Publikacje w dziale Teatry

Słynne rosyjskie balety. Top 5

Balet klasyczny to niezwykła forma sztuki, która narodziła się we Włoszech w okresie dojrzałego renesansu i „przeniosła się” do Francji, gdzie zasługa jego rozwoju, w tym założenia Akademii Tańca i kodyfikacji wielu ruchów, przypadła królowi Ludwikowi XIV . Francja eksportowała sztukę tańca teatralnego do wszystkich krajów europejskich, w tym do Rosji. W połowie XIX wieku stolicą baletu europejskiego nie był już Paryż, który dał światu arcydzieła romantyzmu La Sylphide i Giselle, ale Petersburg. To właśnie w północnej stolicy przez prawie 60 lat pracował wielki choreograf Marius Petipa, twórca systemu tańca klasycznego i autor arcydzieł, które do dziś nie schodzą ze sceny. Po rewolucji październikowej chcieli „wyrzucić balet ze statku nowoczesności”, ale udało im się go obronić. Czasy radzieckie upłynęły pod znakiem powstania znacznej liczby arcydzieł. Przedstawiamy pięć czołowych rosyjskich baletów – w porządku chronologicznym.

"Don Kichot"

Scena z baletu Don Kichot. Jedna z pierwszych produkcji Mariusa Petipy

Premiera baletu L.F. Minkus „Don Kichot” w Teatrze Bolszoj. 1869 Z albumu architekta Alberta Kavos

Sceny z baletu Don Kichot. Kitri – Lyubov Roslavleva (w środku). Inscenizacja: A.A. Gorski. Moskwa, Teatr Bolszoj. 1900

Muzyka: L. Minkus, libretto: M. Petipa. Pierwsze przedstawienie: Moskwa, Teatr Bolszoj, 1869, choreografia M. Petipa. Kolejne przedstawienia: Petersburg, Teatr Maryjski, 1871, choreografia M. Petipa; Moskwa, Teatr Bolszoj, 1900, St. Petersburg, Teatr Maryjski, 1902, Moskwa, Teatr Bolszoj, 1906, całość - choreografia A. Gorskiego.

Balet Don Kichot to pełne życia i radości przedstawienie teatralne, odwieczne święto tańca, który nie męczy dorosłych i na który rodzice chętnie zabierają swoje dzieci. Choć nosi imię bohatera słynnej powieści Cervantesa, opiera się na jednym z jego odcinków „Wesele Kwiterii i Basilio” i opowiada o przygodach młodych bohaterów, których miłość ostatecznie zwycięża, pomimo sprzeciwu ze strony uparty ojciec bohaterki, który chciał wydać ją za bogatego Gamache.

Zatem Don Kichot nie ma z tym prawie nic wspólnego. Przez cały spektakl wysoki, szczupły artysta w towarzystwie niskiego, wydatnego brzucha kolegi wcielającego się w Sancho Pansę, spaceruje po scenie, czasami utrudniając oglądanie pięknych tańców skomponowanych przez Petipę i Gorskiego. Balet to w istocie koncert w kostiumach, święto tańca klasycznego i charakterystycznego, w którym pracują wszyscy tancerze każdego zespołu baletowego.

Pierwsza inscenizacja baletu odbyła się w Moskwie, gdzie Petipa odwiedzał od czasu do czasu, aby podnieść poziom miejscowej trupy, której nie można było porównać ze znakomitą trupą Teatru Maryjskiego. Ale w Moskwie było więcej swobody oddychania, więc choreograf w istocie wystawił baletowe wspomnienie cudownych lat młodości spędzonych w słonecznym kraju.

Balet odniósł sukces i dwa lata później Petipa przeniósł go do Petersburga, co wymagało przeróbek. Tam o wiele mniej interesowały ich tańce charakterystyczne niż czysta klasyka. Petipa rozbudował „Don Kichota” do pięciu aktów, skomponował „akt białego”, tzw. „Sen Don Kichota”, prawdziwy raj dla miłośników baletnic w tutu i posiadaczek ładnych nóg. Liczba amorków we „Snie” osiągnęła pięćdziesiąt dwa...

„Don Kichot” trafił do nas w przeróbce moskiewskiego choreografa Aleksandra Gorskiego, któremu zależało na pomysłach Konstantina Stanisławskiego i chciał uczynić stary balet bardziej logicznym i dramatycznie przekonującym. Gorsky zniszczył symetryczne kompozycje Petipy, zniósł tutu w scenie „Sen” i nalegał na stosowanie ciemnego makijażu dla tancerzy przedstawiających Hiszpanki. Petipa nazwał go „świnią”, ale już w pierwszej adaptacji Gorskiego balet został wystawiony na scenie Teatru Bolszoj 225 razy.

"Jezioro łabędzie"

Scenografia do pierwszego przedstawienia. Wielki teatr. Moskwa. 1877

Scena z baletu „Jezioro łabędzie” P.I. Czajkowski (choreografowie Marius Petipa i Lew Iwanow). 1895

Muzyka P. Czajkowskiego, libretto W. Begiczowa i W. Geltsera. Pierwsze przedstawienie: Moskwa, Teatr Bolszoj, 1877, choreografia V. Reisingera. Późniejsza inscenizacja: St. Petersburg, Teatr Maryjski, 1895, choreografia M. Petipa, L. Iwanow.

