Interesujące fakty na temat malarstwa i artystów. Ciekawe fakty o artystach. Styl: wysoki renesans

Tekst żądania: "Cześć!
Podobał mi się twój magazyn!
Jestem „wizualistą”, ponieważ fotografuję i najbardziej interesują mnie obrazy wizualne. Obciążenie semantyczne nie jest tak ważne.
Jeśli czytam, szczególnie interesuje mnie wszystko, co dotyczy historii sztuk pięknych, nie tylko fotografii. Mam ogromne luki w edukacji.
Wydaje mi się jednak, że takie materiały zmniejszyłyby kierunek, a nawet ruch Twojego magazynu. Jestem więc całkiem zadowolony z tego, co u ciebie widzę.
Całkiem poważnie :)"
_______________________________________

Nie sądzę, że taki post zmniejszy ruch w magazynie :)...
ale niektóre fakty są naprawdę bardzo interesujące - radzę przeczytać

Niezupełnie zwyczajne fakty z życia legendarnych talentów.

Można znaleźć ogromną ilość informacji o znanych artystach - jak żyli, jak tworzyli swoje nieśmiertelne dzieła. Wiele osób zwykle nie myśli o cechach charakteru i stylu życia artysty. Ale niektóre fakty z biografii lub historii powstania tego czy innego obrazu są czasami bardzo zabawne, a nawet prowokujące.

Pablo Picasso

Dobrzy artyści kopiują, świetni artyści kradną.

Kiedy urodził się Pablo Picasso, położna uznała go za martwego. Dziecko uratował wujek, który palił cygara i widząc dziecko leżące na stole, dmuchnął mu dymem w twarz, po czym Pablo zaczął ryczeć. Można zatem powiedzieć, że palenie uratowało życie Picassa.

Najwyraźniej Pablo urodził się jako artysta – jego pierwszym słowem było PIZ, skrót od LAPIZ (po hiszpańsku „ołówek”).

W pierwszych latach pobytu w Paryżu Picasso był tak biedny, że czasami zmuszony był palić swoje obrazy zamiast drewna na opał.

Picasso nosił długie ubrania i miał długie włosy, co było wówczas niespotykane.

Pełne imię Picassa składa się z 23 słów: Pablo Diego Jose Francisco de Paula Juan N epomuceno Maria de los Remedios Cipriano de la Santisima Trinidad Mártir Patricio Clito -Ruiz y Picasso.

Vincent van Gogh

Nie bój się popełniać błędów. Wielu ludzi wierzy, że staną się dobrzy, jeśli nie zrobią nic złego.

Uważa się, że obfitość żółtych i żółtych plam o różnych odcieniach na jego obrazach jest spowodowana intensywnym zażywaniem leków na padaczkę, która powstała w wyniku nadmiernego spożycia absyntu. „Gwiaździsta noc”, „Słoneczniki”.

W swoim burzliwym życiu Van Gogh odwiedził więcej niż jeden szpital psychiatryczny z diagnozami od schizofrenii po psychozę maniakalno-depresyjną. Jego najsłynniejszy obraz „Gwiaździsta noc” powstał w 1889 roku w szpitalu w miejscowości San Remy.

Popełnił samobójstwo. Postrzelił się w brzuch, ukrywając się na podwórku za stertą nawozu. Miał 37 lat.

Przez całe życie Van Gogh cierpiał na niską samoocenę. W ciągu swojego życia sprzedał tylko jedno ze swoich dzieł – Czerwoną Winnicę w Arles. A sława przyszła do niego dopiero po śmierci. Gdyby tylko Van Gogh wiedział, jak popularna stanie się jego twórczość.

Van Gogh nie odciął sobie całego ucha, a jedynie kawałek płatka ucha, co prawie nie bolało. Jednak nadal istnieje powszechna legenda, że ​​artysta amputował całe ucho. Legenda ta znalazła nawet odzwierciedlenie w zachowaniu pacjenta, który sam operuje lub nalega na określoną operację - nazywano to zespołem Van Gogha.

Leonardo da Vinci

Kto żyje w strachu, umiera ze strachu.

Leonardo jako pierwszy wyjaśnił, dlaczego niebo jest niebieskie. W książce „O malarstwie” napisał: „Błękit nieba powstaje dzięki grubości oświetlonych cząstek powietrza, które znajduje się pomiędzy Ziemią a czernią nad nami”.

Leonardo był oburęczny – równie dobrze radził sobie prawą i lewą ręką. Mówi się nawet, że różnymi rękami potrafił pisać różne teksty jednocześnie. Jednak większość swoich dzieł pisał lewą ręką, od prawej do lewej.

Po mistrzowsku grał na lirze. Kiedy sprawa Leonarda toczyła się w sądzie w Mediolanie, pojawił się tam właśnie jako muzyk, a nie jako artysta czy wynalazca.

Leonardo był pierwszym malarzem, który rozczłonkował zwłoki, aby zrozumieć położenie i strukturę mięśni.

Leonardo da Vinci był surowym wegetarianinem i nigdy nie pił mleka krowiego, uważając to za kradzież.

Salvador Dali

Gdybym nie miał wrogów, nie byłbym tym, kim jestem. Ale, dzięki Bogu, było wystarczająco dużo wrogów.

Przybywając do Nowego Jorku w 1934 roku, jako dodatek niósł w rękach 2-metrowy bochenek chleba, a zwiedzając wystawę twórczości surrealistycznej w Londynie ubrał się w kostium nurka.

Dali napisał obraz „Trwałość pamięci” („Miękkie godziny”) pod wrażeniem teorii względności Einsteina. Pomysł zrodził się w głowie Salvadora, gdy pewnego upalnego sierpniowego dnia patrzył na kawałek sera Camembert.

Salvador Dali często kładł się spać z kluczem w dłoni. Siedząc na krześle, zasnął z ciężkim kluczem ściskanym w palcach. Stopniowo chwyt słabł, klucz spadł i uderzył w leżący na podłodze talerz. Myśli, które pojawiły się podczas drzemek, mogą być nowymi pomysłami lub rozwiązaniami złożonych problemów.

Wielki artysta za życia zapisał się na pochówek w taki sposób, aby ludzie mogli chodzić po grobie, dlatego jego ciało zamurowano w ścianie w Muzeum Dali w Figueres. W tym pomieszczeniu nie wolno fotografować z lampą błyskową.

Pseudonim Salvadora Dali brzmiał „Avida Dollars”, co w tłumaczeniu oznacza „pasjonat dolarów”.

Logo Chupa Chups zostało narysowane przez Salvadora Dali. W nieco zmodyfikowanej formie przetrwał do dziś.

Prawie każde dzieło Dalego zawiera jego portret lub sylwetkę.

Henryk Matisse

Kwiaty kwitną wszędzie i każdy, kto chce je zobaczyć.

W 1961 roku obraz Henriego Matisse’a „Łódź” (Le Bateau), wystawiony w nowojorskim Muzeum Sztuki Nowoczesnej, wisiał do góry nogami przez czterdzieści siedem dni. Obraz wisiał w galerii 17 października i dopiero 3 grudnia ktoś zauważył pomyłkę.

