W prawie każdym znacząca praca sztuka jest tajemnicą, „podwójnym dnem” lub tajna historia, które chcę ujawnić.

Muzyka na pośladkach

Hieronim Bosch, „Ogród rozkoszy ziemskich”, 1500-1510.

Fragment części tryptyku

Spory o znaczenia i ukryte znaczenia Najsłynniejsze dzieło holenderskiego artysty nie ustąpiło od czasu jego pojawienia się. Prawe skrzydło tryptyku „Muzyczne Piekło” przedstawia grzeszników torturowanych w podziemiach za pomocą instrumenty muzyczne. Jeden z nich ma wytłoczone nuty na pośladkach. Studentka Oklahoma Christian University, Amelia Hamrick, która studiowała obraz, przetłumaczyła XVI-wieczny zapis na współczesny akcent i nagrała „500-letnią piekło z piekła rodem”.

Naga Mona Lisa

Słynna „La Gioconda” występuje w dwóch wersjach: naga wersja nazywa się „Monna Vanna” i została napisana przez kilku sławny artysta Salai, który był uczniem i wzorem wielkiego Leonarda da Vinci. Wielu historyków sztuki jest przekonanych, że to on był wzorem dla obrazów Leonarda „Jan Chrzciciel” i „Bachus”. Istnieją również wersje przebrane za sukienka damska Salai służyła jako wizerunek samej Mony Lisy.

Stary rybak

W 1902 roku węgierski artysta Tivadar Kostka Csontvary namalował obraz „ Stary rybak" Wydawać by się mogło, że w obrazie nie ma nic niezwykłego, jednak Tivadar umieścił w nim podtekst, który nigdy nie został ujawniony za życia artysty.

Niewiele osób myślało o umieszczeniu lustra na środku obrazu. W każdej osobie może być zarówno Bóg (zduplikowane jest prawe ramię Starca), jak i Diabeł (zduplikowane jest lewe ramię Starego Człowieka).

Czy był wieloryb?

Hendrik van Antonissen, Scena na brzegu.

Wydawać by się mogło, że to zwykły krajobraz. Łodzie, ludzie na brzegu i bezludne morze. I dopiero badanie rentgenowskie wykazało, że ludzie gromadzili się na brzegu nie bez powodu - w oryginale oglądali zwłoki wieloryba wyrzuconego na brzeg.

Artysta jednak zdecydował, że nikt nie będzie chciał patrzeć na martwego wieloryba, i przepisał obraz.

Dwa „Śniadania na trawie”

Edouard Manet, „Obiad na trawie”, 1863.

Claude Monet, „Obiad na trawie”, 1865.

Artyści Edouard Manet i Claude Monet są czasami zdezorientowani - w końcu obaj byli Francuzami, żyli w tym samym czasie i pracowali w stylu impresjonizmu. Monet zapożyczył nawet tytuł jednego z najsłynniejszych obrazów Maneta „Obiad na trawie” i napisał własny „Obiad na trawie”.

Podwaja się podczas Ostatniej Wieczerzy

Leonardo da Vinci, „Ostatnia wieczerza”, 1495-1498.

Kiedy Leonardo da Vinci napisał: „ Ostatnia Wieczerza„, przywiązywał szczególną wagę do dwóch postaci: Chrystusa i Judasza. Bardzo długo szukał dla nich modeli. Wreszcie udało mu się znaleźć wzór obrazu Chrystusa wśród młodych śpiewaków. Leonardo przez trzy lata nie mógł znaleźć wzoru dla Judasza. Ale pewnego dnia natknął się na pijaka, który leżał w rynsztoku. Był to młody człowiek, który postarzał się wskutek intensywnego picia. Leonardo zaprosił go do tawerny, gdzie od razu zaczął malować z niego Judasza. Kiedy pijak opamiętał się, powiedział artyście, że już raz mu pozował. Było to kilka lat temu, gdy śpiewał w chórze kościelnym, Leonardo namalował z niego Chrystusa.

„Straż nocna” czy „Straż dzienna”?

Rembrandt, „Nocna straż”, 1642.

Jeden z najsłynniejszych obrazów Rembrandta „Występ kompanii strzeleckiej kapitana Fransa Banninga Cocka i porucznika Willema van Ruytenburga” wisiał w różnych pokojach przez około dwieście lat i został odkryty przez historyków sztuki dopiero w XIX wieku. Ponieważ postacie zdawały się pojawiać na ciemnym tle, nazwano go „Nocną Strażą” i pod tą nazwą wszedł do skarbnicy sztuki światowej.

I dopiero podczas renowacji przeprowadzonej w 1947 roku odkryto, że w holu obraz zdążył pokryć się warstwą sadzy, co zniekształciło jego kolorystykę. Po oczyszczeniu oryginalnego obrazu ostatecznie okazało się, że scena przedstawiona przez Rembrandta faktycznie rozgrywa się w dzień. Położenie cienia z lewej ręki Kapitana Koka pokazuje, że czas akcji nie przekracza 14 godzin.

Przewrócona łódź

Henri Matisse, „Łódź”, 1937.

W Muzeum Nowego Jorku Sztuka współczesna w 1961 r. wystawiono obraz Henriego Matisse'a „Łódź”. Dopiero po 47 dniach ktoś zauważył, że obraz wisiał do góry nogami. Płótno przedstawia 10 fioletowych linii i dwa niebieskie żagle na białym tle. Artysta nie bez powodu namalował dwa żagle, drugi żagiel jest odbiciem pierwszego na powierzchni wody.
Aby nie popełnić błędu w sposobie zawieszenia obrazu, należy zwrócić uwagę na szczegóły. Większy żagiel powinien znajdować się na górze obrazu, a szczyt żagla obrazu powinien znajdować się w kierunku prawego górnego rogu.

Oszustwo w autoportrecie

Vincent van Gogh, „Autoportret z fajką”, 1889.

Istnieją legendy, że Van Gogh rzekomo odciął sobie ucho. Najbardziej wiarygodna wersja mówi, że van Gogh uszkodził sobie ucho podczas małej bójki z udziałem innego artysty, Paula Gauguina.

Autoportret jest o tyle ciekawy, że odzwierciedla rzeczywistość w zniekształconej formie: artysta ukazany jest z zabandażowanym prawym uchem, gdyż podczas pracy korzystał z lustra. W rzeczywistości dotknięte było lewe ucho.

Obce niedźwiedzie

Iwan Szyszkin, „Poranek w sosnowym lesie”, 1889.

