Klawesyn - instrument muzyczny - historia, zdjęcia, filmy. Klawiszowe instrumenty muzyczne. Jaką rolę w klawesynie pełniło wronie pióro?

KLAWESYN

Z pewnością na koncertach zauważyłeś instrument muzyczny przypominający fortepian, ale znacznie mniejszy, z kilkoma klawiaturami i zupełnie innym, dźwięcznym metalicznym dźwiękiem? Nazwa tego instrumentu to klawesyn (wywodzi się od francuskiego słowa). W każdym kraju nazywa się go inaczej: we Francji i Rosji jest to klawesyn, we Włoszech jest to talerz (a czasami clavicembalo), w Anglii jest to klawesyn. Klawesyn to instrument muzyczny o strunach klawiszowych, w którym dźwięk wytwarzany jest poprzez szarpanie.

Dźwięk, barwa:

Dźwięk klawesynu trudno pomylić z jakimkolwiek innym instrumentem, jest wyjątkowy, błyskotliwy i gwałtowny. Gdy tylko usłyszysz ten dźwięk, od razu wyobrażasz sobie starożytne tańce, bale i szlachetne damy dworskie we wspaniałych sukniach i niewyobrażalnych fryzurach. Główna różnica między klawesynem polega na tym, że jego dźwięk nie może płynnie zmieniać dynamiki, jak inne instrumenty. Aby rozwiązać ten problem, rzemieślnicy wpadli na pomysł dodania kolejnych rejestrów, które uruchamiane są za pomocą ręcznych przełączników i dźwigni. Znajdują się one po bokach klawiatury. Nieco później pojawiły się także przełączniki nożne ułatwiające grę.
Interesujące fakty:

• Klawesyn zawsze był uważany za instrument arystokratyczny, który zdobił salony i korytarze najbogatszych ludzi w Europie. Dlatego też w dawnych czasach wykonywano go z drogich gatunków drewna, klawisze pokrywano blaszkami ze skorupy żółwia, masą perłową, a czasem inkrustowano drogimi kamieniami.
• Czy zauważyłeś, że niektóre klawesyny mają czarne dolne klawisze i białe górne klawisze – wszystko jest dokładnie odwrotnie niż w fortepianie czy pianinie? Klawesyn z takimi kluczowymi kolorami był powszechny we Francji w XVII wieku. Jak tłumaczą historycy, ta dekoracja klawiatury kojarzona była z panującym wówczas w sztuce walecznym stylem – śnieżnobiałe dłonie klawesynistów wyglądały na czarnej klawiaturze niezwykle wdzięcznie i wydatnie.
• Początkowo klawesyn stał na stole, nieco później rzemieślnicy dodali piękne nogi.
• Kiedyś dyrygent musiał siedzieć przy klawesynie, a lewą ręką potrafił grać, a prawą kierować muzykami.
• Próbując odtworzyć dźwięk klawesynu, niektórzy mistrzowie uciekali się do podstępu. I tak w fortepianie Red October, wyprodukowanym w czasach sowieckich, trzeci pedał opuszcza specjalną tkaninę na struny, do których przymocowane są metalowe stroiki. Uderzają w nie młotki i pojawia się charakterystyczny dźwięk. Fortepian radziecki Accord ma tę samą konstrukcję.
• Przełączniki nożne na klawesynie pojawiły się dopiero w 1750 roku.
• Początkowo zmieniano dynamikę dźwięku poprzez podwajanie i potrajanie strun, dopiero w XVII-XVIII w. zaczęto wytwarzać instrumenty posiadające 2, a nawet 3 manuały, umieszczone jedna nad drugą, o różnych rejestrach. W tym przypadku górny manuał został dostrojony o oktawę wyżej.
• Przez długi czas za najstarszy zachowany do dziś klawesyn uważano instrument włoskiego mistrza Hieronima z 1521 roku. Później jednak odnaleziono starszy klawesyn, wykonany 18 września 1515 roku przez Wincentego z Livigimeno.
• Klawesyn z XVI wieku pochodził głównie z Włoch (Wenecja) i był wykonany z cyprysu. Instrumenty francuskie wraz z dwiema klawiaturami (instrukcjami) wykonano z drewna orzechowego.
• Większość klawesynów posiada rejestr lutni, który charakteryzuje się nosową barwą. Aby uzyskać takie brzmienie, struny tłumiono kawałkami filcu lub skóry.
• W średniowieczu na dworze króla Hiszpanii Filipa II znajdował się tzw. „koci klawesyn”. Było to urządzenie składające się z klawiatury oraz prostokątnego pudełka z kilkoma przegródkami, w których umieszczano koty. Wcześniej zwierzęta słuchano, deptając im ogony, i uszeregowano je według ich głosów. Następnie ogony nieszczęsnych kotów zabezpieczono pod kluczami, po naciśnięciu wkłuto w nie igłę. Zwierzę wrzasnęło głośno, a wykonawca nadal grał swoją melodię. Wiadomo, że Perth I zamówił także „koci klawesyn” do swojego gabinetu osobliwości.
• Słynny francuski klawesynista F. Couperin ma traktat „Sztuka gry na klawesynie”, który jest nadal używany przez muzyków w naszych czasach.
• To Couperin zaczął aktywnie używać kciuka (pierwszego palca) podczas gry na klawesynie, wcześniej muzycy grali tylko czterema, a piąty nie był używany. Pomysł ten szybko podchwycili inni wykonawcy.
• Słynny wykonawca Handel jako dziecko zmuszony był ćwiczyć grę na klawesynie na strychu, ponieważ jego ojciec był przeciwny karierze muzyka i marzył o tym, aby uzyskał dyplom prawnika.
• Co ciekawe, działanie skoczka opisał W. Szekspir w swoim 128 sonecie.
• Muzyków grających na klawesynie nazywano klawikordami, gdyż z powodzeniem grali także na organach i klawikordzie.
• Warto zauważyć, że zasięg klawesynu koncertowego wynosi ser. XVIII w. był szerszy od fortepianu, który zastąpił go nieco później

Klawiszowe instrumenty muzyczne charakteryzują się systemem produkcji dźwięku za pomocą dźwigni sterowanych klawiszami. Zestaw klawiszy ułożonych w określonej kolejności nazywa się klawiaturą instrumentalną.

