Jakie urządzenia są używane w strojach baletowych? Kostium baletnicy. Pośladki elastyczne jak dwa melony

12 marca 1839 roku pojawiła się baletowa tutu. W tym stroju na paryskiej scenie pojawiła się Maria Taglioni, która wcieliła się w rolę Sylfidy w przedstawieniu o tym samym tytule. Tutu, czyli puszysta, wielowarstwowa spódnica, zrobiła furorę. Z biegiem czasu ten konkretny kostium stał się tradycyjny dla baletnic.

Jak ubierały się baletnice przed pojawieniem się tutu.

Balerina w umysłach każdej osoby z pewnością jest reprezentowana w tutu. Ten kostium sceniczny stał się integralną częścią baletu klasycznego. Jednak nie zawsze tak było. Współczesny wizerunek baletnicy, zanim ostatecznie się ukształtował, przeszedł wiele zmian i przeszedł długą drogę.

Wielu może się zdziwić, ale aż do drugiej połowy XIX wieku baletnice występowały na scenie po prostu w eleganckich strojach, niewiele różniących się od tych, w których przychodzili widzowie. Była to sukienka z gorsetem, trochę krótsza niż zwykle, dość obszerna. Baleriny zawsze występowały na obcasach. Udział baletnic został nieco ułatwiony przez nową modę na starożytność. Nawiasem mówiąc, w balecie zaczęto wykorzystywać tematy mitologiczne, na przykład „Kupid i Psyche”. Panie zaczęły nosić zwiewne, prześwitujące sukienki z wysokim stanem. Zostały nawet lekko zwilżone, aby materiał lepiej dopasowywał się do ciała. Nosili rajstopy pod sukienkami, a na nogach sandały. Jednak z biegiem czasu technika baletnic stała się bardziej skomplikowana i na scenę wymagane były lżejsze stroje. Najpierw primy porzuciły gorsety, potem skróciły spódnice, a sama sukienka zaczęła układać się jak druga skóra.

Kto wynalazł opakowanie?

Maria Taglione po raz pierwszy pojawiła się przed publicznością w baletowej tutu 12 marca 1839 roku. Tego dnia odbyła się premiera spektaklu Sylfida, w którym baletnica wcieliła się w główną rolę wróżki. Do takiej roli wymagany był odpowiedni strój. Wymyślił go dla swojej córki Filippo Taglioni. Według jednej wersji impulsem do stworzenia czegoś, co później stało się klasycznym strojem baletowym, była niezdarna sylwetka Marii. Aby ukryć wady, Taglioni wymyślił sukienkę, która nadała całemu wyglądowi bohaterki lekkości i wdzięku. Sukienka powstała według szkiców Eugene'a Lamy'ego. Następnie spódnicę wykonano z tiulu. To prawda, że ​​​​w tamtych czasach baletowa spódniczka tutu wcale nie była tak krótka jak teraz. Następna „transformacja” stada nastąpiła nieco później. Ale nawet tak skromny strój początkowo spotkał się z wrogością świata baletu. Tutu szczególnie nie przypadła do gustu baletnicom o niezbyt pięknych nogach. Ale zachwyt widzów i krytyków sztuki, którzy podziwiali zwiewność tancerzy, nie znał granic. Paczka odegrała w tym znaczącą rolę. Więc ten kostium przyjął się, a następnie stał się klasykiem.

Nawiasem mówiąc, istnieje legenda o Marii Taglioni. Kiedy przekraczała granicę z Rosją, celnicy zapytali, czy ma przy sobie biżuterię. Następnie baletnica podniosła spódnicę i pokazała nogi. Maria jako pierwsza zdecydowała się na pointy.

Maria Tiglioni w balecie „Zefir i Flora”. Tak wyglądała pierwsza paczka, teraz nazywa się „chopinka”

Jak stado zakorzeniło się w Rosji.

Rosja carska wyróżniała się konserwatyzmem i nie od razu zaakceptowała nowy produkt. Stało się to dopiero pół wieku później. Ale to w naszym kraju pakiet ponownie się zmienił. Innowatorem był Teatr Bolszoj prima Adeline Giuri na początku XX wieku. Kapryśnej osobie nie podobała się długa spódnica, w której musiała pozować fotografom. Balerina po prostu wzięła nożyczki i odciąła porządny kawałek rąbka. Od tamtej pory nastała moda na krótkie opakowania.

Jak jeszcze zmienił się pakiet?

Choć od początku XX wieku baletowa tutu nabrała kształtu i wyglądu, jaki znamy do dziś, zawsze z nią eksperymentowaliśmy. W przedstawieniach np. Mariusa Petipy baletnica mogła przebierać się w kostiumy w różnych stylach. W niektórych scenach występowała w zwyczajnej „cywilnej” sukience, a do partii solowych założyła tutu, by zademonstrować wszystkie swoje umiejętności i talent. Anna Pavlova wystąpiła w długiej i szerokiej spódnicy. W latach 30. i 40. na scenę powróciła baletowa tutu z XIX w. Dopiero teraz nazywano to inaczej - „shopenka”. A wszystko dlatego, że tak Michaił Fokin ubrał tancerzy w swojej Chopinianie. Inni reżyserzy w tym samym czasie używali krótkiej i puszystej tutu. A od lat 60. po prostu zmienił się w płaski okrąg. Opakowanie jest ozdobione czym się da: cyrkoniami, szklanymi koralikami, piórami, kamieniami szlachetnymi.

