Ciekawi współcześni artyści. Artyści malarstwa współczesnego. Współcześni artyści Rosji. Sztuka współczesna w Rosji XXI wieku

Sztuką malarstwa współczesnego są dzieła powstałe obecnie lub w niedalekiej przeszłości. Minie pewna liczba lat i te obrazy staną się częścią historii. Dzieła malarstwa powstałe od lat 60. ubiegłego wieku do współczesności odzwierciedlają kilka nurtów w sztuce współczesnej, które można zaliczyć do postmodernizmu. W okresie secesji twórczość malarzy była szerzej reprezentowana, a w latach 70. XX wieku nastąpiła zmiana społecznej orientacji sztuki malarskiej.

Sztuka współczesna

Artyści malarstwa współczesnego reprezentują przede wszystkim nowe nurty w sztuce pięknej. W terminologii kulturowej istnieje pojęcie „sztuki współczesnej”, które w pewnym sensie koreluje z pojęciem „malarstwa współczesnego”. Przez sztukę współczesną artyści najczęściej mają na myśli innowację, gdy malarz zwraca się ku nowatorskim tematom, niezależnie od ich zainteresowania. Obraz można namalować i przedstawić dowolne przedsiębiorstwo przemysłowe. Albo na płótnie jest pejzaż z polem pszenicy, łąką, lasem, ale jednocześnie z pewnością w oddali zostanie narysowany kombajn. Styl malarstwa współczesnego zakłada społeczną orientację obrazu. Jednocześnie znacznie wyżej cenione są pejzaże współczesnych artystów pozbawione podtekstu społecznego.

Wybór kierunku

Od końca lat 90. artyści malarstwa współczesnego porzucili tematykę industrialną i przenieśli swoją twórczość do głównego nurtu czystej sztuki pięknej. Pojawili się mistrzowie doskonałego malarstwa portretowego, pejzażowego i martwej natury w stylu malarstwa flamandzkiego. I stopniowo w malarstwie współczesnym zaczęła pojawiać się prawdziwa sztuka, w niczym nie ustępująca obrazom wybitnych artystów XVIII i XIX wieku, a pod pewnymi względami nawet im przewyższająca. Dzisiejszym mistrzom pędzla pomaga rozwinięta baza techniczna i mnóstwo nowych narzędzi, które pozwalają im w pełni odzwierciedlić swoje plany na płótnie. W ten sposób artyści współczesnego malarstwa mogą tworzyć na miarę swoich możliwości. Oczywiście w procesie malowania ważna jest jakość farb czy pędzli, ale najważniejszy jest talent.

Abstrakcyjny ekspresjonizm

Współcześni artyści stosują metody malarskie, które pozwalają na stosowanie niegeometrycznych pociągnięć nakładanych w dużych ilościach na dużym płótnie. Używa się dużych pędzli, czasem pędzli malarskich. Takie malarstwo trudno nazwać sztuką w klasycznym tego słowa znaczeniu, ale abstrakcja jest kontynuacją surrealizmu, który pojawił się już w 1920 roku dzięki pomysłom Andre Bretona i od razu znalazł wielu naśladowców, takich jak Salvator Dali, Hans Hofmann , Adolfa Gottlieba. Jednocześnie artyści malarstwa współczesnego rozumieją ekspresjonizm na swój własny sposób. Dziś ten gatunek różni się od swojego poprzednika wielkością płócien, które mogą osiągnąć trzy metry długości.

Pop Art

Przeciwwagą dla abstrakcjonizmu była nowa awangarda konceptualna, promująca wartości estetyczne. Współcześni artyści zaczęli umieszczać na swoich obrazach wizerunki znanych postaci, takich jak Mao Zedong czy Marilyn Monroe. Sztukę tę nazywa się „pop-artem” – popularnym, powszechnie uznanym kierunkiem w malarstwie. Kultura masowa zastąpiła sztukę abstrakcyjną i dała początek szczególnemu typowi estetyki, która w barwny, efektowny sposób przedstawiała społeczeństwu to, co było na ustach wszystkich, najnowsze wydarzenia czy wizerunki znanych osób w różnych sytuacjach życiowych.

Założycielami i naśladowcami pop-artu byli Andy Warhol, Tom Wesselmann, Peter Blake, Roy Lichtenstein.

Fotorealizm

Sztuka współczesna jest wieloaspektowa, często wyłania się w niej nowy kierunek, łączący dwa lub więcej rodzajów twórczości wizualnej. Taką formą autoekspresji artysty stał się fotorealizm. Ten styl malarstwa pojawił się w USA w 1968 roku. Wymyślił go awangardowy artysta Louis Meisel, a gatunek ten został wprowadzony dwa lata później w Whitney Museum podczas wystawy „Dwudziestu dwóch realistów”.

Malarstwo w stylu fotorealizmu kojarzy się z fotografią, ruch obiektu zostaje zatrzymany w czasie. Artysta fotorealista kolekcjonuje swój obraz, który zostanie uchwycony na zdjęciu, za pomocą fotografii. Z negatywu lub slajdu obraz przenoszony jest na płótno poprzez projekcję lub za pomocą siatki skali. Następnie tworzony jest pełnoprawny obraz przy użyciu technologii malarskich.

Rozkwit fotorealizmu przypadł na połowę lat 70., potem nastąpił spadek popularności, a na początku lat 90. gatunek ten odrodził się ponownie. Uznani artyści pracowali głównie w USA, było wśród nich wielu rzeźbiarzy, którzy również tworzyli swoje dzieła za pomocą projekcji obrazu. Najbardziej znani mistrzowie malarstwa opartego na fotorealizmie to Richard Estes, Charles Bellet, Thomas Blackwell, Robert Demekis, Donald Eddy, Duane Hanson.

Artyści fotorealiści młodszego pokolenia - Raffaella Spence, Roberto Bernardi, Chiara Albertoni, Tony Brunelli, Olivier Romano, Bertrand Meniel, Clive Head.

Współcześni artyści Rosji

• Serge Fedulov (ur. 1958), pochodzący z Niewinnomysska na terytorium Stawropola. Uczestnik kilku wystaw w Ameryce Łacińskiej i Europie. Jego obrazy wyróżniają się realizmem i kontrastowymi zestawieniami kolorystycznymi.
• Michaił Gołubiew (ur. 1981) jest absolwentem klasy plastycznej Omskiej Szkoły Malarstwa. Obecnie mieszka w Petersburgu. Wyróżnia go niezwykły styl twórczości, wszystkie jego prace są malarskimi refleksjami o głębokim wydźwięku filozoficznym.
• Dmitrij Annenkov (ur. 1965) w Moskwie. Absolwentka Instytutu Sztuki Stroganowa. Popularny za granicą, ale preferuje wystawy rosyjskie. Twórczość Annenkowa jest realistyczna, artysta jest uznanym mistrzem martwej natury.

Rosyjscy impresjoniści

• Alexey Chernigin, rosyjski artysta impresjonistyczny (ur. 1975), jest synem słynnego artysty Aleksandra Czernigina. Studiował malarstwo i projektowanie graficzne w Szkole Artystycznej w Niżnym Nowogrodzie. Ukończył Instytut Architektury w Niżnym Nowogrodzie, uzyskując dyplom z wzornictwa przemysłowego. Od 1998 członek Związku Artystów Rosji. Od 2001 roku jest wykładowcą NGASU na Wydziale Architektury Wnętrz.
• Konstantin Lupanov, artysta krasnodarski (ur. 1977). Absolwentka Akademii Przemysłowej Państwowego Uniwersytetu Kultury i Sztuki na kierunku Malarstwo Monumentalne. Uczestnik wielu wystaw sztuki w Petersburgu. Wyróżnia go rzadki styl malarstwa olejnego z wirującymi pociągnięciami. Obrazy Łupanowa są całkowicie pozbawione kontrastujących zestawień kolorystycznych, obrazy zdają się przenikać jeden w drugi. Sam artysta nazywa swoje prace „wesołym, nieodpowiedzialnym kiczem”, jednak jest w tym stwierdzeniu pewna kokieteria: obrazy są właściwie malowane dość profesjonalnie.

Rosyjscy artyści malujący w stylu aktu

• Siergiej Marshennikow (ur. 1971), jeden z najsłynniejszych rosyjskich artystów naszych czasów. Absolwentka Ufa College of Arts. Jego obrazy są przykładem rażącego realizmu. Prace sprawiają wrażenie artystycznej fotografii, kompozycja jest niezwykle precyzyjna, a każde pociągnięcie jest weryfikowane. Żona artysty, Natalia, najczęściej pełni rolę modelki, co pomaga mu stworzyć zmysłowy obraz.
• Vera Vasilyevna Donskaya-Khilko (ur. 1964), wnuczka słynnego śpiewaka operowego Ławrentija Dmitriewicza Donskoja. Najwybitniejszy przedstawiciel współczesnego malarstwa rosyjskiego. Rysuje w stylu fabuły nago. W palecie twórczej artysty znajdują się piękności z orientalnego haremu i nagie wiejskie dziewczyny na brzegu rzeki w noc Iwana Kupały, rosyjska łaźnia z gorącymi kobietami wychodzącymi na śnieg i pływającymi w lodowej dziurze. Artysta dużo i utalentowanie rysuje.

Współcześni rosyjscy artyści i ich twórczość cieszą się coraz większym zainteresowaniem koneserów sztuk pięknych na całym świecie.

Malarstwo współczesne jako sztuka światowa

Obecnie twórczość wizualna przybrała formy odmienne od tych, na które było zapotrzebowanie w XVIII i XIX wieku. Współcześni artyści świata zwrócili się w stronę awangardy w węższym ujęciu, płótna nabrały wyrafinowania i nabrały większego znaczenia. Dzisiejsze społeczeństwo potrzebuje sztuki zaktualizowanej; potrzeba ta rozciąga się na wszystkie rodzaje twórczości, w tym malarstwo. Obrazy współczesnych artystów, jeśli są wykonane na odpowiednio wysokim poziomie, zostają wyprzedane i stają się przedmiotem targów lub wymiany. Niektóre obrazy znajdują się na liście szczególnie cennych dzieł sztuki. Obrazy z przeszłości, namalowane przez wielkich malarzy, są wciąż poszukiwane, ale coraz większą popularnością cieszą się współcześni artyści. Olej, tempera, akwarela i inne farby pomagają im w kreatywności i pomyślnej realizacji planów. Malarze z reguły trzymają się jednego stylu. Może to być krajobraz, portret, sceny batalistyczne lub inny gatunek. W związku z tym artysta wybiera do swojej pracy określony rodzaj farby.

Współcześni artyści świata

Najsłynniejsi współcześni artyści różnią się stylem malarstwa, ich pędzel jest rozpoznawalny, czasem nie trzeba nawet patrzeć na podpis w dolnej części płótna. Znani mistrzowie malarstwa współczesnego to Philip Pearlstein, Alexander Isachev, Francis Bacon, Stanislav Plutenko, Peter Blake, Freud Lucien, Michael Parkes, Guy Johnson, Eric Fischl, Nikolai Błochin, Wasilij Shulzhenko.

) w swoich wyrazistych, rozległych pracach potrafiła zachować przezroczystość mgły, lekkość żagla i płynne kołysanie statku na falach.

Jej obrazy zadziwiają głębią, objętością, bogactwem, a fakturą jest taka, że ​​nie sposób oderwać od nich wzroku.

Ciepła prostota Walentina Gubariewa

Artysta prymitywista z Mińska Walentin Gubariew nie goni za sławą i po prostu robi to, co kocha. Jego twórczość jest niezwykle popularna za granicą, ale jego rodakom jest prawie nieznana. W połowie lat 90. Francuzi zakochali się w jego codziennych szkicach i podpisali z artystą kontrakt na 16 lat. Obrazy, które, wydawałoby się, powinny być zrozumiałe tylko dla nas, nosicieli „skromnego uroku nierozwiniętego socjalizmu”, spodobały się europejskiej publiczności, a wystawy rozpoczęły się w Szwajcarii, Niemczech, Wielkiej Brytanii i innych krajach.

Zmysłowy realizm Siergieja Marshennikowa

Siergiej Marshennikow ma 41 lat. Mieszka w Petersburgu i tworzy w najlepszych tradycjach klasycznej rosyjskiej szkoły portretu realistycznego. Bohaterkami jego płócien są kobiety delikatne i bezbronne w swojej półnagości. Wiele z najsłynniejszych obrazów przedstawia muzę i żonę artysty, Natalię.

Krótkowzroczny świat Philipa Barlowa

We współczesnej dobie obrazów o wysokiej rozdzielczości i wzrostu hiperrealizmu twórczość Philipa Barlowa od razu przyciąga uwagę. Wymaga to jednak od widza pewnego wysiłku, aby zmusić się do spojrzenia na rozmyte sylwetki i jasne plamy na płótnach autora. Prawdopodobnie tak właśnie osoby cierpiące na krótkowzroczność postrzegają świat bez okularów i soczewek kontaktowych.

Słoneczne króliczki autorstwa Laurenta Parseliera

Malarstwo Laurenta Parceliera to niesamowity świat, w którym nie ma ani smutku, ani przygnębienia. Nie znajdziesz u niego ponurych i deszczowych zdjęć. W jego płótnach jest dużo światła, powietrza i jasnych kolorów, które artysta stosuje charakterystyczną, rozpoznawalną kreską. Stwarza to wrażenie, że obrazy są utkane z tysiąca promieni słońca.