Henri Matisse cierpiał na depresję i bezsenność, czasami płakał przez sen i budził się z krzykiem. Któregoś dnia bez powodu nagle przestraszył się, że oślepnie. Nauczył się nawet grać na skrzypcach, żeby po utracie wzroku móc zarabiać na życie jako muzyk uliczny.

Przez wiele lat Matisse żył w biedzie. Miał około czterdziestu lat, kiedy w końcu był w stanie samodzielnie utrzymać rodzinę.

Henri Matisse nigdy nie malował skał, domów z przezroczystego kryształu, pól uprawnych.

W ciągu ostatnich 10 lat życia zdiagnozowano u niego raka dwunastnicy i musiał poruszać się na wózku inwalidzkim.

Edvard Munch

W swojej sztuce próbowałam sobie wytłumaczyć życie i jego sens, ale także pomagałam innym w wyjaśnianiu ich życia.

Munch miał zaledwie pięć lat, gdy jego matka zmarła na gruźlicę, a potem stracił starszą siostrę. Od tego czasu motyw śmierci pojawiał się w jego twórczości nie raz, a droga życiowa artysty od pierwszych kroków deklarowała się jako życiowy dramat.

Jego obraz „Krzyk” jest najdroższym dziełem sztuki sprzedanym na aukcji publicznej.

Miał obsesję na punkcie pracy i sam tak mówił: „Pisanie to dla mnie choroba i odurzenie. Choroba, której nie chcę się pozbyć, i upojenie, w którym chcę pozostać.”

Paul Gauguin

Sztuka jest abstrakcją, wydobądź ją z natury, fantazjuj na jej podstawie i myśl bardziej o procesie tworzenia niż o rezultacie.

Artysta urodził się w Paryżu, ale dzieciństwo spędził w Peru. Stąd jego miłość do krajów egzotycznych i tropikalnych.

Gauguin łatwo zmieniał techniki i materiały. Interesował się także rzeźbą w drewnie. Często doświadczając trudności finansowych, nie mógł kupić farb. Potem wziął nóż i drewno. Ozdobił drzwi swojego domu na Markizach rzeźbionymi panelami.

Paul Gauguin pracował jako robotnik na Kanale Panamskim.

Artysta malował martwe natury głównie bez uciekania się do modela.

W 1889 r., po dokładnym przestudiowaniu Biblii, namalował cztery płótna, na których przedstawił siebie na obraz Chrystusa.

Częste i rozwiązłe relacje z dziewczynami doprowadziły do ​​tego, że Gauguin zachorował na kiłę.

Renoira Pierre’a Augusta

W wieku czterdziestu lat odkryłem, że królem wszystkich kolorów jest czarny.

Około 1880 roku Renoir po raz pierwszy złamał prawą rękę. Zamiast się zmartwić i użalać nad tym, bierze pędzel lewą ręką i po chwili nikt już nie wątpi, że obiema rękami będzie mógł malować arcydzieła.

W ciągu 60 lat udało mu się namalować około 6000 obrazów.

Renoir był tak zakochany w malarstwie, że nie przestawał pracować nawet w starszym wieku, cierpiąc na różne formy zapalenia stawów, i malował pędzlem przywiązanym do rękawa. Któregoś dnia jego bliski przyjaciel Matisse zapytał: „Auguste, dlaczego nie rzucisz malowania, tak bardzo cierpisz?” Renoir ograniczył się do odpowiedzi: „La douleur passe, la beauté reste” (Ból mija, ale piękno pozostaje).

Nie jest tajemnicą, że znane osobistości częściej niż inne znajdują się w niezwykłych sytuacjach życiowych i różnorodnych historiach, które dzięki naocznym świadkom odciskają się w ich biografiach na wieki. Z reguły są to historie zabawne anegdotycznie, czasem zabawne i niezbyt przyjemne, a także pouczające, które stały się przypowieściami. Dziś porozmawiamy o ciekawych faktach z życia znanych rosyjskich i europejskich artystów klasycznych.

Autograf artysty jest dziesięć razy droższy niż sam obraz

Ilja Efimowicz Repin. Któregoś dnia pewna pani kupiła obraz z podpisem „I. Repin”, płacąc za to 100 rubli. Po chwili przyszła do pracowni malarza i pokazała artyście swój nabytek. Repin, śmiejąc się z pechowego klienta, napisał na dole płótna: „To nie jest Repin”. Następnie pani odsprzedała obraz, ale za tysiąc rubli.

Malarstwo jest nieśmiertelne

Pablo Picasso. Pewien dość znany na wystawie lekarz podszedł do Picassa i powiedział co ważne: „Znam całkiem dobrze budowę anatomiczną ludzkiego ciała”. Mogę więc powiedzieć, że ludzie na Twoich płótnach budzą pewien żal i zdziwienie. „To całkiem możliwe” – odparł Picasso. - Ale mogę cię zapewnić, że będą żyć znacznie dłużej niż twoi pacjenci.

Indywidualizm dziecięcy

Autoportrety. Pablo Picasso w wieku 15 i 90 lat. Któregoś razu po wizycie na wystawie rysunków dzieci Pablo Picasso powiedział w zamyśleniu: „Kiedy byłem w ich wieku, umiałem pisać jak Rafael, ale nauczenie się rysowania jak oni zajęło mi całe życie”. Portret matki artysty (1896), namalowany przez 15-letniego Picassa.

Drogi czek

Salvador Dali. Salvador Dali miał bardzo sprytny trik dla właścicieli restauracji. Odwiedzając po raz pierwszy lokal rozrywkowy, zebrał dużą grupę przyjaciół i znajomych i spędził cały wieczór częstując wszystkich dowolnymi daniami i napojami z karty. Kiedy przyszedł czas na opłacenie rachunków, artysta wyzywająco wypisał czek na ogromną kwotę, po czym... odwrócił czek i na odwrotnej stronie napisał kilka ciepłych słów w podziękowaniu dla właściciela lokalu i podpisał się jego autograf. Kalkulacja mistrza była prosta i niezawodna: korzystając ze swojej sławy żywego geniusza, Dali był pewien, że właściciel restauracji nigdy nie odważy się zrealizować czeku z oryginalnym podpisem samego Dali! Zwykle działo się tak: restauratorzy rozumieli, że z czasem mogą za ten czek zarobić znacznie więcej niż tylko kwotę na rachunku, ale mistrz zaoszczędził mnóstwo pieniędzy.

Kto oszalał?

Salvador Dali. Kiedyś w rozmowie z przyjaciółmi Salvador Dali powiedział, że wszelkie katastrofy dziejące się w przyrodzie wcale go już nie dziwią. Następnie rozmówca zaczął z entuzjazmem podawać przykład możliwej sytuacji: „No dobrze, niech tak będzie, ale co, jeśli o północy nagle na horyzoncie pojawi się światło, zwiastujące poranny świt?” Patrzysz w górę i widzisz wschodzące słońce. Czy naprawdę nie byłoby to dla ciebie zaskoczeniem? Nie pomyślałbyś, że jesteś szalony? „Wręcz przeciwnie” – powiedziała bez wahania Dali – „pomyślałabym, że to słońce zwariowało”.