Organy – pierwszy instrument dęty klawiszowy

Historia instrumentów klawiszowych sięga. Jednym z pierwszych instrumentów klawiszowych są organy. W pierwszych organach dźwięk wytwarzano poprzez sterowanie dużymi zaworami. Okazały się dość niewygodne i dość szybko zawory zastąpiono dźwigniami, również imponujących rozmiarów. W XI wieku dźwignie zastąpiono szerokimi kluczami, które można było wcisnąć siłą ręki. Wygodne, wąskie klawisze, charakterystyczne dla współczesnych organów, pojawiły się dopiero w XVI wieku. W ten sposób organy zamieniły się w instrument muzyczny dęty klawiszowy.

Klawikord – pierwszy strunowy instrument klawiszowy

Pierwsze klawikordy wynaleziono między XIV a XVI wiekiem, historycy niestety nie znają dokładniejszych dat. Urządzenie średniowiecznego klawikordu przypominało nowoczesny fortepian. Charakteryzuje się cichym, miękkim dźwiękiem, dlatego klawikord rzadko był grany dla dużej publiczności. Ponadto ma dość kompaktowe wymiary, dlatego często był używany do odtwarzania muzyki w domu i był bardzo popularny w bogatych domach. Kompozytorzy epoki baroku tworzyli dzieła muzyczne specjalnie na klawikord: Bach, Mozart, Beethoven.

Klawesyn

Klawesyn pojawił się po raz pierwszy w XIV wieku we Włoszech, wspominał o nim nawet Boccaccio w swoim „Dekameronie”. Jest to instrument muzyczny o strunach szarpanych, ponieważ charakteryzuje się wydawaniem dźwięku poprzez szarpanie struny kostką w momencie naciśnięcia klawisza. Rolę mediatora pełni plektron wykonany z ptasiego pióra.

Istnieją klawesyny jedno- i dwuręczne. W przeciwieństwie do klawikordu czy fortepianu, struny klawesynu są równoległe do klawiszy, podobnie jak w fortepianie.

Klawesyn

Klawesyn wydaje słaby, ostry dźwięk. Był często używany w muzyce kameralnej jako dodatek do wykonań piosenek. Korpus klawesynu był bogato zdobiony i ogólnie instrument ten był postrzegany raczej jako element dekoracyjny.

Spinet, virginel i muselar to rodzaje klawesynu. Mają podobną zasadę produkcji dźwięku, ale różne konstrukcje. Są to małe instrumenty, najczęściej posiadające jedną klawiaturę i zakres czterech oktaw.

Fortepian

Został zaprojektowany po raz pierwszy przez włoskiego mistrza Bartolomeo Christofiego na początku XVIII wieku. W tym okresie instrumenty klawiszowe praktycznie nie mogły wytrzymać konkurencji, zwłaszcza smyczków, które były znacznie bardziej wirtuozowskie i wyraziste. Fortepian stał się instrumentem, który mógł zapewnić imponującą dynamikę i podbić serca muzyków epoki.

Bartolomeo Cristofi nazwał swój nowy instrument klawiszowy „grającym cicho i głośno”, co po włosku brzmiało „piano e forte”. Podobne wariacje na temat instrumentów klawiszowych tworzyli niemal w tym samym czasie Christophor Gottlieb Schröter i Francuz Jean Marius.

Włoskie pianino Bartolomeo Christofi zostało zaprojektowane w następujący sposób: uderzenie w klawisz uruchamia filcowy młotek, młotek z kolei powoduje wibrację struny, a specjalny mechanizm cofa młotek, uniemożliwiając mu dociśnięcie struny i stłumienie dźwięku . Ten fortepian nie miał pedałów ani amortyzatorów. Później dodano możliwość cofnięcia młotka tylko do połowy, co okazało się bardzo wygodne przy wykonywaniu różnego rodzaju melizmatów, które charakteryzują się szybką powtarzalnością nut.

Artykuł na temat historii starożytnej klawikordy, klawesyny i podobne instrumenty klawiszowe. Ciekawostką jest to, że autorem tego artykułu jest Eugenia Braudo, ukazała się w formie broszury w 1916 roku w serii „Muzyka Współczesna” pod nr 6. Jak zawsze rozpoznałem i przetłumaczyłem go z przedrewolucyjnego na współczesny rosyjski. Zdjęcia oczywiście frajerzy pod względem jakości, ale jeśli chcesz, myślę, że możesz znaleźć normalne w Internecie.

Stosunkowo niedawno nauka o muzyce zaczęła zwracać na nią poważną uwagę historia starożytnych instrumentów. Jeszcze dwadzieścia lat temu ci ludzie z odległej starożytności, przywołujący na myśl ponętne piękno minionych wieków, zapomniane arcydzieła muzyczne, budzili zainteresowanie jedynie wykształconych archeologów i kustoszy muzeów. W ostatnich latach, dzięki pomyślnej działalności różnych „stowarzyszeń gry na instrumentach starożytnych”, których jest znaczna liczba we wszystkich głównych ośrodkach kulturalnych, ten obszar badań muzycznych zaczął przyciągać wybitne siły naukowe. Już bowiem pierwsze próby przedstawienia pereł muzyki dawnej w ramach ich wrodzonej dźwięczności pokazały, że sztuka muzyczna dawnych lat, tak wyrafinowana i krucha, wymaga mistrzowskiego połączenia techniki z treścią i że dopiero dokładne doprecyzowanie Cechy konstrukcyjne wszystkich tych osobliwych klawesynów, klawikordów i altówek umożliwiają prawdziwe ożywienie wyblakłych klejnotów dawnego rzemiosła.

Poniższe wersety, poświęcone tysiącletniej historii najpowszechniejszego instrumentu muzycznego, który przez wszystkie epoki dziejów był strażnikiem najwyższych wartości muzycznych, mają nie tyle przedstawić jego ewolucję zewnętrzną, ile zwrócić uwagę na te cechy konstrukcyjne odległych przodków naszego współczesnego fortepianu, które niewątpliwie wpłynęły na rozwój stylu klawiszowego minionych stuleci.

