Historia rozwoju pop-artu. Rodzaje i formy programów różnorodności. Historyczne korzenie współczesnych programów różnorodności

Muzyka pop zajmuje ważne miejsce w rosyjskiej kulturze masowej, a wydarzenia ostatnich dziesięcioleci pokazują, że muzyka pop, jako najpopularniejsza forma sztuki, odgrywa dużą rolę w życiu publicznym i staje się popularnym środkiem wyrażania potrzeb kulturalnych i wartości różnych warstw społeczeństwa. Ze względu na fakt, że muzyka pop jest jedną z najbardziej responsywnych społecznie i mobilnych form sztuki, badanie tego zjawiska pomoże lepiej zrozumieć procesy duchowe zachodzące w społeczeństwie.

Na początku ubiegłego wieku biznes gramofonowy w Rosji zyskiwał na sile - wzrosła liczba fabryk i fabryk produkujących płyty, poprawiła się ich jakość, a repertuar się poszerzył. W istocie wyłaniała się nowa branża, inna niż jakakolwiek inna znana branża. Ściśle splata problemy natury techniczno-twórczej, handlowej i prawnej. W nagraniach płyt organizowanych przez handlarzy gramofonami wzięli udział kompozytorzy, poeci, śpiewacy, orkiestry i chóry, kuplety i gawędziarze. Atmosfera studiów przypominała kulisy teatru ze wszystkimi teatralnymi atrybutami. Znanym śpiewakom – dumnym i niedostępnym, znającym swoją wartość – zaproponowano kontrakty z kurtuazją charakterystyczną dla każdego producenta-przedsiębiorcy, oczekującego sukcesu wśród publiczności i dobrej kolekcji. Inaczej witano gwiazdy drugiej wielkości i na wpół zagłodzonych artystów koncertujących. Wokół rogu wrzały namiętności i tkano intrygi – to była druga strona biznesu gramofonowego.
Kolekcjonowanie płyt stało się modne: w domach zamożnych obywateli istniały biblioteki fonograficzne liczące sto lub więcej pomieszczeń.

Najpopularniejszym terminem, który pojawił się na długo przed koncepcją muzyki pop, był „pokaz rozrywkowy”, ale nie jako nazwa instytucji koncertowej, ale jako określenie całej odmiany sztuki. Jeśli spojrzymy na historię pojawienia się koncepcji „pokazu różnorodnego”, to jego korzeni można doszukać się w programach występów rozrywkowych prezentowanych w kawiarniach i restauracjach na obszarach przemysłowych Anglii pod koniec XVIII wieku. Samo słowo „różnorodność” przetłumaczone z francuskiego oznacza różnorodność, różnorodność. Termin ten zaczął jednoczyć wszelkie formy artystyczne i rozrywkowe. Rzeczywiście, to różnorodność charakteryzuje występy artystów na jarmarkach, w salach koncertowych, w kawiarniach koncertowych, w teatrach kabaretowych, choć – jak wynika z dalszej analizy – wcale nie jest to rzecz główna i wyróżniająca tę dziedzinę sztuki.

Na początku XX wieku w Rosji otwarto wszelkiego rodzaju małe teatry i na tym tle zaczęto stosować inną koncepcję - scenę różnorodną, ​​która oznaczała rozrywkowe występy koncertowe na otwartych przestrzeniach. Dziś, jako ogólną koncepcję, jednoczącą wszystkie rodzaje sztuki łatwo dostrzegalnych gatunków, należy przyjąć koncepcję „sztuki różnorodności” (w skrócie sztuki różnorodności), która stosowana jest w historii sztuki rosyjskiej od stu lat.
Już w pierwszej dekadzie XX w. termin „różnorodność” zaczyna pojawiać się w prasie nie tylko w ogólnie przyjętym wówczas znaczeniu – „platforma, wzniesienie na przykład dla muzyki” – ale także w sposób rozszerzony, obejmujący wszystkich, aktorów, pisarzy, poetów, którzy pojawiają się na tej „platformie”. Na łamach autorytatywnego pisma „Złote Runo” za rok 1908 ukazał się artykuł „Estrada”. Jej autor sprytnie dostrzegł antynomię, jaka pojawia się przed każdym wychodzącym na scenę:

a) scena jest niezbędna do rozwoju i utrzymania zdolności oraz do kształtowania się osobowości artysty;

b) scena jest szkodliwa dla obu.

Autor dostrzegł „zgubność” w dążeniu aktorów do sukcesu za wszelką cenę, dopasowaniu się do gustów masowej publiczności i przekształceniu sztuki w środek wzbogacający, źródło życiowych błogosławieństw. Rzeczywiście podobne zjawiska są nieodłącznie związane ze współczesną muzyką pop, dlatego w naszej pracy wprowadzamy takie pojęcie, jak „różnorodne wykonanie”, czyli granie „dla publiczności”, chęć przyciągnięcia za wszelką cenę uwagi widza, która w brak wykonawców o prawdziwym talencie, guście i wyczuciu proporcji, często prowadzi do zgubności, o której mówił autor wspomnianego artykułu. Pojawiły się kolejne artykuły, w których rozpatrywano scenę jako fenomen nowej kultury miejskiej. Przecież to właśnie w tym okresie miasto stopniowo osłabia zależność człowieka od warunków naturalnych (przede wszystkim od zmiany pór roku), co prowadzi do zapomnienia folkloru kalendarzowego i obrzędowego, do zmiany harmonogramu świąt, ich desemantyzacji i derytualizacji, do ich przejścia do formy „ceremonialnej”. ”, cytując P.G. Bogatyrewa, do zdecydowanej przewagi form werbalnych nad niewerbalnymi. W tych samych latach (1980-1890) w Rosji miało miejsce pojawienie się kultury masowej, która z kolei odtwarza wiele ogólnych właściwości tradycyjnego folkloru, które charakteryzują się społeczno-adaptacyjnym znaczeniem dzieł, ich dominującym anonimowość i dominacja stereotypu w ich poetyce; wtórne motywacje fabularne w tekstach narracyjnych itp. Jednak kultura masowa różni się znacznie od tradycyjnego folkloru ideologiczną „policentrycznością”, zwiększoną zdolnością do tematycznej i estetycznej internacjonalizacji swoich wytworów oraz reprodukcją „on-line” w postaci identycznych kopii nie do pomyślenia dla twórczości ustnej.
Ogólnie rzecz biorąc, w Rosji scena miejska końca XIX i początku XX wieku charakteryzuje się zależnością od publiczności, do której jest skierowana. W związku z tym rozpiętość form popowych - od „salonowych” po najbardziej „demokratyczne” – jest niezwykle szeroka i różni się zarówno charakterem „sceny”, jak i typem wykonawców, nie mówiąc już o repertuarze. A jednak można stwierdzić, że termin „różnorodność” na początku XX w. był nadal używany czysto funkcjonalnie: jako „repertuar różnorodny”, „śpiew popowy” itp., a więc nie tylko jako określenie platformę, na której toczy się akcja, ale także jako element rozrywkowego muzycznie spektaklu.

