Iwan Argunow. Intymne portrety. „Portrety intymne

Fiodor Stepanowicz Rokotow (1735-1808)

Fiodor Stepanowicz Rokotow to słynny rosyjski portrecista, akademik malarstwa Akademii Sztuk Pięknych w Petersburgu (1765).

Życie Fiodora Stepanowicza Rokotowa, najbardziej poetyckiego portrecisty XVIII wieku, przez długi czas pozostawało tajemnicą. Artysta, który za życia cieszył się ogromną sławą, po śmierci został zapomniany na całe stulecie.

Jego obrazy znajdują się w wielu muzeach w dużych i małych miastach Rosji i niestety jego piękne portrety nazywane są „Portretem nieznanej kobiety”.

Dopiero XX wiek przywrócił sztuce rosyjskiej imię F.S. Rokotowa. Ale nawet teraz wiele osób wie o nim jako o autorze jednego lub dwóch obrazów.

Wiarygodne informacje o narodzinach i pierwszych latach życia Fiodora Stiepanowicza Rokotowa nie zachowały się.

„Ważny pan”, zamożny właściciel domu, jeden z założycieli Moskiewskiego Klubu Angielskiego, przez długi czas był uważany za osobę pochodzącą ze szlacheckiego pochodzenia. Następnie odkryto materiały wskazujące, że Fiodor Stepanowicz urodził się w rodzinie chłopów pańszczyźnianych należących do księcia P.I. Repnin.

To, że utalentowany chłopak dzięki swoim mecenasom szybko „przedostał się do ludzi” i w ogóle stał się sławnym artystą, nikomu nie przeszkadzało. Zaskakująca była jedna okoliczność: gdzie i jak zdobył tak szerokie wykształcenie oraz u kogo i kiedy uczył się malarstwa?

Badania przeprowadzone w ostatnich latach ujawniły następujące szczegóły: Rokotow urodził się we wsi Woroncowo, która według obecnego podziału terytorialnego znajduje się w obrębie Moskwy i był wymieniony jako wyzwoleniec, chociaż jego brat Nikita i jego rodzina byli chłopami pańszczyźnianymi. Prawdopodobnie był nieślubnym „dzieckiem pana” i przydzielono go jedynie do rodziny chłopskiej, ale wychował się w dworku.

Wtedy staje się jasna opieka nad nim przez rodziny Repninów, Jusupowów i Golicynów. W latach 50. jego portrety były już znane w Moskwie, choć nie znani są ani nauczyciele artysty, ani wczesny okres jego twórczości.

W 1755 r. hrabia II Szuwałow przybył do Moskwy, aby rekrutować utalentowanych młodych mężczyzn do Akademii Sztuk Pięknych w Petersburgu. Szlachcic Katarzyny, wykształcony człowiek swoich czasów, mistrz rosyjskiej szkoły artystycznej II Szuwałow, zauważył młodego malarza i wspierał go.

Stał się głównym patronem młodego człowieka, w jego domu Rokotow studiował malarstwo pod okiem Pietro Rotari.

W Państwowym Muzeum Historycznym zachowała się kopia obrazu Rokotowa „Gabinet I. I. Szuwałowa” (ok. 1757 r.). Oprócz wartości artystycznej ma także wartość historyczną jako pierwszy obraz rosyjskiej galerii portretów wykonany przez rosyjskiego artystę.

Nawiasem mówiąc, jest to prawdopodobnie jedno z niewielu, jeśli nie jedyne, dzieł, które nie należą do bogatego dziedzictwa portretowego Rokotowa.

Z portretów z tamtych lat zachował się jedynie „Portret nieznanego (1757)”, prawdopodobnie jedyny autoportret artysty, reszta zaginęła.

Rokotow miał szczęście. Znalazł sobie patrona w wyższych sferach. Jednak jego głównymi mecenasami był talent i ogromna praca już od najmłodszych lat. Od przybycia Rokotowa do Petersburga minęło niecałe pięć lat, a na dworze już o nim wiedzieli.

Na kształtowanie się osobowości F.S. Rokotowa wpłynęła jego znajomość z M.V. Łomonosowem. Wydaje się, że temat godności ludzkiej, który tak wyraźnie brzmi w portretach Rokotowa, został zdeterminowany nie bez wpływu genialnego naukowca i pisarza, jakim był Łomonosow. Pod patronatem I. I. Szuwałowa i zaleceniem M. W. Łomonosowa w 1757 r. powierzono artyście wykonanie mozaikowego portretu cesarzowej Elżbiety Pietrowna (z oryginału L. Tokkego) na zamówienie Uniwersytetu Moskiewskiego.

Ta praca zakończyła się sukcesem. Tak więc w 1760 r., kiedy „na rozkaz ustny” I. I. Szuwałowa, pierwszego prezesa Akademii Sztuk Pięknych, Rokotow został zapisany w jej murach, był już wyszkolonym mistrzem, znanym na dworze.

Fiodor Stepanowicz Rokotow. PORTRET V. I. MAJKOWA. OK. 1765 Olej na płótnie. 60x47,8.

Państwowa Galeria Trietiakowska.

To dzieło F. S. Rokotowa (1735/36-1808) nazywane jest czasem pierwszym portretem psychologicznym w malarstwie rosyjskim. Ostrość i kompletność charakterystyki, wnikanie w duchową istotę przedstawionej osoby oraz umiejętność nieograniczania się do przekazywania zewnętrznego podobieństwa wyraźnie wyróżniają to arcydzieło wczesnego Rokotowa wśród portretów tamtych czasów.

V.I. Maikov należał do oświeconej moskiewskiej inteligencji szlacheckiej, z którą młody artysta stał się blisko. Majkow, asystent gubernatora moskiewskiego, dżentelmen epikurejczyk, był także zdolnym pisarzem – jego wiersze zostały później wysoko ocenione przez Puszkina.

Używając wolnych środków, Rokotov w przekonujący sposób charakteryzuje tę bystrą i wszechstronną osobę. Temperamentna, a jednocześnie miękko wyrzeźbiona twarz emanuje pewnością siebie i zadowoleniem z siebie. Ironiczny uśmiech dotyka różowych ust sybaryty i smakosza, przenikliwe spojrzenie błyszczy inteligencją.

Choć malarska wirtuozja nie jest tu celem samym w sobie, nie sposób nie podziwiać umiejętności, z jaką Rokotow potrafił zharmonizować dopełniające się kolory zielonego kaftanu i czerwonych wyszywanych złotem klap, wykorzystując jednoczący złoty odcień półprzezroczystej podmalówki. W kolejnych latach charakter twórczości Rokotowa uległ zmianie, a portret Majkowa pozostaje jego najlepszym dziełem lat sześćdziesiątych XVIII wieku.

Zakupiony przez Radę Galerii Trietiakowskiej od A. A. Maykovej w Petersburgu w 1907 roku.

F.S.Rokotow

Portret Iwana Grigoriewicza Orłowa

1762-1765, olej na płótnie, 59 x 47 cm

Państwowe Muzeum Rosyjskie w Petersburgu

Iwan Grigoriewicz Orłow (1733-1791) – jeden z pięciu braci, którzy osiągnęli sławę za czasów Katarzyny II.

W wieku szesnastu lat został żołnierzem Pułku Preobrażeńskiego.

Po śmierci ojca w 1746 roku został głową rodziny. Będąc najstarszym synem, wziął na siebie wszystkie troski ekonomiczne związane z zarządzaniem niepodzielnymi majątkami swoich czterech braci.

Na podstawie zachowanej korespondencji możemy stwierdzić, że Orłowowie żyli bardzo przyjacielsko, kochali się i wspierali. Autorytet Iwana Grigoriewicza, „starszej pani”, był niezaprzeczalny.

Rodzina miała szczęście: jeden z braci, Grigorij, został kochankiem wielkiej księżnej Ekateriny Aleksiejewnej. Iwan, Grigorij i Aleksiej Orłowowie wzięli udział w zamachu stanu pałacowym 28 czerwca 1762 r., który obalił jej męża, cesarza Piotra III. W dużej mierze dzięki staraniom braci Orłowów Ekaterina Aleksiejewna została rosyjską cesarzową Katarzyną II.

Po zamachu jej pomocnicy zostali podniesieni do rangi hrabiego i otrzymali w nagrodę bajeczne bogactwa. W przeciwieństwie do swoich braci Iwan Grigoriewicz, otrzymawszy tytuł hrabiego i stopień kapitana Pułku Strażników Życia Pułku Preobrażeńskiego, przyznał emeryturę za udział w wydarzeniach 1762 r., Opuścił służbę i ogólnie całą działalność publiczną.

To prawda, że ​​brał udział w Komisji ds. opracowania nowego Kodeksu jako zastępca szlachty rejonu Wiazemskiego, a nawet został wybrany na marszałka komisji w 1766 r.

Jako bogaty pan mieszkał w Moskwie i w „dolnych wioskach” nad Wołgą, od czasu do czasu przyjeżdżając do Petersburga, aby spotkać się z braćmi i ponownie załatwić sprawy swojego brata Grzegorza, skłonnego do marnotrawstwa.

F. S. Rokotow dwukrotnie pisał do Iwana Grigoriewicza. Portret znajdujący się w Galerii Trietiakowskiej jest prawdopodobnie wcześniejszy. Najwyraźniej powstał niedługo po zamachu stanu, gdyż portretowana osoba ma pod wierzchnią odzieżą ukryty kirys – zbroję chroniącą klatkę piersiową.

W przeciwieństwie do kolorowego portretu Orłowa znajdującego się w Muzeum Rosyjskim, wersja Tretiakowa jest niemal monochromatyczna: mroczne połączenie tworzą srebrnoszare odcienie kaftana, pudrowanej peruki i skromnej czarnej chusty. W tym intymnym portrecie artysta ukazuje inteligentnego i wyrachowanego człowieka, który nie dążył do zajmowania wysokiego stanowiska na dworze, ale pozostając w cieniu, wpływał na sprawy państwowe.