Twórcze związki zawodowe

Izaak Lewitan./„Dzień jesieni. Sokolniki”. (1879)./Mikołaj Czechow. Jak wiadomo, artysta Izaak Lewitan „specjalizował się” wyłącznie w malarstwie pejzażowym, ale w jego spuściźnie znajduje się jedno płótno przedstawiające postać kobiecą spacerującą po parku. „Jesienny dzień. Sokolniki” – tak nazywa się obraz namalowany przez niego w czasach studenckich. Artysta nigdy nie podejmował się rysowania ludzi i słusznie należy zauważyć, że jedyny wizerunek kobiety namalował nie sam artysta, ale jego przyjaciel ze szkoły plastycznej, brat słynnego pisarza Mikołaja Czechowa.
Iwan Aiwazowski./ „Puszkin nad brzegiem morza.”/ Ilja Repin. Nawiasem mówiąc, nie była to jedyna twórcza współpraca w historii sztuki. Dlaczego „z przyjaźni” nie pomóc przyjacielowi-artyście, który nie radzi sobie najlepiej? Niewiele osób wie, że postać Puszkina z obrazu Aiwazowskiego „Puszkin na brzegu morza” namalował Ilja Repin.
K. A. Savitsky i I. I. Shishkin. Początek lat 80. XIX wieku Zdjęcie. / „Poranek w sosnowym lesie”. A słynne niedźwiedzie z obrazu Szyszkina „Poranek w lesie sosnowym” namalował artysta Savitsky. Cóż, genialny mistrz krajobrazu nie potrafił poprawnie narysować tych zabawnych zwierząt. Ale opłatę w wysokości czterech tysięcy rubli ze sprzedaży tego obrazu podzielono po bratersku i początkowo na płótnie wisiały dwa autografy. Wszystko jest sprawiedliwe... Jednak właściciel obrazu Paweł Tretiakow postanowił pozostawić autorstwo Szyszkininowi i osobiście usunął podpis Savitsky'ego.

Litera „B” nadana nazwisku artysty przez samego cesarza

Karl i Aleksander Bryullov. Do początków XIX wieku nazwisko Bryullov nie istniało w Rosji. Karl Bryullov, słynny rosyjski artysta, urodził się w rodzinie akademika rzeźby ozdobnej Pawła Bryullo, którego przodkowie pochodzili z Francji. Litera „v” na końcu nazwiska została nadana Karolowi i jego bratu Aleksandrowi, z zawodu architektowi, najwyższym dekretem cesarskim przed wyjazdem na emeryturę do Włoch.

Wystawa jednego arcydzieła

Arkhipa Kuindzhiego. W 1880 roku miało miejsce bezprecedensowe wydarzenie w świecie sztuki rosyjskiej. W Petersburgu po raz pierwszy publicznie wystawiono obraz Arkhipa Kuindzhiego „Księżycowa noc nad Dnieprem”. Zaskakujące było to, że była jedyną osobą na wystawie. Pogłoski o niezwykłym obrazie rozeszły się po mieście na długo przed jego wystawieniem, a już w dniu otwarcia wydawało się, że całe miasto zebrało się, aby go obejrzeć. Wiele powozów blokowało wszystkie pobliskie ulice, a ludzie tłoczyli się w długich kolejkach przed wejściem. Wielu z nich odwiedziło wystawę kilka razy.
„Księżycowa noc nad Dnieprem”. Publiczność była zafascynowana niezwykłym realizmem światła księżyca na obrazie, wielu sugerowało, że artysta użył świecących farb, niektórzy nawet w tajemnicy zaglądali za obraz, próbując dowiedzieć się, czy księżyc oświetla lampa.

Przysięga Modiglianiego

Amedeo Modiglianiego. Amedeo Modigliani, znany włoski artysta, bardzo wcześnie zainteresował się rysunkiem i malarstwem. Ostateczną decyzję o zostaniu artystą podjął w wieku jedenastu lat po ciężkim zapaleniu opłucnej, kiedy leżąc w majaczeniu Amedeo zdecydował: jeśli przeżyje, poświęci się malarstwu. I dotrzymał słowa.

Kuindzhi i ptaki

Arkhipa Kuindzhiego. Arkhip Kuindzhi bardzo lubił ptaki. Potrafił godzinami siedzieć na dachu swojego domu i „rozmawiać” z gołębiami i wronami. I często opowiadał swoim przyjaciołom, że ptaki rozumieją jego słowa i łatwo wpadają mu w ręce. No oczywiście.... Przecież artysta co miesiąc wydawał mnóstwo pieniędzy na dokarmianie ptaków, kupując 60 bułek, aż 10 kg mięsa i 6 worków owsa. Pewnego razu ilustrator Pavel Shcherbov opublikował kreskówkę, w której Kuindzhi robi ptakowi lewatywę. Mówią, że Arkhip Iwanowicz, który nie miał szczególnego poczucia humoru, był strasznie urażony przez swojego kolegę.
Karykatura. Pierzaści pacjenci (A.I. Kuindzhi na dachu swojego domu). Autor: Paweł Szczerbow.

Pięć tysięcy za abażur

Konstantin Jegorowicz Makowski. / Dziewczyna przebrana za Florę. Konstantin Makowski słynął nie tylko z salonowych portretów żon zamożnych mężów, ale także z wygórowanych cen. Artysta uwielbiał także pyszne jedzenie, dlatego podobno był prawdziwym smakoszem. Ale pewnego dnia prawie wpadł w kłopoty. Baron Accurti, kupiwszy właśnie luksusową rezydencję z abażurami namalowanymi przez Makowskiego, ale bez jego autografów, zaprosił najpopularniejszego artystę na śniadanie do restauracji. W nadziei, że artysta w dowód wdzięczności bezpłatnie podpisze abażury. I tak by się stało, gdyby nie jedno „ale”… Makowski już złagodniał w oczekiwaniu na wykwintny posiłek i obiecał, że zaraz po nim pójdzie i za darmo podpisze wszystkie trzy abażury. I zawzięty baron wydał wreszcie rozkaz: kazał podać stynię i chleb. "Stynka? Ja? Makowski był oburzony na siebie. I powiedział głośno: „Pięć tysięcy rubli za podpis na każdym abażurze!”

Walentin lub Anton Sierow

Portret Miki Morozowa. / Walentin Sierow. Przyjaciele i rodzina nazywają się Valentin Serov Anton. To imię przylgnęło do niego mocno w dzieciństwie, kiedy rodzice z powodu nadmiernych uczuć do dziecka nazywali małego Valentina Valentoshę, Toshę, a czasem Tonyę. Nieco później w rodzinie Mamontowów Tosha zamieniła się w Antoshę. A listy, które Ilya Repin pisała do już dorosłego Serowa, często zaczynały się od adresu: „Anton, Anton!”

Mały szantażysta

*Dziewczyna z brzoskwiniami*. Autor: V. Serow. Jego krewni szczególnie dobrze wiedzieli, że Walentin Sierow pracował powoli. A kiedy artysta zdecydował się namalować portret 11-letniej córki Savvy Mamontova, Very (a płótno miało być prezentem na urodziny matki dziewczynki Elizavety Mamontowej), Sierow spotkał się z kategorycznym protestem przyszłości Model. Verochka natychmiast zdała sobie sprawę z konsekwencji wyrażenia zgody na pozowanie dla artysty. Wcale nie miała ochoty siedzieć tygodniami w bezruchu, zamiast biegać z rówieśnikami po okolicy wsi. Verochka była uparta i Serow nie miał innego wyjścia, jak zgodzić się na jej warunki: po każdej sesji jeździł z nią konno.
*Dziewczyna z brzoskwiniami*. fragment. / Weroczka Mamontowa.