Genealogia clavier cofa się do czasów bardzo od nas odległych. Jej protoplastą jest niewielka drewniana skrzynka, na którą naciągnięty jest sznurek, którą za pomocą ruchomego progu można podzielić na dwie dowolne części. To monochord, urządzenie fizyczne znane czytelnikom z lekcji fizyki w szkole średniej. Już w starożytności instrument ten służył do matematycznego określania tonów. Skracając dowolną strunę, na przykład G, o 1/9 jej długości i wibrując pozostałe 8/9, otrzymujemy sekundę wielką A; 4/5 tej samej struny tworzy tercję wielką, H; trzy czwarte - kwarta, C; dwie trzecie - piąta, D; trzy piąte seksty wielkiej, E; połowa to oktawa G.

Ale prymitywny jednostrunowy miał bardzo istotną wadę. Jego struna pokazywała stosunek długości brzmiących części dla wszystkich tonów skały, lecz nie pozwalała na jednoczesne brzmienie porównywanych odcinków i już w bardzo wczesnej epoce zrodził się pomysł zapewnienia „monochord” kilka ciągów dla większej przejrzystości odstępów spółgłoskowych. Arystydes Kwintylian i Klaudiusz Ptolemeusz, teoretycy II wieku, opisują instrument wyposażony w cztery struny i zwany helikonem.

W średniowieczu „monochord”, co trafniej byłoby nazwać „polichord”, zaczęto wykorzystywać nie tylko do badań teoretycznych, ale także do śpiewu towarzyszącego. Aby ułatwić niezwykle skomplikowaną procedurę gry na tym instrumencie, pudło rezonansowe monochordu zaczęto wyposażać w stojaki o ostrych krawędziach, instalując je w miejscach najważniejszych podziałów struny. Kiedy mniej więcej w połowie XII w. zaczęły się upowszechniać najstarsze instrumenty klawiszowe, małe organy przenośne, regały, służące do celów edukacyjnych i kultu domowego, podjęto pierwsze próby przystosowania klawiatury do monochordu, w forma systemu stojaków, z których każdy po naciśnięciu odpowiedniego klawisza podnosi się na tyle, aby mocno docisnąć strunę w określonym miejscu. Nie wystarczyło jednak wydzielenie części struny za pomocą stojaka, trzeba było ją wprawić w drgania i tak z biegiem czasu prymitywne stojaki monochordu zamieniły się w metalowe kołki (styczne). Te styczne, przymocowane do dźwigni klawiatury, nie tylko dzieliły strunę na dwie części, ale jednocześnie nadawały jej brzmienie.

Narzędzie zbudowane na zasadzie monokord, ale który miał większą liczbę strun wprawionych w oscylację za pomocą klawiszy i połączonych z nimi metalowych stycznych, otrzymał nazwę klawikord.

Minęło około tysiąca lat, zanim dzięki ciężkiej pracy nad udoskonaleniem mechanizmu starożytny instrument jednostrunowy został przekształcony w klawikord. Historia sztuki muzycznej usilnie próbowała, wbrew dowodom, zachować nazwę monochord za klawikordem, co sprawiało niemałe trudności średniowiecznym teoretykom, którzy bezskutecznie próbowali znaleźć wyjaśnienie takiej rozbieżności. Nie mniej wytrwale, na przestrzeni wieków, budowniczowie klawikordów starali się zachować w nienaruszonym stanie zasadę najbardziej monochordową w zastosowaniu do nowego instrumentu. O ile monochord służył wyłącznie celom teoretycznym, o tyle było całkiem jasne, że w starożytności do porównywania poszczególnych tonów brano struny o tej samej długości, co pozwalało wyraźnie pokazać bezpośredni związek pomiędzy długością brzmiącego część i wysokość dźwięku. Jednak ze względu na dziwną tradycję historyczną klawikord, który miał zupełnie inne zastosowanie w sztuce muzycznej, miał tę samą długość strun, więc różnica w tonach na klawikordzie wynikała jedynie z różnicy w położeniu podpór które wprawiają jego struny w wibracje. Co więcej, liczba tych ostatnich wcale nie odpowiadała liczbie kluczy. Zgodnie ze starą zasadą monochordu każda struna posiadała szereg mostków, które dzieliły ją w różnych punktach, dzięki czemu za pomocą jednej struny można było wydobyć kilka tonów o różnej wysokości. Wszystkie struny nastrojone były na najniższy ton klawikordu G, połączony z pierwszym klawiszem, który wibrował na całej długości struny. Następny klawisz, z szerokim metalowym kołkiem, skrócił tę samą pierwszą strunę o jedną dziewiątą i w ten sposób dał dźwięk A. Trzeci klawisz skrócił tę samą strunę o jedną piątą, dając ton N. Dopiero czwarty klawisz uderzył w drugą strunę, oddzielając jej jedną czwartą częścią szpilkową, tak aby za pomocą trzech czwartych struny uzyskać ton C.

Widzieliśmy, że tony G, A i H powstają w wyniku wibrowania tej samej struny. W efekcie nie dało się ich grać razem na starej klawiaturze. G i C utworzyły pierwszą współbrzmienie dostępne dla klawiszy tego instrumentu. Jednak wraz z rozwojem myślenia harmonicznego i rozszerzeniem koncepcji współbrzmienia rozbieżność pomiędzy liczbą strun i tonami zaczęła zanikać. To doskonalenie instrumentu postępowało bardzo szybko. Pod koniec XV wieku do 22 kluczy używano już tylko 7 strun. W XVI wieku liczba strun natychmiast wzrosła czterokrotnie; Musiałem zobaczyć w muzeum berlińskiej Wyższej Szkoły Sztuki Muzycznej klawikord z drugiej połowy XVI wieku z 30 strunami, z 45 klawiszami, umieszczonymi tak samo, jak na współczesnym fortepianie. Jednak w tym przykładzie niektóre ciągi miały 3 klucze. „Wolny” klawikord, w którym każda struna obsługiwana była tylko przez jeden klawisz, został wynaleziony znacznie później, bo w 1723 roku, i swego czasu uważany był za największy rarytas.

