Znane kompozytorki. Kobiety są kompozytorkami. Aleksander Nikołajewicz Skriabin

TEKST: Oleg Sobolew

JAK W KAŻDYM INNYM DZIEDZINIE SZTUKI KLASYCZNEJŚwiat zachodni, w historii muzyki akademickiej jest niezliczona ilość zapomnianych kobiet, które zasługują na to, żeby o nich opowiedzieć. Zwłaszcza w historii sztuki kompozytorskiej. Nawet teraz, gdy z roku na rok rośnie liczba wybitnych kompozytorek, w sezonowych programach najsłynniejszych orkiestr i programach koncertów najsłynniejszych wykonawców rzadko pojawiają się dzieła kobiet.

Kiedy twórczość kompozytorki staje się obiektem zainteresowania publiczności lub dziennikarstwa, wiadomościom na ten temat nieodzownie towarzyszą smutne statystyki. Oto niedawny przykład: W tym sezonie Metropolitan Opera zaprezentowała genialną Miłość z daleka Kaiji Saariaho – jak się okazało, pierwszą operę napisaną przez kobietę, która została wystawiona w tym teatrze od 1903 roku. Pocieszeniem jest to, że utwory Saariaho – jak choćby muzyka Sofii Gubaiduliny czy Julii Wolf – są wykonywane dość często, nawet bez takich powodów informacyjnych.

Wybranie kilku mało znanych bohaterek muzycznych z dużej listy imion żeńskich jest trudnym zadaniem. Siedem kobiet, o których teraz porozmawiamy, łączy jedno – w takim czy innym stopniu nie pasowały do ​​otaczającego ich świata. Niektórzy wyłącznie za sprawą własnego zachowania, które zniszczyło fundamenty kulturowe, a niektórzy – poprzez swoją muzykę, dla której nie sposób znaleźć analogii.

Luiza Farranc

Urodzona jako Jeanne-Louise Dumont, w świecie muzyki europejskiej zasłynęła w latach trzydziestych i czterdziestych XIX wieku jako pianistka. Co więcej, reputacja wykonawczyni dziewczyny była tak wysoka, że ​​w 1842 roku Farranc został mianowany profesorem fortepianu w Konserwatorium Paryskim. Funkcję tę pełniła przez następne trzydzieści lat i mimo nawału pracy pedagogicznej dała się poznać jako kompozytorka. Jednak zamiast „udało się zamanifestować”, ale „nie mogło powstrzymać się od zamanifestowania”. Farranc pochodziła ze słynnej dynastii rzeźbiarzy i dorastała wśród najlepszych ludzi sztuki paryskiej, dlatego akt twórczego wyrażania siebie był dla niej niezwykle naturalny.

Po opublikowaniu w ciągu swojego życia około pięćdziesięciu utworów, głównie instrumentalnych, Madame Professor zebrała entuzjastyczne recenzje swojej muzyki u Berlioza i Liszta, jednak w ojczyźnie Farranc był postrzegany jako kompozytor nazbyt niefrancuski. We Francji każdy pierwszy początkujący autor pisał wielogodzinne opery, a lakoniczne i inspirowane muzyką epoki klasycznej dzieła paryżanina rzeczywiście kłóciły się z modą tamtych czasów. Na próżno: jej najlepsze dzieła – jak III Symfonia g-moll – delikatnie mówiąc, nie giną na tle mastodontów tamtych czasów, jak Mendelssohn czy Schumann. A Brahms swoimi próbami przełożenia klasycyzmu na język epoki romantyzmu wyprzedził Farranka o dziesięć, a nawet dwadzieścia lat.

Dora Pejacevic

Przedstawicielka jednego z najwybitniejszych bałkańskich rodów szlacheckich, wnuczka jednego z zakazów (czytaj – namiestników) Chorwacji i córka innego, Dora Pejacevic spędziła swoje dzieciństwo i młodość dokładnie tak, jak lubi to przedstawiać światowa popkultura. życie młodych i starannie chronione przez rodzinę młodych arystokratów. Dziewczyna dorastała pod ścisłym nadzorem angielskich guwernantek, prawie nie miała kontaktu z rówieśnikami i, ogólnie rzecz biorąc, była wychowywana przez rodziców z myślą o dalszym udanym małżeństwie dla rodziny, a nie o szczęśliwym dzieciństwie.

Coś jednak poszło nie tak: Dora jako nastolatka zafascynowała się ideami socjalizmu, zaczęła nieustannie kłócić się z rodziną, w wyniku czego w wieku ponad dwudziestu lat została na zawsze oddzielona od reszty Pejaceviców. resztę jej życia. Przyniosło to jednak korzyść tylko jej innemu hobby: u progu I wojny światowej zbuntowana szlachcianka ugruntowała swoją pozycję najważniejszej postaci muzyki chorwackiej.

Utwory Dory, w równym stopniu inspirowane Brahmsem, Schumannem i Straussem, brzmiały wyjątkowo naiwnie jak na standardy otaczającego ją świata – powiedzmy, że w chwili premiery jej staromodnego koncertu fortepianowego w Berlinie i Paryżu słuchano już Pierrot Lunaire i Święto wiosny. Jeśli jednak oderwiemy się od kontekstu historycznego i posłuchamy muzyki Pejacevic jako szczerej deklaracji miłości do niemieckich romantyków, z łatwością zauważymy jej ekspresyjną melodykę, orkiestrację na wysokim poziomie i staranną pracę strukturalną.

Plaża Amy

Najsłynniejszy odcinek biografii Amy Beach można opowiedzieć w następujący sposób. W 1885 roku, gdy miała 18 lat, rodzice Amy wydali ją za mąż za 42-letniego chirurga z Bostonu. Dziewczyna była już wirtuozką fortepianu i miała nadzieję kontynuować naukę muzyki i karierę koncertową, ale jej mąż zdecydował inaczej. Doktor Henry Harris Audrey Beach, zaniepokojony sytuacją swojej rodziny i kierując się ówczesnymi wyobrażeniami o roli kobiet w świeckim społeczeństwie Nowej Anglii, zabronił żonie studiowania muzyki i ograniczył jej występy jako pianistki do jednego koncertu w roku.