Ciekawe fakty na temat malarstwa
Niektóre słynne obrazy mają bardzo ciekawą, a czasem nawet zabawną historię powstania. Fakty powiedzą Ci coś, czego być może jeszcze nie wiesz o znanych artystach i ich arcydziełach.

1 Leonardo da Vinci przez długi czas nie mógł znaleźć opiekunki do obrazu Judasza z Ostatniej Wieczerzy.

Dla wielu historyków i krytyków sztuki „Ostatnia wieczerza” Leonarda da Vinci jest największym dziełem sztuki światowej. W „Kodzie Da Vinci” Dan Brown skupia uwagę czytelników na niektórych symbolicznych elementach tego obrazu w momentach, gdy Sophie Neveu przebywając w domu Lee Teabinga, dowiaduje się, że Leonardo mógł zaszyfrować jakąś wielką tajemnicę w swoim arcydziele.
„Ostatnia wieczerza” to fresk namalowany na ścianie refektarza klasztoru Santa Maria della Grazie w Mediolanie. Już w czasach samego Leonarda uznawano go za jego najlepsze i najsłynniejsze dzieło. Fresk powstał w latach 1495-1497, lecz już w ciągu pierwszych dwudziestu lat swego istnienia, jak wynika z pisemnych świadectw z tamtych lat, zaczął ulegać zniszczeniu. Ma wymiary około 15 na 29 stóp. Fresk namalowano grubą warstwą tempery jajecznej na suchym tynku. Pod główną warstwą farby znajduje się przybliżony szkic kompozycyjny, studium w czerwieni, w sposób antycypujący zwykłe użycie tektury. Jest to rodzaj narzędzia przygotowawczego.
Wiadomo, że klientem obrazu był książę Mediolanu Lodovico Sforza, na którego dworze Leonardo zyskał sławę jako wielki malarz, a wcale nie mnisi z klasztoru Santa Maria della Grazie.
Tematem obrazu jest moment, w którym Jezus Chrystus oznajmia swoim uczniom, że jeden z nich Go zdradzi. Pisze o tym Pacioli w trzecim rozdziale swojej książki „Boska proporcja”. To właśnie ten moment – ​​kiedy Chrystus ogłasza zdradę – uchwycił Leonardo da Vinci. Aby osiągnąć dokładność i realizm, studiował pozy i mimikę wielu swoich współczesnych, których później przedstawił na obrazie. Tożsamość apostołów wielokrotnie była przedmiotem kontrowersji, jednak sądząc po inskrypcjach znajdujących się na kopii obrazu przechowywanej w Lugano, są to (od lewej do prawej): Bartłomiej, Jakub Młodszy, Andrzej, Judasz, Piotr, Jan, Tomasz, Jakub Starszy, Filip, Mateusz, Tadeusz i Szymon Zelota.
Wielu historyków sztuki uważa, że ​​kompozycję tę należy postrzegać jako ikonograficzną interpretację Eucharystii – komunii, gdyż Jezus Chrystus obiema rękami wskazuje na stół z winem i chlebem.
Prawie wszyscy badacze twórczości Leonarda zgadzają się, że idealnym miejscem do oglądania obrazu jest wysokość około 5-15 stóp nad podłogą i odległość od niej 26-33 stóp. Istnieje opinia – obecnie kwestionowana – że kompozycja i jej system perspektywy opierają się na muzycznym kanonie proporcji.
Wyjątkowość Ostatniej Wieczerzy polega na tym, że w odróżnieniu od innych obrazów tego typu ukazuje niesamowitą różnorodność i bogactwo emocji bohaterów wywołanych słowami Jezusa, że ​​jeden z jego uczniów Go zdradzi. Żaden inny obraz Ostatniej Wieczerzy nie może się nawet równać z wyjątkową kompozycją i dbałością o szczegóły arcydzieła Leonarda.
Jakie zatem tajemnice wielki artysta mógł zaszyfrować w swoim dziele? W The Discovery of the Templars Clive Prince i Lynn Picknett argumentują, że kilka elementów konstrukcji Ostatniej Wieczerzy wskazuje na zaszyfrowane w niej symbole.
Po pierwsze, wierzą, że postać po prawej stronie Jezusa (dla widza – po lewej) to nie Jan, ale pewna kobieta. Ubrana jest w szatę, której kolor kontrastuje z szatami Chrystusa i jest zwrócona w stronę przeciwną do siedzącego pośrodku Jezusa. Przestrzeń pomiędzy tą kobiecą postacią a Jezusem ma kształt litery V, a same postacie tworzą literę M.
Po drugie, na zdjęciu ich zdaniem obok Piotra widoczna jest pewna dłoń ściskająca nóż. Prince i Picknett twierdzą, że ta ręka nie należy do żadnego z bohaterów filmu.
Po trzecie, siedząc bezpośrednio na lewo od Jezusa (po prawej dla słuchaczy), Tomasz, zwracając się do Chrystusa, podniósł palec. Zdaniem autorów jest to typowy gest Jana Chrzciciela.
I wreszcie istnieje hipoteza, że ​​apostoł Tadeusz siedzący tyłem do Chrystusa jest w rzeczywistości autoportretem samego Leonarda.

Sekcja złotowa” Leonardo da Vinci

Najsłynniejsze dzieło Leonarda – słynna „Ostatnia Wieczerza” w klasztorze dominikanów Santa Maria delle Grazie w Mediolanie – powstało w latach 1495–1497.
Pędzel Leonarda uchwycił ostatni wspólny posiłek (obiad) Jezusa Chrystusa i dwunastu apostołów w wigilię dnia (Wielki Piątek) śmierci Chrystusa na krzyżu.

Leonardo starannie i długo przygotowywał się do malarstwa w Mediolanie. Wykonał wiele szkiców, w których badał pozy i gesty poszczególnych postaci. „Ostatnia wieczerza” przyciągnęła go nie ze względu na dogmatyczną treść, ale możliwość rozegrania przed widzem wielkiego ludzkiego dramatu, ukazania różnych postaci, ujawnienia duchowego świata człowieka oraz dokładnego i jasnego opisania jego przeżyć. Postrzegał „Ostatnią Wieczerzę” jako scenę zdrady i postawił sobie za cel wprowadzenie do tego tradycyjnego obrazu tego elementu dramatycznego, dzięki któremu nabierze on zupełnie nowego emocjonalnego wydźwięku.

Rozważając koncepcję „Ostatniej wieczerzy” Leonardo nie tylko sporządzał szkice, ale także zapisywał swoje przemyślenia na temat postępowania poszczególnych uczestników tej sceny: „Ten, kto wypił i odłożył kielich na miejsce, odwraca głowę w stronę mówiący, drugi łączy palce obu rąk i marszcząc brwi patrzy na swego towarzysza, drugi pokazuje dłonie, podnosi ramiona do uszu i ustami wyraża zdziwienie…” W protokole nie wskazano imiona apostołów, ale Leonardo najwyraźniej wyraźnie wyobrażał sobie działania każdego z nich i miejsce, do którego każdy został wezwany, zajmują w ogólnej kompozycji. Dopracowując w swoich rysunkach pozy i gesty, poszukiwał form wyrazu, które wciągnęłyby wszystkie postacie w jeden wir namiętności. Chciał uwiecznić na obrazach apostołów żyjących ludzi, z których każdy na swój sposób reaguje na to wydarzenie.

