Malarstwo artystów włoskich 18. Wielcy artyści włoscy. Artyści wysokiego renesansu

Włochy to kraj, który od zawsze słynął z artystów. Wielcy mistrzowie, którzy niegdyś mieszkali we Włoszech, gloryfikowali sztukę na całym świecie. Z całą pewnością możemy powiedzieć, że gdyby nie włoscy artyści, rzeźbiarze i architekci, dzisiejszy świat wyglądałby zupełnie inaczej. Jest on oczywiście uważany za najważniejszy w sztuce włoskiej. Włochy w okresie renesansu lub renesansu osiągnęły niespotykany dotąd wzrost i dobrobyt. Utalentowani artyści, rzeźbiarze, wynalazcy, prawdziwi geniusze, którzy pojawili się w tamtych czasach, są nadal znani każdemu uczniowi. Ich sztuka, kreatywność, pomysły i osiągnięcia są dziś uważane za klasykę, rdzeń, na którym zbudowana jest światowa sztuka i kultura.

Jednym z najsłynniejszych geniuszy włoskiego renesansu jest oczywiście ten wielki Leonardo da Vinci(1452-1519). Da Vinci był tak utalentowany, że osiągnął wielkie sukcesy w wielu dziedzinach, w tym w sztukach pięknych i nauce. Kolejnym znanym artystą, który jest uznanym mistrzem jest Sandro Botticellego(1445-1510). Obrazy Botticellego są prawdziwym darem dla ludzkości. Dziś wiele z nich znajduje się w najsłynniejszych muzeach świata i jest naprawdę bezcennych. Nie mniej sławny niż Leonardo da Vinci i Botticelli Rafał Santi(1483-1520), który żył 38 lat i w tym czasie udało mu się stworzyć całą warstwę oszałamiającego malarstwa, który stał się jednym z uderzających przykładów wczesnego renesansu. Bez wątpienia kolejnym wielkim geniuszem włoskiego renesansu jest Michał Anioł Buonarotti(1475-1564). Oprócz malarstwa Michał Anioł zajmował się rzeźbą, architekturą i poezją, osiągając świetne wyniki w tego typu sztukach. Posąg Michała Anioła zwany „Dawidem” uważany jest za niezrównane arcydzieło, przykład najwyższego osiągnięcia sztuki rzeźbiarskiej.

Oprócz wymienionych artystów, największymi artystami renesansowych Włoch byli tacy mistrzowie jak Antonello da Messina, Giovanni Bellini, Giorgione, Tycjan, Paolo Veronese, Jacopo Tintoretto, Domenico Fetti, Bernardo Strozzi, Giovanni Battista Tiepolo, Francesco Guardi i inni. Wszystkie były znakomitymi przykładami wspaniałej szkoły malarstwa weneckiego. Do florenckiej szkoły malarstwa włoskiego należą: Masaccio, Andrea del Verrocchio, Paolo Uccello, Andrea del Castagno, Benozzo Gozzoli, Sandro Botticelli, Fra Angelico, Filippo Lippi, Piero di Cosimo, Leonardo da Vinci, Michelangelo, Fra Bartolommeo, Andrei del Sarto.

Aby wymienić wszystkich artystów, którzy pracowali w okresie renesansu, a także w późnym renesansie i wieki później, którzy zasłynęli na całym świecie i gloryfikowali sztukę malarstwa, opracowali podstawowe zasady i prawa leżące u podstaw wszystkich typów i gatunków malarstwa sztuki piękne, Być może napisanie tego zajmie kilka tomów, ale ta lista wystarczy, aby zrozumieć, że wielcy włoscy artyści to właśnie sztuka, którą znamy, którą kochamy i którą będziemy cenić na zawsze!

Obrazy wielkich włoskich artystów

Andrea Mantegna – Fresk w Camera degli Sposi

Giorgione – Trzej Filozofowie

Leonardo da Vinci – Mona Lisa

W Państwowym Ermitażu wraz z Muzeami Miejskimi w Pawii odbywa się największa retrospektywa malarstwa włoskiego XIX wieku, obejmująca ponad siedemdziesiąt dzieł

Państwowe Muzeum Ermitażu, 19 listopada 2011 r. - 22 stycznia 2012 r
Sala Herbowa Pałacu Zimowego

W ramach Roku Włoch w Rosji i Rosji we Włoszech wystawa „Malarstwo włoskie XIX wieku. Od neoklasycyzmu do symboliki”, zorganizowanej przez Państwowe Muzeum Ermitażu wspólnie z Muzeami Miejskimi w Pawii. Wystawa jest największą retrospektywą malarstwa włoskiego ubiegłego stulecia i obejmuje ponad siedemdziesiąt dzieł, z których połowa pochodzi z kolekcji XIX-wiecznej Galerii Obrazów Muzeów Miejskich w Pawii. Ponadto na wystawie znajdują się prace z Galerii Sztuki Nowoczesnej we Florencji, Mediolanie, Turynie i Genui. Znaczenie wystawy trudno przecenić, gdyż omawiany okres jest praktycznie nieznany rosyjskiej publiczności (w kolekcji Ermitażu znajduje się nieco ponad sześćdziesiąt obrazów włoskich artystów Ottocento).

Na przykładzie najlepszych przykładów malarstwa XIX-wiecznego wystawa ukazuje całą gamę stylów i kierunków, w jakich pracowali włoscy artyści: klasycyzm, romantyzm, historyzm, Macchiaioli, symbolika.

Główne cechy włoskiego klasycyzmu zostały określone w twórczości Antonio Canovy. Lombardzka artystka Andrea Appiani sięgnęła po typ wysublimowanych idyllicznych obrazów o tematyce mitologicznej, czego przykładem jest obraz „Juno ubrana w łaski”. Ten sam starożytny kanon wysublimowanej harmonii znajduje się w obrazach „Paryż” i „Hebe” Gaspare Landi. Heroiczną gałąź neoklasycyzmu reprezentuje popularny obraz „Śmierć Cezara” Vincenzo Camucciniego.

Odwoływanie się do epizodów i bohaterów historii narodowej, głównie opisanych już w literaturze, jest charakterystyczne dla większości malarstwa XIX wieku, począwszy od romantyzmu. Głównym artystą tego kierunku jest Francesco Hayez. W obrazie „Pojednanie Ottona II z matką Adelajdą z Burgundii” odtworzył znaczące, ale mało znane wydarzenie z historii średniowiecznej Włoch. W „Wenus bawiącej się gołębiami” wcielił się w postać słynnej baletnicy Carlotty Chabert, w „Sekretnym potępieniu” pokazał Wenecję, piękną i okrutną.

Artyści romantyczni chętnie przedstawiali postacie wybitne, zbuntowanych bohaterów w chwilach chwały lub upadku. Przykłady takich dzieł: „Galileusz przed Trybunałem Inkwizycji” Christiano Bantiego, „Krzysztof Kolumb o powrocie z Ameryki (Krzysztof Kolumb w łańcuchach)” Lorenzo Delleani, „Lord Byron na greckich brzegach” Giacomo Trecura.

Romantycy odradzają zainteresowanie „młodszymi” gatunkami malarstwa – przedstawiającymi wnętrza budynków i widoki miast (ołów). Na płótnie „Kościół Santa Maria della Salute w Wenecji” Ippolito Caffi eksperymentuje z percepcją wzrokową i efektami świetlnymi.

Poszukiwania romantyzmu kontynuowali w latach 60. XIX wieku toskańscy macchiaioli: Giovanni Fattori, Silvestro Lega, Telemaco Signorini, Giuseppe Abbati, Odorado Borrani, Vincenzo Cabianca. Artyści zaproponowali styl stylistyczny, zastępując tradycyjne światłocienie kontrastowym zestawieniem plam („macchia”). Wykorzystując nową technikę, macchiaioli prezentowały sceny rodzajowe z życia codziennego: „Śpiewający Stornello” i „Narzeczona, czyli panna młoda i pan młody” Silvestro Lega, „Rendezvous in the Woods” Telemaco Signoriniego. Pejzaż z obrazów „Rotunda Łaźni Palmieri” Giovanniego Fattori i „Widok Castiglioncello” Giuseppe Abbatiego jest interesujący, ponieważ artyści pracowali nad jego stworzeniem w plenerze.