Dynamika miejska w twórczości Jeremy’ego Manna

Amerykański artysta Jeremy Mann maluje dynamiczne portrety nowoczesnej metropolii w oleju na drewnianych panelach. „Abstrakcyjne kształty, linie, kontrast jasnych i ciemnych plam – wszystko to tworzy obraz, który przywołuje wrażenie, jakiego doświadcza się w tłumie i zgiełku miasta, ale może także wyrazić spokój, jaki można odnaleźć w kontemplacji cichego piękna.” mówi artysta.

Iluzoryczny świat Neila Simona

W obrazach brytyjskiego artysty Neila Simone nic nie jest takie, jakim się wydaje na pierwszy rzut oka. „Dla mnie otaczający mnie świat to seria kruchych i ciągle zmieniających się kształtów, cieni i granic” – mówi Simon. A w jego obrazach wszystko jest naprawdę iluzoryczne i ze sobą powiązane. Granice się zacierają, a historie przenikają się.

Dramat miłosny Josepha Lorasso

Współczesny amerykański artysta Joseph Lorusso, Włoch z urodzenia, przenosi na płótno tematy, które obserwował w codziennym życiu zwykłych ludzi. Uściski i pocałunki, namiętne wybuchy, chwile czułości i pożądania wypełniają jego emocjonalne obrazy.

Życie na wsi Dmitrija Levina

Dmitry Levin to uznany mistrz rosyjskiego krajobrazu, który dał się poznać jako utalentowany przedstawiciel rosyjskiej szkoły realistycznej. Najważniejszym źródłem jego twórczości jest przywiązanie do natury, którą kocha czule i namiętnie i której czuje się częścią.

Jasny Wschód – Walery Błochin

Na zdjęciu obraz słynnego współczesnego włoskiego artysty Aurelio Bruni. Mieszka i pracuje w Umbrii. Artysta maluje w stylu hiperrealizmu i symboliki, zorganizował 25 wystaw osobistych, brał udział w 53 wystawach zbiorowych, ma na swoim koncie 10 różnych nagród i wyróżnień.

„Droga do Yorku przez Sledmere” to obraz słynnego współczesnego brytyjskiego artysty Davida Hockneya. W dniu 21 czerwca 2006 r. Hockney's Splash został sprzedany za 2,6 miliona funtów. Jego obraz Wielki Kanion, składający się z 60 małych obrazów połączonych w jeden wielki obraz, został kupiony przez Australijską Galerię Narodową za 4,6 miliona dolarów. Obraz „Gospodyni domowa z Beverly Hills” został sprzedany w Christie’s w Nowym Jorku za 7,9 mln dolarów. W 2016 r. jego pejzaż „Waldgate Woods” został sprzedany w Sotheby’s za 9,4 mln funtów. Cena ta stała się nowym rekordem Davida Hockneya.

Na zdjęciu obraz słynnego współczesnego amerykańskiego artysty Warrena Changa. Dzięki mistrzowskiemu oddaniu światła i stonowanych tonów jego obrazy wyglądają bardzo realistycznie i doskonale oddają emocje i nastrój. Większość jego obrazów przedstawia ludzi zaangażowanych w czynności zawodowe lub codzienne. Maluje także obrazy do wnętrz. Warren Chang ma wiele różnych tytułów i nagród. Mieszka i pracuje w Monterey w Kalifornii.

Obraz jest abstrakcją współczesnego słynnego niemieckiego artysty Gerharda Richtera, jednego z najbogatszych artystów na całym świecie. Obraz pokazany na tym zdjęciu został sprzedany w Londynie w Sotheby's za 44,52 miliona dolarów (30,4 miliona).

Na zdjęciu obraz słynnego współczesnego francuskiego artysty Martial Rice. W 1993 roku jedno z jego dzieł kupił miliarder Francois Pinault. W 2011 roku obraz Rice’a „Ostatni rok na Capri” został sprzedany na aukcji Christie’s za 6,58 mln dolarów (najwyżej spośród wszystkich sprzedanych wcześniej dzieł innych żyjących francuskich artystów).W 2013 roku znalazł się na liście Top 50 najdroższych żyjących artystów.

Obraz słynnego współczesnego kanadyjskiego artysty Albiniego Leblanc, mistrza miniaturowych pejzaży miejskich za pomocą szpachli. Artysta mieszka i pracuje w Quebecu. Jego prace można oglądać w galeriach sztuki w Montrealu, Toronto, Vancouver i Quebec City. Albini Leblanc zorganizowała 15 wystaw osobistych, brała udział w 7 wystawach zbiorowych i ma na swoim koncie 8 różnych nagród i wyróżnień.

Na zdjęciu obraz słynnego współczesnego japońskiego artysty Tomoko Kashiki. Artystka organizowała wystawy indywidualne w Singapurze, Francji i Japonii oraz brała udział w wystawach zbiorowych w Chinach, USA, Australii, Japonii, Indonezji, Wielkiej Brytanii, Zjednoczonych Emiratach Arabskich i Singapurze. Jej prace można oglądać w zbiorach publicznych w Queensland Art Gallery w Brisbane w Australii; w jednej z największych japońskich firm ubezpieczeniowych – Dai-ichi Life Insurance Limited; w Muzeum Sztuki Dawnej i Nowej na Tasmanii, Australia; w kolekcji dzieł sztuki Toyoty.

Obraz „Kolorowanie” słynnego współczesnego ukraińskiego artysty Olega Tistola. Ten obraz został sprzedany w Phillips za 53 900 dolarów. Według Forbesa Oleg Tistol jest jednym z trzech artystów, którzy odnieśli największe sukcesy na Ukrainie. Urodził się we Wradiewce w obwodzie mikołajewskim, mieszka i pracuje w Kijowie, jest członkiem Związku Artystów Ukrainy, brał udział w wielu wystawach na Ukrainie, w Rosji, Estonii, Polsce, USA, Islandii, Słowenii, Holandii, Szwajcarii , Wielkiej Brytanii, Danii, Brazylii, Niemczech, Norwegii, Francji i Włoszech. Oleg Tistol brał udział w biennale: w 1994 r. – „17 września”, 22. Biennale w Sao Paulo; w 2001 r. – „Pierwszy projekt ukraiński”, 49. Biennale w Wenecji. Jego obrazy znajdują się w kolekcjach: w PinchukArtCentre, w Kijowie, na Ukrainie; w kolekcji Norton Dodge w USA; w Stedelijk Museum w Amsterdamie, Holandia; w Christoph Merian Stiftung w Bazylei, Szwajcaria; w Ministerstwie Kultury Turcji w Ankarze; w Muzeum Historii Moskwy w Rosji.

Na zdjęciu obraz znanego współczesnego polskiego artysty Wojciecha Babskiego. Artysta mieszka i pracuje w Katowicach. Cieszy się popularnością nie tylko w Polsce, ale także za granicą. Wojciech Babski otrzymał następujące nagrody: I ​​miejsce w nominacji „The 2016 American Art Awards” w kategorii malarstwo pop-art; I miejsce w nominacji „The 2016 American Art Awards” w kategorii obrazy komentujące politykę; III miejsce w kategorii „The 2016 American Art Awards” w kategorii obrazy akrylowe; 4. i 5. miejsce w nominacji „The 2016 American Art Awards” w kategorii ekspresjonizm.

Na zdjęciu obraz słynnej współczesnej białoruskiej artystki Anny Silivonchik. Artystka urodziła się w Homlu, dziś mieszka i pracuje w Mińsku. Anna Silivonchik jest członkinią Białoruskiego Związku Artystów, została odznaczona medalem „Talent i powołanie” od międzynarodowego sojuszu „Rozjemca”, jej prace znajdują się w Muzeum Narodowym Republiki Białorusi, Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Mińsku, Muzeum Współczesnej Sztuki Rosyjskiej w Jersey City (USA), finansuje Zespół Pałacowo-Parkowy Gomel, Państwowe Muzeum-Rezerwat Jełabugi w Rosji, zbiory prywatne na Białorusi, w Rosji, Francji, USA, Japonii, Izraelu, Włoszech, Niemczech i Polsce. W latach 2001-2016 artysta zorganizował wiele wystaw osobistych na Białorusi, w Rosji, Niemczech i Ukrainie, a także brał udział w wystawach zbiorowych na Białorusi, USA, Rosji, Estonii, Ukrainie, Łotwie, Czechach, Polsce, Niemczech, Węgrzech , Holandii i Kazachstanie.

Obraz słynnego współczesnego tureckiego artysty Gürbüza Dogana Ekcioglu. Ten światowej sławy turecki rysownik i grafik pochodzący z Ordu może pochwalić się ponad 70 nagrodami, z czego około jedna trzecia ma charakter międzynarodowy. Grbz Doan Ekiolu brał udział w wielu wystawach zbiorowych w Turcji i za granicą oraz miał ponad 20 wystaw osobistych, z czego jedna odbyła się w Nowym Jorku. Jego prace publikowano w „Atlantyku”, „New York Timesie” i zdobiły okładki magazynów „New Yorker” i „Forbes”.

Obraz słynnego współczesnego egipskiego artysty Hossama Dirara. Artysta urodził się, mieszka i pracuje w Kairze. Hossam Dirar miał wiele wystaw indywidualnych w takich krajach jak: Bahrajn, Wielka Brytania, Słowacja, Włochy, Francja, Austria, Czechy, Węgry, Słowenia i Egipt. Brał także udział w wystawach zbiorowych w Niemczech, Egipcie i Republice Południowej Afryki.

Zdjęcie przedstawia obraz słynnego współczesnego chińskiego artysty Zenga Fanzhi „Ostatnia wieczerza”. Obraz ten został sprzedany w październiku 2013 roku w Hongkongu w Sotheby's za 23,3 miliona dolarów, ustanawiając nowy rekord współczesnej sztuki azjatyckiej. Wcześniej, w maju 2008 roku, kiedy Christie's zorganizował pierwszą wyprzedaż azjatyckiej sztuki współczesnej w Hongkongu, jego Mask Series Painting No 6 sprzedano za 75 367 500 HKD. Był to rekord świata w tym roku pod względem ceny sprzedaży wśród wszystkich artystów.

Na zdjęciu obraz słynnego współczesnego greckiego artysty Nikosa Giftakisa. Artysta urodził się, mieszka i pracuje w Atenach. Cieszy się dużą popularnością nie tylko w Grecji, organizował wystawy indywidualne i brał udział w wielu wystawach zbiorowych w takich krajach jak Szwajcaria, Cypr, Niemcy, Włochy, Belgia, Szwecja, Brazylia, Rosja i Grecja.

Obraz słynnego współczesnego gruzińskiego artysty Davida Popiaszwilego. Artystka pochodzi z Tbilisi, jest członkiem Związku Artystów Gruzji, brała udział w wystawach we Francji, Niemczech, Bułgarii, Rosji i Gruzji. Wiele jego prac znajduje się w muzeach i kolekcjach prywatnych w Gruzji i za granicą.

Obraz został namalowany przez słynnego współczesnego artystę ze Zjednoczonych Emiratów Arabskich Abdula Qadera Al-Raisa. Artysta jest jednym z założycieli Emirates Fine Arts Society i uważany jest za jednego z pionierów sztuki współczesnej w Emiratach. Jego prace można znaleźć w Emirates Palace (hotel prezydencki w Abu Zabi), urzędach rządowych oraz w osobistych kolekcjach dzieł sztuki członków rodziny królewskiej w Dubaju. Artystka brała udział w różnych wystawach zbiorowych, a także organizowała wystawy indywidualne w różnych krajach (Czechy, Liban, USA, Niemcy, Kuwejt, Katar, Oman, Arabia Saudyjska, Syria i Zjednoczone Emiraty Arabskie) oraz otrzymała wiele nagród.

Na zdjęciu obraz słynnego współczesnego holenderskiego artysty Tjalf Sparnaay. Artystka pochodzi z Holandii, mieszka i pracuje w mieście Hilversum, zorganizowała 14 wystaw indywidualnych i brała udział w wielu wystawach zbiorowych w różnych krajach (USA, Wielka Brytania, Belgia, Estonia, Niemcy, Kanada, Austria i Holandia). Jego prace znajdują się w kolekcjach prywatnych i publicznych w wielu krajach.

Obraz słynnego współczesnego hiszpańskiego artysty Miguela Barceló. W 2003 roku otrzymał Nagrodę Księcia Asturii w dziedzinie sztuki, jedną z najważniejszych nagród w Hiszpanii. W 2004 roku wystawił w Luwrze akwarele, które stworzył do zilustrowania Boskiej komedii, stając się pierwszym żyjącym współczesnym artystą wystawiającym w muzeum. Artysta znajduje się w gronie 30 najbogatszych artystów świata. Jego obrazy są drogie. Przykładowo ten, którego zdjęcie prezentujemy powyżej, kosztuje 244 398 dolarów.

Obraz namalował słynny współczesny szwajcarski artysta Urs Fischer. Pochodząca z Zurychu artystka znajduje się w gronie 50 najbogatszych artystów świata. Słynie z prowokacyjnego podejścia do sztuki, choć podlega jej prawom; sprzeciwia się prezentowaniu sztuki jako towaru komercyjnego, chociaż sam sprzedaje swoje dzieła po wysokich cenach, umiejętnie wchodząc w interakcję z rynkiem sztuki i kolekcjonerami.

Na zdjęciu obraz słynnej współczesnej izraelskiej artystki Orny Ben-Shoshan. Mieszka i pracuje w mieście Ra'anana, miała na swoim koncie wiele wystaw indywidualnych i brała udział w wystawach zbiorowych w takich krajach jak USA, Włochy, Wielka Brytania, Cypr, Francja i Izrael. Patrząc na prace artysty, zafascynuje Cię niesamowity świat, w którym wszystko jest możliwe. Skorzystaj z tego, aby wzbogacić swoją wyobraźnię, poszerzyć horyzonty i poznać szybko rozwijającego się utalentowanego artystę.