Z czego wykonane są paczki?

Tutu baletowe uszyte są z lekkiej prześwitującej tkaniny - tiulu. Najpierw projektanci tworzą szkic. Oczywiście brane są pod uwagę cechy sylwetki każdej baletnicy, dlatego każda tancerka ma swój własny szkic sukni. Szerokość tutu zależy od wzrostu baletnicy. Jego promień wynosi średnio 48 cm, a następnie szwaczki zabierają się do pracy. Jest to żmudna praca, ponieważ rzemieślnicy muszą ułożyć fałdy tkaniny w określony sposób. W jednym opakowaniu mieści się ponad 11 metrów tiulu. Wyprodukowanie jednego opakowania zajmuje około dwóch tygodni. Przy całej różnorodności modeli obowiązują ścisłe zasady szycia. Na przykład tutu nigdy nie jest wszyty za pomocą zamków błyskawicznych lub guzików, które mogłyby spaść podczas występu. Jako elementy złączne używane są tylko haczyki, ale w ścisłej kolejności, a raczej w szachownicę. Czasami, jeśli produkcja jest szczególnie złożona, tutu są szyte tancerce ręcznie przed wyjściem na scenę.

Jakie są rodzaje pakietów?

Pakiet ma wiele nazw. Jeśli więc usłyszysz gdzieś słowa „tunika” lub „tutu”, wiedz, że mają na myśli tę samą paczkę. Zastanówmy się teraz, jakie są rodzaje paczek.

Klasyczna tutu to spódnica w kształcie naleśnika. Nawiasem mówiąc, soliści są bezpośrednio zaangażowani w tworzenie swojego kostiumu. Mogą wybrać kształt tutu, które może być równoległe do podłogi lub z lekko obniżoną spódnicą.

Szyję także „chopinkę”, czyli długą spódnicę, z tiulu. Ten kształt spódnicy jest bardzo dobry do tworzenia mitycznych postaci lub stworzeń nieożywionych. Zaletą tej stylizacji jest to, że ukrywa niedostatecznie umięśnione kolana i inne niedoskonałości, ale zwraca uwagę na stopy.

Kolejnym rodzajem stroju, który nie wychodzi z baletu, jest tunika. Jego spódnica jest jednowarstwowa, często uszyta z szyfonu. W tej sukience pełniona jest rola Julii.

Próba generalna baletu „Oniegin” Johna Cranko

Dlaczego tutu są potrzebne podczas prób?

Na próby występów baletowych tutu są szyte osobno. Łatwiej je założyć i zdjąć niż te, które baleriny noszą na scenie. W ten sposób można zszyć ze sobą wszystkie części kostiumu scenicznego, natomiast do prób nie jest potrzebny stanik, a jedynie spódnica z majtkami. Ponadto tutu próbne nie mają tak wielu warstw. Tutu jest absolutnie niezbędne na próbie. W końcu tancerze muszą natychmiast zobaczyć, gdzie tutu będzie przeszkadzać, gdzie może się podjechać lub zostać dotknięta przez partnera. A reżyser będzie mógł kształtować schemat tańca.

Gdzie używa się tutu baletowego?

Tutu stało się tak ugruntowane, że jest używane nie tylko na scenie baletowej. To prawda, że ​​​​poza nim tutu jest używane do występów komiksowych artystów popowych, a nawet w cyrku.