Tendencje symboliczne wyraźnie wyraża tryptyk Giorgio Kinerki „Tajemnica człowieka”: artysta unika jednoznacznej charakterystyki bohaterów, preferując fascynację widza ezoteryczną symboliką i ogólną magnetyczną atmosferą.

W ostatnich dziesięcioleciach XIX wieku europejscy artyści eksperymentowali z nowymi środkami wyrazu. We Włoszech Angelo Morbelli rozwija technikę oddzielnych pociągnięć (dywizjonizm), czego przykładem jest obraz o tematyce społecznej „Za 80 centesimo!” Giuseppe Pelizza da Volpedo był także dywizjonistą, który w filmie „Round Dance” symbolicznie ucieleśniał ideały wysokiego humanizmu.

Wystawa „Malarstwo włoskie XIX wieku. Od neoklasycyzmu do symbolizmu” jest odpowiedzią na otwartą w marcu 2011 roku w Castello Visconteo dużą wystawę „Leonardeschi od Foppa do Giampetrino: obrazy z Ermitażu i Muzeów Miejskich w Pawii”, na którą złożyły się dwadzieścia dwa obrazy z kolekcji Ermitażu.

Kuratorem wystawy ze strony Państwowego Ermitażu jest Natalya Borisovna Demina, badaczka na Wydziale Zachodnioeuropejskich Sztuk Pięknych, a ze strony Muzeów Miejskich w Pawii – Suzanna Zatti, dyrektor Muzeów Miejskich w Pawii.

Z okazji otwarcia wystawy opublikowano katalog naukowy w języku rosyjskim i włoskim (wydawnictwo Skira, Mediolan – Genewa), zawierający artykuły Fernando Mazzocchiego, profesora Uniwersytetu w Mediolanie, Franceski Porreco, kuratorki Muzeów Miejskich w Pawii i Zuzanna Zatti.

Uwaga! Wszelkie materiały znajdujące się w serwisie oraz znajdująca się w serwisie baza danych wyników aukcji, w tym ilustrowane informacje referencyjne o dziełach sprzedanych na aukcjach, przeznaczone są do użytku wyłącznie zgodnie z art. 1274 Kodeksu cywilnego Federacji Rosyjskiej. Wykorzystywanie w celach komercyjnych lub z naruszeniem zasad określonych w Kodeksie cywilnym Federacji Rosyjskiej jest niedozwolone. Serwis nie ponosi odpowiedzialności za treść materiałów udostępnionych przez osoby trzecie. W przypadku naruszenia praw osób trzecich administracja serwisu zastrzega sobie prawo do usunięcia ich z serwisu oraz z bazy danych na żądanie uprawnionego organu.

• 31.01.2020 Cena wywoławcza każdego przedmiotu na tej aukcji nie zależy od jego oszacowania i wynosi dokładnie 100 dolarów
• 30.01.2020 Marron gromadzi swoją kolekcję od ponad 20 lat, składa się z 850 dzieł sztuki, wstępnie oszacowanych na 450 milionów dolarów
• 30.01.2020 W grudniu 2019 roku rzeźba w Muzeum Getty'ego zmieniła status na „dzieło nieznanego artysty”.
• 29.01.2020 Kurs musiał zostać odwołany po skargach, że nadmiernie skupiał się na europejskiej „historii białej sztuki” i badaniu artystów-mężczyzn
• 29.01.2020 Organizatorzy najpełniejszej retrospektywy twórczości Salvadora Dali oferują publiczności dwieście prac artysty oraz bogaty program edukacyjny

• 31.01.2020 Całkowite przychody wyniosły prawie 2,5 miliona rubli. Kupujący - od Moskwy po Magadan
• 24.01.2020 Pod młotek poszło ponad 50% partii katalogowych, kupcy od Permu po Mińsk
• 23.01.2020 Katalog zawiera trzydzieści partii: jedenaście obrazów, piętnaście arkuszy grafik oryginalnych i jedną drukowaną, jedną pracę mieszaną, jeden talerz porcelanowy i jeden album fotograficzny
• 20.01.2020 Katalog pierwszej aukcji Sztuk Pięknych i DPI w 2020 roku liczył 547 pozycji - obrazów i grafik, szkła, porcelany, ceramiki, srebra, emalii, biżuterii itp.
• 17.01.2020 Nieco mniej niż połowa wszystkich pozycji z katalogu trafiła w nowe ręce. Wśród nabywców są Moskwa, Odintsovo, Mińsk i Perm

• 31.01.2020 W historii tematu rozmowy coś może wydawać się naiwne, inne może znaleźć zastosowanie w praktyce uczestników rynku. Jedno jest pewne: w każdym zawodzie wiedza każdego człowieka sukcesu powinna opierać się na sukcesach i błędach jego poprzedników
• 03.12.2019 Kluczowe dane dla trzech głównych branż „rosyjskiego tygodnia” i trochę o tym, jak spełniły się nasze prognozy
• 03.12.2019 W tym roku Salon odbył się w nowym miejscu, w Gostinach Dworze, miesiąc później niż zwykle
• 28.11.2019 Wizyta w pracowni artysty to wydarzenie, które może potencjalnie odmienić życie zarówno właściciela pracowni, jak i jego gościa. Nie do końca spotkanie biznesowe, ale na pewno nie zwykła przyjacielska wizyta. Przestrzeganie kilku prostych zasad pomoże Ci uniknąć kłopotów w tej sytuacji.
• 26.11.2019 Już po raz czwarty, na namową Ogólnorosyjskiego Centrum Badań Naukowych imienia akademika I. E. Grabara, publikujemy fałszywą opinię ekspercką, rzekomo wydaną przez ekspertów Centrum. Bądź ostrożny!
• 17.12.2019 Wystawa, której otwarcie odbędzie się 19 grudnia w głównym budynku muzeum, przy ulicy Petrovka 25, jest próbą świeżego spojrzenia na bogatą kolekcję sztuki rosyjskiej muzeum: kuratorami projektu jest 20 znanych osobistości z różnych dziedzin zawodowych
• 12.12.2019 6 kwietnia 2020 roku mija 500 lat od śmierci jednego z najwybitniejszych artystów renesansu. Przed ważnymi wydarzeniami w przyszłym roku Berlińska Galeria Sztuki otwiera wystawę Madonn autorstwa Raphaela Santiego

Renesans (renesans). Włochy. XV-XVI wiek. Wczesny kapitalizm. Krajem rządzą bogaci bankierzy. Interesują się sztuką i nauką.

Bogaci i potężni gromadzą wokół siebie utalentowanych i mądrych. Poeci, filozofowie, artyści i rzeźbiarze codziennie prowadzą rozmowy ze swoimi patronami. W pewnym momencie wydawało się, że ludźmi rządzą mędrcy, tak jak chciał Platon.

Przypomnieliśmy sobie starożytnych Rzymian i Greków. Zbudowali także społeczeństwo wolnych obywateli, gdzie główną wartością są ludzie (nie licząc oczywiście niewolników).

Renesans to nie tylko kopiowanie sztuki starożytnych cywilizacji. To jest mieszanina. Mitologia i chrześcijaństwo. Realizm natury i szczerość obrazów. Piękno fizyczne i duchowe.

To był tylko błysk. Okres wysokiego renesansu trwa około 30 lat! Od 1490 do 1527 r Od początków rozkwitu twórczości Leonarda. Przed splądrowaniem Rzymu.

Miraż idealnego świata szybko zniknął. Włochy okazały się zbyt kruche. Wkrótce została zniewolona przez innego dyktatora.

Jednak te 30 lat zdeterminowało główne cechy malarstwa europejskiego na kolejne 500 lat! Aż do .

Realizm obrazu. Antropocentryzm (kiedy centrum świata jest Człowiek). Perspektywa liniowa. Farby olejne. Portret. Sceneria…

Niewiarygodne, że przez te 30 lat pracowało jednocześnie kilku znakomitych mistrzów. Innym razem rodzą się raz na 1000 lat.

