Alesey Nikolaevich Arbuzov jest znanym dramaturgiem. Urodzony w Moskwie 13 maja 1908 r. Wychowywał się w rodzinie ludzi wykształconych i inteligentnych. Jego rodzina co roku jeździła na wakacje nad morze. Morze to najwspanialsze wspomnienie z jego dzieciństwa. Kiedy w 1941 r. wybuchła II wojna światowa, rodzina Arbuzowów przebywała na wybrzeżu Rygi i musiała je pilnie opuścić. Rodzina przeniosła się do Piotrogrodu i opuściła Moskwę. Tam sześcioletni chłopiec bardzo zainteresował się teatrem, lubi słuchać muzyki operowej i studiuje kinematografię. W 1916 r. Arbuzow rozpoczął naukę w prywatnym gimnazjum, ale rewolucja 1917 r. uniemożliwiła mu zdobycie wykształcenia.

Kiedy Arbuzow miał zaledwie 9 lat, jego rodzina doznała niepowodzenia i zaczęli żyć zupełnie inaczej. W jego życiu nadszedł trudny moment – ​​głód, tyfus, choroba. W 1919 roku Aleksiej stracił rodzinę i trafił do kolonii. Teatr stał się jego wybawieniem. W Teatrze Dramatycznym Bolszoj wystawiono dla żołnierzy Armii Czerwonej przedstawienie „Zbójcy Schillera”, które Arbuzow mógł także obejrzeć. Na scenie wystąpił A. Blok, wygłaszając przemówienie otwierające. Występ ten zainteresował go na tyle, że chłopiec z zachwytem oglądał wszystkie występy i znał cały repertuar.

Życie stopniowo stawało się lepsze. Ciotka Aleksieja, V. Savich, zabrała go do siebie. Ale facet nie chciał iść do szkoły i został bez wykształcenia średniego.

Arbuzow zaczął pracować w Teatrze Maryjskim jako statysta. P. Gaideburov jest dobrym reżyserem i aktorem, był kierownikiem studia teatralnego i zabrał na studia szesnastoletniego Aleksieja Arbuzowa. Po ukończeniu studia dołączył do trupy Gaideburowa.

W 1928 roku Aleksiej opuścił teatr. Próbuje stworzyć własny „warsztat” dramaturgii eksperymentalnej. Ale jego eksperyment się nie powiódł, „warsztat” rozpadł się. Następnie dramaturg został członkiem teatru „Agitvagon” – teatru na kołach. Teatr ten wystawiał swoje przedstawienia w małych miasteczkach Rosji. Teatr nie miał wyraźnego lidera, dlatego Aleksiej Arbuzow został jego dramaturgiem i zaczął dla niego pisać sztuki. Spektakl „Klasa” to pierwsza duża sztuka dramaturga wystawiona w Leningradzie. Ale nie odniosła sukcesu. Niepowodzenie jego sztuki zmusiło Arbuzowa do przeniesienia się do Moskwy i przyłączenia się do Teatru Meyerholda. I. Sztok, W. Pluchek zostali jego nowymi przyjaciółmi.

W 1932 r. Aleksiej ożenił się i w jego rodzinie pojawiła się dziewczyna.

Komedia „Sześć kochanych” napisana w 1935 roku jest pierwszą sztuką, która zyskała aprobatę krytyki i publiczności. Grano na scenach Moskwy, Leningradu i innych miast. Po udanej komedii Arbuzow w tym samym roku napisał kolejną komedię „Długa droga”.

Dramaturg celowo napisał dla Babanowej swoją sztukę „Tanya”. Była jego ulubioną aktorką, z zachwytem obserwował jej występ na scenie Akademickiego Teatru Wachtangowa. W 1939 roku w Moskiewskim Teatrze Rewolucji odbyła się premiera sztuki „Tania”, która odniosła ogromny sukces. Następnie w latach 1960–1970 wszystkie teatry w ZSRR wystawiały „Tanyę”.

5 lutego 1941 roku odbyła się premiera jego kolejnej sztuki „Miasto o świcie”, jednak ze względu na wojnę spektakl ten długo „nie żył”.