„Ostatnia wieczerza” to najbardziej dojrzałe i kompletne dzieło Leonarda.
O wielkim Mistrzu i jego malarstwie opowiada kilka legend.

Tak więc, według jednego z nich, tworząc fresk „Ostatnia wieczerza”, Leonardo da Vinci stanął przed ogromną trudnością: musiał przedstawić Dobro ucieleśnione na obrazie Jezusa i Zło na obrazie Judasza, który postanowił zdradzić go przy tym posiłku. Leonardo przerwał pracę w połowie i wznowił ją dopiero po znalezieniu idealnych modeli.

Któregoś razu, gdy artysta był obecny na występie chóru, dostrzegł doskonały obraz Chrystusa w jednym z młodych śpiewaków i zapraszając go do swojej pracowni, wykonał z niego kilka szkiców i studiów.
Minęły trzy lata. Ostatnia Wieczerza była już prawie ukończona, ale Leonardo nie znalazł jeszcze odpowiedniego modelu dla Judasza. Kardynał odpowiedzialny za malowanie katedry pospieszał go, żądając jak najszybszego ukończenia fresku.
A po wielu dniach poszukiwań artysta zobaczył leżącego w rynsztoku mężczyznę – młodego, ale przedwcześnie zniedołężniałego, brudnego, pijanego i obdartego. Na szkice nie było czasu, więc Leonardo nakazał swoim asystentom dostarczyć go bezpośrednio do katedry, co uczynili.
Z wielkim trudem zawlekli go tam i postawili na nogi. Tak naprawdę nie rozumiał, co się dzieje, ale Leonardo uchwycił na płótnie grzeszność, egoizm i niegodziwość, którymi oddychała jego twarz.
Kiedy skończył pracę, żebrak, który już trochę otrzeźwiał, otworzył oczy, ujrzał przed sobą płótno i zawołał ze strachu i udręki:
- Widziałem już to zdjęcie!
- Gdy? – zapytał zdezorientowany Leonardo.
- Trzy lata temu, zanim wszystko straciłem. W tamtym czasie, gdy śpiewałam w chórze i moje życie było pełne marzeń, jakiś artysta namalował mi Chrystusa.

Według innej legendy, niezadowolony z powolności Leonarda, przeor klasztoru uparcie żądał, aby jak najszybciej dokończył swoje dzieło. „Wydawało mu się dziwne, że Leonardo stoi pogrążony w myślach przez całą połowę dnia. Chciał, aby artysta nigdy nie rozstawał się ze swoimi pędzlami, tak jak nigdy nie przestaje pracować w ogrodzie. Nie ograniczając się do tego, poskarżył się księciu i zaczął go tak dręczyć, że zmuszony był posłać po Leonarda i delikatnie poprosić go o podjęcie pracy, dając jednocześnie do zrozumienia na wszystkie możliwe sposoby, że jest czyniąc to wszystko za namową Przeora. Rozpocząwszy rozmowę z księciem na ogólne tematy artystyczne, Leonardo zwrócił mu następnie uwagę, że jest już blisko ukończenia obrazu i że do namalowania pozostały mu już tylko dwie głowy – Chrystus i zdrajca Judasz. „Chciałby jeszcze poszukać tej ostatniej głowy, ale w końcu, jeśli nie znajdzie nic lepszego, jest gotowy wykorzystać głowę tego samego przeora, tak natrętnego i nieskromnego. Uwaga ta bardzo rozbawiła księcia, który tysiąc razy zapewnił go, że ma rację. Tym samym biedny, zawstydzony przeor kontynuował prace w ogrodzie, zostawiając Leonarda w spokoju, który dokończył głowę Judasza, która okazała się prawdziwym ucieleśnieniem zdrady i nieludzkości”.

2 Okazuje się, że określenie „miniatura” nie ma nic wspólnego z małymi rozmiarami. Słowo to pochodzi od łacińskiego „minium” – nazwy czerwonej farby ołowiowej, która miała kolor czerwonego cynobru. Farbą tą pisano pierwsze litery tekstów oraz rysowano drobne ilustracje w księgach starożytnych i średniowiecznych.

3 O fałszowanie obrazów oskarżony został Marcelino Sanz de Sautola, którego córka jako pierwsza odkryła malowidła jaskiniowe w jaskini Altamira. Podobno prymitywni ludzie nie byliby w stanie stworzyć arcydzieła o tak złożonej kompozycji.

Badacze, przestudiowawszy dziesiątki obrazów wielkich artystów, powstałych w latach 1000–1800, doszli do wniosku, że w tym okresie ilość przedstawianej żywności wzrosła o 69%.

Do takiego wniosku doszli naukowcy, którzy analizowali dynamikę zmian porcji jedzenia przedstawionych na obrazach różnych mistrzów...

Współczesny człowiek je dwa razy więcej niż jego przodek, który żył tysiąc lat temu. Do takiego wniosku doszli amerykańscy naukowcy, którzy analizowali dynamikę zmian porcji jedzenia przedstawionych na obrazach mistrzów różnych epok.

Eksperci zbadali 52 obrazy z cyklu „Ostatnia wieczerza”, które powstały w latach 1000–2000. Badacze porównali rozmiary talerzy przedstawionych na płótnach i objętość porcji jedzenia. Za stały wskaźnik, na podstawie którego dokonano porównania, przyjęto wielkość głów uczniów Chrystusa.

Okazało się, że z stulecia na wiek zwiększała się ilość żywności przedstawianej na obrazach. W szczególności w ciągu ostatniego tysiąca lat porcja dania głównego wzrosła o 69%, kawałek chleba powiększył się o 25%, a wielkość talerzy wzrosła o 66%.

Współczesny człowiek tyje nie tylko dlatego, że je więcej. Większość nowoczesnych produktów spożywczych jest bogata w kalorie i ma niewielką wartość odżywczą. Oprócz tego, że współczesny człowiek nie otrzymuje wystarczającej ilości składników odżywczych, komórki nerek i wątroby radzą sobie z konserwantami, barwnikami i środkami spulchniającymi, które są bogate w obecne produkty. Dlatego wzrasta obciążenie tych narządów, a metabolizm zostaje zakłócony.

Ostatnio coraz większą popularnością cieszy się tzw. dieta jaskiniowa. Jej zwolennicy uważają, że jeśli zrezygnujesz z nowoczesnej żywności, w ciągu 3-4 miesięcy możesz stracić od 7 do 18 kg nadwagi, a jednocześnie oczyścić organizm ze szkodliwych substancji.

Ilość pożywienia na malowidłach przedstawiających ostatnią wieczerzę Chrystusa i apostołów znacznie wzrosła w ciągu ostatnich 1000 lat. Jak wykazało badanie 52 arcydzieł malarstwa światowego, trend ten odpowiada rozwojowi społeczeństwa konsumpcyjnego, które ma tendencję do jedzenia coraz więcej.