W wyniku powstałej po październiku potrzeby znacjonalizacji „wszelkiego rodzaju rozrywkowych widowisk” i małych prywatnych przedsiębiorstw, wielu pojedynczych aktorów, a także małych, często rodzinnych grup itp., powstało pojęcie odmiany jako określenia osobna sztuka. Na przestrzeni dziesięcioleci w Rosji Sowieckiej, a potem w ZSRR będą rozwijane i zmieniane systemy zarządzania tą sztuką, powstaną rozmaite stowarzyszenia i złożone, wielostopniowe formy samodzielnego podporządkowania. W estetyce sowieckiej kwestia niezależności pop-artu pozostawała kontrowersyjna. Różne przepisy i firmy regulowały praktykę dotyczącą odmian. „Walka” z satyrą, romantyzmem rosyjskim i cygańskim, jazzem, rockiem, stepowaniem itp. sztucznie wyprostowała linię rozwoju sceny, wpłynęła na ewolucję gatunków i losy poszczególnych artystów.

W Wielkiej Encyklopedii Radzieckiej z 1934 roku opublikowano artykuł poświęcony temu, że muzyka pop jest dziedziną małych form sztuki, nie poruszając jednak kwestii kompozycji gatunkowej muzyki pop. Zwrócono zatem uwagę nie tyle na estetykę, ile na treść morfologiczną tego terminu. Sformułowania te nie są przypadkowe, odzwierciedlają obraz poszukiwań z lat 30. i 40., kiedy zakres sceny rozszerzał się niemal bezgranicznie. W tych latach, jak pisze E. Gershuni, „scena popowa głośno zabiegała o równość z «wielką» sztuką...”. Przede wszystkim wynika to z pojawienia się w Rosji Radzieckiej prekursora współczesnej sztuki PR - społecznej technologii zarządzania masami. W istocie artysta masowy (zwykle lokalny działacz związkowy) przejął ideologiczną kontrolę nie tylko nad świętami, ale także nad życiem codziennym. Oczywiście ani jedno święto nie odbyło się bez koncertu popowego. Należy zauważyć, że sam artysta masowy w życiu codziennym z reguły miał poczucie różnorodności. W końcu zawsze musi być w centrum uwagi, bawić i bawić publiczność.

W procesie rozwoju sztuki radzieckiej treść terminu „różnorodność” ulegała ciągłym zmianom. Pojawiło się pojęcie pop-artu, które zdefiniowano jako „rodzaj sztuki łączący tzw. małe formy dramaturgii, sztuki dramatycznej i wokalnej, muzyki, choreografii, cyrku.”

Rosyjski przemysł nagraniowy zaczął się rozwijać w 1901 roku. Tak naprawdę w Rosji nie był to całkowicie rosyjski, ale raczej francuski przemysł: firma Pathé Marconi otworzyła swój oddział w Rosji i rozpoczęła tłoczenie płyt. Tak jak w Europie pierwszym zarejestrowanym śpiewakiem był Enrique Caruso, tak w Rosji pierwszym był także światowej sławy śpiewak operowy – Fiodor Szaliapin. A pierwsze rosyjskie płyty, podobnie jak w Europie, dotyczyły muzyki klasycznej.

Muzyczny obraz przedrewolucyjnej Rosji był całościowy. Muzyka akademicka i muzyka pop organicznie współistniały w jednej przestrzeni kulturowej, gdzie muzyka pop rozwijała się w ogólnym nurcie tekstów romantycznych (odzwierciedlając jego różnorodność i ewolucję) oraz kulturze tanecznej swoich czasów. Szczególne miejsce zajmowała folklorystyczna część sceny - chór Piatnickiego, wykonawcy pieśni ludowych - L. Dolina, pieśni ludowych - Krivopolenova i Prozorovskaya. Po klęsce pierwszej rewolucji (1905) popularne stały się pieśni więzienne, katorżnicze i zesłańskie. W gatunku poezji tematycznej i parodii muzycznej artyści występowali w różnych rolach: „fraki” - dla modnej publiczności, „lapotnicy” - dla chłopów, „artyści gatunku obdartego” - dla dna miejskiego. Popularne rytmy taneczne przedostawały się do świadomości ludzi za pośrednictwem salonowych i miejskich orkiestr dętych specjalizujących się w wykonywaniu muzyki tanecznej. Tanga, fokstrota, shimmy i dwukroku uczyliśmy się w salonach i studiach. Pierwsze występy A. Wiertyńskiego w gatunku opowiadań muzycznych i poetyckich sięgają 1915 roku.

Rozkwit rosyjskiej sceny nastąpił na tle bezprecedensowego rozwoju nowych środków „informacji masowej”, takich jak płyty gramofonowe. W latach 1900-1907 sprzedano 500 tysięcy gramofonów, a roczny nakład płyt osiągnął 20 milionów sztuk. Oprócz muzyki rozrywkowej nie zabrakło także klasyki (Chaliapin, Caruso).
Z solistami rywalizowały popularne chóry D. Agreneva-Slavyansky'ego, I. Yukhova i innych, którzy wykonywali pieśni w „stylu rosyjskim” („Słońce wschodzi i zachodzi”, „Kupiec Ukhar” itp.). rywalizowali z rosyjskimi chórami, bałałajkami, rogaczami, guslarami.

W latach 10. sławę zdobyli pierwsi prawdziwie folkloryści, jak zespół M. Piatnickiego. W teatrach i kabaretach Petersburga i Moskwy występują artyści reprezentujący „kameralny” styl francuskich chansonnierów (A. Vertinsky). Pod koniec XIX w. nastąpił wyraźny podział pieśni na „Filharmonię” (romans klasyczny) i „Rozmaitość” właściwą (romans cygański, romans dawny, pieśni nastrojowe). Na początku XX wieku zaczęto rozpowszechniać pieśni masowe, które śpiewano podczas zgromadzeń politycznych i demonstracji. Piosenka ta ma stać się wiodącym typem radzieckiej piosenki pop na kilka dziesięcioleci.