Słynny obraz należy nie tylko do Szyszkina. Wielu zaprzyjaźnionych ze sobą artystów często korzystało z „pomocy przyjaciela”, a Iwan Iwanowicz, który przez całe życie malował pejzaże, obawiał się, że jego dotykające się niedźwiedzie nie wyjdą tak, jak chciał. Dlatego Szyszkin zwrócił się do swojego przyjaciela, artysty zwierząt Konstantina Savickiego.

Savitsky narysował prawdopodobnie najlepsze niedźwiedzie w historii Malarstwo rosyjskie, a Tretiakow nakazał zmyć jego imię z płótna, ponieważ wszystko w obrazie „od koncepcji po wykonanie, wszystko mówi o sposobie malowania, o metoda twórcza, charakterystyczne dla Szyszkina.”

Niewinna historia „Gothica”

Granta Wooda”, amerykański gotyk", 1930.

Twórczość Granta Wooda uznawana jest za jedną z najdziwniejszych i najbardziej przygnębiających w historii malarstwa amerykańskiego. Obraz z ponurym ojcem i córką jest wypełniony szczegółami, które wskazują na surowość, purytanizm i wsteczny charakter przedstawionych ludzi.
Tak naprawdę artysta nie miał zamiaru przedstawiać żadnych horrorów: podczas podróży do Iowa zauważył mały dom styl gotycki i postanowił sportretować te osoby, które jego zdaniem idealnie nadawałyby się na mieszkańców. Siostra Granta i jego dentysta zostają uwiecznieni jako bohaterowie, którymi mieszkańcy Iowa byli tak urażeni.

Zemsta Salvadora Dali

Obraz „Postać w oknie” został namalowany w 1925 roku, gdy Dali miał 21 lat. Gala nie była jeszcze wówczas obecna w życiu artysty, a jego muzą była jego siostra Ana Maria. Relacje między bratem a siostrą uległy pogorszeniu, gdy na jednym z obrazów napisał: „Czasami pluję na portret własnej matki i sprawia mi to przyjemność”. Ana Maria nie mogła wybaczyć tak szokującego zachowania.

W swojej książce Salvador Dali oczami siostry z 1949 roku pisze o swoim bracie bez żadnych pochwał. Książka rozwścieczyła Salvadora. Przez kolejne dziesięć lat wspominał ją ze złością przy każdej okazji. I tak w 1954 roku ukazał się obraz „Młoda dziewica oddając się grzechowi sodomii za pomocą rogów własnej czystości”. Postawa kobiety, jej loki, pejzaż za oknem i kolorystyka obrazu wyraźnie nawiązują do „Postać w oknie”. Istnieje wersja, w której Dali zemścił się na swojej siostrze za jej książkę.

Danae o dwóch twarzach

Rembrandt Harmens van Rijn, „Danae”, 1636 - 1647.

Wiele tajemnic jednego z najsłynniejszych obrazów Rembrandta wyszło na jaw dopiero w latach 60. XX wieku, kiedy płótno zostało naświetlone promieniami rentgenowskimi. Przykładowo strzelanina pokazała, że ​​we wczesnej wersji twarz księżniczki, która wdała się w romans z Zeusem, była podobna do twarzy Saskii, żony malarza, zmarłej w 1642 roku. W ostatecznej wersji obrazu zaczął on przypominać twarz Gertje Dirks, kochanki Rembrandta, z którą artysta zamieszkał po śmierci żony.

Żółta sypialnia Van Gogha

Vincent Van Gogh, „Sypialnia w Arles”, 1888 - 1889.

W maju 1888 roku Van Gogh nabył małą pracownię w Arles na południu Francji, gdzie uciekł przed paryskimi artystami i krytykami, którzy go nie rozumieli. W jednym z czterech pokoi Vincent urządza sypialnię. W październiku wszystko jest już gotowe i postanawia namalować „Sypialnię Van Gogha w Arles”. Dla artysty bardzo ważny był kolor i wygoda pomieszczenia: wszystko musiało przywoływać na myśl o relaksie. Jednocześnie obraz jest utrzymany w niepokojących żółtych odcieniach.

Badacze twórczości Van Gogha tłumaczą to faktem, że artysta zażywał naparstnicę, lek na epilepsję, który powoduje poważne zmiany w postrzeganiu koloru przez pacjenta: cała otaczająca rzeczywistość jest pomalowana na odcienie zieleni i żółci.

Bezzębna doskonałość

Leonardo da Vinci, „Portret Lady Lisy del Giocondo”, 1503 - 1519.

Powszechnie panuje opinia, że ​​Mona Lisa jest perfekcją, a jej uśmiech jest piękny w swojej tajemniczości. Jednak amerykański krytyk sztuki (i dentysta na pół etatu) Joseph Borkowski uważa, że ​​sądząc po wyrazie twarzy, bohaterka straciła wiele zębów. Studiując powiększone fotografie arcydzieła Borkowski odkrył także blizny wokół ust. „Uśmiecha się” właśnie z powodu tego, co ją spotkało – uważa ekspert. „Wyraz jej twarzy jest typowy dla ludzi, którzy stracili przednie zęby”.

Specjalizacja w kontroli twarzy

Paweł Fedotow, „Swatanie majora”, 1848.

Publiczność, która po raz pierwszy zobaczyła obraz „Major's Matchmaking”, roześmiała się serdecznie: artysta Fiedotow wypełnił go ironicznymi szczegółami, które były zrozumiałe dla ówczesnej publiczności. Na przykład major wyraźnie nie zna zasad etykiety szlacheckiej: pojawił się bez wymaganych bukietów dla panny młodej i jej matki. A sama panna młoda została wieczorem zwolniona przez rodziców-kupców suknia balowa, mimo że jest dzień (wszystkie lampy w pomieszczeniu są zgaszone). Dziewczyna najwyraźniej po raz pierwszy przymierzyła głęboko wyciętą sukienkę, jest zawstydzona i próbuje uciec do swojego pokoju.

Dlaczego Liberty jest naga?

Ferdinand Victor Eugene Delacroix, „Wolność na barykadach”, 1830.

Zdaniem krytyka sztuki Etienne Julie Delacroix wzorował twarz kobiety na słynnej paryskiej rewolucjonistce – praczce Annie-Charlotte, która po śmierci brata z rąk królewskich żołnierzy poszła na barykady i zabiła dziewięciu gwardzistów. Artysta przedstawił ją z nagimi piersiami. Według jego planu jest to symbol nieustraszoności i bezinteresowności, a także triumfu demokracji: naga pierś pokazuje, że Liberty jako zwykły człowiek nie nosi gorsetu.

Kwadrat niekwadratowy

Kazimierz Malewicz, „Plac Czarnej Suprematyzmu”, 1915.