Dmitrij Grigoriewicz Lewicki (1735-1822)

„W przekazywaniu intymnego, nieuchwytnego uroku twarzy, która nie błyszczy pięknem, nie wyróżnia się oryginalnością, w przedstawieniu twarzy prostej, przeciętnej, niepozornej - nie znał rywali”.

Tj. Grabar.

Dmitrij Grigoriewicz Lewicki jest najważniejszym mistrzem chwalebnej galaktyki artystów XVIII wieku. Jego twórczość jest zwieńczeniem rozwoju rosyjskich portretów XVIII wieku. Artysta niejako podsumował to, co zostało zrobione w poprzednim okresie i położył podwaliny pod nowe osiągnięcia w dziedzinie rosyjskiego portretu realistycznego.

Jaka była misja tego człowieka?

Fakt, że był przykładem malarza o rzadkim talencie, ale najważniejsze, że stał się lustrem, przez które przechodzili bohaterowie całej epoki.

D.G. Lewickiego

Portret PA Demidowa

1773g, olej na płótnie, 222x166cm

Zamówienie na portret przyszło od Prezydenta Akademii Sztuk I. I. Betskiego, powiernika Katarzyny II. O wzroście uznania D. G. Levitsky'ego do tego czasu można ocenić po tym, że za pierwszy z portretów zamówionych przez I. I. Betsky'ego artysta otrzymał tylko pięćdziesiąt rubli, za drugi (P. A. Demidov) - już czterysta.

Osobowość ukazanej osoby była dla artysty bardzo płodnym materiałem. Prokofiy Akinfievich Demidov jest właścicielem największych przedsiębiorstw górniczych, potomkiem rusznikarzy z Tuły, którzy położyli podwaliny pod ich kolosalne bogactwo nawet za Piotra I. Był jednym z najbardziej ekscentrycznych ekscentryków swoich czasów. Obok absurdalnych kaprysów bogacza współistniały w nim wykształcenie i ciekawość, pasja oświecenia i bezinteresowna hojność filantropa.

Prokofij Akinfiewicz słynął ze swoich dziwactw, które zaskakiwały nie tylko Petersburg i Moskwę, ale także Europę.

I tak w 1778 r. zorganizował w Petersburgu święto narodowe, które ze względu na ogromną ilość wypitego wina było przyczyną śmierci 500 osób.

Kiedyś kupił wszystkie konopie w Petersburgu, aby dać nauczkę Brytyjczykom, którzy zmusili go do zapłacenia wygórowanej ceny za towary potrzebne mu podczas pobytu w Anglii.

Zachowało się wiele legend o woli niespotykanego bogacza, gdzie nie zawsze można oddzielić prawdę od fikcji. Znanych jest wiele przykładów jego „pomysłowości”, jak „wycieczka” Demidowa, na którą składała się jasnopomarańczowa grzechotka, trzy pary koni (jedna duża i dwie małe rasy) oraz postiliony - karzeł i olbrzym. Jednocześnie zdarzają się przypadki, gdy Demidow przekazał duże darowizny, unikając rozgłosu.

Ogromne bogactwa uzyskane w ramach podziału (cztery fabryki, które później sprzedał kupcowi Jakowlewowi, do 10 000 chłopów, ponad 10 wsi, kilka domów itp.) filantropi.

Założył Szkołę Handlową w Moskwie i przekazał duże sumy na rzecz Moskiewskiego Domu Dziecka i Uniwersytetu Moskiewskiego. Naukowym hobby Demidowa było zbieranie zielników: jego moskiewska posiadłość słynęła z kwietników i ogrodu botanicznego, w którym zbierano najrzadsze rośliny. W 1785 roku napisał poważny traktat „O opiece nad pszczołami”.

Wizerunek P. A. Demidowa jest najbardziej „obrazowym” ze wszystkich dzieł Lewickiego (z wyjątkiem późniejszego „Portretu Katarzyny II Ustawodawcy”, 1783. Muzeum Rosyjskie). W portretach XVIII-wiecznych wszystkie elementy: ubiór, dodatki, wyposażenie, tło - niosły ze sobą pewien ładunek semantyczny, pomagający przede wszystkim określić pozycję społeczną modela.

Na portrecie Demidowa mają one nieco inne znaczenie. Na zdjęciu nie ma ani jednego przypadkowego szczegółu, ale każdy szczegół - od zielnika i konewki na stole po fasadę budynku - świadczy nie o sukcesie przedstawionej osoby, ale o jej upodobaniach, hobby i charakterze .

Cała konstrukcja portretu wyraźnie parodiuje tradycyjne wizerunki ceremonialne poprzez niespodziewane, wręcz groteskowe porównania. Zamiast oficjalnego munduru z nagrodami i regaliami Demidow ma na sobie domową kamizelkę, spodnie, pończochy, szeroko rozpiętą szatę, czapkę i swobodnie owinięty wokół szyi szalik.

Kontrastem z tym zupełnie niestandardowym strojem jest poza portretowanej osoby – jednocześnie, jak należy, majestatyczna, a jednocześnie zrelaksowana: lewa ręka oparta na ogrodowej konewce, a wymowny gest słusznie wskazuje nie na Dom Dziecka, na który przekazał dużą sumę, ale na doniczki z kwiatami (patrz fragment). Zamierzony kontrast widać także w zestawieniu przedmiotów użytku domowego z uroczystym tłem architektonicznym i kurtyną zasłaniającą kolumny.

Brzydka, inteligentna, o wyrazistym, indywidualnym wyrazie, twarz Demidowa i cała jego postać są napisane bez fałszywego znaczenia i protekcjonalności wobec wieku.

Lewickiemu udało się połączyć cechy ekstrawagancji z elementami portretu ceremonialnego (kolumny, draperia, pejzaż z widokiem na Dom Sierot w Moskwie, z którego znane były w społeczeństwie ogromne datki Demidowa)

Jednak w obliczu przedstawionej osoby prześlizgują się nuty gorzkiego sceptycyzmu i ironii.Portret świadczy o wysokim kunszcie artysty, jego umiejętności dostrzegania cech głębokiego człowieczeństwa pod zewnętrznym, udawanym wyglądem.

Portret Urszuli Mniszech

(około 1750-1808)

1782 r., olej na płótnie,

Państwowa Galeria Trietiakowska w Moskwie

Portret Urszuli Mniszech powstał u szczytu kunsztu i sławy artystki. Owal był rzadkością w praktyce portretowej D. G. Levitsky'ego, ale to właśnie tę formę wybrał dla znakomitego przedstawienia świeckiego piękna. Dzięki naturalnej iluzji mistrz przekazał przezroczystość koronki, kruchość satyny i szary proszek modnej wysokiej peruki. Policzki i kości policzkowe „płoną” ciepłem nałożonego różu kosmetycznego.

Twarz malowana jest stopionymi pociągnięciami, nie do odróżnienia dzięki przezroczystym rozjaśnianym glazurom, nadając portretowi gładko werniksowaną powierzchnię. Na ciemnym tle korzystnie łączą się niebieskawo-szare, srebrno-popiołowe i złocisto-blade odcienie.

Odległy obrót głowy i życzliwy, wyuczony uśmiech nadają twarzy grzeczny, świecki wyraz. Zimne, bezpośrednie spojrzenie wydaje się wymijające i ukrywa wewnętrzne ja modelki. Jej jasne, otwarte oczy są celowo skryte, ale nie tajemnicze, jak na najlepszych portretach F. S. Rokotowa. Kobieta ta wbrew swojej woli budzi podziw, podobnie jak wirtuozowskie malarstwo mistrza.

Ursula Mnischek z urodzenia należała do najwyższego kręgu arystokracji. Jest córką wojewody polskiego Jana Zamoyskiego i Ludwigi Poniatowskiej, siostrą ostatniego króla Polski Stanisława Poniatowskiego. W swoim pierwszym małżeństwie - Potockiej. W 1781 roku wyszła za mąż za Michaiła Mniszka, marszałka nadwornego litewskiego. Była druhną Katarzyny II, późniejszej damy stanu kawalerii. Urszula Mniszech była nie tylko działaczką towarzyską, ale także kobietą wykształconą jak na standardy swojego społeczeństwa. Współcześni w swoich wspomnieniach wspominają ją jako interesującą rozmówczynię.

Wyróżniający się znaczną erudycją i inteligencją Mnishek lubił sztukę i pięknie malował, pozostawiając po sobie bardzo ironiczne wspomnienia, pełne wspaniałych cech portretowych, w których Katarzyna II występuje jako „aktorka prowadząca swoją rolę w teatrze”; a ona sama jest rozpieszczoną, silną wolą i potężną pięknością, która wie, jak powstrzymać swoje uczucia na dworze.

Portret przez długi czas znajdował się w posiadaniu rodziny Mniszchów. W 1908 roku, podczas wyprzedaży kolekcji rodzinnej w Paryżu, kupiła ją Evfemia Pavlovna Nosova, która z urodzenia należała do słynnej kupieckiej rodziny Ryabushinsky. W 1917 roku, po rewolucji lutowej, Nosova przeniosła całą swoją kolekcję do Galerii Trietiakowskiej w celu tymczasowego przechowywania, w tym portret D. G. Levitsky'ego.

11. Portret z przełomu XVIII i XIX w. (era sentymentalizmu, portret Borowickiego Łopuchiny + 1)

sentymentalizm

(od francuskiego sentyment - uczucie), ruch w sztuce i literaturze europejskiej i amerykańskiej drugiej połowy. 18 – początek XIX wiek Wychodząc od racjonalizmu oświeceniowego, sentymentalizm głosił, że najwyższą cechą „natury ludzkiej” nie jest rozum, ale uczucie. Sentymentaliści szukali drogi do rozwinięcia idealnej osobowości w uwolnieniu „naturalnych” uczuć. Jeśli klasycyzm głosił kult publiczności, to sentymentalizm gwarantował prawo osoby prywatnej do głęboko intymnych przeżyć. Ideały sentymentalizmu zostały najwyraźniej ucieleśnione w literaturze i teatrze, w malarstwie - w gatunkach pejzażu i portretu.