Na zdjęciu obraz słynnego współczesnego tajskiego artysty Direka Kingnocka, akwarelisty pochodzącego z miasteczka Nakhon Ratchasima. Obecnie mieszka i pracuje w mieście Khon Kaen. Już w wieku 9 lat Direk zdobył złoty medal na Międzynarodowym Konkursie Sztuki Dziecięcej w Japonii. Brał udział w wystawach w Wietnamie, Chinach, Turcji, Włoszech, Rosji, Korei Południowej, Malezji, Grecji, Albanii i Tajlandii.

Obraz słynnego współczesnego norweskiego artysty Christera Karlstada. Mieszka i pracuje w Drammen, miał wystawy indywidualne i brał udział w wystawach zbiorowych w USA, Szwecji i Norwegii.

Na zdjęciu obraz słynnego współczesnego duńskiego artysty Jana Esmanna. Artysta urodził się, mieszka i pracuje w Danii, brał udział w wystawach w takich krajach jak Niemcy, USA, Dania.

Obraz namalował słynny współczesny szwedzki artysta Nisse Nidej Ottenhag. Artystka pochodząca z małej miejscowości Lilla Edet brała udział w wielu wystawach w różnych krajach (w USA, Francji, Monako, Namibii i Szwecji).

Na zdjęciu obraz słynnej współczesnej australijskiej artystki Elizabeth Barsham. Urodziła się, mieszka i pracuje na Tasmanii i zdobyła wiele nagród. Jej prace często można znaleźć na okładkach magazynów lub jako ilustracje do artykułów. Często pisze się o niej także w prasie. Artysta brał udział w wielu wystawach oraz organizował wystawy indywidualne w różnych krajach (Wielka Brytania, Singapur, Włochy, Australia).

Ranking najdroższych dzieł żyjących artystów to konstrukcja, która mówi znacznie mniej o roli i miejscu artysty w historii sztuki, niż o wieku i stanie zdrowia

Zasady sporządzania naszej oceny są proste: po pierwsze, pod uwagę brane są wyłącznie transakcje z dziełami żyjących autorów; po drugie, pod uwagę brana jest wyłącznie sprzedaż na aukcjach publicznych; i po trzecie, przestrzegana jest zasada „jeden artysta – jedno dzieło” (jeśli w rankingu dzieł dwie płyty należą do Jonesa, pozostaje tylko ta najdroższa, a pozostałych nie bierze się pod uwagę). Ranking prowadzony jest w przeliczeniu na dolary (według kursu z dnia sprzedaży).

1. JEFF KOONS Królik. 1986. 91,075 milionów dolarów

Im dłużej przyglądasz się aukcyjnej karierze Jeffa Koonsa (1955), tym bardziej przekonujesz się, że dla pop-artu nie ma rzeczy niemożliwych. Można podziwiać rzeźby Koonsa w formie balonowych zabawek, ale można też uznać je za kicz i zły gust - masz rację. Jednego nie można odmówić: instalacje Jeffa Koonsa kosztują szalone sumy pieniędzy.

Jeff Koons rozpoczął swoją drogę do sławy jako żyjący artysta odnoszący największe sukcesy w 2007 roku, kiedy w Sotheby's zakupiono jego gigantyczną metalową instalację „Hanging Heart” za 23,6 miliona dolarów. Dzieło kupiła galeria Larry’ego Gagosiana, która reprezentuje Koonsa. – napisali prasie, że jest to w interesie ukraińskiego miliardera Wiktora Pinczuka). Galeria pozyskała nie tylko instalację, ale w istocie dzieło sztuki jubilerskiej. Mimo że dzieło nie było wykonane ze złota (materiał nierdzewny stal) i był wyraźnie większy od zwykłego wisiorka (rzeźba ma 2,7 m wysokości i waży 1600 kg), ale miał podobne przeznaczenie. Ponad sześć i pół tysiąca godzin poświęcono na wykonanie kompozycji z sercem pokryty dziesięcioma warstwami farby, w efekcie za efektowną „dekorację” zapłacono ogromne sumy pieniędzy.

Następnie 30 czerwca 2008 roku na aukcji Christie’s w Londynie sprzedano fioletowy „Balloon Flower” za 12,92 miliona funtów (25,8 miliona dolarów). Co ciekawe, siedem lat wcześniej poprzedni właściciele „Kwiatka” kupili dzieło za 1,1 miliona dolarów, a jak łatwo wyliczyć, w tym czasie jego cena rynkowa wzrosła niemal 25-krotnie.

Spadek na rynku sztuki w latach 2008–2009 dał sceptykom powód do narzekań, że moda na Koonsa już minęła. Mylili się jednak: wraz z rynkiem sztuki odrodziło się zainteresowanie twórczością Koonsa. Następca Andy'ego Warhola jako król pop-artu poprawił swój osobisty rekord w listopadzie 2012 roku, sprzedając w Christie's wielobarwną rzeźbę „Tulipany” z serii „Celebration” za 33,7 miliona dolarów (w tym prowizja).

Ale „Tulipany” były „kwiatami” w sensie dosłownym i przenośnym. Zaledwie rok później, w listopadzie 2013 r., nastąpiła sprzedaż rzeźby ze stali nierdzewnej „Balonowy pies (pomarańczowy)”: cena młotka wyniosła aż 58,4 mln dolarów! Bajeczna suma dla żyjącego artysty. Dzieło współczesnego autora zostało sprzedane za cenę obrazu Van Gogha lub Picassa. To były już jagody...

Dzięki temu wynikowi Koons przez kilka lat królował na szczycie rankingów żyjących artystów. W listopadzie 2018 na krótko wyprzedził go David Hockney (patrz drugie miejsce w naszym rankingu). Ale zaledwie sześć miesięcy później wszystko wróciło do normy: 15 maja 2019 roku w Nowym Jorku, na aukcji sztuki powojennej i współczesnej w Christie's, wystawiono na sprzedaż podręcznikową rzeźbę Koonsa z 1986 roku – srebrną „ Królik” wykonany ze stali nierdzewnej imitujący balon o podobnym kształcie.

W sumie Koons stworzył 3 takie dowcipy i jeden oryginalny egzemplarz. Przedmiotem licytacji był egzemplarz „Królika” numer 2 – z kolekcji kultowego wydawcy Cy Newhouse, współwłaściciela wydawnictwa Conde Nast (magazyny Vogue, Vanity Fair, Glamour, GQ itp.). Srebrnego „Królika” kupił „ojciec glamour” Cy Newhouse w 1992 roku za imponującą jak na ówczesne standardy sumę – 1 milion dolarów. Po 27 latach walki 10 oferentów cena młotkowa rzeźby była 80-krotnie wyższa od poprzedniej ceny sprzedaży. Biorąc pod uwagę prowizję Kupującego, ostateczny wynik wyniósł 91,075 miliona dolarów, co stanowi rekord dla wszystkich żyjących artystów.

2. DAVID HOCKNEY Portret artysty. Basen z dwiema postaciami. 1972. 90 312 500 dolarów

David Hockney (1937) to jeden z najważniejszych brytyjskich artystów XX wieku. W 2011 roku, według ankiety przeprowadzonej wśród tysięcy profesjonalnych brytyjskich artystów i rzeźbiarzy, David Hockney został uznany za najbardziej wpływowego brytyjskiego artystę wszechczasów. W tym samym czasie Hockney pokonał takich mistrzów jak William Turner i Francis Bacon. Jego twórczość zazwyczaj zaliczana jest do pop-artu, choć we wczesnych pracach skłaniał się bardziej ku ekspresjonizmowi w duchu Francisa Bacona.

David Hockney urodził się i wychował w Anglii, w hrabstwie Yorkshire. Matka przyszłego artysty utrzymywała w rodzinie purytańską surowość, a ojciec, prosty księgowy, amatorsko rysujący, zachęcał syna do zajęcia się malarstwem. Mając dwadzieścia kilka lat, David przeprowadził się do Kalifornii, gdzie mieszkał łącznie przez około trzydzieści lat. Nadal ma tam dwa warsztaty. Hockney uczynił bohaterami swoich dzieł miejscowych bogatych ludzi, ich wille, baseny, trawniki zalane kalifornijskim słońcem. Jedno z jego najsłynniejszych dzieł okresu amerykańskiego – obraz „Plusk” – to obraz snopka rozprysków unoszących się z basenu po wskoczeniu mężczyzny do wody. Aby zobrazować ten snop, który „żyje” nie dłużej niż dwie sekundy, Hockney pracował przez dwa tygodnie. Nawiasem mówiąc, obraz ten został sprzedany w Sotheby’s w 2006 roku za 5,4 miliona dolarów i przez pewien czas uznawany był za jego najdroższe dzieło.

Hockney (1937) ma już ponad osiemdziesiąt lat, ale nadal pracuje, a nawet wymyśla nowe techniki artystyczne, wykorzystując nowinki techniczne. Kiedyś wpadł na pomysł robienia ogromnych kolaży z polaroidów, drukował swoje prace na faksach, a dziś artysta z entuzjazmem doskonali rysowanie na iPadzie. Na jego wystawach godne miejsce zajmują obrazy rysowane na tabliczce.

W 2005 roku Hockney wreszcie wrócił ze Stanów do Anglii. Obecnie maluje w plenerze iw pracowni ogromne (często składające się z kilku części) pejzaże lokalnych lasów i wrzosowisk. Według Hockneya w ciągu 30 lat spędzonych w Kalifornii tak bardzo przyzwyczaił się do prostej zmiany pór roku, że naprawdę go to fascynuje i fascynuje. Całe cykle jego ostatnich prac poświęcone są na przykład temu samemu krajobrazowi w różnych porach roku.

W 2018 roku ceny obrazów Hockneya kilkakrotnie przekroczyły granicę 10 milionów dolarów. A 15 listopada 2018 roku Christie’s zarejestrowała nowy absolutny rekord w dziedzinie twórczości żyjącego artysty – 90 312 500 dolarów za obraz „Portret artysty (basen z dwiema figurami)”.

3. GERHARD RICHTER Malarstwo abstrakcyjne. 1986. 46,3 miliona dolarów

Żywy klasyk Gerharda Richtera (1932) zajmuje drugie miejsce w naszym rankingu. Niemiecki artysta był liderem wśród swoich żyjących kolegów do czasu pobicia rekordu 58 milionów Jeffa Koonsa. Jest jednak mało prawdopodobne, aby ta okoliczność zachwiała i tak już żelaznym autorytetem Richtera na rynku sztuki. Pod koniec 2012 roku roczne obroty aukcyjne niemieckiego artysty ustępowały jedynie obrotom Andy'ego Warhola i Pabla Picassa.

Przez wiele lat nic nie zapowiadało sukcesu, jaki spotkał teraz Richtera. Artysta przez dziesięciolecia zajmował skromne miejsce na rynku sztuki współczesnej i wcale nie zabiegał o sławę. Można powiedzieć, że sława go ogarnęła sama. Za punkt wyjścia wielu uważa zakup przez nowojorskie Muzeum MoMA w 1995 roku serii prac Richtera „18 października 1977”. Amerykańskie muzeum zapłaciło 3 miliony dolarów za 15 obrazów w odcieniach szarości i wkrótce zaczęło myśleć o zorganizowaniu pełnoprawnej retrospektywy niemieckiego artysty. Wspaniałą wystawę otwarto sześć lat później, w 2001 roku, i od tego czasu zainteresowanie twórczością Richtera gwałtownie wzrosło. Od 2004 do 2008 roku ceny jego obrazów potroiły się. W 2010 roku prace Richtera zarobiły już 76,9 mln dolarów, w 2011 – według portalu Artnet – prace Richtera zarobiły na aukcjach łącznie 200 mln dolarów, a w 2012 (wg Artprice) – 262,7 mln dolarów – więcej niż dzieło jakiegokolwiek innego żywy artysta.

O ile np. olbrzymi sukces aukcyjny Jaspera Johnsa towarzyszy głównie jego wczesnym pracom, o tyle tak ostry podział nie jest typowy dla twórczości Richtera: popyt jest równie stabilny na rzeczy z różnych okresów twórczych, których było w Polsce bardzo dużo Kariera Richtera. W ciągu ostatnich sześćdziesięciu lat artysta próbował swoich sił w prawie wszystkich tradycyjnych gatunkach malarstwa - portrecie, pejzażu, morzu, akcie, martwej naturze i oczywiście abstrakcji.

Historia rekordów aukcyjnych Richtera rozpoczęła się od serii martwych natur „Świece”. 27 fotorealistycznych obrazów świec z początku lat 80. XX wieku, w okresie ich malowania, kosztowało zaledwie 15 tysięcy marek niemieckich (5800 dolarów) za dzieło. Ale nadal nikt nie kupił „Świec” na ich pierwszej wystawie w Galerii Maxa Hetzlera w Stuttgarcie. Wtedy temat obrazów nazwano staromodnym; dziś „Świece” uważane są za dzieło ponadczasowe. A kosztują miliony dolarów.

W lutym 2008 roku „Świeczka”, napisany w 1983 roku, został niespodziewanie kupiony za funty 7,97 mln (16 mln dolarów). Ten osobisty rekord trwał trzy i pół roku. Następnie w październiku 2011 r inny „Świeca” (1982) poszedł pod młotek w Christie's za funta 10,46 mln (16,48 mln dolarów). Dzięki tej płycie Gerhard Richter po raz pierwszy znalazł się w pierwszej trójce żyjących artystów odnoszących największe sukcesy, zajmując miejsce za Jasperem Johnsem i Jeffem Koonsem.