Dla Amy, która marzyła o salach koncertowych i wyprzedanych recitalach, okazało się to równoznaczne z tragedią. Jednak, jak to często bywa, tragedia ustąpiła miejsca triumfowi: Beach, choć poświęciła karierę performerską, zaczęła coraz bardziej oddawać się komponowaniu i obecnie przez większość badaczy jest jednoznacznie identyfikowana jako najlepsza amerykańska kompozytorka późnego romantyzmu. Jej dwa główne dzieła – wydana w 1896 roku Symfonia gaelicka i wydany trzy lata później koncert fortepianowy – są naprawdę piękne, choć jak na ówczesne standardy zupełnie pozbawione oryginalności. Najważniejsze jest to, że w muzyce Beacha, jak można się spodziewać, nie ma absolutnie miejsca na prowincjonalizm i zaściankowość.

Ruth Crawford Seeger

W kręgach poważnych fanów, badaczy i po prostu miłośników amerykańskiej muzyki folkowej Ruth Crawford Seeger jest znacznie lepiej znana niż w świecie muzyki akademickiej. Dlaczego? Powody są dwa kluczowe: po pierwsze, była żoną muzykologa Charlesa Seegera, a zatem przodkiem klanu Seegerów, rodziny muzyków i śpiewaków, którzy bardziej niż ktokolwiek inny zrobili dla popularyzacji amerykańskiego folku. Po drugie, przez ostatnie dziesięć lat swojego życia ściśle zajmowała się katalogowaniem i aranżacją utworów zarejestrowanych podczas licznych podróży Johna i Alana Lomaxów, największych amerykańskich folklorystów i kolekcjonerów muzyki ludowej.

Co zaskakujące, zarówno Ruth, jak i Charles Seeger do początku wspólnego życia byli kompozytorami o skrajnie modernistycznym zamyśle, do których muzyki z wielkim trudem można było zastosować słowo „folklor”. Zwłaszcza twórczość Ruth Crawford z początku lat 30. można porównywać jedynie z twórczością Antona Weberna – i to tylko pod względem umiejętnie skonstruowanej dramaturgii i lakonicznie skoncentrowanego materiału muzycznego. Jeśli jednak w Webernie tradycja prześwieca przez każdą nutę – niezależnie od tego, czy jest to muzyka austriacka, czy renesansowa – wówczas dzieła Seegera istnieją jakby poza tradycją, poza przeszłością i poza przyszłością, poza Ameryką i poza resztą świata. Dlaczego kompozytor o tak indywidualnym stylu wciąż nie znajduje się w kanonicznym repertuarze modernizmu? Tajemnica.

Lily Boulanger

Wydawałoby się, jaką muzykę mogła na początku ubiegłego wieku komponować wiecznie chora, głęboko religijna i patologicznie skromna Francuzka z wyższych sfer? Zgadza się – taki, który mógłby posłużyć jako dobra ścieżka dźwiękowa do Dnia Sądu. Najlepsze kompozycje Lily Boulanger spisane są na tekstach religijnych, takich jak psalmy czy modlitwy buddyjskie, i najczęściej wykonywane są jakby przez niewłaściwie nastrojony chór, przy poszarpanej, pozbawionej melodii i głośnej akompaniamencie muzyki. Nie da się od razu znaleźć analogii dla tej muzyki – owszem, jest ona po części podobna do wczesnych dzieł Strawińskiego i szczególnie ognistych dzieł Honeggera, ale ani jedno, ani drugie nie osiągnęło takiej głębi rozpaczy i nie popadło w tak ekstremalną skrajność. fatalizm. Kiedy przyjaciel rodziny Boulanger, kompozytor Gabriel Fauré, odkrył, że trzyletnia Lily ma absolutny słuch, jej rodzice i starsza siostra nie mogli sobie wyobrazić, że ten dar przełoży się na coś tak nieanielnego.

Przy okazji, o mojej siostrze. Nadia Boulanger okazała się postacią znacznie bardziej znaczącą w historii muzyki. Przez prawie pół wieku – od lat 20. do 60. – Nadya była uważana za jedną z najlepszych nauczycielek muzyki na świecie. Mając bardzo specyficzne poglądy zarówno na muzykę wówczas nową, jak i na muzykę dosłownie klasyczną, twardą, bezkompromisową i wyczerpującą swoich uczniów najtrudniejszymi zadaniami, Nadia, nawet dla swoich ideologicznych przeciwników, pozostała przykładem muzycznej inteligencji o niespotykanym dotąd poziomie. pamięć i moc. Być może mogłaby zostać równie znaczącą kompozytorką, jak okazała się nauczycielką. W każdym razie zaczynała jako kompozytorka – ale, jak sama przyznaje, po śmierci Lily coś w Nadii pękło. Żyjąc 92 lata, starsza siostra nigdy nie osiągnęła wyżyn nielicznych dzieł młodszej, która zmarła na chorobę Leśniowskiego-Crohna w wieku 24 lat.

Elżbieta Maconkey

Ralph Vaughan Williams, największy brytyjski kompozytor ubiegłego wieku, był gorącym orędownikiem narodowych tradycji muzycznych. Dlatego z entuzjazmem przerabiał pieśni ludowe, pisał dzieła chóralne podejrzanie podobne do hymnów anglikańskich i z różnym powodzeniem reinterpretował twórczość angielskich kompozytorów renesansu. Uczył także kompozycji w londyńskim Royal College of Music, gdzie w latach dwudziestych jego ulubioną uczennicą była młoda Irlandka Elizabeth Maconkey. Kilkadziesiąt lat później powie Ci, że to Vaughan Williams, mimo że był tradycjonalistą, poradził jej, aby nigdy nikogo nie słuchała, a podczas komponowania skupiała się wyłącznie na swoich zainteresowaniach, gustach i myślach.

Rada okazała się dla Makonki decydująca. Jej muzyka zawsze pozostawała nietknięta zarówno przez światowe nurty akademickiej awangardy, jak i odwieczną angielsko-celtycką miłość do wiejskiego folkloru. Już w czasach studenckich odkryła Bélę Bartóka (kompozytora zresztą, który także działał poza oczywistymi nurtami), Makonki w swoich kompozycjach w naturalny sposób nawiązywała do dojrzałej muzyki wielkiego Węgra, ale jednocześnie konsekwentnie wypracowała własny styl, znacznie bardziej intymny i introspektywny. Wyraźnym przykładem oryginalności i ewolucji wyobraźni kompozytorki Makonki jest jej trzynaście kwartetów smyczkowych, powstałych w latach 1933–1984 i tworzących łącznie cykl literatury kwartetowej, w niczym nie ustępujący twórczości Szostakowicza czy Bartoka.