Tak naprawdę „Czarny kwadrat” wcale nie jest czarny i wcale nie jest kwadratowy: żaden z boków czworokąta nie jest równoległy do ​​żadnego z pozostałych boków, ani do żadnego boku kwadratowej ramy otaczającej obraz. A ciemny kolor– to efekt zmieszania różnych kolorów, wśród których nie było czerni. Uważa się, że nie było to zaniedbanie autora, ale pryncypialne stanowisko, chęć stworzenia dynamicznej, mobilnej formy.

Specjaliści z Galerii Trietiakowskiej odkryli na niej napis autora sławny obraz Malewicz. Napis głosi: „Bitwa Czarnych w ciemnej jaskini”. To zdanie nawiązuje do tytułu humorystycznego obrazu francuskiego dziennikarza, pisarza i artysty Alphonse’a Allaisa „Bitwa Murzynów w ciemnej jaskini w środku nocy”, który miał kształt całkowicie czarnego prostokąta.

Melodramat austriackiej Mony Lisy

Gustav Klimt, „Portret Adele Bloch-Bauer”, 1907.

Jeden z najważniejszych obrazów Klimta przedstawia żonę austriackiego magnata cukrowniczego Ferdinada Blocha-Bauera. Cały Wiedeń dyskutował burzliwy romans Adela i sławny artysta. Ranny mąż chciał zemścić się na swoich kochankach, ale wybrał bardzo nietypowy sposób: postanowił zamówić u Klimta portret Adele i zmusić go do wykonania setek szkiców, aż artysta zaczął na nią wymiotować.

Bloch-Bauer chciał, aby praca trwała kilka lat, aby opiekunka mogła zobaczyć, jak słabną uczucia Klimta. Złożył artyście hojną ofertę, której nie mógł odmówić, i wszystko potoczyło się zgodnie ze scenariuszem oszukanego męża: praca została ukończona w ciągu 4 lat, kochankowie już dawno się ochłodzili. Adele Bloch-Bauer nigdy nie wiedziała, że ​​jej mąż był świadomy jej związku z Klimtem.

Obraz, który przywrócił Gauguina do życia

Paul Gauguin, „Skąd przychodzimy? Kim jesteśmy? Dokąd zmierzamy?”, 1897-1898.

Najbardziej sławny obraz Gauguin ma jedną osobliwość: „czyta się” go nie od lewej do prawej, ale od prawej do lewej, jak teksty kabalistyczne, którymi interesował się artysta. W tej kolejności rozwija się alegoria życia duchowego i fizycznego człowieka: od narodzin duszy (śpiące dziecko w prawym dolnym rogu) do nieuchronności godziny śmierci (ptak z jaszczurką w szponach w lewy dolny róg).

Obraz został namalowany przez Gauguina na Tahiti, gdzie artysta kilkakrotnie uciekał przed cywilizacją. Ale tym razem życie na wyspie nie ułożyło się: totalna bieda doprowadziła go do depresji. Po ukończeniu płótna, które miało stać się jego duchowym testamentem, Gauguin wziął skrzynkę z arszenikiem i udał się w góry, aby umrzeć. Nie obliczył jednak dawki i samobójstwo się nie powiodło. Następnego ranka pojechał do swojej chaty i zasnął, a gdy się obudził, poczuł zapomniane pragnienie życia. A w 1898 roku jego działalność zaczęła się poprawiać i rozpoczął się w jego pracy jaśniejszy okres.

112 przysłów na jednym obrazku

Pieter Bruegel Starszy, „Przysłowia holenderskie”, 1559

Pieter Bruegel Starszy przedstawił krainę zamieszkałą przez dosłowne obrazy holenderskich przysłów tamtych czasów. Obraz zawiera około 112 rozpoznawalnych idiomów. Niektóre z nich są stosowane do dziś, np.: „płyń pod prąd”, „walenie głową o ścianę”, „uzbrojony po zęby” czy „duża ryba zjada małą rybkę”.

Inne przysłowia odzwierciedlają ludzką głupotę.

Subiektywność sztuki

Paul Gauguin, „Bretońska wioska w śniegu”, 1894

Obraz Gauguina „Bretońska wioska w śniegu” został sprzedany po śmierci autora za jedyne siedem franków i w dodatku pod nazwą „Wodospad Niagara”. Mężczyzna prowadzący aukcję przez przypadek powiesił obraz do góry nogami, bo zobaczył na nim wodospad.

Ukryty obraz

Pablo Picasso, „Niebieski pokój”, 1901

W 2008 roku promieniowanie podczerwone ujawniło, że pod Błękitnym Pokojem ukryty był kolejny obraz – portret mężczyzny ubranego w garnitur z muszką i opierającego głowę na dłoni. „Tak szybko, jak Picasso nowy pomysł, wziął pędzel i ucieleśnił go. Ale nie miał możliwości zakupu nowego płótna za każdym razem, gdy odwiedzała go muza” – wyjaśnia możliwa przyczyna krytyk sztuki Patricia Favero.

Niedostępne Marokańczycy

Zinaida Serebryakova, „Nago”, 1928

Kiedyś Zinaida Serebryakova otrzymała kusząca oferta- wybierz się w twórczą podróż, aby przedstawić nagie postacie orientalnych dziewcząt. Okazało się jednak, że w tych miejscach po prostu nie da się znaleźć modeli. Z pomocą przyszedł tłumacz Zinaidy – przyprowadził do niej swoje siostry i narzeczoną. Nikomu wcześniej ani później nie udało się uchwycić zamknięcia orientalne kobiety nagi.

Spontaniczny wgląd

Walentin Sierow, „Portret Mikołaja II w marynarce”, 1900

Przez długi czas Sierow nie potrafił namalować portretu cara. Kiedy artysta całkowicie się poddał, przeprosił Nikołaja. Nikołaj był trochę zdenerwowany, usiadł przy stole i wyciągnął przed siebie ramiona... I wtedy dotarło do artysty - oto obraz! Prosty wojskowy w kurtce oficerskiej o jasnych i smutnych oczach. Ten portret jest brany pod uwagę najlepszy obraz ostatni cesarz.

Kolejny dwójka

© Fedor Reshetnikov

Słynny obraz „Deuce Again” to dopiero druga część artystycznej trylogii.

Pierwsza część to „Przyjechałem na wakacje”. Widać, że bogata rodzina ferie zimowe, radosny, doskonały uczeń.

Druga część to „Znowu dwójka”. Biedna rodzina z robotniczych przedmieść, wys rok szkolny, przygnębiony paralizator, który ponownie złapał dwójkę. W lewym górnym rogu widać obraz „Przybył na wakacje”.

Trzecia część to „Ponowne badanie”. Wiejski dom, lato, wszyscy chodzą, jeden złośliwy ignorant, który nie zdał rocznego egzaminu, zmuszony jest siedzieć w czterech ścianach i tłoczyć się. W lewym górnym rogu widać obraz „Deuce Again”.