Następnie rozpoczął się zwycięski pochód „Obrazów abstrakcyjnych” Richtera. Artysta maluje takie prace swoją unikalną techniką: na jasne tło nakłada mieszankę prostych farb, a następnie długą skrobaczką wielkości zderzaka samochodowego rozmazuje je po płótnie. W ten sposób powstają skomplikowane przejścia kolorów, plamy i paski. Badanie powierzchni jego „Obrazów Abstrakcyjnych” przypomina wykopaliska: na nich poprzez szczeliny licznych kolorowych warstw widoczne są ślady różnych „figur”.

9 listopada 2011 na aukcji sztuki współczesnej i powojennej Sotheby’s na dużą skalę „Malarstwo abstrakcyjne (849-3)” Rok 1997 poszedł pod młotek 20,8 miliona dolarów (13,2 miliona funtów). A sześć miesięcy później 8 maja 2012 na aukcji sztuki powojennej i współczesnej w Christie's w Nowym Jorku „Malarstwo abstrakcyjne (798-3)” Rok 1993 był rekordowy 21,8 miliona dolarów(w tym prowizja). Pięć miesięcy później – kolejny rekord: „Malarstwo abstrakcyjne (809-4)” z kolekcji muzyka rockowego Erica Claptona 12 października 2012 w Sotheby’s w Londynie poszło pod młotek za £ 21,3 miliona (34,2 miliona dolarów). Barierę 30 milionów Richter przełamał z taką łatwością, jak gdybyśmy mówili nie o malarstwie współczesnym, ale o arcydziełach, które mają już sto lat – nie mniej. Choć w przypadku Richtera wydaje się, że włączenie do panteonu „wielkich” nastąpiło jeszcze za życia artysty. Ceny pracy Niemca wciąż rosną.

Kolejna płyta Richtera należała do twórczości fotorealistycznej – pejzażu „Plac Katedralny w Mediolanie (Domplatz, Mailand)” 1968. Praca została sprzedana za 37,1 mln na aukcji Sotheby’s 14 maja 2013 r. Widok najpiękniejszego placu namalował niemiecki artysta w 1968 roku na zamówienie firmy Siemens Electro, specjalnie dla biura firmy w Mediolanie. W momencie powstania było to największe dzieło figuratywne Richtera (mierzące prawie trzy na trzy metry).

Rekord Placu Katedralnego trwał prawie dwa lata, aż 10 lutego 2015 r mu nie przeszkodził "Malarstwo abstrakcyjne" ( 1986): Cena młotka sięga funtów 30,389 mln (46,3 mln dolarów). Wystawiony na aukcję w Sotheby’s „Malarstwo abstrakcyjne” o wymiarach 300,5 × 250,5 cm jest jedną z pierwszych wielkoformatowych prac Richtera wykonanych w autorskiej technice zeskrobywania warstw farby. Ostatni raz w 1999 roku „Malarstwo abstrakcyjne” zostało kupione na aukcji za 607 tys. dolarów (od tego roku do obecnej sprzedaży dzieło było eksponowane w Muzeum Ludwiga w Kolonii). Na aukcji 10 lutego 2015 r. amerykański klient, w etapach aukcyjnych wynoszących 2 miliony funtów, osiągnął cenę młotkową wynoszącą 46,3 miliona dolarów, co oznacza, że ​​od 1999 r. cena dzieła wzrosła ponad 76 razy!

4. CUI ZHUZHO „Wielkie Śnieżne Góry”. 2013. 39,577 mln dolarów.

Przez długi czas nie śledziliśmy uważnie rozwoju sytuacji na chińskim rynku sztuki, nie chcąc obciążać naszych czytelników zbyt dużą ilością informacji o „nie naszej” sztuce. Z wyjątkiem dysydenta Ai Weiwei, nawet nie tak drogiego, jak rezonansowy artysta, chińscy autorzy wydawali się zbyt liczni i odlegli od nas, aby zagłębić się w to, co działo się na ich rynku. Ale statystyki, jak mówią, są poważne i jeśli mówimy o żyjących autorach odnoszących największe sukcesy na świecie, to nadal nie możemy obejść się bez opowieści o wybitnych przedstawicielach sztuki współczesnej w Niebiańskim Imperium.

Zacznijmy od chińskiego artysty Cui Ruzhuo. Artysta urodził się w 1944 roku w Pekinie, w latach 1981-1996 mieszkał w USA. Po powrocie do Chin zaczął uczyć w Narodowej Akademii Sztuk. Cui Ruzhuo na nowo interpretuje tradycyjny chiński styl malowania tuszem i tworzy ogromne obrazy na zwojach, które chińscy biznesmeni i urzędnicy uwielbiają dawać sobie nawzajem w prezencie. Na Zachodzie niewiele o nim wiadomo, choć wielu musi pamiętać historię zwoju o wartości 3,7 miliona dolarów, który został omyłkowo wyrzucony przez sprzątaczki w hotelu w Hongkongu, myląc go ze śmieciami. A zatem był to dokładnie zwój Cui Ruzhuo.

Cui Ruzhuo ma już ponad 70 lat, a rynek jego twórczości kwitnie. Ponad 60 dzieł tego artysty przekroczyło granicę 1 miliona dolarów, jednak jego prace odnosiły sukcesy jedynie na chińskich aukcjach. Rekordy Cui Ruzhuo są naprawdę imponujące. Najpierw on „Krajobraz w śniegu” na aukcji Poly w Hongkongu 7 kwietnia 2014 r osiągnęła cenę młotkową wynoszącą 184 mln HKD ( 23,7 mln dolarów amerykańskich).

Dokładnie rok później 6 kwietnia 2015, na specjalnej aukcji Poly w Hongkongu poświęconej wyłącznie pracom z serii Cui Ruzhuo „Wielki śnieżny krajobraz góry Jiangnan”(Jiangnan to historyczny region Chin, zajmujący prawy brzeg dolnego biegu Jangcy) ośmiu atramentów na papierowych krajobrazach osiągnęło cenę młotkową wynoszącą 236 mln HKD ( 30,444 mln dolarów amerykańskich).

Rok później historia powtórzyła się na indywidualnej aukcji Cui Ruzhuo zorganizowanej przez Poly Auctions w Hongkongu. 4 kwietnia 2016 r sześcioczęściowy poliptyk „Wielkie Śnieżne Góry” W 2013 r. osiągnięto cenę młotkową (uwzględniając prowizję domu aukcyjnego) w wysokości 306 mln HKD (39,577 mln dolarów)). Jak dotąd jest to absolutny rekord wśród żyjących artystów azjatyckich.

Według handlarza dziełami sztuki Johnsona Chana, który od 30 lat zajmuje się chińską sztuką współczesną, istnieje bezwarunkowa chęć podniesienia cen dzieł tego autora, ale wszystko to dzieje się na poziomie cenowym, którego doświadczeni kolekcjonerzy raczej nie będą chcieli kupić cokolwiek. „Chińczycy chcą podnieść oceny swoich artystów, zawyżając ceny swoich dzieł na dużych międzynarodowych aukcjach, takich jak ta organizowana przez Poly w Hongkongu, ale nie ma wątpliwości, że te oceny są całkowicie sfabrykowane” – Johnson Chan komentuje Cui Najnowsza płyta Ruzhuo.

To oczywiście tylko opinia jednego indywidualnego dealera, ale mamy prawdziwy zapis zarejestrowany we wszystkich bazach danych. Zatem weźmiemy go pod uwagę. Sam Cui Ruzhuo, sądząc po jego wypowiedziach, daleki jest od skromności Gerharda Richtera, jeśli chodzi o jego aukcyjne sukcesy. Wygląda na to, że ten wyścig po rekordy poważnie go fascynuje. „Mam nadzieję, że w ciągu najbliższych 5-10 lat ceny moich dzieł przekroczą ceny dzieł zachodnich mistrzów, takich jak Picasso i Van Gogh. To chińskie marzenie” – mówi Cui Ruzhuo.

5. JASPER JONES Flaga. 1983. 36 milionów dolarów

Trzecie miejsce w rankingu żyjących artystów należy do Amerykanina Jaspera Johnsa (1930). Obecna rekordowa cena za dzieło Jonesa to $ 36 milionów. Tyle zapłacili za jego sławę "Flaga" na aukcji Christie’s 12 listopada 2014.

Cykl obrazów „flagowych” zapoczątkowany przez Jonesa w połowie lat pięćdziesiątych, zaraz po powrocie artysty z wojska, stał się jednym z centralnych w jego twórczości. Artysta już w młodości zainteresował się ideą Ready Made, przemianą przedmiotu codziennego użytku w dzieło sztuki. Jednak flagi Jonesa nie były prawdziwe, zostały namalowane olejem na płótnie. Dzieło sztuki nabyło zatem właściwości rzeczy pochodzącej ze zwykłego życia, było jednocześnie wizerunkiem flagi i samej flagi. Seria prac z flagami przyniosła Jasperowi Johnowi światową sławę. Ale jego prace abstrakcyjne są nie mniej popularne. Przez wiele lat na czele listy najdroższych dzieł, sporządzonej według powyższych zasad, znajdowało się jego streszczenie "Fałszywy start". Do 2007 roku uważano, że to bardzo jasne i dekoracyjne płótno, namalowane przez Jonesa w 1959 roku, ma cenę niemal niedostępną dla żyjącego artysty (nawet dożywotniego klasyka) - $ 17 milionów. Tyle za to zapłacili w złocie na rynek sztuki 1988.

Co ciekawe, rekordzista Jaspera Johnsa nie miał charakteru ciągłego. W 1989 r. przerwała mu pracę jego kolega Willem de Kooning: dwumetrowa abstrakcja „Blending” została sprzedana w Sotheby's za 20,7 miliona dolarów. Jasper Johns musiał się przeprowadzić. Ale 8 lat później, w 1997 r., de Kooning zmarł, oraz „False Start” Jonesa ponownie od prawie 10 lat zajmują pierwsze miejsca w rankingach aukcyjnych żyjących artystów.

Ale w 2007 roku wszystko się zmieniło. Rekord False Start został po raz pierwszy przyćmiony twórczością młodego i ambitnego Damiena Hirsta i Jeffa Koonsa. Następnie doszło do rekordowej sprzedaży obrazu Luciena Freuda „Inspektor świadczeń sypialnych” za 33,6 miliona dolarów (obecnie nieżyjącego i dlatego nie biorącego udziału w tym rankingu). Potem rozpoczęły się nagrania Gerharda Richtera. W sumie, jak na razie, przy obecnym rekordzie 36 milionów, Jasper Johns, jeden z mistrzów amerykańskiej sztuki powojennej, działający na styku neodadaizmu, abstrakcyjnego ekspresjonizmu i pop-artu, zajmuje zaszczytne trzecie miejsce.

6. ED RUSHEY Rozbić. 1963. 30,4 miliona dolarów

Nagły sukces obrazu „Smash” amerykańskiego artysty Edward Rushay (ur. 1937) na aukcji Christie’s 12 listopada 2014 r wprowadził tego autora do grona najdroższych żyjących artystów. Poprzednia rekordowa cena za dzieło Eda Rushy (nazwisko Ruscha często wymawia się w języku rosyjskim jako „Rusha”, ale poprawna wymowa to Rusha) wyniosła „tylko” 6,98 miliona dolarów: tyle zapłacono za jego płótno „Płonący gaz” Stacja” w 2007 roku. Siedem lat później "Rozbić" z szacunkami na 15–20 milionów dolarów osiągnął cenę młotkową 30,4 miliona dolarów. Widać, że rynek dzieł tego autora osiągnął nowy poziom – nie bez powodu Barack Obama ozdabia Biały Dom swoimi pracami, a sam Larry Gagosian wystawia go w swoich galeriach.

Ed Ruscha nigdy nie kierował się ku powojennemu Nowym Jorku z jego szaleństwem na rzecz abstrakcyjnego ekspresjonizmu. Zamiast tego przez ponad 40 lat szukał inspiracji w Kalifornii, gdzie w wieku 18 lat przeprowadził się z Nebraski. Artysta stał u początków nowego nurtu w sztuce, zwanego pop-artem. Wraz z Warholem, Lichtensteinem, Waynem Thiebaudem i innymi śpiewakami kultury popularnej Edward Ruscha wziął udział w wystawie „Nowe obrazy rzeczy zwyczajnych” w Muzeum Pasadena w 1962 roku, która stała się pierwszą muzealną wystawą amerykańskiego pop-artu. Jednak sam Ed Rusha nie lubi, gdy jego twórczość zaliczana jest do pop-artu, konceptualizmu czy innego nurtu w sztuce.