Dwóch braci profesorów – specjalista psychologii żywienia i teolog – Brian i Craig Wansink wspólnie przeanalizowali ilość pożywienia przedstawioną na 52 najsłynniejszych obrazach przedstawiających biblijną historię Ostatniej Wieczerzy. Wtedy Jezus powiedział do swoich uczniów: „Zaprawdę powiadam wam, jeden z was Mnie zdradzi”. Ponadto to właśnie ostatni posiłek Chrystusa stał się prototypem obrzędu komunii, gdzie chleb uosabia Ciało Pańskie, a wino Jego Krew.

Naukowcy zbadali obrazy powstałe w ciągu ostatniego tysiąca lat. Zmierzyła wielkość przedstawionego pożywienia i skorelowała je ze średnią wielkością głowy apostoła na każdym obrazie, aby uzyskać pewną konkretną wartość, niezależną od wielkości płótna. Pojawiła się ciekawa rzecz: wielkość porcji, wielkość talerzy i wielkość kawałków chleba stale wzrasta od XI wieku do czasów współczesnych. Tym samym wielkość dania głównego wzrosła o 69%, wielkość talerzy o 66%, a wielkość chleba o 23%.

Analiza obrazów ujawniła wiele innych interesujących punktów. W średniowieczu apostołów przedstawiano jako ascetów. Jednak posiłki pojawiające się na obrazach przed 1498 rokiem (rok, w którym namalowano najsłynniejszą na świecie Ostatnią Wieczerzę autorstwa Leonarda da Vinci) były dość duże. Najbardziej „hojny” w jedzeniu okazał się XVI-wieczny artysta manierystyczny Jacopo Tintoretto: w jego malarstwie talerze są najpełniejsze.

Naukowcy uważają, że stopniowe zwiększanie wielkości porcji na obrazach odzwierciedla ogólny wzrost konsumpcji na świecie. Według autorów pracy naukowej malowidła są jedynie odzwierciedleniem „imponującego społeczno-historycznego wzrostu produkcji, dostępności, bezpieczeństwa, obfitości i taniości żywności”.

5 „Czarny kwadrat” nie był pierwszym obrazem w tym stylu. Na długo przed Malewiczem Alle Alphonse wystawiał w Galerii Vivienne swoje arcydzieło „Bitwa Murzynów w jaskini w środku nocy” – całkowicie czarne prostokątne płótno.

„Czarny kwadrat” po raz pierwszy namalował nie Malewicz, ale francuski poeta Billot, nazywając obraz „Bitwą Murzynów w tunelu”

W 1882 roku (33 lata przed „Czarnym kwadratem” Malewicza) na wystawie „Exposition des Arts Incohérents” w Paryżu poeta Paul Bilot zaprezentował obraz „Combat de nègres dans un tunel” („Bitwa Murzynów w tunelu”). . To prawda, że ​​​​nie był to kwadrat, ale prostokąt.

Francuskiemu dziennikarzowi, pisarzowi i ekscentrycznemu humoryście Alphonse’owi Allaisowi spodobał się ten pomysł tak bardzo, że w 1893 roku rozwinął go dalej, nazywając swój czarny prostokąt „Combat de nègres dans une jaskini, wisiorek la nuit” („Bitwa Murzynów w jaskini w Martwa Noc”). Nie poprzestając na osiągniętym sukcesie, Allais opublikowała następnie nieskazitelną białą kartkę bristolskiej gazety zatytułowaną „Pierwsza komunia dziewcząt cierpiących na chlorozę w porze śnieżnej”.

. Sześć miesięcy później kolejny obraz Alphonse’a Allaisa został odebrany jako swego rodzaju „eksplozja kolorystyczna”. Prostokątny krajobraz „Zbieranie pomidorów nad brzegiem Morza Czerwonego przez apoplektycznych kardynałów” był jasnoczerwonym monochromatycznym obrazem bez najmniejszego śladu obrazu (1894). Wreszcie w 1897 roku Allais opublikował książkę zawierającą 7 obrazów, Album primo-avrilesque (Album prima aprilis).

I tak dwadzieścia lat przed suprematystycznymi objawieniami Kazimierza Malewicza „nieznanym autorem” pierwszych obrazów abstrakcyjnych stał się czcigodny artysta Alphonse Allais. Alphonse Allais zasłynął także z tego, że prawie siedemdziesiąt lat później niespodziewanie wyprzedził słynny minimalistyczny utwór muzyczny „4′33″” Johna Cage’a, czyli cztery i pół „minuty ciszy”. Być może jedyną różnicą między Alphonsem Allaisem a jego naśladowcami było to, że wystawiając swoje zadziwiająco nowatorskie dzieła, wcale nie starał się wyglądać jak znaczący filozof czy poważny pionier.

6 Obraz artysty abstrakcyjnego Henriego Matisse’a „Łódź” wisiał do góry nogami w Muzeum Sztuki Nowoczesnej przez czterdzieści siedem dni. W tym czasie udało się go zobaczyć 116 tysiącom osób.

Przedstawiono łódź płynącą i jej odbicie w powierzchni wody)) I trzeba na nią spojrzeć, obracając ją o 90 stopni
najedź tekstem
Moim zdaniem wspaniała ilustracja prawdziwej „wartości” takiej sztuki.

7 Pomysł przedstawienia miękkiego zegarka przyszedł do głowy Salvadorowi Dali, gdy patrzył, jak ser Camembert topi się w słońcu.

8 Vincent Van Gogh w całym swoim życiu sprzedał tylko jeden obraz.

Tragiczne życie Vincenta Van Gogha jest dziś popularne jako swego rodzaju święta legenda, według której ludzie wydają się potrzebować czegoś więcej niż blasku jego gwiazd i słoneczników. Głodna, wręcz żebracza egzystencja, pełna samotności i pogardy dla innych, już w XX wieku przerodziła się w ogólnoświatowe podekscytowanie i zainteresowanie. Van Gogh w ciągu swojego życia sprzedał tylko jeden obraz („Czerwone winnice w Arles”), a dokładnie sto lat później na aukcji Christie’s w Nowym Jorku jego „Portret doktora Gacheta” kupiono za 82,5 mln dolarów (rekord wśród obrazów) . Na tle tego niezdrowego kultu zatraca się wizerunek samego artysty, potężnego i jednocześnie bezbronnego, który swoją dramatyczną drogę na ziemi zakończył rozpaczą i samobójstwem. Van Gogh żył zaledwie 37 lat, z czego tylko ostatnie siedem poświęcił malarstwu. Jednak jego twórcze dziedzictwo jest niesamowite. To około tysiąca rysunków i prawie tyle samo obrazów, które powstały w wyniku twórczych erupcji wulkanów, kiedy przez wiele tygodni Van Gogh malował jeden lub dwa obrazy dziennie. Van Gogh stał się ostatnim naprawdę wielkim artystą w historii, niedoścignionym przykładem dla innych, którego bezinteresowna i bohaterska sztuka niczym pochodnia, jak tęcza jaśnieje teraz nad ludzkością. Jego obrazy to zachwycający dialog pełen miłości i cierpienia – z samym sobą, z Bogiem, ze światem…

9 Edgar Degas namalował około 1500 obrazów przedstawiających tancerzy baletowych .

10 Malarstwo Iwana Aiwazowskiego „Chaos. Stworzenie świata”, napisaną na podstawie Biblii, kupił papież Grzegorz XVI, przyznając artyście złoty medal.