W Rosji ideały sentymentalizmu znalazły wyraz w twórczości V. L. Borovikovsky'ego. Po raz pierwszy w malarstwie rosyjskim artysta zaczął malować ludzi na łonie natury. Bohaterowie jego portretów przechadzają się alejkami parków krajobrazowych z ulubionym psem lub książką w ręku, oddając się poetyckim snom lub refleksjom filozoficznym („Portret Katarzyny II na spacerze po parku Carskie Sioło”, 1794; „Portret M. I. Łopuchiny ”, 1797; „Portret D. A. Derzhaviny”, 1813), ukazuje wysublimowaną słodką zgodność serc („Portret sióstr A.G. i V.G. Gagarina”, 1802). Obrazy „Torzkowska chłopka Krystyna” (ok. 1795), „Lizynka i Daszinka” (1794) ucieleśniają przekonanie o sentymentalizmie, że „nawet wieśniaczki potrafią czuć” (N. M. Karamzin). Twórczość V. A. Tropinina („Chłopiec tęskniący za martwym ptakiem”, 1802) po części nawiązuje do sentymentalizmu.

Sentymentalizm utorował drogę narodzinom romantyzmu.

W. Borowikowski

Portret MI Lopukhiny

1797 g, olej na płótnie, 72 x 55,5 cm

Państwowa Galeria Trietiakowska w Moskwie

Portret M. I. Lopukhiny jest jednym z najbardziej poetyckich dzieł artysty, w którym widać wpływy stylu sentymentalizmu.

Urocza młoda kobieta ukazana jest w zacisznym zakątku parku, do którego artysta w sposób konwencjonalny wprowadza motywy rosyjskiej wiejskiej przyrody.

Z leniwą i ospałą gracją Lopukhina oparła łokcie o balustradę ogrodu. Pejzażowe tło, podkreślające bliskość natury, wpisuje się w marzycielski nastrój młodej kobiety. Portret uderza niesamowitą harmonią obrazu i środków wyrazu.

Smutnemu, zamyślonemu spojrzeniu Lopukhiny, delikatnemu uśmiechowi, swobodnej, nieco zmęczonej pozie towarzyszą płynny rytm linii, miękka okrągłość kształtów, delikatne odcienie białej sukni, niebieskiego paska, liliowego szalika i różu, popielatych włosów i przyćmionej zieleni z liści drzew. Przestrzeń wypełnia miękka, przewiewna mgła.

Maria Iwanowna była córką emerytowanego generała I. A. Tołstoja, siostrą słynnego rosyjskiego poszukiwacza przygód Fiodora Tołstoja, Amerykanina i żoną niezwykłego oficera. 3 lata po namalowaniu portretu Maria Iwanowna zmarła nagle na gruźlicę. „Portret Łopuchiny” uważany jest za prawdopodobnie najlepsze dzieło Borovikowskiego.

Nie wiemy, co to był za tandem twórczy: 40-letnia artystka i bardzo młoda dziewczyna w wieku rozrodczym. Nie wiadomo, co na portrecie pochodzi od samego modela, a co dodał lub dodał malarz. Zmysłowy podtekst tej pozornie niewinnej pracy był jasny dla każdego aktywnie obserwującego widza.

W. Borowikowski

Katarzyny II w parku Carskie Sioło

na tle Kolumny Chesme, wzniesionej na cześć zwycięstwa floty rosyjskiej

1794g, olej na płótnie, 94,5x66 cm

Państwowa Galeria Trietiakowska w Moskwie

Nastroje sentymentalne [w twórczości Borowikowskiego] wpływały także na wizerunek monarchy. Portret Katarzyny II na spacerze po parku Carskie Sioło (1795, Galeria Trietiakowska - na tle Kolumny Chesme, druga wersja - Państwowe Muzeum Rosyjskie, na tle Obelisku Rumiancewa), jak obecnie niezawodnie wiadomo, nie został zamówiony przez cesarzową. Został on wykonany jako aprobata talentu artysty w celu zaprezentowania go pałacowi, najprawdopodobniej według pomysłu, planu i opracowanego programu tego samego [Mikołaja Aleksandrowicza] Lwowa. Cesarzowa nie została namalowana z życia (jak zresztą wszyscy rosyjscy mistrzowie).

Wiadomo również, że nie pochwalała twórczości Borowikowskiego. Tutaj zbiegły się niefortunne dla artysty okoliczności. „Zaznajomienie się” Katarzyny z portretem zbiegło się z jej irytacją na Derzhavina, który wywyższył Suworowa w odie „Pieśń Jej Cesarskiej Mości Katarzyny II o zwycięstwach hrabiego Suworowa-Rymnickiego”. akademik], a nie akademik, o jakim marzyli członkowie koła Derzhavin-Lwów (artysta otrzymał później tytuł akademika).

Portret ze zbiorów Państwowego Muzeum Rosyjskiego powstał na zamówienie Rumiancewów, stąd zamiast Kolumny Chesme wzniesiono obelisk Kagul ku czci zwycięstw Rumiancewa-Zadunajskiego. Portret namalowany na początku XIX wieku jest bardziej suchy, z podkreślonym modelowaniem światła i cienia oraz starannym odwzorowaniem szczegółów.

Borovikovsky stworzył niezwykły jak na tamte czasy portret. Katarzyna jest pokazana na spacerze po parku Carskie Sioło w szlafroku i czapce, ze swoim ulubionym chartem włoskim u stóp. Pojawia się przed widzem nie jako Felica, nie jako boska królowa, która zstąpiła z nieba, ale jako zwykła „właścicielka ziemi kazańskiej”, za którą lubiła się udawać w ostatnich latach swojego życia.

Przypomnijmy, że to na tym obrazie uchwycił ją Puszkin w swojej wielkiej „historii honorowej” „Córka kapitana” (w latach dwudziestych XIX wieku rytownik Utkin wykonał rycinę z portretu Borovikowskiego; dzięki rycinie dzieło Borovikowskiego wydawało się, że zyskało drugie życie i odniosło duży sukces).

Wizerunek pędzla Borowikowskiego w niczym nie przypomina „Katarzyny Ustawodawcy”: tak na przestrzeni dekady zmieniają się gusta artystyczne – od klasycystycznego wysublimowanego ideału po niemal sentymentalną, gatunkową interpretację obrazu prostego wiejskiego kobieta

Zainteresowanie człowiekiem ostatecznie doprowadziło utalentowanego malarza do stworzenia wyrazistych, intymnych obrazów, które wyróżniały się siłą towarzyszących im uczuć. Argunow nie doszedł do tego od razu. Z biegiem lat zmieniły się gusta i podejście artysty do swojego modela. Niemal entuzjastyczne podejście na początku twórczej podróży staje się teraz głębsze i bardziej złożone. Artysta nauczył się widzieć nie tylko zewnętrzny wygląd człowieka, ale także przybliżać się do zrozumienia jego wewnętrznego świata. Teraz znajduje czas na malowanie portretów osób, które bardzo lubi, starając się pełniej i głębiej wyrazić swój stosunek do nich. Portrety intymne są zatem szczytem twórczości Iwana Argunowa. W tych pracach był mniej ograniczony konwencjonalnymi normami ceremonialnego przedstawiania, w nich pełniej ujawniły się indywidualne cechy dzieła mistrza - prawdomówność, spontaniczność i głębokie człowieczeństwo.

Pod koniec 1757 r. Iwan Argunow namalował portrety męża i żony Chrypunowów, ucieleśniając w nich swoją koncepcję ludzkiej osobowości, związaną z ideałami Oświecenia. Chrypunowowie należeli do niewielkiej rosyjskiej inteligencji w połowie XVIII w. i mieszkali w Petersburgu, wynajmując „do wynajęcia” mieszkanie w kamienicy hrabiego Szeremietiewa przy ulicy Milionowej, w tym samym miejscu, w którym mieszkał sam artysta. Para była znacznie starsza od artysty, ale najwyraźniej połączyły ich wspólne zainteresowania duchowe.

Kozma Aksentievich Khripunov był tłumaczem i sekretarzem Kolegium Spraw Zagranicznych. Nie był bogaty, ale był znany hrabiemu Szeremietiewowi i być może cieszył się jego przychylnością. Argunow przedstawił go w środowisku domowym, z magazynem lub gazetą w dłoni. Najwyraźniej nieprzypadkowo artysta wybrał małe płótno, prostą kompozycję i skromną gamę tonów. Khripunov siedzi lekko odchylony do tyłu, przez co jego pulchna sylwetka wydaje się jeszcze masywniejsza. Wygląd małych oczu z ciężkimi powiekami jest zamyślony, czoło zmarszczone, o czymś myśli. Artysta zdołał zobaczyć i odsłonić swój wewnętrzny świat w tym starszym i brzydkim mężczyźnie. Guzowata, lekko czerwonawa twarz z dużym, mięsistym nosem, małymi oczami i grubymi ustami, napisana bardzo przekonująco. W obrocie głowy, w geście ręki, w całej postawie wyraźnie wyczuwalna jest godność człowieka inteligentnego i wykształconego.
Portret żony Khripunowa wyróżnia się tą samą wyrazistością. Siedząc na krześle z książką w rękach, uważnie przygląda się widzowi. Szaro-niebieskawa sukienka z dużym wiewiórczym kołnierzem ukrywa zarys sylwetki.