Jego unikalny styl nazywany jest „malowaniem tekstu”. Od końca lat pięćdziesiątych Ed Ruscha zaczął malować słowa. Tak jak dla Warhola puszka zupy stała się dziełem sztuki, tak dla Eda Rushay’a były to zwykłe słowa i wyrażenia, wzięte albo z billboardu, albo z opakowania w supermarkecie, albo z napisów końcowych filmu (Hollywood było zawsze „w pobliżu” dla Rushay i w przeciwieństwie do wielu innych artystów Rusche szanował „fabrykę snów”). Słowa na jego płótnach nabierają właściwości trójwymiarowych obiektów, są prawdziwymi martwymi naturami słów. Patrząc na jego płótna, pierwsze co przychodzi na myśl to wizualna i dźwiękowa percepcja namalowanego słowa, a dopiero potem znaczenie semantyczne. Tego ostatniego z reguły nie da się jednoznacznie rozszyfrować; Wybór słów i wyrażeń Rushay'a można interpretować na różne sposoby. To samo jasnożółte słowo „Smash” na ciemnoniebieskim tle może być odebrane jako agresywne wezwanie do rozbicia czegoś lub kogoś na kawałki; jako samotny przymiotnik wyrwany z kontekstu (na przykład część nagłówka gazety) lub po prostu jako osobne słowo uchwycone w miejskim strumieniu obrazów wizualnych. Ed Ruscha lubi tę niepewność. „Zawsze miałem głęboki szacunek do rzeczy dziwnych, niewytłumaczalnych... Wyjaśnienia w pewnym sensie zabijają sprawę” – powiedział w wywiadzie.

7. WEŁNA CHRYSTOFA Bez tytułu (RIOT). 1990. 29,93 miliona dolarów

Amerykański artysta Krzysztof Wełna(1955) po raz pierwszy wdarł się na listę żyjących artystów w 2013 roku – po sprzedaży dzieła „Czas apokalipsy” za 26,5 miliona dolarów, co od razu postawiło go na równi z Jasperem Johnsem i Gerhardem Richterem. Kwota tej historycznej transakcji – ponad 20 milionów dolarów – zaskoczyła wielu, gdyż wcześniej ceny dzieł artysty nie przekraczały 8 milionów dolarów, jednak już wówczas widoczny był szybki rozwój rynku dzieł Christophera Woola: ma na swoim koncie 48 transakcji aukcyjnych na kwoty powyżej 1 miliona dolarów, z czego 22 (prawie połowa) miały miejsce w 2013 roku. Dwa lata później liczba dzieł Chrisa Woola sprzedanych za ponad milion dolarów osiągnęła 70, a nowy rekord życiowy nie trwał długo. Na aukcji Praca Sotheby’s z 12 maja 2015 r. „Bez tytułu (RIOT)” został sprzedany za $ 29,93 mlnłącznie z Premią Kupującego.

Christopher Wool znany jest przede wszystkim z wielkoformatowych prac z czarnymi literami na białych aluminiowych blachach. To oni z reguły biją rekordy na aukcjach. To wszystko rzeczy z końca lat 80. i początku 90. XX wieku. Jak głosi legenda, pewnego dnia Wool przechadzał się wieczorem po Nowym Jorku i nagle na nowej białej ciężarówce zobaczył graffiti wypisane czarnymi literami – słowa „sex” i „luv”. Widok ten zrobił na nim tak wielkie wrażenie, że natychmiast wrócił do warsztatu i tymi samymi słowami napisał własną wersję. Był rok 1987 i dalsze poszukiwania przez artystę słów i fraz do swoich „literowych” prac odzwierciedlają sprzecznego ducha tego czasu. To hasło „sprzedaj dom, sprzedaj samochód, sprzedaj dzieci” zaczerpnięte przez Woola z filmu „Czas Apokalipsy” oraz słowo „GŁUPCY” pisane wielkimi literami i słowo „RIOT” („bunt”), często spotykany w nagłówkach ówczesnych gazet.

Wełna nanosiła słowa i wyrażenia na blachy aluminiowe za pomocą szablonów z farbami alkidowymi lub emaliami, celowo pozostawiając zacieki, ślady szablonu i inne dowody procesu twórczego. Artysta podzielił słowa w taki sposób, aby widz nie od razu zrozumiał ich znaczenie. Na początku widzisz tylko zlepek liter, to znaczy postrzegasz słowo jako obiekt wizualny, a dopiero potem czytasz i rozszyfrujesz znaczenie frazy lub słowa. Wełna zastosowała czcionkę używaną przez wojsko amerykańskie po II wojnie światowej, co potęguje wrażenie rozkazu, dyrektywy, hasła. Te „literowe” prace postrzegane są jako element miejskiego krajobrazu, niczym nielegalne graffiti, które naruszyło czystość powierzchni jakiegoś obiektu ulicznego. Cykl prac Christophera Woola uznawany jest za jeden ze szczytów abstrakcji językowej, dlatego też jest tak wysoko ceniony przez miłośników sztuki współczesnej.

8. PETER DOIG Rosedale. 1991. 28,81 miliona dolarów

brytyjski Petera Doiga(1959), choć należy do pokolenia postmodernistów Koonsa i Hirsta, wybrał dla siebie zupełnie tradycyjny gatunek pejzażu, który przez długi czas nie cieszył się uznaniem zaawansowanych artystów. Swoją twórczością Peter Doig ożywia słabnące zainteresowanie publiczności malarstwem figuratywnym. Jego prace cieszą się dużym uznaniem zarówno wśród krytyków, jak i laików, czego dowodem jest szybki wzrost cen jego dzieł. Jeśli na początku lat 90. jego krajobrazy kosztowały kilka tysięcy dolarów, teraz kosztują miliony.

Twórczość Doiga często nazywana jest realizmem magicznym. Opierając się na prawdziwych pejzażach, tworzy fantastyczne, tajemnicze i często ponure obrazy. Artysta uwielbia przedstawiać przedmioty porzucone przez ludzi: zrujnowany budynek zbudowany przez Le Corbusiera w środku lasu czy pusty biały kajak na tafli leśnego jeziora. Oprócz natury i wyobraźni Doig inspiruje się horrorami, starymi pocztówkami, fotografiami, amatorskimi filmami itp. Obrazy Doiga są kolorowe, złożone, dekoracyjne i nie prowokacyjne. Posiadanie takiego obrazu to przyjemność. Zainteresowanie kolekcjonerów podsyca także niska produktywność autora: mieszkający na Trynidadzie artysta tworzy nie więcej niż kilkanaście obrazów rocznie.

Na początku XXI wieku pojedyncze pejzaże artysty sprzedawano za kilkaset tysięcy dolarów. W tym samym czasie prace Doiga znalazły się w Saatchi Gallery, na Biennale Whitney Museum oraz w kolekcji MoMA. W 2006 roku przekroczony został aukcyjny poziom 1 miliona dolarów, a rok później nastąpił nieoczekiwany przełom: wystawiona w Sotheby's 7 lutego 2007 roku praca „White Canoe” z szacunkową kwotą 0,8–1,2 miliona dolarów była pięciokrotnie wyższa. niż wstępnie szacowano i został sprzedany za 5,7 miliona funtów (11,3 miliona dolarów). Była to wówczas rekordowa cena za dzieła żyjącego europejskiego artysty.

W 2008 roku Doig miał wystawy indywidualne w Tate Gallery i Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Paryżu. Wielomilionowe metki z cenami za prace Doiga stały się normą. Od niedawna rekord życiowy Petera Doiga zaczął być aktualizowany kilka razy w roku – wystarczy, że zmienimy wizerunek i miejsce tego artysty w naszym rankingu żyjących autorów.

Do chwili obecnej najdroższym dziełem Petera Doiga jest śnieżny pejzaż „Rosedale” z 1991 roku. Co ciekawe, rekord padł nie w Sotheby’s czy Christie’s, ale na aukcji sztuki współczesnej w domu aukcyjnym Phillips. Miało to miejsce 18 maja 2017 r. Widok na zaśnieżoną dzielnicę Toronto Rosedale sprzedano nabywcy telefonu za 28,81 miliona dolarów, o około 3 miliony dolarów więcej niż poprzedni rekord (25,9 miliona dolarów za „Swallowed by the Mire”). „Rosedale” wzięło udział w kluczowej wystawie Doiga w Whitechapel Gallery w Londynie w 1998 roku i w ogóle praca ta była świeża na rynku, dlatego rekordowa cena jest w pełni zasłużona.

9. FRANK STELLA Przylądek Sosen. 1959. 28 milionów dolarów

Frank Stella to wybitny przedstawiciel postmalarskiej abstrakcji i minimalizmu w sztuce. Na pewnym etapie zaliczany jest do przedstawicieli nurtu malarstwa hard-edge. Początkowo Stella kontrastował ścisłą geometrię, ascetyczną monochromatyczność i strukturę swoich obrazów ze spontanicznością i chaosem obrazów abstrakcyjnych ekspresjonistów, takich jak Jackson Pollock.

Pod koniec lat pięćdziesiątych artysta został dostrzeżony przez słynnego galernika Leo Castelliego i po raz pierwszy został nagrodzony wystawą. Przedstawił na nim tzw. „czarne obrazy” – płótna zamalowane równoległymi czarnymi liniami, pomiędzy którymi oddzielały się cienkie odstępy niepomalowanego płótna. Linie tworzą geometryczne kształty, przypominające nieco złudzenia optyczne, te same obrazy, które migoczą, poruszają się, skręcają, tworzą wrażenie głębokiej przestrzeni, jeśli patrzysz na nie przez dłuższy czas. Stella kontynuowała motyw równoległych linii z cienkimi pasami dzielącymi w swoich pracach na aluminium i miedzi. Zmieniła się kolorystyka, podstawa malarska, a nawet kształt obrazów (wyróżniają się m.in. prace w kształcie liter U, T, L). Jednak główną zasadą jego malarstwa była nadal klarowność konturu, monumentalność, prosta forma i monochromatyczność. W kolejnych dekadach Stella odeszła od malarstwa geometrycznego w kierunku gładkich, naturalnych form i linii, a od malarstwa monochromatycznego w kierunku jasnych i zróżnicowanych przejść kolorystycznych. W latach 70. Stella była urzeczona ogromnymi wzorami używanymi do malowania statków. Artysta wykorzystywał je do tworzenia ogromnych obrazów z elementami assemblażu – w swoich pracach włączał fragmenty stalowych rur lub drucianej siatki.

Frank Stella już we wczesnych wywiadach otwarcie mówi o znaczeniach, jakie nadawane są jego twórczości, a raczej o ich braku: „Widzisz to, co widzisz”. Obraz jest przedmiotem samym w sobie, a nie reprodukcją czegoś. „To płaska powierzchnia pokryta farbą i niczym więcej” – powiedziała Stella.

Cóż, podpisana przez Franka Stellę, ta „powierzchnia pokryta farbą” może być dziś warta miliony dolarów. Frank Stella po raz pierwszy znalazł się w rankingu żyjących artystów w 2015 roku, sprzedając dzieło „Crossing the Delaware” (1961) za 13,69 mln dolarów łącznie z prowizją.

Cztery lata później, 15 maja 2019 roku, wczesne (1959) dzieło „Cape of Pines” ustanowiło nowy rekord: cena młotka wyniosła ponad 28 milionów dolarów, łącznie z prowizją. To jeden z 29 „czarnych obrazów” – tych samych, którymi Stella zadebiutowała na swojej pierwszej wystawie w Nowym Jorku. Absolwent Uniwersytetu Princeton, Frank Stella, miał wtedy 23 lata. Często nie starczało mu pieniędzy na farby olejne dla artystów. Młody artysta zarabiał na naprawach, bardzo podobały mu się czyste kolory farby i wtedy zrodził się pomysł, aby pracować tą farbą na płótnie. Czarną emalią Stella maluje równoległe paski, pozostawiając pomiędzy nimi cienkie linie niezagruntowanego płótna. Co więcej, pisze bez linijek, na oko, bez wstępnego szkicu. Stella nigdy nie wiedziała dokładnie, ile czarnych linii będzie na danym obrazie. Na przykład na obrazie „Przylądek sosen” było ich 35. Tytuł pracy nawiązuje do nazwy przylądka w Zatoce Massachusetts – Point of Pines. Na początku XX wieku był to duży park rozrywki, a dziś jest to jeden z obszarów miasta Revere.

10. YOSHITOMO NARA Nóż za plecami. 2000. 24,95 miliona dolarów

Yoshitomo Nara (1959) to jedna z kluczowych postaci japońskiego neopop-artu. Japoński - bo pomimo światowej sławy i wielu lat pracy za granicą, jego twórczość wciąż wyróżnia się wyraźną tożsamością narodową. Ulubionymi bohaterami Nary są dziewczyny i psy w stylu japońskich komiksów manga i anime. Wymyślone przez niego obrazy „chodzą do ludzi” od wielu lat: drukuje się je na koszulkach, pamiątkach i robi z nimi różne „gadżety”. Urodzony w biednej rodzinie, daleko od stolicy, jest nie tylko kochany za swój talent, ale także ceniony jako człowiek, który dorobił się siebie. Artysta pracuje szybko i ekspresyjnie. Wiadomo, że niektóre z jego arcydzieł powstały dosłownie z dnia na dzień. Obrazy i rzeźby Yoshitomo Nary z reguły są bardzo lakoniczne, jeśli nie skąpe w środkach wyrazu, zawsze jednak niosą ze sobą silny ładunek emocjonalny. Nastoletnie dziewczęta Nary często patrzą na widza niemiłym zezem. W ich oczach jest śmiałość, wyzwanie i agresja. W rękach - albo nóż, albo papieros. Istnieje opinia, że ​​ukazane wypaczenia zachowań są reakcją na opresyjną moralność społeczną, rozmaite tabu i przyjęte przez Japończyków zasady wychowania. Niemal średniowieczna surowość i wstyd wpychają problemy do środka i tworzą grunt pod opóźnioną eksplozję emocjonalną. „The Knife Behind Your Back” zwięźle oddaje jedną z głównych idei artysty. W tej pracy pojawia się nienawistne spojrzenie dziewczyny i ręka grożąca schowana za jej plecami. Do 2019 roku obrazy i rzeźby Yoshitomo Nary nie raz osiągnęły już milion, a nawet kilka milionów. Ale dwadzieścia milionów to pierwszy raz. Nara to jedna z najsłynniejszych na świecie artystek urodzonych w Japonii. A teraz najdroższy na świecie. 6 października 2109 roku w Sotheby’s w Hongkongu odebrał ten tytuł Takashiemu Murakamiemu i zauważalnie pobił 90-letnią awangardową artystkę Yayoi Kusamę (maksymalne ceny aukcyjne jej obrazów zbliżają się już do 9 milionów dolarów).