Ukochany balet, którego klasyczna wersja została wystawiona w 1895 roku, tak naprawdę narodził się osiemnaście lat wcześniej w moskiewskim Teatrze Bolszoj. Partytura Czajkowskiego, którego światowa sława miała dopiero nadejść, była rodzajem zbioru „pieśni bez słów” i wydawała się na tamte czasy zbyt skomplikowana. Balet wykonano około 40 razy i popadł w zapomnienie.

Po śmierci Czajkowskiego Jezioro łabędzie wystawiono w Teatrze Maryjskim i na tej wersji opierały się wszystkie kolejne inscenizacje baletu, która stała się klasyką. Akcji nadano większej przejrzystości i logiki: balet opowiadał o losach pięknej księżniczki Odety, która z woli złego geniusza Rothbarta zamieniła się w łabędzia, o tym, jak Rothbart oszukał zakochanego w niej księcia Zygfryda, uciekając się do uroków swojej córki Odyli i o śmierci bohaterów. Partytura Czajkowskiego została obniżona o około jedną trzecią przez dyrygenta Riccardo Drigo i ponownie zaaranżowana. Petipa stworzył choreografię do pierwszego i trzeciego aktu, Lew Iwanow – do drugiego i czwartego. Podział ten idealnie odpowiedział na powołanie obu znakomitych choreografów, z których drugi musiał żyć i umierać w cieniu pierwszego. Petipa to ojciec baletu klasycznego, twórca nienagannie harmonijnych kompozycji i śpiewaczka kobiety-wróżki, kobiety-zabawki. Iwanow to nowatorski choreograf o niezwykle wrażliwym wyczuciu muzyki. W roli Odette-Odile wcieliła się Pierina Legnani, „królowa mediolańskich baletnic”, jest także pierwszą Raymondą i wynalazczynią 32. fouetté, najtrudniejszego typu spinów na pointach.

Być może nie wiesz nic o balecie, ale Jezioro Łabędzie zna każdy. W ostatnich latach istnienia Związku Radzieckiego, kiedy starsi przywódcy dość często zastępowali się nawzajem, uduchowiona melodia „białego” duetu głównych bohaterów baletu i plamy skrzydlatych rąk z ekranu telewizora zapowiadały smutny wydarzenie. Japończycy tak bardzo pokochali „Jezioro łabędzie”, że są gotowi oglądać je rano i wieczorem w wykonaniu dowolnej trupy. Żadna grupa koncertowa, której jest wiele w Rosji, a zwłaszcza w Moskwie, nie może obejść się bez „Łabędzia”.

"Orzechówka"

Scena z baletu „Dziadek do orzechów”. Pierwsza produkcja. Marianna – Lydia Rubtsova, Klara – Stanislava Belinskaya, Fritz – Wasilij Stukolkin. Opera Maryjska. 1892

Scena z baletu „Dziadek do orzechów”. Pierwsza produkcja. Opera Maryjska. 1892

Muzyka P. Czajkowskiego, libretto M. Petipa. Pierwsze przedstawienie: St. Petersburg, Teatr Maryjski, 1892, choreografia L. Iwanow.

W książkach i na stronach internetowych wciąż krążą błędne informacje, że „Dziadka do orzechów” wystawił ojciec baletu klasycznego, Marius Petipa. Tak naprawdę Petipa napisał jedynie scenariusz, a pierwszą produkcję baletu wykonał jego podwładny Lew Iwanow. Iwanow stanął przed zadaniem niemożliwym: scenariusz, napisany w stylu modnego wówczas baletu ekstrawaganckiego, z nieodzownym udziałem gościnnego wykonawcy włoskiego, pozostawał w jawnej sprzeczności z muzyką Czajkowskiego, która choć została napisana w ścisłej zgodzie z twórczością Petipy instrukcji, wyróżniał się wielkim wyczuciem i bogactwem dramatycznym oraz złożonym rozwojem symfonicznym. Poza tym bohaterką baletu była nastolatka, a gwiazdorskiej baletnicy przeznaczone było dopiero finałowe pas de deux (duet z partnerem, składający się z adagio – części wolnej, wariacji – tańców solowych i kody ( wirtuozowski finał)). Pierwsza inscenizacja „Dziadka do orzechów”, w której pierwszy akt był w przeważającej mierze pantomimą, różniła się znacznie od drugiego aktu, aktu rozrywkowego, nie odniosła wielkiego sukcesu; krytycy zwrócili uwagę jedynie na Walc płatków śniegu (wzięło w nim udział 64 tancerzy). oraz Pas de deux Cukrowej Wróżki i Księcia Krztusca, dla których inspiracją było Adagio z różą Iwanowa ze Śpiącej królewny, w którym Aurora tańczy z czterema panami.

Ale w XX wieku, który potrafił przeniknąć w głąb muzyki Czajkowskiego, „Dziadek do orzechów” był skazany na naprawdę fantastyczną przyszłość. W Związku Radzieckim, krajach europejskich i USA istnieje niezliczona ilość przedstawień baletowych. W Rosji szczególną popularnością cieszą się przedstawienia Wasilija Wajnonena w Leningradzkim Państwowym Akademickim Teatrze Opery i Baletu (obecnie Teatr Maryjski w Petersburgu) oraz Jurija Grigorowicza w Moskiewskim Teatrze Bolszoj.