Witezsława Kapralowa

Na kilka lat przed I wojną światową niepozorny czeski kompozytor i pianista Vaclav Kapral założył w rodzinnym Brnie prywatną szkołę muzyczną dla początkujących pianistów. Szkoła istniała także po wojnie, szybko zyskując miano niemal najlepszej w kraju. Napływ chętnych do studiowania, a konkretnie do samego kaprala, nawet na krótko skłonił kompozytora do zaprzestania wszelkiej innej działalności na rzecz nauczania.

Na szczęście jego córka Vitezslava, która w tym czasie nie obchodziła jeszcze swoich dziesiątych urodzin, nagle zaczęła wykazywać niezwykłe zdolności muzyczne. Dziewczyna grała na pianinie lepiej niż wielu dorosłych profesjonalistów, zapamiętała cały repertuar pieśni klasycznych, a nawet zaczęła pisać krótkie sztuki. Kapral opracował plan, zaskakujący stopniem arogancji, głupoty i komercji: wyhodować z Witezsławy prawdziwego potwora muzycznego, zdolnego zastąpić go na stanowisku głównego nauczyciela rodzinnej szkoły.

Oczywiście nic takiego się nie wydarzyło. Ambitny Vitezslava, chcący zostać kompozytorem i dyrygentem, w wieku piętnastu lat wstąpił na dwa odpowiednie wydziały miejscowego konserwatorium. Aby kobieta chciała dyrygować – czegoś takiego nie widziano w Czechach w latach 30. przed Kapralovą. A jednoczesne dyrygowanie i komponowanie było w ogóle nie do pomyślenia. Nowo przyjęty student zaczął przede wszystkim od komponowania muzyki - i to takiej jakości, takiej różnorodności stylistycznej i w takich natężeniu, że właściwie nie było z kim porównywać.

Wielkie kobiety Rosji

Anastazja Moreva

Organizacja Kompozytorów Woroneża poświęciła wiosenny quiz muzyczny i edukacyjny wielkim kobietom Rosji. Jej bohaterkami były Katarzyna Wielka, Natalia Gonczarowa, poetki Anna Achmatowa i Marina Cwietajewa oraz kosmonautka Walentyna Tereszkowa. Dorośli i młodzi uczestnicy quizu z zainteresowaniem poznali mało znane fakty z biografii wybitnych kobiet oraz wysłuchali występów Czczonej Artystki Federacji Rosyjskiej Ljubowa Koncowej i solistki Opery Woroneskiej Eleny Petrichenko.

Na przykład rosyjska cesarzowa Katarzyna II położyła podwaliny pod edukację kobiet w Rosji. Z jej inicjatywy otwarto Instytut Szlachetnych Panen Smolnego, szkołę przy Akademii Sztuk Pięknych i Towarzystwo Dwustu Szlachetnych Panien. Katarzyna zajmowała się działalnością literacką, pozostawiając po sobie duży zbiór dzieł - notatki, tłumaczenia, bajki, baśnie, komedie, eseje, a także libretta do kilku oper. Brał udział w tygodniku satyrycznym „Rzeczy różne”.

Natalya Goncharova – żona i muza A.S. Puszkin jest poświęcony wersetom poety „Jestem żonaty i szczęśliwy… Ten stan jest dla mnie tak nowy, że wydaje się, że się odrodziłem”. W małżeństwie z wielkim poetą urodziła czworo dzieci. W programie znalazły się wykonania utworów M.I. Glinka, A.S. Dargomyżskiego, a także kompozytora woroneskiego Władimira Naumowa na podstawie wierszy A.S. Puszkin.

Wielu po raz pierwszy usłyszało imię genialnej kobiety, poetki i pisarki Evdokii Rostopchiny. Znała A.S. Puszkin, MI. Lermontow, V.A. Żukowski, N.V. Gogola, z którym spotkania stały się impulsem do napisania własnych wierszy. Dla teatru komponowała sztuki liryczne, powieści prozatorskie i sztuki dramatyczne. W Petersburgu często urządzano wieczory muzyczne w domu Rostopchinów, w których uczestniczyli F. Liszt, M.I. Glinka, książę V.F. Odoevsky, pisarze A.N. Ostrovsky i L.A. May, a także artyści M.S. Szczepkin, I.V. Samarina i innych. Ciekawostką dla nas jest to, że hrabina spędziła dwa lata w majątku Woroneża należącym do jej męża – mieście Anny. Otwarciem wieczoru było wykonanie romansów E. Krylatowa „Zapamiętacie mnie”, A. Rubinsteina „Poranek” do wierszy E. Rostopchiny.

Widzom zaprezentowano romanse woroneskiego kompozytora Aleksandra Ukraińskiego do wierszy Anny Achmatowej „Miłość”, „Niech zabrzmią głosy organów”, wychwalając triumf sztuki, wiosny, miłości, prawdziwej poezji. Tekst wierszy przekazywany jest w muzyce kompozytora z niezwykłą przenikliwością i przenikliwością.

Marina Cwietajewa – poetka wielbiąca naturalne piękno i radosne uczucia miłości. Trudna droga życiowa Cwietajewy znajduje odzwierciedlenie w jej twórczości, przepełnionej motywami romantycznej miłości, odrzucenia i samotności. Na podstawie wierszy M. Cwietajewej powstały utwory innego woroneskiego kompozytora A. Mozalewskiego, które uzupełniły program wieczoru.

„Mężczyzna wolałby urodzić dziecko, niż kobieta pisać dobrą muzykę” – powiedział kiedyś niemiecki kompozytor Johannes Brahms. Półtora wieku później kompozytorki gromadzą największe sale koncertowe świata, pisząc muzykę do filmów i realizując ważne inicjatywy społeczne. „April” wspólnie z marką kosmetyczną NanoDerm opowiada o kobietach, których talent i praca pomogły obalić stereotyp o „męskim” zawodzie kompozytora.

1. Kasja z Konstantynopola

Grecka zakonnica Cassia urodziła się w zamożnej rodzinie w Konstantynopolu w 804 lub 805 roku. Dziś znana jest nie tylko jako założycielka klasztoru w Konstantynopolu, ale także jako jedna z pierwszych autorek hymnów i kompozytorek.

Kasja była bardzo piękna i według niektórych źródeł w 821 roku wzięła nawet udział w paradzie panny młodej dla cesarza Teofila. Dziewczynie nie było przeznaczone zostać żoną cesarza i wkrótce Cassia została zakonnicą, aby całe życie spędzić w założonym przez siebie klasztorze. Tam Kasja komponowała hymny i kanony kościelne, a analiza jej dzieł, w których znajdują się odniesienia do dzieł autorów starożytnych, pozwala stwierdzić, że dziewczyna miała dobre wykształcenie świeckie.