Portret Khripunowej

W jego wyglądzie (starannie zaczesane do tyłu włosy) i zachowaniu nie ma cienia kokieterii. To kobieta sprawna wewnętrznie, o silnej woli i zdecydowana, być może raczej sucha. Khripunova swój wolny czas poświęca czytaniu, a ta aktywność stawia ją na szczególnej pozycji wśród kobiet w jej kręgu, ponieważ w połowie XVIII wieku taka rozrywka nie była typowa dla jej współczesnych. Z panią Khripunową młody artysta mógł dużo i chętnie rozmawiać na tematy naukowe.

Kameralny portret XVIII wieku ma swoje własne cechy charakterystyczne, ale nadal silnie odzwierciedla klasową koncepcję osoby.

Wielkim sukcesem twórczym Iana Argunowa jest portret dziewczyny kałmuckiej Annushki. Była ulubioną uczennicą hrabiny Barbary Aleksiejewnej Szeremietiewy. To jeden z najgłębszych portretów artysty, namalowany z wielkim ciepłem.

Na portrecie Annuszki artystka przekazała urok swojej dziecięcej spontaniczności, towarzyskiego i żywego charakteru oraz zgodnie z prawdą, bez egzotyki, pokazała narodową oryginalność swojego wyglądu. Ciemna twarz, płonące, żywe, skośne, czarne oczy o wycięciu w kształcie migdałów, uniesione ku skroniom na sposób orientalny. Hrabina Varvara Alekseevna w przenośni nazwała je „małymi oczami karalucha”. Dziecięcy urok wyraża się w czystych konturach czoła, w kształcie brwi, w delikatnym owalu twarzy z pulchnymi policzkami i dołeczkami w kącikach ust. Dziewczynka ubrana jest w elegancką czerwoną sukienkę, ozdobioną koronką i koronkową czapeczką z niebieskimi kokardkami. Na ciemnoskórej dłoni bransoletka z brązowego aksamitu. Kolczyki w uszach. Otoczona kobietami, jest kochana i ceniona. Wśród bogatych panuje moda na przyjmowanie Kałmuków na swoją służbę, co wynikało z uwagi, jaką poświęcał im dwór cesarski, chcący doprowadzić do całkowitego przyłączenia Kałmuków do Rosji. Kozacy często zabierali ze sobą dzieci kałmuckie, gdy przybywały z odległych stepów do stolicy i obdarowywały królową i jej świtę podarunkami: rybami, kawiorem, wozami i końmi. Takie były kaprysy mądrego i okrutnego stulecia. Kiedy trafiły do ​​rosyjskich rodzin, dziewczęta kałmuckie otrzymywały rosyjskie imiona, ale zwykle nazywano je po prostu „hrabiną kałmucką taką a taką”. Na przykład w liście naszej Annuszki wskazano adres: „Petersburg. Anna Nikołajewna, Kałmuk hrabiny Szeremietiewy”. Obowiązki Annuszki były dość zróżnicowane i zależne od pomysłowości gospodyni. Portret został namalowany po śmierci Barbary Aleksiejewnej. Najwyraźniej hrabia Szeremietiew chciał w ten sposób utrwalić pamięć o swojej żonie i gloryfikować jej działalność edukacyjną i charytatywną. Annuszka trzyma w rękach portret damy, pokazując go widzowi.

Portret kobiety Kałmuckiej został namalowany z wielką miłością i uwagą artysty do modelki, szczerością i ciepłem. Najwyraźniej Annushka należała do najbliższych przyjaciół artysty.
W 1785 r. Iwan Argunow stworzył jedno ze swoich najlepszych dzieł - portret nieznanej chłopki. Wybór modelu najwyraźniej nie był dla artysty przypadkowy. W sztuce drugiej połowy XVIII wieku duże zainteresowanie wzbudziła tematyka chłopska. W tym czasie na łamach książek i czasopism, w dziełach dramatycznych odzwierciedlono szlachetny charakter moralny chłopa, jego uczciwość i ciężką pracę, skontrastowane z lenistwem i bezczynnością szlachty. Argunow stworzył z ludu atrakcyjny wizerunek Rosjanki, oddając jej duchową czystość, życzliwość i skromność.

Portret nieznanej wieśniaczki

Twarz kobiety o delikatnych rysach i małych szarych oczach jest pełna ciepła i życzliwości. Na swoim obrazie artysta wyraził swoje wyobrażenie o pięknie i duchowej szlachetności wieśniaczki. Jej sylwetka jest lekko przesunięta w lewo, plastyczne formy młodego, silnego ciała oddane są z niemal rzeźbiarską namacalnością. Wysoka, rzeźbiona szyja przechodzi w gładkie kontury głowy i haftowanego złotem nakrycia głowy. Kolorystyka jest ciepła i bogata: połączenia czerwono-złotego nakrycia głowy, cielistych odcieni twarzy, sznura czerwonych koralików na szyi, białej koszuli i czerwonej sukienki ze złotym haftem tworzą elegancki, a jednocześnie ścisła paleta, nadająca portretowi wyraźną harmonijną kompletność. Na portrecie dominuje kolor czerwony: kolczyki z długimi wisiorkami i guzik przy kołnierzyku mienią się w kamieniach. Artystka ucieleśniała spokój, majestat i wewnętrzną godność Rosjanki z ludu w przebraniu nieznanego modela.
Kim ona jest? Czas nie zachował imienia piękna. Można jednak śmiało powiedzieć, że nie jest to aktorka pańszczyźniana ani towarzyszka ubrana w rosyjski kostium wieśniaczki z prowincji moskiewskiej. Jedynym szczegółem jej ubioru nieprzystającym do zwykłego chłopskiego ubioru jest za duży dekolt koszuli i kolorowy pasek. Najprawdopodobniej nasza bohaterka nie jest wieśniaczką, ale mieszkanką miasta, mieszkającą z panami jako mamka. Podobne wizerunki mamek można znaleźć na obrazach lub portretach rodzinnych innych malarzy, którzy żyli mniej więcej w tym samym czasie co Iwan Argunow. Udało mu się stworzyć wysublimowany, poetycki wizerunek rosyjskiej chłopki, jakiego sztuka XVIII wieku nie znała jeszcze.
W latach 90. XVIII wieku i na początku nowego stulecia Argunow prawie przestał tworzyć. Wiąże się to ponownie z jego wymuszoną, niewolniczą pozycją. W 1788 roku został mianowany zarządcą „Domu Moskiewskiego” Szeremietiewów i członkiem zarządu pańszczyźnianego, który odpowiadał za wszystkie sprawy gospodarcze hrabiego. Po przeprowadzce z Petersburga do Moskwy i najwyraźniej czując, że jego czas mija i zastępuje go nowe pokolenie młodych utalentowanych malarzy, Argunow posłuchał woli swojego mistrza, który teraz po śmierci ojca stał się Mikołajem Pietrowicz Szeremietiew.
Z licznych zachowanych dokumentów wiadomo, jak nieciekawe, a czasem upokarzające stało się życie artysty, który stał się „menadżerem Argunowa”. Syn artysty, Mikołaj, podniósł pędzel, który wypadł z ręki ojca, jednak tworząc piękne portrety ciekawych osobowości, nie prześcignął ojca.
Iwan Pietrowicz Argunow zmarł na początku 1802 roku w wieku 73 lat, poddany hrabiów Szeremietiew.

O ile od połowy XVIII w. najpowszechniejszymi rodzajami portretów były portrety kameralne i półformalne, o tyle od drugiej połowy XVIII w. popularne stały się następujące typy portretów:

· Portret ceremonialny (reprezentacyjny).

Rodzaj portretu, którego głównym celem jest uwielbienie, wywyższenie i wyrażenie uznania dla zasług portretowanej osoby. Portret ceremonialny z reguły polega na ukazaniu osoby w pełni wzrostu (na koniu, stojącej, siedzącej) we wnętrzu, w krajobrazie lub na tle draperii; Cechą charakterystyczną jest podkreślenie publicznej i społecznej pozycji modela, ukazanej w oficjalnym otoczeniu, z nagrodami, przedmiotem działalności zawodowej lub atrybutami władzy. W Rosji portret ceremonialny stał się powszechny w połowie XVIII - pierwszej tercji XIX wieku.

• · Półsuknia (osoba była przedstawiana nie w pełnym wzroście, ale do pasa lub do kolan);
• · Komora (obraz wydatne ramiona, długość klatki piersiowej, maksymalna długość talii, często na neutralnym tle);
• · Intymny (ignorując tło, skupiając się na wewnętrznym świecie danej osoby)

Rozwój gatunku portretu. Przechodząc do najbliższej historii rosyjskiej sztuki pięknej drugiej połowy XVIII wieku, musimy najpierw zatrzymać się nad narodzinami tzw. Portretu intymnego.

Aby zrozumieć cechy tego ostatniego, należy zauważyć, że wszyscy, w tym wielcy mistrzowie pierwszej połowy wieku, również pracowali z portretami ceremonialnymi.

Artystom zależało przede wszystkim na ukazaniu godnego przedstawiciela przeważnie szlacheckiej klasy. Dlatego też przedstawiana osoba malowana była w stroju odświętnym, z insygniami za zasługi dla państwa, a często w pozie teatralnej, eksponującej wysoką pozycję społeczną portretowanej osoby.

Portret ceremonialny został podyktowany na początku stulecia ogólną atmosferą epoki, a następnie utrwalonymi gustami klientów. Jednak bardzo szybko przekształcił się on, ściśle mówiąc, w oficjalny. Ówczesny teoretyk sztuki A.M. Iwanow stwierdził: „Portrety powinny sprawiać wrażenie, jakby mówiły o sobie i jakby ogłaszały: «spójrz na mnie, jestem tym niezwyciężonym królem, otoczonym majestatem».

W przeciwieństwie do portretu ceremonialnego, portret intymny miał na celu uchwycenie osoby taką, jaką widzi ją w oczach bliskiego przyjaciela. Ponadto zadaniem artysty było, wraz z dokładnym wyglądem przedstawianej osoby, ujawnienie cech jej charakteru i ocena jej osobowości.