"Romeo i Julia"

Balet „Romeo i Julia”. Julia – Galina Ulanova, Romeo – Konstantin Siergiejew. 1939

Pani Patrick Campbell jako Julia w Romeo i Julii Szekspira. 1895

Finał baletu „Romeo i Julia”. 1940

Muzyka S. Prokofiewa, libretto S. Radłowa, A. Piotrowskiego, L. Ławrowskiego. Pierwsze przedstawienie: Brno, Teatr Opery i Baletu, 1938, choreografia V. Psota. Późniejsza produkcja: Leningrad, Państwowy Akademicki Teatr Opery i Baletu im. S. Kirow, 1940, choreografia L. Ławrowskiego.

Jeśli brzmi zdanie szekspirowskie w słynnym rosyjskim tłumaczeniu „Nie ma na świecie smutniejszej historii niż historia Romea i Julii”, potem powiedzieli o balecie napisanym przez wielkiego Siergieja Prokofiewa na tej fabule: „Nie ma na świecie smutniejszej historii niż muzyka Prokofiewa w balecie”. Zadziwiająca pięknem, bogactwem barw i wyrazistością partytura „Romea i Julii” w chwili swego powstania wydawała się zbyt skomplikowana i nieodpowiednia dla baletu. Tancerze baletowi po prostu nie chcieli do niego tańczyć.

Prokofiew napisał partyturę w 1934 roku i pierwotnie była ona przeznaczona nie dla teatru, ale dla słynnej Leningradzkiej Akademickiej Szkoły Choreograficznej z okazji 200-lecia jej istnienia. Projektu nie udało się zrealizować ze względu na zabójstwo Siergieja Kirowa w Leningradzie w 1934 r., zmiany nastąpiły w wiodącym teatrze muzycznym drugiej stolicy. Plan wystawienia „Romea i Julii” w moskiewskim Bolszoj również nie został zrealizowany. W 1938 roku premierę miał teatr w Brnie, a już dwa lata później balet Prokofiewa został wreszcie wystawiony w ojczyźnie autora, w ówczesnym Teatrze Kirowa.

Choreograf Leonid Ławrowski w ramach gatunku „dramat baletowy” (forma dramatu choreograficznego charakterystycznego dla baletu lat 30. i 50. XX wieku), ciepło przyjętego przez władze sowieckie, stworzył efektowne, emocjonujące widowisko ze starannie wyrzeźbionymi scenami zbiorowymi i subtelnie zarysowane cechy psychologiczne bohaterów. Do jego dyspozycji była Galina Ulanova, najbardziej wyrafinowana aktorka baletnicy, która pozostała niedościgniona w roli Julii.

Partyturę Prokofiewa szybko docenili zachodni choreografowie. Pierwsze wersje baletu pojawiły się już w latach 40. XX wieku. Ich twórcami były Birgit Kullberg (Sztokholm, 1944) i Margarita Froman (Zagrzeb, 1949). Słynne inscenizacje „Romea i Julii” to Frederick Ashton (Kopenhaga, 1955), John Cranko (Mediolan, 1958), Kenneth MacMillan (Londyn, 1965), John Neumeier (Frankfurt, 1971, Hamburg, 1973).I. Moiseeva, 1958, choreografia Yu.Grigorowicz, 1968.

Bez Spartaka koncepcja „baletu radzieckiego” jest nie do pomyślenia. To prawdziwy hit, symbol epoki. W okresie sowieckim rozwinęły się różne tematy i obrazy, głęboko różniące się od tradycyjnego baletu klasycznego odziedziczonego po Mariusie Petipie oraz Teatrach Cesarskich w Moskwie i Sankt Petersburgu. Bajki ze szczęśliwym zakończeniem zostały zarchiwizowane i zastąpione historiami bohaterskimi.

Już w 1941 roku jeden z czołowych kompozytorów radzieckich Aram Chaczaturian mówił o zamiarze napisania muzyki do monumentalnego, bohaterskiego przedstawienia, które miało zostać wystawione na scenie Teatru Bolszoj. Tematem był epizod z historii starożytnego Rzymu, powstanie niewolników dowodzone przez Spartakusa. Chaczaturian stworzył barwną partyturę, wykorzystującą motywy ormiańskie, gruzińskie, rosyjskie, pełną pięknych melodii i ognistych rytmów. Produkcją miał zająć się Igor Moiseev.

Zanim jego twórczość dotarła do publiczności, minęło wiele lat i pojawiła się nie w Teatrze Bolszoj, ale w Teatrze. Kirow. Choreograf Leonid Yakobson stworzył oszałamiający nowatorski spektakl, porzucając tradycyjne atrybuty baletu klasycznego, w tym taniec na pointach, wykorzystując swobodną plastyczność i baleriny w sandałach.

Ale balet „Spartakus” stał się hitem i symbolem epoki w rękach choreografa Jurija Grigorowicza w 1968 roku. Grigorowicz zadziwił widza doskonale skonstruowaną dramaturgią, subtelnym kreowaniem postaci głównych bohaterów, umiejętną inscenizacją scen zbiorowych oraz czystością i pięknem lirycznych adagiów. Swoje dzieło nazwał „przedstawieniem na czterech solistów z corps de ballet” (corps de ballet to artyści zaangażowani w masowe epizody taneczne). W roli Spartakusa wystąpili Władimir Wasiliew, Krassus – Maris Liepa, Frygia – Ekaterina Maksimova i Egina – Nina Timofeeva. Balet był w przeważającej mierze męski, co czyni balet „Spartakus” jedynym w swoim rodzaju.