Leonardo, Michał Anioł, Rafael i Tycjan to tytani renesansu. Nie sposób jednak nie wspomnieć o ich dwóch poprzednikach: Giotto i Masaccio. Bez którego nie byłoby renesansu.

1. Giotto (1267-1337)

Paolo Uccello. Giotto da Bondogni. Fragment obrazu „Pięć mistrzów renesansu florenckiego”. Początek XVI wieku. .

XIV wiek. Protorenesans. Jej głównym bohaterem jest Giotto. To mistrz, który w pojedynkę zrewolucjonizował sztukę. 200 lat przed wysokim renesansem. Gdyby nie on, era, z której ludzkość jest tak dumna, prawie nie nadeszłaby.

Przed Giottem były ikony i freski. Powstały według kanonów bizantyjskich. Twarze zamiast twarzy. Płaskie figury. Niezachowanie proporcji. Zamiast krajobrazu jest złote tło. Jak na przykład na tej ikonce.

Guido da Siena. Pokłon Trzech Króli. 1275-1280 Altenburg, Muzeum Lindenau, Niemcy.

I nagle pojawiają się freski Giotta. Mają obszerne figury. Twarze szlachetnych ludzi. Stary i młody. Smutny. Smutny. Zaskoczony. Różny.

Freski Giotta w kościele Scrovegni w Padwie (1302-1305). Po lewej: Opłakiwanie Chrystusa. Środek: Pocałunek Judasza (fragment). Po prawej: Zwiastowanie św. Anny (Matki Marii), fragment.

Głównym dziełem Giotta jest cykl jego fresków w kaplicy Scrovegnich w Padwie. Kiedy kościół ten został otwarty dla parafian, napływały do ​​niego tłumy ludzi. Nigdy czegoś takiego nie widzieli.

W końcu Giotto zrobił coś bezprecedensowego. Tłumaczył historie biblijne na prosty, zrozumiały język. I stały się znacznie bardziej dostępne dla zwykłych ludzi.

Giotto. Pokłon Trzech Króli. 1303-1305 Fresk w kaplicy Scrovegnich w Padwie we Włoszech.

To właśnie będzie charakterystyczne dla wielu mistrzów renesansu. Lakoniczne obrazy. Żywe emocje bohaterów. Realizm.

Więcej o freskach mistrza przeczytasz w artykule.

Giotto był podziwiany. Ale jego innowacja nie była dalej rozwijana. Moda na międzynarodowy gotyk dotarła do Włoch.

Dopiero po 100 latach pojawi się godny następca Giotta.

2. Masaccio (1401-1428)

Masaccio. Autoportret (fragment fresku „Św. Piotr na ambonie”). 1425-1427 Kaplica Brancacciego w kościele Santa Maria del Carmine we Florencji, Włochy.

Początek XV wieku. Tak zwany wczesny renesans. Na scenę wkracza kolejny innowator.

Masaccio był pierwszym artystą, który zastosował perspektywę linearną. Zaprojektował go jego przyjaciel, architekt Brunelleschi. Teraz świat przedstawiony stał się podobny do rzeczywistego. Architektura zabawek należy już do przeszłości.

Masaccio. Święty Piotr uzdrawia swoim cieniem. 1425-1427 Kaplica Brancacciego w kościele Santa Maria del Carmine we Florencji, Włochy.

Przyjął realizm Giotta. Jednak w przeciwieństwie do swojego poprzednika znał już dobrze anatomię.

Zamiast blokowych postaci Giotto ma pięknie zbudowanych ludzi. Podobnie jak starożytni Grecy.

Masaccio. Chrzest neofitów. 1426-1427 Kaplica Brancacci, kościół Santa Maria del Carmine we Florencji, Włochy.
Masaccio. Wypędzenie z raju. 1426-1427 Fresk w kaplicy Brancaccich, kościół Santa Maria del Carmine, Florencja, Włochy.

Masaccio żył krótko. Zmarł niespodziewanie, podobnie jak jego ojciec. W wieku 27 lat.

Miał jednak wielu naśladowców. Mistrzowie kolejnych pokoleń udali się do Kaplicy Brancacciego, aby uczyć się z jego fresków.

Tym samym innowację Masaccio przejęli wszyscy wielcy artyści wysokiego renesansu.

3. Leonardo da Vinci (1452-1519)

Leonardo da Vinci. Autoportret. 1512 Biblioteka Królewska w Turynie we Włoszech.

Leonardo da Vinci to jeden z tytanów renesansu. Miał ogromny wpływ na rozwój malarstwa.

To da Vinci podniósł rangę samego artysty. Dzięki niemu przedstawiciele tego zawodu nie są już tylko rzemieślnikami. Są to twórcy i arystokraci ducha.

Leonardo dokonał przełomu przede wszystkim w portrecie.

Uważał, że nic nie powinno odwracać uwagi od głównego obrazu. Wzrok nie powinien wędrować od jednego szczegółu do drugiego. Tak powstały jego słynne portrety. Lakoniczny. Harmonijny.

Leonardo da Vinci. Dama z gronostajem. 1489-1490 Muzeum Czertoryskiego w Krakowie.

Główną innowacją Leonarda jest to, że znalazł sposób na ożywienie obrazów.

Przed nim postacie na portretach wyglądały jak manekiny. Linie były jasne. Wszystkie szczegóły są starannie narysowane. Namalowany rysunek nie mógłby być żywy.

Leonardo wynalazł metodę sfumato. Zacieniował linie. Sprawił, że przejście od światła do cienia było bardzo miękkie. Jego bohaterowie zdają się być spojeni ledwie dostrzegalną mgłą. Postacie ożyły.

. 1503-1519 Luwr, Paryż.

Sfumato wejdzie do aktywnego słownika wszystkich wielkich artystów przyszłości.

Często pojawia się opinia, że ​​Leonardo był oczywiście geniuszem, ale nie wiedział, jak cokolwiek ukończyć. I często nie kończyłem obrazów. A wiele jego projektów pozostało na papierze (nawiasem mówiąc, w 24 tomach). I ogólnie został wrzucony albo do medycyny, albo do muzyki. Swego czasu interesowałem się nawet sztuką serwowania.

Jednak pomyśl samodzielnie. 19 obrazów - i jest największym artystą wszechczasów. A ktoś nawet wielkością się nie zbliża, a przecież namalował w życiu 6000 płócien. Wiadomo, kto ma większą skuteczność.

O najsłynniejszym obrazie mistrza przeczytacie w artykule.

4. Michał Anioł (1475-1564)

Daniele da Volterra. Michał Anioł (fragment). 1544 Metropolitan Museum of Art w Nowym Jorku.

Michał Anioł uważał się za rzeźbiarza. Ale był mistrzem uniwersalnym. Podobnie jak inni jego koledzy z renesansu. Dlatego jego malarskie dziedzictwo jest nie mniej imponujące.

Można go rozpoznać przede wszystkim po rozwiniętych fizycznie postaciach. Portretował człowieka doskonałego, w którym piękno fizyczne oznacza piękno duchowe.

Dlatego wszyscy jego bohaterowie są tak muskularni i odporni. Nawet kobiety i starcy.

Michał Anioł. Fragmenty fresku „Sąd Ostateczny” w Kaplicy Sykstyńskiej w Watykanie.

Michał Anioł często malował tę postać nago. A potem dodał ubrania na wierzch. Aby ciało było jak najbardziej wyrzeźbione.

Sam namalował sufit Kaplicy Sykstyńskiej. Chociaż jest to kilkaset liczb! Nie pozwalał nawet nikomu pocierać farby. Tak, był nietowarzyski. Miał twardy i kłótliwy charakter. Ale przede wszystkim był niezadowolony z... siebie.

Michał Anioł. Fragment fresku „Stworzenie Adama”. 1511 Kaplica Sykstyńska, Watykan.

Michał Anioł żył długo. Przetrwał upadek renesansu. Dla niego była to osobista tragedia. Jego późniejsze prace są pełne smutku i smutku.