Początek nowego okresu w historii portretu rosyjskiego wyznaczyły obrazy Fiodora Stiepanowicza Rokotowa (ur. 1736 - zm. 1808 lub 1809).

Kreatywność F.S. Rokotowa. Niedostatek informacji biograficznych nie pozwala nam wiarygodnie ustalić, u kogo studiował. Nawet na temat pochodzenia malarza toczyły się długie dyskusje. Wczesne uznanie artysty zapewnił jego prawdziwy talent, który objawił się w portretach V.I. Majkow (1765), nieznany w kolorze różowym (lata 70. XVIII w.), Młodzieniec w przekrzywionym kapeluszu (lata 70. XVIII w.), V.E. Nowosiltseva (1780), P.N. Lanskoya (lata 80. XVIII w.).

Portret nieznanej kobiety w kolorze różowym przedstawia śliczną dziewczynę o delikatnych, niemal dziecięcych rysach. Pastelowa gama odcieni różu i srebrno-szarego nadaje obrazowi nieskazitelną czystość. Wyraz twarzy nieznanej kobiety jest niezapomniany – półuśmiech przesuwający się po jej ustach, spojrzenie cieniowanych oczu w kształcie migdałów. Jest tu naiwność i pewnego rodzaju powściągliwość, być może tajemnica serca. Portret Rokotowa budzi w człowieku potrzebę duchowej komunikacji i mówi o fascynacji poznawaniem otaczających go ludzi. Jednak przy wszystkich walorach artystycznych malarstwa Rokotowa nie można nie zauważyć, że tajemniczy półuśmiech, enigmatyczne spojrzenie jego wydłużonych oczu przechodzą od portretu do portretu, nie odsłaniając, a jedynie jakby zapraszając patrzącego do rozwikłania natury ukryte za nimi. Można odnieść wrażenie, że autor tworzy swego rodzaju teatralną maskę tajemniczego ludzkiego charakteru i nakłada ją na wszystkich, którzy mu pozują.

Dalszy rozwój intymnego portretu wiązał się z imieniem Dmitrija

Grigoriewicz Lewicki (1735-1822).

Kreatywność D.G. Lewicki. Początkowe wykształcenie artystyczne zdobywał studiując pod okiem ojca, rytownika w Ławrze Peczerskiej.

Udział w malowaniu kijowskiej katedry św. Andrzeja, przeprowadzonym przez A.P. Antropowa, zaowocowały późniejszą czteroletnią praktyką u tego mistrza i zamiłowaniem do gatunku portretu. We wczesnych obrazach Lewickiego istnieje wyraźne nawiązanie do tradycyjnego portretu ceremonialnego. Punktem zwrotnym w jego twórczości był zamówiony na zamówienie cykl portretów szlachcianek z Instytutu Smolnego, składający się z siedmiu wielkoformatowych prac, wykonany w latach 1773-1776. Zamówienie oznaczało oczywiście portrety ceremonialne. Zaplanowano przedstawienie dziewcząt w pełnym wzroście w strojach teatralnych na tle scenerii amatorskich przedstawień wystawianych w pensjonacie. W sezonie zimowym 1773-1773 uczniowie osiągnęli takie sukcesy w sztukach performatywnych, że na przedstawieniach obecny był dwór cesarski i korpus dyplomatyczny.)

Klientką była sama cesarzowa w związku ze zbliżającym się pierwszym ukończeniem szkoły. Starała się pozostawić potomności jasną pamięć o spełnieniu się jej ukochanego marzenia - wychowaniu w Rosji pokolenia szlachty, które nie tylko dzięki pierworództwu, ale także dzięki edukacji i oświeceniu wzniesie się ponad klasy niższe.

Jednak sposób, w jaki malarz podszedł do zadania, ujawnia chociażby „Portret E.I. Nelidovej” (1773). Uważa się, że dziewczyna jest przedstawiana w swojej najlepszej roli - służącej Serbinie z dramatu operowego

„Służąca-Pani” Giovanniego Pergolesiego, która opowiadała o sprytnej służącej, której udało się zdobyć sympatię swego pana, a potem wyjść za niego za mąż. Z wdziękiem unosząc w palcach lekki koronkowy fartuch i chytrze pochylając głowę, Nelidova stoi w tzw. trzeciej pozycji, czekając na falę batuty dyrygenta. (Nawiasem mówiąc, piętnastoletnia „aktorka” cieszyła się taką miłością publiczności, że jej występ został odnotowany w gazetach i poświęcono jej wiersze). Czuje się, że dla niej występ teatralny nie jest powodem do zademonstrowania „wdzięcznych manier” wpojonych w internacie, ale okazją do ujawnienia młodego entuzjazmu, ograniczonego rygorystycznymi zasadami codziennego życia Instytutu Smolnego. Artystka w akcji scenicznej ukazuje całkowity duchowy rozkład Nelidovej. Szaro-zielone odcienie o podobnej tonacji, w których tworzony jest pejzażowy tło teatralne, perłowe kolory sukni dziewczynki

Wszystko jest podporządkowane temu zadaniu. Levitsky ukazuje także spontaniczność natury Nelidovej. Malarz celowo przyćmił tony tła, a jednocześnie sprawił, że błyszczały na pierwszym planie – w ubraniu bohaterki. Gama opiera się na relacji odcieni szaro-zielonych i perłowych, bogatych w walory dekoracyjne, z różem w kolorystyce twarzy, szyi, dłoni i wstążek zdobiących kostium. Co więcej, w drugim przypadku artysta trzyma się lokalnego kolorytu, zmuszając do przypomnienia stylu swojego nauczyciela Antropowa.

Jaka jest różnica między portretem ceremonialnym a portretem gratisowym? A może psychologiczne i artystyczne? A czy portret ceremonialny może mieć ładunek psychologiczny?

Oczywiście wszystkie obecnie dostępne kierunki portretowe zostały uproszczone, aby uporządkować je w tej czy innej kategorii gatunku portretu. W zasadzie jest to poprawne: aby nie zanurzyć się na oślep w oceanie dzieł sztuki, należy zapewnić małe „brodziki”, ale dla autora takie definicje są obarczone podświadomym dopasowaniem jego twórczości do ram i ograniczeń . Ale ludzie przyzwyczajają się do tego, gdy fotograf tworzy w swoim własnym stylu, a gdy zmienia się wektor jego bohaterów, może to spowodować nieporozumienia wśród widza, publiczność poprosi autora o powrót do siebie.

Dużo fotografuję dziewczyny, ale jednocześnie trudno mi skatalogować ich portrety w określone kategorie. Lubię swoją pracę, bo nie mam wielkich pawilonów, luksusowych dekoracji i nawet najpoważniejszych rekwizytów. Używam światła pulsacyjnego lub słonecznego, więc minimalne przygotowanie wcześniej daje mi spokój ducha.

Spotykamy się o umówionej godzinie, w pracy, dziewczyna pozuje, a raczej ona myśli, że pozuje, myśli, że to robi.

Dlaczego portret intymny? Gdzie jest intymność? Często pytają mnie towarzysze płci męskiej. Rzeczywiście dziewczyny nie są półnagie, ich pozy nie są zrelaksowane i wyglądają na powściągliwe. Może oszukuję widza?

Powiem tak: „Portret intymny to portret stworzony na kameralnym, monotonnym tle, ukazujący pełną zaufania relację między artystą a modelem”.

Ludzie, w moim przypadku dziewczyny, są niewyczerpanym źródłem inspiracji. Każda dziewczyna jest dla mnie wyjątkowa. Lubię projektować ich sposób bycia, wygląd, styl komunikacji, uśmiechy. Nie zobaczysz czegoś takiego dwa razy. Najważniejsze jest, aby zobaczyć to na czas i nagrać kamerą, ale aby to rozważyć, musisz spróbować, w tym zmotywować dziewczynę, czyli obowiązuje zasada „indywidualna dziewczyna - indywidualne podejście”. To proste.

Kiedyś, w XIX wieku, Van Gogh był bardzo zainteresowany tematem chłopów. Mieszkał wśród nich, jednocześnie czerpiąc z ich codziennego życia motywy do obrazów, ale co innego obserwować pewną kategorię ludzi z zewnątrz, a potem przenieść swoje notatki na płótno, albo stać się jednym z tych ludzi, myśleć jak oni, czują to samo. Mam podobne podejście. Staram się być na równi z dziewczynami, minimalizować wszelkie różnice między nimi, synchronicznie wchodzić w ich społeczność, poznawać ich doświadczenia i zmartwienia. Zadanie nie jest łatwe, biorąc pod uwagę kobiecy światopogląd, czasami nie da się go zrozumieć.

Doszedłem do tego wniosku stosunkowo niedawno, kiedy zacząłem systematyzować cały swój materiał filmowy. Sortowałem zdjęcia, układałem je w teczki, układałem w odpowiedniej kolejności, przeglądałem je w nieskończoność, kadrowałem, obracałem, myślałem... Do tej pory nie scharakteryzowałem w żaden sposób swoich fotografii . Obraz psychologiczny? Kto wie, te dziewczyny nie mają więcej niż 16 lat. Nie są gwiazdami rocka, aktorami ani osobami publicznymi. Zwykłe dziewczyny, które chodzą do szkoły. Chodzą, odrabiają lekcje i znowu spacerują. Można je spotkać na co dzień na ulicy. Ale bez filtra Instagrama i rozmycia w Photoshopie ich nie rozpoznasz. Nawet nie zwracaj uwagi. W sieciach społecznościowych każdy wygląda inaczej niż w prawdziwym życiu. W zwykłym codziennym życiu wszystko jest prostsze. To skandalicznie prostsze. A współcześni ludzie nie są tam zainteresowani. Nudny. I to jest dla mnie świetne! Jestem szczęśliwy. Ponieważ jestem tam jedyny.