Jak rodzą się arcydzieła

Joseph Turner, Deszcz, para i prędkość, 1844

W 1842 roku pani Simon podróżowała pociągiem po Anglii. Nagle zaczęła się silna ulewa. Starszy pan siedzący naprzeciw niej wstał, otworzył okno, wystawił głowę na zewnątrz i patrzył przez około dziesięć minut. Nie mogąc powstrzymać ciekawości, kobieta również otworzyła okno i zaczęła patrzeć przed siebie. Rok później na wystawie w Królewskiej Akademii Sztuk odkryła obraz „Deszcz, para i prędkość” i rozpoznała w nim ten sam epizod w pociągu.

Lekcja anatomii od Michała Anioła

Michał Anioł, „Stworzenie Adama”, 1511

Para amerykańskich ekspertów w dziedzinie neuroanatomii uważa, że ​​Michał Anioł rzeczywiście pozostawił po sobie pewne ilustracje anatomiczne w jednym ze swoich najsłynniejszych dzieł. Wierzą, że prawa strona obrazu przedstawia ogromny mózg. Co zaskakujące, można znaleźć nawet złożone elementy, takie jak móżdżek, nerwy wzrokowe i przysadka mózgowa. A przyciągająca wzrok zielona wstążka idealnie komponuje się z położeniem tętnicy kręgowej.

„Ostatnia wieczerza” Van Gogha

Vincent Van Gogh, Taras kawiarni nocą, 1888

Badacz Jared Baxter uważa, że ​​obraz Van Gogha „Taras kawiarni nocą” zawiera zaszyfrowaną dedykację dla „Ostatniej wieczerzy” Leonarda da Vinci. W centrum obrazu stoi kelner z długie włosy i w białej tunice przypominającej szaty Chrystusa, a wokół niego jest dokładnie 12 gości kawiarni. Baxter zwraca także uwagę na umieszczony bezpośrednio za kelnerem krzyż w kolorze białym.

Obraz pamięci Dali

Salvador Dali, „Trwałość pamięci”, 1931

Nie jest tajemnicą, że myśli, które nawiedziły Dali podczas tworzenia jego arcydzieł, zawsze miały formę bardzo realistycznych obrazów, które artysta następnie przeniósł na płótno. Zatem, według samego autora, obraz „Trwałość pamięci” powstał w wyniku skojarzeń, jakie narosły na widok sera topionego.

O czym Munch krzyczy?

Edvard Munch, „Krzyk”, 1893.

Munch opowiadał o tym, jak wpadł na pomysł jednego z najbardziej tajemnicze obrazy w malarstwie światowym: „Szedłem z dwójką przyjaciół ścieżką - zachodziło słońce - nagle niebo zrobiło się krwistoczerwone, zatrzymałem się, czując zmęczenie, oparłem się o płot - spojrzałem na krew i płomienie nad niebieskawym- czarny fiord i miasto – moi przyjaciele poszli dalej, a ja stałam, drżąc z podniecenia, czując niekończący się krzyk przeszywający naturę.” Ale jaki zachód słońca mógł tak przestraszyć artystę?

Istnieje wersja, że ​​pomysł na „Krzyk” narodził się u Muncha w 1883 roku, kiedy doszło do kilku potężnych erupcji wulkanu Krakatoa – tak potężnych, że zmieniły temperaturę ziemskiej atmosfery o jeden stopień. Po całym pomieszczeniu unosiły się ogromne ilości kurzu i popiołu na globus docierając nawet do Norwegii. Przez kilka wieczorów z rzędu zachody słońca wyglądały, jakby miała nadejść apokalipsa – jeden z nich stał się źródłem inspiracji dla artysty.

Pisarz wśród ludzi

Aleksander Iwanow, „Pojawienie się Chrystusa ludowi”, 1837-1857.

Dziesiątki modelek pozowało Aleksandrowi Iwanowowi do jego zdjęcia główne zdjęcie. Jeden z nich jest znany nie mniej niż sam artysta. W tle, wśród podróżników i jeźdźców rzymskich, którzy nie słyszeli jeszcze kazania Jana Chrzciciela, widać postać w tunice. Iwanow napisał to od Mikołaja Gogola. Pisarz utrzymywał ścisły kontakt z artystą we Włoszech, zwłaszcza w kwestiach religijnych i udzielał mu rad podczas procesu malowania. Gogol uważał, że Iwanow „już dawno umarł za cały świat, z wyjątkiem swojej pracy”.

Dna Michała Anioła

Rafaela Santi”, Szkoła ateńska", 1511.

Tworząc słynny fresk „Szkoła ateńska”, Rafael uwiecznił swoich przyjaciół i znajomych na obrazach starożytnych greckich filozofów. Jednym z nich był Michelangelo Buonarotti „w roli” Heraklita. Przez kilka stuleci fresk skrywał tajemnice życia osobistego Michała Anioła, a współcześni badacze sugerują, że dziwnie kanciaste kolano artysty wskazuje na chorobę stawów.

Jest to całkiem prawdopodobne, biorąc pod uwagę specyfikę stylu życia i warunków pracy artystów renesansu oraz chroniczny pracoholizm Michała Anioła.

Lustro pary Arnolfinich

Jan van Eyck, „Portret pary Arnolfinich”, 1434

W lustrze za parą Arnolfinich widać odbicie dwóch kolejnych osób w pokoju. Najprawdopodobniej są to świadkowie obecni przy zawarciu umowy. Jednym z nich jest van Eyck, o czym świadczy łaciński napis umieszczony wbrew tradycji nad lustrem w centrum kompozycji: „Jan van Eyck był tutaj”. W ten sposób zazwyczaj zawierano umowy.

Jak wada zamieniła się w talent

Rembrandt Harmens van Rijn, Autoportret w wieku 63 lat, 1669.

Badaczka Margaret Livingston przestudiowała wszystkie autoportrety Rembrandta i odkryła, że ​​artysta cierpiał na zez: na obrazach jego oczy patrzą w różnych kierunkach, czego nie obserwuje się na portretach innych osób autorstwa mistrza. Choroba sprawiła, że ​​artysta potrafi lepiej postrzegać rzeczywistość w dwóch wymiarach niż osoby o prawidłowym wzroku. Zjawisko to nazywane jest „ślepotą stereo” – niemożnością zobaczenia świata w 3D. Ponieważ jednak malarz musi pracować z obrazem dwuwymiarowym, właśnie ta wada Rembrandta może być jednym z wyjaśnień jego fenomenalnego talentu.