W latach powojennych (1947) Arbuzow napisał komedię „Spotkanie z młodzieżą”; dramaturg pracował nad dramatem „Lata wędrówki” przez prawie 5 lat. Stał się popularnym dramaturgiem w Rosji; teatry wystawiały wiele jego sztuk. Arbuzow był mocno przywiązany do teatru. E. Wachtangowa, gdzie wystawiano jego sztuki: „Zaginiony syn”, „Dwunasta godzina”, „Historia irkucka” i inne. Jednocześnie sztuki Arbuzowa zyskują popularność za granicą. Szczęśliwe dni pechowca są popularne w Londynie i Paryżu.

Należy pamiętać, że biografia Aleksieja Nikołajewicza Arbuzowa przedstawia najważniejsze momenty z jego życia. W tej biografii mogą zostać pominięte pewne drobne wydarzenia życiowe.

Arbuzow Aleksiej Nikołajewicz (1908 - 1986), dramaturg.

Urodzony 13 maja (26 NS) w Moskwie w wykształconej, inteligentnej rodzinie. Najsilniejszym wrażeniem dziecka z dzieciństwa było morze, dokąd co roku rodzina jeździła na wakacje. Początek wojny 1914 r. zastał Arbuzowów na wybrzeżu Rygi i musieli pilnie wyjechać. Arbuzowowie przenieśli się z Moskwy do Piotrogrodu, gdzie sześcioletni Alosza angażuje się w teatr, słucha opery i chodzi do kina. Nauka w prywatnym gimnazjum (1916). Rewolucja 1917 r. uniemożliwiła mu zdobycie systematycznej edukacji.

W wieku 9 lat musiał stawić czoła upadkowi dotychczasowego życia i zachłannie chłonął nowe wrażenia. Nadchodzą ciężkie dni: głód, szkorbut, dur brzuszny. W wieku 11 lat zostaje sam i trafia do kolonii dla ludzi trudnych do wychowania. Teatr stał się jego wybawieniem. W Teatrze Dramatycznym Bolszoj chłopiec miał okazję obejrzeć sztukę Zbójcy Schillera, wystawianą dla żołnierzy Armii Czerwonej jadących na front. Wygłosił przemówienie otwierające. A. Blok. Wrażenie było tak silne, że obejrzałem wszystkie przedstawienia w tym teatrze i znałem cały repertuar.

Jego życie staje się coraz bardziej uporządkowane: mieszka z ciotką V. Savich. Odmówił uczęszczania do szkoły i nigdy nie uzyskał wykształcenia średniego.

W wieku 14 lat rozpoczął pracę jako statysta w Teatrze Maryjskim. W wieku 16 lat wstąpił do studia teatralnego prowadzonego przez genialnego aktora i reżysera P. Gaideburowa. Jesienią, po ukończeniu studia, Arbuzov wstąpił do trupy Gaideburowa. Wiosną 1928 roku opuścił teatr, aby wraz z grupą młodych aktorów stworzyć własny warsztat dramatu eksperymentalnego. Po jego upadku brał udział w organizacji teatru na kołach (agitvagon), który jeździ ze spektaklami do małych miasteczek w Rosji. Teatr nie miał własnego dramaturga, więc Arbuzow sam podjął się pióra. Pierwsza wieloaktowa sztuka Klass została wystawiona w Leningradzie, ale nie odniosła sukcesu. Po porażce Arbuzow wyjechał do Moskwy i wstąpił do Teatru Meyerholda. Pojawiają się nowi przyjaciele: V. Pluchek, I. Shtok oraz inni aktorzy i reżyserzy. Wiosną 1932 roku ożenił się i urodziła mu się córka.

Pierwszą sztuką, która została wystawiona w Moskwie, Leningradzie i innych miastach i spotkała się z uznaniem publiczności i krytyki, była komedia Sześciu ukochanych (1935). W tym samym roku powstała nowa komedia „Długa droga”. Arbuzow zawsze podziwiał utalentowaną kreację aktorki teatru Wachtangowa Babanowej, a Tanya napisała sztukę specjalnie dla niej. Tania została wystawiona w 1939 roku przez Moskiewski Teatr Rewolucji i odniosła ogromny sukces. Wystawiał go w latach 60. i 70. wiele teatrów radzieckich.

Premiera spektaklu „Miasto o świcie” odbyła się 5 lutego 1941 r., jednak wojna przerwała długą żywotność tego przedstawienia.

