Artyści europejscy przełomu XIX i XX wieku. Kultura artystyczna Europy XIX wieku. To ciekawe wiedzieć

Sztuka Europy Zachodniej pierwsza połowa XIX wieku.

Historia XIX wieku otwiera nie rok kalendarzowy 1801, ale rok 1789. Wielka Rewolucja Francuska (1789-99), która zniszczyła monarchię i ustanowiła republikę, na długi czas zdeterminowała rozwój kultury europejskiej. Wolność, równość i braterstwo. Jednak minęło niecałe pięć lat, zanim wolność przerodziła się w despotyzm, idea równości doprowadziła do masowych egzekucji, a w imię braterstwa wszystkich ludzi rozpoczęły się wojny podboju. A jednak głównym odkryciem stulecia była świadomość wyjątkowej wartości osoby ludzkiej.

W sztuce pierwszej połowy XIX w. rywalizowały dwa kierunki - neoklasycyzm i romantyzm. Powstanie neoklasycyzmu upadł w latach Wielkiej Rewolucji Francuskiej i okresie panowania Napoleona I. Styl ten dominował w architekturze, sztukach pięknych i zdobniczych w pierwszych trzech dekadach XIX wieku. Dla ówczesnych ludzi życie starożytnych Greków i Rzymian było nie tylko ideałem piękna, ale także modelem świata, który próbowali budować. Nowy kierunek w kulturze europejskiej - romantyzm(francuski romantyzm) – wyrażał poglądy młodszego pokolenia przełom XVIII-XIX w., przeżył rozczarowanie truizmami Oświecenia. Świat romantyków jest tajemniczy, sprzeczny i nieograniczony; artysta musiał ucieleśnić tę różnorodność w swojej twórczości. Najważniejsze w dziele romantycznym są uczucia i wyobraźnia autora. Dla artysty romantycznego w sztuce istniały i nie mogły istnieć prawa: wszak wszystko, co stworzył, rodziło się w głębi jego duszy. Jedyną zasadą, jaką przestrzegał, była wierność sobie, szczerość języka artystycznego. Często twórczość romantyków szokowała społeczeństwo całkowitym odrzuceniem panujących gustów, zaniedbaniem i niekompletnością.

Architektura

W pierwszej połowie XIX wieku nastąpił w Europie rozwój urbanistyczny na niespotykaną dotychczas skalę. Większość stolic europejskich – Paryż, Petersburg, Berlin – zyskała swój charakterystyczny wygląd; wzrosła rola budynków użyteczności publicznej w ich zespołach architektonicznych. Neoklasycyzm w pierwszej połowie XIX wieku. doświadczyła późnego kwitnienia. W połowie stulecia głównym problemem architektury europejskiej było poszukiwanie stylu. W wyniku romantycznej fascynacji antykiem wielu mistrzów próbowało wskrzesić tradycje architektury przeszłości – w ten sposób neogotycki, neorenesansowy, neobarok . Wysiłki architektów często prowadziły do ​​​​tego eklektyzm - mechaniczne łączenie elementów różnych stylów, starych z nowymi.

Architektura Francji

Podczas Wielkiej Rewolucji Francuskiej we Francji nie zbudowano ani jednej trwałej konstrukcji. To była era budynków tymczasowych. W sztuce napoleońskiej Francji dominującą rolę pozostał neoklasycyzm, jednocześnie formy architektoniczne nabrały szczególnej przepychu i powagi, a skala budownictwa stała się imponująca. Neoklasycyzm od czasów Napoleona I nazywany był Imperium (cesarstwo francuskie – „imperium”). Miał symbolizować wielkość i potęgę władzy stworzonej przez generała Bonaparte. Głównym przedsięwzięciem architektonicznym Napoleona była odbudowa Paryża.

Gabriela Jacques’a Ange’a (1698-1782) - największy architekt Francji w XVIII wieku. Jeden z twórców neoklasycyzmu.

Umieść Ludwika XV (Place de la Concorde) w Paryżu. 1753-75

Petit Trianon w Wersalu. 1762-64

Zamek Compiegne. 1751-88

Szkoła wojskowa w Paryżu. 1751-75

Soufflo Jacques Germain (1713-1780) Architekt francuski.

Przedstawiciel neoklasycyzmu.

Jeana Lepera i Jacques’a Gondoina – architekci francuscy.

Kolumna triumfalna na Place Vendôme została wzniesiona na rozkaz Napoleona na cześć zwycięstwa wojsk francuskich pod Austerlitz. Początkowo nazywała się „Austerlitz”, później przemianowano ją na „Kolumnę Zwycięstw”, a jeszcze później – „Kolumnę Wielkiej Armii”.

Kolumna Triumfalna na Place Vendôme w Paryżu.

1806-10 Wysokość 44 m; szerokość podstawy 3,67 m

Kościół św Genevieve (Panteon) w Paryżu. 1757-90

Architektura Anglii

W architekturze Anglii już w pierwszej połowie XVIII wieku. Ugruntował się styl neogotycki. Jednym z jego najbardziej imponujących przykładów był zespół parlamentu w Londynie (z lat 1840-1868), architekt Sir Charlesa Barry’ego (1795-1860)

Parlament.1840-68.

Architekt Jeana Francois Chagrina .

Łuk Triumfalny na Place Carousel w Paryżu.

1806-07 (17,6 x 10 x 14,6 m (długość, głębokość, wysokość)).

Architekci C. Percier, P.F.L. Fontaine’a.

Łuk Triumfalny na Place Charles de Gaulle w Paryżu.

1806-37 Wysokość 50 m, szerokość 45 m

Łuk Triumfalny na Place de la Carousel, znany również jako brama wjazdowa do Pałacu Tuileries, został wzniesiony na rozkaz Napoleona dla upamiętnienia wielkich zwycięstw oręża francuskiego. Płaskorzeźby zdobiące łuk przedstawiają sceny zwycięstw armii napoleońskiej pod Ulm i Austerlitz. Do 1815 roku łuk zwieńczony był rydwanem Zwycięstwa z brązu, który wcześniej zdobił fasadę katedry San Marco w Wenecji, następnie zastąpiono go kwadrygą autorstwa rzeźbiarza F.J. Bosio.

Łuk triumfalny Wielkiej Armii postawiono w centrum przyszłego Place des Stars (obecnie Place Charles de Gaulle) na rozkaz Napoleona na cześć zwycięstwa cesarza francuskiego w bitwie pod Austerlitz (1805) nad połączonymi siłami Austrii i Rosji. Jego pylony z lat 30. XIX wiek zdobione były rzeźbiarskimi płaskorzeźbami; w tym słynna kompozycja Franciszek Ruda (1784-1855) „Występ ochotników w 1792 r. (Marsylianka)” (1833-36). Pod łukiem od 1921 roku znajduje się grób Nieznanego Żołnierza, uczestnika I wojny światowej.

Architektura Niemiec Największy ośrodek architektury w Niemczech pierwszej połowy XIX wieku. był Berlin. Rozwój niemieckiej szkoły architektonicznej tego okresu w dużej mierze zdeterminował twórczość dwóch mistrzów - Karl Friedrich Schinkel (1781-1841) i Leo von Klenze (1784-1864).

Stare Muzeum. 1824-28 Łuk. K. F. Schinkla.

Berliński Teatr Dramatyczny, 1819. Arch. K.F. Schinkel.

Nowa wartownia.1816-18. Łuk. K. F. Schinkla.

Kościół Wendera. 1824 W Berlinie. arch. K.F. Schinkel.

Rzeźba europejska początku XIX wieku.

Rzeźba europejska przeżyła krótki rozkwit na początku XIX wieku. Ale już w latach 20. ustąpił miejsca upadkowi i stagnacji. Dominujący i najbardziej owocny Neoklasycyzm pozostał stylem. Zainteresowanie sztuką starożytnej Grecji i Rzymu było powszechne, a posiadanie słynnych arcydzieł starożytnych stało się ważną kwestią ówczesnej polityki międzynarodowej.

Romantyzm wprowadził do rzeźby zainteresowanie osobowością; O jego wpływie świadczą liczne pomniki wielkich ludzi przeszłości, wznoszone w różnych miastach Europy w latach 20-30 XX wieku. XIX wiek W ogóle rzeźba ze swoim uogólnionym językiem artystycznym nie była w stanie pomieścić całej gamy wrażeń z życia, które zmieniało się dosłownie na naszych oczach. Malarstwo stało się główną sztuką XIX wieku, a rzeźba miała długą drogę do przebycia drogą małostkowego i nudnego naturalizmu, aż do lat 80-tych. francuski mistrz Auguste Rodin nie powrócił do swojego wysokiego celu.

Canova Antonio (1757-1822) -Włoski rzeźbiarz i malarz.

Thorvaldsen Bertel (1768/1770-1844)- duński rzeźbiarz.

Schadow Johann Gottfried (1754-1850) Rzeźbiarz niemiecki, przedstawiciel neoklasycyzmu.