„Włoskie” obrazy Aiwazowskiego, prezentowane na wystawach w Neapolu i Rzymie, przyniosły malarzowi uznanie i sukces. Krytycy pisali, że nikt nigdy nie przedstawił światła, powietrza i wody tak żywo i autentycznie. Angielski artysta Joseph Mallord William Turner, który odwiedził jedną z wystaw, na których prezentowane były prace rosyjskiego malarza, był tak zszokowany tym, co zobaczył, że zadedykował mu wiersz:

Wybacz mi, wielki artyście, jeśli się myliłem,
Biorąc twoje zdjęcie za rzeczywistość.
Ale Twoja praca mnie zafascynowała
I rozkosz mnie ogarnęła.
Twoja sztuka jest wysoka i monumentalna,
Ponieważ inspiruje Cię geniusz.

Stworzenie świata. Chaos. 1841

Największym dziełem stworzonym przez mistrza we Włoszech jest „Stworzenie świata. Chaos” (1841, Muzeum Ormiańskiej Kongregacji Mechitarystów, Wenecja).

Koncentrując się na umiejętnościach Karla Pietrowicza Bryulłowa, Aivazovsky stworzył płótno o wspaniałej wyrazistości, przedstawiające konfrontację, a jednocześnie wzajemne powiązanie dwóch pierwotnych elementów - nieba i wody, które oświetlają boskie światło, przeszywające je i jednoczące. Dzieło to, oparte na słowach z Księgi Rodzaju: „Ziemia była bezkształtna i pusta, a ciemności zapadły nad głębinami, a Duch Boży unosił się nad wodami” zostało wysoko ocenione przez papieża Grzegorza XVI.

Dziękuję..

Może Cię również zainteresować:

Widoki starej Moskwy

W nocy wszystkie koty są szare. Koty w pracach artystów

TIHAMIRA VON MARGITAI. Przeznaczenie z wzlotami i upadkami

Ciekawe historie i fakty ze świata sztuk pięknych.

Fakty o malarstwie

• Stworzenie słynnego sufitu Kaplicy Sykstyńskiej (XV w.) zajęło Michałowi Aniołowi zaledwie 4 lata, ale renowacja pod koniec XX wieku ciągnęła się prawie 20 lat.
  
  
• Brytyjczyk Tim Knowles opiera pomalowane gałęzie drzew o płótno, pozwalając, aby wiatr zrobił resztę.
• W Muzeum Sztuki Nowoczesnej (Nowy Jork) dzieło Le Bateau (Henri Matisse) wisiało „głową w dół” przez 46 dni, aż do wykrycia błędu.
  
  
• Ojciec Claude'a Moneta nie aprobował pracy syna, chcąc, aby pracował jako sprzedawca spożywczy.
  
  
• Uważa się, że pierwszy obraz powstał około 40 000 lat temu. W prehistorycznych pracach jaskiniowych używano szablonu. Inni artyści, których rysunki pochodzą z tego okresu, używali pustych kości ptaków do natryskiwania farby na ściany.
• Grecki filozof Platon jako pierwszy odkrył, że zmieszanie dwóch farb o różnych kolorach prowadzi do powstania trzeciej.
• Pierwszy związek malarzy powstał w Londynie w 1502 roku.
• John James Audubon namalował akwarelą 435 ptaków.
  
  
• Wielu Hindusów przedstawiało życie czarną farbą i śmierć żółtą farbą.
• Około 10% wszystkich farb zakupionych w USA trafia do kosza.
• Niektórzy naukowcy uważają, a malarze biorą to pod uwagę, że różne kolory mogą leczyć pewne dolegliwości. Na przykład czerwony pomaga złagodzić depresję i przywrócić siły, a zielony łagodzi stres.
• Wśród Azteków czerwone barwniki uważano za cenniejsze od złota.
• Pierwszym słowem, które wypowiedział Pablo Picasso, był „ołówek”.
• Pablo Picasso wykonał ponad 100 wstępnych szkiców obrazu „Les Demoiselles d'Avignon”, który przez krytyków został uznany za niemoralny.
  
• Do obrazu „Amerykański gotyk” Grant Wood jako modelki wykorzystał swoją siostrę ubraną w fartuch matki oraz 62-letnią dentystkę.
• Choć nieustraszony surrealista Salvador Dalí wolał nigdy nie wyjaśniać treści swojego dzieła, powiedział, że pomysł na jego kultowy zegar (Trwałość pamięci) zrodził się z kawałków sera Camembert topiących się na słońcu.
  
  

Można znaleźć ogromną ilość informacji o znanych artystach - jak żyli, jak tworzyli swoje nieśmiertelne dzieła. Wiele osób zwykle nie myśli o cechach charakteru i stylu życia artysty. Ale niektóre fakty z biografii lub historii powstania tego czy innego obrazu są czasami bardzo zabawne, a nawet prowokujące.

Pablo Picasso
Dobrzy artyści kopiują, świetni artyści kradną.

Kiedy urodził się Pablo Picasso, położna uznała go za martwego. Dziecko uratował wujek, który palił cygara i widząc dziecko leżące na stole, dmuchnął mu dymem w twarz, po czym Pablo zaczął ryczeć. Można zatem powiedzieć, że palenie uratowało życie Picassa.

Najwyraźniej Pablo urodził się jako artysta – jego pierwszym słowem było PIZ, skrót od LAPIZ (po hiszpańsku „ołówek”).

W pierwszych latach pobytu w Paryżu Picasso był tak biedny, że czasami zmuszony był palić swoje obrazy zamiast drewna na opał.

Picasso nosił długie ubrania i miał długie włosy, co było wówczas niespotykane.

Pełne imię Picassa składa się z 23 słów: Pablo Diego Jose Francisco de Paula Juan Nepomuceno Maria de los Remedios Cipriano de la Santisima Trinidad Martir Patricio Clito Ruiz and-Picasso.

Vincent van Gogh
Nie bój się popełniać błędów. Wielu ludzi wierzy, że staną się dobrzy, jeśli nie zrobią nic złego.

Uważa się, że obfitość żółtych i żółtych plam o różnych odcieniach na jego obrazach jest spowodowana intensywnym zażywaniem leków na padaczkę, która powstała w wyniku nadmiernego spożycia absyntu. „Gwiaździsta noc”, „Słoneczniki”.

W swoim burzliwym życiu Van Gogh odwiedził więcej niż jeden szpital psychiatryczny z diagnozami od schizofrenii po psychozę maniakalno-depresyjną. Jego najsłynniejszy obraz „Gwiaździsta noc” powstał w 1889 roku w szpitalu w miejscowości San Remy.

Popełnił samobójstwo. Postrzelił się w brzuch, ukrywając się na podwórku za stertą nawozu. Miał 37 lat.