Kostium w balecie jest jednym z ważnych elementów konstrukcji spektaklu, spełniającym wymogi zarówno określonej treści ideowo-figuratywnej, jak i specyfiki sztuki choreograficznej. Rola kostiumu w balecie jest ważniejsza niż w dramacie czy operze, gdyż balet pozbawiony jest tekstu werbalnego, a jego strona rozrywkowa niesie ze sobą większe obciążenie. Podobnie jak w innych rodzajach teatru, kostium w balecie charakteryzuje bohaterów i ujawnia ich cechy historyczne, społeczne, narodowe i indywidualne. Jednocześnie musi spełniać wymogi taneczności, czyli być lekki i wygodny do tańca, nie zasłaniać, ale odsłaniać budowę ciała, nie krępować ruchów, ale je wspomagać i podkreślać. Wymogi figuratywno-charakterystycznej konkretności i taneczności często są ze sobą sprzeczne. Zarówno nadmierna „codzienność”, jak i schematyczne zubożenie kostiumu baletowego to skrajności, które w niektórych przypadkach można uzasadnić jedynie specyficzną treścią i gatunkiem konkretnego dzieła. Umiejętność artysty w balecie polega na przezwyciężaniu tych sprzeczności i skrajności, na osiągnięciu organicznej jedności obrazowości i taneczności.
Kostium baletowy, będący strojem bohaterów, jest jednocześnie elementem holistycznego rozwiązania artystycznego spektaklu, który stawia przed nami zadanie jego kolorystycznej koordynacji ze scenografią, „wpasowania” go w jeden obraz wizualny . Kostium jest najbardziej „ruchomym” elementem oprawy wizualnej baletu. Potrafi zatem wprowadzić do niego element dynamiczny, wypełnić go rytmami odpowiadającymi rytmom muzyki. W tym sensie kostium jest jak ogniwo łączące w syntezie sztuki pięknej i muzyki w przedstawieniu baletowym.
Kostiumy głównych bohaterów są zwykle bardziej zindywidualizowane niż kostiumy corps de ballet. Ujednolicenie kostiumów corps de ballet raczej podkreśla jego emocjonalność niż ją przedstawia. znaczenie odpowiada jedności i ogólności kompozycji tanecznych. Różnica w kolorze, a czasem w kształcie kostiumów często ujawnia kontrast między różnymi grupami corps de ballet w tańcu masowym lub w skomplikowanych polifonicznych kompozycjach choreograficznych (na przykład w scenie procesji w „Legendzie miłości” w choreografii Yu. N. Grigorowicz, art. S. B. Virsaladze). W przypadkach, gdy corps de ballet przedstawia prawdziwie różnorodny tłum, jego kostiumy można również zindywidualizować (na przykład tłum w I akcie Don Kichota, projekt A. A. Gorsky, grafika K. A. Korovin , 1900). Kostiumy głównych bohaterów są zwykle spójne krojem i kolorystyką ze strojami corps de ballet i łączone z nimi zgodnie z zasadą jedności lub kontrastu, w zależności od konkretnej treści figuratywnej tańca.
Kostium w balecie zmieniał się historycznie w związku z ewolucją samej sztuki choreograficznej. Na pierwszych etapach rozwoju prawie nie różnił się od codziennego ubioru dworskiego środowiska arystokratycznego. W przedstawieniach barokowych kostium był szczególnie bujny i często ciężki. W okresie klasycyzmu pojawiła się stylizowana antyczna tunika (chiton), a stroje ludowe zaczęły przenikać do baletów komediowych. Reformator teatru baletowego w końcu J. J. Nover. 18 wiek dokonał dużych zmian w kostiumie, zmniejszając jego wagę, upraszczając buty i skracając damskie sukienki. Jednak radykalna reforma stroju baletowego, która doprowadziła do powstania jego nowoczesnych podstaw, nastąpiła w sztuce romantyzmu (La Sylphide, 1832, Giselle według F. Taglioni i in.). Zamiast codziennej spódnicy zaczęto używać długiej tuniki (nie mylić z tuniką antyczną!), która stała się poprzedniczką tutu; buty na wysokim obcasie zastąpiono specjalnymi baletkami, które umożliwiły taniec na pointach. Kontrast pomiędzy światem realnym a fantastycznym został podkreślony kostiumami. Uogólniony wyidealizowany charakter kompozycji tańca symfonicznego znalazł wyraz w jedności kostiumów corps de ballet. W przedstawieniach A. Saint-Leona i M. I. Petipy romantyczna tunika przekształciła się w tutu, która później stawała się coraz krótsza.
Rosyjscy artyści wnieśli znaczący wkład w rozwój kostiumu. XX wiek Dla L. S. Baksta sam pomysł kostiumu narodził się w związku z ruchem choreograficznym; w jego szkicach kostiumy ukazane są w ostrych, często przerysowanych ruchach tancerzy. Kostiumy K. A. Korovina wyróżniają się bogactwem kolorystycznym i malowniczą jednością ze scenografią. Subtelne wyczucie epoki i indywidualność postaci, charakterystyczne dla A. N. Benois, znalazły odzwierciedlenie w jego kostiumach. Kostiumy N.K. Roericha oddają żywiołową moc i prymitywną egzotykę jego bohaterów. Artyści „Świata Sztuki” często absolutyzowali barwne znaczenie kostiumu i interpretowali go jako czysto malowniczy punkt w ogólnym obrazie, czasami ignorując lub nawet wypierając tancerza (np. B. I. Anisfeld). Ale jednocześnie niezwykle wzbogaciły artystyczną ekspresję i obrazowość kostiumu baletowego.
W balecie radzieckim styl kostiumów powstały w latach dwudziestych XX wieku. F. F. Fedorovsky i A. Ya Golovin był po części bliski malarskim tradycjom „Świata Sztuki”. W tym samym czasie przedstawiciele tańca swobodnego (zwolennicy A. Duncana) wskrzesili starożytną tunikę (tunikę). W eksperymentach K. Ya Goleizovsky'ego tancerze wykonywali swoje numery w rajstopach, „trykotach”, które odsłaniały ciało, ale kostium został zredukowany do munduru baletowego. Strój domowy kultywował Studio Baletu Dramatycznego N. S. Greminy. Cechy konstruktywizmu znalazły odzwierciedlenie w szkicach A. A. Extera, w „Tańcach maszyn” N. M. Forregera, we wprowadzeniu do baletów o nowoczesności mundurów przemysłowych („Bolt” projektu T. G. Bruni i in.). W dramacie baletowym lat 30-50. artyści dążyli do maksymalnej specyfikacji stroju historycznego, społecznego, codziennego, zbliżając go do kostiumów dramatycznych. teatr („Utracone iluzje” Asafiewa, proj. V.V. Dmitriev, 1936 itd.). W tych latach ogromne znaczenie miało tworzenie przedstawień scenicznych. opcje dla ludzi kostiumy, ze względu na powszechne wykorzystanie zespołów ludowych. tańce, narodowy zespoły baletowe i popularne sceny w przedstawieniach baletowych („Płomienie Paryża”, 1932 i „Dni partyzanckie” Asafiewa, 1937, proj. Dmitriew; „Serce gór”, 1938 i „Laurencia”, 1939, proj. S. , B Virsaladze, itp.). W przeciwieństwie do trendów w życiu codziennym kostium baletowy, charakterystyczny dla tego okresu, od końca. lata 50 Cechy abstrakcji i schematyzmu, monotonii i monotonii zaczęły pojawiać się w baletach w baletach, zwłaszcza w przedstawieniach baletów pozbawionych fabuły w baletach symfonicznych. muzyka.
Wybitnym projektantem kostiumów jest S. B. Virsaladze. Jego dzieła (zwłaszcza w przedstawieniach inscenizowanych przez Yu. N. Grigorowicza) charakteryzują się organiczną jednością figuratywnej charakterystyki i taneczności. Artystka nigdy nie wyczerpuje kostiumu, nie zamienia go w czysty uniform i abstrakcyjny schemat. Jego kostium zawsze odzwierciedla figuratywne cechy bohatera, a jednocześnie jest pomyślany w ruchu, tworzony w jedności z koncepcją i pracą choreografa. Virsaladze ubiera nie tyle postacie, co taniec. Jego kostiumy wyróżniają się wysokim, często wyrafinowanym gustem. Ich krój i kolor odsłaniają i podkreślają ruchy taneczne. Kostiumy w spektaklach Virsaladze prezentowane są w specyficznym systemie, odpowiadającym specyfice choreografii. Kolorystycznie skorelowane są z scenerią, rozwijając ich temat malarski, uzupełniając je nowymi barwnymi akcentami i dynamizując w zgodzie z tańcem i muzyką. Twórczość Virsaladze charakteryzuje się swoistym „malowniczym symfonizmem”, kreowanym w dużej mierze przez system kostiumów baletowych.
Współczesny teatr baletowy charakteryzuje się różnorodnością artystycznych projektów kostiumów. Realizuje całe historyczne doświadczenie rozwoju kostiumu, podporządkowując je specjalnym zadaniom artystycznym konkretnego przedstawienia.