Po roku 1917 sytuacja zaczęła się zmieniać. Stan ideologiczny jest zjawiskiem nie do końca uświadomionym i nie do końca zbadanym. Rewolucja duchowo opierała się na idei, która została na siłę wszczepiona w społeczeństwo, pozbawiając ludzi prawa wyboru, dokonując tego wyboru za nich. Ale człowiek jest tak skonstruowany, że jego świadomość mimo wszystko opiera się temu, co jest mu narzucane, nawet przy najlepszych intencjach. Państwo uznało, że „potrzebuje” klasyki, „potrzebuje” pieśni radzieckiej, „potrzebuje” folkloru. I nieświadomie nawet arcydzieła muzyki klasycznej zaczęto postrzegać jako część państwowej machiny ideologicznej, mającej na celu neutralizację jednostki, rozpuszczenie indywidualnego „ja” w monolityczne „my”.

Muzyka pop w naszym kraju jest najmniej ideologiczną częścią procesu muzycznego. Nieświadomie stała się jedynym ujściem dla narodu radzieckiego, czymś w rodzaju powiewu wolności. Ta muzyka w świadomości zwykłego człowieka nie niosła ze sobą niczego budującego, odwołującego się do naturalnych uczuć, nie tłumiącego, nie moralizującego, a po prostu porozumiewającego się z człowiekiem w jego języku.

Bilet numer 30. Różne pokazy. Nowoczesne funkcje i trendy.

Pokazywać - jest to szczególny czarujący spektakl, którego strona semantyczna i fabularna zanika na rzecz spektakularnej prezentacji wrażeń (fabuła jest „zamazana” w efektach), program pokazu powinien opierać się na ciągłej zmianie wrażeń i jasnym spektakularnym techniki środków wyrazu.

Termin show-biznes pojawia się w literaturze specjalistycznej od połowy lat 80. XX wieku. XX wiek i zastąpił dotychczasową koncepcję „sceny radzieckiej”. Termin „różnorodność” pojawił się w historii sztuki rosyjskiej na początku ubiegłego wieku i zjednoczył wszystkie rodzaje sztuki łatwo dostrzegalnych gatunków.

Różnorodność sztuki charakteryzuje się otwartość, lakonizm,

improwizacja, świętowanie, oryginalność, rozrywka. Rozwijając się jako sztuka świątecznego wypoczynku, muzyka pop zawsze dążyła do oryginalności i różnorodności. Poczucie święta powstało dzięki rozrywkom zewnętrznym, grze świateł, zmianie malowniczej scenerii, przekształceniu przestrzeni scenicznej itp.

W kontekście przejścia do otwartego społeczeństwa demokratycznego konsument ma możliwość wyboru. Tendencja nowoczesny show jest taki: szybko zmieniające się gusta publiczności wymagają ciężkiej pracy menadżerów, artystów i producentów.

Produkt działalności kulturalnej jest już przedmiotem „kupna i sprzedaży”, tj. powstają relacje uzasadnione ekonomicznie, a skoro scena wkracza w świat biznesu, potrzebni są do tego profesjonaliści, ludzie, którzy wiedzą, jak zorganizować biznes tak, aby przynosił zysk nie tylko artyście, grupie, firmie, ale także państwu ( w formie podatków). Obecnie show-biznes rozwija się zgodnie z prawami rynku. Ogromne znaczenie ma rozwiązywanie problemów związanych z zarządzaniem personelem i wykorzystaniem jego potencjału, który przesądza o sukcesie w osiągnięciu celu.

Więc, nowoczesne przedstawienie to wspaniałe widowisko sceniczne z udziałem gwiazd popu, cyrku, sportu, orkiestry jazzowej, baletu lodowego itp. Akcent widowiska przesuwa się w stronę efektów zewnętrznych, które mają upiększyć treść rozgrywających się wydarzeń.

W zarządzaniu show-biznesem wykorzystuje się wiele różnych metod, podejść i technik, których celem jest stworzenie warunków do efektywnej pracy. W ten sposób możemy podkreślić cechy współczesnego programu:

1. Obecność „gwiazdy”.

Pojęcie „gwiazdy” powstało w epoce kina, kiedy aktorzy filmowi byli bezimienni, a widzowie nazywali lubianych bohaterów tytułami filmów, a także cechami zewnętrznymi („człowiek o smutnych oczach”, „ dziewczyna z lokami” itp.). Widzowie zaczęli atakować wytwórnie filmowe, prosząc o nazwisko, imię i różne informacje biograficzne ulubionych aktorów. Szef amerykańskiej firmy IMP, Carl Laemmle, jako pierwszy wykorzystał popularność aktorki Florence Lawrence do przyciągnięcia widzów do kina, rozsiewając pogłoski o jej śmierci. W ten sposób wzbudził żywe zainteresowanie publiczności i z dnia na dzień zmienił aktorkę w amerykańską gwiazdę filmową.

W ten sposób położono początek „układu gwiezdnego”. Za przykładem IMP poszły inne wytwórnie filmowe. Liczba „gwiazd” zaczęła szybko rosnąć. Stają się przynętą kasową zarówno dla kina, jak i branży muzycznej, teatralnej, pokazów modelek itp.

Istotą pojęcia „gwiazdy” jest to, że wykonawca, którego lubią, budzi sympatię publiczności, dlatego chcą go oglądać, chcą być tacy jak on. Konsument (widz, słuchacz) nie ogranicza się tylko do zobaczenia idola, chce wiedzieć o nim wszystko, łącznie ze szczegółami jego życia osobistego. Ten aspekt jest bardzo przydatny przy tworzeniu „gwiazd”, ponieważ jest uważany za oznakę dużej popularności, co oznacza, że ​​​​opłaty „gwiazd” rosną. Zaciągnięcie „gwiazdy” do udziału w pokazie, pokazie modelek, produkcji filmowej, muzycznej, teatralnej czy nagraniu albumu to gwarancja popytu i pełnej sali.

Scena- rodzaj sztuki scenicznej, który implikuje zarówno odrębny gatunek, jak i syntezę gatunków: śpiew, taniec, autorskie performansy, sztuka cyrkowa, iluzje.

Muzyka popowa- rodzaj rozrywkowej sztuki muzycznej adresowanej do najszerszego grona słuchaczy.

Ten rodzaj muzyki osiągnął największy rozwój w XX wieku. Zwykle obejmuje muzykę taneczną, różne pieśni, utwory na popowe orkiestry symfoniczne i zespoły wokalno-instrumentalne.