Kasja z Konstantynopola jest jednym z pierwszych kompozytorów, których dzieła mogą być wykonywane przez współczesnych muzyków.

2. Hildegarda z Bingen

Niemiecka zakonnica Hildegarda z Bingen była osobą niezwykłą nie tylko jeśli chodzi o pisanie muzyki - pracowała także nad dziełami z zakresu nauk przyrodniczych i medycyny, pisała mistyczne księgi wizji, a także wiersze duchowe.

Hildegarda urodziła się pod koniec XI wieku i była dziesiątym dzieckiem w rodzinie szlacheckiej. Od ósmego roku życia dziewczynka była wychowywana przez zakonnicę, a w wieku 14 lat zaczęła mieszkać w klasztorze, gdzie studiowała sztukę i liturgikę.

Dziewczyna już jako dziecko zaczęła komponować muzykę na podstawie własnych wierszy, a już jako dorosła zebrała swoje utwory w zbiorze zatytułowanym „Harmoniczna Symfonia Niebiańskich Objawień”. W zbiorze znajdują się pieśni, zebrane w kilka części o tematyce liturgicznej.

3. Barbara Strozzi

Włoska kompozytorka Barbara Strozzi, nazwana później „najbardziej wirtuozką”, była nieślubną córką poety Giulio Strozziego, który później ją adoptował. Sama Barbara miała czworo nieślubnych dzieci od różnych mężczyzn. Dziewczyna urodziła się w 1619 roku w Wenecji i studiowała u kompozytora Francesco Cavalli.

Strozzi pisała kantaty, arietty, madrygały, a jej ojciec Giulio pisał teksty do dzieł jej córki. Barbara stała się pierwszą kompozytorką, która wydała swoje utwory nie w zbiorach, ale pojedynczo. Muzyka Barbary Strozzi jest nadal wykonywana i wznawiana do dziś.

4. Klara Schumann

Nee Clara Wieck urodziła się w 1819 roku w Lipsku, w rodzinie Friedricha Wiecka, znanego w mieście i kraju nauczyciela gry na fortepianie. Od najmłodszych lat dziewczynka uczyła się gry na pianinie od ojca, a już w wieku 10 lat zaczęła z powodzeniem występować publicznie.

Klara wraz z ojcem odbyła tournée po Niemczech, następnie dała kilka koncertów w Paryżu. Mniej więcej w tym czasie młoda Klara zaczęła pisać muzykę – jej pierwsze utwory ukazały się w 1829 roku. W tym samym czasie młody Robert Schumann został uczniem Friedricha Wiecka, którego podziw dla utalentowanej córki nauczyciela przerodził się w miłość.

W 1940 roku Klara i Robert pobrali się. Od tego czasu dziewczyna zaczęła wykonywać muzykę napisaną przez męża, często jako pierwsza prezentowała publiczności nowe dzieła Roberta Schumanna. Również kompozytor Johannes Brahms, bliski przyjaciel rodziny, powierzył Klarze debiutanckie wykonanie swoich utworów.

Twórczość Clary Schumann wyróżniała się nowoczesnością i uznawana była za jeden z najlepszych przykładów szkoły romantycznej. Robert Schumann również wysoko cenił twórczość swojej żony, nalegał jednak, aby żona skupiła się na życiu rodzinnym i ośmiorgu dzieci.
Po śmierci Roberta Schumanna Klara nadal wykonywała jego utwory, a zainteresowanie własną twórczością na nowo wzrosło w 1970 r., kiedy ukazały się pierwsze nagrania kompozycji Klary

5. Plaża Amy

Amerykanka Amy Marcy Cheney Beach to jedyna kobieta w tak zwanej „bostońskiej szóstce” kompozytorów, do której oprócz niej należeli muzycy: John Knowles Payne, Arthur Foote, George Chadwick, Edward McDowell i Horatio Parker. Uważa się, że sześciu kompozytorów wywarło decydujący wpływ na kształtowanie się amerykańskiej muzyki akademickiej.

Amy urodziła się 5 września 1867 roku w zamożnej rodzinie z New Hampshire. Od najmłodszych lat dziewczynka uczyła się muzyki pod okiem matki, a po przeprowadzce rodziny do Bostonu zaczęła studiować sztukę kompozycji. Pierwszy solowy koncert Amy Beach odbył się w 1883 roku i okazał się wielkim sukcesem. Dwa lata później dziewczyna wyszła za mąż i pod naciskiem męża praktycznie przestała występować, koncentrując się na pisaniu muzyki.

Później wykonywała własne utwory podczas tournée po Europie i Ameryce, a dziś Amy Beach uważana jest za pierwszą kobietę, której udało się zrobić karierę w wysokiej sztuce muzycznej.

6. Walentyna Serowa

Pierwsza rosyjska kompozytorka, z domu Valentina Siemionowna Bergman, urodziła się w 1846 roku w Moskwie. Dziewczyna nie ukończyła Konserwatorium w Petersburgu z powodu konfliktu z reżyserem, po czym Walentyna zaczęła pobierać lekcje u krytyka muzycznego i kompozytora Aleksandra Serowa.

W 1863 roku Walentyna i Aleksander pobrali się, a dwa lata później para miała syna, przyszłego artystę Walentina Serowa. W 1867 r. Sierowowie zaczęli wydawać czasopismo „Muzyka i teatr”. Para utrzymywała przyjazne stosunki z Iwanem Turgieniewem i Poliną Viardot, Lwem Tołstojem, Ilją Repinem.

Valentina Serova była dość wrażliwa na twórczość męża, a po jego śmierci opublikowała cztery tomy artykułów o swoim mężu, a także ukończyła jego operę „Siła wroga”.

Serova jest autorką oper „Uriel Acosta”, „Maria D'Orval”, „Miroed”, „Ilya Muromets”. Oprócz muzyki pisała także artykuły o sztuce kompozytorskiej, publikowała wspomnienia o spotkaniach z Lwem Tołstojem oraz wspomnienia męża i syna.

7. Sofia Gubajdulina

Dziś rosyjska kompozytorka Sofia Gubaidulina mieszka i pracuje w Niemczech, ale w jej rodzinnym Tatarstanie co roku odbywają się konkursy i festiwale muzyczne poświęcone słynnemu mieszkańcowi republiki.