Dedal i Ikar. 1777-79

Kwadryga z figurą Zwycięstwa na Bramie Brandenburskiej w Berlinie. 1793

Pomnik Mikołaja Kopernika w Warszawie. 1829-30

Tezeusz i Minotaur. 1781-83

Ganimedes karmiący orła Zeusa. 1817

Księżniczka Fryderyka. 1795

Malarstwo Hiszpanii Po okresie rozkwitu w XVII wieku malarstwo hiszpańskie przeżyło upadek. Jej artyści pracowali pod wpływem tradycji włoskiej i francuskiej, a ich płótna były słabe i odtwórcze. W drugiej połowie XVIII w. Zmiany nastąpiły w Hiszpanii. Król Karol III (1759-88) z francuskiej dynastii Burbonów, jak na swoje czasy, wyznawał postępowe poglądy. Jego doradcy, próbując przekształcić kraj w duchu idei oświeceniowych, przeprowadzili reformy ograniczające władzę Kościoła. W tym czasie ukształtował się talent Francisco Goya (1746-1828) – malarz hiszpański

Portret księżnej Alby. 1797

Sprzedawca naczyń. 1778

Rodzina króla Karola IV. 1800

Malarstwo Francji

W pierwszej połowie XIX w. Francuska szkoła malarstwa umocniła swój prymat w sztuce Europy Zachodniej. Theodore Gericault i Eugene Delacroix twórczo przejęli swoją swobodną manierę i kolor, przygotowując narodziny impresjonizmu, a tym samym całego współczesnego malarstwa. Na początku XIX wieku. powszechnie uznanym liderem wśród artystów francuskich był Jacques Louis David (1748-1825) – najkonsekwentniejszy przedstawiciel neoklasycyzmu w malarstwie i wrażliwy kronikarz swoich burzliwych czasów. Twórczość Davida ma wyraźną orientację dziennikarską, artysta stara się wyrazić heroiczne ideały poprzez obrazy starożytności

Gericault Teodor (1791-1824) - Francuski malarz i grafik.

Założyciel ruchu romantycznego w sztukach pięknych.

Oficer konnych strażników gwardii cesarskiej,

przystępujemy do ataku. 1812

Tratwa „Meduza”. 1818-19

Delacroix Eugeniusz (1798-1863) - francuski malarz i grafik. Szef ruchu romantycznego w sztukach pięknych.

Tangerscy fanatycy. 1837-38

Wolność prowadząca lud (Wolność na barykadach). 1830

David Jacques Louis (1746-1825) – malarz francuski. W epoce przedrewolucyjnej we Francji największy przedstawiciel tzw. „rewolucyjnego” klasycyzmu.

Przysięga Horatii. 1784

Napoleon przekraczający Świętego Bernarda. 1800

Ingres Dominik (1780-1867) - Francuski malarz, rysownik i muzyk. Przedstawiciel francuskiego neoklasycyzmu. Ingres jest genialnym mistrzem gatunku portretu. Oprócz portretów tworzył obrazy o tematyce biblijnej, mitologicznej, alegorycznej i literackiej.

Gros Jean Antoine (1771-1835) - Francuski malarz i grafik. Oficjalny malarz Napoleona I, kronikarz eposu napoleońskiego, który uwiecznił jego najważniejsze kamienie milowe. Tworzył portrety i obrazy batalistyczne, inspirowane duchem bohaterstwa.

Napoleon na polu bitwy pod Eylau. 1808

Hrabina d'Haussonville, 1845.

Księżniczka de Broglie. 1851-53

Malarstwo Niemiec

Niemcy na początku XIX wieku. przeżył gwałtowny wzrost społeczno-polityczny. Opór wobec podbojów Napoleona i wojny wyzwoleńczej 1813 r. sprawił, że niemiecki patriotyzm stał się powszechny, a poddani trzystu niemieckich państw karłowatych urzeczywistnili się jako jeden naród. W tamtych latach w Niemczech panowała silna fascynacja średniowieczem, wzrosło zainteresowanie narodową historią i kulturą. Niemcy odegrały wyjątkową rolę w historii romantyzmu – ruchu w kulturze europejskiej końca XVIII – pierwszej połowy XIX wieku.

Runge Philipp Otto (1777-1810) - Niemiecki malarz, grafik i teoretyk sztuki. Jeden z twórców i największy mistrz romantyzmu w malarstwie niemieckim.

Odpoczynek w drodze do Egiptu. 1805-06

Portret żony artysty. 1807

Portret rodziców artysty z wnukami. 1806

Fryderyk Caspar Dawid (1774-1840) - niemiecki malarz, rysownik i rytownik. Przedstawiciel romantyzmu. Malarz krajobrazu.

Gigantyczne góry. 1835

Śmierć „Nadeżdy” w lodzie. 1824

Pływające chmury. Około 1820 roku

Malarstwo biedermeierowskie Biedermeier (niem. Biedermeier) to styl w sztuce Niemiec i Austrii, który rozwinął się w latach 10-40 XX wieku. XIX wiek Jej nazwę nadano parodii humorystycznych wierszy L. Eichrodta i A. Kussmaula, opublikowanych w latach 1855-57. w jednym z monachijskich magazynów. Ich fikcyjny autor, nauczyciel Gottlieb Biedermeier, to skromny człowiek ulicy: zadowolony z siebie, sentymentalny, pechowy, miłośnik spokojnego życia i wygody. Malarstwo biedermeierowe charakteryzuje się niewielkim formatem płócien, starannym i subtelnym sposobem malowania, z reguły brakiem akcji w przedstawianych scenach i upodobaniem do drobnych szczegółów. Biedermeier opanował artystyczne doświadczenie romantyzmu z jego poetyckim spojrzeniem na świat, czasem zabarwionym ironią, ale jednocześnie wygładził skrajności tego stylu, „oswoił” go zgodnie z bezkonfliktową naturą przeciętnego człowieka. Mistrzowie biedermeieru próbowali swoich sił w portretach, pejzażach i innych gatunkach, ale najwyraźniejszym wyrazem tego stylu było malarstwo domowe.

Waldmüller Ferdinand Georg (1793-1865) malarz austriacki. Jeden z największych mistrzów malarstwa europejskiego połowy XIX wieku. Typowy przedstawiciel biedermeieru.

Bukiet w zabytkowym kraterze. Około 1840 roku

Krajobraz górski w pobliżu Mödling. 1859

Nazarejczycy ( Niemiecki Nazarejczyk), oficjalny „Unia św. Łukasza” (niemiecki) Łukaszbund)

- grupowanie Niemieccy i austriaccy artyści romantyczni XIX wieku, którzy próbowali wskrzesić styl mistrzów średniowiecza i wczesnego renesansu, skupiając się na sztuce XV wieku. Większość ich płócien to obrazy o tematyce chrześcijańskiej, historycznej lub alegorycznej, ich styl jest dziedzictwem klasycyzmu i reakcją na niego pod wpływem ideologii romantyzmu. Czołowymi postaciami ruchu byli Friedricha Overbecka i Petera Corneliusa.

Johanna Friedricha Overbecka ( 1789 - 1869 ) - niemiecki artysta, grafik i ilustrator.

Cykl fresków dla Domu Bartholdi w Rzymie

Petera Josepha von Corneliusa ( 1783 - 1867 ) - Niemiecki artysta.

Mądre i głupie panny. OK. 1813

Karczma, ok. 1820 r

Malarstwo Anglii

W malarstwie angielskim dominującą pozycję utrzymała przez całą pierwszą połowę XIX wieku szkoła akademicka, której podwaliny założył w XVIII w. pierwszy prezes Królewskiej Akademii Sztuk Joshua Reynolds. Jednak najbardziej zauważalnym zjawiskiem tamtych lat był pejzaż, który w środowisku akademickim był postrzegany jako gatunek drugorzędny, nieistotny. Z jednej strony pragnienie realnego odzwierciedlenia świata, afirmacja samoistnej wartości prostych wiejskich krajobrazów, a z drugiej natury jako świata namiętności i gwałtownych przeżyć – wszystko to znalazło żywy wyraz w twórczości Angielscy artyści. Sztuka angielska wkroczyła w erę romantyzmu.

Williama Blake’a (1757-1827) -Angielski poeta, artysta, ilustrator. Blake, złożony i niejednoznaczny, był postacią ikoniczną swoich czasów, ucieleśnieniem ducha romantyzmu.

Twórca wszechświata.

Fronton do wiersza „Europa”. 1794

Szkoda. Około 1795 r

Konstabl Jan (1776-1837) - Malarz angielski. Constable przedstawił codzienną okolicę w całej jej świeżości i spontaniczności, odtwarzając cześć środowiska wypełnionego światłem.

Wózek z sianem. 1821

Biały koń. 1819

Williama Turnera (1775-1851) - angielski malarz sięgnął po tematykę biblijną, mitologiczną i historyczną, ujawniając zamiłowanie do romantycznej fantazji, do ucieleśnienia dramatycznej walki sił natury i do przekazywania niezwykłych efektów świetlnych.

Mola w Calais. Francuzi przygotowują się do wypłynięcia w morze: przybywa angielski statek pasażerski. 1803

Statek niewolników. 1840

Ostatni rejs statku „Brave”. 1838

O sztuce pierwszej połowy XIX wieku. pod wpływem Wielkiej Rewolucji Francuskiej (1789–1799), wojny z Napoleonem i wojny z Hiszpanią. W tym okresie nastąpił ogromny postęp w nauce. Główne style: styl Empire, romantyzm, realizm francuski.