Oprócz słynnych odczytów Spartakusa Jacobsona i Grigorowicza istnieje jeszcze około 20 przedstawień baletu. Wśród nich znajdują się wersje Jiříego Blazka dla Baletu Praskiego, László Szeregiego dla Baletu Budapeszteńskiego (1968), Jüriego Vamosa dla Arena di Verona (1999), Renato Zanelli dla Baletu Opery Wiedeńskiej (2002), Natalii Kasatkiny i Vladimira Wasiliewa dla Państwowego Teatru Akademickiego w reżyserii ich baletu klasycznego w Moskwie (2002).

Balet jest formą sztuki scenicznej; to emocja ucieleśniona w obrazach muzycznych i choreograficznych.

Balet, najwyższy poziom choreografii, w którym sztuka tańca wznosi się do poziomu muzycznego występu scenicznego, powstał jako sztuka dworska arystokratyczna znacznie później niż taniec, bo w XV-XVI wieku.

Termin „balet” pojawił się w renesansowych Włoszech w XVI wieku i oznaczał nie spektakl, ale epizod taneczny. Balet to sztuka, w której taniec, główny środek wyrazu baletu, jest ściśle związany z muzyką, z podstawą dramatyczną - libretto, ze scenografią, z pracą kostiumografa, projektanta oświetlenia itp.

Balet jest różnorodny: fabuła - klasyczny narracyjny balet wieloaktowy, balet dramatyczny; bez fabuły - balet symfoniczny, balet nastrojowy, miniatura.

Na scenach świata pojawiło się wiele przedstawień baletowych opartych na arcydziełach literackich do muzyki znakomitych kompozytorów. Dlatego brytyjski portal internetowy Listverse postanowił sporządzić ranking najlepszych przedstawień baletowych w historii.

"Jezioro łabędzie"
Kompozytor: Piotr Czajkowski

Pierwsza moskiewska produkcja Jeziora łabędziego nie zakończyła się sukcesem – jego chwalebna historia rozpoczęła się prawie dwadzieścia lat później w Petersburgu. Ale to Teatr Bolszoj przyczynił się do tego, że świat został obdarowany tym arcydziełem. Piotr Iljicz Czajkowski napisał swój pierwszy balet na zlecenie Teatru Bolszoj.
„Jezioro łabędzie” szczęśliwe życie sceniczne za sprawą słynnego Mariusa Petipy i jego asystenta Lwa Iwanowa, którzy przeszli do historii przede wszystkim dzięki inscenizacji standardowych scen „łabędzich”.

Wersja Petipy-Iwanowa stała się klasyką. Leży u podstaw większości kolejnych produkcji Jeziora Łabędziego, z wyjątkiem tych skrajnie modernistycznych.

Prototypem jeziora łabędziego było jezioro z Gospodarki Łabędzi Dawidowa (obecnie obwód czerkaski na Ukrainie), które Czajkowski odwiedził na krótko przed napisaniem baletu. Wypoczywając tam, autor spędził na jego brzegu niejeden dzień, obserwując śnieżnobiałe ptaki.
Fabuła opiera się na wielu motywach folklorystycznych, m.in. na starożytnej niemieckiej legendzie opowiadającej historię pięknej księżniczki Odety, która pod wpływem klątwy złego czarnoksiężnika, rycerza Rothbarta, zamieniła się w łabędzia.

"Romeo i Julia"

Romeo i Julia Prokofiewa to jeden z najpopularniejszych baletów XX wieku. Premiera baletu odbyła się w 1938 roku w Brnie (Czechosłowacja). Jednak wydanie baletu, które zostało zaprezentowane w Teatrze Kirowa w Leningradzie w 1940 roku, odbiło się szerokim echem.

„Romeo i Julia” to balet w 3 aktach, 13 scenach z prologiem i epilogiem, oparty na tragedii Williama Szekspira pod tym samym tytułem. Ten balet to arcydzieło sztuki światowej, ucieleśnione poprzez muzykę i niesamowitą choreografię. Sama produkcja robi na tyle wrażenie, że warto ją choć raz w życiu obejrzeć.

„Giselle”
Kompozytor: Adolf Adam

„Giselle” to „fantastyczny balet” w dwóch aktach francuskiego kompozytora Adolphe’a Adama do libretta Henriego de Saint-Georgesa, Théophile’a Gautiera i Jeana Coralli’ego, oparty na legendzie opowiedzianej przez Heinricha Heinego. W swojej książce „O Niemczech” Heine pisze o Wilisach – dziewczynach, które zmarły z nieszczęśliwej miłości, które zamieniwszy się w magiczne stworzenia, tańczą na śmierć spotykanych nocą młodych ludzi, mszcząc się na nich za zrujnowane życie.

Balet miał swoją premierę 28 czerwca 1841 roku w Wielkiej Operze w choreografii J. Coralli i J. Perrault. Produkcja odniosła ogromny sukces i zebrała dobre recenzje w prasie. Pisarz Jules Janin napisał: „W tej pracy można znaleźć tak wiele. I fikcja, i poezja, i muzyka, i kompozycja nowych kroków, i piękni tancerze, i harmonia, pełna życia, wdzięku, energii. To właśnie nazywają baletem.”

"Orzechówka"
Kompozytor: Piotr Czajkowski

Historia inscenizacji baletu P. I. Czajkowskiego „Dziadek do orzechów”, którego literacką podstawą była baśń „Dziadek do orzechów i król myszy” Ernsta Theodora Amadeusa Hoffmanna, zna wiele wydań autorskich. Premiera baletu odbyła się 6 grudnia 1892 roku w Teatrze Maryjskim.
Premiera baletu okazała się wielkim sukcesem. Balet „Dziadek do orzechów” jest kontynuacją i dopełnieniem serii baletów P. I. Czajkowskiego, które stały się już klasyką, w których rozbrzmiewa temat walki dobra ze złem, rozpoczęty w „Jeziorze łabędzim” i kontynuowany w „Śpiącej królewnie” .