Ogólnie rzecz biorąc, ścieżka twórcza Michała Anioła jest wyjątkowa. Jego wczesne prace są celebracją ludzkiego bohatera. Wolny i odważny. W najlepszych tradycjach starożytnej Grecji. Jak ma na imię Dawid?

W ostatnich latach życia są to obrazy tragiczne. Celowo grubo ciosany kamień. To tak, jakbyśmy patrzyli na pomniki ofiar faszyzmu XX wieku. Spójrz na jego Pietę.

Rzeźby Michała Anioła w Akademii Sztuk Pięknych we Florencji. Po lewej: Dawid. 1504 Po prawej: Pieta Palestriny. 1555

Jak to jest możliwe? Jeden artysta w jednym życiu przeszedł wszystkie etapy sztuki od renesansu po XX wiek. Co powinny zrobić kolejne pokolenia? Idź swoją drogą. Zdając sobie sprawę, że poprzeczka jest ustawiona bardzo wysoko.

5. Rafał (1483-1520)

. 1506 Galeria Uffizi, Florencja, Włochy.

Rafał nigdy nie został zapomniany. Jego geniusz był zawsze uznawany: zarówno za życia, jak i po śmierci.

Jego bohaterowie obdarzeni są zmysłowym, lirycznym pięknem. To jego słusznie uważa się za najpiękniejsze kobiece obrazy, jakie kiedykolwiek stworzono. Piękno zewnętrzne odzwierciedla także piękno duchowe bohaterek. Ich łagodność. Ich poświęcenie.

Rafał. . 1513 Galeria Starych Mistrzów, Drezno, Niemcy.

Fiodor Dostojewski wypowiedział słynne słowa „Piękno zbawi świat”. To był jego ulubiony obraz.

Zmysłowe obrazy to jednak nie jedyna mocna strona Raphaela. Bardzo dokładnie przemyślał kompozycję swoich obrazów. Był niedoścignionym architektem w malarstwie. Co więcej, zawsze znajdował najprostsze i najbardziej harmonijne rozwiązanie w organizacji przestrzeni. Wydaje się, że nie może być inaczej.

Rafał. Szkoła ateńska. 1509-1511 Fresk w strofach Pałacu Apostolskiego w Watykanie.

Rafał żył tylko 37 lat. Zmarł nagle. Przez przeziębienie i błąd medyczny. Ale jego dziedzictwo jest trudne do przecenienia. Wielu artystów było idolem tego mistrza. I pomnożyli jego zmysłowe obrazy na tysiącach swoich płócien..

Tycjan był niezrównanym kolorystą. Dużo eksperymentował także z kompozycją. Ogólnie rzecz biorąc, był odważnym innowatorem.

Wszyscy go kochali za błyskotliwość jego talentu. Nazywany „królem malarzy i malarzem królów”.

Mówiąc o Tycjanie, chcę po każdym zdaniu postawić wykrzyknik. Przecież to on wniósł dynamikę do malarstwa. Patos. Entuzjazm. Jasny kolor. Połysk kolorów.

Tycjanowski. Wniebowstąpienie Marii. 1515-1518 Kościół Santa Maria Gloriosi dei Frari w Wenecji.

Pod koniec życia rozwinął niezwykłą technikę pisania. Pociągnięcia są szybkie i gęste. Farbę nakładałam pędzlem lub palcami. Dzięki temu obrazy są jeszcze bardziej żywe i oddychające. Fabuła jest jeszcze bardziej dynamiczna i dramatyczna.

Tycjanowski. Tarquin i Lukrecja. 1571 Muzeum Fitzwilliama w Cambridge, Anglia.

Czy coś Ci to przypomina? Oczywiście, jest to technologia. A technika artystów XIX wieku: Barbizończyków i. Tycjan, podobnie jak Michał Anioł, w ciągu jednego życia przeżyłby 500 lat malarstwa. Dlatego jest geniuszem.

Przeczytaj o słynnym arcydziele mistrza w artykule.

Artyści renesansu są właścicielami wielkiej wiedzy. Aby pozostawić takie dziedzictwo, trzeba było się wiele nauczyć. W dziedzinie historii, astrologii, fizyki i tak dalej.

Dlatego każdy ich obraz skłania do refleksji. Dlaczego to jest przedstawione? Jaka jest tutaj zaszyfrowana wiadomość?

Prawie nigdy się nie mylili. Ponieważ dokładnie przemyśleli swoją przyszłą pracę. Wykorzystaliśmy całą naszą wiedzę.

Byli czymś więcej niż artystami. Byli filozofami. Wyjaśniali nam świat poprzez malarstwo.

Dlatego zawsze będą dla nas niezwykle interesujące.

W kontakcie z

MALARSTWO WŁOCH

We Włoszech, gdzie reakcja katolicka ostatecznie zatriumfowała w XVII wieku, sztuka barokowa ukształtowała się bardzo wcześnie, rozkwitła i stała się ruchem dominującym.

Malarstwo tego czasu charakteryzowało się spektakularnymi kompozycjami dekoracyjnymi, uroczystymi portretami przedstawiającymi arogancką szlachtę i damy o dumnej postawie, tonące w luksusowych strojach i biżuterii.

Zamiast linii preferowano malownicze miejsce, masę oraz kontrasty światła i cienia, za pomocą których stworzono formę. Barok naruszał zasady podziału przestrzeni na plany, zasady bezpośredniej perspektywy linearnej w celu uwypuklenia głębi, iluzji wchodzenia w nieskończoność.

Pochodzenie malarstwa barokowego we Włoszech wiąże się z twórczością braci Carracci, założycieli jednej z pierwszych szkół artystycznych we Włoszech - „Akademii kroczących właściwą ścieżką” (1585), tzw. Akademii Bolońskiej - warsztat, w którym według specjalnego programu kształcili się początkujący mistrzowie.

Annibale Carracci (1560-1609) był najbardziej utalentowanym z trzech braci Carracci. Jego twórczość jasno ukazuje założenia Akademii Bolońskiej, która za swoje główne zadanie postawiła odrodzenie sztuki monumentalnej i tradycji renesansu w okresie jej świetności, które współcześni Carracciemu czcili jako przykład nieosiągalnej doskonałości i swego rodzaju artystyczny „absolut” . Dlatego Carracci postrzega arcydzieła swoich wielkich poprzedników bardziej jako źródło, z którego można czerpać estetyczne rozwiązania znalezione przez tytanów renesansu, a nie jako punkt wyjścia do własnych poszukiwań twórczych. Plastycznie piękny ideał nie jest dla niego „najwyższym stopniem” realności, a jedynie obowiązującą normą artystyczną – sztuka zostaje zatem przeciwstawiona rzeczywistości, w której mistrz nie odnajduje nowego zasadniczego ideału. Stąd umowność i abstrakcyjność jego obrazów i rozwiązań obrazowych.

Jednocześnie sztuka braci Carracci i akademizm boloński okazała się niezwykle odpowiednia do oddania na służbę oficjalnej ideologii; nie bez powodu ich twórczość szybko zyskała uznanie w najwyższych sferach (państwowych i katolickich) .

Największym dziełem Annibale Carracciego w dziedzinie malarstwa monumentalnego jest obraz galerii Palazzo Farnese w Rzymie z freskami opowiadającymi o życiu bogów – oparty na scenach z „Metamorfoz” starożytnego rzymskiego poety Owidiusza (1597-1604) , sporządzone wspólnie z bratem i asystentami).

Obraz składa się z pojedynczych paneli, skłaniających się w stronę centralnej dużej kompozycji przedstawiającej „Triumf Bachusa i Ariadny”, która wprowadza element dynamiki do zespołu malarskiego. Nagie postacie męskie umieszczone pomiędzy tymi panelami imitują rzeźbę, będąc jednocześnie bohaterami obrazów. Rezultatem było imponujące dzieło na dużą skalę, spektakularne z wyglądu, ale niepołączone żadną znaczącą ideą, bez której monumentalne zespoły renesansu były nie do pomyślenia. W przyszłości te zasady ucieleśnione przez Carracciego - pragnienie dynamicznej kompozycji, iluzjonistycznych efektów i samowystarczalnej dekoracyjności - będą charakterystyczne dla całego malarstwa monumentalnego XVII wieku.