Tradycyjny strój baletnicy to spódnica o specjalnym kroju – tutu. Z biegiem czasu, gdy rozwój baletu przenosił się z jednej epoki do drugiej, zmieniały się także poglądy na temat strojów baletowych. Spódnice baletowe zyskały uznanie nie tylko po to, by podkreślić figurę tancerki, ale także po to, by kreować jej wizerunek i ułatwiać jej występ. Spódnice damskie miały różnorodne kształty i były dekorowane w niepowtarzalny sposób. Tutu to płaska, cienka tiulowa spódnica osadzona poziomo w talii tancerki. Które, jakby wznoszące się od podmuchu wiatru, zamarzły w różnych formach - „talerze”, „dzwonki” i wiele innych. Historycznie rzecz biorąc, zmiany w stroju baletowym w naturalny sposób zmierzały w stronę minimalizacji form. Tutu wywodzi się z damskich spódnic w stylu empire, sięgających poniżej kolan, zwanych „dzwonkami”. A „dzwonek” to z kolei skrócona wersja romantycznej tuniki – długa spódnica aż po palce. Te delikatne kostiumy należą do świata duchów, jeepów, duchów w „La Sylphide”, „Giselle”, „Serenade”, a od początku XX wieku, od czasów „Chopiniana”, przezroczystej tuniki w kolokwializmie baletowym nazwano „Chopinem”. W Covent Garden korpus baletu łabędzi z Jeziora Łabędziego nadal nosi srebrne, wydłużone tutu; trudno je nazwać tutu, ale bardzo przypominają te przedstawione na zachowanych rycinach. W przeciwieństwie do przyjętego w naszej tradycji białego tutu, „unoszącego się” jak na powierzchni jeziora. Tutu łabędzi, a także nakrycie głowy z piór (w slangu baletowym „słuchawki”) wynalazł ten sam Ponomarev, odnotowany przez prasę angielską, z którego dzieł można poznać epokę końca XIX wieku i którego kostium W Bibliotece Teatralnej w Petersburgu zachowały się szkice do wielu przedstawień.O ile w czasach Anny Pawłowej tutu były długie i puszyste, to stawały się coraz krótsze, a później dłuższe, ale cieńsze. W tej transformacji nietrudno prześledzić modę baletową każdej epoki, która z kolei odzwierciedlała „wysoką modę”. Początek stulecia to styl nowoczesny, hedonistyczny i wyrafinowany, dlatego tutu są bogato zdobione prawdziwymi piórami lub szlachetnymi kamieniami. Kostiumy Pavlovej zaprojektował trendsetter mody Lev Bakst, on szył dla niej także ubrania codzienne. Doświadczenie rosyjsko-europejskiej awangardy przeszło przez naszą baletową (ale bynajmniej nie teatralną) modę - dopiero w przedsięwzięciu Diagilewa znalazły się przykłady konstruktywizmu (lud-drapacze chmur w „Paradzie” Picassa) i suprematyzmu (monochromia rytuału Natalii Gonczarowej ubrania w „Les Noces” znalezione w kostiumach) ), wpływy mody Chanel (w sportowych kostiumach plażowych z The Blue Express). A jednak czasami sztuka kostiumów baletowych osiągała wyżyny konstruktywizmu (najbardziej uderzającym przykładem jest „Bolt” Tatiany Bruni, ale smutny los przedstawienia poważnie zadecydował o losach projektu artystycznego).