Świąteczna opowieść o szlachetnym i przystojnym zaczarowanym księciu przemienionym w lalkę Dziadka do orzechów, o życzliwej i bezinteresownej dziewczynie oraz jej przeciwniku, złym Królu Myszy, od zawsze była uwielbiana przez dorosłych i dzieci. Mimo baśniowej fabuły jest to dzieło prawdziwego baletowego mistrzostwa z elementami mistycyzmu i filozofii.

„Bajadera”
Kompozytor: Ludwig Minkus

„Bajadera” to balet w czterech aktach i siedmiu scenach z apoteozą choreografa Mariusa Petipy do muzyki Ludwiga Fedorowicza Minkusa.
Literackim źródłem baletu „La Bayadere” jest dramat indyjskiego klasyka Kalidasa „Shakuntala” oraz ballada V. Goethego „Bóg i Bayadère”. Fabuła oparta jest na romantycznej, orientalnej legendzie o nieszczęśliwej miłości bajady i walecznego wojownika. „Bajadera” to wzorowe dzieło jednego z nurtów stylistycznych XIX wieku – eklektyzmu. W „Bajaderze” jest zarówno mistycyzm, jak i symbolika: wrażenie, że od pierwszej sceny nad bohaterami wznosi się „miecz karzący z nieba”.

„Święta wiosna”
Kompozytor: Igor Strawiński

Święto wiosny to balet rosyjskiego kompozytora Igora Strawińskiego, którego premiera odbyła się 29 maja 1913 roku w Théâtre des Champs-Élysées w Paryżu.

Koncepcja „Święta wiosny” opierała się na śnie Strawińskiego, w którym widział starożytny rytuał – młoda dziewczyna, otoczona starszymi, tańczy do wyczerpania, aby obudzić wiosnę, i umiera. Strawiński pracował nad muzyką w tym samym czasie co Roerich, który pisał szkice do scenografii i kostiumów.

W balecie nie ma fabuły jako takiej. Kompozytor tak określa treść „Święta wiosny”: „Jasne zmartwychwstanie natury, która odradza się do nowego życia, zmartwychwstanie całkowite, spontaniczne zmartwychwstanie poczęcia świata”.

"Śpiąca Królewna"
Kompozytor: Piotr Czajkowski

Balet „Śpiąca królewna” P.I. Czajkowskiego – Mariusa Petipy nazywany jest „encyklopedią tańca klasycznego”. Starannie skonstruowany balet zachwyca wspaniałością różnorodnych barw choreograficznych. Ale jak zawsze w centrum każdego występu Petipy znajduje się baletnica. W pierwszym akcie Aurora jest młodą dziewczyną, która jasno i naiwnie postrzega otaczający ją świat, w drugim jest ponętnym duchem, przywołanym z długotrwałego snu przez Liliową Wróżkę, w finale jest szczęśliwą księżniczka, która znalazła narzeczonego.

Pomysłowy geniusz Petipy olśniewa publiczność dziwacznym układem różnorodnych tańców, których zwieńczeniem jest uroczyste pas de deux kochanków, księżniczki Aurory i księcia Désiré. Dzięki muzyce P.I. Czajkowskiego bajka dla dzieci stała się wierszem o walce dobra (wróżka Lilac) ze złem (wróżka Carabosse). „Śpiąca królewna” to prawdziwa symfonia muzyczno-choreograficzna, w której muzyka i taniec przenikają się.

"Don Kichot"
Kompozytor: Ludwig Minkus

„Don Kichot” to jedno z najbardziej afirmujących życie, żywych i świątecznych dzieł teatru baletowego. Co ciekawe, ten genialny balet wbrew nazwie nie jest bynajmniej dramatyzacją słynnej powieści Miguela de Cervantesa, ale samodzielnym dziełem choreograficznym Mariusa Petipy na podstawie Don Kichota.

W powieści Cervantesa podstawą fabuły jest wizerunek smutnego rycerza Don Kichota, gotowego na wszelkie wyczyny i szlachetne czyny. W balecie Petipy do muzyki Ludwiga Minkusa, którego premiera odbyła się w 1869 roku w Moskiewskim Teatrze Bolszoj, Don Kichot jest postacią drugoplanową, a fabuła skupia się na historii miłosnej Kitriego i Bazylego.

"Kopciuszek"
Kompozytor: Siergiej Prokofiew

„Kopciuszek” to balet w trzech aktach Siergieja Prokofiewa oparty na baśni pod tym samym tytułem Charlesa Perraulta.
Muzyka do baletu powstała w latach 1940-1944. „Kopciuszek” do muzyki Prokofiewa został po raz pierwszy wystawiony 21 listopada 1945 roku w Teatrze Bolszoj. Jej dyrektorem był Rostisław Zacharow.
Tak Prokofiew pisał o balecie Kopciuszek: „Stworzyłem Kopciuszka w najlepszych tradycjach baletu klasycznego”, co sprawia, że ​​widz wczuwa się i nie pozostaje obojętny na radości i kłopoty Księcia i Kopciuszka.