Annibale Carracci pragnie wypełnić motywy zaczerpnięte ze sztuki renesansu żywymi, nowoczesnymi treściami. Nawołuje do studiowania natury, w początkowym okresie swojej twórczości sięga nawet do malarstwa gatunkowego. Jednak z punktu widzenia mistrza sama natura jest zbyt szorstka i niedoskonała, dlatego na płótnie powinna sprawiać wrażenie już przemienionej, uszlachetnionej zgodnie z normami sztuki klasycznej. Dlatego też określone motywy życiowe mogłyby istnieć w kompozycji jedynie jako odrębny fragment, mający ożywić scenę. Na przykład w obrazie „Zjadacz fasoli” (lata 80. XVI w.) można wyczuć ironiczny stosunek artysty do tego, co się dzieje: podkreśla on duchową prymitywność chłopa zachłannie zjadającego fasolę; wizerunki postaci i przedmiotów zostały celowo uproszczone. W tym samym duchu utrzymane są inne obrazy gatunkowe młodego malarza: „Sklep mięsny”, „Autoportret z ojcem”, „Polowanie” (wszystkie z lat 80. XVI w.) - przym., ryc. 1.

Wiele obrazów Annibale'a Carracciego ma motywy religijne. Ale zimna doskonałość form pozostawia niewiele miejsca na manifestację uczuć. Tylko w nielicznych przypadkach artysta tworzy dzieła innego rodzaju. To jest Opłakiwanie Chrystusa (ok. 1605). Biblia opowiada, jak święci czciciele Chrystusa przyszli oddać pokłon przy jego grobie, ale zastali go pustym. Od anioła siedzącego na krawędzi sarkofagu dowiedzieli się o Jego cudownym zmartwychwstaniu i byli szczęśliwi i zszokowani tym cudem. Jednak obrazy i emocje starożytnego tekstu nie znajdują większego oddźwięku u Carracciego; mógł jedynie skontrastować jasne, powiewne szaty anioła z masywnymi i statycznymi postaciami kobiet. Kolorystyka obrazu również jest dość zwyczajna, ale jednocześnie wyróżnia się siłą i intensywnością.

Szczególną grupę stanowią jego prace o tematyce mitologicznej, które odzwierciedlały jego pasję do mistrzów szkoły weneckiej. W tych obrazach, wychwalających radość miłości, piękno nagiego kobiecego ciała, Annibale objawia się jako wspaniały kolorysta, żywy i poetycki artysta.

Do najlepszych dzieł Annibale'a Carracciego należą jego prace pejzażowe. Carracci i jego uczniowie stworzyli, w oparciu o tradycje krajobrazu weneckiego z XVI wieku, rodzaj tzw. Krajobrazu klasycznego, czyli heroicznego. Artysta przekształcił także naturę w sztucznie wysublimowanego ducha, jednak bez zewnętrznego patosu. Jego twórczość zapoczątkowała jeden z najbardziej owocnych nurtów w rozwoju malarstwa pejzażowego tej epoki („Ucieczka do Egiptu”, ok. 1603), który następnie znalazł swoją kontynuację i rozwój w twórczości mistrzów kolejnych pokoleń, w konkretnie Poussin.

Michał Anioł Caravaggio (1573-1610). Najwybitniejszym malarzem włoskim tego okresu był Michelangelo Caravaggio, którego można uznać za jednego z największych mistrzów XVII wieku.

Imię artysty pochodzi od nazwy miasta w północnych Włoszech, w którym się urodził. Od jedenastego roku życia pracował już jako uczeń u jednego z mediolańskich malarzy, a w 1590 roku wyjechał do Rzymu, który pod koniec XVII wieku stał się artystycznym centrum całej Europy. To tutaj Caravaggio osiągnął swój największy sukces i sławę.

W przeciwieństwie do większości swoich współczesnych, dla których dostrzegał jedynie mniej lub bardziej znany zestaw wartości estetycznych, Caravaggio zdołał porzucić tradycje przeszłości i stworzyć własny, głęboko indywidualny styl. Częściowo wynikało to z jego negatywnej reakcji na ówczesne klisze artystyczne.

Nie będąc nigdy związanym z konkretną uczelnią artystyczną, w swoich wczesnych pracach kontrastował indywidualną ekspresję modela, proste motywy życia codziennego z idealizacją obrazów i alegoryczną interpretacją fabuły charakterystyczną dla sztuki manieryzmu i akademizmu („Chory Bachus ”, „Młody człowiek z koszem owoców”, oba - 1593).

Choć na pierwszy rzut oka może się wydawać, że odszedł od kanonów artystycznych renesansu, w dodatku je obalił, w rzeczywistości patos jego sztuki realistycznej był ich wewnętrzną kontynuacją, która położyła podwaliny pod realizm XVII wieku. Świadczą o tym wyraźnie jego własne wypowiedzi. „Każdy obraz, niezależnie od tego, co przedstawia i bez względu na to, kto został namalowany” – argumentował Caravaggio, „nie jest dobry, jeśli wszystkie jego części nie są wykonane z życia; Nie ma nic lepszego od tego mentora”. Ta wypowiedź Caravaggia, z charakterystyczną dla niego bezpośredniością i kategorycznością, zawiera w sobie cały program jego sztuki.

Artysta wniósł wielki wkład w rozwój gatunku codziennego („Rounders”, 1596; „Chłopiec ugryziony przez jaszczurkę”, 1594). Bohaterami większości dzieł Caravaggia są ludzie z ludu. Znajdował je w pstrokatym tłumie ulic, w tanich tawernach i na hałaśliwych placach miejskich i przyprowadzał do swojej pracowni jako modele, preferując właśnie tę metodę pracy od studiowania starożytnych posągów - świadczy o tym pierwszy biograf artysty D. Bellori. Jego ulubionymi postaciami są żołnierze, gracze w karty, wróżki, muzycy („Wróżka”, „Lutnista” (oba 1596); „Muzycy”, 1593) - przym., ryc. 2. To oni „zamieszkują” gatunkowe obrazy Caravaggia, w których ugruntowuje on nie tylko prawo do istnienia, ale także artystyczne znaczenie prywatnego motywu życia codziennego. Jeśli we wczesnych pracach malarstwo Caravaggia, przy całej swojej plastyczności i merytorycznej przekonywalności, było jeszcze nieco szorstkie, to później pozbywa się tego mankamentu. Dojrzałe dzieła artysty to płótna monumentalne o wyjątkowej sile dramatycznej („Powołanie apostoła Mateusza” i „Męczeństwo apostoła Mateusza” (oba 1599-1600), „Złożenie do grobu”, „Śmierć Marii” (oba ok. 1605 r.). -1606 )). Dzieła te, choć bliskie stylistycznie wczesnym scenom rodzajowym, przepełnione są już szczególnym wewnętrznym dramatem.

Styl malarstwa Caravaggia w tym okresie opierał się na potężnych kontrastach światła i cienia, wyrazistej prostocie gestów, energicznym rzeźbieniu brył, bogactwie kolorów - technikach tworzących napięcie emocjonalne, podkreślających ostrą afektację uczuć. Zwykle artysta przedstawia kilka postaci, ujętych w zbliżeniu, blisko widza i pomalowanych z całą plastycznością, materialnością i widoczną autentycznością. W jego twórczości coraz większą rolę zaczyna odgrywać otoczenie, codzienne wnętrza i martwa natura. Tak np. w obrazie „Powołanie Mateusza” mistrz pokazuje pojawienie się wzniosłości i duchowości w świecie „niskiej” codzienności.