Nie zostało jeszcze wyjaśnione, w jaki sposób klawisze były skoordynowane ze strunami klawikordu. Szybki rzut oka na wewnętrzną budowę klawikordu, z jego dziwacznymi liniami dźwigni kluczowych, wystarczy, aby zobaczyć, jakich sztuczek trzeba było użyć, aby dopasować klawisze i struny do siebie. Zazwyczaj stojaki z kołkami („progi”, jak je nazywa się przez analogię do lutni) były ułożone w taki sposób, że każda struna przechodziła przez trzy stojaki zamontowane na płycie rezonansowej instrumentu. Grając na klawikordzie muzyk musiał zakrywać jedną ręką niebrzmiącą część struny. Od końca XV wieku tę niedogodność eliminowano za pomocą wąskiego paska materiału umieszczanego w miejscu podziału sznurka. W XVIII w. próbowano przymocować do klawikordu klawiaturę nożną, wzorowaną na organach. Jeden z niezwykle rzadkich okazów tego typu widziałem w Muzeum Bacha w ojczyźnie wielkiego mistrza.

Starożytne klawikordy miały bardzo charakterystyczny czworokątny płaski kształt, wynikający z jednakowej długości wszystkich strun instrumentu. W ogóle swoim wyglądem przypominały prostokątne fortepiany angielskie, które w latach dwudziestych ubiegłego wieku były bardzo powszechne wśród biednych amatorów i tutaj.

Pierwszymi instrumentami typu klawikord były podłużne pudełka, które służyły nie tylko muzyce, ale także wszelkiego rodzaju innym rozrywkom domowym: grze w kości, szachom (stąd starofrancuska nazwa klawikordu „eschi quier” – szachownica), damskim rękodzieła (przykład podobnego rodzaju, z poduszką na szpilki, znajduje się w Muzeum Baru Stieglitz w Piotrogrodzie) itp. Początkowo wolumen instrumentu był na tyle skromny, że do gry na klawiaturze kładziono go na stole. Następnie, gdy jego klawiatura urosła do czterech i pół oktawy, „dziadka współczesnego fortepianu” trzeba było postawić na własnych nogach. Ale nawet w tej bardziej nieporęcznej formie klawikord był nadal na tyle lekki i przenośny, że wirtuozi, którzy zachwycali uszy naszych przodków, mogli wszędzie podróżować ze swoim klawikordem, który mieścił się w powozie drogowym.

Dźwięki klawikordu, ciche i delikatne, zostały w dużej mierze pochłonięte przez materiał użyty do budowy instrumentów. Dlatego dźwięcznie klawikord został całkowicie przyćmiony nie tylko przez organy, ale nawet przez lutnię. Jego leniwie, drżące dźwięki są pełne jakiegoś niesamowitego uroku. Faktem jest, że klawikord charakteryzował się specjalną, łagodną wibracją strun, przez co poszczególne tony były niejasne i rozmazane. Cecha ta wynikała z samego mechanizmu instrumentu, gdyż im mocniej gracz naciskał klawisz, tym wyżej metalowy kołek podnosił samą strunę, a wytwarzany przez nią dźwięk wzrastał, choć w niewielkim stopniu. Klawikordziści doskonale potrafili wykorzystać tę wibrację dźwięku (Bebung) do różnorodnych dekoracji melizmatycznych. Współczesny fortepian, bardziej zaawansowany w swojej budowie, jest oczywiście obcy tak niejasnym formom dźwiękowym; wraz z postępem technologii to źródło muzycznej przyjemności zniknęło bez śladu; Tymczasem dopiero aromat brzmienia starożytnego klawikordu może dać nam prawdziwe wyobrażenie o urzekających urokach wyrafinowanej muzyki XVII i XVIII wieku.

Jednak logika historii, która stawiała klawikord na czele rozwoju muzycznego Europy, już w połowie XV wieku nakazywała zastąpienie kameralnego, samodzielnego klawikordu innym instrumentem o równym, wyraźnym, mocnym brzmieniu. dźwięk. Wraz z klawikordem nowy instrument klawiszowy, znany w annałach muzyki pod nazwą clavicimbala, pojawia się po raz pierwszy we Włoszech, a następnie w krajach północnych. Ta nieprzyjemna dla naszych uszu nazwa wskazuje, że jej pierwowzorem jest wulgarny cymbał, którego donośny, ostry dźwięk powstaje w wyniku uderzenia młotkiem w stalowe struny o różnej długości i stroju.

Żel do dziś są częścią rumuńskich i węgierskich orkiestr ludowych i tutaj, na południu Rosji, mają swoją wielowiekową, ciekawą historię. Instrumenty tego typu były znane Egipcjanom już w starożytności i od nich zostały przekazane Grekom. W Europie rozpowszechniły się w połowie VII wieku. Żaden festiwal folklorystyczny nie odbył się bez tańca przy dźwiękach talerzy.

Początkowo cymbały były małym trójkątnym pudełkiem z 10 metalowymi strunami naciągniętymi na płytę rezonansową. Później liczba tych ostatnich wzrosła do czterech oktaw. Dzięki dużej objętości instrumentu możliwe stało się poprawienie jego dźwięczności poprzez zastosowanie dwu- i trzychórowych zestawów strun wykonanych z różnych materiałów. Struny te przeszły przez dwa systemy stojaków i zostały wzmocnione za pomocą metalowych i drewnianych kołków. Pokład został wyposażony w dwa okrągłe otwory. Istotną wadą talerzy był brak urządzenia do tłumienia dźwięku, a najbardziej umiejętna gra nie była w stanie przezwyciężyć pierwotnego grzechu instrumentu – jego niewyraźnego, brzęczącego brzmienia.

Jednak w historii muzyki zachowało się wiele nazwisk wirtuozów tego instrumentu, którzy starali się doprowadzić technikę gry na nim do wysokiej perfekcji.

Spośród nich najbardziej znanym w jego czasach był Pantaleone Gebenstreit(1669 - 1750), wynalazca nazwanego jego imieniem „pantaleonu”, niezwykle udoskonalonego cymbała, który odegrał główną rolę w wynalezieniu nowego mechanizmu klawesynowego, fortepianu z młoteczkami. Jak wielką sensację wirtuozerską sztukę tego talerzysty stworzył w muzycznym świecie świadczy fakt, że nawet tak wielcy mistrzowie jak Telemann uważali za możliwość wzięcia udziału w publicznej rywalizacji z Gebenstreitem. Jeden z jego uczniów, Bawarczyk o bardzo charakterystycznym nazwisku Gumpenguber, zyskał wielką sławę na dworze Cesarzowa Elżbieta Pietrowna. Cybarze zagrali już „For the Sovereign’s Joy” o godz Michaił Fiodorowicz podczas Najwyższych wyjść... do łaźni. Talerze w pewnym stopniu przypominały „jarowczackie gusli”, co wyjaśnia ich zdolność przystosowania się do codziennego życia starożytnej Rosji.