Miałem szczęście - kilka lat temu przyjechałem do jednej ze wspaniałych agencji modelek w Moskwie i poprosiłem o wykonanie testów. Uśmiechnęli się do mnie i już następnego dnia pracowałem z dziewczyną. Nazywa się je „nową twarzą”. Nowa twarz. Dziewczyny pochodzą z różnych regionów. Z Niżnego Tagila do Samary. Robią kilka sesji z różnymi fotografami, a następnie oceniają, czy może być na nie popyt na Zachodzie. Jeśli na dany typ jest zapotrzebowanie, jest wysyłana na przykład do Japonii. Dziewczyna jest stale pod nadzorem agencji, bez opieki i usług - tylko na filmach lub pokazach. Po kilku miesiącach wraca z pieniędzmi, niesamowitym portfolio i niezapomnianymi wrażeniami. Brawo!

Moje modele mają nie więcej niż 16 lat. Miałem szczęście - złapałem ich na tym etapie, kiedy jeszcze nie mieli pojęcia, jak przebiegają zdjęcia i nie psuły ich „choreograficzne” ruchy i spojrzenie. Złapałem je całkowicie czyste. Zarówno wewnątrz, jak i na zewnątrz. Rozmawiałam z kilkoma dziewczynami, zainteresowałam się ich życiem, hobby i nadziejami. W tym samym czasie nagrywałem. Byli też tacy, z którymi nie mogłem zamienić ani słowa. Po prostu siedzieliśmy i patrzyliśmy na siebie. I znowu nakręciłem. Nie ma żadnych sztuczek poza jednym – zawsze byliśmy razem.

Kiedy kręcę, prawie zawsze jestem niezadowolony z tego, co kręcę. Wewnętrznie, oczywiście. Modelka nie powinna niczego podejrzewać. Inaczej w ogóle nic nie wyjdzie. Patrząc wstecz, chcę zauważyć, że jest to pewny znak udanej pracy. Ciągle jestem w stanie wewnętrznej walki. Z czym dokładnie - nie wiem. Ale czuję się z tym świetnie. Jestem zły na siebie, na modelkę, na światło, na aparat, na wszystko. Przeklinam każdą drobnostkę. W każdej chwili mogę pęknąć i wtedy wszystko staje się katharsis.

Bez względu na to, jak dziwne może to być, pytanie „jak pracować z modelem” nadal pozostaje aktualne. Powiem ci. Słuchać. To bardzo proste – pozwól jej robić, co chce. Bez wyjątku. Chce przerzucić nogę przez głowę – śmiało! Usiądź na szczelinie między gałęziami drzewa - zaczynaj, filmuję! Czy wierci się i nigdy nie przyjmuje właściwej pozycji? Tak właśnie powinno być, uwierz mi. Po co walczyć z modelką i zmuszać ją do czegoś? Nikt nie lubi być zmuszany. Po prostu kipi w niej energia, przytłacza ją i prosi o wyjście. Więc pozwól jej odejść spokojnie. Gdy tylko to się stanie – i od razu to zrozumiesz – jest twoja. W pełni. Bez śladu. Zrób z nią, co chcesz. Teraz będzie pochłaniał tylko to, co emitujesz. Oddaj się jej! Nie bądź chciwy. Pod koniec pracy będziesz pusty. Nie bój się. Tak powinno być. Czy strzeliłeś, co chciałeś? Jestem pewien, że tak.

Kiedy zaczynałem zajmować się fotografią, bardzo dręczyła mnie kwestia technologii. Nie wiedziałem, jaki obiektyw wybrać, żeby uzyskać wymaganą ostrość, myślałem o liczbie megapikseli w aparacie i starałem się robić zdjęcia wyłącznie w studiu, aby kontrolować światło. Wierzyłem w magiczny przycisk w najdroższym aparacie. Szukałem jej. Ech... Teraz jestem zupełnie inny. Mam standardowy obiektyw dołączony do mojej amatorskiej lustrzanki cyfrowej i zapomniałem o całym zamieszaniu z megapikselami. Bo to wszystko bzdury. Kompletny. Jeśli jesteś artystą, co obchodzi Cię pędzel? Twój obraz jest zapisany w Twojej głowie, a pędzel jest tylko narzędziem, które pozwala przenieść Twoje fantazje na płótno. Jeśli nadal mi nie wierzycie, to oto cytat Francesco Bonamiego: „Sztuka istnieje dla tych (i przede wszystkim dla tych), którzy nie mają pieniędzy, ale potrafią marzyć – i którym nie potrzeba do niczego więcej Ten."

Najtrudniejszą rzeczą po zdjęciach jest dla mnie selekcja. Zbyt mocne wrażenia szczątkowe mogą przeszkodzić i możesz nie zauważyć twarzy za pięknym zdjęciem. W tym przypadku oglądam jakiś fajny film, gotuję obiad lub idę na spacer. Trzeba przerwać stare wrażenia porcją nowych. To jest bardzo ważne. Nie lubię zostawiać 10 zdjęć. Jedna, maksymalnie dwie fotografie mają sens. To w nich powinno nastąpić odkrycie. Jeśli go tam nie ma, to szukam dalej w duplikatach, albo odkładam zdjęcia na lepsze czasy. Może muszę dorosnąć do tych zdjęć.

Lubię być sam. Kiedy ludzie się spotykają, stają się niesamowicie nudni. Rozpoczyna się wymiana drobiazgów i problemów. Nie jestem zainteresowany omawianiem problemów. Znaczenia, idee, odkrycia są dla mnie ważne. Musisz zostać sam, w ciszy. Rozwijaj indywidualne cechy danej osoby. To oni tworzą osobowość. I cisza. Cisza.

Istnieje opinia, że ​​\u200b\u200bw trakcie strzelania należy prowadzić dialog z osobą, w przeciwnym razie nie będzie on mógł się zrelaksować. Będzie w stanie. Bez sensu. Jestem tego pewien. Skieruj na niego obiektyw. Tak, więcej. I patrz. Bezgłośnie. Na początku się zdenerwuje, może nawet zacznie pozować. Ale ty, fotograf, stoisz w bezruchu, co jeszcze bardziej cię dezorientuje. Jak to? Gdzie jest zespół? Gdzie się zwrócić? Teraz ta osoba nie wie już, co robić. Najważniejsze, żeby nie puścić jego wzroku. Pewnie cię obserwuje. Myśli, że ma nad tobą kontrolę. Stale. Jego wzrok jest utkwiony w Tobie. W obiektyw. Czekasz na niego. Wejdź! Co? Kliknij! Dziękuję, byłeś świetny.

Oczywiście, że używam Photoshopa! Nie ma w tym żadnej tajemnicy, podobnie jak w tym, że wszyscy z niej korzystają. Z jego pomocy uciekają się nawet zagorzali wrogowie programów graficznych i idealiści „czystej” fotografii. Ale cała wskazówka kryje się w tym słowie - „pomoc”. To nie jest remake zdjęcia. Nie przerysowuję światłem. To nie jest plastikowa zmiana. Ostatni szlif, autorski zalot, autograf. Nazywaj to jak chcesz. Wydaje mi się, że gdyby Leonardo miał Photoshopa, dokończenie uśmiechu Giocondy zajęłoby mu znacznie mniej czasu, zamiast 13 lat. Poważny termin. Photoshop pomaga mi zidentyfikować te rysy twarzy, których nie zauważają nasze oczy, a tym bardziej aparat. Dla mnie twarz to nie para oczu i usta, to cała architektura, krajobraz. Wydaje mi się, że twarz to nie tylko portret duszy, ale samej duszy, odwróconej na lewą stronę. I nieskończenie się cieszę, że nie umie pozować.

Wydaje mi się, że portret w fotografii to coś magicznego. To nie jest tylko wiarygodnie uchwycona twarz w dziesięciomegabajtowym pliku, to nie jest kłębek zmarszczek czy zamkniętych oczu, ani nawet Twoje wrażenia na temat danej osoby. To jest coś trzeciego. Jesteś ty, twój portret i to, trzecie. Pewna substancja, która wchłonęła część Ciebie, modela, Twojego nastroju, zewnętrznej atmosfery, a potem przez jakiś czas trawiła ją i wypuszczała do druku. Procedura jest gorsza niż jakakolwiek fotosynteza! Rodzaj soi, którą wypełniasz dodatkami w trakcie pracy. Kłótnia podczas kręcenia filmu? Proszę trochę pieprzu! Problemy ze światłem? Liść laurowy i trochę soli! Brak kontaktu modelki z fotografem? I dodaj więcej owoców morza! To nie jest „100 najlepszych przepisów”. To już oryginalna kuchnia. Eksperyment. Dodaj swoje, pożycz od kogoś innego. Jesteś artystą, co oznacza, że ​​jesteś trochę złodziejem. W dobrym tego słowa znaczeniu, oczywiście.

Za późno zdałem sobie sprawę, kim chcę być.
Jak każdy pracowity młody człowiek, po szkole poszedłem na studia. Ekscytujące wydarzenie, prawda? U mnie było to samo. Około roku. Dwa tuziny doskonałych egzaminów, zwiększone stypendium i spokój ducha. I tyle. Nie, nie, nie rzuciłem szkoły jak wszystkie fajne dzieciaki z Doliny Krzemowej. Skończyłem studia. Z żalem.

Dlaczego? Zdjęcie. Pochłonęła mnie. Opętał mnie. Mocno. Figlarka. Nie mogłam już chodzić na nudne wykłady. Włóczyłem się po ulicach. Nakręcony. Wszyscy się zgodzą. A potem spojrzałem. Porównywać. Powtarzający się. Próbowałem lepiej. Prawie bezmyślnie. Prawie.