W architekturze pierwszej połowy XIX wieku neoklasycyzm przeżywał swój ostatni rozkwit. W połowie stulecia głównym problemem architektury europejskiej było poszukiwanie stylu. W wyniku romantycznej fascynacji antykiem wielu mistrzów próbowało wskrzesić tradycje architektury przeszłości – tak powstał neogotyk, neorenesans i neobarok. Wysiłki architektów często prowadziły do ​​eklektyzmu – mechanicznego łączenia elementów różnych stylów, starych i nowych. W architekturze dominuje budowa fabryk, biur, budynków mieszkalnych, domów towarowych, sal wystawowych, bibliotek, dworców kolejowych, krytych targowisk, banków itp. Banki zdobią starożytne greckie portyki, domy towarowe - gotyckimi ostrołukowymi oknami i wieżami . Fabrykom nadano wygląd zamków.

19.1.1 Sztuka Francji

Architektura. Podczas Wielkiej Rewolucji Francuskiej we Francji nie zbudowano ani jednej trwałej konstrukcji. Była to era budynków tymczasowych, najczęściej drewnianych. Na początku rewolucji Bastylia została zniszczona, a pomniki królów zburzone. W 1793 roku zamknięto akademie królewskie, w tym Akademię Architektury. Zamiast tego pojawiło się Krajowe Jury Sztuki i Republikański Klub Sztuki, których głównymi zadaniami była organizacja masowych uroczystości oraz projektowanie paryskich ulic i placów.

Na Place de la Bastille wzniesiono pawilon z napisem: „Tutaj tańczą”. Plac Ludwika XV został nazwany Placem Rewolucji i został uzupełniony łukami triumfalnymi, Statuami Wolności i fontannami z emblematami. Pola Marsowe stały się miejscem zgromadzeń publicznych z Ołtarzem Ojczyzny w centrum. Inwalidów i katedra stały się świątynią ludzkości. Ulice Paryża ozdobiły się nowymi pomnikami.

Również w latach Rewolucji Francuskiej powstała Komisja Artystyczna, która zajmowała się upiększaniem miasta i planowanymi zmianami w jego wyglądzie. Odegrał znaczącą rolę w historii architektury.

Styl Empire zdominował sztukę napoleońskiej Francji. Głównym przedsięwzięciem architektonicznym Napoleona była odbudowa Paryża: miała ona połączyć średniowieczne dzielnice z systemem alei przecinających miasto na osi wschód-zachód. Powstały: Avenue des Champs Eysées, Rue de Rivoli, kolumna triumfalna na Place Vendôme (1806–1810, architekci Jean Baptiste Leper, Jacques Gondoin), bramy wejściowe do Pałacu Tuileries (1806–1807, architekci C. Percier, P. F. L. Fontaine), łuk triumfalny Wielkiej Armii (1806–1837, architekci Jean François Challen i in.).

Obraz. W pierwszej połowie XIX w. Francuska szkoła malarstwa umocniła swój prymat w sztuce Europy Zachodniej. Francja wyprzedziła inne kraje europejskie w demokratyzacji życia artystycznego. Od 1791 roku prawo udziału w wystawach w Salonie w Luwrze otrzymali wszyscy autorzy, niezależnie od przynależności do akademii. Od 1793 roku sale Luwru zostały otwarte dla szerokiej publiczności. Państwowe wykształcenie akademickie zostało zastąpione szkoleniem w prywatnych warsztatach. Władze sięgnęły po bardziej elastyczne metody polityki artystycznej: szczególny zakres nabrała dystrybucja dużych zamówień na dekorację budynków użyteczności publicznej.

Przedstawicielami malarstwa francuskiego romantyzmu są David, Ingres, Gericault, Delacroix, Gros.

Jacques’a Louisa Davida (1748–1825) – najkonsekwentniejszy przedstawiciel neoklasycyzmu w malarstwie. Studiował w Królewskiej Akademii Malarstwa i Rzeźby w latach 1775–1779. odwiedził Włochy. W 1781 roku David został przyjęty na członka Akademii Królewskiej i otrzymał prawo do udziału w jej wystawach - Salonach Luwru. W 1792 roku Dawid został wybrany do Konwentu, najwyższego organu ustawodawczego i wykonawczego Pierwszej Republiki.

Już w 1776 roku opracowano program rządowy zachęcający do tworzenia dużych obrazów. Dawid otrzymał zamówienie na obraz przedstawiający wyczyn trzech braci ze szlacheckiego rodu Horatii – „Przysięga Horatii” (1784). Akcja obrazu rozgrywa się na dziedzińcu starożytnego rzymskiego domu: strumień światła leje się z góry na bohaterów obrazu, otaczając ich oliwkowoszarym półmrokiem. Całość kompozycji opiera się na liczbie trzy: trzy łuki (w każdy z łuków wpisana jest jedna lub więcej postaci), trzy grupy postaci, trzej synowie, strzelnica mieczowa, trzy kobiety. Gładkie kontury grupy kobiet kontrastują z gołymi liniami postaci wojowników.

W latach 1795–1799 David pracował nad obrazem ze swoimi uczniami „Kobiety Sabine powstrzymujące bitwę pomiędzy Rzymianami a Sabinkami”. Artystka ponownie wybrała wątek współczesny: legenda o kobietach, które przerwały wojnę między Rzymianami (ich mężami) a Sabinami (ich ojcami i braćmi), brzmiała wówczas we Francji jako wezwanie do pokoju społecznego. Jednak ogromny obraz, przeładowany liczbami, wywołał jedynie kpiny ze strony publiczności.

W 1812 wyjechał do Brukseli, gdzie mieszkał aż do śmierci. Malował portrety i prace na tematy starożytne - „Śmierć Marata” (1793), „Portret Madame Recamier” (1800). Obraz „Śmierć Marata” został ukończony przez artystę w niecałe trzy miesiące i zawisł w sali posiedzeń Konwencji. Marat został zadźgany nożem w swoim mieszkaniu przez szlachciankę imieniem Charlotte Corday. W chwili śmierci Marat siedział w wannie: z powodu choroby skóry był zmuszony do pracy i przyjmowania gości. Połatane prześcieradła i proste drewniane pudełko, które zastąpiło stół, nie są wymysłem artysty. Jednak sam Marat, którego ciało zostało zniekształcone przez chorobę, pod pędzlem Dawida zamienił się w szlachetnego sportowca, podobnego do starożytnego bohatera. Prostota oprawy nadaje spektaklowi szczególną tragiczną powagę.

Na wielkim zdjęciu „Koronacja Napoleona I i cesarzowej Józefiny w katedrze Notre Dame, 2 grudnia 1804”. (1807) David stworzył kolejny mit - blask ołtarza i przepych strojów dworzan działają na widza nie gorzej niż nędzne meble i stare prześcieradła Marata.

Jean Auguste Dominique Ingres(1780–1867) był zwolennikiem ideałów klasycznych, artystą oryginalnym, wolnym od fałszu, nudy i rutyny. W 1802 roku otrzymał Nagrodę Rzymską i prawo wyjazdu do Włoch. W 1834 roku został dyrektorem Akademii Francuskiej w Rzymie. Osiągnął najwyższe mistrzostwo w gatunku portretu - „Portret Riwiery”.

Ingres starał się przekazać w malarstwie dekoracyjne możliwości różnych rodzajów dawnej sztuki, na przykład wyrazistość sylwetek starożytnego greckiego malarstwa wazowego - „Edyp i Sfinks” (1808) I „Jowisz i Tetyda” (1811).

Na monumentalnym płótnie „Ślub Ludwika XIII z prośbą o opiekę Matki Bożej dla Królestwa Francji” (1824), naśladował styl malarski Rafaela. Zdjęcie przyniosło Ingresowi pierwszy poważny sukces. Na obrazie „Odaliska i niewolnik” (1839) wybrał kompozycję bliską „Algierskim kobietom w ich izbach” Delacroix i rozwiązał ją po swojemu. Pstrokata, wielobarwna kolorystyka płótna powstała w wyniku zamiłowania artysty do miniatur orientalnych. W 1856 Ingres ukończył obraz "Źródło", wymyślony przez niego w latach 20-tych. we Włoszech. Pełne wdzięku, kwitnące ciało dziewczyny ucieleśnia czystość i hojność świata przyrody.

Teodora Gericaulta(1791–1824) – twórca rewolucyjnego romantyzmu w malarstwie francuskim. Pierwszą pracą wystawioną na Salonie jest „Oficer konnych strażników gwardii cesarskiej wyruszający do ataku” („Portret porucznika R. Dieudonne”, 1812). Dzielny jeździec na płótnie nie pozuje, ale walczy: szybka przekątna kompozycji przenosi go w głąb obrazu, w niebieskofioletowy żar bitwy. W tym czasie dowiedziała się o klęsce armii Napoleona Bonaparte w Rosji. Uczucia Francuzów, znających gorycz porażki, znalazły odzwierciedlenie w nowym obrazie młodego artysty - „Ranny kirasjer opuszczający pole bitwy” (1814).