Bezgrzeszna Wenus

Sandro Botticelli, „Narodziny Wenus”, 1482-1486.

Przed pojawieniem się Narodzin Wenus przedstawienie nagiego kobiecego ciała w malarstwie symbolizowało jedynie ideę grzech pierworodny. Sandro Botticelli był pierwszym z europejskich malarzy, który nie znalazł w nim nic grzesznego. Co więcej, historycy sztuki są pewni, że na fresku symbolizuje pogańska bogini miłości chrześcijański wizerunek: jej pojawienie się jest alegorią odrodzenia duszy, która przeszła rytuał chrztu.

Lutniarz czy lutnista?

Michelangelo Merisi da Caravaggio, „Lutnista”, 1596.

Przez długi czas obraz był wystawiany w Ermitażu pod tytułem „Lutnista”. Dopiero na początku XX wieku historycy sztuki zgodzili się, że obraz przedstawia młodego mężczyznę (pozował mu prawdopodobnie znajomy Caravaggia, artysta Mario Minniti): na notatkach przed muzykiem widać nagranie basu wers madrygału Jakuba Arkadelta „Wiesz, że cię kocham”. Kobieta nie mogłaby dokonać takiego wyboru - po prostu ciężko jest jej w gardle. Poza tym lutnia, podobnie jak skrzypce na samym brzegu obrazu, w czasach Caravaggia uważana była za instrument męski.

Obrazy Ilji Efimowicza Repina są prawdziwym dziedzictwem malarstwa rosyjskiego XIX wieku. Można na nie patrzeć godzinami, dopracowując każdy szczegół. Wiele prac artysty do dziś spowija aura tajemnic i zagadek. Do najsłynniejszych „tajemniczych” obrazów Repina: „Iwan Groźny i jego syn Iwan 16 listopada 1581 r.”, „Uroczyste posiedzenie Rady Państwa”, „Przewoźnicy barek na Wołdze”. Ale ludzie niewiele wiedzą o jednym bardzo skandalicznym obrazie.

Ilja Repin, „Wielkie posiedzenie Rady Państwa 7 maja 1901 r.”, 1903 r.

To „Paryska kawiarnia” napisana przez Ilję Efimowicza w 1874 roku. W tym czasie artysta wraz z rodziną mieszkał w Paryżu, gdzie został wysłany jako najlepszy student Cesarskiej Akademii Sztuk Pięknych. Na początku Repin przeżył trudne chwile szok kulturowy: stolica Francji uciskała go i nie wszystko w nim malarzowi się podobało, ale po pewnym czasie nadal zakochuje się w tym mieście, podziwiając jego mieszkańców, ich wygląd i maniery.

"Tymczasem strasznie mnie interesuje Paryż: jego smak, wdzięk, lekkość, szybkość i ten głęboki wdzięk w prostocie. Zwłaszcza kostiumy paryskich kobiet! Nie da się tego opisać..."

Pod wpływem zachwytu nad Paryżem artysta postanawia malować Duży obraz, biorąc za podstawę pstrokaty tłum jednej starej kawiarni na bulwarze Clichy. Ponieważ Repin z zapałem pracuje nad nowym płótnem i maluje wszystkie postacie z życia, jego kieszenie szybko się opróżniają. Jak przyznaje artysta, lokalne modele pracowały z umiejętnościami prawdziwych aktorów, ale były drogie - 10 franków dziennie.

Ilya Repin, szkic do obrazu „Paryska kawiarnia”, 1875

Ilya Efimovich próbował poprawić swoją trudną sytuację, zaczynając malować małe obrazy, gatunki z życia paryskiego, ale sprzedawały się słabo. Następnie, dowiedziawszy się o problemy finansowe artysta, napisał do niego kupiec Tretiakow i zaproponował namalowanie portretu Aleksieja Konstantynowicza Tołstoja. Po części nie był to tylko gest dobroczyńcy: Tretiakow od dawna chciał zdobyć portret tego ostatniego. Z kolei Repin zasugerował możliwość zakupu od niego portretu Turgieniewa, na co Tretiakow się zgodził. Niestety, wybitnemu kupcowi nie spodobała się współpraca z Iwanem Siergiejewiczem i nie przekazał kolejnego 1000 franków (oprócz tego, co już zapłacono za bieżącą pracę). Ale ta kwota wystarczyła, aby Ilja Efimowicz i jego rodzina mogli żyć w pokoju, a sam mistrz mógł pracować.

Skandal na skalę uniwersalną

Po zakończeniu prac nad „Kawiarnią paryską” Ilja Repin postanawia wystawić ją na głównym wernisażu w Paryżu w 1875 roku. Ciekawe, że łączna liczba prac na wystawie wyniosła ponad pięć tysięcy, a obraz Repina wisiał zbyt wysoko, ale po 3 dniach zainteresował się nim jeden odwiedzający Amerykanin. Był gotowy kupić płótno, jednak cena żądana przez artystę okazała się zbyt wysoka.

Ilja Repin, „Kawiarnia paryska”, 1875

Tymczasem Arkhip Kuindzhi zdołał rozgłosić w Petersburgu o „katastrofalnym” filmie Repina. Artysta spotkał się z największą krytyką ze strony swojego starego przyjaciela i nauczyciela Kramskoya. Iwan Nikołajewicz napisał gniewny list do Paryża, w którym nazwał swój pogląd na sztukę kruchym i niemal zdradzieckim godności narodowej:

"Nie powiem, że to nie jest fabuła. Co za fabuła! Ale nie dla nas: chansonnetów musimy słuchać od kołyski, potrzebujemy kilku pokoleń przed urodzeniem, żeby ćwiczyć różne rzeczy. Jednym słowem, ty muszą być Francuzami…”

Później Iwan Nikołajewicz przyjedzie nawet do Paryża, aby uratować przyjaciela, ale nigdy nie dojdzie do wspólnego mianownika.

Tajemnice malarstwa

Główne sekrety płótna tkwią we wspaniałej retrospektywie i zamrożonej w obrazie prawdziwi ludzie. Wiadomo zatem, że dla centralnego charakter kobiecy Dla „Paris Cafe” pozowała prawdziwa gwiazda – piosenkarka, chansonette i prima Théâtre des Bouffes-Parisiens Anna Judique. Artysta wielokrotnie przepisywał wygląd swojej bohaterki, zmieniając zarówno jej pozę, wyraz twarzy, jak i stopień podobieństwa do pierwowzoru. Ostatni raz zmienił go tuż przed sprzedażą w 1916 roku. Dlaczego? To pozostaje tajemnicą.