Po wojnie Arbuzow napisał komedię Spotkanie z młodzieżą (1947), przez około pięć lat pracował nad dramatem Lata wędrówki (1954). Arbuzow staje się jednym z najsłynniejszych dramaturgów w kraju, którego sztuki wystawiane są w wielu teatrach. Przez wiele lat wspólnej twórczości dramaturg był związany z teatrem. E. Wachtangowa, w którym wystawiono siedem sztuk Arbuzowa: „Historia irkucka”, „Godzina dwunasta” (1959), „Syn zagubiony” (1961) itp. Sztuki A. Arbuzowa zaczynają być wystawiane za granicą: w Londynie – Happy Days „Nieszczęśnik, staromodna komedia” wystawiona w Paryżu. 20 kwietnia 1986 Arbuzow zmarł. Pochowany w Moskwie.

Literatura radziecka

Aleksiej Nikołajewicz Arbuzow

Biografia

Arbuzow Aleksiej Nikołajewicz (1908 - 1986), dramaturg.

Urodzony 13 maja (26 NS) w Moskwie w wykształconej, inteligentnej rodzinie. Najsilniejszym wrażeniem dziecka z dzieciństwa było morze, dokąd co roku rodzina jeździła na wakacje. Początek wojny 1914 r. zastał Arbuzowów na wybrzeżu Rygi i musieli pilnie wyjechać. Arbuzowowie przenieśli się z Moskwy do Piotrogrodu, gdzie sześcioletni Alosza angażuje się w teatr, słucha opery i chodzi do kina. Nauka w prywatnym gimnazjum (1916). Rewolucja 1917 r. uniemożliwiła mu zdobycie systematycznej edukacji.

W wieku 9 lat musiał stawić czoła upadkowi dotychczasowego życia i zachłannie chłonął nowe wrażenia. Nadchodzą ciężkie dni: głód, szkorbut, dur brzuszny. W wieku 11 lat zostaje sam i trafia do kolonii dla ludzi trudnych do wychowania. Teatr stał się jego wybawieniem. W Teatrze Dramatycznym Bolszoj chłopiec miał okazję obejrzeć sztukę Zbójcy Schillera, wystawianą dla żołnierzy Armii Czerwonej jadących na front. Wygłosił przemówienie otwierające. A. Blok. Wrażenie było tak silne, że obejrzałem wszystkie przedstawienia w tym teatrze i znałem cały repertuar.

Jego życie staje się coraz bardziej uporządkowane: mieszka z ciotką V. Savich. Odmówił uczęszczania do szkoły i nigdy nie uzyskał wykształcenia średniego.

W wieku 14 lat rozpoczął pracę jako statysta w Teatrze Maryjskim. W wieku 16 lat wstąpił do studia teatralnego prowadzonego przez genialnego aktora i reżysera P. Gaideburowa. Jesienią, po ukończeniu studia, Arbuzov wstąpił do trupy Gaideburowa. Wiosną 1928 roku opuścił teatr, aby wraz z grupą młodych aktorów stworzyć własny warsztat dramatu eksperymentalnego. Po jego upadku brał udział w organizacji teatru na kołach (agitvagon), który jeździ ze spektaklami do małych miasteczek w Rosji. Teatr nie miał własnego dramaturga, więc Arbuzow sam podjął się pióra. Pierwsza wieloaktowa sztuka Klass została wystawiona w Leningradzie, ale nie odniosła sukcesu. Po porażce Arbuzow wyjechał do Moskwy i wstąpił do Teatru Meyerholda. Pojawiają się nowi przyjaciele: V. Pluchek, I. Shtok oraz inni aktorzy i reżyserzy. Wiosną 1932 roku ożenił się i urodziła mu się córka.

Pierwszą sztuką, która została wystawiona w Moskwie, Leningradzie i innych miastach i spotkała się z uznaniem publiczności i krytyki, była komedia Sześciu ukochanych (1935). W tym samym roku powstała nowa komedia „Długa droga”. Arbuzow zawsze podziwiał utalentowaną kreację aktorki teatru Wachtangowa Babanowej, a Tanya napisała sztukę specjalnie dla niej. Tania została wystawiona w 1939 roku przez Moskiewski Teatr Rewolucji i odniosła ogromny sukces. Wystawiał go w latach 60. i 70. wiele teatrów radzieckich.

Premiera spektaklu „Miasto o świcie” odbyła się 5 lutego 1941 r., jednak wojna przerwała długą żywotność tego przedstawienia.