Utylitarne, uproszczone paczki z wczesnych lat sowieckich wyglądały dość ascetycznie – zwiewna falista linia nie powinna budzić mieszczańskich skojarzeń. Lata 50. i 60. - lata „nowej fali” w sztuce europejskiej zbiegły się z pierwszymi zagranicznymi tournée po naszych udekorowanych teatrach i przyniosły modę na uniwersalną mini: baletnice w wąskich tutu pojawiały się w baletowych pałacach i marzeniach. W latach 70. i 80. ich szerokość wzrosła, ale jakoś odbarwiły się przez brak stylu - jakby odbicie lat nudnego spokoju, a jednocześnie „stagnacji” i „podziemia”, sztuki oficjalnej. Zdarzają się przypadki, gdy kostiumy „zrujnowały” balet i odwrotnie, lakoniczna odzież nigdy nie odstraszy wysokiej jakości choreografii. I tak w połowie XX wieku w modzie baletowej weszły trykoty i rajstopy – nie tylko uniwersalny strój do prób dla tancerzy, ale także charakterystyczny kostium sceniczny szkoły Balanchine. Czarny trykot stał się synonimem jego „czarnych” baletów („Agon”, „Cztery temperamenty”, „Symfonia w trzech częściach”); Balanchine miała również płaskie tutu o niewyobrażalnych konturach pod gastronomiczną nazwą „talerze”, nawiązującą do krzywizn kapeluszy z szerokim rondem z „Symfonii Dalekiego Zachodu”. Po trasie koncertowej trupy Balanchine z New York City Ballet w ZSRR zaczęli inaczej patrzeć na balet, a nawet zaczęli inaczej się ubierać na zajęcia: wcześniej kobiety ćwiczyły w tunikach z gazy, a mężczyźni w cokolwiek musieli. Dokładniej, pierwszym krokiem w tym kierunku były wizyty w Moskwie Baletu Królewskiego i Opery Paryskiej pod koniec lat pięćdziesiątych. W tym czasie w Leningradzie właśnie rozkwitł „Kamienny kwiat” Jurija Grigorowicza: żadnych tradycyjnych kostiumów - Simon Virsaladze wciągnął Mistrzynię Miedzianej Góry w cętkowany kombinezon. Potem była „Legenda miłości”, po której na długi czas ugruntowała się moda na obcisłe trykoty baletowe, niczym druga skóra.

Tymczasem tutu nadal zajmują miejsce królowej w państwie baletu klasycznego. Do niedawna istniały strukturalne różnice w ich kroju w Moskwie i Petersburgu: na poziomie kształtów spódnic, konturów, liczby falbanek i stylizacji. Ważne, że stada łabędzi w Petersburgu-Leningradzie od niepamiętnych czasów różniły się od Nereid w Śpiącej królewnie czy cieni w Bajaderze.

Ale, jak czas pokazuje, nie tylko moda się zmienia, ponieważ na przedstawienia Bolszoj zaczęły wracać kostiumy o różnych krojach. A tutu w kształcie otwartych pąków w „Korsarzu”, ostatniej dużej premierze teatru, nawiązującej do czasów cesarskich, mówią o teatrze tyle samo, co o całym kraju.

Od momentu powstania aż do połowy XIX wieku taniec baletowy wykonywano w butach na wysokich obcasach i długich spódnicach. W takim stroju trudno było wykonać wiele elementów, zwłaszcza że balet był stale udoskonalany i zyskiwał nowe pozycje i ruchy. W tym czasie pojawiły się pointy, znane w całym świecie baletu. Pointy to specjalny rodzaj buta, który mocuje się do stopy za pomocą taśm, a nosek wzmocniony jest sztywnym kopytem. Słowo pointe shoe pochodzi od francuskiego „tip”. Francuskie baletnice mogły pochwalić się tym, że umiały stanąć na palcach i wykonać skomplikowane elementy. Aby ułatwić taki taniec, zaczęto stosować pointy, które zabezpieczały nogę i pozwalały baletnicy zachować równowagę. Aby jednak zacząć ćwiczyć na pointach, trzeba było długo trenować. Przecież te baletki, tak jak ułatwiają pracę profesjonalnej tancerce, tak i niedoświadczonej tancerce mogą zaszkodzić.