Balet jako forma muzyczna ewoluowała od prostego uzupełnienia tańca do specyficznej formy kompozycyjnej, która często miała to samo znaczenie, co towarzyszący jej taniec. Ta forma tańca powstała we Francji w XVII wieku i zaczęła się jako taniec teatralny. Formalnie balet uzyskał status „klasycznego” dopiero w XIX wieku. W balecie terminy „klasyczny” i „romantyczny” ewoluowały chronologicznie od zastosowań muzycznych. Tak więc w XIX wieku klasyczny okres baletu zbiegł się z erą romantyzmu w muzyce. Kompozytorzy muzyki baletowej od XVII do XIX wieku, w tym Jean-Baptiste Lully i Piotr Iljicz Czajkowski, występowali głównie we Francji i Rosji. Jednak wraz ze swoją rosnącą międzynarodową sławą Czajkowski za swojego życia był świadkiem rozprzestrzeniania się baletowej kompozycji muzycznej i baletu w ogóle w całym świecie zachodnim.

Encyklopedyczny YouTube

1 / 3

✪ Absolutna plotka o balecie „Śpiąca królewna”

✪ Dona nobis Pacem Daj nam spokój I S Bacha Msza h-moll Tatarski Teatr Opery i Baletu 2015

✪ ♫ Muzyka klasyczna dla dzieci.

Napisy na filmie obcojęzycznym

Fabuła

• Do mniej więcej drugiej połowy XIX wieku muzyka w balecie odgrywała drugorzędną rolę, z głównym naciskiem na taniec, a sama muzyka była po prostu zapożyczana z melodii tanecznych. Pisanie „muzyki baletowej” było kiedyś dziełem muzycznych rzemieślników, a nie mistrzów. Na przykład krytycy rosyjskiego kompozytora Piotra Iljicza Czajkowskiego postrzegali jego pisanie muzyki baletowej jako coś podłego.
  Od najwcześniejszych baletów aż do czasów Jeana-Baptiste'a Lully'ego (1632-1687) muzyka baletowa była nie do odróżnienia od muzyki do tańca towarzyskiego. Lully stworzył odrębny styl, w którym muzyka opowiadałaby historię. Pierwszy „Balet Akcji" wystawiono w 1717 r. Była to historia opowiedziana bez słów. Pionierem był John Weaver (1673-1760). Zarówno Lully, jak i Jean-Philippe Rameau napisali „operę-balet", w którym odbyła się akcja częściowo poprzez taniec, częściowo śpiew, ale muzyka baletowa stopniowo traciła na znaczeniu.
  Kolejny duży krok nastąpił w pierwszych latach XIX wieku, kiedy soliści zaczęli używać specjalnych sztywnych baletek – pointów. Pozwoliło to na bardziej ułamkowy styl muzyczny. W 1832 roku słynna baletnica Maria Taglioni (1804-1884) po raz pierwszy zademonstrowała taniec na pointach. To było w La Sylphide. Muzyka stała się teraz bardziej wyrazista, taniec stopniowo stawał się coraz bardziej odważny, a baletnice unosili w powietrze mężczyźni.
  Do czasów Czajkowskiego kompozytora baletu nie oddzielano od kompozytora symfonii. Muzyka baletowa służyła jako akompaniament do tańca solowego i zespołowego. Balet Czajkowskiego Jezioro łabędzie był pierwszym muzycznym dziełem baletowym stworzonym przez kompozytora symfonicznego. Z inicjatywy Czajkowskiego kompozytorzy baletowi nie pisali już prostych i łatwych partii tanecznych. Teraz balet skupiał się nie tylko na tańcu; kompozycja po tańcach nabrała równie ważnego znaczenia. Pod koniec XIX wieku Marius Petipa, choreograf rosyjskiego baletu i tańca, współpracował z kompozytorami takimi jak Cesar Pugni przy tworzeniu arcydzieł baletowych, które szczyciły się zarówno złożonym tańcem, jak i złożoną muzyką. Petipa współpracowała z Czajkowskim, współpracując z kompozytorem przy jego dziełach Śpiąca królewna i Dziadek do orzechów, lub pośrednio poprzez nowe wydanie Jeziora Łabędziego Czajkowskiego po śmierci kompozytora.
  W wielu przypadkach w operach nadal używano krótkich scen baletowych w celu zmiany scenerii lub kostiumu. Być może najbardziej znanym przykładem muzyki baletowej w operze jest Taniec godzin z opery La Gioconda (1876) Amilcare'a Ponchielliego.
  Zasadnicza zmiana nastrojów nastąpiła wraz z powstaniem baletu Igora Strawińskiego Święto wiosny (1913).

Muzyka była ekspresjonistyczna i nieharmonijna, a ruchy bardzo stylizowane. W 1924 roku George Antheil napisał Ballet Mechanica. To nadawało się do filmu o poruszających się obiektach, ale nie dla tancerzy, chociaż było nowatorskie w wykorzystaniu muzyki jazzowej. Od tego punktu wyjścia muzyka baletowa dzieli się na dwa kierunki - modernizm i taniec jazzowy. George Gershwin próbował wypełnić tę lukę swoją ambitną ścieżką dźwiękową do Shall We Dance (1937), ponad godzinną muzyką obejmującą intelektualny i technicznie bezkompromisowy jazz i rumbę. Jedna ze scen została skomponowana specjalnie dla baletnicy Harriet Hoctor.
Wielu twierdzi, że taniec jazzowy najlepiej reprezentuje choreograf Jerome Robbins, który współpracował z Leonardem Bernsteinem w West Side Story (1957). W pewnym sensie jest to powrót do „opery-baletu", gdyż fabuła opowiedziana jest głównie słowami. Modernizm najlepiej reprezentuje Siergiej Prokofiew w balecie „Romeo i Julia". To przykład czystego baletu, a tam żadnych wpływów jazzu ani żadnej innej muzyki popularnej. Kolejnym trendem w historii muzyki baletowej jest tendencja do twórczych adaptacji muzyki dawnej. Ottorino Respighi zaadaptował dzieła Gioachino Rossiniego (1792-1868) i ich wspólny cykl w balecie pt. „Magiczny sklep”, którego premiera odbyła się w 1919 roku. Publiczność baletowa preferuje muzykę romantyczną, dlatego nowe balety łączą się ze starymi dziełami poprzez nową choreografię. Słynnym przykładem jest „Sen” - muzyka Feliksa Mendelssohna w adaptacji Johna Lanchbury'ego.