Po wojnie Arbuzow napisał komedię Spotkanie z młodzieżą (1947), przez około pięć lat pracował nad dramatem Lata wędrówki (1954). Arbuzow staje się jednym z najsłynniejszych dramaturgów w kraju, którego sztuki wystawiane są w wielu teatrach. Przez wiele lat wspólnej twórczości dramaturg był związany z teatrem. E. Wachtangowa, w którym wystawiono siedem sztuk Arbuzowa: „Historia irkucka”, „Godzina dwunasta” (1959), „Syn zagubiony” (1961) itp. Sztuki A. Arbuzowa zaczynają być wystawiane za granicą: w Londynie – Happy Days „Nieszczęśnik, staromodna komedia” wystawiona w Paryżu. 20 kwietnia 1986 Arbuzow zmarł. Pochowany w Moskwie.

Arbuzow Aleksiej Nikołajewicz to znany rosyjski dramaturg (1908–1986). Urodzony 13 maja 1908 roku w Moskwie w rodzinie intelektualistów. Już jako dziecko uwielbiał spędzać czas z rodziną na morzu. Na początku wojny w 1914 roku rodzina Arbuzowów przeniosła się z Moskwy do Piotrogrodu, gdzie rozpoczęła się przygoda Aleksieja z teatrem. W 1916 roku rozpoczął naukę w prywatnym gimnazjum, jednak rewolucja 1917 roku uniemożliwiła mu ukończenie szkoły i zdobycie wykształcenia.

Od 9 roku życia Aleksiej Arbuzow musiał stawić czoła problemom dorosłego życia. W tym czasie w kraju panuje głód i rozwijają się choroby zakaźne, takie jak szkorbut i tyfus. W wieku 11 lat zostaje bez rodziców i trafia do kolonii dla dzieci trudnych do wychowania. Teatr staje się jego wybawieniem. Życie Arbuzowa zaczyna się stopniowo porządkować. Zamieszkuje u ciotki V. Savich, ale nie uczęszczając do szkoły, nigdy nie otrzymuje wykształcenia średniego. Od 14 roku życia Aleksiej pracuje jako statysta w Teatrze Maryjskim. 2 lata później, kiedy skończył 16 lat, Arbuzov wstąpił do studia teatralnego. Po ukończeniu studia wstąpił do trupy utalentowanego aktora i reżysera Gaideburowa. W 1928 roku Arbuzow opuścił teatr i założył własną Pracownię Dramatu Eksperymentalnego, w której uczestniczyli młodzi aktorzy. Następnie organizuje teatr na kółkach, objeżdżając małe miasteczka w Rosji. Po niepowodzeniu jako dramaturg Arbuzow wstąpił do moskiewskiego teatru Meyerholda. W 1932 r. Aleksiej Arbuzow ożenił się i urodziła mu się córka.

Na jednej z placów budowy w Irkucku w sklepie spożywczym pracują dwie dziewczyny – Valya i Larisa. Valya jest kasjerką, ma dwadzieścia pięć lat. To wesoła dziewczyna, która niewiele myśli o swoim zachowaniu i stylu życia, dzięki czemu zyskała przydomek Valka Tania. Jej przyjaciel Wiktor Bojcow, w tym samym wieku co Walia, przedstawia ją Siergiejowi Siergiinowi. Seregin jest głównym operatorem koparki kroczącej. Victor jest jego pierwszym asystentem, elektrykiem.

Wiktor obiecuje Walii, że pójdzie do kina, a potem na tańce, ale ponieważ jego szef, Stiepan Jegorowicz Sierdiuk, zleca mu zadanie związane z naprawą koparki, Wiktor prosi Siergieja, aby zamiast niego poszedł z Walią. Po filmie Valya i Sergei siedzą na ławce w parku i rozmawiają. Valya mówi, że chce być jak Carmen – skoro napisano o niej tak wspaniałą operę, to znaczy, że nie może być bohaterką negatywną. Siergiej mówi Walii, że był już żonaty. Zapytany o przyczynę rozwodu Valin odpowiada, że ​​najwyraźniej „nie potrzebowali wzajemnej pomocy. Nieprawdziwe, to znaczy, że była miłość. Valya mówi, że naprawdę chciałaby, żeby istniała prawdziwa miłość, bo strasznie jest być samemu.