Główna różnica clavicymbala(czyli talerz z klawiszami) od klawikordu polegało na tym, że w pierwszym każdy klawisz odpowiadał, jak we współczesnym fortepianie, specjalnej strunie nastrojonej na określony ton, w wyniku czego nie było już potrzeby stosowania system stojaków oddzielających je od części nagłaśniającej struny. Poza tym klawicymbal naturalnie wymagał zupełnie innego uderzenia. Zamiast stycznych klawikordu, które swoim delikatnym dotykiem przywoływały senne dźwięki strun, zastosowano tu drewniane pałeczki, na których górnych końcach osadzono drobne, ostro zakończone kawałki kruczego skrzydła, twarde skórzane lub metalowe stroiki, zahaczając sznurki. Aby poprawić dźwięczność, klawikordy, podobnie jak klawikordy, budowano z dwoma i trzema chórami, a każdą strunę wibrowano specjalnym drążkiem z językiem. Z dalszej prezentacji przekonamy się, jak ważna dla uzyskania różnych odcieni dźwięku była ta cecha konstrukcyjna obojczyka.

Bardzo trudno powiedzieć, kiedy pojawił się pomysł zastosowania klawiatury do talerzy. Słynny filolog Scaliger (1484 - 1556) podaje w swoim dziele „Poetices Libri VII” (Lyon, 1561), że w jego dzieciństwie psalterie (starożytny rodzaj instrumentów perkusyjnych podobnych do talerzy), wyposażone w klawisze, znajdowały się niemal we wszystkich domach .

U zwykłych ludzi nazywano je „monochordami” lub „manikordami”. W ten sposób możemy ustalić, że w połowie XV wieku klawicymbale były już powszechne.

Clavicimbale jako pierwsze uzyskały prawa obywatelskie w życiu muzycznym Anglii, a drobne instrumenty tego typu stały się przedmiotem szczególnego muzycznego hobby. Sama królowa Elżbieta była znakomitą klawesynistką i przez długi czas historycy uważali, że angielska nazwa instrumentu „dziewica” (Dziewiczy), którego początki sięgają 20 lat przed jej narodzinami, aby zachować dla naszych pokoleń pamięć o Dziewicy Królowej (Pannie). Przedstawiamy fotografię instrumentu bogato zdobionego karminem, złotem i herbami z połowy XVI wieku. Urokliwe kompozycje mistrzów staroangielskich zostają przywrócone do życia; długie, ciche struny delikatnie szumią; Pełen wdzięku wariacje na temat ludowego tematu, majestatyczny kapelusz panamski, radosny galiard oczarowują nasze uszy... Ten klawicymbal, zbudowany z drewna cedrowego, to rękodzieło weneckie. Na Fedora Ioannovich Ambasador Elżbiety przyniósł w prezencie carowi moskiewskiemu podobny dziewiczy wraz z odpowiednimi graczami. Angielski pisarz zajmujący się życiem codziennym Rusi podaje, że caryca Irina Fiodorowna, oglądając prezent, była szczególnie poruszona wyglądem dziewicy, która została złocona i ozdobiona emalią, i „podziwiła niewidzianą nigdy wcześniej harmonię tych instrumentów muzycznych lub o których słyszano. Tysiące ludzi tłoczyło się wokół pałacu, aby ich słuchać.

Jednak same pierwsze dziewice pozostawiały wiele do życzenia pod względem piękna dźwięku, a ich najważniejszą wadą była fragmentaryzacja, szorstkość i suchość brzmienia. Dlatego cała pracowitość rzemieślników pracujących nad udoskonaleniem tego typu instrumentu sprowadzała się do wprowadzenia pewnego urozmaicenia w odcieniach brzmienia klawicymbalów. Pod koniec XVI w. Niezwykle istotnego udoskonalenia dokonał słynny amsterdamski mistrz Hans Ruckers. mechanizmy klawiatury. Po raz pierwszy zaczął produkować dziewice z dwoma klawiaturami. Podczas gry na górnej klawiaturze określono tylko jedną strunę; po naciśnięciu dolnego klawisza dwie struny wprawiają się w wibracje, a dziewiczy dźwięk brzmi ze zdwojoną siłą i blaskiem. Aby nadać dźwiękowi szczególną pełnię, Ruckers dodał trzecią, cieńszą, nastrojoną oktawę wyżej, do dwóch strun „chorowych”. W ten sposób dwa dziewicze klawiatury Rookers umożliwiły grę na trzech strunach jednocześnie lub tylko na jednej z nich. Jedna z naszych ilustracji przedstawia fotograficzny obraz dziewicy autorstwa Ruckersa. Wieczko przedstawia w kolorze rywalizację Apolla z Marsem, ulubiony motyw artystycznych dekoracji clavier. Od Hansa Ruckersa sztuka wyrobu dziewiczych przekazana została jego czterem synom, którzy z honorem dotrzymywali poleceń ojca. Już na początku XVIII wieku clavicymbale Ruckersa cieszyły się dużą popularnością i były szeroko sprzedawane. Najlepsi holenderscy artyści zwierząt i martwej natury – Frank, Jan van Heysum – ozdabiali je swoimi umiejętnymi pędzlami, tak że cena instrumentów osiągnęła 3000 liwrów. Ale niestety! - kupujący często rozbierali sam klawicymbal na kawałki, aby zachować obraz.

Czytelnik widzi na załączonej ilustracji jedno z najlepszych narzędzi pracy syna Ruckersa. Ten "klawesyn"(duży virginel) Haendla, który swoim pięknem i miękkością brzmienia budził niegdyś podziw współczesnych kompozytora. Trójchórowy instrument wyposażony jest w dwie klawiatury z bardzo starannie dobranymi klawiszami oraz znakomicie wykonaną płytę rezonansową. Do łączenia i odłączania klawiatur służyły umieszczone w lewym rogu małe drewniane uchwyty. Jednak mimo stosunkowo dużej objętości klawesyn ten nie był jeszcze wyposażony w nogi ani pedały (wynalezione w XV wieku przez weneckiego organistę Bernardino), które służyły do ​​podwajania oktaw tonów basowych.