Często muzykę pop utożsamia się z dotychczasowym pojęciem „muzyki rozrywkowej”, czyli łatwej do zrozumienia, dostępnej dla publiczności. Historycznie do muzyki rozrywkowej zalicza się utwory klasyczne, proste w treści i cieszące się powszechną popularnością, np. sztuki F. Schuberta i J. Brahmsa, F. Lehára i J. Offenbacha, walce J. Straussa i A. K. Glazunowa, „Mała nocna serenada” W. A. ​​Mozarta.

W tym rozległym, a jednocześnie niezwykle zróżnicowanym pod względem charakteru i poziomu estetycznego polu twórczości muzycznej, z jednej strony stosowane są te same środki wyrazu, co w muzyce poważnej, z drugiej zaś własne, specyficzne.

Termin „orkiestra popowa” został zaproponowany pod koniec lat 40. przez L. O. Utesova, co umożliwiło oddzielenie dwóch pojęć:
sama muzyka pop i jazz.

Współczesną muzykę pop i jazz mają wiele cech wspólnych: obecność stałej pulsacji rytmicznej wykonywanej przez sekcję rytmiczną; głównie taneczny charakter utworów wykonywanych przez zespoły popowe i jazzowe. Jeśli jednak muzykę jazzową charakteryzuje improwizacja, szczególną właściwością rytmiczną jest swing, a formy współczesnego jazzu są czasami dość trudne do dostrzeżenia, to muzykę pop wyróżnia dostępność języka muzycznego, melodii i skrajna prostota rytmiczna.

Jednym z najpowszechniejszych typów popowych kompozycji instrumentalnych jest popowa orkiestra symfoniczna (ESO) lub jazz symfoniczny. W naszym kraju powstanie i rozwój ESO wiąże się z nazwiskami V. N. Knushevitsky'ego, N. G. Minkha, Yu. V. Silantyev. Repertuar popowych orkiestr symfonicznych jest niezwykle obszerny: od oryginalnych sztuk orkiestrowych i fantazji na znane tematy po akompaniament pieśni i operetek.

Oprócz niezbędnej sekcji rytmicznej i pełnego składu dętego big bandu (grupa saksofonowa i grupa dęta), w skład ESO wchodzą tradycyjne grupy instrumentów orkiestry symfonicznej – instrumenty dęte drewniane, rogi i smyczki (skrzypce, altówki, wiolonczele). Proporcje grup w ESO są zbliżone do orkiestry symfonicznej: dominuje grupa smyczkowa, co wynika z przeważającej melodyjności muzyki ESO; Dużą rolę odgrywają instrumenty dęte drewniane; Sama zasada orkiestracji jest bardzo zbliżona do tej przyjętej w orkiestrze symfonicznej, chociaż obecność stale pulsującej sekcji rytmicznej i bardziej aktywna rola sekcji dętej (a czasem saksofonów) przypominają czasem brzmienie orkiestry jazzowej. Ważną rolę kolorystyczną w ESO pełni harfa, wibrafon i kotły.

ESO cieszą się w naszym kraju dużą popularnością. Ich występy transmitowane są w radiu i telewizji, najczęściej wykonują muzykę filmową oraz biorą udział w dużych koncertach i festiwalach popowych. Wielu radzieckich kompozytorów pisze muzykę specjalnie dla ESO. Są to A. Ya. Eshpai, I. V. Yakushenko, V. N. Lyudvikovsky, O. N. Khromushin, R. M. Ledenev, Yu. S. Saulsky, M. M. Kazhlaev, V. E. Ter-letsky, A. S. Mazhukov, V. G. Rubashevsky, A. V. Kalvarsky i inni.

Gatunek muzyki pop obejmuje różne rodzaje piosenek pop: tradycyjny romans, współczesną piosenkę liryczną, piosenkę w rytmach tanecznych z rozwiniętym akompaniamentem instrumentalnym. Najważniejszą rzeczą, która łączy wiele rodzajów piosenek pop, jest dążenie ich autorów do jak największej dostępności i zapamiętywania melodii. Korzenie takiej demokracji sięgają starożytnego romansu i współczesnego folkloru miejskiego.

Piosenka popowa nie ogranicza się do czystej rozrywki. Tak więc radzieckie piosenki pop zawierają tematykę obywatelstwa, patriotyzmu, walki o pokój itp. Nie bez powodu piosenki I. O. Dunaevsky'ego, V. P. Sołowjowa-Sedoja, M. I. Blantera, A. N. Pakhmutovej, D. F. Tuchmanowa i innych sowieckich kompozytorzy są kochani nie tylko w naszym kraju, ale także daleko poza jego granicami. Piosenka Sołowjowa-Sedoja „Moskiewskie wieczory” zyskała naprawdę światowe uznanie. W XX wieku Różne rodzaje muzyki tanecznej zastępowały się nawzajem. Tak więc tango, rumba, foxtrot zostały zastąpione przez rock and rolla, zastąpione zostały przez twist and shake, a rytmy samby i bossa novy były bardzo popularne. Przez wiele lat styl disco był szeroko rozpowszechniony w muzyce pop i dance. Powstała z połączenia czarnej muzyki instrumentalnej z elementami śpiewu i plastyczności, charakterystycznymi dla piosenkarzy popowych z Ameryki Łacińskiej, w szczególności z Jamajki. Ściśle powiązana w Europie Zachodniej i USA z przemysłem nagraniowym i praktyką dyskotekową, muzyka disco okazała się jednym z najszybciej rozwijających się trendów w muzyce pop i dance drugiej połowy XX wieku.

Do kompozytorów radzieckich, którzy ustanowili krajowe tradycje w gatunku muzyki tanecznej, należą A. N. Tsfasman, A. V. Varlamov, A. M. Polonsky i inni.

Nowoczesną muzykę rockową można zaliczyć do muzyki pop. W kulturze muzycznej Europy Zachodniej i USA jest to ruch bardzo zróżnicowany pod względem poziomu ideowo-artystycznego oraz zasad estetycznych. Reprezentują ją zarówno dzieła wyrażające protest przeciwko niesprawiedliwości społecznej, militaryzmowi, wojnie, jak i dzieła głoszące anarchizm, niemoralność i przemoc. Równie różnorodny jest styl muzyczny zespołów reprezentujących ten nurt. Mają jednak wspólną podstawę i pewne cechy charakterystyczne.

Jedną z tych cech jest wykorzystanie śpiewu solowego i zespołowego, a co za tym idzie tekstu niosącego niezależną treść oraz głosu ludzkiego jako szczególnego zabarwienia barwy. Członkowie zespołów lub grup często łączą funkcje instrumentalistów i wokalistów. Instrumentami wiodącymi są gitary, a także różne instrumenty klawiszowe, rzadziej instrumenty dęte. Dźwięk instrumentów wzmacniany jest różnymi przetwornikami dźwięku i wzmacniaczami elektronicznymi. Muzyka rockowa różni się od muzyki jazzowej bardziej podzieloną strukturą metrorytmiczną.