Podczas rozmowy do ławki podchodzi dwóch facetów i zaczyna obrażać Valyę. Siergiej uderza jednego z nich w twarz. Valya prosi Siergieja o przebaczenie i ucieka. Akcja przenosi się na brzeg Angary. Larisa i Valya piją piwo i rozmawiają. Valya mówi przyjaciółce, że otrzymała list od nieznanej osoby. Napisano tam, że człowiek nie żyje na próżno i nie na próżno. Jego praca powinna sprawiać, że wszystko wokół niego staje się lepsze. Szczęścia nie można doświadczyć samotnie. Przychodzi Wiktor. Larisa zostawia ich w spokoju. Valya mówi mu, że zamierza wyjść za mąż – choćby tylko z nim. Odpowiada, mówiąc, że byłoby to zabawne, to im wystarczy.

Pokój w akademiku dziewcząt. urodziny Valiego. Zaprasza Victora i Siergieja. Nie mówi jednak Siergiejowi, dlaczego przyjmuje gości. Victor jest zachwycony obecnością Siergieja. „Nie lubił” spędzać wieczoru w towarzystwie dwóch dziewcząt. Siergiej radzi Wiktorowi poślubić Walię. Odpowiada, że ​​nie chce się wiązać.

Przy stole Valya czyta na głos listy od nieznanej osoby, w tym ten, w którym nieznana osoba prosi ją o rękę. Valya mówi, że wolałaby poślubić Victora, ale on ją porzuca. Następnie Siergiej przyznaje, że to on pisał listy i że nigdy by tego nie powiedział, gdyby Wiktor nie porzucił Walii. Valya wyrzuca Victora. Obiecuje, że będzie o tym pamiętać.

Victor zaczyna pić i opuszczać pracę. Prosi Siergieja, aby opuścił Valyę, ale Siergiej ją kocha i odmawia Wiktorowi.

Na ślubie Valyi i Siergieja Larisa spotyka Sierdiukowa. Victor daje Valyi pierścionek na pamiątkę i ucieka.

Czas mija. Valya i Siergiej urodzili bliźnięta - Fedora i Lenochkę. Siergiej radzi Walii, aby poszła na studia, a potem do pracy. Uważa, że ​​aby być szczęśliwym, człowiek potrzebuje, aby jego firma była choć trochę lepsza od niego samego.

Trzydziesty lipca. To bardzo gorący dzień. Siergiej bierze ręcznik i idzie do Angary, żeby się wykąpać. W drodze nad rzekę spotyka chłopca i dziewczynkę, którzy dołączają do niego: dzieci wybierają się na ryby.

Tymczasem Victor przybywa do Valyi. Wciąż nie może o niej zapomnieć i bardzo cierpi. Valya kocha Siergieja. Nagle przychodzi ich przyjaciel Rodik i mówi im, że Siergiej utonął. Chłopiec i dziewczynka łowiący ryby wywrócili się na tratwie. Siergiej uratował ich kosztem życia.

Po śmierci Siergieja cały jego zespół postanawia dla niego pracować i przekazać pieniądze Walencie. Jest tylko jeden przeciwko Victorowi. Uważa, że ​​powinno to upokorzyć Valyę. Valya jednak przyjmuje pieniądze. Następnie Victor oskarża ją o bycie uzależnioną. Kocha Valyę i chce, żeby zachowała ludzką godność. Mówi jej to samo, co kiedyś powiedział Siergiej: że powinna iść na studia i pracować. Wzywa ją, aby dołączyła do nich podczas jego zmiany. Vala zgadza się. Wydaje się, że rodzi się w niej nowe uczucie do Victora, choć nie spieszy się do tego przyznać. Głos Siergieja życzy Wiktorowi szczęśliwej podróży życiowej.

Powtórzone

Zespół jest tym, do czego dąży każdy reżyser. Ale można go stworzyć z ludźmi o podobnych poglądach, z ludźmi wyznającymi tę samą wiarę, którzy doskonale rozumieją siebie i swojego przywódcę. Oczywiście, tego nie da się zrobić od razu, potrzeba lat, żeby stworzyć teatr ludzi o podobnych poglądach, potrzeba lat pracy zespołowej, wzajemnego przystosowania się, podporządkowania się prawu, które jest jednakowo rozumiane przez wszystkich, a jednocześnie wyostrzenie każdej indywidualności, która ma się narodzić. Można to osiągnąć jedynie dzięki wspólnym wysiłkom. Oto wysiłki, które nasza młodzież pod przewodnictwem Jewgienija Simonowa zaczęła podejmować w latach pięćdziesiątych i sześćdziesiątych.