Wszystkie te urządzenia widzimy na dużym klawesynie wyprodukowanym w Londynie, który reprezentował ostatnie słowo w konstrukcji klawesynu. Instrument ten wyszedł w 1773 roku ze słynnej manufaktury Bradwood, która do dziś zachowała miano najlepszej fabryki fortepianów w Anglii. Z wyglądu niemal nie różni się od współczesnego fortepianu (z wyjątkiem oczywiście dwóch klawiatur). Ciekawostką jest drewniana rama z poprzecznymi żebrami, zastosowana po raz pierwszy przez Bradwooda. Dzięki szeregowi rejestrów do wzmocnienia i różnym modyfikacjom brzmienia, klawesyn ten dał bardzo równomierne i mocne brzmienie.

Podczas gdy Brytyjczycy preferowali instrumenty, których brzmienie było zbliżone fortepian we Francji melomani cenili przede wszystkim małe clavicymbale z jedną klawiaturą, "szpinety", nazwany na cześć weneckiego mistrza Giovanniego Spinettiego, który żył na początku XVI wieku (inna etymologia tego słowa od „spina” (igła) została obecnie porzucona). Według Praetoriusa, autora najpełniejszego naukowego opisu instrumentów muzycznych XVI wieku, „szpinet” to mały czworokątny instrument nastrojony o jedną piątą wyżej lub niżej od jego prawdziwej wysokości. Umieszczano go zwykle nad klawiaturą. Takie instrumenty z końca XVI w., łączące zwykły clavier z szpinetem (dla wzmocnienia dźwięczności), widziałem w starych zbiorach niemieckich i włoskich. Niezwykle interesującą odmianą spinetów był instrument „clavicytherium”. Taki "szpinet pionowy", został wyposażony w struny jelitowe. Stosowanie tego ostatniego można uznać jedynie za złe doświadczenie, ponieważ struny jelitowe nie pozostawały w zgodzie, łatwo ulegając wpływom atmosferycznym. Klawicyterium przetrwało do XVII wieku, najwyraźniej z niepraktycznymi strunami jelitowymi. Ale sama idea pionowego ułożenia strun dotarła do naszych czasów i została zrealizowana w fortepianie, którego ojczyzną są Włochy. Sfotografowany przez nas instrument z początku XVI wieku należy do najstarszych okazów klawicyterium i jest niezwykle rzadki.

W XVII wieku nazwę „szpinet” rozszerzono na wszystkie klawicymbale jednokotłowe.

Udoskonalenie tego typu instrumentów klawiszowych to wielka zasługa paryskich mistrzów, których wyroby w połowie XVIII wieku uchodziły za najlepsze w Europie. Paryżanin zasłynął szczególnie dzięki swoim klawesynom (jak we Francji nazywano duże spinety). Pascala Taskena, po zbudowaniu instrumentu „en peau de buffle” w 1768 roku. Istota jego wynalazku polegała na tym, że obok piór i elastycznych trzcin wykorzystywał w swoich trójchórowych instrumentach trzciny ze skóry bawolej, które według jego własnych zapewnień nie szarpały, lecz dotykiem gładziły strunę. Tak zwane „jeu de buffle” można było stosować osobno lub jednocześnie z piórami. Rzeczywiście, według ówczesnych ekspertów, instrumenty te przekroczyły wszystko, co do tej pory osiągnięto w dziedzinie budowy klawesynów. Ich słodkie, miękkie, aksamitne brzmienie dawało za pomocą rejestrów różnorodne przyrosty siły, a tony basowe wyróżniały się dużą gęstością i treścią.

Wynalazek Tasquina oczywiście szybko rozprzestrzenił się we Francji i za granicą, a z czasem pojawił się „clavecin en peau de buffle”, kronika muzyczna wzbogacała się niemal co roku o nowe odkrycia z zakresu mechanizmów klawiaturowych. Na przykład języków wykonanych ze skóry bawolej użył drezdeński mistrz I. G. Wagner do tego, co wynalazł w 1775 roku "klavecin królewski", który miał cztery pedały, za pomocą których można było imitować grę na harfie, lutni i talerzach.

Sama nazwa „clavecin royal” ma pewne podobieństwa z rosyjskim oznaczeniem clavier "fortepian". Ulepszone klawesyny zaczęto po raz pierwszy budować w Rosji za czasów Katarzyny II, a wśród jej dam dworskich było wielu wykwalifikowanych klawesynistek.

W tym samym czasie do sprzedaży w Rzymie trafiło „cembalo angelico” ze skórzanymi stycznymi pokrytymi aksamitem dla uzyskania najcichszych dźwięków. Inni wynalazcy przeciwnie, próbowali zainteresować koneserów i amatorów nowymi efektami dźwiękowymi, które można było wydobyć z ich instrumentów.

Świetnie Jana Sebastiana Bacha wynalazł tzw lutnia klawicymbalowa. Jego wynalazek został udoskonalony przez mistrza z Hamburga I. Fleisher, który zbudował specjalnie teorbowe clavicymbale (teorbo – lutnia basowa), które wydawały dźwięki o oktawę niższe niż zwykły clavier. Ta kontra-przybudówka została wyposażona w trzy rejestry, które wibrowały metalowymi strunami tego ostatniego. Teorbowe clavicymbale Fleischera były bardzo drogie – u nas sięgały nawet 2000 rubli.

Bardzo interesujące były próby uzyskania brzmienia zespołu smyczkowego za pomocą instrumentu klawiszowego. Odkrycia tego dokonał w 1600 roku organista Józefa Haydna z Norymbergi. Tego rodzaju instrumenty były bardzo powszechne w XVIII wieku. Główne cechy ich mechanizmu sprowadzały się do tego, że za pomocą kluczy wprawiano w ruch szereg łuków przylegających do strun jelitowych. Pedały instrumentu umożliwiały regulację ciśnienia.