11. ZENG FANZHI Ostatnia Wieczerza. 2001. 23,3 miliona dolarów

Na aukcji Sotheby's w Hongkongu 5 października 2013 r rok płótno na dużą skalę "Ostatnia Wieczerza" Artysta z Pekinu Zeng Fanzhi (1964) został sprzedany za rekordową kwotę 160 mln HKD – 23,3 miliona dolarów USA. Ostateczny koszt dzieła Fanzhi, napisanego oczywiście pod wpływem twórczości Leonarda da Vinci, okazał się dwukrotnie wyższy niż wstępne szacunki na około 10 milionów dolarów.Poprzedni rekord ceny Zeng Fanzhi wynosił $ 9,6 miliona zapłacone za dzieło na aukcji Christie’s w Hongkongu w maju 2008 roku „Seria Maska. 1996. Nie. 6".

„Ostatnia wieczerza” to największy (2,2 × 4 metry) obraz Fanzhi z serii „Maski”, obejmujący okres od 1994 do 2001 roku. Cykl poświęcony ewolucji chińskiego społeczeństwa pod wpływem reform gospodarczych. Wprowadzenie elementów gospodarki rynkowej przez rząd ChRL doprowadziło do urbanizacji i rozbicia Chińczyków. Fanzhi przedstawia mieszkańców współczesnych chińskich miast, którzy muszą walczyć o miejsce pod słońcem. Dobrze znana kompozycja fresku Leonarda w odczytaniu Fanzhiego nabiera zupełnie innego znaczenia: scena akcji zostaje przeniesiona z Jerozolimy do klasy chińskiej szkoły z typowymi tablicami hieroglifów na ścianach. „Chrystus” i „apostołowie” zamienili się w pionierów ze szkarłatnymi krawatami, a tylko „Judasz” nosi złoty krawat – to metafora zachodniego kapitalizmu przenikającego i niszczącego zwykły sposób życia w kraju socjalistycznym.

Prace Zeng Fanzhi są stylistycznie bliskie europejskiemu ekspresjonizmowi i równie dramatyczne. Ale jednocześnie są pełne chińskiej symboliki i specyfiki. Ta wszechstronność przyciąga do twórczości artysty zarówno chińskich, jak i zachodnich kolekcjonerów. Bezpośrednim potwierdzeniem tego jest pochodzenie „Ostatniej wieczerzy”: dzieło wystawił na aukcję słynny kolekcjoner chińskiej awangardy lat 80. i początku 90. XX wieku, belgijski baron Guy Ullens.

12. ROBERT RYMAN Most. 1980. 20,6 miliona dolarów

Na aukcji Christie’s 13 maja 2015 r praca abstrakcyjna "Most" 85-letni amerykański artysta Roberta Rymana(Robert Ryman) został sprzedany za 20,6 miliona dolarów biorąc pod uwagę prowizję - dwa razy droższe niż dolna wycena.

Roberta Rymana(1930) nie od razu zdawał sobie sprawę, że chce zostać artystą. W wieku 23 lat przeprowadził się do Nowego Jorku z Nashville w stanie Tennessee, chcąc zostać saksofonistą jazzowym. Dopóki nie stał się sławnym muzykiem, musiał pracować jako ochroniarz w MoMA, gdzie poznał Sola LeWitta i Dana Flavina. Pierwsza pracowała w muzeum jako nocna sekretarka, druga jako ochroniarz i operator windy. Pod wrażeniem dzieł abstrakcyjnych ekspresjonistów, które zobaczył w MoMA – Rothko, De Kooninga, Pollocka i Newmana – Robert Ryman sam zajął się malarstwem w 1955 roku.

Ryman często uchodzi za minimalistę, jednak woli, żeby nazywano go „realistą”, gdyż nie interesuje go tworzenie iluzji, a jedynie ukazywanie walorów materiałów, z których korzysta. Większość jego prac malowana jest farbami we wszystkich możliwych odcieniach bieli (od szarawej lub żółtawej po olśniewającą biel) w oparciu o lakoniczny kwadratowy kształt. Robert Ryman w swojej karierze próbował wielu materiałów i technik: malował olejem, akrylem, kazeiną, emalią, pastelami, gwaszem itp. na płótnie, stali, plexi, aluminium, papierze, tekturze falistej, winylu, tapetach itp. Jego przyjaciel, profesjonalny konserwator Orrin Riley, doradził mu w sprawie korozyjności materiałów, których miał zamiar użyć. Jak powiedział kiedyś artysta: „Nigdy nie mam pytań Co napisz, najważniejsze Jak pisać". Wszystko zależy od faktury, charakteru pociągnięć, granicy między powierzchnią farby a krawędziami podłoża, a także relacji między dziełem a ścianą. Od 1975 roku szczególnym elementem jego twórczości są oprawy, które Ryman sam projektuje i celowo pozostawia widoczne, podkreślając, że jego prace są „tak prawdziwe jak ściany, na których wiszą”. Ryman woli nadawać swoim pracom „nazwy”, a nie „tytuły”. „Nazwa” pomaga odróżnić prace od innych, a Ryman często nadaje swoim pracom nazwy marek farb, firm itp., a „tytuł” ​​przywołuje na myśl jakieś aluzje i głęboko ukryte znaczenia, których obecność w jego pracach artysta regularnie zaprzecza. Nie liczy się nic oprócz materiału i techniki.

13. DAMIEN HURST Senna wiosna. 2002. 19,2 miliona dolarów

Do angielskiego artysty Damien Hirst (1965) miał jako pierwszy zająć pierwsze miejsce w tym rankingu w sporze z żywym klasykiem Jasperem Johnsem. Wspomniane już dzieło „Fałsz start” mogłoby przez długi czas pozostać niezatapialnym liderem 21 czerwca 2007 instalacja autorstwa 42-letniego wówczas Hirsta „Śpiąca wiosna”(2002) nie został sprzedany w Sotheby's za funty 9,76 mln, czyli za 19,2 mln dolarów. Nawiasem mówiąc, dzieło ma dość nietypowy format. Z jednej strony mamy gablotę z atrapami tabletek (6136 tabletek), w zasadzie klasyczną instalację. Z drugiej strony witryna ta jest wykonana na płasko (głębokość 10 cm), umieszczona w ramie i zawieszona na ścianie jak panel plazmowy, zapewniając w pełni komfort użytkowania typowy dla obrazów. W 2002 roku siostrzana instalacja, Sleepy Winter, została sprzedana za 7,4 miliona dolarów, czyli o ponad połowę mniej. Ktoś „wyjaśnił” różnicę w cenie mówiąc, że zimą tabletki bardziej wyblakną. Ale jasne jest, że to wyjaśnienie jest całkowicie bezpodstawne, ponieważ mechanizm ustalania cen takich rzeczy nie jest już powiązany z ich dekoracyjnym charakterem.

W 2007 roku wielu uznało Hirsta za autora najdroższego dzieła wśród żyjących artystów. Pytanie jednak należy do kategorii „w zależności od tego, jak liczyć”. Faktem jest, że Hirsta sprzedano za drogie funty, a Jonesa za teraz tańsze dolary, a nawet dwadzieścia lat temu. Ale nawet jeśli liczymy według wartości nominalnej, bez uwzględnienia 20-letniej inflacji, wówczas praca Hirsta była droższa w dolarach, a Jonesa w funtach. Sytuacja była na granicy i każdy mógł swobodnie decydować, kogo uważa za najdroższego. Jednak Hearst nie utrzymał się długo na pierwszym miejscu. W tym samym 2007 roku został wyparty z pierwszego miejsca przez Koonsa ze swoim „Wiszącym sercem”.

Tuż w przededniu światowego spadku cen sztuki współczesnej Hirst podjął się bezprecedensowego dla młodego artysty przedsięwzięcia – indywidualnej aukcji jego prac, która odbyła się 15 września 2008 roku w Londynie. Ogłoszona dzień wcześniej wiadomość o upadłości banku Lehman Brothers wcale nie zepsuła apetytu miłośnikom sztuki współczesnej: spośród 223 dzieł oferowanych przez Sotheby's tylko pięć nie znalazło nowych właścicieli (swoją drogą jednym z nabywców był Wiktor Pinczuk). Praca „Złoty Byk”- ogromny wypchany byk w formaldehydzie, zwieńczony złotym dyskiem - przyniósł tyle 10,3 miliona funtów (18,6 miliona dolarów). To najlepszy wynik Hirsta przeliczony w funtach (walucie, w której przeprowadzono transakcję). Jednak rankingujemy w przeliczeniu na dolary, więc (niech Złoty Cielę nam wybaczy) nadal będziemy uważać „Śpiącą wiosnę” za najlepszą sprzedaż Hirsta.

Od 2008 roku Hirst nie osiągnął sprzedaży na poziomie „Śpiącej wiosny” i „Złotego cielca”. Świeże płyty z 2010 roku - za twórczość Richtera, Jonesa, Fanzhi, Woola i Koonsa - przesunęły Damiena na szóste miejsce w naszym rankingu. Nie osądzajmy jednak kategorycznie końca ery Hearsta. Zdaniem analityków Hirst jako „supergwiazda” przeszedł już do historii, co oznacza, że ​​będzie kupowany na bardzo długi czas; Największą wartość w przyszłości mają jednak prace powstałe w najbardziej nowatorskim okresie jego twórczości, czyli w latach 90. XX wieku.

14. MAURIZIO CATTELAN Jego. 2001. 17,19 miliona dolarów

Włoch Maurizio Cattelan (1960) zajął się sztuką po pracy jako ochroniarz, kucharz, ogrodnik i projektant mebli. Artysta samouk zasłynął na całym świecie dzięki ironicznym rzeźbom i instalacjom. Zrzucił na papieża meteoryt, żonę klienta zamienił w trofeum myśliwskie, zrobił dziury w podłodze Muzeum Starych Mistrzów, pokazał giełdzie w Mediolanie gigantyczny środkowy palec, a na jarmark Frieze przywiózł żywego osła. W najbliższej przyszłości Cattelan obiecuje zainstalować złotą toaletę w Muzeum Guggenheima. Ostatecznie wybryki Maurizio Cattelana zyskały szerokie uznanie w świecie sztuki: został zaproszony na Biennale w Wenecji (instalacja „Inni” w 2011 r. - stado dwóch tysięcy gołębi, które ze wszystkich rur i belek groźnie spoglądają na tłumy gości przechodzących poniżej), zorganizował retrospektywę w Muzeum Guggenheima w Nowym Jorku (listopad 2011) i wreszcie za swoje rzeźby zapłacono mu mnóstwo pieniędzy.

Od 2010 roku najdroższym dziełem Maurizio Cattelana jest woskowa rzeźba mężczyzny wyglądającego przez dziurę w podłodze, przypominającego wyglądem samego artystę (Bez tytułu, 2001). Ta rzeźba-instalacja, istniejąca w trzech egzemplarzach plus kopia autorska, została po raz pierwszy pokazana w Muzeum Boijmans van Beuningen w Rotterdamie. Następnie ta złośliwa postać wyjrzała z dziury w podłodze sali z obrazami holenderskich malarzy z XVIII - XIX wieku. W tej pracy Maurizio Cattellan kojarzy się z śmiałym przestępcą wkraczającym do sakralnej przestrzeni sali muzealnej z obrazami wielkich mistrzów. Chce w ten sposób pozbawić sztukę aureoli świętości, jaką nadają jej mury muzeów. Dzieło, które wymaga każdorazowego wyeksponowania dziur w podłodze, zostało sprzedane w Sotheby’s za 7,922 mln dolarów.

Rekord trwał do 8 maja 2016 r., kiedy to jeszcze bardziej prowokacyjne dzieło Cattelana „On” przedstawiające klęczącego Hitlera zostało sprzedane na aukcji za 17,189 mln dolarów. To dziwna rzecz. Nazwa jest dziwna. Wybór postaci jest ryzykowny. Jak wszystko od Cattelana. Co On ma na myśli? „Jego” czy „Jego piekielny majestat”? Jasne jest, że na pewno nie mówimy o gloryfikowaniu wizerunku Führera. Hitler pojawia się w tym dziele raczej w bezradnej, żałosnej formie. I absurdalne – wcielenie Szatana jest wysokie jak dziecko, ubrane w strój uczniaka i klęczące z pokornym wyrazem twarzy. Dla Cattelana ten obraz jest zaproszeniem do zastanowienia się nad naturą absolutnego zła i sposobem na pozbycie się lęków. Nawiasem mówiąc, rzeźba „On” jest dobrze znana zachodnim odbiorcom. Jej bracia z tej serii byli wystawiani ponad 10 razy w wiodących muzeach na całym świecie, w tym w Centrum Pompidou i Muzeum Solomona Guggenheima.