Jewgienij Simonow przybył do Teatru Wachtangowa w 1947 roku, po ukończeniu Szkoły Teatralnej B.V. Szczukina. Jeszcze w szkole próbował swoich sił jako reżyser.

W teatrze poważnie traktował reżyserię, szukając własnego stylu, własnego głosu, własnej drogi. Już w pierwszych przedstawieniach – „Letni dzień” Ts. Solodara i „Dwóch panów z Werony” W. Szekspira – skłonność do poetyckiego rozumienia materiału scenicznego, romantycznie wzniosłe brzmienie dzieła aktorskiego i widoczne było przemyślane rozwiązanie muzyczne.

Evgeny Simonov urodził się i wychował w aktorskiej rodzinie; Tradycje Teatru Wachtangowa, jak to się mówi, wchłonął z mlekiem matki i podążał nimi od samego początku swojej twórczej drogi. A jeśli jego pierwsze prace były naśladowcze i nieśmiałe, to swoje najlepsze występy osiągał jako już uznany artysta. Realistyczne i szczegółowo-naturalne aktorstwo łączy się w nich z wzniosłymi, poetycznymi warunkami ich istnienia. Poezja pięknie rzuca światło na realizm aktorskiej gry i na tym polega urok jego przedstawień. Główna idea spektaklu dociera do widza poprzez połączenie teatralności i szczegółów życiowych, uniesienia i trafności.

Tuż przed wojną studio kierowane przez dramaturga Aleksieja Nikołajewicza Arbuzowa pokazało swoje pierwsze przedstawienie w Moskwie. Członkowie studia postanowili wspólnie napisać sztukę, a właściwie nie pisać, ale stworzyć ją w formie szkicu, opierając się na budowie Komsomolska nad Amurem. Każdy uczestnik wymyślił własną rolę, postać swojego bohatera, a wszystkie te pomysły zostały doprecyzowane i zweryfikowane w trakcie pracy.

Tak nam powiedział Maxim Grekov, były członek Arbuzu, a po wojnie aktor naszego teatru. Nazwali sztukę „Miasto o świcie” i odniosła ona ogromny sukces wśród Moskali. To właśnie tę sztukę Evgeny Simonov wziął do swojej kolejnej produkcji. Wziął go i od razu dostrzegł w nim coś, co odpowiadało jego rozumieniu teatru, jego stylowi.

Zbieżność materiału spektaklu i figuratywnej wizji reżysera uczyniła dzieło niezwykle interesującym. Szła, jak to mówią, jednym tchem. Od razu odnaleziono obraz przedstawienia i jego rytm, aktorzy także od razu, bez zwykłych długich poszukiwań i wątpliwości (przynajmniej ja je prawie zawsze mam), zaakceptowali, podchwycili i zaczęli rozwijać to, co zaproponował im reżyser.

Nie oznacza to, że ciężka praca nie jest konieczna. Ale co innego pracować, a co innego nieskończona zmiana decyzji, całkowicie dezorientując aktora. Drżący, nie celowany celnie i porywająco, zaczyna kłócić się z reżyserem, a wzajemne irytacje często osiągają takie natężenie, że nie można mówić o jakiejkolwiek twórczej atmosferze.

Inteligentni i subtelni reżyserzy starają się stworzyć na próbie atmosferę wzajemnego szacunku i przyjaźni.

Mówią, że wielki Szczukin nie lubił kłócić się słowami.

Zaproponował kilka opcji rozwiązania tej lub innej części roli i uważnie wysłuchał reakcji zarówno reżysera, jak i jego towarzyszy. Im bardziej twórczo bogaty jest aktor, tym bardziej hojny i różnorodny jest w swoich poszukiwaniach. Naturalnie, wybierając dokładniejsze rozwiązanie, będzie ostrożny i uważny.

Dyktat reżysera jest dobry tylko w połączeniu z poszanowaniem wolności i twórczej emancypacji aktora. A kiedy wykonawca wie z góry, że każdy jego krok jest z góry określony, wówczas ogarnia go straszny stan zależności: nieustannie, jak pisklę, czeka z otwartymi ustami, co reżyser mu „ustawi”. Reżyser dał mu jedną rolę, potem drugą, a teraz aktor boi się sam zrobić krok i nie wie już jak. Inteligentny reżyser nie będzie wywierał presji na wykonawcę swoim autorytetem; da mu możliwość wypróbowania różnych opcji aktorskich. I jest możliwe, a zdarza się to dość często, że po zważeniu wszystkiego on i aktor zdecydują nie samodzielnie, ale na podstawie swojej decyzji. Cóż, jeśli stanowczo nalega na siebie, przyprowadzi do niego aktora w sposób naturalny i, jeśli to możliwe, nie siłą. Spory w pracy są nieuniknione. Jeśli są poszukiwaniem najlepszych, są to spory twórcze. Ale jeśli te spory są starciem dwóch „nieelastycznych” postaci, to z reguły nic dobrego z tego nie wynika.