Fabuła dzieła oparta jest na ewangelicznej historii o tym, jak Chrystus powołał celnika Mateusza, pogardzanego przez wszystkich celnika, aby stał się jego uczniem i naśladowcą. Bohaterowie ukazani są siedzący przy stole w niewygodnym, pustym pokoju, a postacie ukazane są w naturalnej wielkości, ubrane w nowoczesne kostiumy. Niespodziewane wejście Chrystusa i apostoła Piotra do sali wywołuje u zgromadzonych różnorodne reakcje – od zdumienia po nieufność. Strumień światła wpadający z góry do ciemnego pomieszczenia rytmicznie porządkuje to, co się dzieje, podkreślając i łącząc jego główne elementy (twarz Mateusza, dłoń i profil Chrystusa). Wyrywając postacie z ciemności i ostro zestawiając jasne światło z głębokim cieniem, malarz daje poczucie wewnętrznego napięcia i dramatycznego uniesienia. W scenie dominują elementy uczuć i ludzkich namiętności. Aby stworzyć emocjonalną atmosferę, Caravaggio po mistrzowsku wykorzystuje bogatą kolorystykę. Niestety, surowy realizm Caravaggia nie był zrozumiany przez wielu współczesnych mu zwolenników „sztuki wysokiej”. Przecież nawet tworząc dzieła o tematyce mitologicznej i religijnej (najsłynniejszym z nich jest „Odpoczynek w czasie ucieczki do Egiptu”, 1597), niezmiennie pozostawał wierny realistycznym zasadom swojego codziennego malarstwa, dlatego nawet najbardziej tradycyjna biblijna badani otrzymali zupełnie inną intymną interpretację psychologiczną, odmienną od tradycyjnej. A odwołanie się do natury, którą uczynił bezpośrednim przedmiotem przedstawienia swoich dzieł, oraz prawdziwość jej interpretacji spowodowały liczne ataki na artystę ze strony duchowieństwa i urzędników.

Niemniej jednak wśród artystów XVII wieku nie było chyba nikogo znaczącego, kto w taki czy inny sposób nie doświadczyłby potężnego wpływu sztuki Caravaggia. Co prawda większość naśladowców mistrza, zwanych karawagistami, pilnie kopiowała jedynie jego techniki zewnętrzne, a przede wszystkim jego słynne kontrastujące światłocień, intensywność i materialność malarstwa.

Peter Paul Rubens, Diego Velazquez, Jusepe de Ribera, Rembrandt van Rijn, Georges de La Tour i wielu innych znanych artystów przeszło etap fascynacji karawagizmem. Nie sposób sobie wyobrazić dalszego rozwoju realizmu w XVII wieku bez rewolucji, jaką w malarstwie europejskim dokonał Michelangelo Caravaggio.

Aleksandra Magnasco (1667-1749). Jego twórczość związana jest z ruchem romantycznym w sztuce włoskiej XVII wieku.

Przyszły artysta urodził się w Genui. Naukę pobierał najpierw u ojca, a po jego śmierci w Mediolanie u jednego z tamtejszych mistrzów, który nauczył go technicznych technik malarstwa weneckiego i sztuki portretu. Następnie Magnasco przez wiele lat pracował w Mediolanie, Genui, Florencji i dopiero u schyłku życia, w 1735 roku, ostatecznie wrócił do rodzinnego miasta.

Ten utalentowany, choć niezwykle kontrowersyjny artysta był obdarzony niezwykle bystrą osobowością. Twórczość Magnasco wymyka się wszelkim klasyfikacjom: czasem głęboko religijna, czasem bluźniercza; w swoich pracach ukazywał się albo jako zwykły dekorator, albo jako malarz o drżącej duszy. Jego twórczość przepojona jest podwyższoną emocjonalnością, na granicy mistycyzmu i egzaltacji.

Charakter wczesnych prac artysty, powstałych w czasie pobytu w Mediolanie, wyznaczały tradycje malarstwa genueńskiego, skłaniające się ku pastoralizmowi. Ale już takie jego dzieła jak kilka „Bachanaliów”, „Odpoczynek bandytów” (wszystkie z 1710 r.) – przedstawiające niespokojne postacie ludzkie na tle majestatycznych starożytnych ruin – niosą ze sobą zupełnie inny ładunek emocjonalny niż pogodne pastorałki jego poprzedników. Wykonane są w ciemnej kolorystyce, z wzburzonymi, dynamicznymi kreskami, wskazującymi na postrzeganie świata w aspekcie dramatycznym (dod. ryc. 3).

Uwagę artysty przykuwa wszystko, co niezwykłe – sceny z trybunałów Inkwizycji, tortury, które mógł obserwować w Mediolanie pod panowaniem hiszpańskim („Izba Tortur”), kazanie w synagodze („Synagoga”, koniec 1710-1720), koczownictwo życie Cyganów („Posiłek cygański”) itp.

Ulubionymi tematami Magnasco są różne epizody z życia klasztornego („Pogrzeb mnicha”, „Posiłek zakonnic”, oba z lat dwudziestych XVIII w.), cele pustelników i alchemików, ruiny budynków oraz nocne krajobrazy z postaciami Cyganów, żebraków, wędrownych muzyków itp. Całkiem realne Bohaterowie jego dzieł - bandyci, rybacy, pustelnicy, Cyganie, komicy, żołnierze, praczki (Pejzaż z praczkami, lata 20. XVIII w.) - działają w fantastycznym otoczeniu. Ukazani są na tle ponurych ruin, szalejącego morza, dzikiego lasu i surowych wąwozów. Magnasco maluje ich postacie jako przesadnie wydłużone, jakby wijące się i będące w ciągłym, ciągłym ruchu; ich wydłużone, zakrzywione sylwetki podporządkowane są nerwowemu rytmowi pociągnięć pędzla. Obrazy przesiąknięte są tragicznym poczuciem znikomości człowieka wobec ślepych sił natury i surowości rzeczywistości społecznej.

Tą samą niepokojącą dynamiką charakteryzują się jego szkice pejzażowe, z podkreśloną podmiotowością i emocjonalnością, spychające na dalszy plan przeniesienie realnych obrazów natury („Pejzaż morski”, lata 30. XVIII w.; „Krajobraz górski”, lata 20. XVIII w.). W niektórych późniejszych pracach mistrza zauważalny jest wpływ pejzaży włoskiego Salvatore Rosy i rycin francuskiego artysty manierystycznego Jacques’a Callota. Ten trudny do rozróżnienia aspekt rzeczywistości i dziwacznego świata wykreowanego wyobraźnią artysty, który dotkliwie odczuwał dziejące się wokół niego tragiczne i radosne wydarzenia otaczającej go rzeczywistości, będzie zawsze obecny w jego pracach, nadając im charakter przypowieści lub sceny codziennej.

Ekspresyjny styl malarstwa Magnasco w pewnym sensie antycypował twórcze poszukiwania XVIII-wiecznych artystów. Maluje płynnymi, szybkimi pociągnięciami, stosując niespokojny światłocień, wywołując niespokojne efekty świetlne, co nadaje jego obrazom celową szkicowość, a czasem wręcz dekoracyjność. Jednocześnie kolorystyka jego dzieł pozbawiona jest kolorowej wielobarwności, mistrz zazwyczaj ogranicza się do ponurej szarobrązowej lub zielonkawej palety, choć na swój sposób dość wyrafinowanej i wyrafinowanej. Uznany za życia i zapomniany przez potomków ten wyjątkowy artysta, odzyskał popularność dopiero na początku XX wieku, kiedy uchodził za prekursora impresjonizmu, a nawet ekspresjonizmu.

Giuseppe Maria Crespi (1665-1747) pochodzący z Bolonii, swoją karierę malarską rozpoczynał od pilnego kopiowania obrazów i fresków znanych mistrzów, w tym swoich rodaków braci Carracci. Później podróżował po północnych Włoszech, zapoznając się z twórczością mistrzów wysokiego renesansu, głównie weneckich (Tycjana i Veronesa).

Do początków XVIII wieku. Crespi jest już dość znany zwłaszcza ze swoich obrazów ołtarzowych. Ale głównym dziełem wczesnego okresu jego twórczości jest monumentalne malowanie abażurów Palazzo hrabiego Pepoli (1691-1692) w Bolonii, którego mitologiczne postacie (bogowie, bohaterowie, nimfy) w jego interpretacji wyglądają niezwykle ziemsko, ożywione i przekonujący, w przeciwieństwie do tradycyjnych abstrakcyjnych obrazów baroku.