15. MARK GROTJAN Bez tytułu (S III wydany we Francji Twarz 43.14). 2011. 16,8 miliona dolarów

17 maja 2017 roku na wieczornej aukcji Christie’s w Nowym Jorku pojawił się jeden z najwspanialszych obrazów Marka Grotjahna, jaki kiedykolwiek wystawiono na aukcję. Obraz „Bez tytułu (S III wydany do Francji, twarz 43,14)” został wystawiony przez paryskiego kolekcjonera Patricka Seguina za szacunkową kwotę 13–16 mln dolarów, a ponieważ sprzedaż działki była gwarantowana przez stronę trzecią, nikt nie był szczególnie zaskoczony poprzez ustanowienie przez 49-letniego artystę nowego osobistego rekordu aukcyjnego. Cena młotkowa wynosząca 14,75 mln dolarów (w tym premia kupującego w wysokości 16,8 mln dolarów) przekroczyła poprzedni rekord aukcyjny Grotjahna o ponad 10 mln dolarów, co plasuje go w gronie żyjących artystów, których prace sprzedają się za ośmiocyfrowe sumy. W skarbcu aukcyjnym Marka Grotjahna znajduje się już około trzydziestu siedmiocyfrowych wyników (sprzedaż powyżej 1 miliona dolarów, ale nie więcej niż 10 milionów dolarów).

Mark Grotjahn (1968), w którego twórczości eksperci dostrzegają wpływ modernizmu, abstrakcyjnego minimalizmu, popu i op-artu, do swojego charakterystycznego stylu doszedł w połowie lat 90., po przeprowadzce z przyjacielem Brentem Petersonem do Los Angeles i otwarciu tam galerii „Pokój 702” Jak sam artysta wspomina, już wtedy zaczął się zastanawiać, co było dla niego w sztuce najważniejsze. Szukał motywu, z którym mógłby poeksperymentować. I zdałam sobie sprawę, że zawsze interesowała go linia i kolor. Eksperymenty w duchu Rayonizmu i minimalizmu z perspektywą linearną, licznymi punktami zbiegu i wielokolorowymi abstrakcyjnymi trójkątnymi kształtami ostatecznie przyniosły Grotjahnowi światową sławę.

Od abstrakcyjnych, kolorowych krajobrazów z wieloma liniami horyzontu i znikającymi punktami perspektywy, w końcu dotarł do trójkątnych kształtów przypominających skrzydła motyla. Malarstwo Grotjahna 2001–2007 To właśnie nazywają „motylami”. Dziś przesunięcie punktu zbiegu lub wykorzystanie kilku oddalonych od siebie w przestrzeni punktów zbiegu na raz uważane jest za jedną z najpotężniejszych technik artysty.

Kolejny duży cykl prac nosił tytuł „Twarze”; w abstrakcyjnych liniach tego cyklu można dostrzec rysy ludzkiej twarzy, uproszczone do stanu maski w duchu Matisse’a, Jawlensky’ego czy Brancusiego. Mówiąc o skrajnym uproszczeniu i stylizacji form, o rozwiązaniu kompozycyjnym obrazów, gdy rozproszone kontury oczu i ust zdają się patrzeć na nas z leśnej gęstwiny, badacze zwracają uwagę na związek „Twarz” Grotjana ze sztuką prymitywne plemiona Afryki i Oceanii, a sam artysta po prostu „lubi obrazy oczu wyglądających z dżungli. Czasami wyobrażałem sobie twarze pawianów lub małp. Nie mogę powiedzieć, że świadomie lub podświadomie byłem pod wpływem prymitywnej sztuki afrykańskiej; raczej byłem pod wpływem artystów, którzy byli pod jej wpływem. Picasso jest najbardziej oczywistym przykładem”.

Prace z cyklu „Twarze” nazywane są brutalnymi i eleganckimi, przyjemnymi dla oka i przyjemnymi dla umysłu. Z biegiem czasu zmienia się także faktura tych prac: dla uzyskania efektu wewnętrznej przestrzeni artysta używa szerokich pociągnięć gęstej farby, a nawet rozprysków w stylu Pollocka, jednak powierzchnia obrazu jest wypoziomowana tak, że po bliższym przyjrzeniu się wydaje się całkowicie płaski. Obraz „Bez tytułu (S III wydany Francji, twarz 43,14)”, który ustanowił rekord aukcji, należy właśnie do tej słynnej serii Marka Grotjahna.

16. TAKASHI MURAKAMI Mój samotny kowboj. 15,16 mln dolarów

język japoński Takashi Murakami (1962) wszedł do naszej oceny z rzeźbą „Mój samotny kowboj”, sprzedany w Sotheby's w maju 2008 roku za $ 15,16 mln. Dzięki tej sprzedaży Takashi Murakami był przez długi czas uważany za żyjącego artystę azjatyckiego odnoszącego największe sukcesy – dopóki nie przyćmiła go sprzedaż „Ostatniej wieczerzy” Zeng Fanzhi.

Takashi Murakami pracuje jako malarz, rzeźbiarz, projektant mody i animator. Murakami chciał za podstawę swojej twórczości wziąć coś prawdziwie japońskiego, bez zachodnich i innych zapożyczeń. W latach studenckich fascynował się tradycyjnym japońskim malarstwem nihonga, które później zostało zastąpione popularną sztuką anime i mangi. Tak narodził się psychodeliczny Mr DOB, wzory uśmiechniętych kwiatów i jasne, błyszczące rzeźby z włókna szklanego, jakby prosto z kart japońskich komiksów. Niektórzy uważają sztukę Murakamiego za fast food i ucieleśnienie wulgarności, inni nazywają artystę Japończykiem Andym Warholem – a w szeregach tego ostatniego, jak widzimy, jest wielu bardzo bogatych ludzi.

Nazwę swojej rzeźby Murakami zapożyczył od filmu Andy’ego Warhola „Samotni kowboje” (1968), którego Japończycy, jak sam przyznał, nigdy nie oglądali, ale bardzo spodobało mu się to połączenie słów. Murakami zarówno zadowolił fanów japońskich komiksów erotycznych, jak i wyśmiał ich jedną rzeźbą. Powiększony, a także trójwymiarowy bohater anime zamienia się w fetysz kultury masowej. Ta artystyczna wypowiedź jest w duchu klasycznego zachodniego pop-artu (pamiętajcie Państwo zestaw mebli Allena Jonesa czy „Różową Panterę” Koonsa), ale z akcentem narodowym.

17. KAWS. Album zespołu KAWS. 2005. 14 784 505 dolarów

KAWS to pseudonim amerykańskiego artysty Briana Donnelly'ego z New Jersey. To najmłodszy uczestnik naszego rankingu, urodzony w 1974 roku. Donelly zaczynał jako animator w Disneyu (malował tła do kreskówek „101 dalmatyńczyków” i innych). Od młodości interesował się graffiti. Jego charakterystycznym projektem na początku była czaszka z literą „X” w miejscu oczodołów. Twórczością młodego pisarza pokochały postacie show-biznesu i ludzie z branży modowej: stworzył okładkę albumu Kanye Westa, wydał we współpracy z Nike, Comme des Garçons i Uniqlo. Z biegiem czasu KAWS stał się znaną postacią w świecie sztuki współczesnej. Jego charakterystyczna postać, przypominająca Myszkę Miki, zakorzeniła się w muzeach, przestrzeni publicznej i kolekcjach prywatnych. Dawno, dawno temu firma KAWS wraz z marką My Plastic Heart wypuściła limitowaną edycję zabawek winylowych, które niespodziewanie stały się obiektem dużego zainteresowania kolekcjonerów. Jednym z zapalonych kolekcjonerów tych „zabawek” jest założyciel Black Star, raper Timati: zebrał prawie w całości całą serię „Cavs Companions”.

Dzieło KAWS ustanowiło rekord twórczości artysty – 14,7 mln dolarów – na aukcji Sotheby’s w Hongkongu 1 kwietnia 2019 r. Wcześniej znajdowała się w kolekcji japońskiego projektanta mody Nigo. Album KAWS jest hołdem złożonym okładce słynnego albumu The Beatles z 1967 roku „Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band”. Tyle że zamiast ludzi są na nim Kimpsons – stylizowane postacie z serialu animowanego The Simpsons z „X” zamiast oczu.

18. JIN SHANI Tadżycka panna młoda. 1983. 13,89 miliona dolarów

Wśród stosunkowo młodych i współczesnych artystów chińskich, należących do tzw. „nowej fali” drugiej połowy lat 80. w sztuce chińskiej, w naszym rankingu dość nieoczekiwanie znalazł się przedstawiciel zupełnie innego pokolenia i innej szkoły. Jin Shangyi, ponad 80-letni obecnie, jest jednym z czołowych przedstawicieli pierwszego pokolenia artystów w komunistycznych Chinach. Poglądy tej grupy artystów ukształtowały się w dużej mierze pod wpływem ich najbliższego komunistycznego sojusznika – ZSRR.

Oficjalna sztuka radziecka, socrealizm i malarstwo olejne, które było wówczas niezwykłe w Chinach (w przeciwieństwie do tradycyjnego chińskiego malarstwa tuszem), osiągnęły szczyt popularności w latach pięćdziesiątych XX wieku, a radziecki artysta Konstantin zaczął wykładać na Pekińskim Uniwersytecie Artystycznym przez trzy lata (od 1954 do 1957) Metodiewicz Maksimow. Jin Shani, który był wówczas najmłodszy w grupie, trafił do jego klasy. Artysta zawsze ciepło wspominał swojego nauczyciela, mówiąc, że to Maksimov nauczył go poprawnie rozumieć i przedstawiać model. K. M. Maksimov wyszkolił całą plejada chińskich realistów, obecnie klasyków.

W twórczości Jin Shana można wyczuć wpływ zarówno radzieckiego „stylu surowego”, jak i europejskiej szkoły malarstwa. Artysta wiele czasu poświęcił studiowaniu dziedzictwa renesansu i klasycyzmu, uznając za konieczne zachowanie w swoich pracach ducha chińskiego. Obraz „Tadżycka panna młoda”, namalowany w 1983 roku, uważany jest za powszechnie uznawane arcydzieło, nowy kamień milowy w twórczości Jin Shana. Został wystawiony na aukcję przez China Guardian w listopadzie 2013 roku i sprzedał się kilkakrotnie więcej niż szacowano – za 13,89 mln dolarów łącznie z prowizją.

19. BANKSY Rozłożony parlament. 2008. 12,14 miliona dolarów

Murale z oznaczeniami Banksy’ego zaczęły pojawiać się na murach miejskich (najpierw w Wielkiej Brytanii, a potem na całym świecie) pod koniec lat 90. Jego filozoficzne, a zarazem przejmujące graffiti poświęcone były problematyce ataku państwa na wolności obywateli, zbrodni przeciwko środowisku, nieodpowiedzialnej konsumpcji i nieludzkości systemu nielegalnej migracji. Z biegiem czasu „wyrzuty” Banksy’ego zyskały niespotykaną popularność medialną. Faktycznie stał się jednym z głównych przedstawicieli opinii publicznej potępiającej hipokryzję państw i korporacji, powodującą rosnącą niesprawiedliwość w systemie kapitalistycznym.

Znaczenie Banksy'ego, wyczucie „nerwu czasu” i trafność jego metafor docenili nie tylko widzowie, ale także kolekcjonerzy. W latach 2010-tych za jego dzieła przekazano setki tysięcy, a nawet ponad milion dolarów. Doszło do tego, że graffiti Banksy’ego zostało zniszczone i skradzione wraz z fragmentami ścian.

W dobie zaawansowanego nadzoru cyfrowego Banksy’emu wciąż udaje się zachować anonimowość. Istnieje wersja, że ​​nie jest to już jedna osoba, ale grupa kilku artystów, na czele której stoi utalentowana kobieta. To by wiele wyjaśniało. I zewnętrzna odmienność pisarzy, uchwycona w obiektywach kamer świadków, i bezosobowy sposób nakładania szablonu (zapewnia dużą prędkość i nie wymaga bezpośredniego udziału autora) oraz wzruszający romans bohaterów obrazów ( kulki, płatki śniegu itp.). Tak czy inaczej, ludzie z projektu Banksy'ego, w tym jego asystenci, wiedzą, jak trzymać gębę na kłódkę.

W 2019 roku najdroższym dziełem Banksy’ego nieoczekiwanie stało się czterometrowe płótno Parlament zdecentralizowany („zdegradowany”, „zdegradowany” lub „zdecentralizowany” parlament). Szympansy kłócące się w Izbie Gmin zdają się kpić z publiczności w roku skandalicznego Brexitu. Zaskakujące jest, że obraz powstał 10 lat przed tym historycznym punktem zwrotnym i dlatego ktoś uważa go za proroczy. Na aukcji Sotheby's 3 października 2019 r. podczas zaciętej licytacji nieznany nabywca kupił ten olej za 12 143 000 dolarów – sześć razy drożej niż wstępnie szacowano.

20. JOHN CURREN „Słodki i prosty”. 1999. 12,007 milionów dolarów

Amerykański artysta Johna Currana (1962) znany ze swoich satyrycznych obrazów figuratywnych na prowokacyjne tematy seksualne i społeczne. W pracach Currena udaje się łączyć techniki malarskie dawnych mistrzów (zwłaszcza Lucasa Cranacha Starszego i manierystów) z fotografiami mody z kolorowych magazynów. Osiągając większą groteskowość, Curren często zaburza proporcje ludzkiego ciała, powiększa lub pomniejsza jego poszczególne części, przedstawia bohaterów w połamanych, manierycznych pozach.