W szkołach baletowych dziewczęta przez kilka lat uczyły się elementów tańca klasycznego, zanim pozwolono im nosić pointy. Umiejętności taneczne i elastyczność ciała przyczyniły się do mistrzostwa baletnicy w poruszaniu się na pointach. Pomimo całego profesjonalizmu baletnicy, przed występem na pointach lub zajęciami należy dobrze rozgrzać stopy i buty. Jeśli baletnica zlekceważy tę zasadę, jej taniec może zakończyć się poważnymi obrażeniami. Aby tańczyć na pointach trzeba mocno popracować nad wzmocnieniem palców u nóg.

Nowoczesne pointy wykonane są z satynowego materiału, najczęściej pointy zamawiane są u mistrza dla konkretnej baletnicy. Jest to konieczne, aby bezpiecznie przymocowały stopę. W czubku baletki umieszczony jest zagęszczony materiał, a wstążki przechwytują stopę w kostce. projekt kolekcji modeli baletowych

Taniec na pointach wyróżnia się szczególnym wdziękiem i wirtuozerią wykonania.

Słusznie uważany jest za najwyższy poziom sztuki choreograficznej, w której taniec zamienia się w muzyczny występ sceniczny. Ten rodzaj sztuki powstał w XV-XVI wieku, znacznie później niż taniec. Początkowo była to sztuka dworska, arystokratyczna. Taniec jest głównym środkiem wyrazu w balecie, ale nie bez znaczenia jest podstawa dramaturgiczna, scenografia oraz praca projektantów kostiumów i oświetlenia.

Balet klasyczny to taniec narracyjny, w którym tancerze zawsze opowiadają historię poprzez taniec. Klasyczny balet wieloaktowy tradycyjnie poświęcony jest mitom, baśniom i wątkom historycznym. Produkcje gatunkowe mogą mieć charakter bohaterski, komiksowy, folklorystyczny.

Pochodzenie nazwy to albo łacińskie ballo - „taniec”, albo francuskie balleto, które ma to samo znaczenie.

Balet odnosi się zarówno do spektaklu tanecznego, jak i do rodzaju sztuki teatralno-muzycznej, w której za pomocą plastyczności i choreografii tworzone są wyraziste obrazy artystyczne.

Teatralizacja tańca rozpoczęła się we Włoszech w XV wieku, kiedy mistrzowie tańca zaczęli tworzyć tańce dworskie i towarzyskie w oparciu o tańce ludowe.

Pierwszy balet

Pierwsze przedstawienie baletowe, łączące taniec, muzykę, pantomimę i mowę, wystawiono we Francji na dworze Katarzyny Medycejskiej pod koniec XVI wieku. Nazywało się „Circe i nimfy” i zostało wystawione przez Baltazariniego di Belgioioso, wspaniałego choreografa i skrzypka, który przybył z Włoch ze swoją orkiestrą skrzypków.

Było to przedstawienie o antycznej fabule, które zapoczątkowało rozwój francuskiego baletu dworskiego. Przerywniki, pastorałki, maskarady i zabawy taneczne szybko stały się głównym punktem uroczystości dworskich.

Główne kanony baletu opracowane przez Pierre'a Beauchampa

Każdy taniec w zasadzie rządzi się pewnymi zasadami, a taniec stał się baletem, gdy choreograf Pierre Beauchamp opisał kanony szlachetnego tańca.

Beauchamp podzielił ruchy tancerza na grupy – skoki, przysiady, różne pozycje ciała i rotacje. Ten rodzaj sztuki tańca opierał się na zasadzie wywrócenia nóg, dzięki czemu ciało mogło poruszać się w różnych kierunkach. Powyższe ruchy wykonano w oparciu o trzy pozycje ramion i pięć pozycji nóg.

Rozwój baletu

Od tego momentu rozpoczął się rozwój baletu, który w XVIII wieku stał się samodzielną sztuką.

Rozwój szkół baletowych rozpoczyna się w całej Europie, docierając do Rosji, gdzie w 1738 roku w Petersburgu powstał Rosyjski Balet Cesarski.

Pierwsi tancerze nie mieli łatwo – nosili bardzo skomplikowane kostiumy, a ciężkie spódnice utrudniały im ruchy. Ale stopniowo kostium się zmienił - baletki straciły obcasy, ubrania baletnic stały się lekkie i przewiewne.

Choreografowie uczyli tancerzy wyrażania emocji za pomocą gestów i mimiki, wątki mitologiczne zastąpiono opowieściami o odległych krajach, historiami miłosnymi i baśniami. W tej formie balet klasyczny przetrwał do dziś jako jedna z najpiękniejszych form sztuki tańca.