Grupa teatralna to zbiór bardzo złożonych i często podatnych na zagrożenia aktorów. Można na to narzekać, ale to fakt. Taki jest teatr i jego ludzie, którzy pracują nie na marmurze, ale na nerwach, nie pędzlem, ale sercem, z psychicznym przeciążeniem. A aktorzy nie mają innego materiału. A reżyser – kapitan tego statku – potrzebuje wiele – taktu, ludzkiego zrozumienia, wytrwałości, dyplomacji, woli (ale nie złej i głupiej) i cierpliwości, i oczywiście wielkiego talentu, aby móc oferować takie decyzje i ruchy, przed którymi aktorzy staliby zaskoczeni i zszokowani swoją nieoczekiwanością i trafnością. Reżyserowi potrzeba wielu rzeczy i nie zawsze jedna osoba łączy w sobie wszystkie pożądane cechy.

W pracy nad „Miastem o świcie” panowała rzadka jedność całej obsady spektaklu. Zaprosili wspaniałego artystę teatru leningradzkiego A. Bosulaeva. Dość szybko stworzył model przyszłego wykonania. Na tle bezkresnej dziczy tajgi na scenie pojawiła się fikcyjna skała z wieloma półkami i schodkami. Skała ta była bardzo dogodna do wyrazistych scen mise-en-scen i była obrazem nagiego, ponurego brzegu rzeki Amur, gdzie wylądowali pierwsi budowniczowie Komsomołu.

To na tej skale rozegrały się wszystkie dalsze wydarzenia. Evgeny Simonov zaprojektował przedstawienie jako romantycznie podniosłe przedstawienie, w które teatr od pierwszej minuty wciągnął widza, żądając jego udziału i współudziału. Po raz pierwszy w swojej pracy reżyserskiej Jewgienij Rubenowicz przedstawił szczery apel do publiczności. Występ rozpoczął się od lądowania na brzegu i wściekłego, dławiącego przemówienia marynarza Kostyi Belousa do publiczności.

A ja, performerka Kostya Belous, otrzymałam zadanie zwrócenia się nie do publiczności w ogóle, ale do konkretnych osób tam siedzących.

Czy wiesz, czym jest szczęście? A ty? Ty? Do czego dążysz, o czym marzysz, czego chcesz, mój przyjacielu, mój bracie, z którym dzielimy ćwierć wieku? Jak bardzo chciałbym przetrwać te dwadzieścia pięć lat i spędzić choć godzinę na rozmowie, spojrzeć w Twoje oczy, przyszły Komsomołu, poznać Twoje nadzieje, Twoje marzenia. Czy odległe drogi i nieutwardzone ścieżki przeszkadzają wam tak, jak przeszkadzały nam? Czy znacie radość nocnych debat, czy zapomnieliście o prawie wielkiego koleżeństwa Komsomołu? Czy jesteście gotowi, tak jak my, oddać życie za nieśmiertelną sprawę leninowską? A co, jeśli znudzisz się i ponad swoje lata staniesz się szanowany i ważny, nie staniesz w obronie towarzysza na pierwsze wezwanie partyjnego sumienia i nauczysz się żyć w pokoju z nieprawdą i niesprawiedliwością?

A co, jeśli szukasz szczęścia w ciszy i samotności, a Twoja wiara w tę świętą sprawę, której oddaliśmy naszą młodość, nasze życie, ostygła? Jeśli tak jest, to współczuję Ci – nigdy nie zaznasz prawdziwego szczęścia! A my – powiem to z dumą – znaliśmy go. Czyż nasze serca nie biły ze szczęścia tego niezapomnianego dnia 20 czerwca 1932 roku, kiedy zeszliśmy nad brzeg Amuru i stojąc wśród pudeł i bel, koszy i walizek, śpiewaliśmy i śpiewaliśmy z gardłami wyschniętymi ze szczęścia?