Curren zaczynał w 1989 roku od portretów dziewcząt przerysowanych ze szkolnego albumu; kontynuowana na początku lat 90. obrazami cycatych piękności, inspirowanymi zdjęciami z Cosmopolitan i Playboya; w 1992 r. ukazały się portrety zamożnych starszych pań; w 1994 roku Curren poślubił rzeźbiarkę Rachel Feinstein, która na wiele lat stała się jego główną muzą i modelką. Pod koniec lat 90. mistrzostwo techniczne Currena w połączeniu z kiczem i groteskowością jego obrazów przyniosło mu popularność. W 2003 roku Larry Gagosian podjął się promocji artysty i jeśli taki handlarz jak Gagosian przyjmie artystę, sukces jest gwarantowany. W 2004 roku w Whitney Museum odbyła się retrospektywa Johna Currana.

Mniej więcej w tym czasie jego prace zaczęły być sprzedawane za sześciocyfrowe sumy. Aktualny rekord za obraz Johna Currena należy do dzieła „Sweet and Simple” sprzedanego 15 listopada 2016 roku w Christie's za 12 milionów dolarów. Obraz z dwoma aktami ledwo przekroczył dolną szacunkową kwotę 12–18 milionów dolarów. A jednak dla Johna Currana, który ma już ponad 50 lat, jest to zdecydowanie przełom w mojej karierze. Jego poprzedni rekord z 2008 roku wynosił 5,5 miliona dolarów (nawiasem mówiąc, za tę samą pracę „Sweet and Simple”).

21. BRYCE MARDEN Uczestniczył. 1996–1999 10,917 mln dolarów

Kolejnym żyjącym amerykańskim artystą abstrakcjonistą w naszym rankingu jest Brice Marden (1938). Prace Mardena utrzymane w stylu minimalizmu, a od końca lat 80. XX w. malarstwa gestycznego, wyróżniają się niepowtarzalną, nieco stonowaną paletą. Połączenia kolorystyczne w pracach Mardena inspirowane są jego podróżami po całym świecie - Grecji, Indiach, Tajlandii, Sri Lance. Wśród autorów, którzy wpłynęli na rozwój Mardena, są Jackson Pollock (na początku lat 60. Marden pracował jako ochroniarz w Muzeum Żydowskim, gdzie na własne oczy był świadkiem „ociekania” Pollocka), Alberto Giacometti (zaznajomiony z jego twórczością w Paryżu) i Robert Rauschenberg (niektórzy Marden pracowali przez pewien czas jako jego asystent). Pierwszy etap twórczości Marden poświęcony był klasycznym, minimalistycznym płótnom składającym się z kolorowych prostokątnych bloków (poziomych lub pionowych). W przeciwieństwie do wielu innych minimalistów, którzy poszukiwali idealnej jakości dzieł, które wyglądały tak, jakby były drukowane maszynowo, a nie rysowane przez człowieka, Marden utrwalała ślady twórczości artysty i łączyła różne materiały (wosk i farby olejne). Od połowy lat 80. pod wpływem orientalnej kaligrafii abstrakcję geometryczną zastąpiły kręte, meandrowe linie, dla których tłem były te same monochromatyczne pola barwne. Jedna z tych „znaczących” prac, „The Attended”, została sprzedana w Sotheby’s w listopadzie 2013 r. za 10,917 mln dolarów (w tym prowizja).

22. Pierre Soulages Peinture 186 x 143 cm, 23 grudnia 1959. 10,6 miliona dolarów

23. ZHANG XIAOGAN Wieczna miłość. 10,2 miliona dolarów

Kolejny przedstawiciel chińskiej sztuki współczesnej - symbolista i surrealista Zhang Xiaogang (1958). Na aukcji Sotheby's w Hongkongu 3 kwietnia 2011, gdzie sprzedano chińską sztukę awangardową z kolekcji belgijskiego barona Guya Ullensa, tryptyk Zhanga Xiaoganga "Wieczna miłość" został sprzedany za $ 10,2 miliona. Był to wówczas rekord nie tylko artysty, ale całej chińskiej sztuki współczesnej. Mówią, że dzieło Xiaoganga kupiła żona miliardera Wang Wei, która planuje otworzyć własne muzeum.

Zhang Xiaogang, który interesuje się mistycyzmem i filozofią Wschodu, napisał historię „Wiecznej Miłości” w trzech częściach – życiu, śmierci i odrodzeniu. Tryptyk ten znalazł się na kultowej wystawie Chiny/Awangarda z 1989 roku w Narodowym Muzeum Sztuki. Również w 1989 r. wojsko brutalnie stłumiło demonstracje studenckie na placu Tiananmen. Po tym tragicznym wydarzeniu zaczęto dokręcać śruby – ekspozycja w Muzeum Narodowym uległa rozproszeniu, wielu artystów wyemigrowało. W odpowiedzi na narzucony z góry socrealizm powstał kierunek realizmu cynicznego, którego jednym z głównych przedstawicieli był Zhang Xiaogang.

24. BRUCE NAUMAN Bezradny Henry Moore. 1967. 9,9 miliona dolarów

amerykański Bruce Nauman (1941), zdobywcy głównej nagrody na 48. Biennale w Wenecji (1999), osiągnięcie swojego rekordu zajęło dużo czasu. Nauman rozpoczął karierę w latach sześćdziesiątych. Koneserzy nazywają go, obok Andy’ego Warhola i Josepha Beuysa, jedną z najbardziej wpływowych postaci w sztuce drugiej połowy XX wieku. Jednak wytężona intelektualność i absolutny brak dekoracyjności niektórych jego dzieł w oczywisty sposób uniemożliwiły mu szybkie uznanie i sukces wśród szerokiej publiczności. Nauman często eksperymentuje z językiem, odkrywając nieoczekiwane znaczenia w znanych zwrotach. Słowa stają się bohaterami wielu jego dzieł, m.in. neonowych pseudoznaków i paneli. Sam Nauman nazywa siebie rzeźbiarzem, choć na przestrzeni ostatnich czterdziestu lat próbował swoich sił w zupełnie innych gatunkach – rzeźbie, fotografii, sztuce wideo, performance, grafice. Na początku lat dziewięćdziesiątych Larry Gagosian wypowiedział prorocze słowa: „Musimy jeszcze zdać sobie sprawę z prawdziwej wartości dzieła Naumana”. Oto jak to się stało: 17 maja 2001 w Christie's, dzieło Naumana z 1967 roku „Bezradny Henry Moore (widok z tyłu)”(Henry Moore Bound to Fail (Backview)) ustanowił nowy rekord w segmencie sztuki powojennej. Odlew dłoni Naumana zawiązanych na plecach, wykonany z gipsu i wosku, poszedł pod młotek za dolara 9,9 miliona do kolekcji francuskiego potentata Francois Pinaulta (według innych źródeł Amerykanki Phyllis Wattis). Wartość prac wyceniono na zaledwie 2–3 miliony dolarów, więc wynik był dla wszystkich prawdziwym zaskoczeniem.

Przed tą legendarną wyprzedażą tylko dwa dzieła Naumana przekroczyły granicę miliona dolarów. I w całej jego aukcyjnej karierze tylko sześć dzieł, oprócz „Henry’ego Moore’a…”, poszło za siedmiocyfrowe sumy, ale ich wyników nadal nie można porównywać z dziewięcioma milionami.

„Bezradny Henry Moore” to jedna z serii polemicznych prac Naumana na temat postaci Henry’ego Moore’a (1898–1986), brytyjskiego artysty, który w latach sześćdziesiątych uznawany był za jednego z najwybitniejszych rzeźbiarzy XX wieku. Młodzi autorzy, którzy znaleźli się w cieniu uznanego mistrza, następnie zaatakowali go ostrą krytyką. Twórczość Naumana jest odpowiedzią na tę krytykę i jednocześnie refleksją nad tematem kreatywności. Tytuł dzieła staje się grą słów, gdyż łączy w sobie dwa znaczenia angielskiego słowa związany – związany (w sensie dosłownym) i skazany na pewien los.

Uwaga! Wszelkie materiały znajdujące się w serwisie oraz znajdująca się w serwisie baza danych wyników aukcji, w tym ilustrowane informacje referencyjne o dziełach sprzedanych na aukcjach, przeznaczone są do użytku wyłącznie zgodnie z art. 1274 Kodeksu cywilnego Federacji Rosyjskiej. Wykorzystywanie w celach komercyjnych lub z naruszeniem zasad określonych w Kodeksie cywilnym Federacji Rosyjskiej jest niedozwolone. Serwis nie ponosi odpowiedzialności za treść materiałów udostępnionych przez osoby trzecie. W przypadku naruszenia praw osób trzecich administracja serwisu zastrzega sobie prawo do usunięcia ich z serwisu oraz z bazy danych na żądanie uprawnionego organu.

Ile kosztuje sztuka współczesna? Który z żyjących artystów cieszy się największym uznaniem, którego miarą są banknoty? Portal Artnet odpowiedział na to pytanie, analizując wyniki aukcji z lat 2011-2015 i sporządzając zestawienie najlepiej sprzedających się współczesnych artystów. Niestety, na liście nie było twórców z Rosji.

10. Ed Rusha

W latach 60. ubiegłego wieku Ed wraz z tak znanymi obecnie artystami jak Andy Warhol i Jim Dine wziął udział w historycznym wydarzeniu „Nowy obraz przedmiotów zwyczajnych”. Była to jedna z pierwszych wystaw rodzącego się stylu Pop Art w Ameryce. Dla nieoświeconego oka obrazy Rushei najbardziej przypominają szablonowe napisy na tle krajobrazów lub wesołą plamę kwiatów. Jednak w ciągu 4 lat jego dzieła sprzedano łącznie za ok 129 030 255 dolarów.

9. Ryszard Książę

Richard zasłynął dzięki ponownemu fotografowaniu zdjęć z reklam drukowanych, edytowaniu ich w przypadkowej kolejności i ozdabianiu wyrazistymi hasłami. Z jego rąk ucierpieli kowboje, celebryci, gwiazdy porno, pielęgniarki i dziewczyny motocyklistów z Marlboro. Maluje także maski samochodowe. Publiczność doceniła jego twórczość 146 056 862 dolarów– właśnie za taką kwotę sprzedano kilka prac artysty.

8. Yayoi Kusama

Artysta cierpiący na chorobę psychiczną lubi pokrywać powierzchnie punktami farby – zwanymi „sieciami nieskończoności”. Udało jej się zamienić zarówno ten groszek, jak i własną chorobę w znak firmowy i jest obecnie najlepiej sprzedającą się współczesną artystką na świecie ( 152 768 689 dolarów).

7. Peter Doig

Jeden z przedstawicieli tradycyjnego malarstwa pejzażowego. Jego twórczość cieszy się niesłabnącą popularnością wśród widzów zmęczonych hiperironicznym postmodernizmem – wszak po napisach, kolażach zdjęć i krzesłach w kropki przyjemnie jest zatrzymać wzrok na tropikalnym nocnym pejzażu. W ciągu 4 lat obrazy zostały sprzedane za ok 155 229 785 dolarów.

6. Fan Zeng

Dobrze sprzedają się także kaligraficzne napisy, przejrzyste akwarelowe pejzaże i portrety w tradycyjnym chińskim stylu – 176 718 242 dolarów od 2011 do 2015 roku.

5. Cui Ruzhou

Ten współczesny chiński artysta słynie z malarstwa tuszem przedstawiającego kwiaty, ptaki i krajobrazy. Jednak zwykli ludzie nie są w stanie zrozumieć potężnej siły sztuki – w 2012 roku sprzątaczka w hotelu Grand Hayatt przez przypadek wyrzuciła do kosza jedno z jego dzieł warte 3,7 miliona dolarów. Prace Cui Ruzhou sprzedają się od 4 lat 223 551 382 dolarów.

4. Zeng Fanzhi

Skomplikowane, wielokolorowe prace innego chińskiego artysty, przedstawiające żywe stworzenia i przedmioty albo zaplątane w sieć, albo zagubione w zimowym lesie, a także złowieszcze pionierzy o zakrwawionych rękach, również dobrze sprzedawały się w latach 2011–2015 – za 267 949 220 dolarów.

3. Krzysztof Wełna

Znakiem rozpoznawczym Krzysztofa są ogromne, białe płótna z czarnymi literami. Cztery z tych listów zawierających słowo Riot zostały sprzedane w Sotheby's za 29,9 miliona dolarów. W ciągu zaledwie 4 lat prace artysty zostały sprzedane za kwotę ok 323 997 854 dolarów.

2. Jeff Koons

Były mąż gwiazdy porno Cicciolina woli pracować w gatunku neopop. Zasłynął szczególnie ze swoich stalowych rzeźb imitujących zabawki wykonane z podłużnych balonów. Za jedno z dzieł (stalowo-pomarańczowy pies) na aukcji Christie's zapłacono 58,4 mln dolarów. Jeff planuje także zainstalować dźwig przed Muzeum Sztuki w Los Angeles, na którym zostanie zawieszona lokomotywa parowa, tak aby kłębiła się i wydzielała kłęby dymu. Od 2011 do 2015 roku Koons sprzedał prace za łącznie 379 778 439 dolarów.

1. Gerarda Richtera

Na pierwszym miejscu w rankingu artystów z najlepiej sprzedającymi się obrazami znajduje się mistrz, który nawet za takiego się nie uważa. Według Gerarda przez długi czas tworzył coś, co nie było związane ze sztuką, kompozycją, kolorem, kreatywnością itp. Mianowicie pokrywał płótna plamami farby za pomocą skrobaczek i szpatułek. Jeden z tych obrazów zatytułowany „Obraz abstrakcyjny”, najbardziej przypominający umierającego w agonii arbuza, został wyceniony na aukcji Sotheby’s za 43,6 miliona dolarów, a prace artysty sprzedawano za skromną kwotę 1 165 527 419 dolarów.