Kompozytorzy baletu

Na początku XIX wieku choreografowie wystawiali przedstawienia do muzyki zebranej, składającej się najczęściej z popularnych i znanych fragmentów oper oraz melodii pieśni. Pierwszą próbą zmiany dotychczasowej praktyki była kompozytorka Jean-Madeleine Schneizhofer. Został za to poddany ostrej krytyce, począwszy od swojego pierwszego dzieła, baletu „Prozerpina” (1818):

Muzyka należy do młodego człowieka, który sądząc po uwerturze i niektórych motywach baletu zasługuje na zachętę. Jestem jednak głęboko przekonany (a doświadczenie mnie potwierdza), że umiejętnie dobrane do sytuacji motywy zawsze lepiej służą zamierzeniom choreografa i jaśniej ujawniają jego intencję niż muzyka niemal zupełnie nowa, która zamiast wyjaśniać pantomimę, sama czeka na wyjaśnienie.

Pomimo ataków krytyki, w ślad za Schneitzhofferem, inni kompozytorzy zaczęli odchodzić od tradycji tworzenia partytur baletowych złożonych z fragmentów muzycznych na motywach innych znanych (najczęściej operowych) dzieł – Ferdinanda Herolda, Fromentala Halévy’ego, a przede wszystkim - a potem owocnie współpracował z Mariusem Petipą, tworząc swoje partytury, ściśle przestrzegając wskazówek choreografa i jego planu - aż do liczby taktów w każdym numerze. W przypadku Saint-Leona musiał się nawet posłużyć melodiami wyznaczonymi przez choreografa: jak wynika ze wspomnień Karla Waltza, Saint-Leon, sam skrzypek i muzyk, nieraz gwizdał Minkusowi melodie, które „gorączkowo tłumaczył w zapisach muzycznych.”

Praktyka ta nie odpowiadała zasadom samego Schneitzhoffera, który cenił sobie reputację niezależnego twórcy i przy tworzeniu partytur zawsze pracował oddzielnie od choreografa (wyjątek stanowiło jedynie tworzenie baletu La Sylphide wspólnie z

Kiedy mówimy o balecie, zawsze mamy na myśli kreatywność, ponieważ to on wprowadził ten gatunek sceniczny do kategorii poważnych i zakrojonych na szeroką skalę muzycznych przedstawień scenicznych. Ma tylko trzy balety, a wszystkie trzy – „Jezioro łabędzie”, „Dziadek do orzechów”, „Śpiąca królewna” słyną ze doskonałej dramaturgii i wspaniałej muzyki.

Najpopularniejszym dziełem baletowym Piotra Czajkowskiego, które słyszy prawie każdy, jest „”, napisany w 1877 roku. Wiele fragmentów tego spektaklu tanecznego - „Taniec małych łabędzi”, „Walc” i inne, od dawna żyje własnym, odrębnym życiem, podobnie jak popularne kompozycje muzyczne. Jednak całe przedstawienie, opowiadające historię miłosną, zasługuje na uwagę melomanów. Czajkowski, znany za życia ze swojego niezwykłego talentu kompozytorskiego, hojnie nagrodził balet niezliczoną ilością uroczych i zapadających w pamięć melodii.

Kolejnym z najlepszych baletów w historii muzyki jest Balet Czajkowskiego. Był to drugi zwrot kompozytora w stronę gatunku tańca i jeśli „Jezioro łabędzie” początkowo nie zostało docenione przez publiczność, „Piękno” zostało natychmiast uznane za arcydzieło i było pokazywane w prawie wszystkich teatrach Imperium Rosyjskiego i Europy.

Balet oparty jest na znanej nam od dzieciństwa fabule, baśniowej historii Charlesa Perraulta o Śpiącej Królewnie, złej wróżce i zwycięskiej miłości. Czajkowski uzupełnił tę historię wspaniałymi tańcami postaci z bajek, a Marius Petipa niesamowitą choreografią, co wszystko stało się encyklopedią sztuki baletowej.

„” to trzeci i ostatni balet Piotra Czajkowskiego, jeden z uznanych szczytów jego twórczości, który z pewnością będzie pokazywany we wszystkich teatrach Europy w Święta Bożego Narodzenia i Sylwestra. Bajka Hoffmanna „Dziadek do orzechów i król myszy” kontynuuje wątek walki zła z dobrem zapoczątkowany przez Czajkowskiego w „Jeziorze łabędzim”, uzupełniając go elementami fantazji oraz, oczywiście, miłości i poświęcenia. Filozoficzna opowieść, liczne piękne melodie numerów tanecznych i choreografia czynią ten balet jednym z najlepszych i najbardziej rozchwytywanych klasycznych dzieł muzycznych światowej muzyki.