To jest moja szkoła. Szkoła fotografii. Jest mało prawdopodobne, że będą Cię uczyć przy biurku. Trzeba znaleźć. Ja. Przemyśl i spróbuj. A wtedy wszystko ci się ułoży. Po prostu pozwól mu zaparzyć.

Kompozycja to podstawa kreowania obrazu. Jest to relacja przestrzenna pomiędzy wszystkimi częściami obrazu. Ogólnie rzecz biorąc, jak powiedział jeden z moich wspaniałych artystów: „Wszystko powinno być na swoim miejscu”. Oto jak to zrozumieć – czy wszystko jest na swoim miejscu – czy to kwestia czasu, czy instynktu. Jeśli masz czas, oglądaj zdjęcia, filmy, czytaj literaturę i obserwuj życie. A ci, którzy nie mają czasu, zwykle mają instynkt. Ja wiem. Czasami to czuję.

Artysta nie musi wyjaśniać swojej twórczości. Jestem o tym przekonany. Wydaje mi się, że nie do końca słuszne jest narzucanie widzowi znaczenia, które wniosłeś jako artysta. W końcu to najfajniejsza rzecz – obserwować, jak widz rozszyfrowuje Twoją pracę. Szuka powiązań, metafor, porównuje, kręci się, mruży oczy, podziwia lub nie rozumie. Częściej jednak to widz decyduje, czy może powtórzyć to w ten sam sposób, czy nie. Jeśli zrozumie, że da radę, z radością przystępuje do kolejnego zadania, a jeśli nie, zgaśnie światło – zacznie się zastanawiać, na jakiej patelni to było smażone, ile dodali pieprzu i po co nie dodało soli. Może zamiast podpisu autora zostawić przepis pod pracą? No wiecie, jak w starych, odrywanych kalendarzach. Każdego dnia. Nieźle.

Wykonuję portrety intymne.
Nie zawsze jest to portret komplementarny, bo nie staram się ozdabiać danej osoby; jest to zupełne przeciwieństwo portretu psychologicznego, ponieważ nie pokazuję osoby „jako siebie”; i wreszcie nie jest to zindywidualizowany obraz osoby, bo mnie nie interesuje moment podobieństwa. To całkowicie osobisty, nieznany stan człowieka, w który wnikam pod pretekstem fotografowania go i od pewnego czasu patrzę na świat innymi oczami. Taki właśnie jest portret intymny. To wtedy możesz bezwstydnie wtulić się w drugą osobę i spojrzeć na siebie jej oczami.

Kwestia światła pozostaje niezmiennie istotna. Z ilu źródeł korzystasz w swojej pracy? Czy często zmieniasz światło podczas fotografowania? Jakich schematów oświetlenia używasz?

W lutym w RIA Novosti odbył się wykład otwarty Jurija Norszteina („Jeż we mgle”). Temat wystąpienia brzmiał: „Sztuka wolności, wolność w sztuce”. Opowiadał o swojej pracy, przebiegu zdjęć, sukcesach i porażkach. Ale jego najważniejsza idea, z którą później znalazłem skrzyżowania, polegała na tym, że kiedy sztuka narzuca ci pewne ograniczenia, twoja praca staje się bardziej produktywna. To tyle w skrócie.

Wróćmy do kwestii światła. Zdarza się, że przychodzisz na sesję i wydaje się, że wszystko jest super. Jesteś w świetnym nastroju, aparat jest nastawiony na arcydzieło, modelka jest piękna, ale... Brakuje światła. Te źródła światła, które były przeznaczone dla Ciebie, zabrał inny, ważniejszy klient (wszystko się może zdarzyć), albo przepaliło się światło pulsacyjne, a ze stałego wypaliła się tylko lampka kontrolna. To smutne, prawda? Ale na szczęście w tej chwili rozumiesz, że to są właśnie ograniczenia, przez które sztuka chce przetestować twoją wytrzymałość. I w tym momencie entuzjazm staje się jeszcze większy! W takich przypadkach brałem albo lampę modelującą, albo lampę stołową, albo cokolwiek mniej lub bardziej świecącego i fotografowałem. Uwaga! - sfilmowany. I zadziałało. I często znacznie lepiej niż w idealnych warunkach. Życzę Ci tego samego.

Nie ma co robić ze studia kultowego. To tylko narzędzie. Jednak nie jest zły.

Fotografia to kosztowna przyjemność. Podobnie jak taniec towarzyski. Chociaż nie wiadomo jeszcze, co jest lepsze. Kiedy zaczynałem pracować, zawsze dążyłem do świetnego wyniku. A żeby to osiągnąć potrzebny jest zespół wspaniałych ludzi. Wizażysta i stylista są uważani za osoby, o których udziale nawet się nie dyskutuje! Wszyscy wiedzą, że są potrzebni. Jeśli jest szorstko, makijażysta wykona makijaż, a stylistka go ubierze. Wszystko, co musisz zrobić, to strzelać. Cud!

Dzień strzelaniny. Model się porusza, a część opisanej powyżej drużyny spadła w otchłań niedostępnej strefy. Nie ma żadnego z nich. I nie jest to oczekiwane. Nie mniej, awaryjne. Ale nie tylko cechy osobiste powstrzymują ludzi przed odwołaniem sesji. Biorę więc model i jedziemy z nim z Metropolis. No wiesz, ten na Wojkowskiej. Duże centrum handlowe. Piękne miejsce! Po krótkiej wędrówce można tam spokojnie pomalować model, ale najważniejsze jest to, po co tam pojechaliśmy – żeby strzelać. Jest tam mnóstwo ubrań. Mnóstwo. Idź do dowolnego sklepu, weź dowolne ubrania i zdejmij je. Gdzie? W przymierzalniach. Uwierz mi, jest wystarczająco dużo miejsca. Czy to możliwe? Bóg wie. Nie pytałem, bo jestem tylko fotografem.

Konsekwentnie i każdego dnia wyznaję jedną zasadę – rób to, co kochasz. Absolutnie nie przejmuję się wszelkimi sprzeciwami i protestami – one istnieją tylko w naszych głowach. Jeśli nie znalazłeś jeszcze tego, co kochasz, szukaj dalej. Niestrudzenie. Codziennie. W każdym zakamarku. Będziesz wiedział tylko, że to jest to, kiedy to znajdziesz. Nie popadaj w samozadowolenie. Najważniejszą rzeczą – a to nawet więcej niż połowa sukcesu – jest podjęcie kilku kroków. To wszystko jest nieskończenie banalne i każdy o tym wie, ale... Są jeszcze „ale”, prawda? Miej odwagę znaleźć swoją pasję. Może tak być – i najczęściej tak się dzieje! - wcale nie to, czego się uczyłeś. Nikt nie może ci powiedzieć, co to jest, tylko ty.

Wykonuję portrety intymne.
Nigdy nie strzelałem na czas. Nie mam timera, który włącza się po trzech godzinach i mówi: „Stop! Zdjęliśmy swoje. Czas wracać do domu”. Strzelam dokładnie tyle, ile podpowiada mi instynkt. Jeśli czuję, że brakuje mi 300 klatek, usuwam oryginalną część sesji i idę dalej. Jeśli w 30. klatce zobaczę, że szaleję na punkcie dziewczyny, to mam dość. Nigdy nie próbuję zapełnić całej karty pamięci. Udało się – jestem zadowolony. Jeśli nie wtedy...

Kiedy filmowałem jedną dziewczynę, ona i ja śmialiśmy się szaleńczo przez całą sesję. Nie wiem dlaczego. Nie rozśmieszyłem jej. Rozmawialiśmy, śmialiśmy się i wydawało się, że jesteśmy sobie tak bliscy, że byłem gotowy na coś więcej niż tylko filmowanie. Ale wszystko potoczyło się znacznie lepiej. Przestała się śmiać, spojrzała na mnie i powiedziała: "To wszystko. Teraz ty. Daj mi aparat!" A ja musiałem zająć jej miejsce. Teraz mnie filmowała. Nie wiedziałem gdzie iść. Ściskał, uśmiechał się, a nawet próbował tańczyć. I filmowała.

To bardzo satysfakcjonujące doświadczenie. Czasami trzeba wejść w buty drugiej osoby, żeby ją zrozumieć. Nie można patrzeć na świat z jednego punktu widzenia, trzeba spróbować przyjąć czyjeś doświadczenie, czyjś punkt widzenia. Jak mówią, otwórz swój umysł. W tym momencie wykonałem kilka moich najlepszych portretów.

Nigdy nie przygotowuję się do sesji zdjęciowej. W tym sensie, że nie buduję scenerii, nie wybieram tła, nie zabieram ze sobą mnóstwa rzeczy. NIE. Używam tylko tego, co mam pod ręką. Jest róg pokoju – cudownie! Będziemy tam filmować. Jest odrapane krzesło - to tylko bajka! Czarne tło, matowa ściana, linoleum – to nie robi żadnej różnicy. Wnętrze nie jest absolutnie istotne. Absolutnie. Ludzie dostosowują się do wszystkiego. A więc karaluchy. W ten sposób dziewczyny i ja przyzwyczajamy się do każdej atmosfery. I my ją lubimy. I nie jest to już dla nas ważne. Zapominamy o sobie. A my po prostu patrzymy. Na sobie, za oknem, na ścianie. W pustkę. Uruchommy swoją wyobraźnię. Marzymy. Odpocznijmy. Nie ma innego miejsca. Wokół jest mnóstwo zamieszania. I my dwoje. Milczymy i patrzymy. Pozostajemy cicho i marzymy. I znowu milczymy.

Nigdy nie wiadomo, co siedzi w głowach tych kobiet.
Zawsze fascynował mnie światopogląd kobiet. Ten niesamowity wewnętrzny świat, którego nie można rozwiązać. Tajemnica owiana baśnią. Wiele myśli kryje się za magicznym wyglądem. Zderzenie piękna wewnętrznego i zewnętrznego. Urodzeni flirtują, podążając za swoimi pragnieniami. Niezachwiana pewność siebie. Absolutnie otwarte uczucia, absolutnie urzekająca pasja. Imponujące i prostota. Niezachmurzone oczy i wielkie serce. Cudowny.