Ten apel do publiczności już na początku przedstawienia był niejako przestrogą przed tym, o czym będzie mowa.

A całe przedstawienie było pełne takiego zaangażowania publiczności w akcję, co zostało podkreślone mise-en-sceną – aktorzy wyszli prosto na rampę i bezpośrednio zwrócili się do publiczności. W tej nagości techniki pokładano wielką wiarę w widza, w jego zdolność zrozumienia idei teatru. Wyrażało się to zarówno w bezpośrednich wystąpieniach do publiczności, jak i w dynamicznym rozwoju akcji scenicznej, a także w swego rodzaju szalonym, podnoszącym na duchu rytmie przedstawienia. Naprawdę był niezwykle intensywny i pełen pasji. Pasjonuje się rozwiązywaniem scen zbiorowych i rozwiązywaniem wielu postaci. I tępy ortodoksyjny, drewniany, prosty Agranowski, i Leszka Zorin, gryzący zza rogu, i niepohamowana marzycielka, z pasją wierząca, że ​​miasto, które budują, będzie miastem słońca i szczęścia, Zyablik, i chudy, pozornie kruchy i bezbronna, ale tak naprawdę dziewczyna o nieugiętej woli – Natasza i Oksana, które odważnie wyznały miłość do małego Don Kichota Zyablika, oraz synek mamy, odeski dobry chłopak, krótkowzroczny, o odważnym sercu Altman i lekkomyślny żeglarz Kostya Belous - wszystkich tych różnych ludzi łączy pragnienie zrobienia wszystkiego, przezwyciężenia wszystkiego, pokonania wszystkiego, zniesienia wszystkiego ze względu na jasne miasto przyszłości.

Tym motywem przewodnim spektakl przesiąknął Evgeny Simonov, dzięki czemu okazał się on integralny, precyzyjnie wyreżyserowany i skuteczny. Odgadnięto ducha Komsomołu lat trzydziestych, ducha bezgranicznej wiary w wykonalność swoich pragnień, ducha poświęcenia, ducha niekontrolowanej energii i prawdziwego spalania. A żywiołowość i pasja spektaklu zrodziła się nie z samego pomysłu reżysera, ale z obsesji bohaterów, ich szalonej chęci budowania przyszłości. Te uczucia przelały się na salę i zdawały się szokować serca publiczności.

To był jeden z tych występów, który musiał wypalić się pełną parą, w całej okazałości swojego temperamentu. I wtedy, i tylko wtedy, zdobył serca widza. Aktorzy (i prawie wszyscy grani młodzi aktorzy) - Julia Borysowa, Jurij Jakowlew, Wiaczesław Dugin, Maksim Grekow, Larisa Paszkowa, Antonina Gunczenko, Michaił Dadyko, Aleksander Grave i inni - studiowali w tym przedstawieniu przed całym kolektywizmem i napięciem wspólnych wysiłków twórczych.

Ilekroć pojawia się problem młodości, drogi, którymi najlepiej podążać wychowując aktorów nowego pokolenia, przypominam sobie „Miasto o świcie”, które zasiało w naszych duszach wiele dobra i pomogło zrozumieć, na czym polega praca studyjna i koleżeństwo jest. Warto, gdy czuje się wspaniałe poczucie zaangażowania we wspólną sprawę, gdy rozumie się, że bez Waszych wysiłków będzie słabiej.

Sposobów na kształcenie młodych aktorów jest wiele i są one niezbędne. Ale najbardziej owocny, najbardziej twórczy jest spektakl stworzony przez samą młodzież, jako jej ludzkie i twórcze credo. Oczywiście, jeśli ten spektakl odniesie sukces, jeśli w pełni wyrazi całą pasję, niecierpliwość i pragnienia młodych ludzi. Spektakl ten nie staje się kolejnym z szeregu innych, ale stanowi, jeśli kto woli, manifest ludzki, obywatelski i aktorski. Spektakl „Miasto o świcie” stał się takim manifestem dla nas, wówczas aspirujących aktorów, i dla coraz potężniejszego reżysera Jewgienija Simonowa.

Potem były inne role, inne przedstawienia. Były sukcesy, były też porażki czy szare, codzienne role, ale „Miasto o świcie” pozostało dla nas spektaklem, w którym mogliśmy głośno zadeklarować naszą pozycję twórczą i po raz pierwszy poczuć wielką moc teatru.