W latach 1816–1817 Gericault mieszkał we Włoszech. Artystę szczególnie zafascynowały wyścigi konne na oklep w Rzymie. W serii obrazkowej „Bieg wolnych koni” (1817) dostępna jest zarówno wyrazista precyzja reportażu, jak i powściągliwy heroizm w duchu neoklasycznym. W tych pracach ostatecznie ukształtował się jego indywidualny styl: mocne, surowe formy przekazują duże, poruszające się plamy światła.

Po powrocie do Paryża artysta stworzył obraz „Tratwa Meduzy” (1818–1819). W lipcu 1816 roku w pobliżu Wysp Zielonego Przylądka statek Medusa pod dowództwem niedoświadczonego kapitana, który otrzymał stanowisko pod patronatem, osiadł na mieliźnie. Następnie kapitan i jego świta odpłynęli łodziami, pozostawiając tratwę ze stu pięćdziesięcioma marynarzami i pasażerami na łasce losu, z czego przeżyło tylko piętnaście osób. W filmie Gericault szukał maksymalnej wiarygodności. Przez dwa lata poszukiwał ludzi, którzy przeżyli tragedię w oceanie, wykonywał szkice w szpitalach i kostnicach oraz malował szkice morza w Le Havre. Tratwę na jego obrazie unosi fala, widz od razu widzi wszystkich skulonych na niej ludzi. Na pierwszym planie postacie zmarłych i zrozpaczonych; są pomalowane w naturalnej wielkości. Widok tych, którzy jeszcze nie popadli w rozpacz, skierowany jest na dalszy brzeg tratwy, gdzie Afrykanin stojący na chwiejnej beczce macha załodze Argusa czerwoną chusteczką. Rozpacz lub nadzieja wypełniają dusze pasażerów tratwy Meduza.

W latach 1820–1821 Gericault odwiedził Anglię. Pisał pod wpływem dzieł Constable'a „Wyścigi w Epsom” (1821). Obraz przesiąknięty jest ruchem: konie pędzą, ledwo dotykają ziemi, ich postacie łączą się w jedną szybką linię; poruszają się niskie chmury, ich cienie poruszają się po mokrym polu. Wszystkie kontury w krajobrazie są zamazane, kolory zamazane. Gericault pokazał świat widziany oczami dżokeja na galopującym koniu.

Eugeniusz Deacroix(1798–1863) – malarz francuski. Podstawą malarstwa Delacroix są kolorowe plamy, które tworzą harmonijną całość; Każde miejsce, oprócz własnego koloru, zawiera odcienie sąsiadów.

Delacroix namalował swój pierwszy obraz oparty na fabule „Boskiej komedii” Dantego - „Dante i Wergiliusz” (Łódź Dantego) (1822). Delacroix stworzył obraz „Masakra Chios” (1824) pod wpływem wydarzeń rewolucji wyzwoleńczej w Grecji 1821–1829. We wrześniu 1821 r. Tureckie siły karne zniszczyły ludność cywilną Chios. Na pierwszym planie obrazu znajdują się postacie skazanych na zagładę Chianów w kolorowych łachmanach; tłem są ciemne sylwetki uzbrojonych Turków. Większość jeńców jest obojętna na swój los, jedynie dzieci na próżno błagają rodziców, aby ich chronili. Turecki jeździec ciągnący za sobą Greczynkę wygląda jak swego rodzaju symbol zniewolenia. Inne postacie są nie mniej symboliczne: nagi ranny Grek – jego krew spływa na suchą ziemię, a obok leży złamany sztylet i worek opróżniony przez zbójców.

Po wydarzeniach lipca 1830 roku w Paryżu Delacroix stworzył obraz „Wolność prowadząca lud (28 lipca 1830)”. Artysta nadał prostemu epizodowi walk ulicznych ponadczasowy, epicki wydźwięk. Rebelianci wznoszą się na barykadę odbitą wojskom królewskim, a na ich czele stoi sama Liberty. Krytycy postrzegali ją jako „skrzyżowanie kupca i starożytnej greckiej bogini”. Jest tu styl romantyczny: Wolność ukazana jest jako bogini zwycięstwa, wznosi trójkolorowy sztandar Republiki Francuskiej; Za nimi podąża uzbrojony tłum. Teraz wszyscy są żołnierzami Wolności.

W 1832 roku Delacroix towarzyszył misji dyplomatycznej do Algierii i Maroka. Po powrocie do Paryża artysta stworzył obraz „Algierskie kobiety w swoich komnatach” (1833). Kobiece figury są zaskakująco elastyczne. Złoto-ciemne twarze są delikatnie zarysowane, ramiona gładko zakrzywione, kolorowe stroje wyróżniają się jasno na tle aksamitnych cieni.

Antoine’a Grosa (1771–1835) – francuski malarz, portrecista. Gro porzucił klasyczne wątki – pociągała go historia współczesna. Stworzył cykl obrazów poświęcony egipsko-syryjskiej wyprawie armii napoleońskiej (1798–1799) - „Bonaparte odwiedzający dotkniętego zarazą w Jaffie” (1804). Inne obrazy poświęcone Napoleonowi - „Napoleon na moście Arcole” (1797), „Napoleon na polu bitwy pod Eyau” (1808). Gros ukończył malowanie kopuły Panteonu w Paryżu w 1825 roku, zastępując wizerunek Napoleona postacią Ludwika XVIII.

Klasycyzm, styl artystyczny w sztuce europejskiej XVII–początku XIX w., którego jedną z najważniejszych cech było odwoływanie się do form sztuki antycznej jako idealnego standardu estetycznego i etycznego. Klasycyzm, który rozwinął się w intensywnie polemicznej interakcji z barokiem, uformował się w integralny system stylistyczny francuskiej kultury artystycznej XVII wieku.

Klasycyzm XVIII – początków XIX w. (w zagranicznej historii sztuki nazywany często neoklasycyzmem), który stał się stylem paneuropejskim, ukształtował się także głównie w łonie kultury francuskiej, pod silnym wpływem idei Oświecenia. W architekturze zdefiniowano nowe typy eleganckiej rezydencji, uroczystego budynku użyteczności publicznej, otwartego placu miejskiego (Gabriel Jacques Ange i Soufflot Jacques Germain), poszukiwanie nowych, nieuporządkowanych form architektury, dążenie do surowej prostoty w twórczości Ledoux Claude Nicolas antycypował architekturę późnej fazy klasycyzmu – Empire. Patos obywatelski i liryzm łączono w sztuce plastycznej (Pigal Jean Baptiste i Houdon Jean Antoine), pejzażach dekoracyjnych (Robert Hubert). Odważny dramatyzm obrazów historycznych i portretowych jest nieodłącznym elementem twórczości szefa francuskiego klasycyzmu, malarza Jacques’a Louisa Davida. W XIX wieku malarstwo klasycystyczne, mimo działalności poszczególnych wielkich mistrzów, jak Jean Auguste Dominique Ingres, przerodziło się w oficjalną apologetyczną lub pretensjonalną sztukę salonową o charakterze erotycznym. Międzynarodowym centrum europejskiego klasycyzmu XVIII i początków XIX wieku był Rzym, gdzie tradycje akademizmu z charakterystycznym dla niego połączeniem szlachetności form i zimnej idealizacji (niemiecki malarz Anton Raphael Mengs, rzeźbiarze: Włoch Antonio Canova i Dane Thorvaldsen Bertel) w dużej mierze zdominowany. Architekturę niemieckiego klasycyzmu charakteryzuje surowa monumentalność budowli Karla Friedricha Schinkla, natomiast malarstwo i rzeźbę kontemplacyjną i elegijną charakteryzują portrety Augusta i Wilhelma Tischbeinów oraz rzeźba Johanna Gottfrieda Schadowa. W angielskim klasycyzmie wyróżniają się antyczne budowle Roberta Adama, palladiańskie osiedla parkowe Williama Chambersa, niezwykle surowe rysunki J. Flaxmana i ceramika J. Wedgwooda. Własne wersje klasycyzmu rozwinięte w kulturze artystycznej Włoch, Hiszpanii, Belgii, krajów skandynawskich i USA; Klasycyzm rosyjski z lat 60.–1840. XIX w. zajmuje poczesne miejsce w historii sztuki światowej.

Pod koniec pierwszej tercji XIX wieku niemal wszędzie zniknęła wiodąca rola klasycyzmu, którą zastąpiły różne formy architektonicznego eklektyzmu. Tradycja artystyczna klasycyzmu ożywa w neoklasycyzmie końca XIX i początku XX wieku.

Jean Auguste Dominique Ingres, (1780-1867) – artysta francuski, powszechnie uznawany za przywódcę europejskiego akademizmu XIX wieku.
W twórczości Ingresa szuka się czystej harmonii.
Studiował na Akademii Sztuk Pięknych w Tuluzie. Po ukończeniu akademii przeniósł się do Paryża, gdzie w 1797 roku został uczniem Jacques’a-Louisa Davida. W latach 1806-1820 studiował i pracował w Rzymie, następnie przeniósł się do Florencji, gdzie spędził kolejne cztery lata. W 1824 powrócił do Paryża i otworzył szkołę malarską. W 1835 powrócił do Rzymu jako dyrektor Akademii Francuskiej. Od 1841 roku do końca życia mieszkał w Paryżu.