Wdzięk sztuki baletowej zawsze porusza duszę zarówno dorosłych, jak i dzieci. Dziewczyny są gotowe spędzać godziny na oglądaniu najpiękniejszych strojów z uroczymi spódniczkami tutu i topami haftowanymi koralikami lub kryształkami. A jeśli dziecko nie tańczy baletu, ale marzy o przymierzeniu podobnego stroju, dlaczego nie sprawić przyjemności swojej córeczce i nie zamienić jej w baletnicę na imprezie sylwestrowej? Co więcej, stworzenie takiego obrazu wcale nie jest trudne i kosztowne.

Strój baletnicy sprawdzi się nie tylko na sylwestrowych uroczystościach. Można go bez problemu założyć na przyjęcie urodzinowe lub po prostu do zabawy. Dlatego nie należy odkładać jego stworzenia na później i uważać, że teraz nie jest na to odpowiedni czas. Poniższy opis ułatwi zrozumienie sekwencji prac, która z pewnością zaowocuje zachwycającym kostiumem baletnicy.

Szczegóły obrazu

Aby nie zapomnieć o żadnym szczególe, należy od razu określić, które elementy obrazu muszą być obecne w garniturze. Najlepiej zrobić zdjęcie jako przykład lub samodzielnie naszkicować pożądany strój. Kostium baletnicy musi mieć także piękny top lub obcisły T-shirt z długim rękawem. Możesz wziąć gotowego golfa z gardłem. Będziesz także potrzebować skarpetek. Pointy z łatwością zastąpią buty lub kapcie, do których można przyczepić kawałki satynowych wstążek, które należy owinąć wokół goleni. Jeśli na górę założymy T-shirt z cienkimi ramiączkami, białe rękawiczki będą doskonale uzupełniać garnitur. W długie włosy można wplecić sztuczne kwiaty, a do krótkiej fryzury nadają się spinki do włosów lub opaska z piękną dekoracją.

Kolor garnituru

Kostium baletnicy dla dzieci można wykonać w absolutnie dowolnym kolorze. Kluczowy szczegół, taki jak tutu, sprawi, że wygląd będzie natychmiast rozpoznawalny, niezależnie od tego, czy jest w kolorze białym, czarnym, czy w jakimkolwiek innym odcieniu tęczy. Tutaj lepiej skonsultować się z małą fashionistką i dać jej możliwość udziału w tworzeniu jej wizerunku.

Robienie spódnicy

Głównym pytaniem podczas tworzenia jest uszycie tutu. To właśnie ten element ubioru w większości przypadków powoduje trudności. Jednak proces tworzenia spódnicy tutu jest skomplikowany tylko na pierwszy rzut oka. Istnieje kilka opcji tworzenia tego przedmiotu, z których jedna w ogóle nie wymaga umiejętności szycia. Do pracy potrzebna będzie gruba gumka dopasowująca się do talii dziecka oraz trzy metry tiulu pociętego na paski o szerokości 10-15 cm i długości 60 lub 80 cm, w zależności od tego, jaką spódnicę potrzebujemy. Cały proces polega na wiązaniu pasków materiału gumką w pętelkę blisko siebie. Bardzo ważne jest, aby tiul był dobrze wyprasowany, ponieważ gotowy produkt jest dość trudny do uporządkowania, jeśli tkanina jest pomarszczona.

Warto również rozważyć opcję uszycia tutu za pomocą maszyny do szycia. Wszystko tutaj jest również dość proste. Trzy paski tiulu o szerokości równej długości spódnicy + 3 cm i długości 4,5-6 metrów są składane wzdłuż odcinków, ścieg układa się w odległości 1 cm od krawędzi, a następnie z tyłu szew spódnicy jest zaszyty, a u góry wykonany jest sznurek na gumkę, wsuwający przeszyty brzeg materiału do środka. Następnie pozostaje już tylko wciągnąć mocną gumkę w sznurek. To wszystko, pakiet jest gotowy!

Tworzenie góry

Jeśli w szafie dziecka nie ma odpowiedniego T-shirta, można go uszyć z dzianiny. Aby to zrobić, będziesz potrzebować paska materiału o szerokości równej pomiarowi od ramienia i tuż poniżej talii oraz długości mierzonej w talii dziecka. Tkaninę składa się na pół, rysuje dekolt i podkroje pach, nadmiar odcina, a następnie obrabia szwy na ramionach i bokach. Jeśli używasz supplexu do pracy, sekcje można po prostu pozostawić otwarte. Nie kruszą się i nie padają strzałami. W przypadku tkanin bawełnianych można je obwiązać gumką. Jak widać z opisu, uszycie góry na kostium baletnicy własnymi rękami nie jest bardzo trudne, cały proces zajmie nie więcej niż 20 minut.

Robienie rękawiczek

Rękawiczki najlepiej szyć z supplexu lub oleju. Bawełna nie sprawdzi się w tym celu. Oczywiście kostium baletnicy, w którym top i rękawiczki są wykonane z tego samego materiału, będzie wyglądał bardziej harmonijnie. Nie jest jednak konieczne użycie identycznego płótna. Dodatkowo rękawiczki można uszyć z dzianiny gipiurowej, która będzie wyglądać bardzo delikatnie i romantycznie.