Sofia Gubaidulina urodziła się w mieście Czystopol w 1931 roku. Jako dziewczynka ukończyła kazańskie gimnazjum muzyczne, a następnie wstąpiła do Konserwatorium w Kazaniu, gdzie studiowała kompozycję. Po przeprowadzce do Moskwy Gubajdulina kontynuowała naukę w Konserwatorium Moskiewskim, a po ukończeniu studiów otrzymała od kompozytora Dmitrija Szostakowicza ważne dla siebie pożegnalne słowo: „Życzę wam, abyście podążali swoją „złą” ścieżką”.

Wraz z Alfredem Schnittke i Edisonem Denisowem Sofia Gubaidulina należała do trójcy moskiewskich kompozytorów awangardowych. Gubajdulina dużo pracował dla kina i pisał muzykę do takich filmów jak „Pion”, „Człowiek i jego ptak”, „Mowgli”, „Strach na wróble”.

W 1991 roku Sofia Gubaidulina otrzymała stypendium niemieckie i od tego czasu mieszka w Niemczech, regularnie przyjeżdżając do Rosji na koncerty, festiwale i różne inicjatywy społeczne.

„W starożytnej Grecji wszyscy harfiści byli mężczyznami, ale teraz jest to instrument „żeński”. Czasy się zmieniają i słowa Brahmsa, że ​​„mężczyzna wolałby urodzić dziecko, niż kobieta pisać dobrą muzykę”, nie brzmią już poważnie” – powiedziała w wywiadzie Sofia Asgatovna.

Jak w każdej innej dziedzinie sztuki klasycznej w świecie zachodnim, w historii muzyki akademickiej jest niezliczona ilość zapomnianych kobiet, które zasługują na to, by o nich opowiedzieć.

Zwłaszcza w historii sztuki kompozytorskiej.

Nawet teraz, gdy z roku na rok rośnie liczba wybitnych kompozytorek, w sezonowych programach najsłynniejszych orkiestr i programach koncertów najsłynniejszych wykonawców rzadko pojawiają się dzieła kobiet.

Kiedy twórczość kompozytorki staje się obiektem zainteresowania publiczności lub dziennikarstwa, wiadomościom na ten temat nieodzownie towarzyszą smutne statystyki.

Oto niedawny przykład: W tym sezonie Metropolitan Opera zaprezentowała genialną Miłość z daleka Kaiji Saariaho – jak się okazało, pierwszą operę napisaną przez kobietę, która została wystawiona w tym teatrze od 1903 roku. Pocieszeniem jest to, że utwory Saariaho – jak choćby muzyka Sofii Gubaiduliny czy Julii Wolf – są wykonywane dość często, nawet bez takich powodów informacyjnych.

Wybranie kilku mało znanych bohaterek muzycznych z dużej listy imion żeńskich jest trudnym zadaniem. Siedem kobiet, o których teraz porozmawiamy, łączy jedno – w takim czy innym stopniu nie pasowały do ​​otaczającego ich świata.

Niektórzy wyłącznie za sprawą własnego zachowania, które zniszczyło fundamenty kulturowe, a niektórzy – poprzez swoją muzykę, dla której nie sposób znaleźć analogii.

Louise Farranc (1804–1875)

Urodzona jako Jeanne-Louise Dumont, w świecie muzyki europejskiej zasłynęła w latach trzydziestych i czterdziestych XIX wieku jako pianistka. Co więcej, reputacja wykonawczyni dziewczyny była tak wysoka, że ​​w 1842 roku Farranc został mianowany profesorem fortepianu w Konserwatorium Paryskim.

Funkcję tę pełniła przez następne trzydzieści lat i mimo nawału pracy pedagogicznej dała się poznać jako kompozytorka. Jednak zamiast „udało się zamanifestować”, ale „nie mogło powstrzymać się od zamanifestowania”.

Farranc pochodziła ze słynnej dynastii rzeźbiarzy i dorastała wśród najlepszych ludzi sztuki paryskiej, dlatego akt twórczego wyrażania siebie był dla niej niezwykle naturalny.

Po opublikowaniu w ciągu swojego życia około pięćdziesięciu utworów, głównie instrumentalnych, Madame Professor zebrała entuzjastyczne recenzje swojej muzyki u Berlioza i Liszta, jednak w ojczyźnie Farranc był postrzegany jako kompozytor nazbyt niefrancuski.

We Francji każdy pierwszy początkujący autor pisał wielogodzinne opery, a lakoniczne i inspirowane muzyką epoki klasycznej dzieła paryżanina rzeczywiście kłóciły się z modą tamtych czasów.

Na próżno: jej najlepsze dzieła – jak III Symfonia g-moll – delikatnie mówiąc, nie giną na tle mastodontów tamtych czasów, jak Mendelssohn czy Schumann. A Brahms swoimi próbami przełożenia klasycyzmu na język epoki romantyzmu wyprzedził Farranka o dziesięć, a nawet dwadzieścia lat.

Dora Pejacevic (1885–1923)

Przedstawicielka jednego z najwybitniejszych bałkańskich rodów szlacheckich, wnuczka jednego z zakazów (czytaj – namiestników) Chorwacji i córka innego, Dora Pejacevic spędziła swoje dzieciństwo i młodość dokładnie tak, jak lubi to przedstawiać światowa popkultura. życie młodych i starannie chronione przez rodzinę młodych arystokratów.

Dziewczyna dorastała pod ścisłym nadzorem angielskich guwernantek, prawie nie miała kontaktu z rówieśnikami i, ogólnie rzecz biorąc, była wychowywana przez rodziców z myślą o dalszym udanym małżeństwie dla rodziny, a nie o szczęśliwym dzieciństwie.

Coś jednak poszło nie tak: Dora jako nastolatka zafascynowała się ideami socjalizmu, zaczęła nieustannie kłócić się z rodziną, w wyniku czego w wieku ponad dwudziestu lat została na zawsze oddzielona od reszty Pejaceviców. resztę jej życia.

Przyniosło to jednak korzyść tylko jej innemu hobby: u progu I wojny światowej zbuntowana szlachcianka ugruntowała swoją pozycję najważniejszej postaci muzyki chorwackiej.

Utwory Dory, w równym stopniu inspirowane Brahmsem, Schumannem i Straussem, brzmiały wyjątkowo naiwnie jak na standardy otaczającego ją świata – powiedzmy, że w chwili premiery jej staromodnego koncertu fortepianowego w Berlinie i Paryżu słuchano już Pierrot Lunaire i Święto wiosny.

Jeśli jednak oderwiemy się od kontekstu historycznego i posłuchamy muzyki Pejacevic jako szczerej deklaracji miłości do niemieckich romantyków, z łatwością zauważymy jej ekspresyjną melodykę, orkiestrację na wysokim poziomie i staranną pracę strukturalną.