Akademicyzm (francuski academisme) to kierunek w malarstwie europejskim XVII-XIX wieku. Malarstwo akademickie powstało w okresie rozwoju akademii artystycznych w Europie. Podstawą stylistyczną malarstwa akademickiego na początku XIX wieku był klasycyzm, a w drugiej połowie XIX wieku – eklektyzm.
Akademicyzm rozwijał się, podążając za zewnętrznymi formami sztuki klasycznej. Zwolennicy scharakteryzowali ten styl jako refleksję nad formą sztuki starożytnego świata i renesansu.

inż. Portrety rodziny Riviere. 1804-05

Romantyzm

Romantyzm- zjawisko generowane przez system burżuazyjny. Jako światopogląd i styl twórczości artystycznej odzwierciedla swoje sprzeczności: przepaść między tym, co powinno być, a tym, co jest, ideałem i rzeczywistością. Świadomość nierealizacji humanistycznych ideałów i wartości Oświecenia dała początek dwóm alternatywnym stanowiskom ideologicznym. Istotą pierwszego jest pogarda dla rzeczywistości podstawowej i wycofanie się w skorupę czystych ideałów. Istotą drugiego jest uznanie rzeczywistości empirycznej i odrzucenie wszelkich spekulacji na temat ideału. Punktem wyjścia romantycznego światopoglądu jest otwarte odrzucenie rzeczywistości, uznanie nieprzezwyciężalnej przepaści między ideałami a realną egzystencją, nieracjonalności świata rzeczy.

Cechuje ją negatywny stosunek do rzeczywistości, pesymizm, interpretacja sił historycznych jako znajdujących się poza realną codzienną rzeczywistością, mistyfikacja i mitologizacja. Wszystko to skłoniło do poszukiwania rozwiązania sprzeczności nie w świecie rzeczywistym, ale w świecie fantazji.

Romantyczny światopogląd obejmował wszystkie sfery życia duchowego - naukę, filozofię, sztukę, religię. Wyrażano to na dwa sposoby:

Pierwsza – w niej świat jawi się jako nieskończona, pozbawiona twarzy, kosmiczna podmiotowość. Twórcza energia ducha działa tu jako początek tworzący światową harmonię. Tę wersję romantycznego światopoglądu cechuje panteistyczny obraz świata, optymizm i wzniosłe uczucia.

Po drugie, podmiotowość człowieka rozpatrywana jest indywidualnie i osobowo, rozumiana jako wewnętrzny, zapatrzony w siebie świat człowieka skonfliktowanego ze światem zewnętrznym. Postawę tę cechuje pesymizm, lirycznie smutny stosunek do świata.

Pierwotną zasadą romantyzmu były „dwa światy”: porównanie i kontrast świata rzeczywistego i wyobrażonego. Sposobem wyrażenia tego dualnego świata była symbolika.

Symbolika romantyczna reprezentowała organiczne połączenie świata iluzorycznego i realnego, co objawiało się pojawieniem się metafor, hiperboli i porównań poetyckich. Romantyzm, mimo ścisłego związku z religią, charakteryzował się humorem, ironią i marzycielstwem. Romantyzm uznawał muzykę za wzór i normę dla wszystkich dziedzin sztuki, w której według romantyków wybrzmiewał sam pierwiastek życia, pierwiastek wolności i triumfu uczuć.

Na pojawienie się romantyzmu złożyło się wiele czynników. Po pierwsze, społeczno-polityczne: rewolucja francuska 1769-1793, wojny napoleońskie, wojna o niepodległość Ameryki Łacińskiej. Po drugie, gospodarcze: rewolucja przemysłowa, rozwój kapitalizmu. Po trzecie, ukształtował się pod wpływem klasycznej filozofii niemieckiej. Po czwarte, rozwijał się w oparciu i w ramach istniejących stylów literackich: oświeceniowego, sentymentalizmu.

Romantyzm rozkwitł w latach 1795-1830. - okres rewolucji europejskich i ruchów narodowowyzwoleńczych oraz romantyzmu ujawnił się szczególnie wyraźnie w kulturze Niemiec, Anglii, Rosji, Włoch, Francji i Hiszpanii.

W humanistyce duży wpływ miała tendencja romantyczna, a w naukach przyrodniczych, technice i praktyce tendencja pozytywistyczna.

Jean Louis André Theodore Gericault (1791-1824).
Przez krótki czas uczeń C. Verneta (1808-1810), a następnie P. Guerina (1810-1811), który był zirytowany jego sposobami przekazywania natury niezgodnymi z zasadami szkoły Jacques-Louis David i jego zamiłowanie do Rubensa, ale później rozpoznał racjonalne aspiracje Gericaulta.
Podczas służby w królewskich muszkieterach Gericault malował głównie sceny batalistyczne, ale po podróży do Włoch w latach 1817-19. wykonał duży i złożony obraz „Tratwa Meduzy” (znajdujący się w Luwrze w Paryżu), który stał się całkowitym zaprzeczeniem kierunku Dawida i wymownym głoszeniem realizmu. Nowatorstwo fabuły, głęboki dramatyzm kompozycji i żywotna prawda tego mistrzowsko napisanego dzieła nie zostały od razu docenione, ale wkrótce zyskało uznanie nawet wśród zwolenników stylu akademickiego i przyniosło artyście sławę utalentowanego i odważnego innowatora .

Tragiczne napięcie i dramat.W 1818 roku Géricault pracował nad obrazem „Tratwa Meduzy”, który zapoczątkował francuski romantyzm. Delacroix, pozując swojemu przyjacielowi, był świadkiem narodzin kompozycji, która przełamuje wszelkie utarte wyobrażenia o malarstwie. Delacroix wspominał później, że kiedy zobaczył ukończony obraz, „zaczął z zachwytu biec jak szalony i nie mógł się zatrzymać przez całą drogę do domu”.
Fabuła filmu oparta jest na prawdziwym zdarzeniu, które miało miejsce 2 lipca 1816 roku u wybrzeży Senegalu. Następnie na mieliźnie Argen, 40 mil od wybrzeża Afryki, rozbiła się fregata Medusa. 140 pasażerów i członków załogi próbowało uciec wchodząc na tratwę. Przeżyło ich tylko 15 i dwunastego dnia wędrówki zostali zabrani przez bryg Argus. Szczegóły podróży rozbitków zszokowały współczesną opinię publiczną, a samo zatonięcie przerodziło się w skandal we francuskim rządzie z powodu niekompetencji kapitana statku i niewystarczających prób ratowania ofiar.

Rozwiązanie obrazowe
Gigantyczne płótno zachwyca siłą wyrazu. Gericaultowi udało się stworzyć żywy obraz, łącząc w jednym obrazie umarłych i żywych, nadzieję i rozpacz. Film poprzedziła ogromna ilość pracy przygotowawczej. Gericault wykonał liczne szkice umierających w szpitalach i zwłok osób rozstrzelanych. „Tratwa Meduzy” była ostatnim ukończonym dziełem Gericaulta.
W 1818 roku, kiedy Géricault pracował nad obrazem „Tratwa Meduzy”, który zapoczątkował francuski romantyzm, Eugene Delacroix, pozując swojemu przyjacielowi, był świadkiem narodzin kompozycji, która przełamała wszelkie utarte wyobrażenia o malarstwie. Delacroix wspominał później, że kiedy zobaczył ukończony obraz, „zaczął z zachwytu biec jak szalony i nie mógł się zatrzymać przez całą drogę do domu”.

Reakcja publiczna
Kiedy Géricault wystawił na Salonie w 1819 roku „Tratwę Meduzy”, obraz wywołał oburzenie opinii publicznej, gdyż artysta, wbrew ówczesnym normom akademickim, nie posłużył się tak dużym formatem do przedstawienia postaci heroicznej, moralizującej czy klasycznej. temat.
Obraz został zakupiony w 1824 roku i obecnie znajduje się w sali 77 na pierwszym piętrze Galerii Denon w Luwrze.

Eugeniusza Delacroix(1798 - 1863) - francuski malarz i grafik, przywódca ruchu romantycznego w malarstwie europejskim.
Ale prawdziwymi uniwersytetami dla Delacroix były Luwr i komunikacja z młodym malarzem Theodorem Gericaultem. W Luwrze zafascynował się dziełami dawnych mistrzów. Można było tam wówczas zobaczyć wiele obrazów, które zostały zdobyte w czasie wojen napoleońskich i nie zostały jeszcze zwrócone właścicielom. Początkującego artystę najbardziej pociągali wielcy koloryści - Rubens, Veronese i Tycjan. Jednak największy wpływ na Delacroix miał Theodore Gericault.

W lipcu 1830 roku Paryż zbuntował się przeciwko monarchii Burbonów. Delacroix sympatyzował z rebeliantami, co znalazło odzwierciedlenie w jego „Wolności wiodącej lud” (w naszym kraju dzieło to znane jest również jako „Wolność na barykadach”). Wystawiony na Salonie w 1831 roku obraz wzbudził duże uznanie publiczności. Nowy rząd kupił obraz, ale natychmiast nakazał jego usunięcie, jego patos wydawał się zbyt niebezpieczny.

Antyczna martwa natura, „Bukiet z makiem”, Europa Zachodnia. Druga trzecia XIX wieku

Antyczna martwa natura „Bukiet z winogronami i brzoskwiniami”. Europa Zachodnia, 1839.