W naszym kraju elementy muzyki rockowej znajdują odzwierciedlenie w twórczości zespołów wokalno-instrumentalnych (VIA).

Radziecka muzyka pop, ze względu na swój masowy urok i dużą popularność, odegrała znaczącą rolę w edukacji estetycznej młodego pokolenia.

Korzenie pop-artu sięgają odległej przeszłości, której ślady można odnaleźć w sztuce Egiptu, Grecji, Rzymu; jego elementy obecne są w przedstawieniach wędrownych komediantów-bufonów (Rosja), szpilmanowa (Niemcy), żonglerów (Francja), dandysów (Polska), przebierańców (Azja Środkowa) itp.

Satyra na życie miejskie i moralność, ostre dowcipy na tematy polityczne, krytyczny stosunek do władzy, kuplety, sceny komiczne, dowcipy, gry, pantomima klauna, żonglerka i muzyczne dziwactwa były początkiem przyszłych gatunków pop, zrodzonych w zgiełku karnawału i kwadratowe rozrywki.

Barkerzy, którzy za pomocą dowcipów, dowcipów i zabawnych kupletów sprzedawali dowolny produkt na placach i rynkach, później stali się poprzednikami artysty. Wszystko to miało charakter masowy i zrozumiały, co było niezbędnym warunkiem istnienia wszystkich gatunków pop. Nie występowali wszyscy średniowieczni artyści karnawałowi.

W Rosji początki gatunków popowych przejawiały się w błazeńskiej zabawie, zabawie i masowej kreatywności, festiwalach folklorystycznych. Ich przedstawicielami są żartownisie Rausa z obowiązkową brodą, którzy bawili i zapraszali publiczność z górnej platformy stoiska Rausa, pietruszkowicze, raeshnicy, przywódcy „uczonych” niedźwiedzi, aktorzy-błazny wykonujący „szkice” i „powtórki” wśród tłum, grający na piszczałkach, harfie, pociągający nosem i zabawiający ludzi.

Sztukę różnorodną charakteryzują takie cechy, jak otwartość, lakonizm, improwizacja, świąteczność, oryginalność i rozrywka.

Rozwijając się jako sztuka świątecznego wypoczynku, muzyka pop zawsze dążyła do niezwykłości i różnorodności. Sam nastrój uroczystości powstał dzięki zabawom zewnętrznym, grze świateł, zmianie malowniczej scenerii, zmianie kształtu przestrzeni scenicznej itp. Pomimo tego, że scenę charakteryzuje różnorodność form i gatunków, można ją podzielić na trzy grupy:

• - scena koncertowa (dawniej zwana „divertissement”) łączy wszystkie rodzaje występów w różnorodne koncerty;
• - scena teatralna (przedstawienia kameralne teatrów miniaturowych, teatrów kabaretowych, teatrów kawiarnianych lub wielkoformatowych rewii koncertowych, sal muzycznych, z liczną obsadą sceniczną i pierwszorzędnym sprzętem scenicznym);
• - scena świąteczna (uroczystości ludowe, święta na stadionach, pełna występów sportowych i koncertowych, a także balów, karnawałów, maskarad, festiwali itp.).

Są też takie:

• 1. Teatry różnorodne
• 2. Sale muzyczne

Jeśli podstawą spektaklu rozrywkowego jest ukończony numer, to recenzja, jak każda akcja dramatyczna, wymagała podporządkowania fabuły wszystkiemu, co dzieje się na scenie. To z reguły nie łączyło się organicznie i prowadziło do osłabienia jednego ze składników spektaklu: albo liczby, albo postaci, albo fabuły. Stało się to podczas realizacji „Cuda XX wieku” – spektakl rozpadł się na kilka niezależnych, luźno powiązanych epizodów. Tylko zespół baletowy i kilka pierwszorzędnych występów cyrkowych odniosło sukces wśród publiczności. Zespół baletowy w inscenizacji Goleizovsky'ego wykonał trzy numery: „Hej, krzyczmy!”, „Moskwa w deszczu” i „30 angielskich dziewcząt”. Szczególnie imponujące było wykonanie „Snake”. Wśród występów cyrkowych najlepsi byli: Tea Alba oraz „Australian Lumberjacks” Jackson i Laurer. Alba jednocześnie prawą i lewą ręką pisała kredą na dwóch tablicach różne słowa. Drwale na końcu pomieszczenia ścigali się, by ściąć dwie grube kłody. Niemiecki Strodi pokazał doskonałe balansowanie na drucie. Wykonywał salta na linie. Spośród artystów radzieckich jak zawsze wielki sukces odnieśli Smirnow-Sokolski i ditties V. Glebova i M. Darskaya. Wśród występów cyrkowych wyróżniał się występ Zoe i Marty Koch na dwóch równoległych drutach.

We wrześniu 1928 r. odbyło się otwarcie Leningradzkiej Sali Muzycznej.

• 3. Teatr Miniatur – zespół teatralny działający przede wszystkim na małych formach: małych sztukach, skeczach, operach, operetkach wraz z numerami wariacyjnymi (monologami, kupletami, parodiami, tańcami, pieśniami). W repertuarze dominuje humor, satyra, ironia, nie wyklucza się liryzmu. Zespół jest niewielki, możliwy jest teatr jednego lub dwóch aktorów. Lakoniczne w swej formie spektakle przeznaczone są dla stosunkowo małej publiczności i stanowią swego rodzaju mozaikowe płótno.
• 4. Gatunki konwersacyjne na scenie – symbol gatunków kojarzonych przede wszystkim ze słowami: artysta estradowy, sidehow, skecz, skecz, opowiadanie, monolog, feuilleton, mikrominiatura (żart inscenizowany), burime.

Animator - animator może być sparowany, pojedynczy lub masowy. Gatunek konwersacyjny zbudowany zgodnie z prawami „jedności i walki przeciwieństw”, czyli przejścia od ilości do jakości zgodnie z zasadą satyryczną.

Monolog popowy może mieć charakter satyryczny, liryczny lub humorystyczny.

Interludium to scena komiksowa lub utwór muzyczny o charakterze humorystycznym, wykonywany jako niezależny numer.

Szkic to mała scena, w której szybko rozwija się intryga, gdzie najprostsza fabuła opiera się na nieoczekiwanych zabawnych, przejmujących sytuacjach, zwrotach akcji, pozwalając na powstanie całej serii absurdów w trakcie akcji, ale gdzie wszystko z reguły kończy się szczęśliwym zakończeniem rozwiązanie. 1-2 znaki (ale nie więcej niż trzy).

