddaniem przyjaciołom, co było powszechne w czasach Puszkina.

Kiprensky pod wieloma względami odkrył dla siebie nowe możliwości w malarstwie. Każdy z jego portretów wyróżnia się nową strukturą obrazową, dobrze dobranymi światłami i cieniami oraz zróżnicowanym kontrastem. Orest Kiprensky to wybitny mistrz sztuki portretowej, który zyskał szczególną sławę wśród rosyjskich artystów.

(1791-1830) Mistrz rosyjskiego romantyzmu pejzażowego i lirycznej interpretacji natury. Na ponad czterdziestu swoich obrazach Szczedrin przedstawiał widoki Sorento. Wśród nich godne uwagi są obrazy przedstawiające dzielnicę Sorrento. Wieczór, Nowy Rzym „Zamek Świętego Anioła”, Promenada Mergellina w Neapolu, Wielki Port na wyspie Capri itp.

Całkowicie poddając się romansowi krajobrazu i naturalnemu środowisku percepcji, Szczedrin niejako rekompensuje swoimi obrazami spadek zainteresowania ówczesnych artystów pejzażem.

Szczedrin doświadczył świtu swojej kreatywności i uznania. Po ukończeniu Akademii Sztuk Pięknych w Petersburgu w 1818 roku przybył do Włoch i spędził ponad 10 lat w Rzymie, Neapolu, Amalfi i Sorento, gdzie spędził ostatnie miesiące życia. Po krótkim, ale twórczym życiu Szczedrin nigdy nie mógł wrócić do Rosji.

(1776-1857) Wybitny artysta rosyjski, pochodzący z chłopów pańszczyźnianych. Do jego słynnych dzieł należą obrazy: Koronkarka, także Portret Puszkina A.S., rytownik E.O. Skotnikova, Stary człowiek - żebrak, wyróżniający się jasną kolorystyką Portret syna artysty. Obrazy Przędzarki, Złotnika z 1826 r., dzieła te szczególnie przykuły uwagę współczesnych. 1846

Tropinin wypracował własny, niezależny figuratywny styl portretowania, charakteryzujący specyficzny moskiewski gatunek malarstwa. W tym czasie Tropinin stał się centralną postacią moskiewskiego beau monde; jego twórczość znalazła szczególne odzwierciedlenie w latach 20. i 30., co przyniosło mu sławę.

Jego miękko malowane portrety wyróżniają się wysokimi walorami malarskimi i łatwością percepcji; wizerunki ludzkie są postrzegane z charakterystyczną prawdomównością i spokojem, bez większego wewnętrznego podniecenia.

(1780-1847) Twórca gatunku chłopskiej codzienności w malarstwie rosyjskim, Jego słynny portret Żniwiarza, malarstwo > Żniwiarze, Dziewczyna w chustce, Wiosna na polach uprawnych, Chłopka z chabrami, Zacharka i inne. Szczególny nacisk można położyć na obraz Gumno, który przyciągnął uwagę cesarza Aleksandra I, którego poruszyły żywe obrazy chłopów, zgodnie z prawdą przekazane przez artystę.

Artysta kochał zwykłych ludzi, odnajdując w tym pewien liryzm, co znalazło odzwierciedlenie w jego obrazach ukazujących trudne życie chłopa. jego najlepsze dzieła powstały w latach 20. XX wieku. Venetsianov jest mistrzem portretów i karykatur wykonanych pastelami, ołówkiem i olejem.

Styl jego twórczości to uczeń Borovikovsky'ego. Na jego obrazach pojawiają się najzwyklejsze i najprostsze sceny z życia wsi: chłopi przy codziennej i trudnej pracy, proste dziewczęta pańszczyźniane przy żniwach, czy też mężczyźni przy sianokosie lub orce. Szczególnie duże jest znaczenie twórczości Venetsianova w sztukach wizualnych, jednego z pierwszych, który ustanowił gatunek ludowy, chłopski.

(1799-1852) Mistrz malarstwa historycznego, jego obraz Ostatni dzień w Pompejach w zamęcie, skazani na zagładę mieszkańcy uciekają przed furią wulkanu Wezuwiusz. Obraz zrobił ogromne wrażenie na współczesnych. Po mistrzowsku maluje obrazy świeckie, Jeźdźca i portrety, wykorzystując jasne momenty kolorystyczne w kompozycji obrazu „Hrabina Yu. P. Samoilova”.

Jego obrazy i portrety komponowane są z kontrastów światła i cienia. . Pod wpływem tradycyjnego akademickiego klasycyzmu Karl Bryullov nadał swoim obrazom autentyczność historyczną, ducha romantycznego i prawdę psychologiczną.

Bryullov był wspaniałym mistrzem portretów ceremonialnych, w których wyraźnie podkreślał charakterystyczne cechy osoby.W innych portretach używa bardziej powściągliwej kolorystyki, portretu wybitnego rosyjskiego rzeźbiarza I.P. Witalija, poety N.V. Kukolnika, pisarza A.N. Strugovshchikova. W portretach ceremonialnych przewyższył wielu artystów swoich czasów.

(1806-1858) Znakomity mistrz gatunku historycznego. Przez około dwie dekady Iwanow pracował nad swoim głównym obrazem „Pojawienie się Chrystusa ludziom”, podkreślając swoje żarliwe pragnienie przedstawienia przyjścia Jezusa Chrystusa na ziemię. W początkowej fazie są to obrazy Apolla, Hiacynta i Cyprysa 1831-1833, Pojawienie się Chrystusa Marii Magdalenie po zmartwychwstaniu w 1835 roku.

W swoim krótkim życiu Iwanow stworzył wiele obrazów, do każdego obrazu namalował wiele szkiców pejzaży i portretów. Do ojczyzny powrócił w 1858 roku, gdzie zmarł z powodu choroby.

Iwanow to człowiek o niezwykłej inteligencji, zawsze starał się ukazać w swoich dziełach elementy ruchów ludowych w historii Rosji i głęboko wierzył w wielką przyszłość Matki Rosji. Wyprzedzając czas poszukiwań rosyjskiego malarstwa realistycznego, twórczość wielkiego artysty pozostawiła dla potomności niezatarty ślad jego umiejętności.

(1815-1852) Mistrz kierunku satyrycznego w malarstwie, który położył podwaliny pod realizm krytyczny w gatunku codziennym. Świeży kawaler 1847 i Wybredna panna młoda 1847,