Już w XV wieku Korneliusz Agryppa z Nettesheim napisał: „Uważaj na pędzel malarza – jego portret może okazać się żywszy od oryginału”. Jest mało prawdopodobne, aby ktokolwiek twierdził, że Ilja Efimowicz Repin (1844–1930) jest jednym z najwybitniejszych rosyjskich malarzy. Ale - dziwna okoliczność: wielu, którzy mieli zaszczyt zostać jego modelami, wkrótce zmarło...

Wśród „ofiar” artysty znaleźli się Musorgski, Pisemski, Pirogow i włoski aktor Mercy d’Argenteau. Gdy tylko artysta podjął się portretu Fiodora Tyutczewa, on również umarł... To prawda, we wszystkich przypadkach istniały obiektywne przyczyny śmierci, ale co za zbieg okoliczności... Nawet potężni mężczyźni, którzy pozowali Repinowi do płótna „Przewoźnicy barek na Wołdze”, mówią, przedwcześnie oddali swoje dusze Bogu…

Ten sam przerażająca historia stało się z obrazem „Iwan Groźny i jego syn Iwan 16 listopada 1581 r.”, który w naszych czasach jest lepiej znany jako „Iwan Groźny zabija swojego syna”. Nawet zrównoważeni ludzie czuli się nieswojo, patrząc na płótno: scena morderstwa została namalowana zbyt realistycznie, na płótnie było za dużo krwi, która wydawała się realna...

Kiedy obraz został wystawiony w Galerii Trietiakowskiej, zaczął robić dziwne wrażenie na zwiedzających. Niektórzy płakali przed obrazem, inni popadali w odrętwienie, a jeszcze inni dostawali ataków histerii. A młody malarz ikon Abram Balashov przeciął płótno nożem 16 stycznia 1913 roku... Został wysłany do szpitala psychiatrycznego, gdzie zmarł. Płótno zostało odnowione.

Wiadomo, że Repin długo myślał, zanim wziął się za film o Iwanie Groźnym. I nie bez powodu. Wkrótce artysta Myasoedov, od którego namalowano wizerunek króla

w gniewie prawie zabił swojego małego syna, który miał na imię Iwan, podobnie jak zamordowany książę. Wizerunek tego ostatniego wzorowano na pisarzu Wsiewołodzie Garszynie, który później oszalał i popełnił samobójstwo, rzucając się ze schodów...

Nawiasem mówiąc, sama historia, że ​​Iwan Groźny jest zabójcą syna, jest tylko mitem. Uważa się, że Iwan Groźny w przypływie gniewu zabił swojego syna laską w skroń. Różni badacze podają różne przyczyny: od kłótni domowej po tarcia polityczne. Tymczasem żadne ze źródeł nie podaje wprost, że książę i następca tronu został zabity przez własnego ojca!

Tak więc w „Kronikarzu Piskarewskim” jest powiedziane: „o godzinie 12 w nocy letniego listopada 7090 r., 17 dnia… śmierć carewicza Jana Ioannowicza”. Nowogrodzka Czwarta Kronika podaje: „W tym samym roku (7090) carewicz Jan Ioannowicz spoczął w Jutrzni w Słobodzie…”. Przyczyna śmierci nie jest podana.

W latach 60. ubiegłego wieku otwarto groby Iwana Groźnego i jego syna. Na czaszce księcia nie stwierdzono uszkodzeń charakterystycznych dla urazu mózgu. Zatem nie było synobójstwa?! Skąd jednak wzięła się legenda o nim?

Istnieje wersja, której autorem jest jezuicki mnich Possevin. Ten ostatni został wysłany do Moskwy jako ambasador papieża. Zasugerował Sobór przeszedł pod zwierzchnictwo Watykanu, ale nie znalazł wsparcia ze strony cara Rosji. Tymczasem Possevin stał się naocznym świadkiem rodzinnego skandalu. Cesarz był zły na swoją ciężarną synową, żonę jego syna Iwana, za jej „nieprzyzwoity wygląd” - albo zapomniała założyć pasek, albo założyła tylko jedną koszulę, kiedy miała nosić cztery. W ferworze teść zaczął bić nieszczęsną kobietę laską. Książę stanął w obronie swojej żony: wcześniej ojciec wysłał już do klasztoru swoje dwie pierwsze żony, które nie mogły od niego począć, a Jan Młodszy bał się, że straci trzecią, bo jej ojciec po prostu zabije jej. Rzucił się na kapłana i w przypływie przemocy uderzył laską i przebił skroń swego syna...

Nawiasem mówiąc, podczas ekshumacji w tkankach kostnych księcia odnaleziono pozostałości trucizn, co może świadczyć o tym, że Jan Młodszy zmarł w wyniku zatrucia (co w tamtych czasach nie było rzadkością), a wcale nie od uderzenia nożem. twardy przedmiot!

Jednak obraz Repina przedstawia dokładnie wersję morderstwa synowskiego. I jest to przedstawione z tak niezwykłą wiarygodnością, że mimowolnie wierzysz, że wszystko wydarzyło się naprawdę. Stąd najwyraźniej „zabójcza” energia.

Kiedyś Repinowi zlecono stworzenie ogromnego monumentalnego obrazu „Uroczyste posiedzenie Rady Państwa”. Obraz ukończono pod koniec 1903 roku. A w 1905 roku wybuchła pierwsza rewolucja rosyjska, podczas której upadli przedstawieni na płótnie głowy urzędników państwowych. Niektórzy stracili stanowiska i tytuły, inni przypłacili to nawet życiem. Zatem minister V.K. Plehve i wielki książę Siergiej Aleksandrowicz, były generalny gubernator Moskwy, został zabity przez terrorystów.

W 1909 roku artysta na zlecenie Dumy Miejskiej w Saratowie namalował portret premiera Stołypina. Ledwo skończył swoją pracę, gdy Stołypin został zastrzelony w Kijowie.

Kto wie – może gdyby Ilya Repin nie był tak utalentowany, nie doszłoby do tak tragicznych konsekwencji…

Publikacje w dziale Muzea

Sekrety słynnych obrazów

Dzieła sztuki często zyskują szczególną popularność, jeśli krążą o nich legendy lub niespodziewanie okazują się inne niż na pierwszy rzut oka. „Kultura.RF” odkrywa tajemnice słynnego i mniej znanego malarstwa rosyjskiego.

„Zakonnica” Ilji Repina

Ilia Repin. Siostra zakonna. 1878. Państwowa Galeria Trietiakowska / Portret pod prześwietleniem

Z portretu młoda dziewczyna w surowych strojach klasztornych patrzy w zamyśleniu na widza. Obraz jest klasyczny i znajomy - prawdopodobnie nie wzbudziłby zainteresowania krytyków sztuki, gdyby nie wspomnienia Ludmiły Szewcowej-Spore, siostrzenicy żony Repina. Ujawnili ciekawą historię.