Ten typ skrzydła łukowego powinien uwzględniać „cud muzyczny” czasów Katarzyny Wielkiej – orkiestrę Strassera, przechowywaną obecnie w Ermitażu. O podobnym klawesynie, zbudowanym w 1729 roku przez niejakiego pana. de Virbes, twierdzi słynny historyk I.H. Forkel. Klawicymbal ten potrafił naśladować 18 różnych instrumentów, a „iluzja była tak pełna, że ​​można było na nim zagrać całą symfonię, brzmiącą tak samo, jak w wykonaniu orkiestry”.

Jednak panowanie klawesynu dobiegało końca. W 1711 r Bartolomeo Cristofori, błędnie nazywany także Cristofali, wynaleziono nowy instrument klawiszowy, który z czasem zastąpił dotychczasowe, stare typy. Cristofori zastąpił w klawesynie system stycznych i skrzydełek młoteczkami, które uderzały w struny i w ten sposób nadawały im dźwięk. O ile na najdoskonalszym klawicymbalu udało się uzyskać jedynie mizerne odcienie dźwięczności poprzez skomplikowaną procedurę rejestracji, o tyle proste dotknięcie klawiszy nowego instrumentu umożliwiło wzmocnienie dźwięczności od najdelikatniejszego pianissimo do grzmiącego fortissimo . Na początku XVIII wieku włoski mistrz w końcu zaprojektował mechanizm, który zawierał wszystkie istotne cechy naszych współczesnych fortepianów. Dzięki mechanizmowi perkusyjnemu siła dźwięku zależała teraz wyłącznie od siły naciśnięcia klawisza, co natychmiast otworzyło zupełnie nowy obszar nieskończenie różnorodnej zabawy dynamicznymi odcieniami podczas wykonywania kompozycji na clavier. Cristofori nazwał swój instrument, na którym można było grać cicho lub głośno, według własnego uznania, „Gravicembalo (przesterowane clavicembalo) col fortepian e forte”.

Wynalazek Cristoforiego przeszedł niezauważony przez współczesnych, a skromnemu kustoszowi Muzeum Księcia Medyceuszy chyba nigdy nie przyszło do głowy, że zbudowany przez niego fortepian (którego zdjęcie zamieszczamy w tym artykule) zostanie pieczołowicie zachowany jako skarb narodowy w najlepszym włoskim muzeum . Jego pomysł musiał przetrwać zaciętą walkę z pozostałościami muzycznej starożytności, która zakończyła się dopiero w latach 20. XIX wieku.

Pomimo tego, że historia starożytnego clavier została szczegółowo zbadana z zewnątrz, istnieje wiele pytań, które nie zostały jeszcze w wystarczającym stopniu objęte badaniami naukowymi. Pytania te dotyczą natury dźwięczności i wykorzystania obu instrumentów w wykonywaniu muzyki starożytnej.

Z obu typów clavier, nieporównanie większą rolę w historii sztuki muzycznej odegrał clavicimbal. Od czasu pojawienia się śpiewu solowego zajmuje wiodącą pozycję jako kontrabas ogólny i instrument towarzyszący. Ponadto solowa muzyka klawiszowa, która swój rozwój zawdzięcza geniuszowi muzycznemu ludów romańskich, wyrosła wyłącznie w oparciu o brzmienie klawesynu.

Jak już wskazaliśmy, w przypadku clavicimbalo (lub „cembalo” według włoskiej nomenklatury) siła brzmienia była niezależna od samego grającego. Pod tym względem przypominał organ. System rejestrów tylko w pewnym stopniu eliminował tę główną wadę instrumentu, a tanie klawesyny domowe miały zwykle tylko jeden rejestr. Będąc z jednej strony spokrewniony z organami, clavicimbal z drugiej przypominał lutnię jako instrument perkusyjny. Godne uwagi jest to, że początkowo lutnia i organy odgrywały w grze na basie tę samą rolę, co w późniejszej epoce klawicymbal. Ten ostatni dzięki swoim szczególnym zasługom odniósł wreszcie zwycięstwo nad rywalami. W porównaniu z lutnią wyróżniała się większą łatwością gry akordów, jednak przewyższała organy mobilnością, a także umiejętnością łączenia się z barwami innych instrumentów, tłumionymi zwykle masywną dźwięcznością organów. Delikatne brzmienie clavicimbalu zdaje się być stworzone dla ogólnej partii basowej starożytnej orkiestry, co natychmiast staje się zauważalne, gdy jego miejsce zajmuje twarde, ostre brzmienie fortepianu.

Teoretycy XVIII wieku zgodnie uznali, że bez udziału talerza nie można wyobrazić sobie muzyki zespołowej. „Uniwersalne brzmienie clavicimbalu” – pisze Matheson – „tworzy nieuniknioną podstawę wszelkiej muzyki kościelnej, teatralnej i kameralnej”. Do połowy XVIII w. klawicymbal był także jedynym solowym instrumentem klawiszowym, co zmusza do uwzględnienia jego cech brzmieniowych podczas wykonywania muzyki klawiszowej okresu przedfortepianowego. Niezwykle elegancki opis brzmienia klawicymbalowego podaje Chr. Schubart, autor traktatu o estetyce muzycznej: "Ton klawicymbalu ma charakter prosty linearny, ale jest tak wyraźny jak rysunki Knellera czy Chodowieckiego, pozbawiony jakichkolwiek odcieni. Przede wszystkim trzeba się nauczyć grać na tym instrumencie wyraźnie, co jest równoznaczne z studiowaniem zapisu muzycznego.” Porównanie to niezwykle trafnie określa istotę brzmienia klawicymbalnego. Bogaty splot polifoniczny XVIII wieku wyróżnia się na takim instrumencie niezwykle wyraźnie, co w pewnym stopniu wyjaśnia znakomite pisarstwo polifoniczne dawnych mistrzów clavier.

Nieodłączna trudność w graniu kilku muzycznie równych głosów z jednakową wyrazistością nie jest znana clavicimbalo. Ponieważ klawisze są uderzane równomiernie, struny dają dokładnie ten sam efekt. Jednocześnie, w przeciwieństwie do fortepianu, na którym polifonia łatwo zamienia się w niezrozumiały chaos dźwięków, dźwięki obojczyka odbierane są przez ucho zupełnie osobno i wyraźnie.