Plaża Amy (1867–1944)

Najsłynniejszy odcinek biografii Amy Beach można opowiedzieć w następujący sposób. W 1885 roku, gdy miała 18 lat, rodzice Amy wydali ją za mąż za 42-letniego chirurga z Bostonu. Dziewczyna była już wirtuozką fortepianu i miała nadzieję kontynuować naukę muzyki i karierę koncertową, ale jej mąż zdecydował inaczej.

Doktor Henry Harris Audrey Beach, zaniepokojony sytuacją swojej rodziny i kierując się ówczesnymi wyobrażeniami o roli kobiet w świeckim społeczeństwie Nowej Anglii, zabronił żonie studiowania muzyki i ograniczył jej występy jako pianistki do jednego koncertu w roku.

Dla Amy, która marzyła o salach koncertowych i wyprzedanych recitalach, okazało się to równoznaczne z tragedią. Jednak, jak to często bywa, tragedia ustąpiła miejsca triumfowi: Beach, choć poświęciła karierę performerską, zaczęła coraz bardziej oddawać się komponowaniu i obecnie przez większość badaczy jest jednoznacznie identyfikowana jako najlepsza amerykańska kompozytorka późnego romantyzmu.

Jej dwa główne dzieła – wydana w 1896 roku Symfonia gaelicka i wydany trzy lata później koncert fortepianowy – są naprawdę piękne, choć jak na ówczesne standardy zupełnie pozbawione oryginalności. Najważniejsze jest to, że w muzyce Beacha, jak można się spodziewać, nie ma absolutnie miejsca na prowincjonalizm i zaściankowość.

Ruth Crawford Seeger (1901–1953)

W kręgach poważnych fanów, badaczy i po prostu miłośników amerykańskiej muzyki folkowej Ruth Crawford Seeger jest znacznie lepiej znana niż w świecie muzyki akademickiej. Dlaczego?

Powody są dwa kluczowe: po pierwsze, była żoną muzykologa Charlesa Seegera, a zatem przodkiem klanu Seegerów, rodziny muzyków i śpiewaków, którzy bardziej niż ktokolwiek inny zrobili dla popularyzacji amerykańskiego folku.

Po drugie, przez ostatnie dziesięć lat swojego życia ściśle zajmowała się katalogowaniem i aranżacją utworów zarejestrowanych podczas licznych podróży Johna i Alana Lomaxów, największych amerykańskich folklorystów i kolekcjonerów muzyki ludowej.

Co zaskakujące, zarówno Ruth, jak i Charles Seeger do początku wspólnego życia byli kompozytorami o skrajnie modernistycznym zamyśle, do których muzyki z wielkim trudem można było zastosować słowo „folklor”. Zwłaszcza twórczość Ruth Crawford z początku lat 30. można porównywać jedynie z twórczością Antona Weberna – i to tylko pod względem umiejętnie skonstruowanej dramaturgii i lakonicznie skoncentrowanego materiału muzycznego.

Jeśli jednak w Webernie tradycja prześwieca przez każdą nutę – niezależnie od tego, czy jest to muzyka austriacka, czy renesansowa – wówczas dzieła Seegera istnieją jakby poza tradycją, poza przeszłością i poza przyszłością, poza Ameryką i poza resztą świata.

Dlaczego kompozytor o tak indywidualnym stylu wciąż nie znajduje się w kanonicznym repertuarze modernizmu? Tajemnica.

Lily Boulanger (1893–1918)

Wydawałoby się, jaką muzykę mogła na początku ubiegłego wieku komponować wiecznie chora, głęboko religijna i patologicznie skromna Francuzka z wyższych sfer? Zgadza się – taki, który mógłby posłużyć jako dobra ścieżka dźwiękowa do Dnia Sądu.

Najlepsze kompozycje Lily Boulanger spisane są na tekstach religijnych, takich jak psalmy czy modlitwy buddyjskie, i najczęściej wykonywane są jakby przez niewłaściwie nastrojony chór, przy poszarpanej, pozbawionej melodii i głośnej akompaniamencie muzyki. Nie da się od razu znaleźć analogii dla tej muzyki – owszem, jest ona po części podobna do wczesnych dzieł Strawińskiego i szczególnie ognistych dzieł Honeggera, ale ani jedno, ani drugie nie osiągnęło takiej głębi rozpaczy i nie popadło w tak ekstremalną skrajność. fatalizm.

Kiedy przyjaciel rodziny Boulanger, kompozytor Gabriel Fauré, odkrył, że trzyletnia Lily ma absolutny słuch, jej rodzice i starsza siostra nie mogli sobie wyobrazić, że ten dar przełoży się na coś tak nieanielnego.

Przy okazji, o mojej siostrze. Nadia Boulanger okazała się postacią znacznie bardziej znaczącą w historii muzyki. Przez prawie pół wieku – od lat 20. do 60. – Nadya była uważana za jedną z najlepszych nauczycielek muzyki na świecie. Mając bardzo specyficzne poglądy zarówno na muzykę wówczas nową, jak i na muzykę dosłownie klasyczną, twardą, bezkompromisową i wyczerpującą swoich uczniów najtrudniejszymi zadaniami, Nadia, nawet dla swoich ideologicznych przeciwników, pozostała przykładem muzycznej inteligencji o niespotykanym dotąd poziomie. pamięć i moc.

Być może mogłaby zostać równie znaczącą kompozytorką, jak okazała się nauczycielką. W każdym razie zaczynała jako kompozytorka – ale, jak sama przyznaje, po śmierci Lily coś w Nadii pękło. Żyjąc 92 lata, starsza siostra nigdy nie osiągnęła wyżyn nielicznych dzieł młodszej, która zmarła na chorobę Leśniowskiego-Crohna w wieku 24 lat.

Elżbieta Maconkey (1907–1994)

Ralph Vaughan Williams, największy brytyjski kompozytor ubiegłego wieku, był gorącym orędownikiem narodowych tradycji muzycznych. Dlatego z entuzjazmem przerabiał pieśni ludowe, pisał dzieła chóralne podejrzanie podobne do hymnów anglikańskich i z różnym powodzeniem reinterpretował twórczość angielskich kompozytorów renesansu.

Uczył także kompozycji w londyńskim Royal College of Music, gdzie w latach dwudziestych jego ulubioną uczennicą była młoda Irlandka Elizabeth Maconkey.