Nie przeszkodziło to artyście w wielokrotnym malowaniu portretów Zofii. Do jednego z nich dziewczyna pozowała w formalnej sukni balowej: jasnej elegancka sukienka, koronkowe rękawy, wysoka fryzura. Podczas pracy nad obrazem Repin pokłócił się z modelką. Jak wiadomo, każdy może obrazić artystę, ale niewielu potrafi zemścić się tak twórczo, jak zrobił to Repin. Obrażony artysta „ubrał” Zofię z portretu w stroje klasztorne.

Historia, przypominająca anegdotę, została potwierdzona prześwietleniem. Badacze mieli szczęście: Repin nie usunął oryginalnej warstwy farby, co pozwoliło im szczegółowo przyjrzeć się oryginalnemu strojowi bohaterki.

„Park Alley” Izaaka Brodskiego

Izaak Brodski. Aleja parkowa. 1930. Zbiory prywatne / Izaak Brodski. Aleja parku w Rzymie. 1911

Nie mniej ciekawa zagadka pozostawione badaczom przez ucznia Repina, Izaaka Brodskiego. W Galerii Trietiakowskiej znajduje się jego obraz „Park Alley”, który na pierwszy rzut oka nie jest niczym niezwykłym: Brodski miał wiele prac o tematyce „parkowej”. Jednak im dalej w głąb parku, tym więcej jest kolorowych warstw.

Jeden z badaczy zauważył, że kompozycja obrazu podejrzanie przypomina inną pracę artysty – „Park Alley w Rzymie” (Brodski skąpił oryginalne tytuły). Obraz ten przez długi czas uznawany był za zaginiony, a jego reprodukcja ukazała się dopiero w całości rzadkie wydanie 1929. Za pomocą promieni rentgenowskich odnaleziono rzymską aleję, która w tajemniczy sposób zniknęła – tuż pod sowiecką. Artysta nie zaczął sprzątać gotowy obraz i po prostu dokonał w nim kilku prostych zmian: przebrał przechodniów zgodnie z modą lat 30. XX wieku, „zabrał” dzieciom szare ubrania, usunął marmurowe posągi i nieznacznie zmodyfikował drzewa. Tak więc kilkoma lekkimi ruchami ręki słoneczny włoski park zamienił się w wzorowy radziecki.

Na pytanie, dlaczego Brodski zdecydował się ukryć swoją rzymską aleję, nie znaleźli odpowiedzi. Można jednak przypuszczać, że ukazywanie „skromnego uroku burżuazji” w roku 1930 nie było już z ideologicznego punktu widzenia niewłaściwe. Niemniej jednak ze wszystkich porewolucyjnych dzieł krajobrazowych Brodskiego „Park Alley” jest najciekawszy: pomimo zmian obraz zachował urzekający wdzięk secesji, która niestety nie istniała już w sowieckim realizmie.

„Poranek w lesie sosnowym” Iwana Szyszkina

Iwan Szyszkin i Konstantin Sawicki. Jutro w Las sosnowy. 1889. Państwowa Galeria Trietiakowska

Chyba najbardziej przypomina leśny krajobraz z niedźwiadkami bawiącymi się na zwalonym drzewie słynne dzieło artysta. Ale pomysł na pejzaż podsunął Iwanowi Szyszkinowi inny artysta, Konstantin Savitsky. Namalował także niedźwiedzia z trzema młodymi: ekspert leśny Szyszkin nie miał szczęścia do niedźwiedzi.

Szyszkin doskonale rozumiał florę leśną, zauważył najmniejsze błędy na rysunkach swoich uczniów - albo kora brzozy została nieprawidłowo przedstawiona, albo sosna wyglądała jak fałszywa. Jednak ludzie i zwierzęta zawsze były w jego twórczości rzadkością. To tutaj Savitsky przybył na ratunek. Nawiasem mówiąc, zostawił kilka rysunki przygotowawcze i szkice z niedźwiadkami - szukałam odpowiednich póz. „Poranek w sosnowym lesie” pierwotnie nie był „Porankiem”: obraz nazywał się „Rodzina niedźwiedzi w lesie” i były na nim tylko dwa niedźwiedzie. Jako współautor Savitsky również złożył swój podpis na płótnie.

Kiedy płótno zostało dostarczone kupcowi Pawłowi Tretiakowowi, był oburzony: zapłacił za Szyszkina (zamówił oryginalne dzieło), ale otrzymał Szyszkina i Savickiego. Szyszkin, jako osoba uczciwa, nie przypisywał sobie autorstwa. Ale Tretiakow postąpił zgodnie z zasadą i bluźnierczo usunął terpentyną podpis Savickiego z obrazu. Savitsky później szlachetnie zrzekł się praw autorskich, a niedźwiedzie przez długi czas przypisywano Szyszkinowi.

„Portret chórzystki” – Konstantin Korovin

Konstanty Korowin. Portret dziewczyny z chóru. 1887. Państwowa Galeria Trietiakowska / Odwrotna strona portret

Na odwrocie płótna badacze znaleźli wiadomość od Konstantina Korovina na tekturze, która okazała się niemal ciekawsza niż sam obraz:

„W 1883 roku w Charkowie portret chórzystki. Napisane na balkonie komercyjnego ogrodu publicznego. Repin powiedział, kiedy S.I. Mamontow pokazał mu ten szkic, że on, Korowin, pisał i szukał czegoś innego, ale po co to - to jest malowanie tylko dla malarstwa. W tym czasie Sierow nie malował jeszcze portretów. A malowanie tego szkicu uznano za niezrozumiałe??!! Dlatego Polenov poprosił mnie o usunięcie tego szkicu z wystawy, ponieważ ani artystom, ani członkom – panu Mosołowowi i kilku innym – nie spodobał się. Modelka nie była piękną kobietą, nawet trochę brzydką.”

Konstanty Korowin

„List” rozbrajał bezpośredniością i odważnym wyzwaniem rzuconym całemu środowisku artystycznemu: „Sierow jeszcze wtedy nie malował portretów”, ale on, Konstantin Korowin, je malował. I rzekomo jako pierwszy zastosował techniki charakterystyczne dla stylu, który później nazwano rosyjskim impresjonizmem. Wszystko to okazało się jednak mitem, który artysta stworzył celowo.