Crespi pracował w różnych gatunkach. Malował na tematy mitologiczne, religijne i codzienne, tworzył portrety i martwe natury, a do każdego z tych tradycyjnych gatunków wniósł nową, szczerą wizję współczesnego świata. Przywiązanie artysty do natury i wierne odwzorowanie otaczającej rzeczywistości weszło w niemożliwy do pogodzenia konflikt z upadającymi tradycjami bolońskiego akademizmu, który w tym czasie stał się hamulcem rozwoju sztuki. Dlatego przez całą jego twórczość niczym czerwona nić przebiega nieustanna walka z konwencjami malarstwa akademickiego o triumf sztuki realistycznej.

Na początku XVIII wieku. Crespi przechodzi od scen mitologicznych do przedstawiania scen z życia chłopskiego, traktując je najpierw w duchu pasterstwa, a następnie nadając im coraz bardziej przekonujący charakter malarstwa codziennego. Jeden z pierwszych mistrzów XVIII wieku zaczął przedstawiać życie zwykłych ludzi - praczek, zmywarek, kucharzy, a także epizody z życia chłopskiego.

Chęć nadania swoim obrazom większej autentyczności zmusza go do sięgnięcia po Caravaggia „pogrzebową” technikę światła – ostre oświetlenie części ciemnej przestrzeni wnętrza, dzięki czemu postacie zyskują plastyczną klarowność. Prostotę i szczerość narracji dopełnia wprowadzenie do przedstawienia wnętrz przedmiotów ludowych, które Crespi zawsze maluje z wielkim kunsztem malarskim („Scena w piwnicy”; „Rodzina chłopska”).

Najwyższym osiągnięciem malarstwa codziennego tamtych czasów były jego płótna „Jarmark w Poggio a Caiano” (ok. 1708) i „Jarmark” (ok. 1709) przedstawiające zatłoczone sceny ludowe.

Wykazywały zainteresowanie artysty grafiką Jacques’a Callota, a także jego bliską znajomość twórczości holenderskich mistrzów malarstwa rodzajowego XVII wieku. Jednak w obrazach chłopów Crespiego brakuje ironii Callota i nie jest on tak biegły w charakteryzowaniu otoczenia, jak holenderscy malarze gatunkowi. Postacie i przedmioty na pierwszym planie są narysowane bardziej szczegółowo niż pozostałe – przypomina to styl Magnasco. Jednak twórczość genueńskiego malarza, wykonana z brawurą, zawsze zawiera element fantazji. Crespi poszukiwał szczegółowej i dokładnej opowieści o barwnej i wesołej scenie. Wyraźnie rozprowadzając światło i cień, nadaje swoim postaciom żywotną specyfikę, stopniowo pokonując tradycje gatunku pasterskiego.

Najbardziej znaczącym dziełem dojrzałego mistrza był cykl siedmiu obrazów „Siedem Sakramentów” (1710) – najwyższe osiągnięcie malarstwa barokowego początku XVIII wieku (dod., ryc. 4). Są to dzieła zupełnie nowe w duchu, które zaznaczyły odejście od tradycyjnej abstrakcyjnej interpretacji scen religijnych.

Wszystkie obrazy („Spowiedź”, „Chrzest”, „Małżeństwo”, „Komunia”, „Kapłaństwo”, „Brzmienie”, „Namaszczenie”) są namalowane w ciepłej czerwono-brązowej tonacji Rembrandta. Zastosowanie ostrego oświetlenia dodaje pewnej emocjonalnej nuty narracji o sakramentach. Paleta kolorystyczna artysty jest raczej monochromatyczna, ale jednocześnie zaskakująco bogata w różnorodne odcienie i odcienie barw, połączone miękkim, czasem jakby świecącym od wewnątrz światłocieniem. Nadaje to wszystkim przedstawionym epizodom nutę tajemniczej intymności tego, co się dzieje, a jednocześnie podkreśla plan Crespiego, który stara się opowiedzieć w formie scen o najważniejszych etapach życia każdego człowieka tamtych czasów. od rzeczywistości, nabierając charakteru swoistej przypowieści. Co więcej, opowieść ta wyróżnia się nie dydaktyką charakterystyczną dla baroku, ale świeckim wykształceniem.

Niemal wszystko, co mistrz napisał później, ukazuje obraz stopniowego zanikania jego talentu. Coraz częściej w swoich obrazach sięga po znane klisze, schematy kompozycyjne i akademickie pozy, których wcześniej unikał. Nic dziwnego, że wkrótce po jego śmierci twórczość Crespiego szybko została zapomniana.

Jako bystry i oryginalny mistrz został odkryty dopiero w XX wieku. Ale pod względem jakości, głębi i bogactwa emocjonalnego malarstwo Crespiego, które dopełnia sztukę XVII wieku, w swoich najlepszych przejawach ustępuje być może jedynie Caravaggio, od którego dzieła włoska sztuka tej epoki rozpoczęła się tak błyskotliwie i innowacyjnie .

Niniejszy tekst jest fragmentem wprowadzającym. Z książki Złamane życie, czyli magiczny róg Oberona autor Katajew Walentin Pietrowicz

Malująca mama kupiła mi coś w rodzaju albumu, który rozkładał się jak harmonijka, zygzakami; na bardzo grubych kartonowych stronach wydrukowano farbą wiele wizerunków losowo rozrzuconych różnych przedmiotów gospodarstwa domowego: lampy, parasolki, teczki,

Z książki Tamerlan autorstwa Roux Jean-Paula

Malarstwo Z faktu utworzenia Akademii Książki w Heracie przez Shahrukha i jego syna, filantropa Bai Shungkura (zm. 1434), wynika, że ​​na początku XV w. powstała księga napisana eleganckim, kaligraficznym pismem, pięknie oprawione i ilustrowane miniaturami

Z książki Notatniki Kołymy autor Shalamov Varlam

Malowanie Portretu to spór o ego, spór. Nie skarga, ale dialog. Bitwa dwóch różnych prawd, bitwa pędzli i linii. Potok, w którym rymy są kolorami, Gdzie każdy Maljawin jest Chopinem, Gdzie namiętność, bez obawy przed rozgłosem, Zniszczyła czyjąś niewolę. W porównaniu z jakimkolwiek krajobrazem, w którym jest spowiedź

Z książki Refleksje o pisaniu. Moje życie i moja epoka przez Henry’ego Millera

Z książki Moje życie i moja epoka przez Henry’ego Millera

Malowanie Ważne jest, aby opanować podstawy tej umiejętności, a na starość nabrać odwagi i malować to, co rysują dzieci, nieobciążone wiedzą. Mój opis procesu malowania jest taki, że czegoś szukasz. Myślę, że każda praca twórcza jest czymś takim. W muzyce

Z książki Renoira przez Bonafou Pascala

Rozdział siódmy WIOŚNIARZY Z CHATOU, MALARSTWO WŁOCH Jego przyjaciele traktowali Renoira, który wystawiał w Salonie, protekcjonalnie, nie uważając go za „zdrajcę”. Faktem jest, że Cezanne i Sisley także byli „renegatami”, gdyż zdecydowali się nie brać udziału w czwartej wystawie „artystów niezależnych”

Z książki Matisse przez Escoliera Raymonda

WYDAWANIE I MALOWANIE Nic, jak się wydaje, nie przeszkodziło Henriemu Matisse’owi, który otrzymał klasyczne wykształcenie, w realizacji planów ojca, który chciał, aby został prawnikiem. Z łatwością zdał egzamin w Paryżu w październiku 1887, co pozwoliło mu poświęcić się pracy

Z książki Churchill bez kłamstw. Dlaczego go nienawidzą? przez Baileya Borisa

Churchill i malarstwo W 1969 roku Clementine powiedziała Martinowi Gilbertowi, autorowi najbardziej fundamentalnej biografii Churchilla w ośmiu tomach (pierwsze dwa tomy napisał syn Churchilla, Randolph): „Klęska w Dardanelach prześladowała Winstona przez całe życie. Po wyjściu