Krajobraz górski z ruinami zamku. Europa Zachodnia, 1846.

Wakacje w parku. Europa Zachodnia 1903

Portret dziewczynki. Europa Zachodnia, pierwsza połowa XIX wieku.

Winogrona i kwiaty. Europa Zachodnia, koniec XIX wieku.

Jabłka i winogrona. Zachodnia Europa. Pierwsza trzecia XX wieku

Vintage martwa natura z winogronami i owocami. Europa Zachodnia, 1869

Antyczne martwa natura z kwiatami. Europa Zachodnia, 1821

Antyczne martwa natura z goździkami. Europa Zachodnia, początek XX wieku.

Vintage martwa natura z melonem, jabłkami i winogronami. Europa Zachodnia, początek XX wieku.

Zabytkowy wazon martwa natura z chryzantemami. Europa Zachodnia, początek XX wieku.

Vintage martwa natura z winogronami i brzoskwiniami. Europa Zachodnia, 1876.

Vintage martwa natura wazon z dyniami. Europa Zachodnia, koniec XIX wieku.

Bitwa kawalerii angielskiej z piechotą francuską. Europa Zachodnia, druga połowa XIX wieku.

Antyczne martwa natura z wiśniami i winogronami. Europa Zachodnia, połowa XIX wieku.

Holenderski zimowy krajobraz. Europa Zachodnia, druga połowa X wieku.

Antyczna martwa natura: floks. Europa Zachodnia, początek XX wieku

Wał przeciwpowodziowy. Europa Zachodnia, koniec XIX wieku

Pejzaż morski. Europa Zachodnia, koniec XIX wieku

Antyczna martwa natura: astry w rzeźbionym drewnianym wazonie, Europa Zachodnia, początek XX wieku

Starożytna martwa natura: kwiaty na tle fontanny. Europa Zachodnia, Holandia, połowa XIX wieku

Starożytny obraz: „Holenderska martwa natura”. Europa Zachodnia, początek XVIII wieku

Antyczna martwa natura: bukiet kwiatów. Europa Zachodnia, koniec XIX wieku

Starożytny krajobraz: „Na brzegu jeziora”. Europa Zachodnia, 1894.

Starożytny obraz: „Leśny wodospad”. Europa Zachodnia, koniec XIX wieku.

Starożytny obraz: „Kankan”. Europa Zachodnia, początek XX wieku.

Starożytny obraz: „Chłopiec przy kuchence”. Europa Zachodnia, koniec XIX wieku.

Starożytny obraz: „Pejzaż z jeźdźcem”. Europa Zachodnia, koniec XVII wieku.

Antyczna martwa natura: tulipany w chińskim wazonie. Europa Zachodnia, początek XX wieku

Starożytny obraz: „Jesienny krajobraz”. Europa Zachodnia, początek XX wieku.

Antyczna martwa natura: „Kwiaty”. Europa Zachodnia, 1885.

Antyczna martwa natura: „Wazon z asterami i hortensjami”. Europa Zachodnia, początek XX wieku.

Starożytny obraz: „Pejzaż miejski”. Europa Zachodnia, druga połowa XIX wieku.

Starożytny obraz: „Bukiet chryzantem”. Europa Zachodnia, pierwsza połowa XX wieku.

Starożytny obraz: „Panorama Paryża z widokiem na Ile de la Cité”. Europa Zachodnia, 1840.

Antyczna akwarela: „Portret dzieci artysty” z obrazu Rubensa. Europa Zachodnia, lata 30. XIX w.

Starożytny obraz: „Na werandzie hotelu”. Europa Zachodnia, 1878.

Starożytny obraz: „Przy studni”. Europa Zachodnia, 1877.

Antyczna martwa natura: „Owoce i kwiaty”. Europa Zachodnia, 1886.

Malarstwo antyczne: „Wodospad w górach”. Europa Zachodnia, 1852.

Starożytny obraz: „Próbka wina”. Europa Zachodnia, koniec XIX wieku.

Starożytny obraz: „Łódź w Zatoce Neapolitańskiej”. Europa Zachodnia, koniec XIX wieku

Starożytny obraz: „Muszkieter z karafką wina”. Europa Zachodnia, początek XX wieku.

Malarstwo antyczne: „Wybrzeże Kornwalii”. Europa Zachodnia, początek XX wieku. Artysta: G. Berlau,

Starożytny obraz: „Dziedziniec Palazzo Vecchio we Florencji”. Europa Zachodnia, ostatnia ćwierć XIX wieku

Antyczna martwa natura: „Jesienne kwiaty w doniczkach”. Europa Zachodnia, druga połowa XIX wieku.

Starożytny obraz: „Port Holenderski”. Europa Zachodnia, Artysta: Jan KUYPERS

Starożytny obraz: „Karmistrz i muszkieterowie”. Europa Zachodnia, 1882.

Starożytny obraz: „Holenderska scena rodzajowa”. Europa Zachodnia, pierwsza połowa XIX wieku.

Starożytny obraz: „Martwa natura z różami”. Europa Zachodnia, 1877

Krajobraz przybrzeżny z łodziami i żaglówkami. Europa Zachodnia, 1877 Artysta: Moris H

Starożytny obraz: „Górska rzeka w lesie”. Europa Zachodnia, 1900

Starożytny obraz: „Psy”. Europa Zachodnia, 1899

Starożytny obraz: „Polowanie na jelenie”. Europa Zachodnia, 1840-1850

Starożytny obraz: „Włoski krajobraz z rzeką”. Europa Zachodnia, 1835.

Starożytny obraz: „W stajni”. Europa Zachodnia, połowa XIX wieku. Artysta: Wouterus I VERSCHUUR

Starożytny obraz: „Włoska scena rodzajowa”. Europa Zachodnia, Włochy, 1844. Artysta: Rauch I. N.

To dla mnie ciekawe: Słowianie tyle bełkotali o „Nieumytej Europie”. Dlaczego Słowianie nie mogli pozostawić po sobie tych samych obrazów, co w Europie z tego samego okresu: czasów wojny carskiej-Kondej, rodziny królewskiej, ze Słowianami w latach 1853-1921?

Co robili Słowianie: Nikołajew, żydowscy żołnierze radzieccy ze starej Czerwonej (pruskiej) Gwardii Elston-Sumarokov, w zdobytej przez nich Rosji w latach 1861-1921? ?

Tak jak znieśli poddaństwo dla Żyda Puszkina, potomka brzydkich Murzynów i dali Żydom wszelkie prawa, tak nie zrobili nic wartościowego w zagarniętej przez siebie Rosji. Tylko prawa dla Żydów od 1861 roku – to wszystko, co zyskała słowiańska rewolucja żydowskich żołnierzy radzieckich Elstona-Sumarokova. Dlaczego cała czerwona (radziecka) armia Słowian, narodu kananejskiego, walczyła z carami rosyjskimi w latach 1853-1921?

Ale co z tym? Zły Caryruski-Konde, Biali Generałowie, wyjechali do Paryża wraz z całym Petersburgiem i Moskwą i zesłali do piekła Słowian, naszych poddanych, już w 1854 roku, na długo przed pańszczyzną żydowskich żołnierzy Elstona-Sumarokowa. I odmówili finansowania dobrobytu materialnego i moralnego słowiańskich żydowskich chłopów radzieckich, starej Czerwonej (pruskiej) Gwardii.

A kto będzie pracował?! No cóż, to nie my, słowiańscy chłopi sowieccy, stara Gwardia Czerwona (Pruska), dyktatura proletariatu!

Dobrze, że przynajmniej nie została wpuszczona do Europy przez całą Czerwoną (Żydowską) Armię Słowian z Elston-Sumarokov w latach 1853-1871. Tsariruski-Konde, Biali Królowie Aniołów, uciekli z Europy. W przeciwnym razie Europa byłaby teraz w tej samej formie, co Rosja, zdobyta przez Słowian, po 150 latach sowieckiej okupacji Słowian: żydowscy żołnierze radzieccy, stara Gwardia Czerwona (Pruska).

Impresjonizm. Symbolizm. Modernizm.

W drugiej połowie XIX wieku w sztuce Zachodu pojawił się kierunek, który później nazwano „modernizmem”. Jej pierwszy ruch można uznać za impresjonizm, który pojawił się w latach 60. Ruch ten nie jest jeszcze w pełni modernistyczny. Odchodzi od realizmu i coraz bardziej się od niego oddala, nie zrywając z nim całkowicie. Impresjonizm nie jest jeszcze modernizmem, ale nie jest już realizmem. Można go uznać właśnie za początek modernizmu, ponieważ zawiera już jego główne cechy.

Pierwsza wiąże się z wyraźnym przesunięciem akcentu z przedmiotu na podmiot, z obiektywności i prawdomówności na subiektywne doznanie. W impresjonizmie najważniejszy jest nie przedstawiony przedmiot, ale jego percepcja, wrażenie, jakie wywołuje u artysty. Wierność przedmiotowi ustępuje miejsca wierności percepcji, wierności ulotnemu wrażeniu. Zasada „niewierności podmiotowi” stanie się wówczas jedną z podstawowych zasad estetyki modernizmu, zamieniając się w zasadę świadomej deformacji, zniekształcania i rozkładu podmiotu, zasadę odrzucenia podmiotu, obiektywności i figuratywności. Sztuka w coraz większym stopniu staje się sztuką wyrażania siebie artysty.