Harmonijna teoria „Korovin jest prekursorem rosyjskiego impresjonizmu” została bezlitośnie zniszczona przez obiektywne badania techniczne i technologiczne. Na przedniej stronie portretu odnaleziono podpis artysty wykonany farbą, a tuż poniżej tuszem: „1883, Charków”. Artysta pracował w Charkowie w maju - czerwcu 1887: malował dekoracje do przedstawień Rosyjskiej Opery Prywatnej Mamontowa. Ponadto historycy sztuki odkryli, że „Portret dziewczyny z chóru” powstał w pewnym artystyczny sposób- a la prima. Ta technika obraz olejny pozwoliło mi namalować obraz podczas jednej sesji. Korowin zaczął stosować tę technikę dopiero pod koniec lat osiemdziesiątych XIX wieku.

Po przeanalizowaniu tych dwóch niespójności pracownicy Galerii Trietiakowskiej doszli do wniosku, że portret został namalowany dopiero w 1887 r., a nie tylko wczesna data Korovin dodał, aby podkreślić własną innowacyjność.

„Człowiek i kołyska” Iwana Jakimowa

Iwan Jakimow. Człowiek i kołyska.1770. Państwowa Galeria Trietiakowska / Pełna wersja dzieła

Przez długi czas obraz Iwana Jakimowa „Człowiek i kołyska” intrygował krytyków sztuki. I nie chodziło nawet o to, że tego rodzaju codzienne szkice są absolutnie nietypowe malarstwo XVIII wieki - koń na biegunach w prawym dolnym rogu zdjęcia ma zbyt nienaturalnie rozciągniętą linę, która logicznie powinna leżeć na podłodze. A na zabawę takimi zabawkami od kołyski było jeszcze za wcześnie. Poza tym kominek nie zmieścił się nawet w połowie na płótnie, co wyglądało bardzo dziwnie.

Sytuację „wyjaśniło” – i to dosłownie – prześwietlenie. Pokazała, że ​​płótno zostało przycięte po prawej stronie i u góry.

W Galeria Trietiakowska Obraz przybył po sprzedaży kolekcji Pawła Pietrowicza Tugoy-Svinina. Był właścicielem tzw. „Muzeum Rosyjskiego” – kolekcji obrazów, rzeźb i antyków. Ale w 1834 roku z powodu problemów finansowych kolekcja musiała zostać sprzedana - a obraz „Człowiek i kołyska” trafił do Galerii Trietiakowskiej: nie w całości, ale tylko lewa połowa. Prawy niestety zaginął, ale nadal można zobaczyć dzieło w całości, dzięki kolejnej wyjątkowej wystawie Galerii Trietiakowskiej. Pełna wersja twórczości Jakimowa znalazła się w albumie „Collection of Excellent Works Rosyjscy artyści i ciekawe antyki domowe”, która zawiera rysunki z większości obrazów znajdujących się w kolekcji Svinina.

Ewolucja malarstwa w Rosji od X do połowy XX wieku

W 1910 roku słynny artysta Ilya Repin zaprosił swojego przyjaciela, pisarza Korneya Czukowskiego, do namalowania jego portretu. Ale Czukowski odmówił z przerażeniem. W tym czasie wiele osób wiedziało już o rozgłosie dzieł Repina.

„Iwan Groźny i Syn” i ich opiekunowie

Jeden z najbardziej znane obrazy„Iwan Groźny i jego syn Iwan” Repina, który z czasem wszyscy zaczęli nazywać po prostu „Iwan Groźny zabija swojego syna”, od początku jego powstania przynosił opiekującym się jedynie nieszczęściem. Tak więc wkrótce po namalowaniu arcydzieła artysta Myasoedov, który pozował Repinowi na obraz cara, prawie zabił syna ze wściekłości. Nawiasem mówiąc, syn Myasojedowa nazywał się, podobnie jak książę, Iwan.
Życie przystojnego Wsiewołoda Garszyna, z którego Repin wyciągnął księcia, również zakończyło się tragicznie. Popełnił samobójstwo skacząc ze schodów. W tej samej świątyni, gdzie na krótko przed śmiercią Alela zwykła farba, teraz była prawdziwa krew.
Ponadto, gdy obraz znalazł się na swoim miejscu w galerii, wielu widzów skarżyło się, że kontemplacja arcydzieła wywołuje u nich nieprzyjemne uczucia: złość, smutek, a nawet histerię. A w 1913 roku malarz ikon Balashov przyszedł na wystawę z nożem. Pociął obraz tak bardzo, że jego renowacja zajęła dużo czasu. Balashov został uznany za niepoczytalnego i wysłany do szpitala psychiatrycznego. Tam zmarł.

„Ofiary” Repina

„Ofiar” pędzla Repina jest tak wiele, że jest to naprawdę przerażające. Wśród nich jest rosyjski poeta Fiodor Tyutczew. Gdy tylko Repin zakończył pracę, Tyutczew poważnie zachorował i wkrótce zmarł. Jedyny portret życia Artysta namalował kompozytora Musorgskiego w zaledwie 4 sesjach. Dziesięć dni później zmarł Musorgski. „Portret pisarza Aleksieja Pisemskiego” jest jednym z najlepsze prace Repina. Jednak ten sukces artysty drogo kosztował jego opiekunkę. Obraz był gotowy w 1880 r., a w 1881 r. zmarł Pisemski. Belgijska pianistka Louise de Mercy-Argenteau zmarła na raka w roku, w którym Ilya Repin namalował jej portret.
Ponadto nie do pozazdroszczenia los spotkał bohaterów obrazu Repina „Uroczyste posiedzenie Rady Państwa”. Po 2 latach wielu z nich stało się ofiarami pierwszej rewolucji. Tak więc generalny gubernator Moskwy i minister Plehve zginęli z rąk terrorystów.

Czy rozwiązanie jest proste?

Pomimo smutnego losu wielu opiekunów Repina, większość ekspertów tego nie widzi wybitny artysta nic mistycznego. Faktem jest, że Repin został wprowadzony do obiektów malarskich przez kolekcjonera dzieł sztuki Pawła Tretiakowa. Najwyraźniej wiedział o diagnozach niektórych gwiazd, dlatego spieszył się z uwiecznieniem ich wizerunków na płótnach. Uderzający przykład Ilustruje to portret Musorgskiego. Musorgski był ukazany przez artystę już w czasie choroby, o czym świadczy szpitalny fartuch, w jaki był ubrany kompozytor. A obraz przedstawiający chorą pianistkę Louise de Mercy-Argenteau nosi tytuł „Na łożu śmierci”. Ponadto Ilya Repin w końcu namówił swojego przyjaciela Korneya Czukowskiego, aby pozował do portretu, z którym nie wydarzyło się nic strasznego.
Jednak sceptycy nie potrafili wyjaśnić absurdalnej śmierci rosyjskiego chirurga Pirogowa. Po tym, jak Repin namalował swój portret, 70-letni Pirogov udał się do gabinetu dentystycznego, gdzie dostał infekcji, na którą później zmarł chirurg.