Miniatura to najpopularniejszy gatunek mówiony na scenie. Na dzisiejszej scenie popularny żart (niepublikowany, nie drukowany - z języka greckiego) to krótka, tematyczna opowieść ustna z nieoczekiwanym dowcipnym zakończeniem.

Gra słów to żart oparty na komicznym użyciu podobnie brzmiących, ale inaczej brzmiących słów, aby odtworzyć podobieństwo brzmieniowe równoważnych słów lub kombinacji.

Repryza to najpopularniejszy gatunek krótkich konwersacji.

Kuplety to jedna z najbardziej zrozumiałych i popularnych odmian gatunku konwersacyjnego. Kupletysta stara się ośmieszyć to lub inne zjawisko i wyrazić swój stosunek do niego. Musi mieć poczucie humoru

Gatunki muzyczne i konwersacyjne obejmują kuplet, ditty, chansonette i muzyczny felieton.

Parodia powszechnie występująca na scenie może mieć charakter „rozmówczy”, wokalny, muzyczny lub taneczny. Kiedyś do gatunków mowy zaliczały się recytacje, recytacje melodyczne, montaże literackie i „czytanie artystyczne”.

Niemożliwe jest podanie dokładnie zarejestrowanej listy gatunków mowy: nieoczekiwane syntezy słów z muzyką, tańcem, gatunkami oryginalnymi (transformacja, ventrologia itp.) Dają początek nowym formacjom gatunkowym. Żywa praktyka nieustannie dostarcza najróżniejszych odmian, nieprzypadkowo na starych plakatach zwyczajowo do nazwiska aktora dodawano „w swoim gatunku”.

Każdy z powyższych gatunków mowy ma swoją własną charakterystykę, swoją historię i strukturę. Rozwój społeczeństwa i warunków społecznych podyktował pojawienie się tego czy innego gatunku. Właściwie tylko artystę urodzonego w kabarecie można uznać za gatunek „różnorodny”. Reszta pochodziła z budek, teatrów i ze stron magazynów humorystycznych i satyrycznych. Gatunki mowy, w odróżnieniu od innych, które skłaniają się ku innowacjom zagranicznym, rozwijały się zgodnie z rodzimą tradycją, w ścisłym powiązaniu z teatrem i literaturą humorystyczną.

Rozwój gatunków mowy jest związany z poziomem literatury. Za aktorem stoi autor, który „umiera” w performerze. Jednak samoistna wartość aktorstwa nie umniejsza wagi autora, od którego w dużej mierze zależy powodzenie aktu. Autorami często stali się sami artyści. Tradycje I. Gorbunowa przejęli gawędziarze popowi - Smirnow-Sokolski, Afonin, Nabatow i inni stworzyli własny repertuar.Aktorzy, którzy nie mieli talentu literackiego, zwrócili się o pomoc do autorów, którzy pisali z oczekiwaniem na ustne wykonanie, biorąc pod uwagę uwagę na maskę performera. Autorzy ci z reguły pozostawali „bezimienni”. Od wielu lat w prasie trwa dyskusja, czy utwór napisany z myślą o występie scenicznym można uznać za literaturę. Na początku lat 80. powstały Ogólnounijne, a następnie Ogólnorosyjskie Stowarzyszenia Autorów Popowych, które pomogły w legitymizacji tego typu działalności literackiej. „Anonimowość” autora należy już do przeszłości, na scenę wkroczyli sami autorzy. Pod koniec lat 70. ukazał się program „Za kulisami śmiechu”, skomponowany na wzór koncertu, ale wyłącznie z występów autorów popu. Jeśli w poprzednich latach własne programy prezentowali tylko indywidualni pisarze (Averchenko, Ardov, Laskin), teraz zjawisko to stało się powszechne. Do sukcesu w ogromnym stopniu przyczynił się fenomen M. Żwaneckiego. Zaczynając w latach 60. jako autor Leningradzkiego Teatru Miniatur, omijając cenzurę, zaczął czytać swoje krótkie monologi i dialogi podczas zamkniętych wieczorów w Domach Twórczej Inteligencji, które podobnie jak pieśni Wysockiego rozprzestrzeniły się po całym kraju.

5. Jazz na scenie

Pod pojęciem „jazz” powszechnie rozumie się: 1) rodzaj sztuki muzycznej opartej na improwizacji i szczególnym natężeniu rytmicznym, 2) orkiestry i zespoły wykonujące tę muzykę. Do określenia grup używa się również terminów „zespół jazzowy”, „zespół jazzowy” (czasami wskazujących liczbę wykonawców - trio jazzowe, kwartet jazzowy, „orkiestra jazzowa”, „big band”).

6. Piosenka na scenie

Miniatura wokalna (wokalno-instrumentalna), szeroko stosowana w praktyce koncertowej. Na scenie często rozwiązuje się to jako miniaturę sceniczną „gry” za pomocą tworzyw sztucznych, kostiumów, światła, mise-en-scène („teatr pieśni”); Duże znaczenie nabiera osobowość, cechy talentu i umiejętności wykonawcy, który w niektórych przypadkach staje się „współautorem” kompozytora.

Gatunki i formy pieśni są zróżnicowane: romans, ballada, pieśń ludowa, dwuwiersz, ditty, chansonette itp.; Różnorodne są także sposoby wykonania: solo, zespołowo (duety, chóry, zespoły wokalno-instrumentalne).

Wśród muzyków popowych istnieje również grupa kompozytorska. Są to Antonow, Pugaczowa, Gazmanow, Łoza, Kuźmin, Dobrynin, Kornelyuk i inni. Poprzednia piosenka była głównie piosenką kompozytorską, obecna jest piosenką „wykonawczą”.

Współistnieje ze sobą wiele stylów, obyczajów i trendów – od sentymentalnego kiczu i miejskiego romansu po punk rock i rap. Tym samym dzisiejsza piosenka jest wielokolorowym i wielostylowym panelem, zawierającym dziesiątki kierunków, od imitacji rodzimego folkloru po napary kultur afroamerykańskich, europejskich i azjatyckich.