Kilkadziesiąt lat później powie Ci, że to Vaughan Williams, mimo że był tradycjonalistą, poradził jej, aby nigdy nikogo nie słuchała, a podczas komponowania skupiała się wyłącznie na swoich zainteresowaniach, gustach i myślach.

Rada okazała się dla Makonki decydująca. Jej muzyka zawsze pozostawała nietknięta zarówno przez światowe nurty akademickiej awangardy, jak i odwieczną angielsko-celtycką miłość do wiejskiego folkloru. Już w czasach studenckich odkryła Bélę Bartóka (kompozytora zresztą, który także działał poza oczywistymi nurtami), Makonki w swoich kompozycjach w naturalny sposób nawiązywała do dojrzałej muzyki wielkiego Węgra, ale jednocześnie konsekwentnie wypracowała własny styl, znacznie bardziej intymny i introspektywny.

Wyraźnym przykładem oryginalności i ewolucji wyobraźni kompozytorki Makonki jest jej trzynaście kwartetów smyczkowych, powstałych w latach 1933–1984 i tworzących łącznie cykl literatury kwartetowej, w niczym nie ustępujący twórczości Szostakowicza czy Bartoka.

Witezsław Kaprałow (1915–1940)

Na kilka lat przed I wojną światową niepozorny czeski kompozytor i pianista Vaclav Kapral założył w rodzinnym Brnie prywatną szkołę muzyczną dla początkujących pianistów. Szkoła istniała także po wojnie, szybko zyskując miano niemal najlepszej w kraju.

Napływ chętnych do studiowania, a konkretnie do samego kaprala, nawet na krótko skłonił kompozytora do zaprzestania wszelkiej innej działalności na rzecz nauczania.

Na szczęście jego córka Vitezslava, która w tym czasie nie obchodziła jeszcze swoich dziesiątych urodzin, nagle zaczęła wykazywać niezwykłe zdolności muzyczne. Dziewczyna grała na pianinie lepiej niż wielu dorosłych profesjonalistów, zapamiętała cały repertuar pieśni klasycznych, a nawet zaczęła pisać krótkie sztuki.

Kapral opracował plan, zaskakujący stopniem arogancji, głupoty i komercji: wyhodować z Witezsławy prawdziwego potwora muzycznego, zdolnego zastąpić go na stanowisku głównego nauczyciela rodzinnej szkoły.

Oczywiście nic takiego się nie wydarzyło. Ambitny Vitezslava, chcący zostać kompozytorem i dyrygentem, w wieku piętnastu lat wstąpił na dwa odpowiednie wydziały miejscowego konserwatorium. Aby kobieta chciała dyrygować – czegoś takiego nie widziano w Czechach w latach 30. przed Kapralovą.

A jednoczesne dyrygowanie i komponowanie było w ogóle nie do pomyślenia. Nowo przyjęty student zaczął przede wszystkim od komponowania muzyki - i to takiej jakości, takiej różnorodności stylistycznej i w takich natężeniu, że właściwie nie było z kim porównywać.

Jasne jest, dlaczego w serialu „Mozart w dżungli” to Kapralova staje się wzorem do naśladowania dla bohaterki o imieniu Lizzie, która nie może usiedzieć w miejscu: Vitezslava zmarła na gruźlicę w wieku 25 lat - ale jednocześnie liczba kompozycji napisała, przewyższa katalogi bardzo, bardzo wielu autorów.

Logiczne jest jednak założenie, że tej fenomenalnej dziewczynie nie udało się dożyć swego ostatecznego triumfu jako kompozytorka.

Przy całej swej jakości formalnej kompozycje Kapralowej są nadal stylistycznie bardzo podobne do muzyki czołowego czeskiego kompozytora tamtych lat, Bogusława Martinu, który był także wielkim przyjacielem rodziny Kapralów, który znał Vitezslavę od dzieciństwa, a nawet potrafił popaść w szaleństwo zakochał się w niej na krótko przed śmiercią dziewczyny.

WEronika Dudarova, Sofia Gubaidulina, Elena Obraztsova to nazwiska znane nie tylko w Rosji, ale także za granicą. Pamiętamy o wielkich muzykach XX wieku.

Weronika Dudarowa

Weronika Dudarowa. Zdjęcie: classicmusicnews.ru

Weronika Dudarowa. Fot.: South-osetia.info

Weronika Dudarowa urodziła się w Baku w 1916 r. W 1938 roku ukończyła wydział fortepianu szkoły muzycznej w Konserwatorium Leningradzkim i podjęła niecodzienną jak na tamte czasy decyzję – zostać dyrygentem. W ZSRR nie było wówczas kobiet, które zdecydowałyby się na wstąpienie do orkiestry symfonicznej. Veronica Dudarova została uczennicą dwóch mistrzów - Leo Ginzburga i Nikołaja Anosowa.

Jako dyrygentka zadebiutowała w Centralnym Teatrze Dziecięcym w 1944 roku. Następnie pracowała w studiu operowym Konserwatorium Moskiewskiego.

W 1947 roku Veronica Dudarova została dyrygentem Moskiewskiej Państwowej Orkiestry Symfonicznej, a w 1960 roku objęła stanowisko głównego dyrygenta i dyrektora artystycznego tego zespołu. Repertuar Dudarowej stopniowo obejmował ogromną liczbę dzieł - od Bacha i Mozarta po Alfreda Schnittke, Mikaela Tariverdiewa, Sofię Gubaidulinę.

W wywiadzie nie raz mówiła o krwawych próbach i tym, że czasami trzeba „ostro osiągnąć rezultaty”. W 1991 roku Dudarova zorganizowała i kierowała Państwową Orkiestrą Symfoniczną Rosji. Jej nazwisko zostało wpisane do Księgi Rekordów Guinnessa: została pierwszą kobietą na świecie, która pracowała z orkiestrami symfonicznymi przez ponad 50 lat.

Festiwal poświęcony Weronice Dudarowej:

Sofia Gubajdulina

Sofia Gubajdulina. Foto: remusik.org

Sofia Gubajdulina. Zdjęcie: tatarstan-symphony.com

Kompozytorka Sofia (Sania) Gubaidulina urodziła się w 1931 roku w Czystopolu. Jej ojciec był geodetą, matka nauczycielką w szkole podstawowej. Wkrótce po urodzeniu córki rodzina przeniosła się do Kazania. W 1935 roku Sofia Gubaidulina rozpoczęła studia muzyczne. W 1949 roku została studentką wydziału fortepianu Konserwatorium w Kazaniu. Później pianistka zdecydowała się sama pisać muzykę i wstąpiła na wydział kompozycji Konserwatorium Moskiewskiego - najpierw w klasie Jurija Szaporina, następnie Nikołaja Peiko, a następnie w szkole podyplomowej pod kierunkiem Wissariona Szebalina.