Nietrudno ustalić, które cechy były szczególnie cenne w oczach muzyków minionych stuleci. Trzeba wziąć pod uwagę, że literatura klawesynowa rozwinęła się w pewnym okresie historii muzyki, gdy gra na klawikordzie służyła jedynie przyjemnej rozrywce w godzinach wolnych. Wszystko, co głębokie i wzniosłe zawierała muzyka klawesynowa, zostało zapożyczone ze skarbca kompozycji organowych.

Francuscy autorzy zachwycali się przede wszystkim jego mobilnością i lekkością brzmienia. Niemieccy historycy i poeci wychwalali srebrzystą barwę instrumentu. Wszyscy jednak zgodzili się, że bezduszny klawikord nie nadawał się do wyrażania czułych wzruszeń, melancholii i wrażliwości ludzkiego serca, dlatego też w dobie sentymentalizmu ponownie niesłusznie zapomniany klawikord, potrafiący oddać najsubtelniejsze odcienie muzycznej ekspresji. wysunęło się na pierwszy plan.

Klawikord, jak czytelnicy już wiedzą, ma bardzo prymitywny mechanizm oddziaływania. Ale to właśnie ta prostota w przeniesieniu uderzenia na klawisz tworzy szczególną bliskość pomiędzy wykonawcą a instrumentem, na którym gra. Dźwięk klawikordu jest słaby i charakterem znacznie bliższy srebrzystemu brzmieniu klawesynu niż współczesnemu fortepianowi. Jednak indywidualność muzyczna klawikordu jest wciąż tak mało zbadana, że ​​najważniejszym dowodem historycznym są jej opisy, które znajdujemy w powieściach z epoki Wertera i Charlotte.

„Klawikord – pisze cytowany już przez nas Schubart – „samotny, melancholijny klawikord ma nad fortepianem ogromną przewagę. Naciskając klawisze możemy wywołać na nim nie tylko pełną barwę dźwięku, ale także mezzotinty, głównie tryle, portamento, czyli delikatne wibracje, słowem wszystkie te podstawowe cechy, z których powstaje nasze uczucie.”

Czym była „wibracja konieczna”, wykorzystywana bardzo umiejętnie przez klawikordistów, wiemy z opisu Burneya, słynnego angielskiego krytyka, zagorzałego wielbiciela F. E. Bacha, uznawanego w swoich czasach za największego wirtuoza klawikordu.

„Kiedy Bach chciał wydobyć ze swojego klawikordu pożądany ton, starał się nadać mu odcień smutku i głębokiego cierpienia, co było możliwe tylko na klawikordzie”.

W książce Bacha znajdziemy także szczegółowe instrukcje dotyczące zabawy tą niezbędną wibracją. Uzyskiwano go poprzez lekkie poruszenie palcem na klawiszu (tak jak to robią skrzypkowie w podobnym przypadku na swoim instrumencie).

Klawikord stał się ulubionym instrumentem epoki sentymentalizmu. Ale „era klawikordu” nie trwała długo. Już pod koniec XVIII wieku fortepian zaczął uzyskiwać prawa obywatelskie w zastosowaniu muzycznym. Mozart był pierwszym wirtuozem, który publicznie zagrał na „klawisze młotkowym”, a jego geniusz uświęcił ten nowy instrument. Gwałtowny rozwój udoskonaleń technicznych mechanizmu fortepianu ostatecznie wyparł bardziej niedoskonałe formy clavier, a już na początku XIX wieku samo wspomnienie urzekających delikatnych dźwięków klawikordu przeniosło się w krainę odległej starożytności, w kraina na wpół zapomnianych legend muzycznych.

Klawesyn(z francuskiego clavecin; włoski cembalo, clavicembalo; angielski klawesyn) to instrument muzyczny ze strunami klawiszowymi, w którym dźwięk jest szarpany. Muzyk wykonujący utwory na klawesynie i jego odmianach nazywany jest klawesynistą.

Urządzenie

Początkowo klawesyn miał kształt czworokątny, jednak w XVII wieku nabrał kształtu skrzydełkowego, podłużnego trójkątnego, a zamiast strun jelitowych zaczęto używać metalowych strun. Jego struny ułożone są poziomo, równolegle do klawiszy, zwykle w formie kilku chórów, z grupami strun różnych manuałów, rozmieszczonymi na różnych poziomach wysokości. Zewnętrznie klawesyn był zwykle elegancko wykończony: korpus zdobiono rysunkami, intarsjami i rzeźbami. W epoce Ludwika XV dekoracja klawesynu nawiązywała do ówczesnego stylowego wyposażenia. W XVI-XVII wieku klawesyny mistrzów z Antwerpii Rukkers wyróżniały się jakością dźwięku i artystycznym designem.

Fabuła

Najwcześniejsza wzmianka o instrumencie typu klawesynu (clavicembalum, od łac. clavis – „klucz” i cymbalum – „talerz”) pojawia się w źródle z 1397 roku z Padwy (Włochy). Najstarszy obraz znajduje się na ołtarzu katedry w niemieckim mieście Minden i pochodzi z 1425 roku. Pierwszy praktyczny opis instrumentu o charakterze klawesynu (klawikord z mechanizmem szarpanym) wraz z rysunkami podał Holender Arno ze Zwolle około 1445 roku.

Klawesyn z XV wieku nie zachował się. Sądząc po zdjęciach, były to krótkie instrumenty o ciężkim korpusie. Większość zachowanych klawesynów z XVI wieku powstała we Włoszech, gdzie Wenecja była głównym ośrodkiem produkcji. Posiadały rejestr 8` (rzadziej dwa rejestry 8` i 4`) i wyróżniały się wdziękiem. Ich ciało było najczęściej wykonane z cyprysu. Atak tych klawesynów był wyraźniejszy, a dźwięk bardziej gwałtowny niż w późniejszych instrumentach flamandzkich. Najważniejszym ośrodkiem produkcji klawesynów w Europie Północnej była Antwerpia, w której od 1579 roku pracowali przedstawiciele rodziny Rückers. Ich klawesyny mają dłuższe struny i cięższe korpusy niż instrumenty włoskie. Od lat 90. XVI wieku w Antwerpii produkowano klawesyny z dwoma manuałami.