Drugim znakiem jest szczególna dbałość o eksperyment, poszukiwanie coraz to nowych środków wyrazu, technik technicznych i artystycznych. W tym przypadku artyści impresjonistyczni podążają za przykładem naukowców. Z entuzjazmem zajmują się rozkładem tonów, grą barwnych refleksów i niezwykłymi zestawieniami barw. Lubią płynność, zmienność, mobilność. Nie tolerują niczego zamrożonego i statycznego. Impresjonistów szczególnie interesują procesy interakcji przedmiotów z atmosferą, powietrzem, światłem, mgłą, smogiem i światłem słonecznym. Dzięki temu poczynili znaczące postępy i osiągnięcia w dziedzinie koloru i formy.

W impresjonizmie pasja eksperymentowania, poszukiwanie nowych technik, pogoń za nowością i oryginalnością nie stała się jeszcze celem samym w sobie. Jednak wiele kolejnych ruchów modernizmu właśnie do tego dochodzi, czego konsekwencją jest odmowa przez artystę efektu końcowego, dzieła sztuki rozumianego jako coś kompletnego i kompletnego.

Kolejna cecha impresjonizmu, będąca po części konsekwencją i bezpośrednią kontynuacją wspomnianych już, wiąże się z odejściem od zagadnień społecznych. Prawdziwe życie obecne jest w twórczości impresjonistów, ale pojawia się w formie malarskiego performansu. Wzrok artysty zdaje się przesuwać po powierzchni zjawisk społecznych, wychwytując głównie doznania kolorystyczne, nie zatrzymując się na nich i nie zagłębiając się w nie. W kolejnych ruchach modernizmu tendencja ta nasila się, czyniąc ją aspołeczną, a nawet antyspołeczną.

Centralnymi postaciami impresjonizmu są C. Monet (1840–1926), C. Pissarro (1830–1903), O. Renoir (1841–1919).

Impresjonizm został najpełniej ucieleśniony w twórczości Moneta. Ulubionym tematem jego prac jest pejzaż – pole, las, rzeka, zarośnięty staw. Swoje rozumienie krajobrazu zdefiniował następująco: „Krajobraz jest wrażeniem natychmiastowym”. Z jego obrazu „Wschód słońca. „Impresja” to nazwa całego ruchu (po francusku „impresja” to „impresja”). Największą sławę przyniosły mu słynne „Stogi siana”. Wykazywał także szczególną pasję do przedstawiania wody. W tym celu zbudował specjalną łódź warsztatową, która pozwoliła mu godzinami obserwować zachowanie wody i odbicia w niej obiektów. W tym wszystkim Monet odniósł imponujący sukces, co dało E. Manetowi podstawę do nazwania go „Rafaelem wody”. Niezwykły jest także obraz „Katedra w Rouen”.

K. Pissaro preferuje pejzaż miejski – przedstawia domy, bulwary, ulice zapełnione powozami i przechadzające się publiczne, codzienne sceny.

O. Renoir dużą wagę przywiązuje do aktu i portretów – szczególnie kobiecych. Uderzającym przykładem jego sztuki portretowej jest portret artysty J. Samari. Namalował także „Kąpiel nad Sekwaną” i „Moulin de la Galette”.

Około połowy lat 80. impresjonizm zaczął przeżywać kryzys i powstały w nim dwa niezależne ruchy - neoimpresjonizm i postimpresjonizm.

Pierwszą reprezentują artyści J. Seurat i P. Signac. Opierając się na osiągnięciach nauki o kolorze, do logicznego wniosku prowadzą niektóre cechy impresjonizmu - rozkład tonów na czyste kolory i zamiłowanie do eksperymentów. Pod względem artystycznym i estetycznym ruch ten nie wzbudził większego zainteresowania.

Postimpresjonizm „wydawał się zjawiskiem znacznie bardziej produktywnym i interesującym. Jej głównymi postaciami byli P. Cezanne (1839 - 1906), V. Van Gogh (1853 - 1890) i P. Gauguin (1848 - 1903), wśród których wyróżniał się P. Cezanne.

P. Cezanne zachował w swojej twórczości to, co w impresjonizmie najważniejsze, tworząc jednocześnie sztukę nową, rozwijającą tendencję do oddalania się od podmiotu, od jego wyglądu zewnętrznego. Jednocześnie udało mu się przezwyciężyć charakterystyczną dla impresjonizmu iluzoryczną i efemeryczną naturę tego, co jest przedstawiane.

Poświęcając zewnętrzne podobieństwo przedmiotu, P. Cezanne z niezwykłą siłą przekazuje jego główne cechy i właściwości, jego materialność, gęstość i intensywność, pewną „materialność rzeczy”. W przeciwieństwie do impresjonizmu, tworząc dzieła, posługuje się nie tylko wrażeniami wzrokowymi, ale wszystkimi zmysłami. W swojej twórczości żywo i mocno wyraził swoją osobistą naturę. Jak zauważa P. Picasso, P. Cezanne malował się przez całe życie.

Wśród dzieł P. Cezanne'a można wyróżnić takie jak „Autoportret”, „Owoc”, „Martwa natura z draperią”, „Brzegi Marny”, „Dama w błękicie”. P. Cezanne miał ogromny wpływ na cały późniejszy modernizm. A. Matisse nazwał go „wspólnym nauczycielem” szerokiego grona młodych artystów, którzy później stali się sławni i sławni.

Oprócz malarstwa impresjonizm przejawiał się w innych formach sztuki. W muzyce jego wpływ odczuwał francuski kompozytor C. Debussy (1862 - 1918), w rzeźbie - francuski rzeźbiarz O. Rodin (1840 - 1917).

W latach 80. we Francji narodził się ruch symboliki, który można w pełni uznać za modernizm. Najbardziej rozpowszechniony jest w poezji i literaturze. Symbolika kontynuowała linię romantyzmu i „sztuki dla sztuki”, przepełnionej poczuciem rozczarowania otaczającym światem, nastawionej na poszukiwanie czystego piękna i czystego estetyzmu.

Symboliści w swoim manifeście ogłosili się śpiewakami dekadencji, upadku i śmierci świata burżuazyjnego. Przeciwstawiali się nauce i filozofii pozytywistycznej, wierząc, że rozum i logika racjonalna nie są w stanie przeniknąć świata „rzeczywistości ukrytych”, „esencji idealnych” i „wiecznego piękna”. Tylko sztuka jest do tego zdolna – dzięki twórczej wyobraźni, poetyckiej intuicji i mistycznej intuicji. Symbolika wyrażała tragiczne przeczucie zbliżających się wstrząsów społecznych, akceptując je jako sprawdzian oczyszczenia i zapłatę za prawdziwą duchową wolność.

Centralnymi postaciami symboliki francuskiej są poeci S. Mallarmé (1842 - 1898), P. Verlaine (1844 - 1896), A. Rimbaud (1854 - 1891). Pierwszy uważany jest za założyciela ruchu. Drugi stworzył piękne arcydzieła tekstów. A. Rimbaud stał się jednym z najoryginalniejszych i najwybitniejszych poetów francuskich. Wywarł ogromny wpływ na poezję francuską XX wieku.

Symbolika stała się powszechna w wielu krajach europejskich. W Anglii reprezentuje go przede wszystkim pisarz O. Wilde (1854 - 1900), autor słynnej powieści „Portret Doriana Graya”, a także wiersza „Ballada o więzieniu w Reading”. W Austrii poeta R.M. Rilke (1875 - 1926) był bliski symbolice, co szczególnie objawiło się w jego dziełach „Księga obrazów” i „Księga godzin”. Innym wybitnym przedstawicielem symboliki jest belgijski dramaturg i poeta M. Maeterlinck (1862 - 1949), autor słynnego „Błękitnego ptaka”.

Wiek XIX ma fundamentalne znaczenie w historii Zachodu. W tym czasie pojawił się zupełnie nowy typ cywilizacji - przemysłowy. Opierał się na postępie naukowym i technologicznym. Dlatego jeden z głównych ideałów Oświecenia - ideał postępu rozumu - otrzymał w nim najpełniejsze ucieleśnienie.

Pojawienie się demokracji burżuazyjnej przyczyniło się do poszerzenia wolności politycznej. Jeśli chodzi o inne ideały i wartości humanizmu edukacyjnego, ich realizacja napotkała poważne trudności i przeszkody. Dlatego ogólna ocena XIX wieku nie może być jednoznaczna.

Z jednej strony mamy bezprecedensowe sukcesy i osiągnięcia cywilizacyjne. Jednocześnie wyłaniająca się cywilizacja przemysłowa zaczyna coraz bardziej wypierać kulturę duchową.

Dotyczyło to przede wszystkim religii, a następnie innych dziedzin kultury duchowej: filozofii, moralności i sztuki. Ogólnie można powiedzieć, że w XIX wieku w świecie zachodnim pojawił się niebezpieczny trend dehumanizacji kultury, którego konsekwencją pod koniec wieku był system kolonializmu, a w XX wieku dwie wojny światowe

Sztuka europejska końca XIX i początku XX wieku.