Koledzy Sofii Gubajduliny zauważyli, że już w swoich pierwszych pracach zwróciła się ku obrazom religijnym. Jest to szczególnie widoczne w partyturach z lat 70. i 80. XX w.: „De profundis” na akordeon, koncert skrzypcowy „Offertorium” („Sacrifice”), „Siedem słów” na wiolonczelę, akordeon i smyczki. Było to widoczne także w jego późniejszych dziełach – „Pasja według Jana”, „Wielkanoc według Jana”, „Prosta modlitwa”.

„Moim celem zawsze było usłyszenie dźwięku świata, dźwięku własnej duszy i zbadanie ich zderzenia, kontrastu lub odwrotnie, podobieństwa. Im dłużej idę, tym wyraźniejsze staje się dla mnie, że przez cały ten czas poszukiwałem dźwięku, który odpowiadałby prawdzie mojego życia.

Sofia Gubajdulina

Pod koniec lat 80. Sofia Gubaidulina stała się światowej sławy kompozytorką. Od 1991 roku mieszka w Niemczech, ale często przyjeżdża do Rosji. Dziś w różnych krajach odbywają się poświęcone jej festiwale, a współpracują z nią najlepsze zespoły muzyczne i soliści.

Film dokumentalny o Sofii Gubajdulinie:

Elena Obrazcowa

Elena Obrazcowa. Zdjęcie: classicmusicnews.ru

Elena Obraztsova urodziła się w 1939 roku w Leningradzie. Kiedy nadszedł czas wstąpienia na uniwersytet, dziewczyna wybrała wydział wokalny Konserwatorium Leningradzkiego, chociaż jej ojciec nalegał, aby jej córka studiowała inżynierię radiową. W 1962 roku studentka Obraztsova wygrała Ogólnounijny Konkurs Wokalny Glinka. Wkrótce młoda piosenkarka zadebiutowała w Teatrze Bolszoj – jej pierwszą rolą była Marina Mnishek w Borysie Godunowie Modesta Musorgskiego.

W rosyjskim repertuarze piosenkarki znajdują się także Marfa z opery „Chovanshchina” Musorgskiego, Lyubasha z „Carskiej narzeczonej” Mikołaja Rimskiego-Korsakowa, Helena Bezukhova z „Wojny i pokoju” Siergieja Prokofiewa. Elena Obrazcowa przez całą swoją karierę muzyczną pełniła rolę Hrabiny w Damie pik Piotra Czajkowskiego. Piosenkarka powiedziała: „Mogę ją śpiewać nawet przez sto lat, o ile starczy mi głosu. I rośnie i nabiera nowych kolorów”.

Jedną z najsłynniejszych ról z zagranicznego repertuaru Obrazcowej była Carmen w operze Bizeta. Nie tylko sowieccy, ale także hiszpańscy słuchacze uznali ją za najlepszą wykonawczynię tej roli.
Partnerami Obraztsovej byli Placido Domingo, Luciano Pavarotti, Mirella Freni. Ważnym wydarzeniem w życiu piosenkarki było jej spotkanie z kompozytorem Georgym Sviridovem: poświęcił jej kilka kompozycji wokalnych.

Program „Linia życia” z Eleną Obraztsovą:

Eliso Virsaladze

Eliso Virsaladze. Foto: Archive.li

Eliso Virsaladze. Zdjęcie: riavrn.ru

Eliso Virsaladze urodził się w Tbilisi w 1942 roku. Jej nauczycielką w szkole i konserwatorium była babcia, słynna gruzińska pianistka Anastazja Wirsaladze. W 1962 roku Eliso otrzymał III nagrodę na II Międzynarodowym Konkursie im. Czajkowskiego. W 1966 roku, po ukończeniu Konserwatorium w Tbilisi, rozpoczęła studia podyplomowe w Konserwatorium Moskiewskim w klasie Jakowa Zaka.

Od 1967 roku Eliso Virsaladze wykłada w Konserwatorium Moskiewskim. Wśród absolwentów jej klasy są laureaci międzynarodowych konkursów Borys Bieriezowski, Aleksiej Wołodin, Dmitry Kaprin.

W repertuarze pianisty szczególne miejsce zajmują dzieła Wolfganga Amadeusza Mozarta, Ludwiga van Beethovena, Roberta Schumanna, Czajkowskiego i Prokofiewa. Często występuje w zespole z wiolonczelistką Natalią Gutman.

„To artystka wielkiej skali, być może najsilniejsza współczesna pianistka”, - tak powiedział Światosław Richter o Wirsaładze.

Dziś Eliso Virsaladze dużo koncertuje z programami solowymi i kameralnymi, często gra z orkiestrami. O koncertach jako o sakramencie mówi: „Wychodzisz na scenę i należysz do kompozytora, którego grasz, i do publiczności, dla której grasz”..

Program „Przedstawienia zebrane” i koncert Eliso Virsaladze:

Natalia Gutman

Natalia Gutman. Zdjęcie: classicmusicnews.ru

Przyszła wiolonczelistka urodziła się w Kazaniu w 1942 roku, a pierwsze lekcje gry na wiolonczeli pobierała u ojczyma, Romana Sapożnikowa. Następnie studiowała w Centralnej Szkole Muzycznej przy Konserwatorium Moskiewskim. W 1964 roku Natalia ukończyła Konserwatorium Moskiewskie w klasie Galiny Kozolupowej, a w 1968 ukończyła studia podyplomowe w Konserwatorium Leningradzkim, gdzie jej dyrektorem był Mścisław Rostropowicz.

Już w latach konserwatorskich Natalia została laureatką kilku konkursów, w tym II Międzynarodowego Konkursu im. Czajkowskiego. W 1967 rozpoczęła naukę w Konserwatorium Moskiewskim.

„Jeśli po prostu profesjonalnie poruszę łukiem i pomyślę o swoich sprawach, od razu będzie to słychać! Dla mnie automatyczna egzekucja i obojętność to straszna porażka!”- ona mówi.

Obecnie Natalia Gutman uczy młodych muzyków w wielu europejskich miastach, organizuje najważniejsze festiwale i kontynuuje tournée.

Przemówienie podczas „Grudniowych wieczorów” w Państwowym Muzeum Sztuk Pięknych Puszkina:

______________________________________________