Tak więc, aby uszyć rękawiczki, należy wyciąć pasek materiału o pożądanej długości i szerokości nadgarstka dziecka + 1 cm, a wzdłuż jednego brzegu paska (góra rękawicy) należy wszyć gumkę. Następnie obrabiany przedmiot jest składany na długich odcinkach i odcinany jest mały róg u dołu rękawicy, tak aby zachodził na dłoń. Na kolanach wszyta jest pętelka z satynowej wstążki na palec. I na koniec zamknij szew rękawicy.

Elementy dekoracyjne

Kostium baletnicy dla dziewczynki musi być ozdobiony różnymi kwiatami, kamieniami, dżetów lub cekinami. To właśnie te elementy dodadzą szyku i blasku tworzonemu obrazowi. Kostiumu baletnicy nie można haftować deszczem. Jednocześnie spraw, aby sam strój był zielony, jakby baletnica odgrywała rolę choinki, lub pozostaw obraz śnieżnobiały, kojarząc go z miękkimi puszystymi płatkami śniegu.

Idealną opcją do stworzenia tutu jest tiul. Ale ma wiele odmian. Istnieją płótna z błyszczącą powłoką, w małe pętelkowe kropki, a nawet ze wzorem. Wyróżnia się także twardością. Zbyt gęsty tiul dobrze trzyma swój kształt i można go zastosować jako jedną z warstw haftowanej tutu, aby uzyskać bardziej obszerny kształt.

Nie można pominąć także takiego materiału jak koronka z organzy. Dość często jest haftowany cekinami i wygląda bardzo nietypowo. Można go łączyć z twardym i miękkim tiulem i stworzyć oryginalną spódnicę. Jednak przy tak bogatym wystroju tutu góra powinna pozostać matowa i monochromatyczna. Kostium baletnicy na Nowy Rok może być wykonany z delikatnego tiulu w kształcie płatka śniegu w połączeniu ze spokojnym topem. Lub zrób paczkę pasków materiału i przyklej na wierzch kawałki świecidełka.

Kostium baletnicy dla dziewczynki może być tematyczny. Co stoi na przeszkodzie, aby stworzyć np. postać z „Jeziora Łabędziego”? Piękna tutu z przyklejonym łabędzim puchem i odpowiednio zaprojektowaną opaską - i strój uroczego łabędzia gotowy.

Opcje tworzenia paczki

Oczywiście tiul jest bardzo łatwy w obróbce, ale są inne godne materiały, na które warto zwrócić uwagę. Kostium karnawałowy „Ballerina” będzie doskonale komponował się z tutu wykonaną z szyfonu lub wspomnianej już organzy. Technika kroju i szycia takiej spódnicy jest nieco inna i wymaga pewnych umiejętności.

Do stworzenia takiego produktu potrzebny będzie szablon na spódnicę przeciwsłoneczną, cienka regelina do wykończenia rąbka oraz gumka w pasie. Ilość materiału obliczana jest na podstawie ilości warstw spódnicy. Aby produkt wyglądał pięknie, muszą być co najmniej trzy warstwy.

Proces tworzenia polega na wycięciu trzech lub więcej kółek z głównego materiału według szablonu, ozdobieniu talii gumką, połączeniu wszystkich warstw, a następnie obróbce ich wzdłuż zewnętrznego brzegu regelinem i taśmą ukośniczą, naciągnięciu tkanina tworząca fale. Ta oryginalna spódnica świetnie sprawdzi się w połączeniu z satynowym topem, kwiatami z organzy, kamieniami i cyrkoniami.

Dodatkowe akcesoria

Dość często do strojów baletnic wszyte są małe spódniczki na ramiona, które są noszone na przedramieniu. I trzeba przyznać, że takie elementy wyglądają całkiem interesująco. Do uszycia takiego dodatku potrzebny będzie pasek głównego materiału, z którego wykonana jest tutu, o długości około 50 cm i szerokości nie większej niż 7 cm, wszyty jest wzdłuż mniejszego kroju, jeden brzeg jest przerobiony na obrót do góry lub za pomocą taśmy ukośnej, a na drugim wykonany jest sznurek do ściągania gumki.

Aby obraz był bardziej realistyczny, nie można obejść się bez pointów lub ich imitacji. Wspomnieliśmy już o butach czy kapciach i wstążkach satynowych, problem jednak w tym, że jeśli dziecko będzie się dużo ruszało, cała szelki wokół nogawki po prostu spadnie. Można zatem zastosować mały trik: wziąć podkolanówki, założyć je na nogę dziecka, owinąć wstążką i zawiązać piękną kokardkę, a następnie małymi oczkami ostrożnie przyszyć wstążkę do skarpetek. Dzięki tak bezpiecznemu dopasowaniu możesz tańczyć godzinami.

Kolejnym ciekawym dodatkiem, który zwykle noszą baletnice, jest kwiatek na nadgarstku. Możesz wybrać odpowiedni rozmiar róży lub lilii w salonie ślubnym, nawet z wisiorkami z łabędzim puchem i koralikami, i przyszyć ją do zwykłej białej gumki do włosów. Możesz ozdobić włosy podobnym kwiatem.