Jak można tego nie zauważyć? To wszystko jest na widoku! Stale. Tuż przed twoim nosem! Otwórz już oczy! I spójrz. Patrzeć. Kiedy to wszystko zobaczyłem, nie mogłem przestać. I zacząłem oglądać raz po raz. Tylko przez kamerę. Jest bardziej niezawodny.

Jak powiedział kiedyś Żwanecki: „Musisz pisać, kiedy nie możesz powstrzymać się od pisania”.
Dokładnie tę samą zasadę kieruję się w fotografii. Nie filmuję tylko po to, żeby filmować. To nie jest właściwe podejście. Zasadniczo nie jest to prawda. Jakieś oszustwo. Przede wszystkim siebie. A fotografia karze oszustów. Ona to czuje. Musisz być szczery w swoich pragnieniach i swoich działaniach. Nie ma potrzeby mówić, jeśli nie ma nic do powiedzenia. Nie zaszkodzi najpierw posłuchać. A potem pomyśl jeszcze trochę. I nie tylko nad tym, co zostało powiedziane. Jestem zbyt sceptyczny wobec takich rozmówców. I jestem całkowicie nieufny wobec tych, którzy mówią: „Dlaczego milczysz? Powiedz mi coś”. Jak to „coś” się dzieje? Nie wiem jak o tym rozmawiać. I nie wiem jak. Dlatego milczę. Słucham, co masz do powiedzenia. To o wiele bardziej interesujące. I bardziej edukacyjne. Chociaż bardzo rzadkie.

Szczerze mówiąc, nie wiem, ile kroków trzeba wykonać, aby uzyskać dobry portret.
Kąt, tło, emocja, moment... Obecnie literatury, lekcji, przykładów „jak to robić, żeby było dobrze”, jest obecnie całkiem sporo. Jest ich naprawdę dużo. To era cyfrowa. Absolutnie każdą wiedzę można uzyskać w domenie publicznej. I zastosuj je. I zdobądź coś. Tak naprawdę nie trzeba wiele, żeby zostać artystą. Ktoś powiedział, że aby to zrobić, musisz albo zrobić to samo, co wszyscy, albo przekonać innych, że jesteś artystą poprzez swoją pracę. Pierwszy sposób jest niezwykle prosty. I dostępne. Wszyscy. To drugie jest całkowicie nieznane. I dokąd to prowadzi – nikt nie wie. Loteria. Czy jesteś szczęśliwy?

Najbardziej oczywistym przykładem są artyści Arbatu. Ile razy przechodziłem obok nich i obserwowałem – wszyscy wiedzą, jak rysować. Niektóre są lepsze, inne trochę gorsze. Ale każdy może to zrobić. Mają wykształcenie akademickie. Umieszczone ręcznie. Mocny i niewzruszony.

Prawdziwy artysta musi przełamać te fundamenty. Uczył się, ale uczy się na nowo. Ja. Jak chce. I nie przejmuj się zasadami. A potem jest nadzieja. A czasem arcydzieło. Ale to później.

W swoich pracach nie zastanawiam się nad niczym.
Wydaje mi się, że sztuce celowo podniesiono ją do rangi czegoś magicznego. Wyglądałoby to jak czarny kwadrat. No tak, kwadrat. A ja bym narysował taki. A potem patrzysz - tak, to nie jest całkiem kwadratowe. Proporcje nie są geometrycznie dokładne. Hmm... I myślisz. Znowu na niego patrzysz. Ale w zupełnie inny sposób, nie jak kwadrat, ale jak sakrament. Co tam ukrywasz? Zapamiętujesz, analizujesz, porównujesz... Spójrz jeszcze raz. Pewno! Wszystko jest bardzo proste. Powiem ci. W tajemnicy. Oscar Wilde mi o tym powiedział. A dokładniej nic nie powiedział, zostawił notatkę. I nie tylko to zostawiłem – ukryłem to. I znalazłem to. Zatem: „Życie w znacznie większym stopniu naśladuje sztukę niż sztuka naśladuje życie”.
To wszystko.

Co mnie kieruje w mojej pracy?
Mam kilka zasad, których się trzymam. Co zaskakujące, wielkie Apple również je zna i niezmiennie je stosuje! To prawda, w Cupertino. A ja jestem tutaj, obok ciebie.

Oto więc:
"Rób to co kochasz." Trzymanie się tego bez względu na wszystko wymaga dużej odwagi.
„Wstrząśnij umysłem”. Kreatywność to proces łączenia rzeczy w całość. Szeroki wachlarz doświadczeń poszerza rozumienie ludzkiego doświadczenia.
„Powiedz nie tysiącu rzeczy”. Prostota jest najtrudniejszą rzeczą.
Czy znasz ludzi, którzy realizują swoją pasję? Czy masz hobby i zainteresowania poza pracą? Jak wysoko stawiasz sobie cel? Wydaje się, że pytania są proste, ale dają tak wiele odpowiedzi.
Powodzenia!

Jak odróżnić dobre zdjęcie od złego? Miałem to samo pytanie. I to jest słuszne. Powinno być. Celem fotografii i samego fotografowania jest znalezienie odpowiedzi. A to jest nieskończenie ważne! To jedna z rzeczy, które kocham w fotografii. Nic na świecie nie da dokładniejszej odpowiedzi niż sam proces wyszukiwania. Prostota jest najtrudniejszą rzeczą. Pamiętać? Kiedy przeanalizujesz tysiąc opcji, z wielu będziesz musiał zrezygnować. Jeśli masz tylko jedną opcję, będziesz się jej trzymać. Ale jest mało prawdopodobne, że będzie to dokładnie to, czego szukasz.

Wróćmy do pytania. Przerywa mi Aleksiej Brodowicz... No cóż, oddajmy mu głos. „Przeglądaj tysiące zdjęć i zapisuj je w pamięci. Jeśli później zobaczysz w wizjerze coś, co przypomni Ci fotografie, które widziałeś, nie rób tego”.
Dziękuję.

Nie należę do tych fotografów, którzy z góry wymyślają temat, a potem zaczynają nad nim pracować. NIE. U mnie jest odwrotnie – najpierw pracuję, potem strzelam. Odkładam to. zbieram. Powoli to zbieram. A potem siadam i zaczynam myśleć o tym materiale. I wszystko układa się samo. Oczywiście nie następuje to natychmiast. To wymaga czasu. Jedna myśl ustępuje drugiej, jedno stwierdzenie zamienia się w drugie. To bardzo ważne – sposób, w jaki wyobrażałeś sobie swoją pracę na początku podróży, powinien się radykalnie zmienić na końcu. Uzyskaj zupełnie inny wektor rozwoju. Ostatecznie powinieneś dojść do zupełnie innego rezultatu. Bezwiednie. Intuicyjnie. Bardzo trudno jest poruszać się za pomocą dotyku. Ale to jest najbardziej intrygujące - na pewno do czegoś dojdziesz. To, jak do tego dojdziesz, będzie w dużej mierze zależeć od tego, co zobaczyłeś po drodze. To jak konserwowanie słoików z ogórkami – nigdy nie wiadomo, czy któryś z nich nie eksploduje.

Bardzo się cieszę, gdy dziewczyny przychodzą w dobrym lub złym humorze. W pierwszym przypadku pod koniec strzelaniny zmieni się to dla nich radykalnie, w drugim powiedzą, kto im to zrujnował. Nie oznacza to, że celowo chcę zrujnować ich doświadczenia. Zupełnie nie. Ważne jest dla mnie przepracowanie całego spektrum kobiecej kondycji i wyciągnięcie tego, które jest najbardziej charakterystyczne w konkretnym przypadku.

Najciekawsze w tym wszystkim jest to, że nie ma żadnego schematu. Nie ma jednego idealnego wzoru dla każdej dziewczyny! Każda dziewczyna wymaga innego podejścia. Sztuczka, która pozwoliła ci zrobić świetne zdjęcie ostatnim razem, tym razem nie zadziała. Musimy na nowo opracować taktykę. Zapomnij o wszystkim, czego używałeś wcześniej i poszukaj czegoś nowego. Tylko tam możesz coś odkryć i nie powtarzać tego. I to jest główne zadanie artysty.

Apetyt pojawia się wraz z jedzeniem.
Zasada ta dotyczy także fotografii. Poważnie. Nie wymyślam niczego z góry. Dokładnie do pierwszego wyzwolenia migawki nie wiem, jak będę fotografował. Ale zaraz po zrobieniu pierwszej klatki ważne jest, aby nie tłumić swojej wyobraźni i inspiracji. Trzeba kierować się intuicją i instynktem. Strzelaj dotykiem, zmieniaj lokalizację (jeśli to możliwe), podążaj za głosem serca, ono powie Ci, gdzie się poruszać.

Jednocześnie ważne jest, aby nie stać się niewolnikiem wzorca, bo w takim momencie jesteś jak dziecko pionier, które nie wie, dokąd iść, a zdeterminowany model może przejąć Twoją inicjatywę. Przyjmuj to, co daje, ale przetwarzaj to na swój własny sposób. Przestudiuj swój model, zwróć uwagę na plastyczność, emocje i kondycję. I nie zapomnij dać jej wskazówek. Skieruj jej myśli w pożądanym kierunku.

Niewątpliwie artysta powinien wszystko przeanalizować.
I to jest jedna z cech, które musisz w sobie wytrenować. A najlepsze jest to, że nie musisz kupować, pożyczać, zbierać ani budować niczego, aby to zrobić. Wszystko, co musisz zrobić, to usiąść i patrzeć. I stopniowo to, przez co tak uparcie mijamy każdego dnia, wyjdzie na jaw. Ale wokół nas jest tyle piękna.