7. Tańcz na scenie

Jest to krótki numer taneczny, solo lub w grupie, prezentowany na ogólnokrajowych koncertach muzyki pop, programach rozrywkowych, salach muzycznych i teatrach miniaturowych; towarzyszy i uzupełnia program wokalistów, szereg oryginalnych, a nawet gatunków mowy. Powstał na bazie tańca ludowego, codziennego (towarzyskiego), baletu klasycznego, tańca współczesnego, gimnastyki, akrobatyki oraz na skrzyżowaniu wszelkiego rodzaju obcych wpływów i tradycji narodowych. Charakter plastyczności tańca podyktowany jest współczesnymi rytmami i kształtuje się pod wpływem sztuk pokrewnych: muzyki, teatru, malarstwa, cyrku, pantomimy.

Tańce ludowe były początkowo włączane do występów zespołów stołecznych. W repertuarze znalazły się przedstawienia teatralne urozmaicające życie wsi, miasta i wojska, suity wokalno-taneczne z rosyjskimi pieśniami i tańcami ludowymi.

W latach 90. taniec na scenie był ostro spolaryzowany, jakby powracał do sytuacji z lat 20. Grupy taneczne zajmujące się showbiznesem, jak Erotic Dance i inne, opierają się na erotyce – występy w nocnych klubach dyktują własne prawa.

8. Lalki na scenie

Od czasów starożytnych w Rosji ceniono rękodzieło, kochano zabawki i szanowano zabawne gry z lalkami. Pietruszka rozprawił się z żołnierzem, policjantem, księdzem, a nawet samą śmiercią, odważnie wymachiwał pałką, zabijał tych, których lud nie lubił, obalał zło i utwierdzał moralność ludu.

Pietruszkowicze wędrowali samotnie, czasem razem: lalkarz i muzyk, sami komponowali sztuki, sami byli aktorami, sami byli reżyserami - starali się zachować ruchy lalek, mise-en-scène i lalki wydziwianie. Lalkarze byli prześladowani.

Były też inne przedstawienia, w których występowały lalki. Na drogach Rosji można było spotkać samochody dostawcze wyładowane lalkami na sznurkach – marionetkami. A czasem z pudełkami ze szczelinami w środku, przez które lalki były przesuwane od dołu. Takie skrzynki nazywano szopkami. Lalki opanowały sztukę naśladowania. Uwielbiali wcielać się w śpiewaków, kopiowali akrobatów, gimnastyczek i klaunów.

9. Parodia na scenie

Jest to numer lub performans oparty na ironicznym naśladowaniu (naśladowaniu) zarówno indywidualnej maniery, stylu, charakterystycznych cech i stereotypów pierwowzoru, jak i całych kierunków i gatunków w sztuce. Amplituda komiksu: od ostro satyrycznego (obraźliwego) do humorystycznego (przyjaznego komiksu) zależy od stosunku parodysty do oryginału. Parodia ma swoje korzenie w sztuce starożytnej, w Rosji od dawna jest obecna w błazenskich zabawach i farsowych przedstawieniach.

10. Małe teatry

Tworzenie teatrów kabaretowych w Rosji „Nietoperz”, „Zakrzywione lustro” itp.

Zarówno „Krzywe lustro”, jak i „Nietoperz” były silnymi zawodowo zespołami aktorskimi, których poziom kultury teatralnej był niewątpliwie wyższy niż w licznych teatrach miniatur (z moskiewskich Pietrowski, którego reżyserem był D.G. Gutman, wyróżniał się ponad inni , Mamonovsky, kultywujący sztukę dekadencką, gdzie Aleksander Vertinsky zadebiutował podczas I wojny światowej, Nikolsky - artysta i reżyser A.P. Petrovsky.Wśród Petersburga - Troicki A.M. Fokina - reżyser V.R. Rappoport, gdzie z ditties i jak Artysta odniósł sukces w wykonaniu V. O. Toporkowa, późniejszego artysty teatru artystycznego.).

Różnorodność to rodzaj sztuki rozrywkowej, w którym krótkie występy koncertowe jednego lub większej liczby artystów (gawędziarzy, piosenkarzy, par, tancerzy, akrobatów, magików itp.) tworzą kompletny program, zwykle przeznaczony dla masowego odbioru. Scena jest wielostronna i różnorodna. Różnorodny jest także odbiór tej sztuki przez publiczność. Dla jednych scena to występy zespołów i wykonawców pieśni, muzyki, dla innych występy komików, dla innych klaunady czy wykonawców tańca współczesnego. Różne są też formy istnienia tej sztuki: koncert w klubie, sali kinowo-koncertowej, skecz studencki w auli instytutu, program teatralny na stadionie lub w Pałacu Sportu, spektakl w Teatrze im. Teatr Miniatur, występ w Teatrze Rozmaitości, koncert solowy itp. I w każdym przypadku Skład widowni i jej liczebność decydują o cechach rozrywkowego przedstawienia na żywo.

Korzenie pop-artu sięgają odległej przeszłości, można je doszukiwać się w sztuce starożytności – Egipt, Grecja, Rzym, jego elementy znajdują się w przedstawieniach podróżujących komików – bufonów, szpilmanów, żonglerów, dandysów itp. Jednak w nowoczesnych formach, pop-art ukształtował się w Europie Zachodniej w XIX wieku. Dlatego gości paryskich kawiarni zabawiali muzycy, śpiewacy, śpiewacy, których repertuar zawierał rzeczy ostre i aktualne. Sukces takich kawiarni doprowadził do pojawienia się większych przedsiębiorstw rozrywkowych - koncertów kawiarnianych („Ambasador”, „Eldorado” itp.). W Anglii w zajazdach (hotelach) pojawiły się sale muzyczne - sale muzyczne, w których wykonywano tańce, piosenki komiczne i występy cyrkowe; Za pierwszą uważa się Star Music Hall, założoną w 1832 roku.

Wzorowany na londyńskiej sali muzycznej Alhambra, Folies Bergère został otwarty w Paryżu w 1869 roku, a dwie dekady później Moulin Rouge, który otrzymał nazwę „sala różnorodna” (od francuskiego variété – odmiana). Stopniowo terminem „variety show” zaczęto odnosić się nie tylko do konkretnych teatrów, ale do całej formy sztuki, składającej się z różnych gatunków, z której ostatecznie powstaje holistyczne przedstawienie.

W 1881 roku w Paryżu otwarto kabaret artystyczny (od francuskiego kabaretu - cukinia) „Cha Noir” („Czarny Kot”), w którym gromadzili się młodzi artyści, aktorzy i pisarze. Często poruszano tu dotkliwe problemy społeczne i polityczne. Kabarety były bardzo znane w Niemczech, Austrii i innych krajach. W naszych czasach forma ta, oddzielona od kawiarni, zaczęła istnieć jako polityczno-satyryczny teatr małych form (Niemcy) o nieco zmienionej nazwie - kabaret.