Swego czasu był to jeden z najbardziej skandalicznych baletów. Obecnie „Romeo i Julia” to jedna z klasycznych produkcji tanecznych prezentowana w wielu teatrach na całym świecie. Nowa, w dużej mierze rewolucyjna muzyka kompozytora wymagała od zespołu nowej scenografii i stylów ruchu. Przed premierą kompozytor dosłownie musiał namówić reżyserów i tancerzy do udziału w przedstawieniu. Jednak to nie pomogło, główne teatry w kraju - teatry Bolszoj i Kirowa - odmówiły wystawienia tego przedstawienia. Dopiero po nieoczekiwanym i oszałamiającym sukcesie Romea i Julii w Czechosłowacji balet wystawiono w Petersburgu i Moskwie, a sam Prokofiew otrzymał Nagrodę Stalina.

Klasycznym wykonaniem wszystkich zespołów tanecznych na świecie jest „Giselle”. Balet oparty jest na legendzie o Willisach – duchach narzeczonych, które zmarły z nieszczęśliwej miłości i dlatego w szaleńczym tańcu ścigały wszystkich młodych mężczyzn. Od premiery w 1841 roku „Giselle” nie straciła na popularności wśród miłośników sztuki tańca i doczekała się wielu inscenizacji.

Aleksander Nikołajewicz Skriabin Aleksander Nikołajewicz Skriabin to rosyjski kompozytor i pianista, jedna z najwybitniejszych osobistości rosyjskiej i światowej kultury muzycznej. Oryginalna i głęboko poetycka twórczość Skriabina wyróżniała się innowacyjnością nawet na tle narodzin wielu nowych nurtów w sztuce związanych ze zmianami w życiu publicznym przełomu XIX i XX wieku.
Urodzony w Moskwie, jego matka zmarła wcześnie, ojciec nie mógł zwrócić uwagi na syna, ponieważ był ambasadorem w Persji. Skriabin był wychowywany przez ciotkę i dziadka i od dzieciństwa wykazywał talent muzyczny. Początkowo uczył się w korpusie kadetów, pobierał prywatne lekcje gry na fortepianie, a po ukończeniu korpusu wstąpił do Konserwatorium Moskiewskiego, jego kolegą z klasy był S. V. Rachmaninow. Po ukończeniu konserwatorium Skriabin całkowicie poświęcił się muzyce – jako pianista-kompozytor koncertował w Europie i Rosji, większość czasu spędzając za granicą.
Szczyt twórczości kompozytorskiej Skriabina przypadł na lata 1903-1908, kiedy to ukazała się III Symfonia („Boski poemat”), symfoniczny „Poemat ekstazy”, poematy fortepianowe „Tragiczne” i „szatańskie”, IV i V sonaty oraz inne dzieła. wydany. „Poemat ekstazy”, składający się z kilku obrazów tematycznych, skupił twórcze pomysły Sryabina i jest jego genialnym arcydziełem. Harmonijnie łączy zamiłowanie kompozytora do potęgi wielkiej orkiestry i lirycznego, napowietrzonego brzmienia instrumentów solowych. Kolosalna energia życiowa, ognista pasja i siła silnej woli zawarte w „Poemacie ekstazy” robią na słuchaczu nieodparte wrażenie i do dziś zachowują moc swojego oddziaływania.
Kolejnym arcydziełem Skriabina jest „Prometeusz” („Poemat ognia”), w którym autor całkowicie zaktualizował swój język harmoniczny, odchodząc od tradycyjnego systemu tonalnego i po raz pierwszy w historii temu utworowi miała towarzyszyć muzyka kolorowa , ale premiera ze względów technicznych odbyła się bez efektów świetlnych.
Ostatnią niedokończoną „Tajemnicą” był plan Skriabina, marzyciela, romantyka, filozofa, aby przemówić do całej ludzkości i zainspirować ją do stworzenia nowego fantastycznego porządku świata, zjednoczenia Ducha Uniwersalnego z Materią.
A. N. Skriabin „Prometeusz”

Siergiej Wasiliewicz Rachmaninow Siergiej Wasiliewicz Rachmaninow to największy na świecie kompozytor początku XX wieku, utalentowany pianista i dyrygent. Twórczy wizerunek kompozytora Rachmaninowa określany jest często mianem „najbardziej rosyjskiego kompozytora”, podkreślając w tym krótkim sformułowaniu jego zasługi w łączeniu tradycji muzycznych moskiewskiej i petersburskiej szkoły kompozytorskiej oraz w tworzeniu własnego, niepowtarzalnego stylu, który wyróżnia się w światowej kulturze muzycznej.
Urodzony w obwodzie nowogrodzkim, w wieku czterech lat rozpoczął naukę muzyki pod kierunkiem swojej matki. Studiował w Konserwatorium w Petersburgu, po 3 latach studiów przeniósł się do Konserwatorium Moskiewskiego i ukończył je z dużym złotym medalem. Szybko dał się poznać jako dyrygent i pianista oraz komponował muzykę. Katastrofalna premiera nowatorskiej I Symfonii (1897) w Petersburgu spowodowała kryzys twórczy kompozytora, z którego na początku XX wieku wyłonił się Rachmaninow z dojrzałym stylem, łączącym rosyjską pieśń kościelną, odchodzący romantyzm europejski, nowoczesny impresjonizm i neoklasycyzm, a wszystko to w pełni o złożonej symbolice. W tym okresie twórczym narodziły się jego najlepsze dzieła, m.in