Z książki Wielcy ludzie XX wieku autor Wulf Witalij Jakowlew

Obraz

Z książki Arkusze pamiętnika. Głośność 2 autor Roerich Nikołaj Konstantinowicz

Malarstwo Przede wszystkim pociągały mnie farby. Zaczęło się od oleju. Pierwsze obrazy były malowane bardzo grubo. Nikt nie myślał, że można idealnie ciąć ostrym nożem i uzyskać gęstą emaliowaną powierzchnię. Dlatego „The Elders Converge” wyszło tak szorstko, a nawet ostro. Ktoś w

Z książki Rachmaninowa autor Fiediakin Siergiej Romanowicz

5. Malarstwo i muzyka „Wyspa umarłych” to jedno z najciemniejszych dzieł Rachmaninowa. I najdoskonalszy. Zacznie ją pisać w 1908 roku. Skończył na początku 1909 roku. Dawno, dawno temu, w powolnej części niedokończonego kwartetu, przewidywał możliwość powstania takiej muzyki. Długi,

Z książki Juna. Samotność słońca autor Sawicka Swietłana

Malarstwo i grafika Aby nauczyć się rysować, musisz najpierw nauczyć się widzieć. Malować może każdy, kopiować może zarówno aparat fotograficzny, jak i telefon komórkowy, ale jak wierzy się w malarstwie, „twarz artysty” jest trudna do osiągnięcia. Juna pozostawiła swój ślad w malarstwie. Jej obrazy

Z książki Historia sztuki XVII wieku autor Khammatova V.V.

MALARSTWO HISZPANII Sztuka Hiszpanii, podobnie jak cała kultura hiszpańska jako całość, wyróżniała się znaczną oryginalnością, która polega na tym, że renesans w tym kraju, ledwo osiągając etap wysokiego dobrobytu, natychmiast wszedł w okres upadek i kryzys, które były

Z książki autora

MALARSTWO FLANDRII Sztukę flamandzką w pewnym sensie można nazwać zjawiskiem wyjątkowym. Nigdy wcześniej w historii tak mały kraj, który jednocześnie znajdował się w tak zależnej pozycji, nie stworzył tak oryginalnego i znaczącego kraju.

Z książki autora

MALARSTWO HOLANDII Rewolucja holenderska przekształciła Holandię, według słów K. Marksa, „w wzorcowy kraj kapitalistyczny XVII wieku”. Zdobycie niepodległości narodowej, zniszczenie pozostałości feudalnych, szybki rozwój sił wytwórczych i handlu

Z książki autora

MALARSTWO FRANCJI Francja zajmowała w XVII wieku szczególne miejsce wśród czołowych krajów europejskich w dziedzinie twórczości artystycznej. W podziale pracy pomiędzy narodowymi szkołami malarstwa europejskiego przy rozwiązywaniu problemów gatunkowych, tematycznych, duchowych i formalnych udział Francji

Termin „renesans” (renesans) odnosi się do okresu od XIV do XVI wieku. Dokumenty historyczne wskazują, że do tego czasu Europa była pogrążona w religijnym obskurantyzmie i ignorancji, co w związku z tym nie pozwalało na rozwój sztuki. Ale nadszedł czas, życie społeczne zaczęło się stopniowo odradzać, co dało impuls do rozwoju nauki i kultury, rozpoczęła się era protorenesansu. Światu ujawniono artystów włoskiego renesansu.

We Włoszech XIV wieku pojawili się nowatorscy malarze, którzy zaczęli szukać nowych technik twórczych (Giotto di Bondone, Cimabue, Niccolò Pisano, Arnolfo di Cambio, Simone Martine). Ich twórczość stała się zwiastunem nadchodzących narodzin tytanów światowej sztuki. Najbardziej znanym z tych mistrzów malarstwa jest być może Giotto, którego można nazwać prawdziwym reformatorem malarstwa włoskiego. Jego najsłynniejszym obrazem jest „Pocałunek Judasza”.

Włoscy artyści wczesnego renesansu

Po Giotcie poszli tacy malarze jak Sandro Botticelli, Masaccio, Donatello, Filippo Brunelleschi, Filippo Lippi, Giovani Bellini, Luca Signoreli, Andrea Mantegna, Carlo Crivelli. Wszyscy pokazali światu piękne obrazy, które można oglądać w wielu współczesnych muzeach. Wszyscy są wielkimi włoskimi artystami wczesnego renesansu i o twórczości każdego z nich możemy rozmawiać bardzo długo. Ale w ramach tego artykułu bardziej szczegółowo zajmiemy się tylko tym, którego nazwisko jest najbardziej znane - niezrównanym Sandro Botticellim.

Oto tytuły jego najsłynniejszych obrazów: „Narodziny Wenus”, „Wiosna”, „Portret Simonetty Vespucci”, „Portret Giuliano Medici”, „Wenus i Mars”, „Madonna Magnificat”. Mistrz ten mieszkał i tworzył we Florencji od 1446 do 1510 roku. Botticelli był nadwornym artystą rodu Medyceuszy, dlatego jego dziedzictwo twórcze obfituje nie tylko w obrazy o tematyce religijnej (było ich wiele w jego twórczości dzieła), ale także wiele przykładów malarstwa świeckiego.

Artyści wysokiego renesansu

Epoka Wysokiego Renesansu – koniec XV i początek XVI wieku – to czas, w którym swoje arcydzieła tworzyli tacy włoscy artyści jak Leonardo da Vinci, Rafael, Michał Anioł, Tycjan, Giorgione… Co za nazwiska, co za geniusze!

Szczególnie imponujące jest dziedzictwo wielkiej trójcy – Michała Anioła, Rafaela i da Vinci. Ich obrazy przechowywane są w najlepszych muzeach świata, a ich twórcze dziedzictwo zachwyca i budzi podziw. Prawdopodobnie we współczesnym cywilizowanym świecie nie ma osoby, która nie wiedziałaby, czym jest „Portret Lady Lisy Giocondo” wielkiego Leonarda, „Madonna Sykstyńska” Rafaela czy piękny marmurowy posąg Dawida, stworzony rękami wygląda jak szalony Michał Anioł.

Włoscy mistrzowie malarstwa i rzeźby późnego renesansu

Późniejszy renesans (połowa XVI w.) dał światu wielu wspaniałych malarzy i rzeźbiarzy. Oto ich nazwiska i krótka lista najsłynniejszych dzieł: Benvenuto Cellini (posąg Perseusza z głową Gorgony Meduzy), Paolo Veronese (obrazy „Triumf Wenus”, „Ariadna i Bachus”, „Mars i Wenus „itp.), Tintoretto (obrazy „Chrystus przed Piłatem, „Cud św. Marka” itp.), Architekt Andrea Palladio (Villa Rotunda), Parmigianino („Madonna z Dzieciątkiem w rękach”), Jacopo Pontormo ( „Portret damy z koszem przędzy”). I chociaż wszyscy ci włoscy artyści pracowali w okresie schyłku renesansu, ich dzieła znalazły się w złotym funduszu sztuki światowej.

Renesans stał się wyjątkowym i niepowtarzalnym okresem w życiu ludzkości. Odtąd już nikomu nie uda się rozwikłać tajemnicy kunsztu wielkich Włochów ani przynajmniej zbliżyć się do ich zrozumienia piękna i harmonii świata oraz umiejętności przeniesienia doskonałości na płótno za pomocą farb .

Po zakończeniu renesansu słoneczne Włochy nadal dawały ludzkości utalentowanych mistrzów sztuki. Nie sposób nie wspomnieć o nazwiskach tak znanych twórców, jak bracia Caracci – Agostino i Annibale (koniec XVI w.), Caravaggio (XVII w.) czy Nicolas Poussin, który żył we Włoszech w XVII w.

A dziś życie twórcze na Półwyspie Apenińskim nie ucichnie, jednak współcześni artyści włoscy nie osiągnęli jeszcze poziomu umiejętności i sławy, jakie mieli ich genialni poprzednicy. Ale kto wie, może znów czeka nas renesans i wtedy Włochy będą mogły pokazać światu nowych tytanów sztuki.