Do Rosji widowiska przybyły na przełomie XIX i XX wieku. Po występie rozrywkowym uwagę publiczności przykuł także kabaret. Mieli w Rosji swoich poprzedników, którzy w dużej mierze decydowali o wyjątkowości rosyjskiej sceny. Są to budki, które w święta gościły zróżnicowaną społecznie publiczność, oraz rozrywki – małe programy koncertowe, które nadawane były w teatrach przed rozpoczęciem i po zakończeniu przedstawienia głównego. W programie rozrywkowym znalazły się rosyjskie pieśni i arie z oper, tańce klasyczne i ludowe, kuplety z wodewilu, wiersze i opowiadania w wykonaniu aktorów dramatycznych. Ogólnie rzecz biorąc, teatr wywarł znaczący wpływ na scenę rosyjską, co zadecydowało o jego oryginalności.

Po rewolucji październikowej artyści wyszli z małych, ciasnych sal kabaretów, przedstawień rozrywkowych i teatrów miniaturowych na ulice i place, do ludzi. Zastępowali prelegentów na licznych koncertach i wiecach, wyjeżdżali z koncertami na fronty wojny domowej, występowali na posterunkach poborowych, w koszarach i klubach robotniczych. Wtedy to pojęcie „różnorodności” (z francuskiego estrade – scena) rozprzestrzeniło się na całą dziedzinę sztuki.

Podstawą pop-artu jest liczba, krótki, kompletny spektakl (jednego lub kilku artystów) posiadający własną dramaturgię, w którym podobnie jak w dużym przedstawieniu musi być ekspozycja, kulminacja i rozwiązanie. Film krótkometrażowy zakłada skrajną koncentrację środków wyrazu. Dlatego na scenie powszechnie stosuje się hiperbolę, groteskę, bufonadę i ekscentryczność; stąd jasność, przerysowanie szczegółów i natychmiastowość przemiany aktora. Liczba zachowuje swoje znaczenie w różnorodnym przedstawieniu (przedstawieniu, rewii itp.) powstałym na podstawie sztuki teatralnej (recenzji). W takim przedstawieniu liczby łączy postać obserwatora lub prosta fabuła.

Artyści występujący na scenie szeroko posługują się tzw. maską, pewnym obrazem, który wyróżnia się stałością nie tylko wyglądu, ale także cech charakteru i biografii. Obraz ten, zrodzony z artystycznej wyobraźni, być może nie ma nic wspólnego z osobowością samego artysty.

Często jednak maska ​​artysty popowego staje się niejako skoncentrowanym wyrazem jego własnej osobowości. Jednak niezależnie od tego, pod jaką maską kryje się artysta, zwraca się bezpośrednio do publiczności, stara się włączyć ją w akcję, uczynić z niej swojego „rozmówcę”.

Po drodze rosyjska muzyka pop rozwiązywała różne problemy: agitowała, wzywała, inspirowała, kształciła, oświecała i oczywiście bawiła. Rozrywka jest cechą charakterystyczną sceny, jak żadna inna sztuka. Ale to nie jest równoznaczne z próżnią. Za zewnętrzną lekkością i wesołością często kryją się poważne treści, a im bardziej utalentowany artysta, im wyższy jest jego kunszt, tym lepiej udaje mu się zamknąć poważną myśl w lekkiej formie. Przykładem obywatelstwa, ostrej treści społecznej i doskonałości formy artystycznej jest sztuka satyryczna A. I. Raikina.

Tradycyjnie duże miejsce na naszej scenie zajmują gatunki kojarzone ze słowem. To opowiadanie, monolog, mały skecz, felieton, dwuwiersz, parodia, przedstawienie. Zadanie wprowadzenia szerokich mas w kulturę w latach 20.–30. XX wieku. XX wiek powołał do życia formę artystycznej lektury z etapu dzieł literatury nowożytnej i klasycznej. Czytelnicy artystyczni starają się możliwie najpełniej odsłonić przed odbiorcą świat autora i artystyczną oryginalność jego dzieł.

Na scenie prym wiodą gatunki muzyczne i wokalne: pieśni romantyczne, bardowskie i ludowe, muzyka pop i rock, jazz itp. Ogromną publiczność przyciągają solowe koncerty znanych piosenkarzy popowych. W procesie rozwoju wyłaniają się nowe formy i kierunki stylistyczne, wzbogacają scenę muzyczną świeżymi pomysłami artystycznymi i odzwierciedlają rytmy czasu. Na scenie szeroko reprezentowane są numery choreograficzne, zarówno zespołowe, jak i solowe: tańce ludowe, duety plastyczne, odgrywanie miniatur, tańce we współczesnych rytmach.

Spektakl występów cyrkowych przyciąga zwiedzających: żonglerów, iluzjonistów, manipulatorów, akrobatów, linoskoczków, mimów. Na styku gatunków rodzi się wiele ekscytujących rzeczy: pantomima i akrobatyka, pantomima i żonglerka itp. Wielu artystów wykorzystuje ekscentryczność wpisaną w samą naturę pop-artu.

Sztuka różnorodna szeroko rozwinęła się w ZSRR. Ogólnounijna Olimpiada Teatrów i Sztuki Narodów ZSRR w 1930 r., Ogólnounijny Festiwal Tańca Ludowego w 1936 r., Dziesięciolecia sztuki narodowej republik związkowych oraz koncerty reportażowe przyczyniły się do rozwoju tego rodzaju twórczości wśród ludów, które wcześniej go nie znały, z wyjątkiem form folklorystycznych. Regularnie odbywały się ogólnorosyjskie i ogólnounijne konkursy dla kreatywnej młodzieży. Syntetyczna muzyka pop zawsze była kojarzona z teatrem, kinem, literaturą i muzyką. W jej historii można zaobserwować różne formy interakcji muzyki pop i innych sztuk. Do muzyki symfonicznej zalicza się muzykę jazzową i rockową; taniec pop i akrobatyka wpływają na klasyczną choreografię; stale zwraca się na scenę kinową; krytycy piszą o różnorodności teatru. Z kolei scena zostaje uchwycona przez proces teatralizacji, wpływa na wszystkie jej gatunki, na ogólną tendencję do programów teatralnych, do tworzenia spektakli i teatrów rozrywek.

Wszyscy znają niezwykłe umiejętności K.I. Shulzhenko, który z duszą wykonywał liryczne piosenki.



Występ Tarapunki (Jurij Tymoszenko) i Sztepsela (Efim Berezin, po lewej)./



Na scenie jest iluzjonista Harutyun Hakobyan.



Słynna angielska grupa The Beatles.