Ogromny wpływ na sztukę europejską wywarło powstanie cywilizacji przemysłowej. Jak nigdy dotąd pozostawało ono w ścisłym powiązaniu z życiem społecznym, potrzebami duchowymi i materialnymi ludzi. W kontekście rosnącej współzależności narodów ruchy artystyczne i osiągnięcia kulturalne szybko rozprzestrzeniły się na cały świat.

Obraz. Romantyzm i realizm ze szczególną siłą objawiły się w malarstwie. W twórczości hiszpańskiego artysty Francisco Goyi (1746-1828) było wiele oznak romantyzmu. Dzięki talentowi i ciężkiej pracy syn biednego rzemieślnika został wielkim malarzem. Jego twórczość stanowiła całą epokę w historii sztuki europejskiej. Artystyczne portrety Hiszpanek są wspaniałe. Są pisane z miłością i podziwem. Na twarzach bohaterek, niezależnie od ich pochodzenia społecznego, czytamy poczucie własnej wartości, dumę i miłość do życia.

Odwaga, z jaką nadworny malarz Goya namalował zbiorowy portret rodziny królewskiej, nie przestaje zadziwiać. Przed nami nie są władcy czy arbitrzy losów kraju, ale całkiem zwykli, wręcz zwykli ludzie. O zwrocie Goi w stronę realizmu świadczą także jego obrazy poświęcone bohaterskiej walce narodu hiszpańskiego z armią Napoleona.

Karol IV i jego rodzina. F. Goya. Po lewej stronie (w cieniu) artysta przedstawił siebie

Kluczową postacią europejskiego romantyzmu był słynny francuski artysta Eugene Delacroix (1798-1863). W swojej twórczości ponad wszystko stawiał fantazję i wyobraźnię. Kamieniem milowym w historii romantyzmu, a właściwie całej sztuki francuskiej, był jego obraz „Wolność wiodąca lud” (1830). Artysta uwiecznił na płótnie rewolucję 1830 r. Po tym obrazie Delacroix nie zwracał się już ku francuskiej rzeczywistości. Zainteresował się tematyką Wschodu i tematyką historyczną, gdzie zbuntowany romantyk mógł dać upust swojej fantazji i wyobraźni.

Największymi artystami realistycznymi byli Francuzi Gustave Courbet (1819-1877) i Jean Millet (1814-1875). Przedstawiciele tego nurtu dążyli do realistycznego przedstawienia natury. Tematem przewodnim było codzienne życie i praca człowieka. Zamiast historycznych i legendarnych bohaterów charakterystycznych dla klasycyzmu i romantyzmu, w ich twórczości pojawili się zwykli ludzie: mieszczanie, chłopi i robotnicy. Nazwy obrazów mówią same za siebie: „Kruszarka kamienia”, „Dziwiarze”, „Zbieracze uszu”.

Oficer konnych strażników gwardii cesarskiej wyruszający do ataku, 1812. Theodore Gericault (1791-1824). Pierwszy artysta ruchu romantycznego. Obraz wyraża romantyczność epoki napoleońskiej

Courbet jako pierwszy użył pojęcia realizmu. Cel swojej pracy zdefiniował następująco: „Móc przekazać moralność, idee, wygląd ludzi epoki, w mojej ocenie, być nie tylko artystą, ale także obywatelem, tworzyć żywą sztukę”.

W ostatniej tercji XIX w. Francja staje się liderem w rozwoju sztuki europejskiej. To właśnie w malarstwie francuskim narodził się impresjonizm (od francuskiej impresji – impresja). Nowy ruch stał się wydarzeniem o znaczeniu europejskim. Artyści impresjonistyczni starali się przekazać na płótnie chwilowe wrażenia ciągłych i subtelnych zmian w stanie natury i człowieka.

W wagonie trzeciej klasy, 1862. O. Daumier (1808-1879). Jeden z najoryginalniejszych artystów swoich czasów. Balzac porównał go do Michała Anioła. Jednak Daumier zasłynął dzięki karykaturom politycznym. „W samochodzie trzeciej klasy” przedstawia niewyidealizowany obraz klasy robotniczej

Czytająca kobieta. K. Corot (1796-1875). Słynny francuski artysta szczególnie interesował się grą światła i był poprzednikiem impresjonistów. Jednocześnie jego twórczość nosi znamiona realizmu.

Impresjoniści przeprowadzili prawdziwą rewolucję w technikach malarskich. Zwykle pracowali na świeżym powietrzu. Kolory i światło odgrywały w ich twórczości znacznie większą rolę niż sam rysunek. Wybitnymi artystami impresjonistycznymi byli Auguste Renoir, Claude Monet, Edgar Degas. Impresjonizm wywarł ogromny wpływ na tak wielkich mistrzów pędzla jak Vincent Van Gogh, Paul Cézanne, Paul Gauguin.

Wrażenie. Wschód słońca, 1882. Claude Monet (1840-1926) często malował te same obiekty o różnych porach dnia, aby zbadać wpływ światła na kolor i formę.

Słoneczniki w wazonie. V. Van Gogha (1853-1890)

Wiejski kościół. V. Van Gogha

Ia Orana Maria. P. Gauguina (1848-1903). Niezadowolenie artysty z europejskiego stylu życia zmusiło go do opuszczenia Francji i zamieszkania na Tahiti. Ogromny wpływ na ukształtowanie się jego stylu artystycznego miały lokalne tradycje artystyczne i różnorodność otaczającego świata.

Różowy i zielony. E. Degas (1834-1917)

Dziewczyna z mandoliną, 1910. Pablo Picasso (1881-1973). Malarz hiszpański pracujący we Francji. Już w wieku dziesięciu lat był artystą, a w wieku szesnastu lat odbyła się jego pierwsza wystawa. Utorował drogę kubizmowi - rewolucyjnemu ruchowi w sztuce XX wieku. Kubiści porzucili przedstawianie przestrzeni i perspektywy powietrznej. Przedmioty i postacie ludzkie przekształcane są w kombinację różnorodnych (prostych, wklęsłych i zakrzywionych) linii i płaszczyzn geometrycznych. Kubiści mawiali, że malują nie tak, jak widzą, ale tak, jak wiedzą

Parasole. O. Renoir

Podobnie jak poezja, malarstwo tego czasu jest pełne niepokojących i niejasnych przeczuć. Pod tym względem twórczość utalentowanego francuskiego artysty symbolisty Odilona Redona (1840–1916) jest bardzo charakterystyczna. Jego sensacja w latach 80. Rysunek pająka jest złowieszczym zwiastunem I wojny światowej. Pająk jest przedstawiony z przerażającą ludzką twarzą. Jego macki są w ruchu i agresywne. Widz pozostaje z poczuciem zbliżającej się katastrofy.

Architektura. Rozwój cywilizacji przemysłowej wywarł ogromny wpływ na architekturę europejską. Postęp naukowy i technologiczny przyczynił się do innowacji. W 19-stym wieku Znacznie szybciej budowano duże budynki o znaczeniu państwowym i publicznym. Od tego czasu w budownictwie zaczęto stosować nowe materiały, zwłaszcza żelazo i stal. Wraz z rozwojem produkcji fabrycznej, transportu kolejowego i dużych miast pojawiły się nowe typy obiektów - dworce, mosty stalowe, banki, duże sklepy, budynki wystawiennicze, nowe teatry, muzea, biblioteki.

Architektura w XIX wieku. wyróżniała się różnorodnością stylów, monumentalnością i praktycznym przeznaczeniem.

Fasada budynku Opery Paryskiej. Zbudowany w latach 1861-1867. Wyraża kierunek eklektyczny, inspirowany epoką renesansu i baroku

Przez całe stulecie dominował styl neoklasyczny. Budynek Muzeum Brytyjskiego w Londynie, zbudowany w latach 1823-1847, daje jasne wyobrażenie o architekturze starożytnej (klasycznej). Aż do lat 60. Modny był tzw. „styl historyczny”, wyrażający się w romantycznym naśladowaniu architektury średniowiecza. Pod koniec XIX wieku. w budownictwie kościołów i budynków użyteczności publicznej następuje powrót do gotyku (neogotyk, czyli nowy gotyk). Na przykład izba parlamentu w Londynie. W przeciwieństwie do neogotyku wyłonił się nowy kierunek, Art Nouveau (nowa sztuka). Charakteryzował się krętymi, gładkimi konturami budynków, lokali i detali wnętrz. Na początku XX wieku. Powstał inny kierunek - modernizm. Styl secesyjny wyróżnia się praktycznością, rygorem i przemyślanością oraz brakiem dekoracji. To właśnie ten styl odzwierciedlał istotę cywilizacji przemysłowej i jest najbardziej kojarzony z naszymi czasami.

W swoim klimacie sztuka europejska końca XIX i początku XX wieku. był kontrastowy. Z jednej strony optymizm i przepełniona radością życia. Z drugiej strony brakuje wiary w twórcze możliwości człowieka. I nie należy w tym szukać sprzeczności. Sztuka jedynie na swój sposób odzwierciedlała to, co działo się w realnym świecie. Oczy poetów, pisarzy i artystów były bystrzejsze i bardziej wnikliwe. Widzieli to, czego inni nie widzieli i nie mogli zobaczyć.