Przez całe życie Van Gogh cierpiał na niską samoocenę. W ciągu swojego życia sprzedał tylko jedno ze swoich dzieł – Czerwoną Winnicę w Arles. A sława przyszła do niego dopiero po śmierci. Gdyby tylko Van Gogh wiedział, jak popularna stanie się jego twórczość.

Van Gogh nie odciął sobie całego ucha, a jedynie kawałek płatka ucha, co prawie nie bolało. Jednak nadal istnieje powszechna legenda, że ​​artysta amputował całe ucho. Legenda ta znalazła nawet odzwierciedlenie w zachowaniu pacjenta, który sam operuje lub nalega na określoną operację - nazywano to zespołem Van Gogha.

Leonardo da Vinci
Kto żyje w strachu, umiera ze strachu.

Leonardo jako pierwszy wyjaśnił, dlaczego niebo jest niebieskie. W książce „O malarstwie” napisał: „Błękit nieba powstaje dzięki grubości oświetlonych cząstek powietrza, które znajduje się pomiędzy Ziemią a czernią nad nami”.

Leonardo był oburęczny – równie dobrze radził sobie prawą i lewą ręką. Mówi się nawet, że różnymi rękami potrafił pisać różne teksty jednocześnie. Jednak większość swoich dzieł pisał lewą ręką, od prawej do lewej.

Po mistrzowsku grał na lirze. Kiedy sprawa Leonarda toczyła się w sądzie w Mediolanie, pojawił się tam właśnie jako muzyk, a nie jako artysta czy wynalazca.

Leonardo był pierwszym malarzem, który rozczłonkował zwłoki, aby zrozumieć położenie i strukturę mięśni.

Leonardo da Vinci był surowym wegetarianinem i nigdy nie pił mleka krowiego, uważając to za kradzież.

Salvador Dali
Gdybym nie miał wrogów, nie byłbym tym, kim jestem. Ale, dzięki Bogu, było wystarczająco dużo wrogów.

Przybywając do Nowego Jorku w 1934 roku, jako dodatek niósł w rękach 2-metrowy bochenek chleba, a zwiedzając wystawę twórczości surrealistycznej w Londynie ubrał się w kostium nurka.

Dali napisał obraz „Trwałość pamięci” („Miękkie godziny”) pod wrażeniem teorii względności Einsteina. Pomysł zrodził się w głowie Salvadora, gdy pewnego upalnego sierpniowego dnia patrzył na kawałek sera Camembert.

Salvador Dali często kładł się spać z kluczem w dłoni. Siedząc na krześle, zasnął z ciężkim kluczem ściskanym w palcach. Stopniowo chwyt słabł, klucz spadł i uderzył w leżący na podłodze talerz. Myśli, które pojawiły się podczas drzemek, mogą być nowymi pomysłami lub rozwiązaniami złożonych problemów.

Wielki artysta za życia zapisał się na pochówek w taki sposób, aby ludzie mogli chodzić po grobie, dlatego jego ciało zamurowano w ścianie w Muzeum Dali w Figueres. W tym pomieszczeniu nie wolno fotografować z lampą błyskową.

Pseudonim Salvadora Dali brzmiał „Avida Dollars”, co w tłumaczeniu oznacza „pasjonat dolarów”.

Logo Chupa Chups zostało narysowane przez Salvadora Dali. W nieco zmodyfikowanej formie przetrwał do dziś.

Prawie każde dzieło Dalego zawiera jego portret lub sylwetkę.

Henryk Matisse
Kwiaty kwitną wszędzie i każdy, kto chce je zobaczyć.

W 1961 roku obraz Henriego Matisse’a „Łódź” (Le Bateau), wystawiony w nowojorskim Muzeum Sztuki Nowoczesnej, wisiał do góry nogami przez czterdzieści siedem dni. Obraz wisiał w galerii 17 października i dopiero 3 grudnia ktoś zauważył pomyłkę.

Henri Matisse cierpiał na depresję i bezsenność, czasami płakał przez sen i budził się z krzykiem. Któregoś dnia bez powodu nagle przestraszył się, że oślepnie. Nauczył się nawet grać na skrzypcach, żeby po utracie wzroku móc zarabiać na życie jako muzyk uliczny.

Przez wiele lat Matisse żył w biedzie. Miał około czterdziestu lat, kiedy w końcu był w stanie samodzielnie utrzymać rodzinę.

Henri Matisse nigdy nie malował skał, domów z przezroczystego kryształu, pól uprawnych.

W ciągu ostatnich 10 lat życia zdiagnozowano u niego raka dwunastnicy i musiał poruszać się na wózku inwalidzkim.

Edvard Munch
W swojej sztuce próbowałam sobie wytłumaczyć życie i jego sens, ale także pomagałam innym w wyjaśnianiu ich życia.

Munch miał zaledwie pięć lat, gdy jego matka zmarła na gruźlicę, a potem stracił starszą siostrę. Od tego czasu motyw śmierci pojawiał się w jego twórczości nie raz, a droga życiowa artysty od pierwszych kroków deklarowała się jako życiowy dramat.

Jego obraz „Krzyk” jest najdroższym dziełem sztuki sprzedanym na aukcji publicznej.

Miał obsesję na punkcie pracy i sam tak mówił: „Pisanie to dla mnie choroba i odurzenie. Choroba, której nie chcę się pozbyć, i upojenie, w którym chcę pozostać.”

Paul Gauguin
Sztuka jest abstrakcją, wydobądź ją z natury, fantazjuj na jej podstawie i myśl bardziej o procesie tworzenia niż o rezultacie.

Artysta urodził się w Paryżu, ale dzieciństwo spędził w Peru. Stąd jego miłość do krajów egzotycznych i tropikalnych.

Gauguin łatwo zmieniał techniki i materiały. Interesował się także rzeźbą w drewnie. Często doświadczając trudności finansowych, nie mógł kupić farb. Potem wziął nóż i drewno. Ozdobił drzwi swojego domu na Markizach rzeźbionymi panelami.

Paul Gauguin pracował jako robotnik na Kanale Panamskim.

Artysta malował martwe natury głównie bez uciekania się do modela.

W 1889 r., po dokładnym przestudiowaniu Biblii, namalował cztery płótna, na których przedstawił siebie na obraz Chrystusa.

Częste i rozwiązłe relacje z dziewczynami doprowadziły do ​​tego, że Gauguin zachorował na kiłę.

Renoira Pierre’a Augusta
W wieku czterdziestu lat odkryłem, że królem wszystkich kolorów jest czarny.

Około 1880 roku Renoir po raz pierwszy złamał prawą rękę. Zamiast się zmartwić i użalać nad tym, bierze pędzel lewą ręką i po chwili nikt już nie wątpi, że obiema rękami będzie mógł malować arcydzieła.

W ciągu 60 lat udało mu się namalować około 6000 obrazów.

Renoir był tak zakochany w malarstwie, że nie przestawał pracować nawet w starszym wieku, cierpiąc na różne formy zapalenia stawów, i malował pędzlem przywiązanym do rękawa. Któregoś dnia jego bliski przyjaciel Matisse zapytał: „Auguste, dlaczego nie rzucisz malowania, tak bardzo cierpisz?” Renoir ograniczył się do odpowiedzi: „La douleur passe, la beauté reste” (Ból mija, ale piękno pozostaje).

Sprzedam obrazy współczesnych artystów